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  • Alba Carmona y Jesús Guerrero «La emoción del flamenco desde la sutileza»

    Alba Carmona y Jesús Guerrero «La emoción del flamenco desde la sutileza»

    El Festival Badasom vivió una de sus propuestas más delicadas y emotivas con el concierto de Alba Carmona y Jesús Guerrero, dos artistas que representan la evolución del flamenco desde el máximo respeto a sus raíces. La cantante catalana, reconocida por la profundidad expresiva de su voz y su capacidad para transitar entre el flamenco y otras músicas de raíz mediterránea, encontró en la guitarra del prestigioso compositor y guitarrista gaditano el compañero ideal para construir un espectáculo cargado de sensibilidad, elegancia y emoción.

    Alba Carmona, una de las voces más reconocidas del flamenco actual, inició su carrera profesional como cantante del prestigioso grupo Las Migas, formación femenina de referencia con la que contribuyó a renovar el panorama del flamenco contemporáneo gracias a trabajos como Reinas del matute y Nosotras somos. Tras esta etapa, emprendió un exitoso camino en solitario que la ha llevado a desarrollar un lenguaje propio, donde el flamenco dialoga con el jazz, la música mediterránea y otras tradiciones populares, colaborando con destacados artistas como Carlos Núñez, Chicuelo, Perico Sambeat o Silvia Pérez Cruz.

    Junto a ella, Jesús Guerrero volvió a demostrar por qué está considerado uno de los guitarristas flamencos más brillantes de su generación. El músico de San Fernando ha desarrollado una sólida trayectoria tanto como concertista como compositor y acompañante de algunas de las grandes figuras del cante, entre ellas Miguel Poveda, Carmen Linares, Argentina y Niña Pastori. Su dominio técnico, unido a una extraordinaria sensibilidad musical, lo convierten en uno de los nombres imprescindibles de la guitarra flamenca actual.

    A lo largo del recital, ambos ofrecieron un viaje por distintos palos flamencos, donde la sobriedad escénica permitió que el protagonismo recayera por completo en la fuerza de la interpretación. La voz cálida y llena de matices de Alba Carmona se fundió con la técnica impecable y la enorme musicalidad de Jesús Guerrero, dando lugar a un diálogo artístico de gran complicidad que cautivó al público desde los primeros compases.

    La actuación volvió a demostrar la apuesta de Badasom por reunir sobre su escenario a figuras de primer nivel del flamenco contemporáneo, ofreciendo propuestas que combinan tradición, creatividad y excelencia interpretativa. Una noche de emoción contenida, talento y autenticidad que dejó patente la vigencia y la capacidad de renovación de este arte universal.

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  • Kiko Veneno «El «yoísmo» es la nueva religión. Y nos está llevando a la estupidez colectiva»

    Kiko Veneno «El «yoísmo» es la nueva religión. Y nos está llevando a la estupidez colectiva»

    Hay artistas que esquivan el barro. Kiko Veneno no. Se mete hasta las rodillas. Habla sin red, sin nostalgia impostada y sin diplomacia cultural. Habla de guerra, de capitalismo, de una izquierda desactivada, del miedo como atmósfera y de una música que —según él— ha perdido el alma. Pero también habla del teatro, del silencio compartido y de tocar en grupo como acto de resistencia.

    Kiko volverá pronto a Extremadura, al Teatro López de Ayala. Y la visita tiene memoria. Ya estuvo en Badajoz hace más de diez años, cuando lo entrevistamos en la mítica Sala Mercantil —hoy convertida en La Santa— y nos confesó, casi con sorpresa, que era la primera vez que actuaba en la ciudad. Aquella frase quedó flotando como una anomalía histórica: uno de los nombres esenciales de la música española pisando por primera vez la capital pacense en pleno siglo XXI. Ahora regresa con más carga reflexiva que nunca. Y con un nuevo capítulo musical bajo el brazo. Con esa mezcla de sabiduría callejera y mirada larga que siempre ha tenido. La conversación arranca en el presente —ese presente acelerado que parece mutar cada mañana— y acaba atravesando la historia, la cultura y el ego humano como si fueran el mismo problema con distintos disfraces.

    “Te levantas, lees el periódico y da miedo”

    Kiko, comentabas recientemente sobre esa sensación de acostarte y despertarte con la impresión de que el mundo ha cambiado de repente.

    Sí. Vivimos una sensación constante de aceleración. Todo parece ir en contra de la naturaleza humana: a favor del dinero, de la crueldad, de lo peor del ser humano. Estamos en un valle muy bajo de la onda. Y lo peor es que no es casualidad: estamos recogiendo lo que hemos sembrado durante siglos. No es que antes existiera una solución clara, pero ahora te levantas, lees el periódico y da miedo. Da miedo leerlo.

    “No creo que la historia sea cíclica”

    Hay quien dice que la historia se repite.

    Yo no lo creo. Para mí la historia no es cíclica. No estamos simplemente repitiendo una fase anterior. En los años sesenta, por ejemplo, había esperanza. John Lennon representaba, con todas sus contradicciones, una idea de convivencia, de humanidad, de un mundo sin guerras. Hoy estamos en otra cosa. Estamos en el videojuego de la guerra y en la guerra real. En las opiniones generadas por robots, en campañas de odio automatizadas, en la deshumanización del otro. Se difunden mentiras, se alimenta la homofobia, el racismo, el desprecio al inmigrante. Una crueldad sin razón se ha apoderado de una parte de la raza humana.

    “La izquierda dejó de dar respuestas”

    ¿Dónde sitúas el origen de este deterioro?

    En gran parte en el fracaso histórico de la izquierda. Durante los últimos sesenta o cien años no ha sabido dar respuestas reales a la inquietud de la gente por cambiar las cosas. Después de Hitler, de la Segunda Guerra Mundial, y con el miedo a Estados Unidos, la izquierda eligió aceptar el capitalismo e intentar suavizarlo. Pero cuando abrazas el capital, te conviertes en capitalista. Dejas de representar a la clase trabajadora y pierdes la posibilidad de ofrecer una salida distinta. Hoy la única salida verdaderamente humana pasa por la cooperación, por lo social, por volver a una idea de socialismo basada en colaborar. El camino individualista solo ha conseguido que triunfen los más crueles, los más despiadados, los más egoístas.

    “La historia de la guerra se ha contado mal”

    También cuestionas el relato histórico dominante.

    Claro. La Segunda Guerra Mundial la ganaron los rusos, y eso se ha ocultado. Estados Unidos llegó a Europa cuando la guerra estaba prácticamente ganada. Y, sin embargo, se construyó un relato que les colocaba como salvadores. Si estudiamos un poco la historia, vemos que Estados Unidos vendió el acero que Hitler necesitaba en los años treinta para prepararse para la guerra. Desde ahí se construye un mundo dirigido por ellos, y la izquierda entra en un proceso de aceptación, de corrupción, de puertas giratorias. Eso pasó en España y en todo el mundo. Hoy no existen medios de comunicación de izquierda fuertes, ni partidos que representen de verdad una alternativa. El abanico ideológico ha desaparecido.

    Cultura, salas y dinero

    En 2014 ya hablabas de la falta de salas para tocar.

    Y sigue igual o peor. No hay una política cultural real. En los años setenta se pensaba que habría una política social y cultural que haría las ciudades más habitables. Pero eso no ocurrió. Hoy todo gira en torno al dinero. Al capital no le interesan las pequeñas culturas, ni los espacios donde se crea comunidad. Le interesan los grandes conciertos, los estadios, el fútbol, los videojuegos. Eso es lo que genera beneficio, y lo demás se abandona.  El tejido pequeño se desangra, el silencio del público es la base del respeto. Ahí empieza todo.”

    Y lo dices sin retórica alguna: tocar sentado, escuchar respiraciones, sentir la atención.

    Claro que sí, eso es cultura de verdad.

    El teatro como resistencia

    Ahora vuelves al teatro con un formato más íntimo.

    El teatro genera una complicidad única. El silencio del público es la base del respeto y de la creatividad. Es un diálogo muy limpio. Ellos están sentados, nosotros también. Escuchamos. Me gusta esa cercanía, incluso reducir el espacio, hacerlo más humano. Repito, eso es cultura de verdad: el encuentro entre personas.

    “La música ha perdido alma”

    Raimundo Amador nos decía en una entrevista que la música actual es menos auténtica.

    Estoy de acuerdo. Hay buenos músicos y grandes profesionales, pero falta entrega. Falta alma. Hoy se usa el autotune para disimular carencias. Es una música formalmente infantil y artísticamente pobre. Ya no hay canciones que cuenten la vida. Antes el pop hablaba de historias, de personajes, de emociones colectivas. Ahora todo es “yo, yo, yo”. Ese yoísmo no lleva a la plenitud, lleva a la miseria y a la estupidez.

    “No aprendimos nada de la pandemia”

    ¿La pandemia marcó algún cambio?

    No. Se utilizó para esperar a que pasara y volver exactamente a lo mismo. No hemos aprendido nada. Seguimos reaccionando con estupidez incluso ante nuestra propia supervivencia.

    El valor del grupo

    Para terminar, ¿sigues creyendo en el trabajo colectivo?

    Absolutamente. Los grupos son difíciles, pero son lo más bonito. Yo vengo de Veneno y sigo defendiendo esa idea: un conjunto de iguales, una asociación creativa. Eso es resistencia. Cuando varias personas crean algo que no podrían hacer solas, ahí hay verdad. En tiempos de hiperindividualismo, tocar en banda es casi una postura ideológica.

    “La música compartida es resistencia”

    Nuevo trabajo, nueva etapa

    El regreso a Extremadura coincide con un momento creativo clave. Su último trabajo destacado es la grabación en directo Kiko Veneno en La Carbonería, un miniálbum publicado a finales de 2025 que recoge siete canciones inéditas registradas en formato acústico.cEl proyecto funciona como adelanto de lo que viene: un nuevo álbum de estudio previsto para 2026, ya bajo el paraguas de Subterfuge Records, sello histórico del indie nacional. El fichaje marca una nueva etapa en su carrera, demostrando que Kiko no vive de aniversarios ni de homenajes, sino de movimiento. La grabación en La Carbonería no es un gesto nostálgico: es una declaración de intenciones. Canciones desnudas. Sin artificio. Sin armadura tecnológica. Solo voz, guitarra y verdad.

    Regreso con memoria

    Cuando vuelva a Badajoz, no será la primera vez. Pero sí será otro capítulo en una relación curiosa con la ciudad que tardó décadas en estrenarse. Aquella vez, en la vieja Sala Mercantil, decía sorprendido que era su debut en la capital pacense. Hoy regresa con más historia encima, más desencanto político, más claridad crítica… y nuevas canciones. No viene a celebrar nada. Viene a tocar. Y quizá, entre canción y canción, a recordarnos que el problema no es solo económico o ideológico. Quizá el problema —insiste— es que hemos confundido libertad con ego. Y mientras discutimos quién grita más fuerte, el mundo sigue girando hacia un lugar donde el silencio —el verdadero silencio— se ha convertido en un lujo. Por eso el teatro importa. Por eso la canción importa. Porque durante una hora y media, al menos, dejamos de decir “yo” y empezamos a escuchar.

    Willy López / Félix Méndez

  • Tremendita «Esculpiendo una leyenda flamenca desde la tradición y la vanguardia»

    Tremendita «Esculpiendo una leyenda flamenca desde la tradición y la vanguardia»

    A Lorca le metieron un tiro, lo asesinaron. Lo recuerdo para que, al menos mis hijas, sepan que hicieron con el poeta que ellas recitan como tarea. La memoria está para eso, para recordar que La leyenda del tiempo se la llevó el fogueo apopléjico de unos desalmados que jamás supieron lo que significa una metáfora. No necesitamos un ajuste o convenio entre personas que contienden o litigan, como lo describe la RAE, para concordar versos que emocionan el alma…sobre la misma columna, abrazados sueño y tiempo, cruza el gemido del niño, la lengua rota del viejo…con un quejío hondo, el de Camarón, agitando el flamenco, zarandeando lo ortodoxo desde la heterodoxia más honesta, el más grande, rasgando vinilos para no quedarse en el olvido rancio del que quiere olvidar, silenciando con doce tiempos, alternados por dos compases ternarios y con tres compases binarios, una bulería que flota magistral, como un velero, como una cruz hecha con piedras sobre la cuneta que se llevó la vida de dos toreros anarquistas, un maestro y un poeta universal.

