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  • Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    En 1976 Wolf Vostell convirtió Los Barruecos en el punto de partida de uno de los proyectos artísticos más singulares de España. Cincuenta años después, el Museo Vostell Malpartida reúne paisaje, patrimonio industrial, Fluxus, videoarte, instalaciones, memoria documental y algunos de los nombres esenciales de la creación contemporánea internacional.

    En 1976 el Museo Vostell Malpartida todavía no tenía la dimensión, las colecciones ni la estructura que hoy conocemos. Los Barruecos eran ya ese extraordinario paisaje de granito y agua modelado durante siglos por la naturaleza y por la actividad humana, pero resultaba difícil anticipar que aquel espacio, situado a pocos kilómetros de Cáceres y lejos de los grandes centros europeos del arte, terminaría formando parte de una de las experiencias culturales más singulares nacidas en Extremadura durante la segunda mitad del siglo XX.

    España acababa de entrar en una etapa completamente nueva tras la muerte de Franco y Extremadura estaba todavía lejos de contar con la estructura institucional y cultural que desarrollaría con la democracia y la autonomía. Madrid concentraba buena parte de la actividad artística nacional y ciudades como París, Berlín, Colonia o Nueva York marcaban algunas de las coordenadas internacionales de la creación contemporánea. Malpartida de Cáceres quedaba aparentemente fuera de aquel mapa, aunque esa posición periférica terminaría formando parte de la personalidad del proyecto.

    Wolf Vostell encontró en Los Barruecos un territorio que conectaba con su manera de entender el arte y con una idea que había recorrido buena parte de su trayectoria: acercar creación y vida hasta hacer difícil distinguir dónde terminaba una y comenzaba la otra. Entre las grandes rocas graníticas, las charcas, el ganado, las aves y las construcciones vinculadas durante siglos a la actividad ganadera comenzó a tomar forma un museo que no había sido diseñado previamente para buscar después una ubicación. Fue el encuentro con el lugar el que terminó provocando el proyecto. El 30 de octubre de 1976, VOAEX (Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura) situó un automóvil envuelto en hormigón entre las rocas de Los Barruecos. Aquella intervención marcaría el punto de partida de una historia que durante los siguientes cincuenta años conectaría Malpartida con algunas de las corrientes, artistas y debates fundamentales del arte contemporáneo internacional.

    De Alemania a Extremadura

    Wolf Vostell había nacido en Leverkusen en 1932 y su infancia quedó atravesada por la Segunda Guerra Mundial, una experiencia que posteriormente aparecería, directa o indirectamente, en numerosas obras. Violencia, destrucción, medios de comunicación, tecnología, información y comportamiento humano fueron incorporándose a un lenguaje artístico que acabaría situándolo entre las figuras relevantes de la renovación artística europea de la segunda mitad del siglo XX. Durante su juventud viajó a París y entró en contacto con los nuevos lenguajes que estaban transformando el arte europeo. España comenzó también a ocupar un lugar importante en su trayectoria. Goya, Zurbarán y la tradición artística española despertaron su interés y en París conoció Las Hurdes, tierra sin pan, de Luis Buñuel, una película que introducía Extremadura en su imaginario antes de que la región adquiriera una dimensión mucho más personal en su vida.

    Ese interés lo condujo hasta Guadalupe, donde buscaba acercarse a la obra de Zurbarán conservada en el monasterio y donde se produjo un encuentro que acabaría modificando definitivamente su relación con Extremadura. Allí conoció a Mercedes Guardado, una joven extremeña que acababa de terminar sus estudios de Magisterio. La relación avanzó rápidamente y ambos se casaron en enero de 1959 en la iglesia de Santiago de Cáceres. Desde entonces Extremadura dejó de ser para Vostell únicamente un territorio de interés artístico para convertirse también en espacio familiar y vital. Mercedes acompañaría buena parte de su trayectoria, participaría activamente en el entorno artístico que fue creciendo alrededor del creador alemán y desempeñaría posteriormente un papel decisivo en la continuidad del proyecto de Malpartida. Su casa se convirtió en lugar de encuentro para artistas y su presencia fue inseparable de una historia que hoy reconoce esa aportación en la Colección Wolf y Mercedes Vostell.

    Los Barruecos

    Vostell llegó por primera vez a Malpartida de Cáceres en 1974 y encontró un paisaje muy diferente al de los espacios convencionales en los que acostumbraba a presentarse el arte contemporáneo. Los Barruecos reunían enormes formaciones graníticas, agua, caminos, aves, ganado y restos de actividades económicas desarrolladas durante siglos, además del antiguo Lavadero de Lanas, estrechamente relacionado con la trashumancia y con una parte importante de la memoria rural extremeña.

    Su interés por aquel entorno superó pronto la contemplación estética. Vostell entendió que el paisaje podía incorporarse al propio discurso artístico y que la relación entre naturaleza, actividad humana y creación ofrecía posibilidades que difícilmente podían reproducirse en una sala convencional. De esa mirada surgió el museo. Los Barruecos no fueron elegidos para albergar un proyecto previamente definido, sino que participaron en su propia concepción. Desde entonces, el territorio dejó de funcionar únicamente como fondo de las obras y pasó a convertirse en uno de los elementos que explican su identidad. Esa relación continúa determinando la experiencia de la visita cincuenta años después. El museo comienza antes de atravesar sus puertas. La carretera, las grandes rocas, las charcas, las cigüeñas, el ganado y los cambios del paisaje acompañan el recorrido hasta el antiguo Lavadero de Lanas y sitúan al visitante en un espacio donde patrimonio natural, memoria histórica y creación contemporánea conviven de una manera difícil de encontrar en otros museos.

    Del Lavadero de Lanas al museo

    La incorporación del antiguo Lavadero de Lanas permitió ampliar considerablemente las posibilidades del proyecto. El Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres consiguió adquirir el conjunto de edificios, entonces muy deteriorados, y ponerlos a disposición de su desarrollo, una decisión fundamental para que las primeras intervenciones en Los Barruecos pudieran avanzar hacia una estructura museística más ambiciosa.

    El edificio aportaba además una dimensión que encajaba especialmente bien con la concepción de Vostell. Su historia estaba relacionada con la lana, la trashumancia, el trabajo y las rutas que durante siglos habían atravesado Extremadura. La llegada del arte contemporáneo no borró esa memoria, sino que añadió una nueva capa a un lugar que ya tenía una historia propia. El respaldo institucional resultó esencial desde aquellos primeros años. El Ayuntamiento desempeñó un papel determinante y la Universidad de Extremadura aportó también el apoyo de profesores que conocían la trayectoria internacional de Vostell y comprendieron la relevancia de lo que comenzaba a desarrollarse en Malpartida. Con el paso de los años se incorporaría de manera decisiva la Junta de Extremadura, especialmente durante el proceso de consolidación institucional y recuperación arquitectónica que permitiría la apertura estable del museo en la década de los noventa.

    El recorrido no fue sencillo ni lineal. Hubo avances, dificultades y desencuentros en una Extremadura que construía al mismo tiempo su autonomía y debía atender importantes necesidades sociales y de infraestructuras. En ese contexto fue tomando cuerpo una institución dedicada a lenguajes artísticos que todavía resultaban desconocidos para una parte considerable de la sociedad.

    Malpartida entra en el mapa internacional

    Mientras el proyecto avanzaba institucionalmente, la trayectoria de Vostell conectaba Malpartida con una red artística que llevaba años atravesando Europa y Estados Unidos. El creador alemán había trabajado con el dé-coll/age, el happening, las acciones y la televisión como material artístico y mantenía una relación estrecha, aunque siempre desde su propia independencia creativa, con el universo Fluxus.

    Fluxus había reunido desde comienzos de los años sesenta a creadores interesados en cuestionar las fronteras entre música, artes visuales, literatura, performance y vida cotidiana. El objeto común, el sonido, el gesto, el azar, el humor o una acción aparentemente insignificante podían adquirir una nueva dimensión artística y desplazar los límites tradicionales de la obra de arte. Esa red internacional comenzó a encontrar también su espacio en Extremadura. Artistas, críticos, coleccionistas, investigadores y responsables de instituciones culturales viajaron hasta Malpartida y participaron en actividades, encuentros y proyectos que situaron a la localidad dentro de un circuito que hasta entonces parecía muy alejado de la región.

    Nombres como Nam June Paik, Yoko Ono, George Maciunas, George Brecht, Robert Filliou, Ben Vautier o Daniel Spoerri forman parte del contexto artístico y de las colecciones vinculadas a Fluxus que permiten entender la dimensión internacional alcanzada por el museo. Malpartida no necesitó reproducir los modelos de Berlín, París, Colonia o Nueva York para incorporarse a esa geografía. Su singularidad estaba precisamente en conservar aquello que ninguna de esas ciudades podía ofrecer: Los Barruecos, el paisaje extremeño, el antiguo Lavadero de Lanas y una relación entre arte y territorio imposible de trasladar intacta a otro lugar.

    La vanguardia y el pueblo

    La dimensión internacional convivió desde muy pronto con la voluntad de conectar el proyecto con Malpartida. Vostell incorporó a las primeras actividades elementos procedentes de los conocimientos, costumbres y formas de vida del pueblo, estableciendo un diálogo entre la experimentación artística y una cultura popular que formaba parte del territorio. Durante las primeras Semanas de Arte Contemporáneo, a finales de los setenta, happenings, performances y conciertos Fluxus compartieron espacio con fotografías, herramientas de trabajo, objetos tradicionales, gastronomía y otras manifestaciones relacionadas con la vida cotidiana. Mujeres, personas mayores y vecinos participaron en distintas experiencias y dejaron de ocupar exclusivamente el papel de espectadores de una vanguardia llegada desde fuera. Aquella convivencia entre prácticas aparentemente tan alejadas respondía a una de las ideas que Vostell defendió durante su relación con Extremadura: «No hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición». Los Barruecos permitían comprobar esa relación de una manera especialmente directa. El arte internacional no sustituía la identidad del lugar, sino que se incorporaba a ella.

    Dalí y Parsifal

    Otro momento importante en la consolidación del museo llegó en 1988 con la instalación del monumental telón de Parsifal, realizado por Salvador Dalí para la representación de la ópera de Richard Wagner dirigida por Vostell. La obra incorporaba al museo una de las firmas más reconocibles del arte del siglo XX, pero su importancia iba más allá del nombre de Dalí. El telón estaba relacionado con la lectura escénica realizada por Vostell sobre la obra de Wagner y establecía un nuevo vínculo entre artes plásticas, música y representación. Su llegada proporcionó además una enorme visibilidad al proyecto extremeño y coincidió con una etapa de mayor implicación institucional de la Junta de Extremadura. El museo avanzaba así desde las primeras intervenciones y actividades de los setenta hacia una estructura cultural cada vez más consolidada, capaz de conservar obras de gran formato y de relacionar su colección con figuras fundamentales de la creación internacional.

    Fluxus en Los Barruecos

    Una de las principales fortalezas actuales del Museo Vostell Malpartida se encuentra en sus colecciones y en la posibilidad de recorrer a través de ellas algunos de los grandes cambios que experimentó el arte durante la segunda mitad del siglo XX. La Colección Fluxus reúne obras y documentación relacionadas con protagonistas esenciales del movimiento. A ella se suman la colección conceptual y el conjunto dedicado a Wolf y Mercedes Vostell, configurando un recorrido en el que aparecen televisores, automóviles, hormigón, pianos, motocicletas, objetos domésticos, instalaciones, fotografías y documentos. Aquellos artistas cuestionaron hace décadas asuntos que hoy forman parte de nuestra relación cotidiana con la imagen, los medios y la tecnología. Vostell comenzó a introducir televisores en sus obras cuando el aparato todavía representaba una novedad capaz de concentrar la atención de quienes se detenían ante un escaparate. En 2026, esa relación con la pantalla se ha multiplicado hasta acompañarnos prácticamente durante todo el día. La obra adquiere así nuevas lecturas sin necesidad de separarla del momento histórico en el que fue creada. La saturación de imágenes, la relación entre información y violencia, el poder de los medios de comunicación o la transformación tecnológica de nuestra percepción continúan formando parte de debates plenamente contemporáneos.

    De aquellas primeras televisiones a la cultura digital

    Cáceres ocupa además un lugar curioso en la relación de Vostell con la televisión. A finales de los años cincuenta, durante sus paseos por la ciudad junto a Mercedes, el artista observó a numerosas personas detenidas frente al escaparate de un establecimiento donde se exhibía uno de aquellos primeros aparatos. La capacidad de la televisión para atraer las miradas despertó su interés y terminó vinculándose a una investigación artística que lo situaría entre los pioneros en utilizar este medio como material creativo. Vostell comenzó a filmar, intervenir y alterar la imagen televisiva en una época en la que la tecnología audiovisual apenas había comenzado a transformar los hogares. Aquellas investigaciones se desarrollaron en paralelo a las experiencias de otros artistas fundamentales como Nam June Paik y contribuyeron a ampliar las posibilidades del videoarte.

    Sesenta años después, esa condición pionera plantea también problemas muy concretos de conservación. El museo mantiene numerosas pantallas integradas en instalaciones concebidas con tecnologías que han desaparecido del mercado. Algunos televisores ya no pueden sustituirse por modelos equivalentes y cada intervención obliga a estudiar cómo preservar tanto el funcionamiento técnico como la naturaleza artística de la pieza. El desarrollo tecnológico que dio sentido a muchas de aquellas obras se ha convertido así en uno de los grandes desafíos para conservarlas.

    Sol en tu cabeza: cincuenta años después, Vostell vuelve a mirar las pantallas

    El Museo Vostell Malpartida celebra su cincuenta aniversario con una exposición que recupera una de las investigaciones fundamentales del artista alemán y la pone en relación con la creación audiovisual contemporánea. Bajo el título Sol en tu cabeza (Sun in Your Head), la muestra, comisariada por Levin Vostell, director artístico del museo, podrá visitarse desde el 17 de octubre de 2026 hasta el 14 de marzo de 2027. La propuesta, coproducida con el Goethe-Institut Madrid y apoyada por la Embajada de Alemania en Madrid, revisa la manera en que Wolf Vostell comenzó a utilizar la imagen televisiva como material artístico a finales de los años cincuenta, cuando la televisión apenas había iniciado su expansión en los hogares europeos.

    La exposición toma su nombre de Sun in Your Head, la película que Vostell realizó en 1963 y transfirió a vídeo en 1967. En ella filmó directamente la pantalla de un televisor, interviniendo sobre la emisión hasta descomponer las imágenes y alterar su continuidad. Aquella experimentación, desarrollada cuando el medio televisivo comenzaba a transformar la comunicación de masas, anticipó algunas de las posibilidades que posteriormente explorarían el videoarte y las instalaciones audiovisuales. La muestra presenta la película junto al televisor Grundig original utilizado por el artista durante su producción. El recorrido permite además regresar a Cáceres y a 1958, cuando Vostell comenzó el ciclo Transmigración, integrado por sus primeras pinturas con televisores en funcionamiento. Entre las piezas seleccionadas figura Transmigración III, realizada aquel año en Cáceres y perteneciente a la colección del museo. La ciudad extremeña ocupa así un lugar significativo en los comienzos de una investigación artística que continuaría desarrollándose durante las décadas siguientes, desde las primeras intervenciones sobre la imagen televisiva hasta su incorporación a espacios e instalaciones cada vez más complejos.

    Entre las obras reunidas destaca también 6 TV Dé-coll/age, presentada originalmente en 1963 en la Smolin Gallery de Nueva York y representada en la exposición mediante su reconstrucción de 1995, perteneciente al Museo Reina Sofía. La instalación reúne seis televisores cuyas emisiones manipuladas transforman la pantalla en parte de un espacio que el espectador puede recorrer, una experiencia considerada entre los antecedentes de la videoinstalación. Junto a ella aparece You, de 1964, reconstruida también en 1995, que incorpora camas de hospital, televisores y antenas y permite observar cómo Vostell relacionó sus investigaciones audiovisuales con el happening, la participación del espectador y la presencia física del cuerpo.

    La revisión histórica se amplía con la participación del artista alemán Julian Rosefeldt, cuya obra establece un diálogo con las investigaciones de Vostell desde una perspectiva contemporánea. Mientras este último intervenía sobre las emisiones televisivas hasta alterar y fragmentar las imágenes, Rosefeldt examina los mecanismos de construcción visual del cine y de los medios de comunicación mediante instalaciones cuidadosamente coreografiadas. La exposición incluye tres de sus trabajos: Deep Gold (2013-2014), relacionado con una reinterpretación de La edad de oro de Luis Buñuel; The Swap (2015), donde una escena de intercambio entre bandas se transforma en una coreografía repetitiva; y Meine Heimat ist ein düsteres, wolkenverhangenes Land (2011), una instalación de cuatro canales que aborda las representaciones culturales e ideológicas del paisaje alemán.

    El diálogo continúa con un programa internacional de vídeo distribuido por el antiguo Lavadero de Lanas, con obras de Nevin Aladağ, Natalie Bookchin, Daniel Canogar, Nezaket Ekici, Eva & Franco Mattes, Björn Melhus, Rosa Menkman y Sabrina Ratté. Sus propuestas trabajan con imágenes encontradas, interferencias, alteraciones de señal, errores digitales y distorsiones algorítmicas, procedimientos que permiten establecer conexiones con las investigaciones que Vostell desarrolló sobre la televisión analógica hace más de sesenta años.

    La exposición introduce de este modo una perspectiva contemporánea en el aniversario del museo. En una época marcada por la circulación constante de imágenes, las redes sociales, la inteligencia artificial y la producción audiovisual mediante algoritmos, las primeras experiencias de Vostell permiten revisar la relación entre las imágenes y nuestra percepción de la realidad. Aquella fascinación inicial ante los televisores que comenzaban a aparecer en los escaparates de finales de los cincuenta encuentra ahora un escenario muy diferente, con pantallas presentes en prácticamente todos los ámbitos de la vida cotidiana. Sol en tu cabeza recupera así una parte esencial de la trayectoria de Wolf Vostell y amplía el recorrido del cincuentenario hacia artistas que continúan investigando las posibilidades expresivas y críticas de la imagen. La celebración incorpora una exposición que relaciona el nacimiento del videoarte, la historia del museo y algunas de las cuestiones que atraviesan actualmente la creación audiovisual internacional.

    El Archivo Happening Vostell

    Las salas y las obras expuestas representan solamente una parte del patrimonio conservado en Malpartida. El Archivo Happening Vostell reúne un importante fondo de documentos, fotografías, correspondencia, publicaciones, materiales gráficos y testimonios relacionados con Vostell, Fluxus, el happening y las redes internacionales del arte experimental.

    Su importancia amplía la función del museo hacia la investigación y la documentación. Historiadores, especialistas y universidades encuentran en estos fondos materiales capaces de reconstruir proyectos, relaciones personales y profesionales entre artistas, acciones desaparecidas y procesos creativos que de otra manera resultarían difíciles de estudiar. Cartas, fotografías, bocetos y publicaciones permiten además seguir el funcionamiento de una red artística internacional construida mucho antes de la comunicación digital. Malpartida conserva así no solamente las obras, sino también una parte de la documentación necesaria para comprender cómo fueron concebidas, compartidas y desarrolladas. La catalogación, investigación y digitalización progresiva de estos fondos representa una de las principales posibilidades de crecimiento del museo como centro de referencia para el estudio de Vostell, Fluxus y el happening.

    Cincuenta años después

    El Museo Vostell Malpartida alcanza su cincuentenario con un patrimonio excepcional y con necesidades derivadas precisamente de su historia y de las características del lugar donde se encuentra.  El cincuentenario permite observar el camino recorrido desde 1976, pero también sitúa al museo ante una nueva etapa. Investigación, digitalización, conservación, conexión con universidades, programación y relación con nuevas generaciones forman parte de un futuro de crecimiento como espacio cultural. Dentro de ese contexto, el Museo Vostell aporta algo construido durante cinco décadas: una conexión real entre Extremadura y la creación contemporánea internacional, sostenida a través de artistas, exposiciones, colecciones, investigaciones y encuentros que han convertido Malpartida en un punto reconocible dentro de la historia del arte experimental europeo.

    Un museo ligado a su lugar

    Imaginar el Museo Vostell en Berlín, París, Londres o Nueva York supone eliminar precisamente una parte esencial de aquello que explica su singularidad. Los Barruecos, el Lavadero de Lanas, la memoria de la trashumancia, el paisaje, las aves, el ganado y la propia relación histórica con Malpartida forman parte de una identidad construida durante cincuenta años.

    También pertenecen a ella aquel encuentro entre Wolf Vostell y Mercedes Guardado, las primeras intervenciones entre las rocas, los vecinos participando en happenings, los artistas internacionales viajando hasta Extremadura, el automóvil cubierto de hormigón en 1976, el telón de Dalí, las colecciones Fluxus y un archivo que continúa proporcionando nuevas posibilidades de investigación. El Museo Vostell Malpartida no necesitó parecerse a los grandes centros internacionales del arte contemporáneo para formar parte de esa historia. Su aportación procede precisamente de haber desarrollado desde Extremadura un modelo propio en el que creación internacional, patrimonio, naturaleza y memoria rural han convivido durante medio siglo. Wolf Vostell encontró en Los Barruecos el lugar desde el que desarrollar aquella idea. Cincuenta años después, el paisaje que la hizo posible continúa formando parte inseparable del museo.

  • José Antonio Agúndez «El Museo Vostell no sería lo mismo en Berlín, París o Nueva York»

    José Antonio Agúndez «El Museo Vostell no sería lo mismo en Berlín, París o Nueva York»

    Llegamos en coche a Malpartida de Cáceres y, poco a poco, el paisaje empieza a cambiar. El pueblo nos recibe y abre paso hacia la carretera de Los Barruecos, mientras las enormes piedras redondeadas de granito comienzan a ejercer de cicerones de un recorrido en el que resulta difícil separar lo que ha hecho la naturaleza de aquello que el arte incorporó después. Antes de tomar definitivamente el camino del museo queda atrás el antiguo Cine Morán, otro punto de esta historia: allí conoció José Antonio Agúndez formalmente a Wolf Vostell, cuando todavía era un joven estudiante de Historia del Arte y difícilmente podía imaginar que su vida acabaría ligada durante décadas a aquel artista alemán y al proyecto que estaba levantando a pocos kilómetros de su casa.

    A partir de ahí, el camino ya empieza a ser museo. Hay algo de ilusión óptica en atravesar este pedazo de campo extremeño y descubrir cómo las piezas aparecen entre un paisaje que no necesita decorado. Las grandes formaciones graníticas, las charcas, el agua y la vegetación conducen hasta un espacio donde naturaleza, patrimonio y creación contemporánea han terminado solapándose durante medio siglo sin que ninguna de las tres haya conseguido imponerse completamente sobre las demás. Vostell entendió pronto que aquí no necesitaba construir un escenario para sus obras porque el escenario llevaba millones de años esperando. Unas vacas pastan ajenas a cualquier discusión sobre Fluxus o dé-coll/age. Las aves ocupan las orillas y las garzas reales se apostan sobre el pretil del antiguo Lavadero de Lanas, con el agua extendiéndose delante del edificio. Entre las rocas aparecen las primeras intervenciones y el recorrido obliga continuamente a cambiar la mirada: del campo al arte, de la historia de la trashumancia a la vanguardia europea, de la arquitectura que durante años estuvo vinculada al trabajo de la lana a un museo que conserva automóviles, hormigón, televisores, instalaciones, documentos y buena parte de la memoria experimental de la segunda mitad del siglo XX.

    Todo está cosido en un mismo lugar. Y entonces se abre la puerta. José Antonio Agúndez nos recibe con esa familiaridad de quien no parece estar enseñando únicamente su lugar de trabajo. Hay algo casi paternal en su manera de acompañarnos por las salas, detenerse ante una pieza, recordar una anécdota, señalar un detalle o reconstruir una historia. Lo hace con conocimiento, pero sobre todo con devoción, cariño y una emoción que aparece cuando la conversación deja los datos y entra en las vivencias. Para Agúndez estas paredes contienen también parte de su propia biografía: aquí investigó, trabajó junto a Vostell, conoció de cerca a Mercedes Guardado, ayudó a levantar proyectos y asistió al crecimiento de una institución que dirige desde 1994.

    Nos lleva de una sala a otra y el museo empieza a desplegar todas sus capas. Está Wolf Vostell, naturalmente, pero también Fluxus, el happening, el videoarte, las primeras televisiones convertidas en materia artística y un archivo que conserva miles de documentos. Está la huella de Mercedes. Están los artistas internacionales que durante décadas hicieron de Malpartida un punto de encuentro inesperado dentro del mapa europeo. Y está también Dalí, cuyo monumental telón de Parsifal recuerda hasta qué punto este lugar consiguió reunir historias, nombres y obras que parecerían pertenecer a coordenadas muy alejadas de un antiguo lavadero de lanas en mitad del campo extremeño.

    Agúndez continúa andando y contando. A veces habla como director; otras, como historiador del arte; muchas, simplemente como aquel muchacho de Malpartida que vio aparecer a Vostell cuando todo aquello resultaba extraño, nuevo y difícil de explicar. Quizá por eso conoce bien las dos dimensiones del lugar: la institución que hoy cumple cincuenta años y aquella aventura que comenzó cuando un artista miró Los Barruecos y descubrió posibilidades donde los demás veían el paisaje de siempre.

    Después de recorrerlo con él se entiende mejor que el Vostell resulta difícil de encerrar en la palabra museo. Lo es, por supuesto, pero también es paisaje, archivo, patrimonio, memoria rural, laboratorio artístico, lugar de investigación y parte de la historia reciente de Extremadura. Un crecimiento paralelo a la labor familiar y a la de la Junta de Extremadura, que asumió que debía crecer con su apoyo, y que lo sigue haciendo firmemente, en un espacio tan especial para la región. Un espacio donde la realidad y la creación llevan medio siglo superponiéndose hasta hacer casi imposible determinar dónde termina una y comienza la otra. Y en medio de todo ello está José Antonio Agúndez, memoria y presente de una historia que comenzó viendo desde su pueblo y que, cincuenta años después, sigue recorriendo sala por sala como quien abre las puertas de una parte de su propia casa.

    El Museo Vostell Malpartida cumple cincuenta años. Cuando mira hacia 1976, ¿seguimos siendo conscientes en Extremadura de lo extraordinario que fue poner en marcha aquí un proyecto de arte de vanguardia internacional?

    Yo siempre digo que aquí se produjo una constelación de circunstancias. Si algunas de aquellas cosas no hubieran coincidido, probablemente habría sido imposible. Estamos hablando de un proyecto que nace en 1976, antes incluso de la Constitución y antes de que Extremadura dispusiera de la estructura institucional que tiene actualmente. Hubo un alcalde sensible ante aquello y hubo también un Vostell con una enorme capacidad para convencer. Al alcalde le dicen que aquel hombre que había aparecido por Malpartida era un artista internacional importante y tiene la inteligencia de ir a preguntar a la Universidad de Extremadura. Allí coincide con un grupo de profesores muy jóvenes que conocían lo que estaba sucediendo fuera. Entre ellos estaba María del Mar Lozano Bartolozzi, que conocía los Encuentros de Pamplona de 1972, donde había participado Vostell. La Universidad lo avala y termina convirtiéndose en uno de los apoyos fundamentales del proyecto. Esa relación con la Universidad de Extremadura se ha mantenido además durante todos estos años.
    No fue un camino sencillo. Hubo momentos de dificultad, encuentros y desencuentros, pero coincidieron las personas y las circunstancias necesarias para que aquello pudiera empezar.

    Y Vostell tampoco llegó a Extremadura con un museo diseñado debajo del brazo.

    No. Eso es muy importante. Vostell no vino a Extremadura a hacer un museo. Él era un hombre muy adelantado, pero la idea surge del encuentro con Los Barruecos. Lo he dicho muchas veces: el paisaje tuvo la culpa. La naturaleza fue lo primero que le impresionó. Él llega, conoce Los Barruecos y encuentra algo que le provoca la necesidad de actuar allí. La primera idea del museo no está siquiera en el Lavadero de Lanas, está fuera, entre las rocas. Después se irán dando los pasos y aparecerá la posibilidad de utilizar el antiguo lavadero, pero el origen está en el paisaje.

    Eso cambia bastante la manera de entender el museo, porque Los Barruecos no son simplemente el entorno que lo rodea.

    Exactamente. El museo está aquí porque está aquí. A veces se nos compara con otros museos o se pregunta qué sería este museo si estuviera en París, Berlín, Londres o Nueva York. Yo creo que no necesitamos compararnos con nadie. Fue este paisaje el que enamoró a Vostell y el que provocó el proyecto. Además, el espíritu de Fluxus encaja perfectamente con este lugar: la sencillez, los sonidos, la vida cotidiana, aquello aparentemente insignificante… ¿Qué mejor espacio que un museo en mitad de la naturaleza, donde tienes los ruidos de la vida en estado puro?

    ¿Dónde termina entonces Los Barruecos y dónde empieza el Museo Vostell?

    Todo está relacionado. Vostell empieza ideando el museo entre las propias rocas. El Lavadero de Lanas lo conoce después y termina incorporándose al proyecto cuando el Ayuntamiento consigue adquirir el edificio y lo pone a su disposición. Pero el comienzo está fuera. Está en Los Barruecos.

    Barruecos y Malpartida de Cáceres…la relación con el pueblo fue también importante desde el principio.

    Eso se lo debemos mucho a Vostell. Desde muy pronto proyectó la inclusión del saber del pueblo y quiso ponerlo al mismo nivel que los saberes de los artistas. En aquellas primeras Semanas de Arte Contemporáneo había happenings, performances o conciertos Fluxus, pero también exposiciones de herramientas, fotografías, comidas y elementos relacionados con los oficios y la vida del pueblo. Hubo participación de las mujeres, de personas mayores… Vostell lo resumía muy bien: no hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición.

    Imagino el Malpartida de 1978 viendo happenings y performances y sigue pareciendo increíble.

    Imagínatelo. Malpartida de Cáceres en 1978 y aquí podían verse happenings, performances, conciertos Fluxus… Yo era un muchachillo. Cuando Vostell aparece por aquí tengo once años y cuando empiezan algunas de aquellas actividades sigo siendo prácticamente un niño. Íbamos a ver aquello y muchas cosas no las entendíamos absolutamente nada. Recuerdo el Palacio Topete, que después fue la vivienda de Wolf y Mercedes. Yo conocía aquel caserón porque una tía abuela mía había vivido allí y de niño había correteado por sus espacios. De repente entrabas y encontrabas cuadros, objetos, un calcetín dentro de una obra… Aquello te chocaba. Y esto también sirve para aclarar una confusión frecuente: el museo nunca ha sido simplemente la casa privada de Vostell. El Palacio Topete fue su residencia familiar y su estudio. El Museo Vostell es otra historia.

    Y aquel muchacho termina estudiando Historia del Arte y dirigiendo el museo.

    Sí. En la Universidad tuve profesores muy vinculados a Vostell y al arte contemporáneo. Yo pensaba inicialmente hacer mi trabajo sobre cualquier otra cuestión de historia del arte y me dijeron: «Pero hombre, si tienes en Malpartida una mina». Y la mina era Vostell. A partir de ahí empecé a investigar, a trabajar con él y a estudiar el happening. Tuve además acceso directo a su archivo.

    Vostell lo resumía muy bien: no hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición.

    ¿Recuerda cuándo conoció personalmente a Vostell?

    El contacto personal llegó en los años ochenta. Yo estaba relacionado con una revista cultural de Malpartida y escribía algunas cosas sobre arte. Nos presentaron y después un grupo de estudiantes fuimos a su casa porque estábamos haciendo un trabajo sobre el fenómeno Vostell y su repercusión en Malpartida. Aquello fue generando una relación cada vez mayor. Después trabajé sobre sus happenings y tuve la enorme suerte de disponer de su colaboración directa.

    Tu historia tiene algo de ese mismo proceso. Primero eres el muchacho que observa a Vostell y años después acabas estudiándolo.

    Sí. Estudié Historia del Arte y tuve profesores que fueron fundamentales, como María del Mar Lozano Bartolozzi y otros profesores de la Universidad que conocían a Vostell, lo trataban y estaban relacionados con el proyecto. Yo pensaba inicialmente en hacer mi trabajo sobre algún retablo barroco o algo parecido de Malpartida, y me dijeron: «Pero si tienes aquí una mina». Y la mina era Vostell. En los años ochenta yo participaba además en la vida cultural de Malpartida, colaborábamos en una revista y escribía algunas cosas sobre arte. Vostell tenía interés en conocerme y yo también a él. Mi encuentro personal con Wolf y Mercedes se produce en aquella etapa, en el Cine Morán. A partir de ahí empezamos a tener una relación más directa. Un grupo de estudiantes fuimos a su casa porque estábamos haciendo un trabajo sobre la repercusión sociológica del fenómeno Vostell en Malpartida. Aquello fue abriendo una relación que terminaría siendo fundamental para mí.

    Hay otra persona sin la que probablemente esta historia sería imposible: Mercedes Guardado.

    Mercedes es fundamental. Absolutamente fundamental. Ella marca la existencia de Vostell. Vostell llega a Guadalupe interesado por Zurbarán y allí coincide con Mercedes, una joven cacereña que había terminado Magisterio y estaba comenzando su vida profesional. Se conocen y se produce un flechazo absoluto. En enero de 1959 se casan en la iglesia de Santiago de Cáceres.
    Mercedes era una mujer extremeña muy viva, muy adelantada y muy echada para adelante. Ve también la posibilidad de desarrollarse personalmente junto a él. Después entra completamente en ese mundo, acompaña a Vostell, conoce a los artistas, se integra prácticamente en el ambiente Fluxus y su casa se convierte en un lugar de recepción y encuentro..

    ¿Ella creyó desde el principio en la aventura de Malpartida?

    No creas. Mercedes conocía Extremadura y sabía perfectamente las dificultades que podía tener aquello. Pero formaron un tándem extraordinario. Ella termina completamente vinculada a su vida y al arte, conoce a los artistas Fluxus, su casa se convierte en lugar de encuentro… Después de la muerte de Vostell se convierte en la gran continuadora. Nosotros la consideramos cofundadora del museo porque no podría ser de otra manera. La colección se llama Wolf y Mercedes Vostell y se lo debemos también a ella.

    Una de las cosas que sorprenden es la dimensión internacional que alcanzó Malpartida desde muy pronto.

    Por supuesto. No solamente porque su fundador fuera un alemán casado con una extremeña. Vostell tenía desde los años sesenta una red internacional extraordinaria y era uno de los grandes referentes del happening y de Fluxus.
    Fluxus se desarrolla internacionalmente y esos artistas se conocen, se encuentran, colaboran. Vostell tiene contacto con Yoko Ono y con muchísimos de los artistas vinculados al movimiento. Al mismo tiempo, él siempre conserva su independencia, su décollage y sus propias líneas de trabajo. A finales de los sesenta ya hay museos importantes haciendo retrospectivas de Vostell. Y de pronto todo ese mundo empieza también a relacionarse con Malpartida de Cáceres. Llegan artistas, coleccionistas, responsables de museos y personas relacionadas con el arte internacional. La prensa alemana comienza a interesarse por lo que está ocurriendo aquí. Eso explica también la singularidad del proyecto.

    ¿Tenemos suficientemente asumido el patrimonio internacional que conserva hoy el museo?

    Tenemos unas colecciones muy importantes, pero además está el archivo. El Archivo Happening Vostell es una auténtica joya de la corona. Es un fondo documental extraordinario para investigar happening, Fluxus y la propia obra de Vostell. Aquí vienen investigadores precisamente por ese material.

    Usted defiende además una conexión muy interesante entre Vostell y Cáceres en el nacimiento del videoarte.

    Sí, y es algo que queremos reivindicar. Cáceres está relacionada con el origen de esa utilización artística de la televisión por parte de Vostell. Wolf y Mercedes contaban muchas veces que, durante sus paseos por Cáceres a finales de los años cincuenta, vieron un escaparate donde había uno de aquellos primeros televisores. La gente estaba parada delante, absolutamente fascinada mirando el aparato. Vostell conocía la televisión porque era alemán, pero lo que le llamó la atención fue precisamente el comportamiento de las personas frente a aquella pantalla. De ahí surge esa idea de utilizar la televisión con una finalidad estética, manipular la imagen, intervenirla. Después desarrollaría todo ese trabajo prácticamente en paralelo a Nam June Paik. Para entender el videoarte primero hay que entender la aparición de la televisión como objeto y como nueva manera de relacionarnos con las imágenes.

    Y llegamos a 2026 rodeados precisamente de pantallas.

    Claro. Vostell trabaja muy pronto con la televisión, con la imagen y con su manipulación. Hoy estamos permanentemente rodeados de pantallas. En ese sentido hay cuestiones de su obra que siguen teniendo una enorme actualidad.

    Pero el museo tiene ahora que competir con TikTok, Instagram y una generación acostumbrada a consumir imágenes a enorme velocidad. ¿Cómo se consigue que un joven se detenga?

    Hay que adaptarse. No hay más. Precisamente hemos tenido recientemente aquí a Magdalenita, que tiene una cantidad enorme de seguidores. Hizo un vídeo relacionado con el museo y alcanzó alrededor de 124.000 visualizaciones el primer día. Nosotros no conseguimos esas cifras con nuestros canales habituales. Si quieres llegar al público joven tienes que entender también cómo se comunica ese público.

    Aunque la relación con los jóvenes comenzó mucho antes de las redes sociales.

    Cuando abrimos el museo en 1994 una de mis primeras cosas fue pedir un listado de todos los colegios de Extremadura y escribirles una carta personalizada: estamos abiertos y estamos aquí para lo que queráis. Poco a poco empezaron a venir profesores y alumnos. Después de treinta años prácticamente todos los colegios de Extremadura han pasado por aquí. Ahora vienen adultos y me dicen: «Yo estuve aquí con el colegio». Eso es muy importante.

    Vostell tenía ya unos contactos internacionales extraordinarios. Desde los años sesenta se había convertido en uno de los referentes del happening y estaba relacionado con Fluxus y con artistas de numerosos países.

    Y cuando alguien entra y le dice: «José Antonio, no entiendo este museo», ¿qué responde?

    Pues que yo tampoco entiendo nada cuando me hablan en alemán. Y no por eso pienso que el alemán esté loco o sea tonto. El arte también es un lenguaje, igual que la música o las matemáticas. Hace falta interés, ganas y cierta pasión por conocerlo. Hoy tenemos además muchísimas posibilidades para acceder a la información. Antes llegabas a un lugar y, si no tenías un catálogo o alguien que te explicara aquello, era mucho más complicado. Ahora puedes obtener unas primeras nociones inmediatamente.

    ¿Y qué valores encuentras detrás de ese lenguaje que puede resultar tan extraño en una primera visita?

    Los artistas Fluxus y Vostell transmiten valores que siguen teniendo una enorme vigencia. Vostell decía: «Declaro la paz como la mayor obra de arte» o «Declaro los derechos humanos como la mayor obra de arte». Está también la relación entre arte y vida, la vida entendida como arte, educar la conciencia para prestar atención a cada momento y a las cosas sencillas. Fluxus habla incluso de la importancia de la no importancia. Ahí hay una manera de mirar que sigue siendo absolutamente válida.

    ¿Puede conocerse igual un museo a través de internet?

    No. Se puede enseñar, claro, y después de la pandemia se han desarrollado muchísimo esas posibilidades. Pero no es lo mismo. Es como darle un beso a una persona. Puedes verlo en una pantalla, pero no es lo mismo.

    ¿Qué parte de su trabajo continúa disfrutando especialmente después de tantos años?

    Me gusta dirigir el museo, pero lo que más me gusta es enseñarlo. La dirección muchas veces consiste en papeleo, resolución de problemas y gestiones. Enseñar las obras, hablar con la gente y conseguir acercárselas es otra cosa. Además, este museo transmite valores muy claros: Vostell decía «declaro la paz como la mayor obra de arte» o «declaro los derechos humanos como la mayor obra de arte». Arte como vida y vida como arte. Educar la conciencia para convertir cada momento de la vida en una obra de arte.

    Y esa relación te lleva directamente al happening y al archivo.

    Mi memoria de licenciatura terminó dedicada al happening y pude trabajar directamente con Vostell. Él estuvo en la lectura de aquel trabajo y siempre tuvo interés en que se publicara. Finalmente se publicó después de su muerte, en español y en alemán. Durante aproximadamente tres años trabajé también con él en la organización y selección de materiales de su archivo. Y eso me permitió acceder a una documentación extraordinaria. El Archivo Happening Vostell es la joya de la corona del museo. Tenemos un fondo documental absolutamente excepcional para investigar Fluxus, el happening y todo ese periodo. Es uno de los motivos por los que investigadores y especialistas vienen hasta aquí. Afortunadamente fue adquirido por la Junta de Extremadura y forma parte del patrimonio del museo.

    Después de cincuenta años también habrá que hablar de los problemas. ¿Qué necesita actualmente el Museo Vostell?

    El museo tiene carencias, como todos, son muchos años y es un espacio con unas necesidades especiales. Es un museo muy difícil de mantener. Estar en la naturaleza es maravilloso, pero también significa una batalla permanente con ella. Climatización, instalaciones que necesitan actualizarse y una importante obsolescencia tecnológica.

    Especialmente complicada en un museo que conserva tantas televisiones.

    Tenemos decenas de pantallas funcionando y muchas se han ido perdiendo por obsolescencia. Hay modelos que simplemente ya no existen en el mercado. Entonces tienes que estudiar cómo sustituirlos y cómo hacerlo sin alterar la obra. Es un problema importante.

    Después de tantos años trabajando con Vostell y con sus obras, ¿hay alguna pieza especialmente personal para usted?

    Hay muchas. Pero tengo una experiencia muy especial con una obra cuyo montaje realicé estando Vostell sentado a mi lado. Él estaba ya bastante enfermo y me iba dando instrucciones. Yo se las transmitía con un altavoz al herrero, al carpintero y a los operarios: un poco más para acá, un poco más para allá… Al final me dio las gracias por el montaje. Guardo además el dibujo original. Lógicamente esa pieza tiene para mí una relación muy personal.

    Cincuenta años después, ¿hasta qué punto esta es también una historia de Malpartida?

    Completamente. Yo he tenido una ventaja fundamental: ser de aquí. Conocer el pueblo, conocer las conexiones, conocer Los Barruecos y haber vivido una parte de todo aquello. Hubo momentos muy difíciles, enfrentamientos y diferentes maneras de entender el proyecto, pero la semilla ya estaba plantada. Vostell se había integrado en la sociedad malpartideña. Se le veía paseando, sentado en la plaza, hablando con la gente. Formaba parte de aquello.

    Yo he tenido una ventaja fundamental: ser de aquí. Conocer el pueblo, conocer las conexiones, conocer Los Barruecos y haber vivido una parte de todo aquello

    Estamos hablando del aniversario, de los cincuenta años del museo, pero vamos a hacer el viaje contrario. Año 2076. El Museo Vostell Malpartida cumple cien años. ¿Qué le gustaría que siguiera exactamente igual?

    Lo permanente ya está. Las obras, el edificio, nuestra historia, la memoria de la transhumancia y Los Barruecos. Hemos conseguido conservar todo eso. Cuando Vostell llegó había gente que decía que aquel hombre se iba a llevar Los Barruecos. Después murió y ahí seguían todas las piedras. Eso tiene que permanecer. Y el museo tiene que crecer.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Contempopránea «Treinta años del festival que cambió el indie español desde Extremadura»

    Contempopránea «Treinta años del festival que cambió el indie español desde Extremadura»

    Contempopránea, treinta años en diez capítulos

    Capítulo 1. La carretera que llevaba hasta las canciones

    Hay festivales que se recuerdan por un cabeza de cartel, otros por una cifra de asistentes, algunos por el escenario sobre el que se levantan o por el impacto económico que generan. Contempopránea pertenece a otra categoría. La de aquellos acontecimientos culturales que terminan formando parte de la biografía sentimental de quienes los viven. Durante tres décadas, miles de personas emprendieron cada verano un viaje hacia el suroeste de España sin perseguir la espectacularidad de los grandes recintos ni la comodidad de los macroeventos. Lo hacían guiados por una intuición: en un pequeño municipio extremeño ocurría algo diferente. Allí, entre las murallas medievales del Castillo de Luna y las calles de Alburquerque, la música independiente encontraba un hogar.

    La carretera que conducía hasta el festival era también un recorrido hacia otra forma de entender la cultura. Conforme el paisaje de dehesas sustituía a las autovías y los móviles perdían cobertura, los asistentes comenzaban a desprenderse del ruido cotidiano. Al llegar, no encontraban una ciudad efímera de patrocinadores, pantallas gigantes o zonas VIP. Encontraban un pueblo. Vecinos que abrían sus casas, bares llenos de conversaciones sobre discos, músicos mezclados con el público y una sensación cada vez más difícil de encontrar: la de pertenecer a una comunidad. Y quizá esa decisión explique por qué treinta años después continúa despertando un afecto que trasciende la música.

    Una anomalía llamada Contempopránea

    Cuando el festival nació, en 1996, el mapa de los grandes eventos musicales españoles apenas estaba dibujado. El fenómeno de los festivales estaba dando sus primeros pasos y el pop independiente seguía ocupando una posición periférica dentro de la industria. Programar un encuentro dedicado casi exclusivamente a bandas nacionales de la escena indie en un pueblo de poco más de cinco mil habitantes parecía una idea destinada al fracaso. Sin embargo, precisamente esa aparente desventaja terminó convirtiéndose en su principal fortaleza. Mientras otros festivales competían por crecer, Contempopránea eligió especializarse. Apostó por descubrir grupos antes de que llenaran pabellones, por cuidar la experiencia del público antes que las cifras de asistencia y por construir un cartel coherente antes que perseguir tendencias pasajeras. Con el tiempo, aquella decisión acabaría convirtiendo al festival en uno de los grandes prescriptores del pop independiente español. Muchas de las bandas que hoy forman parte del canon del indie pasaron primero por sus escenarios cuando todavía eran promesas. Allí crecieron, encontraron un público fiel y comenzaron a construir una relación de complicidad que, en numerosos casos, continúa vigente.

    Mucho más que un festival

    Hablar de Contempopránea únicamente como un evento musical sería reducir su verdadera dimensión. Fue también un laboratorio cultural, un escaparate para nuevos creadores y un espacio donde varias generaciones aprendieron que la independencia no era una etiqueta comercial, sino una actitud. Durante treinta años, el festival sobrevivió a cambios políticos, crisis económicas, transformaciones tecnológicas y profundas mutaciones en la industria musical. Vio desaparecer los fanzines y nacer las plataformas digitales; convivió con la caída del CD, la revolución del streaming y la multiplicación de festivales por toda España. Sin embargo, nunca perdió aquello que lo hacía reconocible: una identidad propia. El propio Agustín Fuentes, creador y director del festival, ha explicado en distintas entrevistas que el proyecto nació «por pura pasión y vocación», sin una finalidad empresarial inicial. «Podía haber montado una banda de pop, pero no se me daba bien la guitarra, así que montamos el festival», recuerda con humor al evocar aquellos primeros años. Esa frase resume mejor que cualquier eslogan la filosofía de Contempopránea. Antes que una empresa, fue el sueño de un aficionado que quiso compartir con otros la música que le emocionaba.

    La memoria de un lugar

    Alburquerque dejó de ser únicamente un escenario para convertirse en parte inseparable del relato del festival. El Castillo de Luna, las laderas donde se instaló el recinto, la piscina municipal, las zonas de acampada o las terrazas donde terminaban las noches forman parte del imaginario colectivo de miles de asistentes. Allí nacieron amistades, proyectos musicales, relaciones sentimentales e incluso familias que hoy regresan con hijos que no habían nacido cuando se celebraron las primeras ediciones. Pocas veces un territorio y un festival han quedado tan estrechamente vinculados.

    Treinta años después

    Este aniversario no representa únicamente una cifra redonda. Supone la confirmación de que un proyecto nacido desde la periferia cultural fue capaz de influir en la historia del pop independiente español sin renunciar a sus principios. La celebración del treinta aniversario mira inevitablemente hacia el futuro, pero también invita a volver la vista atrás para comprender cómo un pequeño festival extremeño consiguió convertirse en una referencia nacional. Treinta años después, Contempopránea sigue demostrando que la mejor forma de permanecer no siempre consiste en crecer. A veces basta con conservar intacta el alma con la que comenzó todo.

    Capítulo II. Cuando todo era imposible

    1996: la aventura de organizar un festival indie en un rincón de Extremadura. En 1996 la palabra festival significaba algo muy distinto a lo que significa hoy. No existían las pulseras inteligentes. Ni los escenarios patrocinados por multinacionales. Ni las aplicaciones móviles con horarios interactivos. Ni las zonas VIP. Ni las retransmisiones en directo por redes sociales. Tampoco había una industria que moviera millones de euros cada verano alrededor de la música en vivo. A mediados de los años noventa, los festivales eran todavía una rareza en España. El fenómeno apenas comenzaba a despuntar y la escena independiente seguía siendo un territorio casi clandestino, alimentado por programas de Radio 3, revistas especializadas, fanzines fotocopiados y pequeñas tiendas de discos donde cada compra suponía un descubrimiento. En ese contexto nació Contempopránea.

    El país que todavía no conocía los festivales

    La España musical de 1996 vivía un momento de transición. El rock urbano seguía dominando buena parte del panorama nacional. El pop comercial copaba las listas de ventas. La música electrónica comenzaba a abrirse paso y el término indie todavía era utilizado por una minoría de aficionados que seguían con devoción a grupos nacionales e internacionales alejados de los grandes circuitos comerciales. Ese mismo año aparecían discos fundamentales de la escena alternativa, mientras bandas como Los Planetas empezaban a redefinir el sonido de una generación. Sin embargo, apenas existían espacios donde reunir a ese público disperso. Festimad, Viña Rock, y el que nacía el mismo año, el Doctor Music Festival, pero el precedente más importante era el Festival Internacional de Benicàssim (FIB), cuya primera edición se celebró en 1995. Aquella experiencia marcó profundamente a muchos aficionados, entre ellos un periodista extremeño apasionado por la música independiente llamado Agustín Fuentes. Fuentes ha contado en diferentes entrevistas que la visita al primer FIB fue decisiva. Aquella concentración de bandas nacionales e internacionales le hizo pensar que un formato similar podía adaptarse a la realidad de Extremadura, aunque desde una escala completamente distinta y con una personalidad propia.

    Una pasión antes que un negocio

    La historia de Contempopránea no comenzó con un plan empresarial. Mucho antes de organizar el festival, Agustín Fuentes ya llevaba años promoviendo conciertos en Alburquerque. Durante los años ochenta habían pasado por la localidad grupos como Gabinete Caligari, Glutamato Ye-Yé, Siniestro Total o Los Enemigos, experiencias que demostraban que incluso un municipio alejado de los grandes circuitos podía convertirse en escenario de la música contemporánea. Aquellas iniciativas fueron el verdadero laboratorio de Contempopránea. En una entrevista concedida años después, Fuentes resumía aquel momento con una sinceridad desarmante: «Emprendimos un proyecto por pura pasión y vocación y no tenía inicialmente miras empresariales. Podía haber montado una banda de pop, pero no se me daba bien la guitarra, así que montamos el festival.»

    ¿Por qué Alburquerque?

    La pregunta parecía inevitable. ¿Por qué organizar un festival de pop independiente en una localidad situada lejos de Madrid, Barcelona o Valencia? La respuesta nunca tuvo que ver con estrategias de mercado. Tenía que ver con el territorio. Agustín Fuentes siempre ha defendido que aquellas laderas junto al Castillo de Luna ya habían acogido conciertos mucho antes de la creación del festival. Era un espacio conocido, cargado de simbolismo para quienes habían organizado actividades culturales en el municipio durante los años anteriores. Además, Alburquerque era su casa, el lugar donde había echado raíces y donde creía que era posible construir algo diferente. Mientras otros certámenes levantaban escenarios sobre explanadas anónimas, Contempopránea encontraba un marco casi cinematográfico: un castillo medieval, un bosque mediterráneo de encinas y alcornoques y un pueblo que, durante unos días al año, cambiaba completamente de ritmo.

    La primera edición

    Hoy resulta difícil imaginarlo. Pero la primera edición estuvo muy lejos de la perfección. Todo era improvisación. Todo era aprendizaje. En una conversación con Mondosonoro, Agustín Fuentes recordaba aquellos comienzos como una experiencia profundamente amateur: «unos comienzos muy punk, ‘hazlo tú mismo’, con entrada gratuita». El festival se hacía únicamente con los recursos disponibles y cada mejora dependía de la confianza que poco a poco fueron depositando instituciones y patrocinadores. «Siempre hicimos un festival a la medida del presupuesto real con el que se contaba», explicaba.

    Una apuesta por el pop español

    Mientras muchos festivales buscaban legitimarse mediante grandes nombres internacionales, Contempopránea tomó una decisión que marcaría su personalidad para siempre. Confiar en las bandas nacionales…salvo una visita utópica de Morrisssey…era una elección casi ideológica. Fuentes ha explicado en numerosas ocasiones que el objetivo consistía en dar visibilidad al pop independiente español y servir como escaparate para grupos que apenas comenzaban su trayectoria. Aquella apuesta permitió que numerosas formaciones actuaran en Alburquerque antes de convertirse en referentes del género. Con los años, nombres como Lori Meyers, Sidonie, La Habitación Roja, La Casa Azul o Tachenko formarían parte de esa historia compartida entre el festival y la evolución del indie español. «Yo también sé la fórmula para llenar el festival. Lo difícil es hacerlo con criterio.»

    Capítulo III. El castillo que escuchaba guitarras

    Alburquerque, el escenario que convirtió un festival en una experiencia

    Durante casi tres décadas, el Castillo de Luna no fue únicamente la silueta que presidía el cartel de Contempopránea. Fue un personaje más del festival. Un testigo silencioso que contempló cómo miles de personas llegaban cada verano hasta Alburquerque para demostrar que la música independiente también podía escribirse lejos de las grandes capitales.

    La llegada

    El viaje hasta Alburquerque siempre formó parte del festival. No existía una estación de tren abarrotada de mochilas ni interminables caravanas de vehículos de producción. El camino obligaba a abandonar las grandes vías de comunicación y adentrarse en una Extremadura de dehesas, encinas y pueblos blancos donde el tiempo parecía transcurrir con otro ritmo. Muchos asistentes recuerdan todavía la emoción de divisar, a lo lejos, la silueta del Castillo de Luna recortándose sobre el horizonte. Era la señal inequívoca de que el viaje había terminado. En ese instante comenzaba Contempopránea.

    Un festival integrado en un pueblo

    Uno de los grandes aciertos de Contempopránea fue no aislarse del municipio que lo acogía. Muchos festivales funcionan como ciudades provisionales donde el visitante apenas mantiene contacto con el entorno. El público entra al recinto y sale días después sin haber conocido realmente el lugar. En Alburquerque sucedía exactamente lo contrario. El festival se mezclaba con la vida cotidiana. Las cafeterías se convertían en improvisados puntos de encuentro entre periodistas y músicos. Las plazas acogían conversaciones sobre discos recién publicados. Las tiendas ampliaban horarios. Los bares cambiaban su banda sonora. Los hostales colgaban el cartel de completo. Los vecinos aprendían a convivir con miles de visitantes que, lejos de alterar la identidad del pueblo, terminaban integrándose en ella. Era frecuente cruzarse con los propios artistas paseando por las calles, desayunando en cualquier terraza o visitando el castillo antes de actuar aquella misma noche. La distancia entre escenario y público prácticamente desaparecía. Y eso marcaba una diferencia enorme.

    Dormir bajo las estrellas

    La experiencia Contempopránea no terminaba con el último concierto, durante años, el camping fue una prolongación natural del festival. Allí se compartían, desayunos improvisados, intercambios de hielos, recomendaciones musicales y conversaciones que se alargaban hasta bien entrada la mañana. Muchos asistentes regresaban cada verano al mismo lugar del camping, ocupaban prácticamente la misma parcela y reencontraban a personas conocidas durante ediciones anteriores.

    El lujo de la cercanía

    En los grandes festivales actuales resulta habitual que los artistas permanezcan aislados en zonas restringidas. En Contempopránea ocurría justo lo contrario. Era posible encontrarse a miembros de Los Planetas tomando un café. Compartir conversación con músicos de La Habitación Roja. Coincidir con periodistas musicales de referencia. Pedir un autógrafo sin colas interminables. Esa cercanía nunca fue una estrategia de comunicación. Era simplemente la consecuencia de un festival pensado a escala humana. Agustín Fuentes siempre defendió esa filosofía. En diversas entrevistas ha explicado que uno de los mayores valores del festival residía precisamente en mantener una relación directa entre artistas y público, huyendo del modelo de macrofestival donde ambos mundos apenas llegan a cruzarse.

    El castillo también escuchaba

    Con el paso de los años comenzó a suceder algo curioso. Cuando alguien pensaba en el Castillo de Luna ya no lo asociaba únicamente a la historia medieval de Extremadura. También recordaba conciertos. Canciones. Noches de agosto. Los Planetas. Maga. La Habitación Roja. Nosoträsh. Cooper. Lori Meyers. Aquellas piedras centenarias comenzaron a acumular otra clase de memoria. Una memoria sonora. Y durante treinta años el castillo escuchó miles de guitarras.

    Capitulo VI. Agustín Fuentes. El hombre que soñó un festival imposible

    «Fuimos pioneros. Treinta años después volvemos al origen para recordar por qué empezamos.»

    En el año 1996 unos cuantos grupos de la región, apasionados por la música, pusieron banda sonora al impertérrito Castillo de Alburquerque, un decorado que se convertiría en un remake permanente, un premio goya sin fallo al mejor festival de la escena indie. La Real Academia de Agustín Fuentes, el fundador y el único cabeza de cartel fijo de cada edición define a este género de música, el indie, como aquello que le dijo a su novia tras escuchar una canción de The Smiths; cariño, he escuchado un grupo de Manchester que marcará una época en el panorama musical. De eso hace 30 años, y tras meter toda su pasión en un escenario sin pretensiones, y tras desdobles en Badajoz o Don Benito, aún siguen los muros del castillos rezumando pop.

    Cuando en 1996 Agustín Fuentes decidió organizar un festival de pop independiente en Alburquerque, apenas existían referencias similares en España. Tres décadas después, Contempopránea forma parte de la historia de la música independiente y continúa defendiendo la misma filosofía: priorizar las canciones, cuidar al público y demostrar que la identidad vale más que cualquier moda.

    ¿Imaginaste hace 30 años que un festival como Contempopránea seguiría dando «batalla»?  
    Sinceramente, no. En 1996 nadie podía imaginar que un festival de música independiente nacido en un pueblo de Extremadura cumpliría treinta años. Nosotros solo queríamos hacer las cosas como nos gustaban. Quizá por eso seguimos aquí. Nunca perseguimos las modas; perseguimos las canciones. Y cuando uno es fiel a una idea durante tanto tiempo, la batalla casi se libra sola

    Capítulo V. Los conciertos que hicieron historia

    Treinta años de noches irrepetibles

    Un festival no se mide únicamente por el número de artistas que pasan por su escenario. Tampoco por las entradas vendidas o por los nombres que aparecen en un cartel. Los grandes festivales construyen su historia a partir de momentos. Un acorde inesperado. Una canción cantada por miles de personas. Una banda que todavía era desconocida y que, años después, acabaría llenando pabellones. Contempopránea ha vivido cientos de conciertos memorables. Elegir unos pocos siempre será injusto, pero algunos permanecen grabados en la memoria colectiva porque simbolizan mejor que ningún otro la esencia del festival.

    Los Planetas. El grupo que dio prestigio a una generación

    Hablar de Contempopránea sin hablar de Los Planetas resulta imposible. La banda granadina acompañó al festival durante buena parte de su crecimiento y terminó convirtiéndose en uno de sus grandes emblemas. Su presencia suponía mucho más que un concierto: era la confirmación de que el pop independiente español tenía ya un lenguaje propio. Cada actuación de Los Planetas era recibida como un acontecimiento. No solo por la calidad de su repertorio, sino porque representaban el espíritu de una escena que estaba cambiando la música española. Su relación con Contempopránea ayudó a consolidar el prestigio del festival dentro del circuito indie nacional.

    Maga. La emoción hecha canción

    Si existe un grupo que representa la sensibilidad de Contempopránea, probablemente sea Maga. Las canciones de Miguel Rivera y los suyos parecían escritas para sonar en las noches de Alburquerque. La delicadeza de sus letras, la elegancia de sus melodías y la conexión emocional con el público hicieron de cada visita una experiencia difícil de olvidar. No es casualidad que el 30 aniversario vuelva a contar con Miguel Rivera revisitando el repertorio de Maga. Es una forma de cerrar el círculo entre una banda y un festival que crecieron prácticamente de la mano.

    La Habitación Roja. La fidelidad convertida en tradición

    Pocas bandas han mantenido una relación tan constante con Contempopránea como La Habitación Roja. Su historia discurre en paralelo a la del propio festival. Ambos nacieron a mediados de los noventa y ambos han demostrado que la coherencia puede ser una forma de resistencia cultural. Cada regreso de los valencianos suponía un reencuentro con un público que ha crecido junto a sus canciones durante tres décadas.

    Lori Meyers. Cuando dejaron de ser una promesa

    Hubo un tiempo en el que Lori Meyers aún no llenaban grandes recintos. Contempopránea fue uno de los festivales que apostó por ellos cuando todavía eran una banda emergente. Años después, convertidos en uno de los nombres imprescindibles del indie español, su presencia adquirió un significado especial: demostraba la capacidad del festival para descubrir talento antes que nadie.

    Sidonie. El directo como celebración

    Los conciertos de Sidonie siempre aportaron una energía distinta. Su mezcla de psicodelia, pop y actitud festiva encajó perfectamente con el ambiente cercano del festival. La complicidad entre la banda barcelonesa y el público convirtió cada actuación en una celebración colectiva donde era imposible permanecer inmóvil.

    Love of Lesbian. El crecimiento de una generación

    Cuando Love of Lesbian comenzaron a actuar en Contempopránea todavía estaban construyendo el fenómeno en el que terminarían convirtiéndose. El festival acompañó esa evolución. Verlos regresar años después como una de las bandas más importantes del país simbolizaba también el crecimiento de toda una escena musical.

    La Casa Azul. El pop sin complejos

    La aparición de Guille Milkyway aportó un color diferente al festival. Sus conciertos demostraron que el pop más luminoso también tenía espacio dentro del universo independiente. Canciones convertidas en himnos y un espectáculo lleno de referencias visuales ampliaron los horizontes musicales de Contempopránea.

    Nosoträsh. Una historia de justicia musical

    Durante años fueron una de las bandas más queridas por el público del festival. Lejos de grandes cifras comerciales, Nosoträsh encontraron en Contempopránea un lugar donde sus canciones eran comprendidas y celebradas. Su participación en la Fiesta CPOP 30 supone también un reconocimiento a una formación imprescindible para entender el indie español de finales de los noventa y comienzos del nuevo siglo.

    Australian Blonde. Los pioneros

    Cuando el indie español todavía estaba escribiendo sus primeras páginas, Australian Blonde ya ocupaban un lugar privilegiado. Su presencia en Contempopránea ayudó a conectar el festival con la primera gran generación del pop alternativo nacional y confirmó la voluntad de Agustín Fuentes de reunir en Alburquerque a los nombres fundamentales del movimiento.

    Vetusta Morla. El futuro llegó al castillo

    Pocas trayectorias simbolizan mejor la evolución del pop español en el siglo XXI. Cuando Vetusta Morla comenzaron a abrirse camino, Contempopránea ya había demostrado durante años su capacidad para detectar talento. Su paso por el festival confirmó que una nueva generación estaba preparada para tomar el relevo de los grupos históricos.

    Mucho más que un cartel

    Sería injusto reducir la historia de Contempopránea a una decena de nombres. Por sus escenarios también pasaron Mercromina, Cooper, Sexy Sadie, Los Enemigos, The Sunday Drivers, Nacho Vegas, Niños Mutantes, Second, Dorian, Russian Red, Zahara, Supersubmarina, Tachenko, Pauline en la Playa, Nadadora, La Buena Vida, Señor Chinarro y decenas de bandas que encontraron en Alburquerque un público dispuesto a escuchar sin prejuicios. No programar únicamente a los artistas más populares. Sino ayudar a construir la historia del pop independiente español desde el escenario de un pequeño pueblo extremeño. Porque muchos grupos tocaron en Contempopránea. Solo unos pocos consiguieron que Contempopránea también formara parte de su propia historia.

    Capítulo VI. Cuando Extremadura subió al escenario

    El compromiso de Contempopránea con la música extremeña

    Contempopránea nunca quiso ser un festival que llegara a Extremadura de espaldas a Extremadura. Desde su nacimiento, el proyecto dirigido por Agustín Fuentes entendió que un festival no debía limitarse a contratar artistas consagrados. También tenía la responsabilidad de descubrir, impulsar y dar visibilidad a los músicos que nacían en la tierra que lo acogía. Si Contempopránea pretendía convertirse en una referencia cultural, debía hacerlo también desde el compromiso con la creación local. Durante treinta años, decenas de bandas extremeñas encontraron en sus escenarios una oportunidad que difícilmente habrían tenido en otros festivales nacionales.

    Mucho más que una cuota regional

    Nunca existió una «cuota extremeña». Los grupos de la región no actuaban por su lugar de procedencia. Lo hacían porque compartían una manera de entender la música. Agustín Fuentes siempre defendió que la calidad artística era el único criterio posible. Pero también entendía que un festival construido en Extremadura debía convertirse en un escaparate para quienes intentaban abrirse camino desde una comunidad tradicionalmente alejada de los grandes focos de la industria musical. Aquella filosofía terminó convirtiéndose en una de las señas de identidad de Contempopránea.

    Una cantera para el indie extremeño

    A lo largo de tres décadas pasaron por el festival algunos de los nombres más representativos de la escena alternativa extremeña. Bandas que encontraron en Alburquerque un escenario desde el que proyectarse hacia el resto del país. Entre ellas destacan Cajón de Sastre, Bloomington, Galáctica, Nóbel, Psichotic Foster’s, Los Autonautas o Digital 21, proyectos que ayudaron a consolidar una escena regional con personalidad propia y que encontraron en Contempopránea un escaparate privilegiado ante prensa especializada, programadores y público llegado de toda España. Bandas con la que arrancó el festival y con el que sigue generando nuevas agrupaciones: Los Ganglios, Hombre Tigre, Bolsa de moscas, Primos DJ, Patronato, Subterráneos, Left Brothers, Violent Popes, No Fishing, The Wichards, Lich, Julien Elsie, Gecko Turner, Chloé Bird o Balarrasa

    Capítulo VII. El festival sale de excursión

    Cuando Contempopránea decidió viajar sin dejar de ser él mismo

    Durante muchos años hubo una frase que parecía incuestionable. Contempopránea era Alburquerque. No era una simple ubicación geográfica. Era una identidad. Una forma de entender el festival. Un vínculo emocional construido edición tras edición entre el público, el pueblo y el Castillo de Luna. Pero la historia de Contempopránea también es la historia de un proyecto que supo adaptarse a los cambios sin perder su esencia. Y esa capacidad de evolución llevó al festival, en distintos momentos de su trayectoria, a salir de casa. No para marcharse. Sino para ampliar horizontes.

    La primera aventura. Badajoz, la ciudad que abrazó el indie

    Entre todas esas paradas, Badajoz ocupó un lugar destacado. La capital pacense llevaba años consolidando una programación cultural cada vez más amplia y ofrecía infraestructuras capaces de acoger propuestas de mayor formato. Contempopránea encontró allí un público que ya lo sentía como propio. Las ediciones celebradas en la ciudad acercaron el festival a nuevos espectadores que quizá nunca habían viajado hasta Alburquerque, pero que compartían la misma pasión por la música independiente. Mercury Rev, The Horrors, Izal, Pet Shop Boys, Vitalic, Vetusta Morla, Dorian, Xoél López, Dover, Lori Meyers, The Charlatans, Sidonie, Dorian, León Benavente, Zahara o Christina Rosenvinge formaron parte del cartel de esos años en Badajoz.

    Otra mudanza. Pandemia, frontera rayana y una reconstrucción.

    En 2021, todavía bajo las limitaciones derivadas de la pandemia, Olivenza acogió una edición especial que sirvió como banco de pruebas para el futuro del festival. La experiencia fue positiva y abrió la puerta a un nuevo horizonte. Al año siguiente, el Ayuntamiento oliventino anunció la llegada definitiva de Contempopránea, definiendo el momento como «histórico» y apostando por convertir la ciudad en un referente del pop independiente. Pero Agustín Fuentes insistió desde el primer momento en una idea fundamental: Contempopránea no era únicamente un lugar físico. Era una manera de programar música y de relacionarse con el público.

    El cambio más difícil

    Ninguna decisión en la historia del festival generó tanta conversación como el traslado de su sede principal a Don Benito. Después de casi tres décadas en Alburquerque, el cambio suponía cerrar una etapa profundamente ligada a la memoria sentimental de varias generaciones. No fue una decisión sencilla. Agustín Fuentes ha explicado en diferentes entrevistas que la continuidad del festival exigía encontrar un modelo que garantizara su viabilidad a largo plazo. Las dificultades económicas acumuladas durante los últimos años, junto a la necesidad de disponer de mejores infraestructuras, llevaron a iniciar una nueva etapa. «No fue una decisión deseada, fue una decisión necesaria», ha venido a resumir el director del festival al explicar un proceso en el que pesaron tanto la realidad económica como el futuro del proyecto.

    El regreso al origen

    La respuesta llegó con motivo del treinta aniversario. En lugar de elegir entre pasado y futuro, Contempopránea decidió abrazar ambos. La Fiesta CPOP 30, celebrada en agosto de 2026 en las laderas del Castillo de Luna, representa mucho más que un evento previo al festival de octubre. Es un homenaje. Un regreso consciente al lugar donde nació todo.

    Capítulo VIII. La otra mitad del escenario

    El público que convirtió un festival en una familia

    Existe una frase muy repetida en el mundo de la música que dice que un concierto no termina de existir hasta que alguien lo escucha. Si eso es cierto, Contempopránea nunca habría cumplido treinta años sin su público. Porque la verdadera historia del festival no puede contarse únicamente a través de los carteles, los artistas o los escenarios. Hay otra historia, menos visible, que discurre paralela desde 1996. La de miles de personas que decidieron convertir una escapada musical en una tradición de vida. Ellos son la otra mitad del festival.

    El público más respetuoso

    Uno de los mayores orgullos de la organización siempre fue el comportamiento de sus asistentes. En una época en la que muchos festivales comenzaron a convivir con problemas derivados del consumo excesivo de alcohol o las drogas, el deterioro de espacios públicos o los conflictos vecinales, Contempopránea mantuvo un ambiente sorprendentemente tranquilo. El público entendía que el pueblo no era un simple escenario alquilado durante un fin de semana. Era la casa que acogía el festival.

    La memoria sentimental

    Preguntar a un asistente habitual cuál fue el mejor concierto de Contempopránea suele producir una respuesta inesperada. Muchos no hablan de un artista. Hablan de un momento. La primera vez que fueron. La noche que conocieron a quien hoy es su pareja. Una conversación en el camping. Una madrugada viendo amanecer después del último DJ. Una fotografía junto al Castillo de Luna. Eso explica mejor que cualquier estadística lo que ha significado este festival. Las canciones eran importantes. Pero casi siempre terminaban convirtiéndose en el telón de fondo de algo mucho más grande.

    Capítulo IX. Mucho más que un festival

    El impacto cultural y económico de Contempopránea en Extremadura

    Cuando Contempopránea nació en 1996, pocos podían imaginar que un festival de pop independiente acabaría convirtiéndose en uno de los proyectos culturales más importantes surgidos en Extremadura durante las últimas décadas. Su éxito no puede medirse únicamente por el número de conciertos celebrados, los artistas que pasaron por sus escenarios o las entradas vendidas. Su verdadera dimensión reside en haber demostrado que la cultura también podía convertirse en una herramienta de desarrollo territorial, de promoción turística y de construcción de identidad. Treinta años después, Contempopránea forma parte de la historia musical de España, pero también de la historia contemporánea de Extremadura.

    Poner a Extremadura en el mapa del pop

    Durante los años noventa, la imagen exterior de Extremadura estaba ligada principalmente a su patrimonio histórico, sus espacios naturales y su riqueza gastronómica. Pocos relacionaban la región con la música contemporánea. Contempopránea cambió esa percepción. Cada verano, periodistas especializados, fotógrafos, músicos y miles de asistentes llegaban desde distintos puntos del país para participar en un festival que aparecía regularmente en las páginas de revistas como Rockdelux, Mondosonoro, Ruta 66, Rolling Stone o en programas de Radio 3. De repente, Alburquerque dejaba de ser únicamente una localidad monumental para convertirse en una referencia imprescindible dentro del calendario musical español. El festival proyectó una imagen diferente de Extremadura: joven, creativa, moderna y capaz de generar iniciativas culturales de primer nivel sin renunciar a su identidad.

    La cultura como motor económico

    El impacto económico de Contempopránea nunca respondió al modelo de los grandes macrofestivales. Su aportación fue más silenciosa, pero igualmente significativa. Durante los días de celebración, hoteles, hostales, casas rurales y apartamentos turísticos colgaban el cartel de completo. Restaurantes, bares, comercios y pequeños negocios experimentaban uno de los momentos de mayor actividad del año. La ocupación no se limitaba únicamente a Alburquerque. Municipios cercanos e incluso la ciudad de Badajoz recibían a numerosos asistentes que aprovechaban el festival para conocer la comarca, prolongar su estancia o descubrir otros recursos turísticos de la región. Cada entrada vendida generaba un efecto multiplicador que beneficiaba a numerosos sectores económicos.

    Una inversión en imagen

    Existen impactos imposibles de cuantificar.¿Cuánto vale que miles de personas asocien Extremadura con un festival de referencia? ¿Cuánto cuesta construir una marca cultural capaz de atraer visitantes durante treinta años? Contempopránea consiguió algo que ninguna campaña publicitaria puede garantizar por sí sola: generar prescriptores.

    El orgullo de pertenencia

    Pero el impacto del festival también se sintió dentro de Extremadura. Para varias generaciones de extremeños, Contempopránea representó la demostración de que era posible desarrollar grandes proyectos culturales sin abandonar la región. Muchos jóvenes descubrieron allí nuevas músicas, conocieron artistas que hasta entonces solo habían escuchado en la radio y comprobaron que Extremadura también podía ocupar un lugar protagonista dentro del panorama musical nacional. El festival contribuyó a romper un viejo complejo. El de pensar que las grandes iniciativas culturales solo podían nacer lejos de aquí.

    Del patrimonio histórico al patrimonio cultural

    El Castillo de Luna, las calles de Alburquerque y el paisaje de la comarca forman parte del patrimonio monumental de Extremadura. Contempopránea añadió una nueva dimensión a ese patrimonio. La emocional. Durante treinta años, el festival construyó una memoria colectiva que hoy forma parte del relato contemporáneo de la región.

    Capítulo X. Los próximos treinta años

    El futuro también suena a Contempopránea

    Cumplir treinta años nunca ha sido una meta. Es un punto de partida. En una industria donde los festivales nacen y desaparecen con la misma rapidez con la que cambian las modas, alcanzar tres décadas de historia supone un logro extraordinario. Pero también plantea una pregunta inevitable.

    ¿Cómo será Contempopránea dentro de otros treinta años?

    La respuesta no depende únicamente de la organización. Depende de la música, del público, de las instituciones, de los artistas y, sobre todo, de la capacidad del festival para seguir haciendo lo mismo que hizo en 1996: emocionar.

    El reto de seguir siendo diferente

    Nunca ha sido tan difícil ser un festival independiente. El sector vive una profunda transformación. Los grandes grupos empresariales concentran buena parte de los eventos musicales, los cachés de los artistas aumentan cada temporada y muchos carteles terminan pareciéndose entre sí. La competencia ya no es únicamente nacional; es internacional.

    Descubrir antes que seguir tendencias

    Si algo ha distinguido históricamente al festival ha sido su capacidad para descubrir artistas antes de que se convirtieran en fenómenos de masas. Muchas bandas encontraron en Contempopránea uno de los primeros escenarios donde presentar su música ante un público atento y curioso. Esa función de prescriptor cultural continúa siendo imprescindible. En una época dominada por algoritmos y listas de reproducción, festivales como Contempopránea siguen demostrando que el descubrimiento también puede producirse delante de un escenario. El futuro pasa por mantener viva esa capacidad para sorprender.

    Mientras haya canciones…

    En 1996 nadie podía asegurar que aquel pequeño festival celebrado en Alburquerque llegaría a cumplir treinta años. Hoy tampoco nadie puede garantizar cómo será dentro de otras tres décadas. Pero quizá esa incertidumbre forme parte de su encanto. Los festivales nacen para organizar conciertos. Muy pocos consiguen convertirse en patrimonio sentimental. Contempopránea ya lo ha logrado. Por eso, cuando se apaguen las luces de la edición del treinta aniversario y el último acorde se pierda en la noche extremeña, no terminará únicamente un festival. Porque mientras existan músicos con ganas de contar historias, público dispuesto a escucharlas y personas capaces de creer que la cultura merece la pena incluso cuando parece imposible, Contempopránea seguirá teniendo sentido. Mientras haya canciones, siempre habrá un lugar para Contempopránea.

    Willy López / Félix Méndez / Pakopí

  • Cuarenta veces Alcántara

    Cuarenta veces Alcántara

    Hay un momento, poco antes de que empiece la función, en que el Conventual de San Benito se queda en silencio. El público ya ha entrado. Los actores esperan entre bastidores. Algún técnico cruza todavía el escenario. Las sillas, ahora llena de ojos, llevan tomando el sol durante el día, a la espera de emociones. Fuera queda el calor de agosto y ese murmullo de las terrazas que regresará unas horas después. Entonces se apagan las conversaciones. Alguien dice la primera frase. Y Alcántara vuelve a empezar.

    Ha ocurrido cuarenta veces. Podríamos llamarlo aniversario, pero quizá la palabra resulte demasiado seria. Demasiado pendiente de la cifra. En esta localidad del norte extremeño pesan menos los cuarenta años que los cuarenta encuentros. ¡Volver a Alcántara y punto! Ésa es la medida. Hay gente que lo hace cada verano, sin rechistar, asumiendo que pasarlo bien en una esquinita del mapa del país, es el beneplácito de los que han luchado durante el año, una especie de entrada gratis al Coliseo en tiempos de Trajano. Hay gente que deshace el camino del verano pasado, para recorrer la misma carretera, los que vienen bordeando el Tajo, los que conectan desde Zarza la Mayor, Ceclavín o Acehuche, los que se dejan menear por las colas del embalse, los que abandonan las pinturas de Morales en Brozas o se hacen pequeños en la plaza de Garrovillas de Alconétar, los que vienen con la cadencia catalana, la vasca, la de medio mundo, los hijos y nietos de los que tuvieron que abandonar este paisaje, que aunque en este momento se describa único, antes fue duro y yermo. Hay gente, cuarenta años después, que vuelve a cruzar el puente, el viejo, ahora a pie, personal que se dejar pescar en la charca, sirulos de ciudad con cara de turistas. Hay chicos y chicas que recuerdan los anaqueles de libros de una bibliotecaria que los animó a leer esos clásicos que ahora se representan, a todos ellos les viene el olor a mormentera. La distancia no olvida y reconocen una esquina donde antes se cocinaban churros y unas maravillosas patatas fritas, una terraza donde el último heavy de la comarca te pone la caña más fresca y la mejor banda sonora de la plaza de la “pera”, esa plazoleta de fronteras, donde el Bar Lisboa rezumó vida y donde el mudo era el que más gritaba. Hay gente que sigue recordando la cantera como un cráter huidizo, personas que hace años arroparon la localidad entre los poblados de norte a sur, los que se machacaron moviendo piedras y los que se rompieron la mollera para mantener la ingeniería de la presa.

    El público sabe el camino hasta el Conventual y, aun así, vuelve a hacerlo despacio. No viene a celebrar un aniversario. Viene al teatro, y a todo lo que sucede en ese decorado previo. Alcántara, para pasar unos días diferentes en un pueblo que durante un tiempo también parece vivir de otra manera. A encontrarse con amigos que quizá sólo ve aquí. A cenar después de la función. A discutir si la obra de anoche fue mejor que la de hace tres veranos. A dejar que las horas duren un poco más. El festival ha terminado siendo eso. Una cita. Un lugar al que regresar. Durante unos días, la cultura ocupa las calles sin necesidad de hacer demasiada gresca. Aparece en una conversación, en un programa doblado sobre la mesa, en los actores que cruzan la plaza o en la gente que empieza a subir hacia el Conventual cuando cae la tarde. Después llega la noche. Lope, Calderón, Shakespeare o cualquier historia escrita hace siglos vuelve a ponerse delante de personas que han venido desde lugares distintos para hacer algo bastante sencillo: sentarse juntas y escuchar. Algunas funciones se olvidarán. Otras no. Pero siempre queda algo.

    Una escena. Una frase. Una cena que terminó tarde. Una conversación. La luz del Conventual cuando ya ha oscurecido. Incluso aquella obra cuyo título uno ha olvidado, pero de la que todavía recuerda con quién estaba. También quien andaba encima del escenario. Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival.

    Así se construyen cuarenta años. No sumando ediciones. Sumando veranos. Cuarenta veranos. Cientos de representaciones. Miles de espectadores. Y un mismo escenario. Lo demás ha cambiado casi todo. Han cambiado los gobiernos, las compañías, los directores artísticos, las formas de producir teatro e incluso la manera de comprar una entrada. Lo único que permanece es el camino hasta el escenario. Ese recorrido corto que atraviesa las calles de Alcántara y que, sin que nadie lo anuncie, convierte al espectador en parte de la representación

    Cuando termina la última función, cada uno vuelve a su sitio. Los actores continúan la gira. Los espectadores regresan a casa. Alcántara recupera sus días normales. Pero algo viaja con ellos. Un recuerdo pequeño, particular, difícil de explicar a quien no estuvo allí. Y durante el resto del año basta a veces con escuchar el nombre de Alcántara para pensar en agosto. En el Conventual. En aquella noche. En que habrá que volver. Quizá por eso cuarenta no sea una cifra demasiado importante. Lo importante es que todavía haya gente esperando la cuarenta y una.

    Orígenes. Antes de que todo empezara

    En realidad, el Festival de Alcántara comenzó antes de su primera edición. Fue en 1984 y casi con prisas. La primavera estaba avanzada cuando se decidió probar aquella idea de llevar el teatro al Conventual de San Benito. Había poco tiempo, mucho por hacer y ninguna certeza de que aquello fuera a tener continuidad. La dirección se encargó a José Luis Sánchez Matas y el 18 de julio, a las diez y media de la noche, ocurrió por primera vez. Títeres La Tartana representó Ciudad Irreal, una mirada a la vida urbana de aquellos años ochenta. Al día siguiente llegó Pluto, de Aristófanes.

    Dos noches.

    Suficientes para comprobar que allí podía pasar algo. Aquel verano fue un ensayo. El festival propiamente dicho comenzó en 1985, con Antonio Guirau Sena al frente. Guirau conocía bien los montajes al aire libre y fue dando forma, edición tras edición, a algo que todavía estaba buscando su sitio. Le dio ambiente, personalidad y, sobre todo, continuidad. Después llegó Antonio Amengual, que incorporó una zarzuela en cada edición y encontró una respuesta especialmente buena del público. Hubo un periodo de transición dirigido por Pablo Pérez de Lazárraga, entonces concejal de Cultura de Alcántara, y desde 1992 Francisco Javier González Magariños abrió una larga etapa de madurez y consolidación.

    Los nombres que explican una parte de la historia.

    La otra está sobre el escenario. Por San Benito han pasado algunos de los grandes intérpretes del teatro español: Juan Luis Galiardo, Juanjo Menéndez, Analía Gadé, Emilio Gutiérrez Cava, Amparo Rivelles, Adolfo Marsillach, Vicky Lagos, Manuel Galiana o María Fernanda D’Ocon. También una joven Maribel Verdú convertida en Julieta frente al Romeo de Fernando Guillén Cuervo. Y entre todos ellos aparece un nombre que Alcántara terminó haciendo casi suyo: Rafael Álvarez, El Brujo. Ha regresado tantas veces y ha colgado tantas veces el cartel de no hay billetes que resulta difícil separar su trayectoria de la memoria del festival. Pero quizá lo más interesante de aquellos comienzos sea precisamente lo poco que se parecían a una celebración histórica. En 1984 nadie podía hablar de cuarenta ediciones. Ni de tradición. Ni de uno de los festivales clásicos consolidados de España. Había un Conventual, unas cuantas personas empeñadas en probar algo y dos noches de julio. La primera empezó a las diez y media. Se apagaron las conversaciones. Salieron los actores. Y funcionó. Todo lo demás vino después.

    Willy López / Félix Méndez

  • Juan Manuel de Prada en la nostalgia de Santiago Castelo «Como disponga el olvido»

    Juan Manuel de Prada en la nostalgia de Santiago Castelo «Como disponga el olvido»

    Escribía Juan Manuel Rozas, catedrático, escritor y crítico literario sobre José Miguel Santiago Castelo; Hay en Santiago Castelo tres poetas y un solo hombre verdadero. Porque hay en sus versos, a modo de factor unitario, una insistente perspectiva, estrecha y auténticamente ligada al punto de vista o atalaya desde donde escribe y al espejo de lo que recuerda y siente…

    Nos citamos en Madrid con uno de sus discípulos más admirados del poeta y periodista extremeño, Juan Manuel de Prada. El Hotel Emperador, uno de esos hoteles que rezuman historias de artistas y del que periodistas como Capote hubiera adoquinado la puerta giratoria que ventila a la Gran Vía a base de dry Martini y artículos de toreros bohemios, se convierte en el escenario del encuentro.

    En una de las salas del hotel rememoramos la capacidad omnívora del periodista y poeta, las ansias nostalgias de pintar su Extremadura con brochazos en clave de versos, recordamos su calado cultural a través de los medios de comunicación y su tesón insaciable por disfrutar de la vida cada segundo. Homenajeamos a Santiago Castelo con otro enorme escritor, Juan Manuel de Prada, juntos soplamos lo que sería hoy, un 11 de septiembre, su 68 cumpleaños.

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    Ahora que tienes todo mi verano en tu mano
    que conoces mi pulso y el calor de mi sangre
    que me duermo en tus ojos de gacela y escucho
    las canciones más dulces de la mar y la aurora;
    ahora que he aprendido a libar los silencios
    y a perderme en tu pecho como en un paraíso,
    enséñame, si sabes, a vivir de otra forma
    porque me mata el miedo de perderte algún día
    Lección Final. Poema de Santiago Castelo

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    Es difícil resumir la trayectoria de Santiago Castelo, muy complejo narrar en pocas palabras los avatares vividos con él, pero cuéntanos lo que sepas de él.

    El primer resumen que habría que sacar de Santiago Castelo sería su cordialidad, eso que se suele decir de las personas buenas que son todo corazón, pues yo creo que en el caso de Castelo cumplía de sobra esa perspectiva. Era un hombre donde siempre tenías un pecho donde apoyarte. Este rasgo era lo más característico de él, pero Castelo era mucho más, su gran corazón estaba presente en todo lo que hacía, su hospitalidad, la capacidad de empatizar con los demás, la simpatía, la generosidad…era hombre alegre pero al mismo tiempo grave cuando había que serlo, hombre que sabía reír cuando la ocasión la merecía pero también sabía llorar con pudor, hombre que le gustaba comer y beber con los amigos, persona con un mundo interior muy fuerte y rico.

    Después como rasgos de personalidad, yo creo que si existe una persona que defina lo que es ser extremeño ese era Castelo. Las identificación que tenía con su tierra lo había convertido en un gran heraldo, un gran embajador de Extremadura allí donde estuviese. Él siempre hablaba de Extremadura y una cosa verdaderamente llamativa cuando estaba en su última etapa de su vida, a raíz de jubilarse, organizaba unas comidas los sábados en su casa y a las que yo asistía, y era sorprendente como en la comida siempre había productos extremeños.

    También mantuvo su esencia natal a través de la escritura…

    …sin lugar a dudas, otro de los rasgos que lo hizo grande y del que siempre impregnaba su poesía. Era un hombre de sentimientos a flor de piel, un sentimiento que se percibe en sus obras, obras que son un canto a la vida y un recordatorio de aquellas cosas que le hacían la vida más plena y obviamente una de ellas era su tierra. A Extremadura le dedicó muchos poemas, a sus paisajes y a sus paisanajes.

    “Si existe una persona que defina lo que es ser extremeño ese era Castelo”

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    Incluso su último libro, La sentencia,  recorre aunque sea muy duro, caminos y recuerdos de su tierra…  

    Es duro ya que es la crónica de su enfermedad…

    …pero lo mantenía “despierto”, estuvo escribiendo hasta el último momento…

    …sí, sí, el acabó este libro, me acuerdo que me llamó el día que lo terminó de escribir, uno o dos días antes de que fuera ingresado, los transcribió una compañera del ABC, la colaboradora Sara García Monge para que mecanografiase un manuscrito y lo corrigió en el hospital. Las dedicatorias las puso en el hospital. A pesar de no ser un libro de celebración de la vida, existen poemas, como el dedicado al río Zújar, o el poema titulado Profecía en la que se refleja su amor por los rincones de su tierra.

    Viviré en los encinares; cuando sólo sea memoria, cuando me borre la historia y mis versos sean cantares…Por encinas y olivares irá vagando mi alma y al atardecer en calma de la clara primavera oiréis mi nombre en la era y en el rumor de la palma

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    ¿Existe un reconocimiento real de la obra de Castelo en nuestra tierra?

    En primer lugar se debería hacer una antología de su poesía referida a Extremadura y que se leyera en las escuelas e institutos. Que los más jóvenes sepan de la obra de Santiago Castelo. Es uno de los grandes poetas de Extremadura a pesar de pasar casi toda su vida en Madrid, su obra se alimentaba mucho de su infancia, de su familia y reflejaba como nadie el sentir extremeño. Siempre que podía viajaba a su tierra, por las reuniones de la Real Academia de Extremadura, por sus encuentros con colegas y sus periodos de verano.

    “Se debería hacer una antología de su poesía referida a Extremadura”

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    Hemos hablado de su obra poética, pero desde tu óptica Juan Manuel, ¿Cómo podríamos desgranar su trayectoria profesional?

    La muerte de Castelo representa el fin del periodismo literario, de una forma de hacer periodismo que ya ha desaparecido, ese componente bohemio donde uno se tiraba las horas muertas en la redacción, y donde tan pronto estabas cotilleando sobre el último rumor de la política como estaba s discutiendo el último libro de versos de un autor o donde tenías que improvisar una editorial por la muerte de un protagonista de la sociedad. Castelo era de los que se remangaba y se ponía a redactar en la vieja máquina de escribir. Él representaba el espíritu de lo que fue el diario ABC durante mucho tiempo, donde se buscaba un periodismo bien escrito, el gusto por lo que Castelo llamaba la liberalidad, es decir, la capacidad para aceptar personas de pensamientos distintos, y en este sentido era muy querido por personas de ideologías muy diversas.juan-manuel-de-prada-13

    Suponemos que era crítico con las obras que tenía que leer… ¿Qué te decía acerca de tus novelas?

    …[Ríe]… fue una de las personas que me apoyó desde el principio. Mi primer libro lo conoció antes de que fuera libro, recuerdo que edité una especie de plaquette de “Coños” y entonces un amigo mío se lo dio, aun no conocía a Castelo, y le encantó, le hizo mucha gracia y fue él quien le habló a Luis María Anson para que formara parte del equipo de ABC. Desde entonces se convirtió en mi mejor crítico y del que aprendí muchísimo.

    ¿Qué frase de Castelo recuerdas en esa etapa que te calara hondo?

    …un día en despacho, no me acuerdo que tema estábamos tratando me dijo…recuerda siempre Juan Manuel que siempre vas a necesitar como mínimo dos o tres personas que siempre te apoyen, que siempre den la cara por ti incluso en los malos momentos, cuando las cosas no te vayan bien, cuando tus libros no se vendan, siempre tienes que tener dos o tres personas que mantengan vivo tu nombre…y eso es lo que fue para mí, la persona que siempre estuvo ahí.

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    Cuando falleció escribiste acerca de él, en una especie de alucinación letárgica;  Y vuelvo entonces el rostro y aparece ante mí otra vez Castelo en mangas de camisa; aparece otra vez ante mí su sonrisa sensual, su sotabarba de goliardo, sus ojos de brillo zangolotino, su barriga oronda de hombre al que el corazón no le cabe en el pecho y ha encontrado allí su nido. Aparece otra vez ante mí el amigo desvelado en el que poesía y humanidad formaban una alquimia anhelosa de brindarse.

    Sueño con Castelo muchas veces, lo tenía muy presente en mi vida, sobre todo a raíz de su jubilación. Curiosamente él era muy celoso de su intimidad y me mantuvo apartado de su casa hasta que comenzó a organizar las comidas y fue donde esos tabúes que mantienes a pesar de ser muy amigos se rompen definitivamente, de tal manera que cosas de las que no me hablaba trabajando en ABC y sí pasó a hablarme de ellas, de opiniones sobre personajes relevantes del periodismo, la política y demás. Secretos bien guardados que me contó y que aparecen a veces en estos sueños.

    “La muerte de Castelo representa el fin del periodismo literario, de una forma de hacer periodismo que ya ha desaparecido”

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    En esa etapa de hermandad total, de confidencialidad, ¿Cómo digerís la noticia de su enfermedad?

    Recuerdo perfectamente el día que nos comunicó que tenía cáncer. Fue algo muy interesante. En una de esas comidas que organizaba, donde estábamos unas ocho personas, y que eran muy desparramadas, muy ruidosas donde se comía, bebía, y charlaba al mismo nivel…[Ríe]…Castelo tenía un gran vozarrón y se sentía en todos los lados de la casa, pero ese día y yo no sé por qué le pregunté por José María Pemán, poeta, escritor y colaborador de ABC durante muchos años, y entonces él se puso a hablar de Pemán y no paró durante toda la reunión, contando anécdotas, leyendo poemas del autor, a criticar como por razones ideológicas se le ha condenado al olvido y cuando llegaron los postres dejó de contar historias del escritor y de manera solemne nos comunicó que padecía cáncer. Yo siempre pensé que realizó ese homenaje a Pemán para sentirse reflejado con Castelo, para que algún día nosotros también hablásemos de él, de sus poesías y su maravilloso trabajo.

    Entrevista.Willy López. |  Fotografía.Félix Méndez  | Foto Santiago Castelo. Diario ABC / Retrato Manuel Mampaso

  • Conciertos en los Jardines del MEIAC

    Conciertos en los Jardines del MEIAC

    El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) cumple este año su 30 aniversario, para celebrarlo ha programado distintas actividades a lo largo del año. Una de ellas es el ciclo de conciertos al aire libre Conciertos en los Jardines, que se celebrará en tres fechas: sábado 24 de mayo, jueves 24 de julio y viernes 19 de septiembre, con propuestas musicales que unen proyectos emergentes y consolidados de Extremadura con artistas de referencia a nivel nacional en cada una de ellas.

    Desde el MEIAC queremos invitar a todos y todas a participar de esta celebración y disfrutar de una programación cuidada, diversa y emocionante. Será una oportunidad inmejorable para descubrir música en directo en un espacio único de Badajoz; tres veladas muy especiales de encuentro entre el arte contemporáneo y la música pop en directo, en un ambiente festivo y relajado, pensado para disfrutar del museo de una manera distinta.

    PROGRAMACIÓN

    Sábado 24 mayo · 21:00h

    JULIEN ELSIE (Badajoz) Uno de los secretos mejor guardados del rock nacional. Presenta con banda completa su último disco, producido por él mismo y mezclado por Paco Loco.

    TULSA (Donostia) La galardonada compositora Miren Iza, Premio Nacional de Músicas Actuales 2024, llega al MEIAC con su último disco “Amadora”, aclamado por crítica y público.

     

    Jueves 24 julio · 21:30h

    PABLO WILSON (Badajoz) Guitarras y unas letras que combinan ternura y sarcasmo. En su segundo disco, Piti Stardust y las arañas de Malasaña, construye un universo propio entre la risa amarga y la emoción sincera.

    SALVAR DOÑANA (Sevilla) El nuevo proyecto de S Curro (Narco, ex Califato ¾) junto a Rosana Pappalardo (ex Califato ¾) es un torbellino sonoro en el que convergen el flamenco cósmico y el punk electrónico. Será su primera actuación en Extremadura.

    Viernes 19 septiembre · 20:30h

    LLUVIA (Badajoz) Poética y emoción en formato banda, una joya sonora que fusiona jazz, folk y canción íntima con acento local.

    CÓMO VIVIR EN EL CAMPO (Madrid) Grupo nacional de culto, habitual en festivales como Primavera Sound o Sonorama. Pop en castellano, tanto luminoso y radiante como oscuro y ambiguo. Presentan NAZARENA, su nuevo trabajo, eléctrico y vibrante.

    BOLSA DE MOSCAS (Don Benito) Electropop punk de etiqueta propia, con nuevo disco y formación. Una de las bandas emergentes más activas y originales del panorama regional.

    Este ciclo forma parte de las actividades especiales con motivo del 30 aniversario del MEIAC, reafirmando nuestro compromiso de acercar el arte, la música y la cultura contemporánea a la ciudad de Badajoz. Os esperamos en los jardines del museo para celebrar juntos estas noches inolvidables de música y comunidad.

     

    Acceso libre hasta completar aforo. Se recomienda llegar con antelación. Se permitirá el picnic en el recinto, creando así una experiencia cultural abierta, festiva y accesible.

  • «Tras la belleza imposible» | Costillo en papel

    «Tras la belleza imposible» | Costillo en papel

    Exposición «Tras la belleza de imposible» de Luis Costillo en la Sala Artex. Del 26 de abril al 28 de mayo.

    Y desearía ser piedra

    para no tener que ver

    una belleza imposible de definir,

    una belleza imposible de creer,

    una belleza imposible de soportar.

    Brompton Oratory
    Nick Cave & The Bad Seeds

     

    En estos días del cruel mes de abril se cumplen cinco años ya de la muerte de Luis Costillo –un artista singular, una persona notable, un amigo para muchos– tan añorado desde entonces por tantos de nosotros. Con motivo de este aniversario, la Fundación Luis Costillo Pereda ha

    organizado la exposición Tras la belleza imposible. Costillo en papel, en homenaje y recuerdo suyo –y también celebración de toda su vida, intensa en lo personal y fructífera en lo artístico–, dando a conocer con ella parte de su obra no expuesta hasta ahora en público. La memoria de Luis debe permanecer viva y sus trabajos deben continuar al alcance de todos, ni su persona ni su obra fueron hechos para el olvido, ese es el motor de la existencia de esta fundación.

    Tras la belleza imposible. Costillo en papel va a ser la primera muestra póstuma de Luis Costillo; aunque tras su muerte la exposición Fahrenheit –en la que participó activamente cuando se pre- sentó en el MEIAC– se pudo ver en sedes como Évora y Lisboa, dejando también huella en su amada tierra portuguesa, esta es la primera exposición de su obra en la que Luis no ha participado personalmente, y eso añade responsabilidad e incertidumbre a la hora de afrontarla, aunque la gran calidad de sus trabajos propicia, sin duda, un buen resultado.

    La exposición se centra en sus dibujos, porque el dibujo es la más sincera de las expresiones ar- tísticas. Por su realización directa e intuitiva, su espontaneidad e inmediatez al ejecutarlo, y la instantaneidad con que se plasma, es la técnica que mejor revela lo que el artista siente. Para Luis, expresarse sobre el papel fue una constante durante toda su carrera y acabó por convertirse en una necesidad vital. El dibujo y la escritura, obras manuales de cercanía que prefieren soledad y silencio, se convirtieron a partir de determinado momento en sus técnicas de creación favoritas, –con resultados desbordantes, como los conseguidos en sus libros de artista– en detrimento de la pintura sobre lienzo y los grandes formatos en los que había basado su ejemplar carrera, pero que acabaron siendo insuficientes para colmar sus anhelos de comunicación.

    El dibujo no es la excusa aquí, es solo una constatación: el arte de Costillo sobre papel es inabar- cable. Lo que aquí podemos ver es sólo una pequeña muestra entresacada de sus carpetas, de la multitud de dibujos, collages y obra gráfica de variados formatos, técnicas y épocas que conservaba ordenadamente en su estudio (además de los numerosos libros de artista que ya conocemos).

    La selección pretende ser sólo una muestra de tan abundante trabajo; no hay coartadas estéticas ni filosóficas que la justifiquen, su objetivo es sólo darlos a conocer, compartirlos con quien quiera acercarse a ellos. Es una cata cuasi arqueológica: hemos elegido trabajos de doce series distintas, de distintas épocas (que no se muestran completas en todos los casos para poder abarcar mayor variedad), que van acompañadas en algunos casos de pinturas relacionadas temática o estilística- mente con ellas y que compartieron un mismo propósito cuando fueron realizadas.

    Las pasiones de Luis fueron diversas, pues además del arte exploró con deleite otros territorios creativos que acabaron imbricados en su arte. Amaba la buena música (el rock desgarrado, afilado y transgresor de gentes como Lou Reed, Nick Cave, Patti Smith o Joy Division), la buena literatura (fue lector ávido de ciencia ficción dura y ciberpunk de autores como Kurt Vonnegut, William Gibson, Stanisław Lem y, por supuesto, William S. Burroughs) y el buen cine (tanto los clásicos en blanco y negro de Fritz Lang, Murnau o Akira Kurosawa como el cine a la contra de Wim Wenders, David Lynch o Jim Jarmusch). Todos ellos, todas sus obras (discos y conciertos, libros, dvds y proyecciones del cine club) pasaron a formar parte de su propio corpus, de todos se alimentó su espíritu para transformarlos en otra cosa, incorporando sus conceptos e ideas, trazando líneas y manchas en un papel o una tela.

    Y así ha resultado que, a pesar de no buscar en esta exposición un nexo entre las obras para su selección ni un hilo común que sirviera de argumento, éste ha surgido por sí solo, a posteriori, reclamando silencioso su importancia cuando uno contempla el conjunto seleccionado. En buena parte de los dibujos y collages escogidos están presentes los nombres mencionados anteriormente, incluida Portugal: una serie nos remite al Berlin de Lou Reed, el álbum más triste de la historia del rock, al decir de muchos críticos; en otra nos encontramos unos Beatles intervenidos en dibujo con los característicos ensamblajes de madera de Costillo; el disco Trans-Europe-Express, de Kraftwerk, es literalmente desguazado y en sus manos se transforma en Trans-Schengen-Express; también están en la sala Burroughs y compañía y también, cómo no, uno de sus artistas de cabecera, el atormentado Nick Cave, cuya canción Brompton Oratory da nombre a una de las series aquí reco- gidas y cuya letra nos ha orientado para escoger el título de la exposición.

    En todos estos dibujos aparece reconocible el genio de Luis, todos nos provocan una reacción –una pregunta, una sonrisa, una mirada cómplice– por el juego de conceptos plasmado en ellos, de todos queremos saber más y con todos ellos podemos aprender más; solamente hay que recorrer la sala con la mirada y la mente abiertas. Porque esta es, ya se ha dicho, una exposición para recordar a Luis Costillo, para que su ausencia lo sea menos, acercarnos a su trabajo menos visto y también conocer mejor al autor y conversar con él mientras nuestros ojos y nuestros pensamientos recorren las obras aquí mostradas.

    José Ángel Torres. Comisario de la exposición

    LUIS COSTILLO PEREDA (1956-2019)

    Artista plástico pacense, formado en Extremadura, Andalucía e Italia, comenzó su carrera con una primera exposición individual en 1976. Durante los primeros años 80 pintó influido por las tendencias en boga de la época, pero poco a poco fue encontrando un estilo personal, se fue alejando de la pintura meramente figurativa e impregnándose de expresionismo, de ironía dadaísta y de referencias literarias.

    En los años 90 prosigue su evolución tratando en todo momento de incorporar el soporte al sentido de la obra, así, aparecen los objetos intervenidos y todo es ya susceptible de ser empleado en una obra en la que abundan ensamblajes y seriaciones; pieles, chapas metálicas, huesos de animal y maderas rescatadas conviven con el acrílico y el lienzo en unas propuestas a veces directamente escultóricas.

    En los primeros años de este siglo va abandonando la pintura, que ya no le resulta suficiente para dar cuenta de su expresividad, y se centra en la que sería su actividad principal -y febril- hasta sus últimos días: la elaboración de libros de artista. Su obra de los últimos años es una biblioteca de casi dos centenas de títulos, cada uno de ellos con un universo cerrado, pero siempre en diálogo con el resto, como unos vasos comunicantes portátiles que nos hiciesen viajar de un libro a otro.

    Además, a lo largo de toda su trayectoria, Luis Costillo practicó incesantemente el dibujo sobre papel, en todas sus variantes, dando salida a una parte más íntima y confesional de su obra.

    A lo largo de su larga trayectoria, Luis Costillo presentó más de 40 exposiciones individuales y otras tantas colectivas, además de haber elaborado una extensa obra como diseñador gráfico, cartelista, etc… Entre las exposiciones individuales cabe destacar la magna antológica FAHRENHEIT, producida por el MEIAC, que pudo verse además en Évora y Lisboa.

    El compromiso –social, personal– fue una de las marcas de su obra, nunca ajena a la crítica. Dese los tratados de política internacional hasta los excesos urbanísticos de Badajoz, la ciudad donde se edifica su obra, todo forma parte de una lectura del mundo con un trasfondo importante de subversión social. Utopía y distopía dialogan en muchas de sus obras como formas elegidas para reescribir otra realidad posible, alejada de los cauces de la sociedad de consumo y entregada al placer de la sencilla vida cotidiana.

     

  • «Aquí EAJ-1 de emisiones Radio Barcelona» Nacimiento de la Radio en España

    «Aquí EAJ-1 de emisiones Radio Barcelona» Nacimiento de la Radio en España

    La primera emisora de radio española es EAJ-1 Radio Barcelona (E de España, AJ porque designa a las estaciones de Telegrafía sin Hilos y, 1 por ser la primera). Empezó a emitir en noviembre de 1924. Aunque ya había habido emisiones antes, eran completamente irregulares en el tiempo, por lo que se considera a Radio Barcelona la decana de las emisoras españolas con una programación continuada.

    El 14 de noviembre de 1924, desde el Hotel Colón de Barcelona, que estaba en la Plaza de Cataluña, a las 18.30 horas, estaban reunidos los fundadores de la Asociación Nacional de Radiodifusión. La primera transmisión la hizo María Sabater Cebado. Había entrado en la emisora antes de la inauguración oficial, trabajando como secretaria de dirección de la estación junto con el señor Guillén García, el señor Solá y el botones. Contaba con tan solo 20 años de edad. Al entrar todavía estaban terminando las instalaciones de la emisora.

    Durante siete años el panorama radiodifusor en España fue transformándose, tanto en cantidad como en calidad. El número de emisoras iba creciendo al mismo tiempo que la programación iba mejorando. Con la llegada de la II República, el número de personas que disponía de un aparato receptor aumentó y la audiencia de este medio se engrosaba día tras día. Además, durante esta época fueron surgiendo un gran número de estaciones locales.

    Con el estallido de la Guerra Civil española, el 18 de julio de 1936, la radio se destapó como un gran medio de propaganda política que fue utilizado por los bandos combatientes para emitir sus particulares arengas.

    El 19 de enero de 1937, se crea Radio Nacional de España, a la que se le otorgará el monopolio de la información en nuestro país, gracias a la Ley de Prensa, promulgada en 1936. Además, la entonces Unión Radio se transforma en la actual Ser (Sociedad Española de Radiodifusión).

    Sin lugar a dudas, en ese momento la información radiofónica es un baluarte importante que hay que cuidar y vigilar, pero la radio también es un medio de entretenimiento al que recurren las familias españolas para pasar sus ratos de ocio. Empiezan a surgir las radionovelas, que, años más tarde, sobre todo en las décadas de los 50 y 60, se convertirán en un auténtico boom.

    Llegados a los años 40, en concreto 1942, el gobierno crea la primera red de ámbito estatal, la Red Nacional de Radiodifusión (REDERA). Hasta ese momento, el sistema estaba conformado por tres tipos de emisoras: las estaciones locales, las comarcales (de las cuales la mayoría pertenecían a lo que es hoy la Ser) y, finalmente, las que estaban dentro de la Sociedad Nacional de Radiodifusión, es decir, las de RNE, y las del FET y de las JONS (Falange Española Tradicionalista y de las Juntas de Ofensiva Nacional-Sindicalista).

    Esta década de los 40 supuso también avances técnicos para los profesionales de la radio. En 1948, aparece la cinta magnetofónica, lo que favorecerá en gran medida la mejora en la producción de programas.

    Durante estos años, el número de aparatos receptores no dejó de crecer, siendo España uno de los países europeos que más radios tenía por habitante. La radio viviría una edad dorada durante esta década y la siguiente, hasta que aparecerá en escena un nuevo medio de comunicación de masas: la televisión.

  • José Jiménez «El MEIAC es un museo joven, con vitalidad y con una luz propia y transfronteriza»

    José Jiménez «El MEIAC es un museo joven, con vitalidad y con una luz propia y transfronteriza»

    José Jiménez es un prisma cultural que emite luz a todas las direcciones, su estrecha vinculación con el MEIAC, hace que esa sonda se refleje en muchas aristas del edificio. Lo que queda de su recorrido y lo que está por llegar en sus espacios. José Jiménez es catedrático, último año, en este año abstracto, de Estética y Teoría de las Artes en la misma. Ha sido director del Instituto Cervantes de París de octubre de 2004 a julio de 2007, director General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Gobierno de España, del Ministerio de Cultura, y Francia le distinguió con el nombramiento de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.

    El Ángel caído permanece erguido y más tenso que nunca para los museos de arte contemporáneo de Extremadura, la Fundación Helga Alvear, como patrono, y el MEIAC de Badajoz, como amigo permanente, como comisario, como crítico amante de sus muros y como embajador en la capital de España del museo pacense.

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    ¿Cuál es su conexión con el MEIAC?

    Desde su fundación estoy ligado al museo. Desde su apertura, hace 25 años, y que ya me pareció un proyecto muy interesante. Luego se hizo más intensa porque yo siempre he trabajado con las esculturas de América Latina, y como comisario de exposiciones  en 2001, ideé un proyecto que se llamó El final del eclipse, el arte de la América Latina en la transición del siglo XXI, el titulo lo enfoqué de esta manera porque creía que no había un suficiente reconocimiento del arte de las distintas naciones iberoamericanas. MEIAC acogió esta exposición y fue entonces cuando conocí a Antonio Franco, que fue un gran amigo desde aquel momento.

    La luz de la mirada, así define a Antonio Franco en su despedida…

    La luz en la mirada, porque él miraba  como si llevara una luz interna, estaba siempre dando luz, iluminando la idea, la puesta en escena de todo aquello que se hablaba. Algo admirable, por otro lado era un hombre de una sensibilidad impresionante, llegó a concebir que para Extremadura y para España era muy importante que existiera un museo extremeño como raíz pero a la vez un museo Iberoamericano de arte contemporáneo, un planteamiento y ámbito de la actividad del museo con dos planos importantísimos, sensibilidad y estrategia para situar el arte en una apertura transfronteriza.

    Un museo extremeño como raíz pero a la vez un museo Iberoamericano de arte contemporáneo, un planteamiento y ámbito de la actividad del museo con dos planos importantísimos, sensibilidad y estrategia para situar el arte en una apertura transfronteriza

    ¿Cómo han envejecido este museo? 

    El museo lo sigo viendo muy joven, porque tiene vitalidad, no tiene un cierre para los artistas más jóvenes y para los públicos y las sensibilidades jóvenes que van al MEIAC, sino todo contrario, se piensa siempre en el panorama actual, en qué momento estamos y a partir de ahí se proyectan las distintas líneas de trabajo. Eso no implica olvidar de dónde venimos, qué arte se ha realizado en España, que se ha hecho en Portugal e Iberoamérica, pero se trae esa memoria del pasado con la sensibilidad actual. Si un museo no puede hablar con la gente más joven es un museo que envejece, que carece de edad propia.

    Eso no implica olvidar de dónde venimos, qué arte se ha realizado en España, que se ha hecho en Portugal e Iberoamérica, pero se trae esa memoria del pasado con la sensibilidad actual

     

    Pepe Jiménez03

    Hemos hablado de pasado, con la fundación, del presente con las recientes obras y su vigor actual y ahora queremos saber su futuro, que creemos que es la gran duda que se plantean todos los museos de arte. ¿Qué le puede deparar al MEIAC después de un cuarto de siglo con vida?

    El gran problema siempre es el presupuesto del que se dispone para realizar las actividades, ahí están las líneas de futuro de todos los museos, ese esfuerzo es muy importante para la comunidad que lo acoge. Tenemos que desarrollar más cursos de iniciación respecto a cómo vemos, cómo miramos, cómo sentimos, cómo pensamos, siempre en relación con las actividades de exposición que se hacen en el museo. Esa mirada se debe trabajar desde edades tempranas, desde los niños, y por tanto, desarrollar actividades para ellos y tratar de hacer una recopilación del trabajo realizado para desarrollar esa sensibilidad. Es también muy importante abrir, en todo lo que se pueda, una relación de dialogo internacional, a todos los niveles, para conectar los museos entre sí.

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  • «Flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad» Homenaje de Extremadura del 10º Aniversario

    «Flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad» Homenaje de Extremadura del 10º Aniversario

    Extremadura conmemorará el décimo aniversario de la declaración del flamenco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad con 22 espectáculos durante noviembre y diciembre

    La consejera de Cultura, Turismo y Deportes, Nuria Flores Redondo, ha presentado este jueves en el Teatro López de Ayala de Badajoz la programación conmemorativa del décimo aniversario de la declaración del flamenco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, que contará con 22 espectáculos por toda la geografía regional y una actuación en Lisboa, durante noviembre y diciembre.

    La consejera ha destacado que Extremadura, junto a Andalucía y la Región de Murcia, fueron las comunidades que impulsaron esta declaración y ha recordado que Extremadura “también es flamenco”, porque “tenemos nuestros palos autóctonos, como son los jaleos y los tangos”, y además “está extendido por toda la geografía extremeña”.

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    Ha valorado el gran número de artistas extremeños que participarán en esta programación, que serán “los encargados de poner el flamenco extremeño en lo más alto” y “enseñarlo al mundo”, y ha resaltado el hecho de que el cartel de la conmemoración haya sido elaborado por un artista visual, aspecto que –en opinión de la consejera– ha permitido “un maridaje perfecto”, al llevar “al papel algo tan emocional, tan pasional como es el arte flamenco”. Junto a la consejera han intervenido, en la presentación, el autor del cartel conmemorativo, Daniel Muñoz; y los artistas flamencos Fuensanta Blanco, Francis Pinto y Manuel Pajares, que además han realizado una actuación en pequeño formato.

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    PROGRAMACIÓN

    La programación se iniciará el próximo miércoles, 4 de noviembre, a las 20:30 horas en el Teatro López de Ayala de Badajoz, con un homenaje al Niño de Badajoz, que contará con las actuaciones de los cantaores Domingo Rodríguez ‘el Madalena’, Francisco Escudero ‘El perrete’ y Maite Olivares, con las guitarras de Francis Pinto y Rodrigo Fernández y el baile de Jesús Ortega. Seguirá la programación el 6 de noviembre en el Teatro Imperial de Don Benito, a las 20:00 horas, con las actuaciones de los cantaores Esther Merino y Nane Ramos, con las guitarras de Joaquín Muñino y Juanma Moreno y el baile de Cristina Delgado.

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    El 7 de noviembre en la Casa de la Cultura de Portaje tendrá lugar, a las 18:00 horas, la conferencia recital ‘Los cantes de laboreo’ a cargo del cantaor Francisco Escudero ‘El perrete’ y el periodista Antonio Alcántara. El 13 de noviembre Manuela Sánchez pondrá en escena en el Centro Cultural Nueva Ciudad de Mérida la obra ‘Bodas de Sangre’, a las 20:00 horas. El 14 de noviembre, a las 20:00 horas en el Centro Cultural La Merced de Llerena, actuará la familia Vargas con la colaboración especial de Juanfran Carrasco y Salomé Pavón. Las actuaciones de Alejandro Vega, La Kaíta, El Peregrino, La Parreña y Paulo Molina tendrán lugar el 16 de noviembre en el Palacio de Congresos de Badajoz, a las 20:00 horas.

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    El 19 de noviembre el Teatro López de Ayala de Badajoz programará el espectáculo flamenco ‘#QuéOscurezca’ a partir de las 20:30 horas. La Casa de la Cultura del Casar de Cáceres acogerá el 20 de noviembre la actuación de Manuel Pajares, Juan Manuel Moreno y Malpica, a las 20:00 horas. El 21 de noviembre el guitarrista Javier Conde y el cantaor Fefo actuarán en el Teatro Juventud de Hervás, a las 20:00 horas. También el 21 tendrá lugar el Festival Flamenco de Cáceres con las actuaciones, entre otros, de Pedro Peralta, Perico de la Paula, Manuel Pajares y Juan Manuel Moreno; será en el Auditorio San Francisco de la Diputación de Cáceres a las 20:00 horas.

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    El 27 de noviembre la compañía Albadulake pondrá en escena en el Teatro López de Ayala de Badajoz, a las 20:30 horas, la obra ‘Genoma B’ que combina el lenguaje del flamenco con el del teatro y el circo. El 28 de noviembre Francisco Escudero ‘El perrete’ actuará en la Sociedade Voz do Operario de Lisboa, a las 19:00 horas, en el marco de la programación del Festival Flamenco ‘Horizontes Atlánticos’. El 4 de diciembre los cantaores Miguel de Tena y Carmen Tena actuarán en el Teatro Festival de Villafranca de los Barros a las 20:00 horas. El 5 de diciembre la Casa de la Cultura de Talavera La Real acogerá el espectáculo ‘La Merenguela’ de la bailaora Fuensanta Blanco, a las 20:00 horas. El 6 de diciembre tendrá lugar en Cáceres el Festival de las Minas, que contará con las actuaciones, entre otros, de Miriam Cantero y Rodrigo Fernández.

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    El 12 de diciembre el Cine Teatro Olimpia de Campanario ofrecerá la actuación de Celia Romero y Carolina La Chispa, a las 20:00 horas. También el 12, La Casa de la Cultura de Santa Amalia acogerá la actuación de Carmen La Parreña y Salomé Pavón, a las 20:00 horas. El 13 de diciembre Perico de Paula actuará en la Casa de la Cultura de Ahigal a las 20:00 horas. También el 13, el Festival de Danza DZM de Cáceres programará el espectáculo flamenco ‘#QuéOscurezca’ en el Gran Teatro a las 20:00 horas. El 16 de diciembre Edu Hidalgo y Zaira Santos actuarán en la Casa de la Cultura de Logrosán, a las 20:00 horas. El 17 de diciembre el Teatro Alkázar de Plasencia ofrecerá a las 20:00 horas una gala conmemorativa que contará con la actuación, entre otros, de Celeste Montes. Cerrará la programación, también el 17, la actuación de Pedro Cintas y La Ratita en la Casa de la Cultura de Monesterio, a las 20:00 horas.

    CARTEL CONMEMORATIVO

    El cartel conmemorativo creado por el artista extremeño Daniel Muñoz trata de enfatizar el concepto de “lo inmaterial” como motor de cualquier manifestación artística, poniendo en valor el poder de las ideas por encima de las formas. A diferencia de otras expresiones, materializadas en cuerpos físicos, la música y las artes escénicas tienen una naturaleza etérea e intangible desde su gestación a su exteriorización pública. Por otro lado, la parte inferior de la imagen hace hincapié en la construcción cultural desde las bases sociales, simbolizadas en ese suelo/mapa en el que todas las personas dibujan y redibujan formas y parámetros; usándolo como un terreno de juego versátil y permeable así como núcleo de la participación social transformada en arte.

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    EL FLAMENCO EN EXTREMADURA

    El flamenco en Extremadura engloba no solo las aportaciones peculiares autóctonas y creaciones individuales de los artistas extremeños que lo distinguen del resto de la geografía flamenca, sino también todo aquello que tiene en común y con lo que participa del acervo común del flamenco español. Extremadura forma parte de la geografía del flamenco porque este es una de sus señas de identidad, incardinado en nuestra sociedad, respaldado por una gran afición reflejada en peñas, federaciones, festivales y concursos. Extremadura, además, forma parte del origen del flamenco, habiendo sabido cuidar y conservar los estilos autóctonos, tales como jaleos y tangos. El embrión flamenco extremeño surge, fundamentalmente, en los asentamientos gitanos. Fuentes de intercambio cultural serán, sin duda, ferias de gran concurrencia y protagonismo gitano como las de Fregenal de la Sierra, Mérida o Zafra.