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«Prostitución. Cuando el teatro pone a cada uno en su lugar»

España es la capital europea de la prostitución. Es así como arranca la obra que dirige Andrés Lima. Nada de alegatos, un croché directo a los que ocupan las butacas de la sala de teatro, un texto que desconcierta, nos abofetea, nos hace pensar, malpensar, repensar, llorar, encogernos el alma y sonreír, aunque de esto último poco. Es un tema muy serio. Ya lo dice el texto, Nathalie Poza vomita datos al poco de subir el telón, la cruda y hedionda realidad. “El consumo de la prostitución en España solo es superado por Costa Rica y Tailandia, hay 100.000 mujeres ejerciéndola, el triple que dentistas», y de ellas el 90% son extranjeras; están censados 1400 locales de alterne y el gasto medio anual de sus clientes es de 1500 euros, «más que en frutas y verduras».

Quince el francés y 20 el completo, necesito ganar dinero para mantener a mis hijos dice Poza, sin nómina y sin derechos comenta la maravillosa Carolina Yuste ejerciendo de Lucía, la estudiante de derecho…A nadie le gusta la vida de puta, afirma Carmen Machi en su papel de travesti.

Lima-Boronat nos meten de lleno en un texto elaborado a base de dureza narrativa, juego de personajes magníficamente imbuidos por Machi, Poza y Yuste. Todo un lujo en el panorama teatral.

Para sus autores Prostitución es un espectáculo que se basa en un proceso de exploración sobre la prostitución. Un tema que nos hace plantearnos muchas preguntas, y en diferentes planos, sobre nuestra visión como ciudadanos, como seres humanos y como artistas con la voluntad de reflejar nuestra sociedad. Dan voz a sus protagonistas, las prostitutas. Hablan con ellas, entran en sus clubes, las acompañamos en sus calles. Se trata de iniciar una investigación documental de la que beberá un grupo de artistas–actrices, con el propósito de comprender esta realidad y de plasmarla en una obra teatral. El espectáculo nace en la calle y se mueve hasta el escenario. El espectador vive esta experiencia. Deseo, necesidad, secreto, violencia, ternura, dolor, placer, compañía, pagar por sexo, cobrar por sexo. La experiencia de la prostitución, ponerse en su lugar, subirse a sus tacones, correr el riesgo, comprender.

El tema: la Prostitución. El problema: la trata, tráfico y explotación sexual de mujeres y niñas (y todos los que se derivan de ello: inmigración ilegal, drogas, violencia de género, etc). Las bases del problema: la mercantilización del ser humano. La Industria alrededor de la venta de sexo, la industria de placer. Placer, otra palabra en la que detenerse. Y el dinero, siempre el dinero. Tres actrices: Carmen Machi, Nathalie Poza y Carolina Yuste, comprometidas como mujeres y artistas se sumergen en un mundo lleno de controversia. Abolición, legalización, estigmatización, prejuicios morales, culturales, religiosos e intereses económicos y políticos hacen de la prostitución un tema transversal en nuestra sociedad, que a todos nos afecta y que muchos desconocen. Todo nuestro equipo artístico tratará de acercar al público su voz, su emoción. Desde la entrevista a pie de calle hasta la música en directo nuestras prostitutas alzarán esa voz.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

2 de marzo de 2021
Marlango «La banda sonora de una película que no existe»

Leonor Watling hace de todo y casi siempre bien. En el cine, sin inmutarse nos hizo acariciarle la piel, hablamos con ella desde nuestras butacas, una paciente en coma al que gritábamos en silencio cada vez que se acercaba Javier Cámara. También la vimos de refilón en Farmacia de Guardia, pocos capítulos al mando de Mercero, lo justo para hacerse un hueco y buscar sitio entre Raqueles. A Leonor la tenemos en Spotify, Youtube, Vimeo y en las apps más tradicionales de nuestro panorama musical, una humilde aplicación denominada como Escenarios, Garitos y Salas de este país. A Leonor Watling le da por entrevistar y ejerce de periodista de una manera tan natural que a veces cabrea. Hace bien poco presentó el late night de Buenafuente, y en ese espacio lleno de focos, público expectante y entrevistado indolente, la actriz y cantante no se arruga, pregunta, pregunta, pregunta y luego pum, dispara una sonrisa. Pero si nos remontamos al año 2013, la cantante de Marlango entrevistó a Tom Waits, cosas de la vida, una entrevista telefónica, un “phoner” como nos dice año tras año el manager de su pareja y también cantante Jorge Drexler. En esa entrevista Leonor rescata el motivo del nombre de su banda, una errata de dicción que Alejandro Pelayo, Óscar Ybarra, ausente desde el 2014, y ella llevan con dignidad en sus seis discos paridos. Queda poco para actuar y el frío nos deja arrecíos en el ensayo, bajar a tocar al sur tiene estos errores de cálculo meteorológicos, piano afinado, chelo afinado, voz afinada, mucho de cine negro… «I wish I was in new Orleans» y algún sitio para comprar una prenda con esencia de picón.

La primera pregunta es obligada ¿Cómo habéis venido? En tren no…

[Ríen]…Leonor Watling– Me dio risa, pero de coraje, al ver la imagen del mapa del AVE den España. No hay quien entienda algo así para esta región.

Queremos saber algo de vuestro último “hijo musical”…contadnos algo de “Technicolor”.

Leonor Watling– Pues mira una vez que encontramos nuestro sonido en español como que ya no nos encontramos en inglés. Fue un proceso muy largo, tardamos muchos discos, hicimos versiones pero hasta que yo encontré como letrista mi voz en español y como cantante el sonido de Marlango en español pues tardamos pero una vez que has cambiado ya es como cambiar de instrumento, es muy difícil. “Technicolor” se le ocurre a Alejandro y la idea al principio era hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe, que es lo que pensaban en los 60 que eran los 40, lo que pensaban los 50 que eran los 30, ese color que es como el color de las polaroid. También es como un guiño hacia esta cosa de que nos creemos los más modernos con nuestros filtros Valencia en Instagram y llevamos un siglo haciendo eso. Lo que pasa es que al final como van a las canciones, son diez canciones que no son una historia, son diez canciones que cuentan diez historias distintas y cada una es un género, pero nos gustó mucho esa sensación. Sonoramente también no hay nada previo, es todo viento, cuerda, piano, batería y voz…no hay nada eléctrico.

¿Cómo componéis Alejandro? ¿Cómo unís vuestras letras y sonidos? ¿Cómo llegáis a sacar discos y canciones?

Alejandro Pelayo– Cada uno hace como sus deberes en separado y privado y lo que hacemos cuando nos juntamos es ponerlo como en común, enseñarle al otro y buscar un lugar donde no se sepa muy bien que ha traído cada uno. Cuando se mezclan las palabras con la música entra el inicio y el reto también de escribir alguna canción que no hayamos escrito de ciento y pico que hemos escrito juntos estando como la familia que pertenece cada canción, como las cartas esas de “la familia esquimal” “la familia india” y tenemos como familias de canciones y buscamos .No somos tampoco tan versátiles como para hacer cualquier cosa, entonces lo que nosotros hacemos es que vamos buscando el elemento extraño y a ese le prestamos atención y luego muchas veces tenemos que juntar varios elementos extraños para construir una canción, o sea las canciones acaban siendo trozos de muchas ideas pequeñas que hay que desarrollar y trabajar para convertirlas en una estrofa, en un estribillo o en un puente un poco Frankenstein.

Technicolor” es hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe

Existe la tendencia a creer que la parte creativa de la composición de la música surge sólo escuchando más música ¿Cuál es vuestra influencia y la manera de que os vengan ese tipo de letras y canciones? ¿Cuáles son esas pequeñas influencias que os van nutriendo en este sexto disco?

Alejandro Pelayo– Todo suma, eso está claro, pero yo creo que no hay nada como el escenario, el caldo de cultivo para lo que nosotros hacemos está en el vino, está en los días que está la comida, está en los amigos, está en el paso del tiempo. También acudimos mucho a la música para abrazar al presente pero el escenario te da como una hora y media de un subidón muy íntimo y poderoso que al día siguiente lo pagas como una fiesta, lo pagas cuando estás volviendo y lo pagas ese tiempo entre semana de conciertos, mientras estás esperando a que vuelva a llegar el escenario…eso es un caldo de cultivo para nuestra inspiración musical.

¿Si no tenéis esas sensaciones es muy difícil sentir esa emoción?

Leonor Watling –Esto es como los resfriados, nunca sabes muy bien donde lo has pillado, a veces sí lo tienes muy claro y dices Buah, ayer me descuidé en el tren, pero normalmente lo vas incubando y un día estás con fiebre. Realmente es una mezcla de muchas cosas.

Alejandro Pelayo– También la vida cotidiana es el esfuerzo de acostumbrarse a la vida cotidiana y de no acostumbrarte al escenario y al revés cuando estás de gira echas de menos el otro lado, lo que te falta, eso acaba provocando mucha música. Nuestra añoranza de casa cuando estás lejos y estar harto de casa cuando estás en casa, bueno cada uno lo traduce a su cuaderno con su lenguaje pero es necesario para las canciones.

Es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público

Vuestro estilo de música perfectamente se adapta a un teatro como este pero también a una pequeña sala por vuestro envoltorio musical, por vuestras canciones, por la sonoridad e incluso por la vestimenta, pero ¿Dónde os encontráis más a gusto?

Leonor Watling -En el cambio, las canciones cambian mucho según donde las toques y yo creo que nos alimentamos mucho de eso también. En verano en un escenario enorme al aire libre tocas de una manera, aquí de otra, en una sala más pequeña de otra y eso es lo divertido. También si solo estás en un nicho yo creo que es más aburrido, esto te hace tener que cambiar todo, a mí lo que me divierte es eso si siempre fuera una cosa muy íntima o siempre fuera una cosa muy grande. Creo que al final te acostumbras pero al estar cambiando todo el rato tienes que estar muy atento, estás un día en un sitio pequeño cantando como si estuvieras en la proa del Titanic [Ríen].

Desde que empezasteis ¿Os planteabais estar en el 2019 actuando, cantando y haciendo esta música?

Alejandro Pelayo– No, porque como nunca hubo un plan más allá de lo que iba pasando de una forma inmediata, pero esa inmediatez nos ha ido llevando de un punto a otro y se ha convertido en una forma de estar bien ocupado. No lo hacemos por ninguna otra razón que porque nos hace bien en eso que hablábamos del equilibrio entre la vida cotidiana y la vida profesional que en nuestro caso es otra que no se ve, hoy no es un día de trabajo en nuestra cabeza. Cuando tenemos que ir a tocar no lo asociamos con ir a trabajar porque trabajar es otra cosa. Eso nadie en su sano juicio lo abandona, lo cuidas y lo proteges. Son las canciones las que van tomando decisiones como ejecutivas, decisiones que tiene que ver con el calendario, con los presupuestos, con cosas que en otros trabajos tiene que decidirlo el jefe, aquí lo decide la música y nosotros a lo que si estamos atentos es a esto no lo vamos a poder pagar ¿Cómo lo hacemos para poder estrenarlo? No hay mucha decisión intelectual.

Habláis de recorrido musical, de vuestros seis discos pero ¿Cómo se encuentra la salud de la cultura musical?

Alejandro Pelayo– Yo creo que es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público. Y ahora tengo la sensación de que se está volviendo a dar eso de que hay mucha música distinta de calidad y funcionando y han pasado cosas en 14 años que hacen que aunque los medios no lo estén haciendo muy bien, la gente accede a esa música. Siempre cargo con vosotros pero es que estamos todos en el mismo barco, también es responsabilidad nuestra, de los músicos y como público también al prestar la atención, cuando vas al supermercado no le das a tus hijos de comer cualquier cosa ni todos los días lo mismo. Hay que prestarle atención a la parte que te alimenta el alma, hay mucha música y un público muy activo y responsable de lo que le gusta.

Leonor Watling– Yo sí que veo un público muy activo, bastante responsable de lo que le gusta, gente que cuida su entorno musical y trata de apreciarlo y darle mimo. Eso ha hecho que surjan grupos tan buenos como Vetusta Morla, Izal o Zahara. La industria no les hubiera dejado, era muy fuerte y ahora la cosa está más abierta. No vamos muy rápido pero vamos a mejor.

Tenéis muchos vínculos con el resto de músicos y soléis colaborar con ellos ¿Qué os aportan músicos como Coque Malla?

Leonor Watling -Pues yo creo que cuando escuchas la canción, hay algo que te lleva a la voz de ese intérprete y ese es el caso de Coque en nuestro disco. Es maravilloso, es un sueño, es como ser director de una película y tener al mejor actor porque esa canción nos costó mucho, le dimos muchas vueltas y Coque se la llevo a donde queríamos que estuviera. David Aguilar, que colabora en otra canción, hace que la canción sea mucho más amplia porque si es una voz solo la que está cantando eso es una versión, pero al tener dos voces estas escuchando dos historias que cuentan algo más profundo.

Alejandro Pelayo– El problema es que podríamos hacer una lista muy grande de gente con la que nos gustaría colaborar pero luego no tienes las canciones para estar a la altura del personaje al que te gustaría invitar entonces cuando tienes algo que consideras que puede estar bien pues no dejas pasar la oportunidad. Tenemos pendiente a gente muy buena como Depredo, Cristina Rosenvinge, Iván Ferreiro, Santiago Userón, Jacobo Serra, xoel López, Vetusta…pero falta la canción.

¿Cuándo viajáis os lleváis algo de la región?

Leonor Watling – [Ríe]…productos de la tierra muchísimos, porque forma parte también de ese viaje fin de curso…[Ríen]. De cada sitio en el que tocamos nos llevamos el dulce típico artesano o algún alimento así, aquí en concreto volvemos con buen embutido y mucho vino.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez | Colaboración. Marta Antúnez

1 de marzo de 2021
Anna R. Costa «La mirada femenina de la ficción española que no pide permiso para ocupar el lugar que es suyo»

Antes de que Anna Costa comience su infusión, un perro de 50 kilos, de nombre Manchego, hace las delicias de los insensatos que seguimos refugiándonos y citando a amigos en los bares. Cuando arribe al Café Pavón de Madrid, se fijará en Manchego y en una pegajosa y extraña risa que a lo lejos detendrá en más de una ocasión esta conversación. Tras pasar el Covid hace ya unos meses y aún con la resaca del éxito de Arde Madrid, la guionista, dramaturga y creadora recibe a Cultura OVERdose/ Badajoz para dar un largo repaso a la industria audiovisual pero sobre todo al papel de la mujer en él, sobre las que dice que han venido para quedarse: “no hay marcha atrás”.

“Se está abriendo un lenguaje nuevo, donde no se cuestiona que lo haya hecho una mujer, es bueno y punto y ahí es donde tenemos que ir las mujeres, donde está el talento, y que los temas femeninos estén porque es de cajón, es algo que ya no se puede cuestionar”, asegura. Inmersa en la adaptación de una novela de la que aún no puede dar detalles, rememora, con pocos pelos en la lengua, como fue el arranque de Arde Madrid -la “Catedral” de su carrera- y se queja de que las productoras le pusieran problemas para que la protagonista fuera una mujer: Ana Mari.

“Tuve muchísimos problemas con el tema de contenidos, no tanto con desarrollar lo que había que desarrollar, porque yo apostaba por unas cosas, quería contar cosas nuevas o no lo hacía, para mí no era opcional, no era una serie más sino una apuesta personal”, dice sin tapujos. Ana Mari, una integrante de la sección femenina franquista a la que le ofrecen infiltrarse como sirvienta en la casa madrileña de Ava Gardner en los años 60, se escandaliza y envidia a partes iguales la libertad que goza una actriz extranjera en la dictadura española. “No sólo desde el momento político que hay ahora, es que en el año 63 a Ana Mari no le hubiera tocado -infiltrarse- pero ella se atreve. Era una puesta personal porque yo quería ver ese carácter fuera de su tiempo, yo a estas alturas solo puedo ver las historias desde mí y desde mí no me puedo inventar que una mujer se enamore y se case y se deje engañar… era una cuestión casi de vida o muerte, o lo hago así o no lo hago y así fue”, recuerda.

Tuve muchísimos problemas con el tema de contenidos, no tanto con desarrollar lo que había que desarrollar, porque yo apostaba por unas cosas, quería contar cosas nuevas o no lo hacía, para mí no era opcional, no era una serie más sino una apuesta personal

Ana Mari no es ni de lejos la primera mujer de la ficción con la que Anna Costa se obsesiona –“para trabajar necesito tenerlo agarrado porque yo trabajo cuando se me va la pinza, cuando los personajes me hablan”-. Su versión teatral de Emilia Pardo Bazán obtuvo el reconocimiento unánime de crítica y público. “Con Emilia tuve una sorpresa muy grande porque sabía un poco de ella, pero no sabía hasta donde se había atrevido, que fue muchísimo”. Un personaje sobre el que profundizó sobre todo a través de sus cartas, a su juicio, “de lo que más se aprende”.

“De las cartas se aprende lo que más, yo he escrito mucho desde lo íntimo, cosas super íntimas que encuentras en una biografía, y tiras del hilo, la relación con los académicos, los artículos también, aunque los que ella escribió siempre tenían esta reivindicación, que es lo primero que se ve, pero no se la ve a ella. Lo que me gusta es cómo lo vive porque a partir de ahí puedes desarrollar algo artístico, porque su obra la conocemos todos, pero en las cartas se confiesa, otros le contestan… en lo íntimo siempre encuentro los tesoros”, comparte. Con Ava Gardner descubrió a una mujer que huyó de, en principio, el país más libre del mundo para refugiarse en una dictadura y ser realmente libre.

“Me fijé en Ava porque vivió en Madrid, me quedé sorprendida porque no sabía que había vivido tanto aquí, segundo porque era un tío, una tía con vida de tío, elegía a quien quería, se iba de los trabajos que quería… Hice muchas entrevistas con gente que la conoció y fueron unánimes en su carácter arrollador, hacía lo que le daba la gana, era muy autónoma, anormalmente autónoma sobre todo para ser estrella de Hollywood que estaban muy agarradas por la industria”, explica. Una diva que “para liberarse tuvo que venirse a una dictadura”: “¿qué te parece la paradoja? es brutal. Se vino a un sitio donde no había libertad de prensa para que no la siguiesen, un sitio donde los extranjeros no pagaban impuestos, y donde no había producciones audiovisuales entonces así si le apetecía se iba tres meses fuera a rodar algo. Se vino al paraíso, lo que para los españoles era un sitio horrible para ella fue un paraíso”, remata. Una actriz bendecida por una belleza aplastante, que que para Costa se convierte en “tormento” al no poder evitar la tentación de pensar que pudo comportarse como quiso “porque estaba buena”. “Emilia decía en una carta que claro, que si hubiera más agraciada… pensar que las mujeres tendríamos más lugar si fuéramos más guapas es muy triste”, reflexiona esta creadora que ya tiene su lugar más que conquistado en la industria.

Desde ese lugar analiza también la situación de los artistas españoles. Esos que durante los meses de confinamiento nos hicieron la vida un poco más entretenida a través de las múltiples plataformas audiovisuales que copan nuestras televisiones, pero que no reparten sus ganancias de manera muy equitativa. “Es muy difícil ser artistas en este país, porque a lo mejor haces un trabajo que te pagan bien y Hacienda se lleva la mitad y estás tres años esperando al siguiente proyecto, y cuando lo vas a arrancar no te queda un duro”, comparte sin pelos en la lengua. “Habría que tener mas empatía con el arte y lo que significa ser artistas, tienes que estar mucho tiempo haciendo un trabajo que nadie te paga, es tremendo porque todo el mundo tira de la ilusión hasta que te plantas en los 40 y dices ¿ahora qué? ¿sigo con la ilusión?”.

A pesar de ello y de todo lo que nos rodea, espera al futuro con calma y con ganas. Desde la Academia de Cine, donde es mentora, puede ver la generación que viene pisando fuerte y que trae “grandes novedades en cuanto a temáticas, perspectivas y talentos”. “Todo empieza a cambiar, el tema de la pandemia va a ser muy poderoso para dar enfoques nuevos, y para la gente que tiene visión de futuro. Ya ha traído cambios en la industria, las salas no sabemos si sobrevivirán, las plataformas están pidiendo una cantidad de contenido brutal y es momento de ofrecer temas”, asegura. Así, ve el vaso medio lleno y anima a los que comienzan: “tienen una oportunidad maravillosa, buenísima, es una generación muy puteada que les ha tocado momentos durísimos y desgraciadamente esos son los mejores momentos para la creatividad”. “Para el arte la pandemia traerá cosas muy buenas”, augura.

Las mismas que debería traer para las mujeres artistas, para devolverles al sitio que merecen y que a día de hoy, les siguen obstaculizando con demasiada frecuencia. Mujeres españolas que lucharon contra viento y marea y que a pesar de ello siempre propusieron algo nuevo a los espectadores. Mujeres como Pilar Miró, Gracia Querejeta, Iciar Bollaín, Isabel Coixet…según enumera Costa, de las que no se declara “absolutamente fan” pero en las que “siempre” vio “algo que no estaba en las películas masculinas” de su época.

“Ahora lo valoro mucho, decir que estas tías llevan 30 años peleando por pelis femeninas con mucha categoría y en contra de todo el mundo, porque eso si que era durísimo, en ellas siempre me he mirado porque sabiendo como era este país que aguantaran ahí tiene mucho mérito”, dice. Una lucha a veces silenciosa que ha pavimentado el camino de tantas otras mujeres, que aún hoy en día tienen que seguir batallando. Para Costa, el viaje es largo y las estrategias variadas.

Habría que tener mas empatía con el arte y lo que significa ser artistas, tienes que estar mucho tiempo haciendo un trabajo que nadie te paga, es tremendo porque todo el mundo tira de la ilusión hasta que te plantas en los 40 y dices ¿ahora qué? ¿sigo con la ilusión?

“En este país primero machacamos y luego ensalzamos”, dice sobre el caso de la actriz y directora Leticia Dolera, quien hace ya muchos años venía señalando la discriminación y los abusos hacia las mujeres en el mundo del cine y también sufrió represalias por ello. “Ella cogió un camino muy duro, yo no me atrevería porque para ser cabeza de turco tienes que tener mucha energía y a mí ese momento se me ha pasado, pero como se me ha pasado lo cojo desde dentro, yo ya lo tengo, las que vengan detrás de mí y me quieran tomar como ejemplo pues por mí encantada, pero yo ya no reivindico, lo hago”, zanja.

Tras más de una hora de conversación y una infusión sin terminar, el perro Manchego ya no está, ni está la risa escandalosa que se quedará clavada en la grabadora, entre la voz de Anna que no toma licencias, que por debajo de la mesa, sin enseñar los palos de su baraja, nos encandila con personajes que nunca antes habríamos visto en la pantalla. Anna Costa, que ensalza la historia de vida de la grandísima María Teresa León o la pionera Josefina Molina. Que dice que Gloria Fuertes se merece una serie, y quien sabe si será ella quien la escriba o las cientos que vendrán detrás, aupadas por su estela, a las que pide poco, pero sí que hablen “desde ellas siempre”. “Que confíen en que nuestra voz y nuestra mirada está bien, no hay que ser impostoras de otro género, no tenemos que contar otras cosas, hay que tener los ojos abiertos y confiar en esa mirada porque es muy interesante, y contarla, no debemos ocupar el lugar de ellos, ya no hay marcha atrás para eso”.

Entrevista. Macarena Soto Fotografía. Anna Costa / Movistar + / Teresa Arilla (Obra de teatro «Emilia»)

1 de marzo de 2021
XI Emerita Lvdica

La undécima edición de Emerita Ludica, que se celebrará del 4 al 10 de octubre, ha programado 50 actividades con aforos del 80 por ciento en aquellas que requieren invitación, debido a que el Ayuntamiento emeritense ha considerado mantener la recomendación de garantizar la distancia de seguridad.

La concejala de Turismo y LGTBI/Diversidad, Pilar Amores, ha destacado que se trata de la edición con mayor representación de asociaciones de recreacionistas foráneas, un total de 18, a lo que hay que sumar la asistencia de expertos en la Antigua Roma procedentes del Reino Unido. Como parte de las actividades previstas, este sábado ya se podrá asistir a la recreación de un Ludus de entrenamiento de gladiadores en las termas de Pontezuelas (Mérida).

Los días 4, 5 y 6 de octubre en el patio del convento de Santa Clara a la 18:30 horas se llevarán a cabo tres conferencias: In Vino Veritas (Sabores y Saberes del Vino en la Antigua Roma), La Medicina en Roma, además de Telas y Tejidos en Emerita Augusta, impartida por la profesora Macarena Bustamante.

El jueves se llevará a cabo la apertura de los mercados, con 12 puestos en el Templo de Diana y unos 25 en el Arco de Trajano y la Plaza de la Constitución. Ese mismo día, en el Templo de Diana a las 18:00 horas, tendrá lugar la grabación del programa SER Historia, dirigido por el historiador, escritor y egiptólogo Nacho Ares. El viernes por la mañana se celebrará la «tradicional» Nominatio con la participación de alumnado de cuarto de Primaria de distintos colegios de la ciudad, lo que dará paso a la inauguración oficial a las 21:00 horas tras el desfile de las tropas romanas por la ciudad. Una vez inaugurado el evento, se desarrollarán diferentes actividades de recreación como el acto de agradecimiento a los dioses, el Funeral del guerrero celtíbero o la Danza del fuego sagrado. El sábado será el turno de la Gladiatura en el Anfiteatro y la representación teatral de Tito Andrónico en el Teatro Romano, con la colaboración del Festival Internacional de Teatro Clásico.

Las invitaciones para los eventos con aforo se podrán recoger en la Oficina de Turismo situada en la Sala Decumanus, con un máximo de cuatro entradas por persona.

La clausura de Emerita Ludica se celebrará el domingo a las 22:00 horas en el Templo de Diana, una vez finalizada la «mítica» pasarela romana. Finalmente, la entrada a los monumentos entre los días 8 y 10 de octubre será gratuita para aquellos que vayan ataviados con ropas romanas.

Emerita Lvdica

La ciudad de Mérida ofrece la oportunidad de ser testigos (o preferentemente actores y figurantes) de escenas cotidianas del mundo romano, aproximándonos a sus modos de vida, utilizando los escenarios originales que conforman el conjunto arqueológico monumental más completo y mejor conservado de Hispania: Avgvsta Emerita, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Esta actividad hace revivir cada año las grandes ruinas de la antigua ciudad, abrir los monumentos al público y mostrarlos de una forma alternativa a la par que formativa y divertida. Por ello se cuida con todo rigor que las recreaciones sean fidedignas: tramas, escenas, indumentarias, objetos, mensajes, aromas, sabores, etc.

Emerita Lvdica (lvdi = juegos) lleva este nombre con el propósito de retomar el ambiente festivo que acompañaba la celebración de juegos en la capital de Lusitania, atrayendo a gentes de toda la provincia (invitación que en nuestro tiempo sirve como espacio de encuentro a españoles y portugueses). Se disputarán luchas de gladiadores, se harán ritos en el Templo de Diana, el foro se llenará de vida recreando escenas de la vida cotidiana de Avgusta Emerita, los legionarios entrarán por el puente romano en la ciudad, acampando a sus puertas, donde harán prácticas de entrenamiento, y habrá constantes recreaciones de la vida cotidiana de una ciudad romana. Además, se crearán dos mercados romanos, ‘Macellum Ceres’ de puestos de artesanía, de alimentación y restauración que tengan relación con la época y recreación histórica romana y el Mercado del Templo de Diana, donde los puestos artesanos serán seleccionados de manera rigurosa y exclusiva.

Son tres asociaciones de recreacionistas de Mérida las que ayudan a hacer posible esta actividad: Emérita Antiqva, Ara Concordiae y Lvporvm Celtiberiae Levkoni, además de otras de recreación romana de diferentes puntos del territorio nacional. Organiza el Ayuntamiento de Mérida con la colaboración del Consorcio de la Ciudad Monumental, El Museo Nacional de Arte Romano, la Dirección General de Turismo de la Junta de Extremadura y la Diputación de Badajoz.

Programación Emerita Lvdica 2021

Sábado, 2 de octubre

18:00h. Plaza Margarita Xirgú. Entrenamiento Lvdvs. Entrenamientos con la participación de gladiadores, militares y civiles. Asociación Emerita Antiqua

Lunes, 4 de octubre

18:30h. Convento de Santa Clara. Sede del Consorcio. Conferencia. ‘In vino veritas. Sabores y Saberes del vino en la Antigua Roma’. Impartida por Pilar Caldera de Castro, Conservadora del MNAR

Martes, 5 de octubre

18:30h. Convento de Santa Clara. Sede del Consorcio. Conferencia-Taller. ‘La Medicina en Roma’. Conferencia impartida por Ana Bejarano Osorio, Arqueóloga del Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida. Taller impartido por Antonio Artero Médico y Recreacionista

Miércoles, 6 de octubre

18:30h. Convento de Santa Clara. Sede del Consorcio. Conferencia. ‘Telas y tejidos en Emerita Avgvsta’. Impartida por Macarena Bustamante, Profesora titular de la Universidad de Granada y Coordinadora del Máster en Arqueología.

Jueves, 7 de octubre

18:00h. Templo de Diana. Programa SER Historia. Dirigido por el historiador, escritor y egiptólogo Nacho Ares

19:00h-00:00h. Templo de Diana y Plaza de la Constitución. Apertura de los Mercados Romanos.

21:00h. Casa del Mitreo-Columbarios. Fvnvs romano. Recreación de los ritos en torno a la muerte y el funeral de un ciudadano romano, que consta de muerte, exposición del cadáver, translatio, canto de plañideras, laudatio y cremación. Asociación: Ara Concordiae

Viernes, 8 de octubre

10:00h. Plaza de España (concentración). Desfile escolar Nominatio. Recorrido infantil de los colegios de la ciudad ataviados de romanos con su estandarte. Plaza de España, Santa Julia, Trajano, Plaza de la Constitución, San Francisco, Santa Eulalia, Berzocana. Acto de imposición de nombre romano: Templo de Diana

11:00-00:00h. Templo de Diana y Plaza de la Constitución. Apertura de los mercados romanos

20:00h. Recorrido Urbano

Desfile de entradas de las legiones romanas. Desfile de carácter militar. Recorrido: Puente Romano, Plaza España, Santa Julia, Arco de Trajano, Plaza de la Constitución, San Francisco, Santa Eulalia, Puerta de la Villa, Jose Ramón Mélida, Sagasta, Templo de Diana. Participan: Legio X Gemina (Ara Concordiae), Legio V Alaudae (Emerita Antiqua), Lvporvm Celtiberiae Levkoni, Legion IV Macedonica, Cruz de Mayo, Hondero Balear, Legion VII, Legio IX Hispana, Legio XII Fulminata

21:00h. Templo de Diana. Inauguración. Acto inaugural de la XI Emerita Lvdica en la que se dará inicio a las actividades y la bienvenida a todos los participantes

21:15h. Templo de Diana. Acto Religioso de Agradecimiento a los Dioses. Asociación: Emerita Antiqva

22:00h. Templo de Diana. Convivalia: Danza y Amor en la sobremesa. Recreación de una Comisatio, velada que prosigue a la comida de la celebración de un banquete romano. Asociación: Ara Concordiae

22:00h. Palacio de Congresos. Carpe Extremadura Emerita Lvdica. Experiencia gastronómica que busca que durante Emerita Lvdica se pueda vivir una experiencia global, mostrándoles cómo se comía y bebía en la capital de la Lusitania. Cena degustación con recreación de recetas romanas, música antigua a cargo de la Joven Orquesta Ciudad de Mérida en directo y representación de «Los Pelópidas».

23:00h. Plaza de Pontezuelas. Funeral de un guerrero celtíbero. Asociación: Lvporvm Celtiberie Levkoni

23:30h. Arco de Trajano. Danza del Fuego Sagrado. Asociación: Emerita Antiqua

Sábado, 9 de octubre

11:00-00:00h. Templo de Diana y Plaza de la Constitución. Apertura de los mercados romanos

11:00-14:00h. Alcazaba Árabe. Castra Romana de la Legio X. Recreaciones de carácter militar: charlas divulgativas, exposiciones de armas y equimamiento militar, panoplia histórica, impedimenta del soldado. Asociaciones: Ara Concordiae; Tanit Divulgación Histórica y Lvporvm Celtiberiae Levkoni

11:00-14:00h. Plaza de la Constitución. Castra Romana de la Legio V y Escenas de la Vida Cotidiana. Explicación de panoplias militares, vida en el campamento, microrelatos… y escenas de vida cotidiana (Galeno, Argimersor, Ornatrix, Telar, Lupanar, Astrólogo, Thermopolivm, Ungüentari, Adivinación, Juegos, Orfebrería, Incensarios, Artesanos…). Asociación: Emerita Antiqua

11:00h-13:00h. Lateral del Templo de Diana

Explicación de armamento, religión y cultura de los pueblos perromanos en el mundo antiguo Asociación: Lvporum Celtiberiae Levkoni

11:00h. Parque de las Méridas del Mundo. La Honda en el mundo romano. Actividad infantil de explicación de uso de la honda romana. Asociación: Hondero Balear y Emerita Antiqua

11:30h. Templo de Diana. Galeno: La medicina en Roma. Explicación y exhibición de utensilios médicos de época romana. Asociación: Emerita Antiqua

12:00h. Lateral del Templo de Diana

Taller de Juegos Romanos. Taller familiar sobre los juegos en época romana. Asociación: Gallaecia Viva

12:30h-14:00h. Museo Nacional de Arte Romano. Textrinvm. Recreación de un taller en una casa donde se se relacionaban las tareas relacionadas con el tejido y el hilado. Asociación: Ara Concordiae

12:30h. Recorrido Urbano. Desfile de esclavos. Recorrido: Plaza de la Constitución, Arco de Trajano, Templo de Diana, Sagasta, Jose Ramón Mélida, Plaza Margarita Xirgú, Anfiteatro Romano. Asociación: Emerita Antiqua

12:45h. Templo de Diana. Venta de esclavos. Subasta pública de esclavos procedentes de la Hispania romana. Asociaciones: Emerita Antiqva, Sagvtvm Civitas, Antiqua Clio, Romanos de Ubrique, Clan del Toro, Trebas Galaicas, Legion IV Macedónica, Hondero Balear, Lacinia Gladiatoria Hispánica, Legio VI Vitrix y Steven Cocking

13:30h. Templo de Diana. Precatio a la Diosa Diana. Ofrenda de vino a la diosa Diana. Asociación: Sagvntvm Civitas

14:00h. Templo de Diana. Entrega de distinciones a las diferentes Asociaciones participantes en Emerita Lvdica.

18:00-21:00h. Plaza de la Constitución. Castra Romana de la Legio V y Escenas de la Vida Cotidiana. Explicación de panoplias militares, vida en el campamento, microrelatos… y escenas de vida cotidiana (Galeno, Argimersor, Ornatrix, Telar, Lupanar, Astrólogo, Thermopolivm, Ungüentari, Adivinación, Juegos, Orfebrería, Incensarios, Artesanos…). Asociación: Emerita Antiqua

18.00h. Templo de Diana. Pompa Gladiatora. Recorrido: Plaza de la Constitución, Arco de Trajano, Templo de Diana, Sagasta, Jose Ramón Mélida, Plaza Margarita Xirgú, Anfiteatro Romano. Procesión y desfile de los participantes en los juegos gladiatorios. Participan: Emerita Antiqva,Saguntum Civitas, Cruz de Mayo, Antiqui More, Lucius Spiculus, Lacinia Gladiatoria, VI Vitrix, Caetra Lucensis.

19:00h. Anfiteatro Romano. Gladiatura: Lucha de Gladiadores. Participan: Ludus Emerita Antiqva, Antiqui More, Asociación Cultural Cruz de Mayo, Lucius Spiculus, Lvdvs Saguntum Civitas.

20:00h. Plaza de la Constitución. Dies Natalis Aqvilae (Consagración de estandartes). Celebración del nacimiento de una unidad militar con entrega de su Aqvila y consagración de los estandartes. Asociación: Emerita Antiqua

22:00h. Teatro Romano. Teatro: «Tito Andrónico». Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros Poco durará la calma, enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. Obra Candidata a Mejor Espectáculo Teatral 2019. Festival de Teatro Clásico de Mérida

22:30h. Museo Nacional de Arte Romano. Palmira: un espejismo del poder. Living history que evoca la ciudad romana de Palmira y sus vicisitudes desde Augusta Emerita de la mano de sus principales protagonistas. Asociación: Ara Concordiae

23:30h. Museo Abierto de Mérida MAM. Danza del Fuego Sagrado. Danza de sacerdotisas romanas consagradas a la diosa del hogar y cuya misión era mantener encendido el fuego sagrado. Asociación: Emerita Antiqua

Domingo, 10 de octubre.

11:00-22:00h. Templo de Diana y Plaza de la Constitución. Apertura de los dos mercados romanos

11:00-14:00h. Alcazaba Árabe. Castra Romana de la Legio X. Recreaciones de carácter militar: charlas divulgativas, exposiciones de armas y equimamiento militar, panoplia histórica, impedimenta del soldado. Asociaciones: Ara Concordiae; Tanit Divulgación Histórica y Lvporvm Celtiberiae Levkoni

11:00-14:00h. Plaza de la Constitución. Castra Romana de la Legio V y Escenas de la Vida Cotidiana. Explicación de panoplias militares, vida en el campamento, microrelatos… y escenas de vida cotidiana (Galeno, Argimersor, Ornatrix, Telar, Lupanar, Astrólogo, Thermopolivm, Ungüentari, Adivinación, Juegos, Orfebrería, Incensarios, Artesanos…). Asociación: Emerita Antiqua

11:00h-13:00h. Lateral del Templo de Diana. Explicación de armamento, religión y cultura de los pueblos perromanos en el mundo antiguo Asociación: Lvporum Celtiberiae Levkoni

11:00h. Parque de las Méridas del Mundo. La Honda en el mundo romano. Actividad infantil de explicación de uso de la honda romana. Asociación: Hondero Balear y Emerita Antiqua

12:00h. Lateral del Templo de Diana. Exhibición de Joyería Romana. Asociación: Sagvntvm Civitas

12:30h-14:00h. Museo Nacional de Arte Romano. Textrinvm. Recreación de un taller en una casa donde se se relacionaban las tareas relacionadas con el tejido y el hilado. Asociación: Ara Concordiae

12:30h. Templo de Diana. Danza Agrícola.Danza en honor de la Diosa Ceres para propiciar buenas cosechas. Asociación: Emerita Antiqua

12:45h. Recorrido Urbano. Desfile de esclavos. Recorrido: Plaza de la Constitución, Arco de Trajano, Templo de Diana, Sagasta, Jose Ramón Mélida, Plaza Margarita Xirgú, Anfiteatro Romano. Asociación: Emerita Antiqua

13:00h. Templo de Diana. Venta de esclavos. Subasta pública de esclavos procedentes de la Hispania romana. Asociaciones: Emerita Antiqva, Sagvtvm Civitas, Antiqua Clio, Romanos de Ubrique, Clan del Toro, Trebas Galaicas, Legion IV Macedónica, Hondero Balear, Lacinia Gladiatoria Hispánica, Legio VI Vitrix y Steven Cocking

13:00h. Museo Nacional de Arte Romano. Historias y Leyendas en Femenino. Narraciones dramáticas de mitos femeninos grecoromanos. Asociación: Ara Concordiae

19:00h. Recorrido Urbano. Recorrido Legio X. Recorrido: Alcazaba, Rotonda de la Loba, El Puente, Plaza de España, Santa Julia, Arco de Trajano, Foro Provincial, Plaza de la Constitución, Arco de Trajano, Alonso Zamora Vicente, Templo de Diana. Asociación: Ara Concordiae

19:30h. Templo de Diana. Consagración de Estandartes de la Legio X Gemina. Sacralización de estandartes de la Legio X Gémina y renovación de votos y juramentos al emperador. Asociación: Ara Concordiae

20:00h. Templo de Diana. Representación teatral. Lo que los Héroes nos enseñan. Viaje dramatizado por tres personajes heroicos a través de sus autores: Orestes según Eurípides, Heracles según Sófocles y Prometeo según Esquilo. Asociación: Emerita Antiqua

21:15h. Templo de Diana. Pasarela Romana. Desfile de indumentaria de la sociedad romana según su estatus social.

22:00h. Templo de Diana. Entrega de premios y Clausura XI Emerita Lvdica

21 de febrero de 2021
Juan Ceacero «El mayor premio es que una obra de teatro pueda llegar a mucha gente»

Los Remedios es un barrio de Sevilla, una obra de teatro y sobre todo una manera de extender la vacunación para los adictos de la dramaturgia.

Premios Max aparte, la obra se concibe desde la humildad que destila toda la troupe. El texto, firmado por Fernando Delgado-Hierro, intoxica el espacio escénico de fuerza, potencia, ironía y crítica. Vinculados, inoculados por el relato, Juan Ceacero asume la dirección desde el sur de las sensaciones vividas. Una historia que surge desde la co-creación de sus protagonistas, del inmutable esfuerzo por contar lo mundano, al filo del desarraigo, al límite de lo que impregna la cultura que cada uno de nosotros absorbe, mama y escupe con el paso del tiempo. En ese recoveco explota Los Remedios, al levantar el limo del escenario, Pablo Chaves, Fernando Delgado-Hierro y el director Juan Ceacero, narran, muestran, iluminan, oscurecen y recrean una obra que vislumbra una forma de hacer teatro entre lo analógico y el digital, un pegamento perfecto para encolar el patio de butacas con un mismo escenario.

Los Remedios. La obra

La autoficción es tarea de funambulistas. Si la imaginación y la creatividad son inmanentes a la creación, nuestra labor ha consistido en mezclar la experiencia personal con la imaginación y la reescritura. Y tal vez el cóctel resultante -el uso de la deformación, la exageración, la máscara- pueda devolvernos una “verdad” más profunda acerca de nosotros mismos.

Los Remedios es una pieza sobre la amistad como respuesta al desconcierto que produce la vida; y a su vez es una pieza que reflexiona, a su manera, sobre la raíz de la necesidad de actuar, del nacimiento del actor, de la posibilidad del teatro. Hablamos con su director, Juan Ceacero.

¿Cómo podíamos definir que son Los Remedios? ¿Qué nos cuenta esta obra teatral?

Los Remedios es una autoficción, una obra de teatro que se ha creado a partir de las vivencias de los propios actores, y que luego se ha elaborado para construir un viaje hacia el barrio. En este caso el barrio de Los Remedios de Sevilla, que es el barrio donde Pablo y Fernando, los actores, vivieron su infancia, etapa escolar y demás y cómo ese barrio, que compone toda su fauna, ha construido a la personas que somos ahora. Se trata de una especia de viaje a uno mismo, una mirada al pasado para conocernos mejor. Y como ello ha desembocado en una vocación artística, ya que la realidad es que ambos actores son dos amigos que empezaron a hacer teatro juntos y que encontraron en ese contexto del barrio su profesión.

Hemos trabajo con mucha honestidad sin querer conseguir nada, de hecho toda la repercusión que se está encontrando la obra nos ha sorprendido

Y con esos mimbres a los que haces mención, ¿Qué tono se emplea en ese contexto, dentro de la obra?

Es un tono que viaja continuamente. Se pasa a centrarse en temas de mucha intimidad, con momentos reflexivos y demás, pero sobre todo la obra está impregnada de una mirada que no enjuicia, que no trata de ser vengativa ni busca un ajuste de cuantas. Hablamos de una mirada empática, ligera, irónica, buscamos reírnos de uno mismo. Ese es el color, el tono de la obra. Utilizamos un lenguaje con distintos códigos teatrales, con ritmos vertiginosos y otros más sutiles, pero una de las cosas que puede estimular mucho al público para que vaya a ver Los Remedios es que es un espectáculo que te ríes y te emocionas.

El teatro, además de las vacunas, ¿Puede ser otro gran antídoto social y cultural para paliar los efectos de la pandemia?

Sin duda, además todos los que hemos trabajo en cultura durante la pandemia nos hemos sentido protegidos por nuestra profesión, otros no pudieron, y que además ese trabajo vaya recorriendo puntos del país, nos hace mucha ilusión. El público tiene muchas ganas, y eso se percibe.

Utilizamos un lenguaje con distintos códigos teatrales, con ritmos vertiginosos y otros más sutiles, pero una de las cosas que puede estimular mucho al público para que vaya a ver Los Remedios es que es un espectáculo que te ríes y te emocionas

El texto lo firma Fernando Delgado, que también ha conseguido el Premio Max a la mejor autoría revelación, pero no deja ser un trabajo en conjunto suponemos, ¿Cómo se elaboran esas parcelas, como se aborda un texto así desde la dirección?

Uno de los rasgos de la compañía se centra mucho en los procesos de creación, o como decimos nosotros las co-creaciones. Desde esa óptica, Los Remedios, con Fernando que vengo trabajando desde hace muchos años, se ha ido construyendo poco a poco la pieza y la obra, es decir, nosotros no trabajos con un texto escrito a priori, si no que ya había fragmentos que ya había escrito Fernando, más otras cosas que se fueron improvisando. Es un proceso de investigación, donde se va generando la obra. El desafío de él supone estar dentro de la obra en el escenario y en el texto, estar al filo, para de la mano, finalizar de rematar todo…

…Se trabaja el texto desde dentro y con todo…

…exacto, la estructura, el orden de las escenas, el viaje de la obra, es algo que nos fuimos encontrando. Cuando uno se mete dentro de la creación realmente no sabes que límites tiene, no sabes hacia dónde va a ir la pieza. Está el riesgo de que descarrile cuando se trabaja bajo estos parámetros pero también dota al teatro de algo mucho más orgánico. Hemos trabajo con mucha honestidad sin querer conseguir nada, de hecho toda la repercusión que se está encontrando la obra nos ha sorprendido.

Juan, y aunque la pregunta necesitaría una respuesta de muchas horas, y sin generar polémica ¿Crees que en cierta medida el teatro está cambiando?

Acercándome a los cuarenta y con más de quince años en la profesión yo sí he notado una evolución en la aceptación de propuestas, arriesgadas, propuestas sui generis, más heterogéneas por el uso del lenguaje. Los Remedios es una obra que tiene algo muy significativo, como muchas otras obras actualmente, y es que es una obra muy accesible y además usa nuevas técnicas de lenguaje, nuevas formas de contar y actuar que están empezando a ser asumidas fuera de los espacios específicos donde se consume teatro desde siempre. No resto valor al teatro que nos identifica desde siempre, al contrario lo apreciamos mucho, lo bonito es que se amplía el abanico a la hora de generar teatro. El gusto del público, creo, se va haciendo, se va creando poco a poco, y es ahí donde entramos nosotros.

Los Remedios es una obra que tiene algo muy significativo, como muchas otras obras actualmente, y es que es una obra muy accesible y además usa nuevas técnicas de lenguaje, nuevas formas de contar y actuar que están empezando a ser asumidas fuera de los espacios específicos donde se consume teatro desde siempre

Willy López | Fotografía. Compañía Exlímite.

20 de febrero de 2021
Teatro de autor en las tablas del López de Ayala «La Vaca…always coming back»

El 44 Festival Internacional de Teatro de Badajoz estrena el espectáculo ‘La vaca ’ de la compañía extremeña Samarkanda. ‘La vaca’ es una distopía teatral. Una suerte de ajedrez a tres bandas, aderezada con ironía, sentido del humor y una pizca de drama. Dirigida por Eva Redondo es una obra escrita por José Antonio Lucia que la interpreta junto a Rafa Núñez, Juan Carlos Castillejo.

Los protagonistas, Matanza, Yunque y Chaqueta son las piezas de un tablero desangelado. Los tres amandilados encaran un ritual en el que se juegan la vida. Se ofrecen voluntarios para cocinar una vaca como sacrificio a una fortuna que por el momento se les resiste. Ruegan al destino que detenga la mala ventura que recae sobre su pueblo. Pero la vaca no quiere morir. La naturaleza se burla de ellos. Mientras se ocupan de la difícil tarea, hay latente una tensión por asuntos pendientes que habrán de resolver.

Con la excusa del texto, el autor aborda sobre el escenario un juego creativo, insolente en algún punto. “Nos entregamos a la sensibilidad y al talento de Eva, nuestra directora. Y poco a poco comprobamos cómo los personajes, a medida que el proceso avanza, se reafirman, y sostienen silencios y disonancias que van creando a la criatura, nuestra obra. Un universo extraño, lleno de momentos extraños, dolorosos y divertidos. Como a veces en los sueños. Como si de la vida se tratara”.

Tres carniceros se esconden en un bosque que está cerca de su pueblo. El pueblo está invadido y ellos quieren liberarlo por medio de un ritual, sacrificando una vaca. Están comprometidos con cambiar la realidad de su pueblo y de su gente. Se enfrentan al estado de sitio. Los buscan. Quieren acabar con estos tres insurrectos. El sacrificio de la vaca es en realidad una búsqueda eterna de los personajes por encontrar el sentido auténtico. El reafirmarse en el “sí, quiero” frente al “sí, debo” de los moralistas. Huyen de eso que les han vendido por medio de la religión, que no del misticismo. Esquivan ese pensamiento inoculado por la educación, que hace que un pueblo se convierta en lo que es. Estos personajes son cuerpos que anhelan por encima de todo llegar a ser lo que son en realidad. Viven en la escena para mostrarnos ese acto sagrado de superarse a sí mismos. Son el garbanzo negro dentro de la olla, tiene su particular visión de todo. Confrontarán el método convencional que los tiraniza y de ahí surgirá el teatro.

19 de febrero de 2021
Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2020

LO MEJOR DEL AÑO EN EXTREMADURA EN 2020

El Festival de Mérida, lo mejor de Extremadura en 2020. El Festival de Mérida lidera de nuevo el ranking de Extremadura y el Festival de Badajoz es segundo. Extremadura Escena es novedad en tercera posición, seguida de Fundación Helga de Alvear, el Festival de Cáceres y la Orquesta de Extremadura. Completan las primeras posiciones el Museo Vostell, el Festival de Teatro Vegas Bajas, Stone & Music y D’Rule. El Festival de Mérida representa en solitario a Extremadura en el ranking nacional.

Fundación Contemporánea

Fundación Contemporánea presenta los resultados de su consulta anual correspondiente al recién finalizado 2020. En abril de 2020, en las primeras semanas del confinamiento, el Observatorio de la Cultura llevó a cabo una consulta extraordinaria para analizar, en un primer momento, el impacto previsible de la pandemia en nuestro sector. La presente consulta ha querido, por una parte, retomar y ampliar el análisis de las consecuencias de esta crisis para la cultura; por otra parte, y a pesar de haber sido un año de grandes dificultades, ha querido continuar la serie anual ordinaria para mostrar que, incluso en este año, hemos desarrollado una oferta cultural muy amplia y de calidad en toda la geografía española.

Para llevar a cabo esta consulta, se envía un cuestionario a un panel de expertos formado por más de mil profesionales de primer nivel de nuestra cultura: escritores, artistas, directores y actores, músicos, arquitectos y creadores de todos los campos; responsables de fundaciones, directores de museos, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, gestores culturales y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de la administración pública central, autonómica y municipal.

En esta nueva edición del Observatorio de la Cultura, el cuestionario ha sido contestado durante el mes de diciembre de 2020 por 472 miembros del panel, de los que un 51,0% trabajan en una organización cultural pública, un 36,5% en una organización cultural privada y el 12,6% como profesionales independientes del sector.

LO MEJOR DEL AÑO EN ESPAÑA

A pesar de las limitaciones de la programación cultural del año 2020 y las dificultades de los profesionales que conforman el panel para tener una visión más amplia del conjunto de la oferta, el Observatorio de la Cultura no ha querido renunciar a elaborar sus tradicionales rankings anuales, con el propósito de dar visibilidad a la gran oferta cultural producida a pesar de todo durante el año y reconocer el gran esfuerzo realizado por las organizaciones y profesionales del sector para llevarla a cabo. Tanto en el ranking nacional como en los correspondientes a cada comunidad, se echan en falta este año un buen número de propuestas culturales habituales en años anteriores y que este año no han podido celebrarse, como es el caso de muchos festivales de música. A cambio, son muchas las propuestas que figuran este año en los rankings por primera vez. Cada panelista ha señalado hasta diez instituciones y acontecimientos culturales como los más destacados a nivel nacional en el año 2020, en una pregunta abierta sin aportar ningún nombre. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para alguna actividad concreta, ésta figura entre paréntesis tras el nombre de la institución.

Figura en cabeza un año más el Museo del Prado (Reencuentro, Invitadas), seguido del Museo Reina Sofía (Mondrian y de Stijl), el Festival de San Sebastián, el Teatro Real, el Museo Thyssen -Bornemisza (Expresionismo alemán) y el Museo Guggenheim (Kandinski, Olafur Eliasson). Completan los diez primeros puestos PHotoEspaña, CaixaForum (Vampiros, El sueño americano), el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Festival de Almagro.

La relación se completa con hasta 85 instituciones y actividades. Entre las novedades, las conmemoraciones del Año Galdós y el Año Delibes, Cultura y Ciudadanía, D’A Film Festival y TBA21.

RANKING POR COMUNIDADES

A continuación se presentan los rankings específicos sobre lo mejor del año cultural en cada comunidad autónoma. Para ello, los panelistas de cada una de ellas han señalado hasta diez instituciones y acontecimientos culturales como los más destacados del año 2020, en una pregunta abierta sin aportar ningún nombre. Mientras que el ranking nacional se basa en la opinión de los panelistas de toda España, el ranking de cada comunidad refleja la opinión de los panelistas de esa comunidad exclusivamente. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para alguna actividad concreta, ésta figura entre paréntesis tras el nombre de la institución.

LA CULTURA EN ESPAÑA AFRONTA SU PEOR AÑO. EL FESTIVAL DE MÉRIDA, LO MEJOR DE EXTREMADURA EN 2020

El sector ha perdido el 29% de sus ingresos en 2020 y prevé perder hasta un 35% en 2021 La pandemia ha destruido empleo en el 60% de las organizaciones culturales Las limitaciones de aforos frenan la recuperación del sector La transformación digital, una apuesta de futuro impulsada por la crisis El Festival de Mérida, lo mejor de Extremadura en 2020 El Prado, Reina Sofía, Festival de San Sebastián, Teatro Real y Thyssen encabezan lo mejor de la oferta cultural en España 340 propuestas culturales destacadas como las mejores en toda España, en el año más difícil para el sector

1. Festival de Teatro Clásico de Mérida

2. Festival Internacional de Teatro y Danza de Badajoz

3. MAE. Extremadura Escena

4. Fundación Helga de Alvear

5. Festival de Teatro Clásico de Cáceres

5. Orquesta de Extremadura

7. Museo Vostell Malpartida

7. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

7. Stone & Music Festival

7. D´Rule: artistas en el Territorio

11. Museo Nacional de Arte Romano

12. Festival Internacional de Jazz de Badajoz

12. Sala El Brocense

12. BAdeCirco

CONSECUENCIAS DE LA PANDEMIA EN EL SECTOR CULTURAL

Solamente el 32% de los encuestados había recuperado a finales de año su volumen normal de actividad, mientras un 8% seguía sin ninguna actividad.

Públicos. Un 81% tiene hoy menos público por limitaciones de aforo y un 19% percibe una menor respuesta del público, mientras solamente un 9% ha recuperado totalmente su público.

Organización. En un 49% de los centros siguen parcialmente en teletrabajo. Un 5% continúa completamente cerrado y sin actividad presencial.

Empleo. Un 37% mantiene aún parte de la plantilla en ERTE, mientras el 59% reconoce haber reducido plantilla como consecuencia de la pandemia. Un 10% de los profesionales independientes declaran haber perdido ellos mismos su empleo.

Caída de Ingresos. De media, el sector ha perdido en 2020 el 29% de los ingresos presupuestados para el año. Esta caída es sensiblemente mayor en el sector privado (35%) y los profesionales independientes (38%) que en el sector público (22%). Tan solo el 14,9% del sector privado ha conseguido mantener sus ingresos, mientras para un 45% las caídas han sido superiores al 40%.

Previsión para 2021. De media, se espera que los ingresos vuelvan a disminuir respecto a los reales de 2020 en un 7,7% (5,0% en el sector público, 9,3% en el privado y 15,1% entre los profesionales independientes). Respecto al presupuesto inicial de 2020, esto supondrá un descenso en 2021 del 34,5% (26,2% en el sector público, 41,1% en el privado y 46,9% para los independientes).

LA TRANSFORMACIÓN DIGITAL EN EL SECTOR CULTURAL

Oferta de urgencia. Un 75% adaptó durante la pandemia algunas de sus actividades físicas a un formato digital, mientras un 64% ha creado nuevos contenidos y actividades en soporte digital.

Audiencia digital. Un 97% ha experimentado un incremento significativo en las audiencias digitales de sus webs y redes sociales. Sin embargo, para un escaso 8% esto se ha traducido en mayores ingresos por servicios digitales o ventas online.

Planes de transformación digital. Un 61% declara estar desarrollando un plan integral de transformación digital, con impacto en contenidos, formatos, comunicación, financiación y organización. A su vez, un 45% continúa implantando un plan elaborado antes de la pandemia. Inversión digital. Los planes de transformación digital no cuentan siempre con un presupuesto de inversión para su desarrollo. La mayor voluntad inversora (66% de los panelistas) se destina a la producción de contenidos digitales, a equipamiento y software (45%) y a publicidad y comunicación digital (40%); la inversión en personal o asesoramiento externo para proyectos digitales no llega al 30% de los casos.

Visión a medio plazo. Los panelistas muestran un elevado consenso en que la digitalización forzosa les ha ayudado a identificar oportunidades de futuro (6,7). Cuando los proyectos vuelvan al formato físico, no van a renunciar a un complemento digital (6,4). Tienen dificultades para identificar modelos de financiación para proyectos digitales (5,7) aunque pocos creen (4,0) que el paso a digital suponga perder parte de sus patrocinios actuales.

11 de febrero de 2021
Berlanga «El último austrohúngaro»

El último austrohúngaro

Al llegar a mi cuarta película comprobé que en las dos anteriores, por azar, había metido la palabra ‘austrohúngaro’, que ya de por sí es muy rara, y había salido de una manera lúcida en esas películas. Entonces me dije: “Voy a adoptar esta palabra tan divertida que ya ha salido dos veces”, y la adopté como fetiche, como palabra talismán.

La censura te daba mucha imaginación, porque muchas veces ni los censores, ni mis amigos del PCE se enteraban de las frases que metía expresamente en la película. Claro, luego me cortaban otras que eran totalmente intrascendentes

Rafael Azcona

En cuanto a métodos de trabajo, es muy sencillo y reconozco que muy cómodo para mí. Azcona y yo nos reunimos en un café, cada película en un café distinto, los más frecuentados posible y donde haya eso que llaman los castizos ‘una pasa’ entretenida. Vamos discutiendo las cosas, y si es por la mañana, por la tarde se dedica Rafael a escribir la secuencia que hayamos pensado por la mañana, luego la repaso yo y discutimos si hay alguna modificación que hacer o no; generalmente hay cada vez menos, supongo que debido a este alejamiento cada vez mayor que voy teniendo de una labor creadora profunda o porque estoy convencido de que las cosas salen mejor cuanto más vegetativas son.

Erotismo

Al tercer día de nacer ya me estaba cagando en la sociedad española. Siempre he tenido la sensación de que no iba a tener nada positivo, y he intentado crearme válvulas de escape. La principal es el erotismo, una de las pocas cosas que me asciende desde el nivel del barro y de la mierda de esta sociedad que me ha tocado… Dice Piccoli que soy el Quijote. ¡Tendría que ser el marqués de Sade! Hasta la Guerra Civil yo era un solitario total, no tenía amigos. Tenía la fantasía estúpida de querer ser invisible. Luego llegó la contienda y tuve que salir de casa. En el 36 yo tenía 15 años. Y a los 13 ya sabía qué pasaba en España, porque mi padre era diputado republicano y mi abuelo había sido senador con Sagasta… Mi familia era una familia de políticos, y con ellos supe que la política era una cagada, como todo…

Censura

La censura te daba mucha imaginación, porque muchas veces ni los censores, ni mis amigos del PCE se enteraban de las frases que metía expresamente en la película. Claro, luego me cortaban otras que eran totalmente intrascendentes.

Memoria

Yo pensaba que lo más jodido de mi vida había sido la censura de Franco. ¡Pues no! Lo más jodido es la pérdida de la memoria.

Autor ilustración

Tito Merello

7 de febrero de 2021
El exilio poético del pintor Timoteo Pérez Rubio

Sabemos de la relevancia del pintor extremeño Timoteo Pérez Rubio, de su dimensión como defensor del arte y la cultura de nuestro país. De Timoteo sabemos su recorrido artístico, convirtiéndose en una figura crucial y renovadora del panorama plástico extremeño de principios de siglo. Conocemos su pasado de su Oliva de la Frontera natal, de su paso por la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, de sus estudios en el Bellas Artes de San Fernando de Madrid, de su estancia en Roma y su exilio a Buenos Aires y finalmente en Brasil. De Timoteo sabemos su vida con la gran escritora Rosa Chacel, la salvaguarda de su arte, como “Timo” lo fue del patrimonio artístico español durante la Guerra Civil, en su papel de presidente de la Junta Central del Tesoro Artístico. Timoteo fue el encargado de organizar el traslado de los fondos del Prado desde Madrid a Valencia para pasar finalmente a Ginebra. Lo que desconocíamos del extremeño era su labor de poeta, esa que el pintor desarrolla durante un cuarto de siglo. La poesía, como esa “otra biografía” del pintor, como llegó a definir Chacel.

Timoteo Pérez Rubio, poeta-pintor en Brasil: soledad, amor y melancolía

La exposición está integrada principalmente por trabajos realizados durante el exilio de artista olivero en Brasil que han sido recuperados en una investigación realizada por la Universidad de Extremadura y el MEIAC con el apoyo del Gobierno regional. La muestra, que podrá visitarse hasta el mes de abril, incluye también obras de toda la trayectoria de Pérez Rubio, y algunas se exhiben por primera vez.

José Luis Bernal Salgado, Comisario de la exposición. Profesor de Literatura Española del Departamento de Filología Hispánica de la Universidad de Extremadura.

Descubrimiento de los poemas

Ya en el 2010, el entonces director del MEIAC, Antonio Franco, nos llamó para indicarnos que existía este fondo literario y algunas otras pinturas y apuntes de Timoteo Pérez Rubio, entregado por la familia. Nos envió unas copias de ese fondo, y este estudio estuvo dormido un tiempo, pero en el 2016 con el Plan regional de investigación de la Junta de Extremadura, nos pusimos a trabajar con un magnífico equipo multidisciplinar. Todo el fondo está digitalizado, y la documentación, en su mayoría, está relacionada con su etapa de exilio en Brasil del 40 hasta su muerte. Y ha sido allí, en Valença, en Brasil, donde hemos encontrado con la colaboración de investigadores locales, una documentación espléndida, que nos ha descubierto un rostro de Timoteo bastante desconocido, la poesía.

Exposición-libro-catálogo

El título de la exposición y del libro catálogo resume ese rostro al que hago referencia: Timoteo Pérez Rubio, poeta-pintor en Brasil: Soledad, amor y melancolía. Hemos restituido a Timoteo ese título de pintor-poeta, contrastado pintor antes del exilio, y de una forma secreta escritor, tanto la poética como la crítica donde expresa sus ideas estéticas en la prensa brasileña, en definitiva, otro lenguaje para expresar su lenguaje, su amor y su melancolía.

Proyecto cultural de vida

Da una visión más total, más cabal de la auténtica personalidad artística de Timoteo Pérez Rubio, porque antes del exilio con Rosa Chacel, una pareja muy especial, ellos planearon un proyecto cultural de vida. Él en Brasil intenta continuar, siempre en conexión con Rosa, ese proyecto, y ahí la poesía resulta clave para conocer esa realidad.

Paraísos perdidos en versos

Nosotros hemos reconstruido ese libro que Timoteo dejó prácticamente hecho, porque él no se atrevió a publicar el libro con aproximadamente ochenta y tantas composiciones poéticas, porque algunos poemas son series, como la serie central de “paraísos perdidos”, y otros poemas que dejó escrito en un manuscrito original.

Carlos Pérez Chacel, hijo de Timoteo.

Un desahogo artístico

Esta parte de la vida de mi padre ha sido un desahogo, una iniciativa personal, escondida y secreta. Mi madre conocía, en cierta medida esta faceta, pero nunca se llegó a hablar en familia mucho del tiempo.

Nostalgia de su vida familiar

Hay una parte que me ha emocionado, porque me recuerda a nuestros paseos a caballo por el bosque tropical en Brasil, quizá el poema que más impresionado porque lo he vivido.

Una sorpresa

He sentido sorpresa al leer los textos de mi padre porque no me esperaba, realmente me revela a la figura que yo conocía, era muy identificativa, el hecho en sí es lo sorprendente, no el contenido.

Proyecto de investigación

Las líneas de trabajo del MEIAC, que enlazan con la revisión crítica de la memoria artística de la región, han ocupado muchos de los esfuerzos del museo durante los últimos veinticinco años. El proceso de recuperación del pintor Timoteo Pérez Rubio, iniciado con la exposición antológica de 1996, da ahora un paso definitivo al presentar una faceta inédita del artista, gracias a los investigadores de la Universidad de Extremadura.

La escritura poética de Timoteo Pérez Rubio se desarrolló desde su llegada a Brasil hasta casi el final de su vida. El estudio de esta ‘poesía secreta’ ha permitido un mejor conocimiento de la vida y la obra de Timoteo en Brasil, lo que Rosa Chacel llamó, en algún momento, la ‘otra biografía’ de Timo.

Desde 2008, el MEIAC conserva el Archivo Timoteo Pérez Rubio, procedente de la familia del artista e integrado por más de 500 documentos. Los fondos incluyen información relativa a la labor de evacuación del Tesoro Artístico Nacional durante la Guerra Civil, pero también documentación de carácter personal, incluyendo cartas, fotografías, recortes de prensa y textos originales. En esos últimos, – escritos de creación, ensayo y poemas- reside el origen de este proyecto, cuando 2010 el entonces director del MEIAC, Antonio Franco, envió a los profesores de literatura española de la UEX, Miguel Ángel Lama y José Luis Bernal, fotocopia de esos textos originales, intuyendo el interés que dicho fondo literario tenía.

Posteriormente, en 2016, la Universidad de Extremadura y la Secretaría General de Cultura de la Junta de Extremadura suscribieron un acuerdo para la digitalización de los fondos del archivo. Esta colaboración fue el comienzo del proyecto de investigación “El fondo literario de Timoteo Pérez Rubio” (Laboratorio Edición Digital de la UEX), desarrollado entre 2017 y 2021 por un equipo interdisciplinar, que ha sumado a los fondos del MEIAC una desconocida e interesantísima documentación descubierta en otros archivos, Bibliotecas y Museos, pero fundamentalmente en Brasil, en la Fundación Cultural e Filantrópica Léa Pentagna de Valença. Ahora ven la luz, tras varios años de trabajo, los resultados de esta investigación, recogidos en el libro-Catálogo Timoteo Pérez Rubio, Poeta-pintor en Brasil: Soledad, Amor y melancolía, y también en esta exposición que, con el mismo título, evidencia la benéfica transferencia de resultados que esta investigación aporta a la sociedad.

Este libro-catálogo recoge los frutos de la investigación mencionada, la cual, partiendo de la fundamental documentación del fondo literario del MEIAC, ha elaborado un amplio dossier documental muy novedoso (principalmente por lo hallado en la Fundación Cultural y Filantrópica Léa Pentagna en Valença) que ayuda a interpretar no solo la poesía secreta de Timoteo y todo su fondo literario, sino también la obra pictórica y el pensamiento artístico del autor en su etapa final del exilio en Brasil. Asimismo, el Libro- catálogo ofrece la edición crítica del libro de poemas que Timoteo dejó proyectado antes de morir e inédito, Soledades, Paraísos perdidos y Poemas de amor, en el que seleccionó un amplio conjunto de textos representativos de su dedicación poética secreta a lo largo de más de treinta años. En el estudio introductorio de su obra literaria se analizan los temas, formas, símbolos y modelos del Pintor-Poeta, poniéndolos en relación con su obra pictórica completa y sus ideas estéticas.

Se muestra con ello que Timoteo construyó una visión de la vida y del mundo como paisaje, visión en la que son relevantes símbolos poéticos y pictóricos como la hiedra, el mármol y los árboles, entre otros. Este estudio, en fin, demuestra que la dedicación poética de Timoteo respondió a la necesidad de expresar con palabras sus anhelos y angustias, su soledad y melancolía, y que su poesía evolucionó desde un mero entretenimiento, como herramienta de cortejo y amor, hasta una poesía abstracta y metafísica, como la tildó Rosa Chacel. Todo ello ofrece una renovada imagen del artista.

Willy López | Félix Méndez

4 de febrero de 2021
Una nueva manera de consumir Cultura

Un domingo de feria del libro es un domingo de contrabandistas literarios. Un domingo de feria sirve para testar al librero, para sondear las novedades, para saber qué pide y compra el lector. El librero, en estos domingos de feria, ya coloca las últimas rediciones de los best seller en sus casetas, ya conoce por dónde irán los tiros y qué puede aconsejar para que los lectores de profesión sigan consumiendo obras narcotizantes, para los nuevos lectores huelan el libro al abrir sus páginas, para que ese domingo de calor sea su primera aventura literaria. El domingo de esta 40 Feria del libro de Badajoz sirve para recuperar historia, para poner el Tito Andrónico de Shakespeare en su lugar, para recordar que hace pocos siglos la Inquisición hizo de las suyas por tierras extremeñas, o para estacionar batallas de otras épocas en barrios obreros donde ahora se lucha por comer. Los domingos son así. Pablo Rivero y sus espeluznantes novelas, dejando en fuera de juego por un tiempo su familia de adopción televisiva, y nosotros haciéndole la pregunta de, Las niñas que soñaban con ser vista, tu última publicación, Pablo ¿Cuéntame?

La feria del libro y sus domingos son paseos un perro que cabe en la palma de la mano, para dos hermanos que juegan al balón, mientras intentan hacerles caños a los escritores, los domingos son momentos de charla y premios para los jóvenes escritores.

Pablo Rivero, presentó en Badajoz su tercera novela, Las niñas que soñaban con ser vistas. Desde esa “nueva manera de consumir cultura”, el autor desgaja los peligros que los jóvenes inconscientes están sufriendo en las redes sociales, sin saber quién está detrás, es uno de los ejes centrales de la novela, a través de las redes proporcionamos datos sin darnos cuenta y sirve para quienes están ahí, a la espera para encontrar a quienes engañar, como es el caso con una agencia de publicidad.

La escritora cacereña, Beatriz Maestro, llegó a la feria del libro de Badajoz para presentar la saga Sacrílegus. «Una saga de intriga y misterio con toques de amor», con el trasfondo de la Inquisición en la región.

Es tradicional que en el marco de la Feria del Libro se presente un cuento infantil que durante todos los días se regala a los más pequeños de la casa que pasan por el lugar. Queridos míos, de Matilde Muro, fue el protagonista este año. Con este cuento la autora lleva a cabo un homenaje a diez personajes históricos y sus mascotas, Chaplin, Einstein, Tutankamon, Lincoln, son algunos de ellos, imaginarias conversaciones con sus perros que acercarán al lector a momentos claves de sus vidas.

Willy López. / Fotografía. Félix Méndez

3 de febrero de 2021