     

    Ahí había, teclados, sitar, bajo eléctrico y flamenco. Hubo heridos, gente que se quitó de Camarón, bajas que poco a poco, fueron entendiendo que se puede arriesgar sin dañar a nadie, sólo crecer en la música…Arriesgué y metí cosas que no son las más habituales en el cante flamenco, y hay que tener cuidado con lo que se hace, no salirse de los límites del flamenco, que los tiene…y aquí, en el trabajo de Rosario, los tiene. Bordeando los límites con sabiduría, que viene y va del flamenco conociendo cada aduana que pasa. Sin acuchillar a nadie, con una bandera musical genuina, de sello propio, el de La Tremendita. Aquí, en su música, también existe, la electrónica, los teclados y los bajos eléctricos, como existe un barrio de Triana, una flamenca y una mujer reivindicativa a la que tenerla como una leyenda en el tiempo. La matancera es un encuentro, un diálogo musical, gestado para que la Kaita y La Tremendita sobrevuelen el Badasom a golpe de puro arte, celebrando años en pleno concierto, sin caer en su batalla y como escribía el último rey árabe sevillano, Al Mutamid…pensé que la clara ponzoña es más dulce que el sabor de la rendición.

    Eres joven, pero tienes un extenso recorrido en el flamenco, y fiel y firme sigues con tu camino, pero el trabajo de Rosario La Tremendita parece estar siempre bajo una lupa, se espera mucho de tu trabajo de manera recurrente, presión, mujer, paya…

    Eso no sé si es bueno o malo. He tardado casi tres años en volver a grabar y eso en estos tiempos que vivimos es difícil y raro. Parece que hay que sacar música debajo de la chistera cada semana y la verdad que estoy un poco en contra de todo este sistema, en el que al final a una no le da tiempo de vivir para reinventarse. Es muy complicado hacer música desde el lugar que lo estamos haciendo ahora y con la velocidad vertiginosa que consumimos cultura. Trabajar a contracorriente y por supuesto con las consecuencias que eso conlleva, me he permitido el lujazo de parar tres años para ver hacia dónde donde queríamos ir. De esta manera estoy encontrando un camino donde me está haciendo muchísima ilusión entrar al estudio y reinventarme. Conseguimos dar con un camino donde yo me sentía que estaba explorando registros y territorios nuevos y estamos produciendo el nuevo disco con Dani de Morón. El Tremenda, Principio y Origen, la primera versión no había guitarra, la segunda historia, al echar de menos la misma he decidido producir el disco con un guitarrista

     

    Quieres volver a lo orgánico, a lo más natural…

    …Ahora mismo hay tanto ruido, tantos botones y tanta electrónica, esa excesiva rapidez, que tengo la sensación de que siempre cuando salen unos botines nuevos de moda, esos son los que no me gustan y cuando viene la moda es cuando me voy yo. Estoy huyendo de todo eso y estoy volviendo a lo que es tocar, yo vengo de tocar, vengo de tocar de cantar, de lo artesanal, si hay bajo eléctrico; se está tocando, si hay una batería; se está tocando y si hay un guitarrista; está tocando. Estamos haciendo una exploración de nuestro propio trabajo muy potente, vamos por un camino muy bonito, porque me estoy centrando más en la investigación del cante, en la búsqueda de nuevos palos…

     

    ¿Nuevos palos?

    Hay un palo que no existe, y que se va a incorporar que lo hemos llamado la tremulera, y hemos dividido el disco por eso en cuatro partes bien definidas, cantes de raíz, cantes de investigación, cantes de mutación y de creación. Elaborado desde un sitio muy artesanal y muy orgánico, por supuesto, sin perder lo que es la esencia de mi búsqueda con el bajo eléctrico, con la batería y demás, pero desde un sitio muy real y vivo.

    Tu siempre lo comentas, y tu música lo corrobora, que hay vanguardia musical, flamenca, en tu trabajo, aunque hasta después del disco con Motamendi, ya muy vanguardista desde el momento de idearlo, no explota esa Tremendita, que digamos rompe ese punto de estatismo flamenco, pero siempre, y este último trabajo suena así, sin romper la tradición…

    La raíz y la tradición es para mí un eje fundamental dentro de mi trabajo, de hecho, parte todo de ahí, y luego es verdad que tengo siempre una inquietud muy grande. Necesito estar todo el día activa, investigar todo lo que ocurre alrededor del cante y demando ilusionarme con movidas nuevas y estar todo el tiempo alerta en este sentido y es como ocurren cosas porque soy hija de mi tiempo.

     

     

    Hija de este tiempo, donde todo se consume sin saber que tienes delante, ¿Crees que estas generaciones están preparadas para ese oído que tu propones, o se han olvidado de lo anterior para escuchar a Rosario Tremendita y entenderte?

    Hay un cambio de prioridades enorme y a todas luces tangible, yo me crié con mi padre, que me decía que si quería cantar tenía que estar 12 horas en un estudio, y no en un photocall. Las preferencias han cambiado y hay muchísima hambre de éxito y de pelotazo, porque las generaciones que vienen ahora se han criado con Gran Hermano y al final lo que es realmente la pasión por la música, la pasión por la creatividad, por la creación, por querer ilusionarte con un acorde que estás haciendo y pasarte cuatro horas con un estudio pendiente de esa armonía, eso ahora mismo no se hace, no se le dedica ese tiempo. Se está pensando en ganar dinero de manera rápida, en pegar un pelotazo, en sacar un single cada jueves por la noche y es muy complicado desde ese lugar, darle tiempo a la música, a querer reinventarte, a querer mejorar, a querer aprender mucho más. Yo estaba obsesionada de pequeña con aprender a tocar instrumentos, recuerdo que venía mi padre con un instrumento nuevo y me pegaba mil horas delante de ese instrumento hasta entenderlo.

    Es muy complicado hacer música desde el lugar que lo estamos haciendo ahora y con la velocidad vertiginosa que consumimos cultura. Trabajar a contracorriente y por supuesto con las consecuencias que eso conlleva, me he permitido el lujazo de parar tres años para ver hacia dónde donde queríamos ir

     

    Hablas de pausa y respeto para hacer¡, elaborar, crear música. ¿Cómo se consigue eso? ¿Eres capaz de crear temas largos como los de Jaco Pastorius?

    No me lo pudo creer, que fuerte, estamos haciendo unos tangos que van dedicado a Jaco, inspirado en la línea de bajo que yo utilizo ahí. Y justamente, ¿te imagina un Pastorius midiendo el minutaje de sus temas? ¿y a Mozart poniéndolo fácil para que la gente lo escuche? Los artistas tenemos la obligación y el respeto de hacer lo que realmente sentimos. A veces, y por picar un poco al equipo propongo hacer un disco que no lo escuche nadie, con una soleá de siete minutos…debemos de ser fiel a nosotros mismos y de realizar nuestro trabajo que realmente queremos, con nuestra evolución artística natural nos pida.

     

    Ese trabajo se aprecia, y somos conscientes que, para obtener esa calidad, el camino a recorrer es mucho más largo. Y siempre hablamos de Rosario La Tremendita, pero detrás de ti hay personal, ¿Qué equipo cuenta contigo para tu aventura?

    Me rodeo de un equipazo, son mis cabezas pensantes, las que hacen que mis ideas salgan a la luz con decoro. Dani de Morón, liderando conmigo la producción que es todo talento, generosidad y muchísima curiosidad para seguir emocionándose. Juanfe Pérez, mi bajista y es al que le robo todo y hace que mi bajo pueda tener sentido. Porque al final yo cantaora y el bajo, la guitarra se complican si no tengo su sabiduría. David Sancho con los teclados, que siempre está creando esas texturas, que hacen que sea un musicazo, uno de los mejores pianistas de este país. Manuel Reina, el batería del nuevo disco, otro virtuoso. También está Pablo Martin Jones que produjo conmigo, Tremenda, Principio y Origen, que desde la distancia controla todo. Creo que me rodeó de muy buenos músicos, me rodeó de muchísimo talento y hacen que las ideas que una pueda tener se puedan llevar a cabo y se puedan ver enriquecida por todo el equipo de artistas, de compañeros y de amigos.

     

    Me has dicho una cosa, y me refiero a esa tradición que para algunos está disociada de la vanguardia, ¿Te consideras cantaora?

    Yo soy cantaora y todo lo que hago parte del cante, hasta lo que toco. Nací en una familia flamenca en Sevilla, si hubiera nacido en Nueva Jersey hubiese sido una cantante. Y es verdad que mi medio sería la creatividad, lo que realmente me hace ser quien soy.

     

    La familia, tan importante, está en tus discos, en tu cante, la presencia de tu padre, de tu bisabuela, están siempre en ese recuerdo, como reminiscencia de ese pasado…

    Sí, sin duda, y además en esta ocasión hemos hecho una bulería donde canta mi abuela, componiendo una letra alrededor de dos frases que ella me cantaba siempre. Están siempre detrás de todo lo que hago y compongo de alguna manera u otra.

    A veces, y por picar un poco al equipo propongo hacer un disco que no lo escuche nadie, con una soleá de siete minutos…debemos de ser fiel a nosotros mismos y de realizar nuestro trabajo que realmente queremos, con nuestra evolución artística natural nos pida.

    Explícame qué es eso de Matancera, ese trabajo con nuestra paisana Kaita.

    Matancera es un diálogo entre dos de dos flamencas, con dos generaciones completamente diferentes, donde hay unas inquietudes muy parecidas, porque cuando yo estaba naciendo estaba Kaita con los Pata Negra con una guitarra eléctrica y justamente veinte años después yo empecé con el bajo eléctrico con una estética muy parecida. Eso sí, sin premeditación, de una manera bastante natural y lo que se ve en el espectáculo es directo, dos cantaoras donde se van a diferenciar muy bien, Triana y Badajoz, ya que son dos entidades y dos personalidades muy diferentes en el cante, pero que ambas son súper importantes y luego va a estar vestido desde un sitio, para mí, muy interesante, porque solo nos acompaña un batería, que es Daniel Suárez. En este proyecto trato de cuidar a Kaita hasta el último detalle, para que ella se sienta cómoda, y así es como lo pasamos increíble, sintiendo el trabajo desde lo más profundo. Hay mucho Badajoz dentro del proyecto, Extremadura se va a sentir muy identificada con la obra porque hay mucho de esta tierra ahí dentro. Y aunque haya otros sonidos, electrónica y demás, Matancera lo sostiene el cante, lo sostiene la raíz y la tradición.

    Artistas de este tiempo, y salís de ese genérico de temas flamencos, poniendo puntos y comas a lo que sucede en la vida actualmente, habláis y cantáis sobre las guerras, la pobreza, la sociedad de ahora…

    A mí esta parte me interesa mucho, porque yo creo que nosotros tenemos que contar a través de la música, aquello que se cuenta en la historia, no es algo nuevo. Si pasan cien años y pueden escuchar algo mío y pueden trasladarse a los tiempos que hemos vivido, pues estamos contando nuestra propia historia. Eso es muy importante, tener en cuenta las letras darle eco con nuestra voz es algo apasionante y humano. Si podemos manifestarnos y exponer lo que ocurre y hablar de cosas que nos trasladen a un sitio donde no hagan reflexionar, es tremendamente importante.

     

     

    Rosario, en lo personal me parece muy interesante, y en alguna ocasión lo has verbalizado, de esa parte terapéutica de del día a día, la que necesitamos para centrarnos un poco, la ayuda de un psicólogo para ubicarnos o un especialista para que simplemente nos escuche desde su anonimato.

    Yo lo utilizo con asiduidad, es necesario como el ir al gimnasio. Sostenerse en los tiempos en los que estamos, ser fiel a ti mismo, ser independiente y tratar de llevar para adelante una empresa y un espectáculo por año, más discos y no morir en el intento, o te vas a terapia o matas a alguien. Yo he optado por ir a terapia. Es necesario y casi obligatorio en mi vida.

    Si podemos manifestarnos y exponer lo que ocurre y hablar de cosas que nos trasladen a un sitio donde no hagan reflexionar, es tremendamente importante.

    “Al flamenco no le hace falta nadie para ser flamenco. Por eso me molesta que lo usen”.  Israel Fernández

    El flamenco es natural y no le hace falta nada ni nadie, el flamenco es orgánico, y es tan potente y tiene tanta fuerza que comparto 100% lo que dice Isra.

     

    «Aunque muchas generaciones tengan referentes femeninos, en el flamenco aún falta valorar a las mujeres como creadoras, además de intérpretes». Silvia Pérez Cruz.

    Hablar sólo de flamenco en ese aspecto nos quedamos cortos, yo creo que estamos en una sociedad que seguimos luchando desde poco tiempo, venimos de una dictadura de no hace mucho y queda mucho por hacer, no solo en el flamenco, a todos los niveles.

     

     

    “Yo soy un cantaor sin identidad” Enrique Morente.

    Lo que diga Enrique va a misa. Yo encajaría esta expresión a que Morente no necesita etiqueta, un cantaor libre, lo demostró y nos ayudó mucho a todas las generaciones que veníamos detrás, a tener la valentía de poder ser libres y de no tener una identidad fijada.

     

    “Creo que ni Caracol ni Marchena ni la Niña de los Peines, ninguno ha aprendido a cantar flamenco. Como el fadista tampoco ha aprendido a cantar el fado. Es una cosa que nace dentro de uno, se nace con el duende, como se dice en España, o con el ángel o no se nace”. Amalia Rodrigues.

    Yo no recuerdo cuando abrí la boca y cantaba. He sido consciente de que he ido mejorando, es algo natural como decía Amalia, que te sale con tu genética, que tienes una predisposición ya desde dentro.

     

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Argentina «Cante & Saudade»

    Argentina «Cante & Saudade»

    Argentina presenta Cante & Saudade. Flamenco y Fado en el Auditorio Municipal Ricardo Carapeto rodeada de un numeroso elenco de músicos españoles y portugueses: guitarra flamenca: José Quevedo “Bolita”, Eugenio Iglesias y Francis Gómez; guitarra portuguesa:  João Simāo; viola portuguesa: Luis Guimarães; a las palmas: Jorge Bautista, Oruco y Juan de Oruco; a la percusión: José Carrasco y, además, cuenta con la participación del pianista José Carra.

    La reconocida cantaora onubense de flamenco, Argentina, nos invita a un viaje musical inolvidable con su nuevo espectáculo Cante & Saudade. Un encuentro entre el flamenco y el fado, dos géneros que, aunque distantes en origen, comparten una esencia de pasión, melancolía y profundidad que traspasa fronteras.

    En Cante & Saudade, Argentina nos sumerge en la profundidad del cante flamenco, con su voz cargada de emoción, colores, matices y música, explorando los palos más arraigados de este arte, imprimiéndole su personalidad a cada uno de ellos, su sello, lo que la ha convertido en una de las grandes figuras del género. A su lado, la presencia del fado se despliega como un susurro melódico que evoca la nostalgia y la saudade portuguesa, un sentimiento que habla de lo perdido y de la esperanza que persiste. La excelsa versatilidad de Argentina se hace patente nuevamente en esta deseada propuesta de la cantaora.

    Argentina María López Tristancho, conocida popularmente como Argentina y natural de la provincia de Huelva, es una de las voces más consolidadas y de más notable presencia en el panorama actual del flamenco. Su voz, limpia, clara, redonda, de extenso recorrido, no busca ni pretende el efectismo fácil. No lo necesita, ni mucho menos, ya que es lo suficientemente poderosa, bien timbrada y flamenca como para no tener que echar mano de adulteraciones ni trucos que intenten engañar al espectador. Argentina va tejiendo una música que es su propia vida, un espacio sonoro y expresivo para que se gesten los diversos tramos de una secuencia creativa emocionante.

    Ella es cantaora vocacional y nunca olvida sus orígenes. Tiene por bandera los fandangos de su tierra, ese riquísimo patrimonio que se manifiesta en hermosas variantes que van de Almonaster a Cabezas Rubias o de Valverde a Calañas o la misma Huelva capital, donde Argentina, con su voz blanca de criatura prodigiosa, fue desvelando las claves de unos sones que siempre habrían de acompañarla.

    Argentina practica un moderno concepto del clasicismo, renovado y puesto al día, una lectura limpia y sin prejuicios de las formas seculares, sin transgredirlas, y siempre utilizando la excelencia interpretativa para ofrecernos una versión fresca, imaginativa y con matices personales. Por otro lado, a la cantaora le debemos la incorporación de estilos poco habituales que han ido perdiendo vigencia en los últimos tiempos, pero que ella, con una actitud valiente y no menos arriesgada, rescata para darles una sorprendente y lustrosa dimensión.

    A lo largo de su carrera, ha actuado en algunos de los mejores escenarios de España y el mundo, como el Teatro López de Vega de Sevilla o Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles. Ha sido nominada dos veces en los Latin Grammy, ha ganado el Premio de la Critica Nacional al mejor Disco Revelación por su disco Argentina y tiene la Medalla de la Ciudad de Huelva y la Medalla de la Provincia de Huelva.

    Fotos. Argentina. Badajoz 2015. Cultura OverDose

  • El Flamenco 2.0 del Perrete para los 100 años del Porrina de Badajoz

    El Flamenco 2.0 del Perrete para los 100 años del Porrina de Badajoz

    Moviendo la mano, como untando un algodón de azúcar, acariciando el viento. La cadena de oro de su muñeca al tintineo de su codo, recto y enfrentado, acunado por el puño blanco de la camisa. El otro brazo juega con la silla de enea, la madera parapeta la guajira, la sostiene en sus vetas, y acompaña a los vaqueros a ordeñar la vaquería. Traje perla suspendido en un tono místico en su paseo por la Habana, el abrigo de pata de gallo con solapa de lana negra lo erigen monarca del flamenco. El resto es ya historia: gafas negras y un clavel en el bolsillo de la chaqueta. Cuando canta el Porrina de Badajoz.

    Estamos de aniversario, o eso dicen. De su nacimiento, o eso dice su DNI. Fecha que cambió para venir al mundo unos días antes, por eso de la superstición. Estamos en los cien años del muchacho que tuvieron Juan Salazar y Ana María Campos, o eso reza su certificado de nacimiento.

    El “cantor”, como le llamaba Amalia Rodrigues, enamorada de la fuerza y dulzura de su voz, está de homenajes y gorgoritos varios. Entre ellos, uno que cobra especial fuerza, el que le hace Francisco Escudero El Perrete en el Festival de Flamenco y Fado de su ciudad. Un diálogo, un cara a cara, una charla en un envoltorio de patio de cabales, que desviste con su especial sutileza, el joven cantaor, ortodoxo (no te enfades maestro) y heterodoxo a partes iguales. De fondo la Orquesta de Extremadura y los arreglos del gran Paco Suárez arropados por la familia, Ostalinda y Paco Suárez, al piano y la flauta y Paco Vega a la percusión.

    Si trazamos una bisectriz desde su figura hecha estatua en la plaza de la Soledad, el marqués de Porrina apunta a la patrona de Badajoz, cruza parte del casco antiguo, atraviesa el Parque de Castelar hasta llegar al revellín de San Vicente rediseñado por Antonio Juez como Auditorio. Allí, en esa diagonal perfecta, los palos del Porrina pasarán el testigo a El Perrete, ese “mil leches” bien mezclado, de impronta isleña y luna gallegas. El elegido para asomarse al alfeizar del cante de José Salazar, que con aire desenfado, de voz fina y quejío endémico nos trasportará, si cerramos los ojos, a esos locales, tabernas y tablaos, que un día impregnaron de eso que llaman flamenco a la ciudad de Badajoz. O eso dicen.

     

    El Perrete tiene 32 años, una edad donde una ya tiene tablas o pasa a la reserva de los combos flamencos. Lo que hace especial al cantaor de esencia extremeña es su forma de ponerse delante del público, su transversalidad en el flamenco y su naturalidad fuera de él. Nos confiesa que es igual de feliz montando a caballo que cantando una seguidilla.

    Mi gente viene del campo, del ganado bravo, del caballo y de montar mucho en la vaquera. Y ahora, que uno ya puede decidir, no sabría decirte que me gusta más si el caballo o el cante.

     

    Le preguntamos por el recorrido que necesita la ciudad para tener esos espacios de flamencos, algunos parecen que despuntan en un Badajoz yermo de espacios de continuidad donde tener presidiendo una foto de Porrina en lo alto de la pared.

    En este homenaje hablo con Porrina, habrá dos sillas, una para mí y otra para el maestro, todo improvisado, y es ahí donde voy a plantear esas cuestiones entre otras cosas. Más allá de mi imagen algo polémica a veces, sólo trato de confrontar las realidades del flamenco. Quiero armar algunas de las mías, muy pulcro, muy en mi sitio. De manera educada lanzo dardos que creo son necesarios. Estamos en un momento muy bueno en el flamenco sin necesidad de exportar tangos y jaleos, ya existe un cante y no necesitamos ir con las etiquetas. Igual que escuchas a alguien y sabes que es de Jerez sin tener que cantar por bulerías, lo mismo pasa en Huelva o en Granada, y en esta tierra ya está pasando.

    Hay gente lo que no hay son espacios, existe gente que sabe que está dormido y después hay otro grupo de personas que se le está dando un poder que no tiene tanto registro conocedor. Eso es válido, pero también es verdad, y como escribía Fernando Valbuena el otro día en un artículo, la gente se fijaba más en la bohemia del Porrina, en su día a día que en lo que Porrina nos legó en el flamenco y el entorno del arte en general. Quizá ahora esté pasando lo mismo.

     

    El legado del arte, las estribaciones del cante en lo que le rodeas son muchas y variadas, y como citaba Valbuena, la prensa rosa tiene más adeptos que la propia prensa. Aquí aparece el homenajeado, un Porrina que se encuentra en el mapa guía de Perrete.

    El Porrina era uno de los cantaores más largos que hemos tenido, y ha sido uno, durante muchos años, de los mejores pagados. Eso demuestra parte de su presencia en este mundo. La cultura flamenca antigua era otra, había otros rituales y ahora se canta distinto porque se vive distinto, no es bueno ni malo, hay que adaptarse y saber sacar lo mejor de todo eso.

    “Estamos en un momento muy bueno en el flamenco sin necesidad de exportar tangos y jaleos, ya existe un cante y no necesitamos ir con las etiquetas”

    Dentro del flamenco, la controversia llega, con el relevo natural y las oscilaciones vitales de la vida, cuando hablamos de la ortodoxia y la heterodoxia del flamenco.

    Lo principal es el respeto, desde ahí arrancamos. Un buen cocido se guisa con los ingredientes que necesita un cocido, los matices de otras cocinas en ese cocido es fundamental, porque sigue siendo un plato clásico sin perder ningún ingrediente, pero aderezado y revitalizado con otros matices culinarios. La ortodoxia no existe, existen luces de guía. Y es que antes de mí, había otros y antes de esos otros, otros que lo mismo ni se llamaba flamenco pero que guiaban unas líneas clásicas a las que acogernos.   A los niños que hay que enseñarles que su cante no es ortodoxo, es clásico. Y ya dentro de ese clasicismo ya existen las vanguardias con las que buscar nuevas vías, sin salirnos del flamenco como tal.

    Formar parte del cartel del Festival de Flamenco y Fado supone un granito de arena para los artistas, una plaza donde estas dos músicas universales se besan y se unen sin peajes de ningún tipo. Para el Perrete actuar en su tierra, en este festival de fronteras y con Porrina como hilo conductor y de su centenario ha llegado en un momento dulce. Su momento.

    Hay dos vertientes, una personal y otra profesional. En la parte humana este concierto es un sueño por muchos motivos, porque cuando uno empieza en este mundo ver esos escenarios es algo inalcanzable o al menos una meta de largo recorrido. Me ha llegado cuando me tenía que llegar, hay gente que me quiere mucho que por qué no antes, pero las cosas son cuando se dan y que mejor que darse en el centenario del Porrina. Creo que es una señal, ya que tiene mucha importancia y relevancia para mí. En lo profesional es un reto, no por la envergadura en sí del proyecto, pero en mi tierra no se ha dado tanto. Me siento muy querido por la afición, muy respetado y sobre todo muy valorado. Ser profeta en tu tierra es algo difícil pero yo lo he conseguido y exponer un clásico flamenco con la Orquesta de Extremadura es diferente, con un flamenco novedoso teniendo un nexo de unión con Porrina en un diálogo musical y personal. Estar con un piano, una flauta travesera y una percusión es una responsabilidad, un reto para disfrutarlo.

    El Perrete es una pieza vital para agarrar o atrapar a las nuevas generaciones, es el cantaor necesario para proyectar el flamenco a nuevos públicos y consolidar el existente. Sus propuestas son genuinas y eso lo hace diferente y a la vez, antiguo, clásico y actualizado.

    La proyección del flamenco está yendo a mejor, hay menos cantidad, pero sí que noto calidad artística, de compromiso para trabajar con distintas fórmulas. Hay mucho que se ha perdido, la bohemia ya está tan vigente, pro también han cambiado nuestras formas de vivir y de consumir cultura. No es mejor ni peor, son otros conceptos, otros contextos guardando la tradición. En esa tradición hay una cantera muy interesante aquí en Extremadura de la cual me siento partícipe, ya que muchos son alumnos míos. Estamos en un buen estado de forma, tenemos a grandes compañeros con un flamenco más global que nos hace estar en todos los rincones del mundo.

    “Me ha llegado cuando me tenía que llegar, hay gente que me quiere mucho que por qué no antes, pero las cosas son cuando se dan y que mejor que darse en el centenario del Porrina.”

    La tensión destroza media vida, el Perrete sustenta su cante en mantenerla bien controlada. Su voz, macilenta, de tonos azules y giros rojizos, es un despliegue que necesita de mucho mimo. Lo dice el propio cantaor. De ahí su sello artístico. De ahí su recorrido y a pesar de las críticas o las buenas palabras, sigue firme, recordando sus inicios y soñando el futuro con un Flamenco 2.0 digno de ser oído.

    De Casa Patas con Farruquito o Joaquín Cortés, siendo un niño en la Cueva del Candela con Pepe Habichuela, los Carmona, todos los niños que ahora están pegando como mi querido Miguel Poveda. De ahí vengo. Recuerdo de aquella época el consejo del maestro Enrique Morente, estudia como un castellano y siente como un gitano. Y eso estoy haciendo con mi nuevo disco, malagueñas con guitarra eléctrica, alegrías de Córdoba con música negra, toques zen, aires míticos pero flamenco y me he puesto en las manos de un gran productor. Un proyecto grande con el que quiero disfrutar en directo. Ser yo.

  • Gene García «Pellizco de rock & blues en el delta del Guadiana»

    Gene García «Pellizco de rock & blues en el delta del Guadiana»

    Qué carajo tendrá el río Guadiana que huele a Mississippi. Terruño húmedo de poetas y pintores. Río enmudecido, harto de aguantar jamelgos de frontera y proxenetas de nenúfares. De su lodo se han expoliado de manera continuada, textos firmados por Ibn Marwan, fajines de generales, estrofas de Lencero y cuatreras canciones de tipos como Gene García.

    Batiscafo, caña de pescar y anzuelo. Ha picado. Un Gene de algo más de cien kilos, envuelto en escamas de Paramahansa Yogananda, dando buenos coletazos a lo Moby Dick, ¡Por allá resopla uno de los Inlavables!, camisa y voz negra, riñón y corazón de pura trementina, todo vuelve a funcionar. Recogemos el sedal. Es tiempo de meditar, de volver a cocinar después de tener tantos años la nevera vacía. Es hora de comer patatas, qué ricas están fritas, y guisadas, qué sabrosas, en puré son exquisitas, y en tortilla, qué jugosa…Yo, sí… yo, sí… yo sí como patatas…le hacemos los coros mientras pelamos al artista.

    Le deseamos lo mejor el día que la Sala Mercantil chapaba sus puertas, le dimos la bienvenida el día que Elvis estuvo de visita por Extremadura. Pero antes lo vimos repartiendo balones de baloncesto, tocando en los garitos de medio país, pinchando discos al estilo del Doctor G, y pintando a los grandes bichos del jazz, ahora del flamenco, sin jindama y como mucho pellizco, ese mismo respingo que destila cada vez que suena alguna de sus armónicas. Disco en solitario, solitario con sus meditaciones, meditando su pasado, un pasado cargado de melancolía rockabilly. Cumpliendo años desde su trasplante, nueva vida al ritmo de una octava de blues, un gruñido de rock, depurando la manera de hacer música, como esa con la que W.C. Handy quedó cautivado por un guitarrista; tocar con un cuchillo y cantar en una estación de tren de Mississippi en 1903.

     

    Me quedé ciego siendo niño, a los siete años más o menos. Mi madrasta me echo lejía a la cara…para vengarse de una paliza que le dio mi madre. Sí, negra suerte. Blind Willie Johnson

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    Gene García…¿Quién eres?

    En los tiempos que corren, alguien se para a pensar eso, ¿Quién coños somos? …[Ríe]…ahora mismo tengo dudas, y surgen cuando uno sabe quién es exactamente todavía. Lo único que hago son cosas, creo cosas de la nada, saco discos, canto, pinto…pero eso creo que no tenga ningún trasfondo para saber quién eres realmente. Yo si me lo cuestiono continuamente, y el hacerme estas preguntas tiene una doble lectura;  se intuye una cierta inseguridad en este paso por esta vida y a la vez, plantearme esta cuestión me una seguridad de la leche, aunque la primera parte oculte la segunda. Esa es la duda, algo muy importante, ya que la duda debe estar presente siempre en nuestro existir, te hace pensar, investigar, escuchar…

    …y más después de la gran batalla que has vivido…

    Después de este varapalo físico y emocional aún me lo planteo con más ahínco…¿Por qué sigo aquí? ¿Por qué sigo tan activo después toda la movida? ¿Quién ha decido que yo siga en este mundo? Soy un afortunado de poder estar aquí contigo y poder plantearme estas dudas…

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    Nosotros también tenemos enormes dudas…¿Qué movimiento en la ciudad te atrapa para meterte de lleno en la música?

    En 1984 hubo una especie de explosión de radios piratas, éramos unos chiquillos, y con catorce y quince años descubrimos que Radio Pardaleras era el crisol de la hornada de los locutores actuales de la ciudad que se dedican a la comunicación, Zarzo, Luki, Lorido…

    Me acuerdo de que iba a la radio a las 4 de las tarde con un saco de vinilos con una ilusión tremenda para hacer nuestro programa. En aquella época había grupos potentes, Inlavables entre ellos. Viendo estos directos fue como me enchanché a la música realmente…

     La duda debe estar presente siempre en nuestro existir, te hace pensar, investigar, escuchar…

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    ¡Inlavables! Más de treinta años siendo unos de los reyes de rock y el blues de la región

    [Ríe] Y unos sinvergüenzas apasionados de la buena música. Hace años que Inlavables arrancó como grupo, y al poco me reenganché…me acabo de acordar de los difícil que era vivir de la música…pero es que ahora está el tema peor…[Ríe]…en los inicios pasamos horas en el Estacha, de 10 de la noche hasta las 6 de la mañana, ¿Motivo? Porque nos llevábamos el 25% de lo que sacaban en la barra…[Ríe]…nos interesaba tocar hasta reventar. Éramos cinco componentes Luis Vera, Alfonso Sáez, ambos salieron en el 93, José Aranda, Tony Cortés y yo. ¡Pero recordemos que antes existía Tony el Mugriento y los Inlavables!…hoy puede ser el día de tu suerte, hoy puede ser el día de tu muerte, una canción punk que se llamaba el Cupón de la ONCE…[Ríe]

      Me acuerdo con diez años que iba al estudio de Ángel Pérez Espacio, me sentaba a su lado y me dedicaba a mirar

    Recuérdanos la clásica propuesta que os ofrecieron a nivel discográfico

    Nos pasó una cosa que a la larga marcó a la banda, teníamos que ir a grabar a Madrid pero la noche antes de partir nos robaron todos los instrumentos del local, pero nos dejaron el material otros compañeros de Badajoz, Oliver y compañía. Tocamos como abducidos por algo y recuerdo que tal fue la grabación que a un tipo de la Warner, el señor Regatero, le encantó la canción del Cupón de la ONCE y nos propuso un precontrato…el día de firmarlo tiene un accidente con el coche y fallece…no pudimos firmar nada y esa historia se acabó. Aunque ya con la nueva directiva me propusieron firmar un contrato, pero no quise hacerlo, quizá me equivoqué porque pude firmar y seguir con los chicos.

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    Con las letras de Gecko Turner, la dirección de Antonio Gil Aparicio y todo el elenco de Inlavables saca unos de los primeros videos de la región, Hot Box Blues, al que siguieron unos años dorados de la banda, actuando en toda Extremadura y fuera de ella, compartiendo escenario con ilustres como Salif Keïta, Bob Geldof, The Pogues (con Joe Strummer), Siniestro Total o Los Lobos en el primer WOMAD de Cáceres. Van creciendo, con bolos y sonido puro y directo. Entre risas comentamos que ahora se puede tener en un bolsillo toda la música del mundo, pero esa accesibilidad también ha provocado una velocidad de consumo muy perjudicial para paladear los sonidos de una canción.

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    Tocamos tierra y actualizamos a Gene, nuevos singles para ir avanzando tu Génesis, disco en solitario    

    Génesis es una huida, un paso hacia adelante, empezar a trabajar con otro tipo de músicos y empezar a trabajar con otro tipo de conceptos, manteniendo a mis músicos de siempre para no cometer el mismo error de hace 30 años…[Ríe]…es algo que necesitaba. Reúno a pedazos de músicos, Víctor Zamora, Cicero lee y Joel Silva, para hacer un pedazo de música. Sólo hay un problema, esta música se aprecia fuera de nuestras fronteras, donde espero que viaje el disco cuando se lance, aquí tenemos un público muy reducido. En Méjico por ejemplo el lanzamiento dl primer single ha tenido mogollón de visitas. Es el momento de sacar mi propio disco como Gene García.

    Danos tus referencias, los que desde que pinchabas en radios piratas hasta ahora en tu programa en Canal Extremadura Radio…  

    …los negros, los afroamericanos, el soul, el jazz, el rock…toda una música que nace del sufrimiento, y aunque yo me considero un tío muy alegre también tengo una cosa muy potente  y muy cercana al sufrimiento para luchar por todo, mi trabajo, mi familia, mi música, mi puntura o por mi salud. Toda esa música que emerge del dolor es, por regla general, muy visceral, muy potente, muy buena. El lamento produce arte. Me quedo con toda ella.

    En Black Portrait, la exposición de rostros del jazz y el soul ya recoges esa esencia de música de raíces sureñas norteamericanas, de origen afroamericano, algo muy parecido que acabas de presentar con El pellizco sobre el Cante gitano, también de raíces del sur y encanto popular…

    Desde que era chico pintaba, nunca he tenido ningún estilo ni tengo estudios sobre ello, pero tampoco me ha interesado profesionalizar mi vida con el arte, con la pintura. Me acuerdo con diez años que iba al estudio de Ángel Pérez Espacio, me sentaba a su lado y me dedicaba a mirar, y cuando me ofreció pintar yo solo daba brochazos rápidos y sin mucha parsimonia, algo que para como decía muy bien Ángel, me condenaba a aburrirme muy rápido de la pintura. Mi padre quiso costearme la carrera de Bellas Artes pero me negué, porque para mí la pintura representa una manera tranquila de expresarme, sin entrar en riesgos profesionales. En estos últimos años, con el lastre de mi estado de salud, asumí que tenía que coger ese peso, como la canción de The Band, y soltar el lastre que mi padre siempre quiso de mí con la pintura. Ahí nace los retratos de jazz y la esta última exposición sobre el cante gitano que ha financiado la Diputación de Badajoz.

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     Toda esa música que emerge del dolor es, por regla general, muy visceral, muy potente, muy buena. El lamento produce arte

    ¿Tu primera emoción con una canción?

    Pues en el nuevo estudio de Pérez Espacio, ya con doce o trece años, descubrí que tenía una colección de disco brutal. Él fue el que metió todo esto en la cabeza. Tenía vinilos de rock, blues, jazz y de Elvis, muchos de Elvis Presley. Me acuerdo que me preguntaba si podía haber alguna canción que superase a Thriller de Michael Jackson, y gracias a los 50 discos que me llevaba cada tres meses para escuchar descubrí verdaderas joyas, canciones vacilonas de los años  60´70´y 80´. ¡Una locura!

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    ¡Gran vuelta la tuya con el concierto de Elvis con la Orquesta de Extremadura!

    Era algo necesario, un proyecto que nació antes del trasplante y que tuvo que esperar, menos mal que se hizo, buena señal…[Ríe]…para darle sentido a todo lo que hemos hablado anteriormente. Cerrar en cierta medida el círculo, más allá del homenaje que rendimos al Elvis. Rendir tributo al rey del rock en el 40 aniversario de su muerte el día en que nací yo, el 18 de mayo. Es un placer tocar con los grandes músicos que tiene la Orquesta de Extremadura y con el director César Guerrero y mis Inlavables.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez