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  • Eduardo Strauch «Exit: Sobrevivir en los Andes, una lección de lucha sobrehumana»

    Eduardo Strauch «Exit: Sobrevivir en los Andes, una lección de lucha sobrehumana»

    En 1972, localizaron a Shoichi Yokoi, un sargento del ejército imperial japonés oculto en una caverna, 28 años después de la 2ª Guerra Mundial. En ese año se realizaron las primeras fotos de Júpiter. En los Juegos Olímpicos de Munich del 72, terroristas palestinos sembraron el pánico asesinando a deportistas judíos. El Apolo 17 sale disparado de Cabo Cañaveral. El Gobierno de Chile al completo dimite para dar paso a Allende. Se comete el tercer asesinato de ETA en España en ese fatídico año. Sobrevive únicamente una azafata de un atentado terrorista con bomba de un avión en Checoslovaquia. En Irlanda del Norte, el Domingo Sangriento marca un antes y un después en las islas británicas. En California se invalida la pena de muerte por cadena perpetua. Los Estados Unidos y la URSS, juegan fríamente con la política internacional con Brezhmer y Nixon de figurantes. En 1972 se estrena el Padrino de Ford Coppola. El mundo seguía su curso.

    Pero en 1972, para los tripulantes de un avión el mundo se paró por 72 días. El 13 de octubre de ese año, el Fairchild FH-227D del vuelo 571 de las Fuerza Aérea Uruguaya colisiona contra un pico de los Andes a 351 Km por hora, cayendo la parte del fuselaje en el glaciar del valle de Las Lágrimas, a 3570 metros de altura. El trineo de plomo lo apodaban por su pesadez en el vuelo. De Montevideo a Santiago de Chile, con escala en Mendoza. 40 pasajeros, entre ellos 5 tripulantes. El resto es ya historia.

    Ponerte delante de Eduardo Strauch, uno de los 16 supervivientes de aquella tragedia, o milagro según quien lo narre, supone una entrevista milagrosa o trágica, según quién la lea. Eduardo tiene todo el azul de los Andes en sus ojos, parece guardar todo el año 1972 en su fondo. Calmado, como el silencio de la montaña, de voz ondulante como una poesía de Oliverio Girondo y lleno de oxígeno en cada movimiento, todo el que pudo atrapar para sobrevivir a una de las gestas humanas más importantes de nuestra historia, nos desvela algo que gran parte de la población conoce, pero nos deja destellos que, según Eduardo; «deben recordarse para no caer en el olvido».

    Arquitecto de 71 años, Strauch, nos habla de la montaña que le arrancó 72 días de vida pero que le volvió a dar 16786 días de paz absoluta. «La sociedad que creamos la gestamos con el imán, la fuerza de volver a nuestros seres queridos, padres, madres, hermanos, novias…el amor a la vida, y simplemente eso, esa fuerza hizo que tuviéramos la opción de salir de allí».

    Eduardo me corrige, «No es rugby como decís en España, es un deporte inglés, /ˈrʌɡ.bi/. Veo poco, sólo algunos campeonatos del mundo». El deporte que les hizo estar unido, el deporte donde el zaguero es un defensa y donde las cabezas chocan en equipo para arrebatar el balón ovalado, les llevó a caer en medio de la nada, en una montaña donde la naturaleza ejerce su fuerza, con paciencia, y como remarca Eduardo, tiene tiempo dentro de su inmensidad, «Es pura y dura a la vez, y nosotros teníamos la necesidad acelerada de salir de allí cuanto antes. Sin ese nivel de concienciación, de nivel de equipo, de nivel educativo, no estaría aquí contigo hablando de este tema».

    Nando Parrado, otro de los supervivientes de los Andes, y el que, junto con Roberto Canessa cruzan durante diez días la cordillera para salvar a el resto de compañeros, escribe en el prólogo de su libro, que «La lección que he aprendido es simple: el sufrimiento puede aplastarnos, pero también puede brindarnos sabiduría.». Strauch comparte esa reflexión: «La gente cuando escucha nuestras charlas conoce nuevas cosas y los conecta con problemas de su vida cotidiana, toma de nuestras historias elementos para solucionar, o intentar solucionar problemas de su vida. Hay chicos de diez y once años que han descubierto la historia a través de la magnífica película de Bayona y se acercan con los ojos enrojecidos, emocionados por algo que pasó hace más de cincuenta años».

    Eduardo nos recuerda otro ruido, el de las aspas del helicóptero, de entre el eco de las montañas que abrazaban dulcemente la espera de su agonía hacia la muerte. Recuerda ese ruido y muchos otros que intenta mantener en la memoria líquida de su vida. «Exit: Sobrevivir en los Andes, tiene ese título para recordar la necesidad de fijar el objetivo en salir de la agonía. Una vez que caía la noche y hacíamos del fuselaje nuestra guarida, entre los sobresaltos del frío al que estábamos expuestos, -30º en muchas ocasiones, abría los ojos y veía el pico rojizo de algún cigarrillo encendido y el cartel de EXIT del avión. Fue lo único que cogí antes de montarme en el helicóptero».

    Del ruido de la avalancha al silencio más absoluto. Eduardo no tiene ningún problema de hablar de antropofagia, de la necesidad de sobrevirar en el plano que le había colocado la secuencia de su vida. «En un segundo, esa vida de calidad, de paseos por Montevideo, de familia, amigos y buena vida se derrumba, a partir de ahí tu mente se activa. Ese tabú cultural que teníamos los que resultamos vivos del accidente se tornó en una extraña dualidad, vivir con la vida de los otros que la perdieron: Sentí una paz interior enorme, una especie de alegría por sentir que podía llevar a cabo ese proceso, a otros les costó enormemente, repito, cuando no hay opción todo lo canalizas, y la mente tiene poder enorme en todo esto».

    Para muchos supervivientes, más allá del hambre y el frío, la sed fue uno de las cosas que más sufrieron. El arquitecto uruguayo, destaca la capacidad de ingenio que se tiene en estos momentos. “La mente te hace no derramar una lágrima cuando el que tienes al lado acaba de fallecer, la mente y su dimensión en situaciones extremas, obvia todo aquello que duele. Nuestras cabezas vuelven a esos recuerdos primitivos, infantiles, donde hay que rescatar la agudeza para crear un sistema para derretir la nieve, coser tela con trozos de asientos, crear esquíes improvisados para poder cruzar los Andes…».

    Desde el silencio, la paz total, pasar por tener la mente libre en un cuerpo preso le ha ayudado a conectar con lo que rodea de manera más natural, distinta a la que tenía programada en su cabeza previo al accidente.

    Eduardo Strauch repite como un mantra esa sensación única que experimentó dentro de ese caos, la belleza de la montaña en contraste con la imagen abominable de la situación. Nos recuerda lo que le costó “volver” a la sociedad que dejó antes del accidente y de lo difícil que es recuperar ese umbral que padeció en los Andes.

    Yo estuve muy conforme como procesé todo. Mi vida sin duda cambió, fue un punto de inflexión y mi vida es mucho mejor de lo que hubiera sido porque vi claramente el camino y las cosas que tienes que hacer para ser feliz y ser mucho más sencillo. No fue una cosa automática, por supuesto salí de ahí, bajé a tierra y con el tiempo fui seleccionando el camino que debía seguir. Me costó un año, tras el accidente, volver a esta sociedad, todo me resultaba como un ruido ensordecedor y fuera de mi nueva forma de ver la vida».

    Con muy pocas cosas uno es feliz, así nos cuenta Eduardo Strauch su periplo tras la tragedia. También nos dice que su vida se acerca a lo espiritual desde un enfoque más humano, más de tierra, de tocar las cosas y saborearlas, que el Dios que le enseñaron en la escuela es distinto al Dios que cree hoy.  Desde el silencio, la paz total, pasar por tener la mente libre en un cuerpo preso le ha ayudado a conectar con lo que rodea de manera más natural, distinta a la que tenía programada en su cabeza previo al accidente.

    Ese tabú cultural que teníamos los que resultamos vivos del accidente se tornó en una extraña dualidad, vivir con la vida de los otros que la perdieron: Sentí una paz interior enorme, una especie de alegría por sentir que podía llevar a cabo ese proceso

    Eduardo Strauch anda ágil, pero con aplomo, en un gesto como heredado de las montañas, en una filigrana de mover maletas como rutina en ese valle blanco de nieve y soledad. Se despide con gesto cálido, con una mirada infinita, desnuda en su memoria y portentosa en su lección de vida. En cierta manera, ese 1972, tatuado en su fondo, un milagro y una tragedia, que mezcladas siempre mantendrán la épica de unos humanos que lucharon con el azar de la naturaleza para seguir entre nosotros…para, como añade Eduardo, “después del purgatorio de los Andes, ser mejor persona».

  • Lorena Infantes «La primera mujer española en un banquillo de la NBA»

    Lorena Infantes «La primera mujer española en un banquillo de la NBA»

    Un pase mal dado, los nervios atenazan, y el balón se pasea por el aro, haciendo el ademán de entrar, una especie de corbata colombiana y la canasta huérfana de títulos. Un instante, una mala decisión, un grito que despista a la jugadora que tenía que bloquear, un llanto de un bebé que atrajo el silbato del árbitro, no pitó falta, el crío ahora duerme entre los llantos del equipo perdedor. La malla más larga de lo normal, los cordones abrochados de manera diferente, el salto inicial que no se gana, la sensación de que vas a perder, el miedo o simplemente ver el marcador al revés, eres un local con ínfulas de visitante. Todo cambia en un segundo, un golpe de suerte a lo Macht Point, esa peli en la que podíamos oír que aquel que dijo que más vale tener suerte que talento conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte; asusta pensar cuántas cosas escapan a nuestro control.

    La suerte ayuda, pero tenemos que estar en el partido para, al menos y de manera agonizante, tenerla y olvidar todo lo escrito anteriormente. Lorena Infantes es extremeña, más concretamente de Badajoz. La suerte aquí no existe, hay que ser pesado para toparse con ella. Lorena supo dónde encontrarla, donde lucharla. Un día, un partido, un playoff de ascenso y zas, nuestra inteligente jugadora se hace visible, más visible que antes para, sin que ella lo supiera, llegar a estar en la NBA como entrenadora.

    Rebobinamos. Antes de eso hay que hacer el guion del film de la extremeña. Para llegar a cruzar el charco hay que creer en lo que haces, en el baloncesto, en sentir cada bote, en reconocer los crujidos del parqué a cada finta, paso y rebote, hay que asistir con dulzura muchas veces, con cariño y pasión, y rezar para que la compañera sume los puntos. El resto viene sólo, el casting viene después. Tener la suerte de caer en el equipo de tu ciudad, luchar por un ascenso y hacerte grande entre gigantes. El destino estaba para Lorena en esos colegios que apuestan por el deporte, en esas islas donde se practica el baloncesto femenino, en esos remotos sueños de juego en equipo que tanto emociona. De todo lo anterior, una chica, Lorena Infantes, inteligencia, diversión y emoción.

    Badajoz, Italia, Francia, Turquia, Chile, selección chilena sub.16 y la paralímpica y una llamada de Brook Meeks, vicepresidente de la NBA…La academia de la NBA en México y los San Antonio Spurs como entrenadora.

    Esta es una historia sencilla, pero no es fácil contarla. Como en una fábula, hay dolor y, como una fábula, está llena de maravillas y de felicidad. La vida en bella de Roberto Benigni

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    Lorena, estamos en esta maldita pandemia, en pleno confinamiento social, económico y moral…¿Cómo lo llevas? ¿Dónde estás? ¿Cuál es el horizonte de trabajo tras esta crisis mundial? …Tienes 24 segundos por pregunta, cuatro cuartos para contestar y tres tiempos muertos para disfrutar

    La pandemia me pilló en Milán, estaba con Ettore Messina desde hacía dos semanas, y viaje a México a finales de febrero que es mi centro de operaciones, mi lugar de trabajo donde está la Academia de la NBA. Tuve que estar en cuarentena durante dos semanas, y tras ello decidieron mandar a todos los jugadores y al equipo técnico para casa. Ahora estoy en Chile, mi residencia habitual. Este momento tan duro para todos la llevo bien de momento, porque en el lugar donde vivo no ha habido confinamiento como en España, no era obligatoria y bajo algunas normas se podía salir a comprar, a hacer deporte, y seguimos trabajando con los chicos, haciendo seguimientos con entrenamientos online y de esa manera pasa el tiempo mucho mejor. Cuando pase todo esto, nosotros tenemos programado entrenar en agosto-septiembre si todo va bien y volvería a tierra mejicana para trabajar con los chicos en la Academia de la NBA.

    Hace poco en otra entrevista se hacía referencia a la importancia de jugar sin balón, de la defensa, de escuchar para aprender…Kucharski…hace muchos años que decía: En España los jugadores creen que jugar al baloncesto es cuando tienen el balón o sea cuando el contrario tiene el balón están como aburridos, están como diciendo: métela si quieres pero dame el balón, el día que se convenzan de que defender también es jugar al baloncesto…¿Es importante tener ese concepto en el basket y el la vida para seguir creciendo?

    Es imprescindible en un juego colectivo como es el baloncesto, solamente hay un balón y cinco jugadores por cada equipo en una cancha de baloncesto. Es necesario tener jugadores que tengan la capacidad de saber jugar sin el balón si se quiere conseguir algo. Igual que en el aspecto de la vida que hay gente que puede ser más protagonista y ser la voz cantante y estamos hablando de esa persona que lleva el balón peor alrededor hay otro tipo de personas que son igualmente necesarias, y que aunque no tengan los focos de atención, son tan vitales como las estrellas.

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    Ha cambiado mucho el baloncesto desde entonces…o quizá no tanto…pero ¿Qué ha cambiado en el baloncesto femenino respecto al masculino?…o ¿quizá ni ha cambiado?

    No ha cambiado tanto el baloncesto entre los dos sexos, creo que en el baloncesto femenino, por un tema de condición física, la jugadora desarrolla un aspecto más técnico, busca más la inteligencia que se puede desplegar en el juego. Otro aspecto que sí puede diferenciar al masculino del femenino es la disciplinada que tiene una mujer, necesita tener esas características para poder llegar más lejos sin contar con el físico como arma primordial.

     

    Los sueldos de las jugadoras WNBA, (teniendo algunas que venir a Europa para tener más ingresos)…¿Qué importancia ha tenido los últimos logros conseguidos por las jugadoras para, al menos, no sentirse tan alejadas de los aberrantes sueldos de la NBA? …subida de sueldos mínimos, prestación por baja de maternidad…

    Últimamente al tema de la presencia de la mujer se está dando una mayor relevancia, no tan sólo con el baloncesto, en el ámbito deportivo, creo que en todas las facetas de las vida, en todas las profesiones. Esa dimensión de la mujer en el mundo ha hecho que las jugadoras puedan reivindicar y conseguir mejoras, como los aumentos de los salarios en el baloncesto, en la WNBA. Han luchado muy bien para conseguirlo, se lo merecen, debe existir desde hace tiempo ya una igualdad de género si las condiciones o las capacidades de un hombre o una mujer son las mismas.

     

     

     Debe existir desde hace tiempo ya una igualdad de género si las condiciones o las capacidades de un hombre o una mujer son las mismas

     

    Háblame de tu paso por Badajoz…de tus incursiones en el baloncesto europeo…

    Mi currículo es bastante amplio, he jugado en muchas partes, en España, en Badajoz, mi ciudad, donde pasé unos de los momentos más especiales que me ha dado el baloncesto, pudiendo conseguir el ascenso y jugar en la máxima categoría femenina de España. Eso es impagable. En Italia, un país que me encanta y donde prima la defensa como el fútbol, en Francia, donde el baloncesto es muy físico por la cantidad de jugadoras africanas que tiene o en Turquía donde el nivel de las jugadoras extranjeras es muy alto.

     

    ¿Por qué decides dar ese salto a la NBA? O esa decisión ni se plantea…

    Me gusta aprender y en la vida se van presentando desafíos difíciles de no aceptar, y el poder estar en la NBA G League, en una franquicia como los San Antonio Spurs con tanta tradición, con anillos en su historial, con un ambiente súperfamiliar en comparación con otros equipos, no tuve ninguna duda de dar ese salto.

    ¿Ayudó la presencia de Becky Hammon para que entraras en el roster?

    Sí claro que ayuda, es una franquicia que apoya la mujer, apoya y actúa por la igualdad y en ese sentido la apuesta por mujeres es clave. Becky es encantadora, muy humilde y cercana que me ayudó mucho.

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    La NBA, San Antonio, México, Chile, hermosos destinos pero…¿Nos echas un poquito de menos?…

    …Echo de menos todo de mi tierra. La gente, la comida, el clima, es difícil salir de tu tierra, de tu país, de tu familia y amigos de golpe, pero si uno quiere seguir avanzando en la vida hay hay que tomar estas decisiones. Badajoz no te brinda muchas facilidades en el ámbito deportivo, y sobre todo en el basket, que casi actualmente es nulo. Aunque extrañe mi tierra no me arrepiento en absoluto, estoy muy contenta de estar donde estoy.

     

    Lorena ¿Dime qué función desempeñas actualmente en la NBA Academy? ¿A qué te enfrentas cada día?

    Soy entrenadora y desarrollo el nivel y las habilidades de los chicos diariamente.

     Una franquicia como los San Antonio Spurs con tanta tradición, con anillos en su historial, con un ambiente súperfamiliar en comparación con otros equipos, no tuve ninguna duda de dar ese salto

    Sigue tu pasión por el baloncesto, llegamos a leer que dejaste de jugar porque te sentías aburrida, enseñando a conocer aquellas cosas que no se suelen aprender de manera innata?

    Siempre he tenido una pasión por el basket pero ahora desde la otra parte de la cancha, la verdad es que llegó un punto donde mi carrera profesional, cuando jugaba, que ya no me hacía la misma ilusión, y decidí dar un paso al costado, y encontré esta manera de estar vinculada al deporte, desde la enseñanza, el aprendizaje del baloncesto. Se me ha hecho bonito y fácil, desde mi experiencia, mi desarrollo innato y mis ganas por enseñar.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. NBA Academy 

  • Tita Iacobelli y su Chaika  «El milagro de animar marionetas»

    Tita Iacobelli y su Chaika «El milagro de animar marionetas»

    Un milagro, puro milagro. Así nos saludaba el director del Teatro López de Ayala, Miguel Murillo, en los minutos previos de la primera obra del Festival Internacional de Teatro de Badajoz. En breve se subía el telón a un sinfín de dudas Covid y a una amalgama de sensaciones volátiles. Toma de temperatura, espectadores pares e impares y desbroce de butacas con el cincho puesto, en cierta manera, un vacío homenaje a los que ya nunca podrán ir a disfrutar de una obra en el teatro. Nos quedamos con el milagro, con los nervios de sentir teatro durante muchos días. La cultura, milagrosamente alimenta, el alma de unos cuantos forajidos sedientos de arte escénico, y las obras siguen su curso, dando de comer a los desarrapados hambrientos que viven, vivimos, en las chabolas de la cultura, un milagro, al estilo De Sica, un puro milagro a la extremeña, como acertadamente nos decía Murillo.

     

    El festival no conoce de fronteras, es internacional, los vínculos entre las compañías, dramaturgos, actores y autores es constante y vital. El riesgo de presentar una propuesta de marionetas de origen chileno, ruso y belga en Extremadura no es tal. Es un apéndice obligado para seguir creciendo como teatro. En ello estamos. Y con ellos, ella, hablamos. Tita Iacobelli es todo lo anterior. Chaika lo posterior.

    La actriz y directora chilena Tita lacobelli y la marionetista Natacha Belova se conocieron en el año 2012, en Santiago de Chile, en el marco del Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, crearon un laboratorio para investigar en torno al teatro de marionetas contemporáneas en la misma ciudad. Al final de esta experiencia de dos meses, deciden crear un espectáculo juntas. Chaika es el primer espectáculo de la compañía. El proceso de creación duró tres años y cuatro residencias entre Buenos Aires, Santiago de Chile y Bruselas. En esta ocasión tocando suelo español. Iacobelli, nos espera a los pies del escenario, mientras los focos invaden el decorado y el sonido se pone a punto. La cogemos revisando el texto en una mano y con los cabellos oscuros de Salvador, su hijo, en la otra. Dulcemente y con marcado acento chileno, nos saluda, buscamos un espacio abierto y limpio para charlar de todo, menos de teatro por un largo rato. Chejov y su gaviota mediante.

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    ¿Acabas de impartir los talleres que se realizan paralelamente al festival? ¿Cómo ha sido la experiencia?  

    Ha sido muy buena. Había profesionales y amantes del teatro y de las marionetas y siempre esa mezcla es muy interesante porque en estos talleres uno aprende mucho, de los compañeros siempre se saca algo nuevo. Lo que intenté transmitir en el taller fue pasar y compartir los principios básicos de la animación de marionetas, técnicas simples para poder animar un objeto y que los participantes pudieran ver a través de los ejercicios que hacían sus compañeros, lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros. Realmente es como un doble de uno mismo…

    …ya lo hacían en los Pupi sicicilanos o los Bunraku japoneses, dos en uno, hasta que pierdes la noción de la existencia del animador…

    Cierto, son dos personajes, ambos forman del papel, a diferencia de la marioneta de dedo o títeres, es que nos permite hablar de la dualidad, nos hace enfrentarnos ambos a la obra, una especie de espejo que provoca preguntas al espectador. Este tipo de marioneta tiene la capacidad de vincular al espectador con lo que le está pasando, en cierta medida está interpretando a ese personaje, al carecer la marioneta de organicidad y ver reflejados en ellas todo lo que le sucede a diferencia de un actor.          

     

    ¿Cómo se trabaja con un elemento como la marioneta en el escenario? ¿Cómo se traspasa a la actuación el elemento que hay que animar y como se trabaja la doble presencia, tanto de la marioneta como de la actriz en este caso?

    La marioneta, en este caso Chaika, es el personaje principal, entonces yo estoy en un segundo plano, a veces intervengo con ella y tenemos diálogos que me permite manejar los dos planos de la actuación.

     

    Lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros

     

    ¿Cómo llegas al teatro de las marionetas?  ¿En qué momento traspasas esa barrera de la actuación clásica?

    Fue un poco casual mi llegada a este mundo. Tengo la formación de actriz clásica y mi recorrido no estaba relacionado con las marionetas pero tras la separación de una compañía chilena muy famosa, La tropa, una parte de la compañía liderada por Jaime Lorca empezó a gestar una nueva formación que se dedicó al teatro de objetos y marionetas. Y tras entrar directamente en su primera obra, Gulliver, y manipular las marionetas y controlar las voces, sentí una especie de amor a primera vista. Esta fuerte intuición me llevó a proyectar los que yo quería decir a través de la marioneta y quedarme en un segundo plano. Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa.

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    ¿Por qué Chaika, por qué la gaviota de Chejov?

    Chaika es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar ella sola en la gaviota de Chejov como función de despedida de su carrera. Natacha Belova, la otra parte de la compañía, es rusa, su padre era actor y director de un teatro en Rusia, la dramaturgia y Chejov lo llevan en la sangre. Necesitábamos esta obra. No sabíamos como montarla, sólo teníamos la certeza de que yo iba a representarla con marionetas. Y tras analizar la obra, el tema de la dualidad es muy fuerte, la actriz joven y la actriz vieja, el éxito y el fracaso, y al hablar de teatro, la ficción y la realidad. Es una obra de teatro y de mujeres en el teatro, de la angustia y el placer de hacer teatro, entonces nos identificaba mucho y al tener ese complemento dual, decidimos crear una marioneta de mí pero anciana. Natacha tomó mi rostro, la creadora de la marioneta, y nació Chaika como protagonista total de la obra.

     

    Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa

     

    ¿Cómo es el público en los países sudamericanos respecto al espectador belga, francés y del norte de Europa?

    Como Chaika nació en Chile, y este personaje de la anciana, aun estando en todas las culturas, la mujer vieja, la abuela, la madre, la matriarca, está en la sociedad sudamericana muy arraigada, muy presente. Chaika está chilenizada y el público engancha muy bien, porque conocen a este personaje muy bien. Se identifican muy rápido con la protagonista, hasta ríen con las desgracias que le pasan. En Bélgica la respuesta es más formal, más contenido. Contemplan más, observan sin interrumpir y guardándose en cierta medida hasta las emociones.

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    ¿Cómo está pasando la factura del Covid a tu profesión, al teatro?   

    Nosotros decidimos venir a Bélgica para establecernos, en Chile la pandemia llegó más tarde y ahora está todo cerrado, empieza a moverse algo con alguna sala de teatro, pero no hay actividad. En algunos festivales los grupos grandes han tenido que suspender por casos de contagio y están disminuyendo el número de actores para evitar los positivos. Nosotros tenemos poco atrezzo y nos permite movernos de un sitio a otro con un par de maletas, es un teatro que no requiere tanto equipo y eso ayuda para seguir trabajando en nuestra profesión. Acá somos poquitos.

     

    Willy López | Fotografía. Chaika  / Compañía Bellova-Altobelli

  • Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek es beep boop. Puro tac- pum- zas. Pura escena. Un mimo haciendo clown, un payaso retozando mimos, un viejo ordenador de acceso telefónico con un ruido quejumbroso entre sus huesos. Richard Saudek es Crowed Outlet, un grupo de profesionales dispuestos a dar por saco con elegancia. Una cara cetrina, adquirida por la luz de un aparato digital, unos ojos adictos, perdidos, robados a la pantalla. Saudek encorva el alma y doma cuello, hombros, pecho, dedos, culo, rodillas y pies hasta vomitar a su personaje. Un poco de cine mudo, algo de la Comedia del Arte italiana y una pizca de los clowns de medio mundo. Estamos en las horas previas de la función, de un día cualquiera de un festival de teatro de Extremadura, estamos en un otoño de Badajoz.

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    Sobre el escenario, no sabemos si el técnico de sonido es el productor, si el director es el clown, si la encargada de los efectos es la técnica de luces, si el mimo es el acomodador y si el fotógrafo el taquillero que vende entradas y un puñado de buenas fotos.

    Sólo hay dos elementos en medio de la escena, un mostrador blanco y alguien que medita tumbado sobre ella. Es Beep boop. Richard Saudek viene de lejos, a un océano de distancia y un Trump de presidente por medio complican su existencia artística a cambio de público europeo, sin dólares con los que pagar los tickets y sin muros con que disfrutar su espléndida obra.

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    Afable y educado Saudek nos atiende desde la timidez de su verdadero personaje. 60 minutos donde se explora la obsesión de la sociedad por la vida online a través de nuestros teléfonos inteligentes y otros dispositivos digitales, siempre cercanos. Interpretado a un ritmo vertiginoso con efectos de sonido, música original y multimedia, trata de la soledad aplastante de la modernidad y sus divertidas consecuencias.

    Pulsamos el símbolo de grabar de nuestro teléfono móvil.

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    ¿Richard cómo nos podrías definir “Beep boop”?

    El espectáculo es un recorrido por nuestra obsesión con la tecnología y los dispositivos digitales que nos rodean.

     

    Clown, mimo, teatro visual en el siglo XXI…

    …Me interesa hablar de la modernidad a través de una expresión artística muy antigua como es el mimo. Los elementos que tú puedes ver están dentro del clown, seguramente los hayas visto en otros espectáculos, se tratan de trucos que todos conocemos, elementos antiguos que contrastan con el rabioso y salvaje presente.

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    ¿Cuál es tu trabajo previo para poder ponerte delante del público durante una hora y contarnos una historia que nos atrape?

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador. Es u na obra donde el público forma parte de la obra desde que pasa la puerta del teatro hasta que termina la función. Para ello hay que trabajar duro, con elementos básicos y minimalistas, mostrar lo cotidiano pero desde otra óptica más poética, más corporal, más teatral.

    Hablas de elementos tan cotidianos  como este móvil con el grabamos la entrevista o el ordenador que te pone efectos sonoros durante la obra…

    …Es interesante como nos mantenemos conectado obsesivamente a través de los teléfonos móviles, a las redes sociales, a las tablets, pero en realidad estamos solos con nosotros mismos. También se expresa el aspecto positivo de la digitalización social, porque criticar es fácil.

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    La aparente sencillez de Beep boop tiene un largo recorrido de producción hasta refinar esta obra. ¿Cómo se ha trabajado esa puesta en escena?

    Cerca de dos años de preparación para llegar a la obra que proyectamos ahora. Al principio tenía todo el equipo de sonido en directo, con los efectos de sonido in situ y a través del proceso de creación nos dimos cuenta que necesitamos establecer una relación entre el intérprete y lo que el público oye. Hay un sentido de juego que es muy clown. Y aquí es donde entra en juego la otra persona que está en escena, que es la que controla y despliega todos los efectos de sonido y que interactúa con él.

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador

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    Sabemos que el teatro es universal pero suponemos que la acogida de una obra como Beep boop tiene diferente acogida entre el público de diferentes países…

    …A medida que pasa el tiempo creo que se está haciendo más similar, durante mucho tiempo hubo grandes diferencias peor cada vez estamos más expuestos al teatro que se hace en Europa y viceversa. Robando vuestras buenas ideas estamos haciendo una masa de espectadores muy preparado.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz,  se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

    Durante  13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

    En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

    Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

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                                                                                                                                                                                                                                                     Foto. Russ Rowland

    Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

    La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

    De las compañías extremeñas destaca  la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

    La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

    La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua  sobre la tragedia de la inmigración.

    Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h.  Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

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    En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

    Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

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    La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

    El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

    Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

    Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

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    Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
    Compañía: El Vodevil (Madrid)

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    Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
    Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

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    Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
    Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

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    Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
    Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

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    Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
    Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

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    Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
    Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

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    Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
    Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

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    Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
    infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
    Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

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    Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
    Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

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    Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
    Compañía: GL Producciones (Andalucía)

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    Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
    Compañía: Tryo Teatro (Chile)

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    Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
    Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

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    Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
    Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

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    Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
    Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

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    Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
    Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

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    Precios de entradas y abonos. Entrada general

    Butaca de patio: 15 €  Anfiteatro: 12 €

    Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

    Butaca de patio: 9 €   Anfiteatro: 6 €

    Abono para 13 funciones

    70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

    Funciones fuera de abono

    Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
    Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
    Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

    Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
    Teatro de calle
    Paseo de San Francisco
    Gratuito

    Foto portada. Pkp

  • Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

    Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

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    Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

    Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

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    Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

    Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

    Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

    En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez  con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

    Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

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    Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

    Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

    Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

    …Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones  de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

    Que elija el público entonces…tú conoces  perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

    Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

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    Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

    La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

    42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

    Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

    Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

    Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

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    Dinos una obra que hay que releer cada año

    Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

    El teatro es para ti…

    …Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp