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Sanguijuelas del Guadiana «La banda extremeña que llena salas y vacía prejuicios»

A las siete de la tarde la sala OFF Cultura, en Badajoz, parece vivir un pequeño milagro. No son horas de concierto ni de bullicio, y sin embargo ya hay gente haciendo cola en la puerta. Grupos de amigos que han venido expresamente de pueblos cercanos, chavales con camisetas recién serigrafiadas, parejas que llevan toda la semana comentando el doble concierto.

Sanguijuelas del Guadiana juegan en casa. De Casas de Don Pedro, con muy poquitos habitantes, de esos que los titulares catastróficos mencionan como la España vaciada. Pero ya están ellos con la faena, de momento, de comenzar a llenarla de música potente. Carlos Canelada, Juan Grande y Víctor Arroba son Sanguijuelas del Guadiana. Tres chicos que están de vuelta, no se crean ya llevan recorrido. Ida y vuelta. Está bien irse para darse cuenta que se puede intentar crecer en la tierra donde uno nació. Aunque sea duro. Aunque la pizca de suerte no aparezca. Aunque el talento sea innegable y el esfuerzo innegociable. Por aquí andan horas previas a su segundo concierto en Badajoz, con la sonrisa de par en par, aunque el cansancio vaya por dentro. Por aquí andan, probando micros, audios, luces, bocadillos, tortilla de chorizo, refrigerios, firmando camisetas, saludando a amigos y amigas, dando abrazos, besos, chocando manos, atusando cabellos y oreando la revolá de sus vidas en salas y estadios.

Nos abre la puerta de la sala Juan, como si fuera su casa. Bonito hogar le decimos, ríe, pasad, como si fuera vuestra, nos responde. Casualidades que escapan del sortilegio generado por Sanguijuelas. Cristina, parte indispensable del engranaje de la banda desde la comunicación, pide disculpas mientras coloca carteles que ya no necesita colocar porque todos saben que está to vendío. Pedro Atanasio y el resto del equipo técnico prueba cables, micros, sonido, obsesionado con que no haya un solo fallo, aunque lleven más de noventa conciertos en un año. Desde el fondo, Jorge González, observa la escena con la paciencia de quien ya ha vivido giras imposibles y sabe que la calma es, en sí misma, una herramienta de trabajo. Del sálvase quien pueda al karma de un gran figurante.

Son ellos, los propios músicos, los que nos ofrecen una cerveza, un pincho de tortilla, un asiento y un rato para charlar. Desde ese momento percibimos que estos chicos de poco más de 25 años son diferentes. Humildes, honestos, cercanos y talentosos. Aquí arranca la base musical, las referencias: la rumba de Los Chichos y los Estopa, el recuerdo extremeño de Los Chunguitos, el Vengo de mi Extremadura del Porrina de Badajoz, los buitres negros de Extremoduro, el rock nacional de toda la vida, la música electrónica de alguna rave… y mezclan todo eso, de forma “auténtica”, en una propuesta que denominan la madera con lo electrónico y el autotune con el rock and roll.

“Lo primero es ser agradecidos. Esto que nos pasa… no es normal”

Cuando se sientan a hablar lo hacen sin pose, sin prisa. “Intentamos ser conscientes de que lo que nos está pasando no es lo normal”, dice Carlos. “Lo primero es agradecerlo. Lo segundo, no perder la cabeza”. Ellos lo llaman ida y vuelta.

—Juan: “Estuvimos una temporada en Madrid. Moverse, tocar, ver cosas, crecer. Pero siempre quisimos volver aquí. Al final te das cuenta de que desde la tierra también se puede construir”.
—Víctor: “Y que además hace falta. Porque si no hay bandas que apuesten por quedarse, todo se muere”.

Un directo que es un estallido: bestial, potente y sin frenos

El concierto que ofrecieron esa noche —y el del día anterior— es de los que se quedan clavados en la memoria colectiva. Lo dicen quienes van por primera vez y quienes repiten. Lo dicen los chavales y lo dicen los veteranos que han visto pasar décadas de música extremeña.

Apenas llevan unos meses sonando en el mapa nacional y, sin embargo, ocurre algo difícil de explicar: todo el público corea los temas como si pertenecieran a la vida de todos desde hace años. Hay una comunión casi instantánea. Canto, salto, manos arriba, gente de todas las edades —niños, veinteañeros, familias enteras, jubilados— compartiendo un rato que es más que un concierto: es desconexión, un paréntesis luminoso en medio de lo que pasa en el mundo.

Y es que el directo de Sanguijuelas del Guadiana es una máquina perfectamente engrasada: Sonido trabajado al milímetro, una banda sólida, que no pierde ni el ritmo ni la complicidad, luces que acompañan y estallan en los momentos precisos, voces que rasgan y acarician según lo que toca, un ambiente de verbena moderna, donde tradición y actualidad conviven.

La gente sale diciendo lo mismo: “No han parado ni un segundo. Han tocado a toda mecha.” Y es verdad. El concierto es un sprint emocional, un viaje sin descansos donde cada canción empuja a la que viene. No hay bajones. No hay silencios largos. No hay pausas innecesarias. Es ritmo. Es energía. Es raíz con pedal de aceleración.

La escena extremeña: talento hay, salas no tantas.

La conversación deriva hacia la música en Extremadura. No tardan en señalar un problema que viven y ven: las salas. Mejor dicho: la falta de ellas. Ya lo recordaba Robe Iniesta hace años al recoger la medalla de Extremadura.

—Carlos: “En otros sitios la gente va a una sala aunque no sepa quién toca. Van a descubrir. Aquí eso no pasa tanto”.
—Juan: “Y eso hace que muchos grupos se disuelvan. Empiezan, pero no tienen dónde tocar. Y si no tocas, no creces. Es imposible”.

Lo dicen con pena, pero también con determinación. Por eso para ellos tocar en sala es casi un acto de rebeldía. No quieren caer en la lógica del concierto de pueblo donde la gente pasa, escucha dos canciones y sigue. Ellos quieren que el público vaya a verlos porque quiere, porque lo ha elegido, porque ha comprado una entrada para ello.

—Víctor: “Para nosotros que alguien pague un ticket para venir a una sala a vernos… eso es la hostia. Eso es de verdad”.

Un estilo que no deberían mezclar… pero han mezclado…y muy bien.

Cuando hablamos de música, el trío se ilumina. Es como si de pronto todo encajara: de dónde vienen, hacia dónde van y por qué su propuesta funciona como funciona.

—Víctor: “Alguien que quiera mezclar estilos que no ha mamado lo tiene complicado. Pero en nuestro caso sale solo. Es lo que hemos escuchado desde chicos”.
—Carlos: “Queríamos hacer un disco y salió esto. Sin plan. Sin cálculo”.

Cuando sale el tema de los referentes, todos sonríen. Sí, hablan de Los Chichos, de Los Chunguitos, de Extremoduro, del Porrina… pero hay un nombre que provoca un brillo especial: Los Cabales. El grupo de verbena de toda la vida. El que marcó a generaciones en fiestas de pueblo, carpas, plazas y ferias. El que forma parte de la memoria sentimental del terruño.

—Juan: “Los Cabales son parte de nuestra banda sonora. Son verbena de verdad. Y eso está dentro de nosotros”.

Esa herencia se nota, las melodías pegadizas, la alegría, el toque popular, el ritmo que invita a bailar sin pensarlo. Los Sanguijuelas lo dirigen hacia un territorio nuevo, lo digitalizan, lo llevan a la electrónica sin perder el corazón. Es la actualización de un sonido festivo, comunitario, rural… pero sin nostalgia: con futuro.

Una pregunta inesperada de Estopa

Antes de verlos le pedimos a José Muñoz, de Estopa, que nos mande una pregunta a los Sanguijuelas, y accede encantado y cuando les ponemos el audio se echan a reír…

“Nosotros no podemos hacernos esta pregunta porque somos dos. Pero en un trío es clásica: ¿quién de los tres es el del medio de los Sanguijuelas?”

…Se ríen los tres. “Esa sí que no nos la habían hecho”, comenta Juan. Y, aunque no responden, la broma se queda flotando en el camerino. Antes de lanzar la pregunta, José les recuerda que sus padres desde su casa, ven de noche las luces de la Siberia, los destellos de los pequeños pueblos que conforman esa zona de Extremadura. En cierto modo, les bendice por volver a su tierra, y desde ella, hacer música.

Un proyecto serio que nació del desahogo

Los Sanguijuelas tocan juntos desde los once o doce años. Era un hobby que empezaba, terminaba, resucitaba y volvía a desaparecer. Hasta que en 2023 decidieron dar un paso al frente.

—Juan: “Habíamos hecho cosas, pero nunca en serio. En 2023 dijimos: vamos a hacerlo bien”.
—Carlos: “Grabamos el disco un año antes de sacarlo y nos fuimos a tocar sin que hubiese salido. Eso nos dio vida”.
—Víctor: “Y nos dejó claro que sí, que esto podía funcionar”.

El momento del salto

A veces parece que el éxito es una cosa grande, repentina y escandalosa. Pero para ellos ha sido más un zumbido que un estallido, algo que empezó bajito y ha ido creciendo poco a poco.

—Carlos: “Sentimos que estamos dando un salto, sí. Pero no lo vivimos con presión. Lo vivimos con ilusión”.
—Víctor: “Y con la sensación de que aún nos queda muchísimo por hacer”.
—Juan: “Este es solo el primer disco. Hemos empezado ahora”.

La sala se llena…y se entiende todo

Cuando acaba la entrevista, las puertas se abren. La cola de fuera parece una procesión pagana. Jóvenes, mayores, familias enteras. Entran sin prisa pero sin pausa, buscando el mejor sitio. Los Sanguijuelas suben al escenario con esa mezcla de respeto y fuego. Suena la primera base: un bombo electrónico, una guitarra que recuerda al sur y una voz que parece venir directamente de una verbena de verano en mitad de la Siberia extremeña.

Y entonces todo cobra sentido. La ida. La vuelta. El pueblo. Madrid. Lo rural. Lo electrónico. La tradición. La verbena. Extremadura arde. Sanguijuelas del Guadiana también. Y esto, claramente, no ha hecho más que empezar.

Ángel Luis López / Fotografía: Félix Méndez

19 de agosto de 2026
La Oreja de Van Gogh y el arte de emocionar a varias generaciones

La Oreja de Van Gogh reúne a varias generaciones en una noche de recuerdos, emoción y canciones eternas

Hay conciertos que llenan un recinto. Y hay otros que consiguen algo mucho más difícil: llenar la memoria de quienes asisten. La actuación de La Oreja de Van Gogh en Badajoz fue una de esas noches especiales que permanecen durante mucho tiempo en el recuerdo colectivo de una ciudad. Las altas temperaturas que han acompañado los últimos días de junio en Extremadura no fueron obstáculo para que miles de personas acudieran al Auditorio del Recinto Ferial. Desde primeras horas de la tarde, el ambiente dejaba entrever que no se trataba de un concierto más dentro de la programación musical de la Feria de San Juan. Había expectación, emoción y una sensación compartida de reencuentro.

Porque las canciones de La Oreja de Van Gogh forman parte de la biografía sentimental de varias generaciones. Han acompañado primeros amores, despedidas, viajes, amistades y momentos cotidianos que, con el paso de los años, terminan convirtiéndose en recuerdos imborrables. Y precisamente eso fue lo que ocurrió durante una velada elegante, emotiva y profundamente compartida. Poco antes de comenzar el espectáculo, el recinto ofrecía una imagen tan diversa como significativa. Padres e hijos, parejas, grupos de amigos y seguidores de distintas edades esperaban el inicio de una actuación que prometía un viaje directo a la memoria. Muchos habían crecido con aquellas canciones; otros las habían heredado de hermanos mayores o de sus propios padres. Pero todos parecían conocer cada palabra. Y cuando sonaron los primeros acordes, la conexión fue inmediata.

Un inmenso coro bajo el cielo de junio

Desde el primer momento quedó claro que las canciones ya no pertenecían únicamente a la banda. Eran del público. Miles de voces acompañaron prácticamente cada tema, convirtiendo el recinto ferial en un enorme coro donde desaparecieron las diferencias de edad y de procedencia. Temas como 20 de enero, con el arranco el concierto, La Playa, Vestido Azul, Deseo de cosas imposibles, Puedes contar conmigo, Mariposa o la inevitable Rosas fueron recibidos como viejos amigos que regresan después de mucho tiempo. No eran simples canciones dentro de un repertorio. Eran pequeñas cápsulas de memoria capaces de transportar a cada espectador a un momento concreto de su vida. La magia de la noche residió precisamente en eso. Mientras algunos recordaban los años de instituto, otros revivían viajes, veranos o historias personales asociadas a aquellas melodías. Y los más jóvenes descubrían por qué esas composiciones siguen emocionando décadas después de haber sido escritas.

Una banda sonora para varias generaciones

Pocas formaciones del panorama musical español pueden presumir de haber construido un repertorio tan transversal. La Oreja de Van Gogh ha conseguido algo excepcional: permanecer en el tiempo sin perder vigencia emocional. Durante toda la actuación se hizo evidente que las canciones han superado la condición de éxitos musicales para convertirse en parte del patrimonio sentimental de miles de personas. No hubo apenas momentos de silencio. Cada estribillo encontraba una respuesta inmediata en el público, que parecía dispuesto a cantar hasta la última palabra. La producción visual, elegante y cuidada, acompañó perfectamente al espectáculo, aunque el verdadero protagonismo recayó en las composiciones. Porque la fuerza del concierto no estuvo tanto en los efectos o en la escenografía como en la capacidad de esas canciones para seguir emocionando a quienes las escuchan.

El regreso de una voz que forma parte de la historia

Si había un elemento que añadía un componente especial a esta gira era la presencia de Amaia Montero. Su regreso al grupo ha sido una de las noticias musicales más celebradas de los últimos años por los seguidores de la banda, y en Badajoz volvió a quedar patente el motivo. Más allá de la inevitable nostalgia, la cantante apareció sobre el escenario con la naturalidad de quien regresa a un lugar que nunca dejó de pertenecerle. Su voz volvió a encontrarse con canciones que forman parte de la memoria sentimental de varias generaciones y el público respondió con una complicidad inmediata.

Cada una de sus intervenciones fue recibida con calidez por un auditorio que parecía consciente de estar asistiendo a un momento especialmente significativo dentro de la trayectoria de la formación donostiarra. No era únicamente el regreso de una cantante a una banda. Era el reencuentro de miles de personas con una voz que acompañó algunos de los momentos más importantes de sus vidas. La vuelta de Amaia Montero no fue el único motivo del éxito del concierto, pero sí uno de los ingredientes que otorgaron a la cita un carácter especialmente emotivo. Como si una pieza importante del puzle hubiera regresado a su lugar para completar una fotografía que varias generaciones guardaban desde hace años.

Más que un concierto

La actuación se convirtió en uno de los grandes acontecimientos musicales de la Feria de San Juan 2026, pero también en algo más profundo que una simple cita festiva. Durante casi dos horas, Badajoz compartió una experiencia colectiva construida sobre recuerdos, emociones y melodías que han acompañado a varias generaciones. Resultaba emocionante observar cómo una misma canción era cantada por quienes la descubrieron hace más de veinte años y por jóvenes que apenas habían nacido cuando comenzó la trayectoria de la banda. Esa mezcla de edades, historias y vivencias terminó convirtiendo el concierto en una celebración intergeneracional difícil de repetir. Cuando llegaron los últimos temas, nadie parecía tener demasiada prisa por abandonar el recinto. Los aplausos se prolongaban, las voces seguían entonando fragmentos de las canciones y la sensación general era la de haber participado en algo más que un espectáculo musical. Quizá porque algunas canciones tienen la capacidad de detener el tiempo. Y durante unas horas, mientras el calor de junio cedía protagonismo a la música y a la emoción, miles de personas volvieron a encontrarse con una parte de sí mismas. La Oreja de Van Gogh puso las canciones. Badajoz hizo el resto.

OverDose

22 de enero de 2026
Alba Molina «Lole y Manuel desde las entrañas de su hija»

Sillas colocadas milimétricamente para dar cobijo a un centenar de culos aflamencados. Un tipo que se flagela por no haber comprado antes la entrada. No hay billetes, aforo completo, no hay papel en el Centro de Ocio Contemporáneo. Un cuento para mi niño en la prueba de sonido y un colacao para endulzar las cuerdas vocales. Joselito rasga la guitarra, una careta para homenajear a Manuel, el disfraz entero son palabras mayores. Alba descansa, se deja llevar por el silencio del camerino, sonríe, mientras se atusa el pelo, recompone el moño-coletero, solamente asoma su alma al alfeizar de nuestra entrevista. Abre una pequeña caja de latón con fotos de su padre y ella en un concierto en la ciudad realizadas por Félix Méndez, las pasa rápido, evita verlas, las acaricia, acaricia a su padre, Manuel, nos susurra que no puede verlas, musita que no quiere llorar con la misma voz gitana de su madre, Lole. Canta por ellos.

Alba canta a tus padres

Yo me había planteado cantar en alguna ocasión el repertorio de Lole y Manuel pero en cuanto lo pensaba rápidamente lo desechaba porque siempre he pensado que me venía grande, y todavía lo pienso, no soy Lole y puedo llegar a serlo, no existe le hada madrina que me diera ese placer, tengo completamente asumido que sólo puedo adaptarme al trabajo de músicos únicos como ellos. Quizá la muerte de mi padre ha sido el detonante que me ha empujado a hacerlo, si él estuviera vivo todavía, aunque suene triste decirlo, no lo hubiera planteado porque simplemente la memoria de los dos estaría presente, viva, que todavía lo está pero en nuestro alma.

¿Qué implica sacar desde el fondo de tu voz los temas que un día parieron tus padres hace cincuenta años?

Es bastante complejo, no se trata de un concierto creado para mí, son canciones de por sí complicadas de expresar. La modulación, la forma de expresión, de interpretar la letra son complicadas de llevarlas a los escenarios, por eso eran únicos, y meterse en ese mundo flamenco tan genuino o hay que estar muy loca o hay que tener muy poca vergüenza. Yo tengo las dos cosas…[Ríe]…justamente esta dificultad me mueve por dentro y es muy difícil para mí, ya no sólo por la envergadura del repertorio de Lole y Manuel, sino también por lo que conlleva ser hija de ello.

¿…y el ser hija de Lole y Manuel ha hecho que miren con más exigencia tu trabajo?

En absoluto, he recibido, estoy recibiendo presión, pero por la acogida tan cariñosa que estoy recibiendo. El público está viendo que mi manera de hacerlo es humildemente. Es una experiencia liberadora, muy verdadera, la verdad te hace libre.

Flamenco Alba Molina, flamenco puro, flamenco de influencias, flamenco de Lole y Manuel…

Flamenco de Lole y Manuel, no sé cuál es pero es el suyo. A mí me gusta todo tipo de música, desde chica he hecho todo tipo de cosas, con la Niñas, Navajita Plateá, y muchos músicos más. No me gustan las etiquetas, no es que no me gusten, sino que nos la entiendo. Me gusta el jazz, la música brasileña, me apasiona la música negra y hasta la clásica.

“La modulación, la forma de expresión, de interpretar la letra son complicadas de llevarlas a los escenarios, por eso eran únicos, y meterse en ese mundo flamenco tan genuino o hay que estar muy loca o hay que tener muy poca vergüenza… Yo tengo las dos cosas”

Es importante destacar que vienes con el repertorio de Lole y Manuel, pero más aún es saber en qué momento te encuentras tú en este momento

Yo tengo 38 años y encima me he dado el permiso de hacer lo que he querido siempre. He pasado por tanto por muchos momentos y he aprendido sobre todo las cosas que no tengo que volver a repetir, porque sencillamente no me gustan después de haberlas hecho. Pero los proyectos que me apasionan y me han dado energía voy a volver a seguir llevándolos a cabo, independientemente de lo que eso pueda acarrear. Ahora mismo estoy en un momento quizá más serena, algo menos efusiva pero con más asentada. Todo el espacio de mi vida profesional y personal lo ocupa esta gira con el repertorio de mis padres. Estas canciones son muy de aura, de compromiso conmigo misma. Ese estado de espiritualidad me aporta dignidad de la herencia que me han dejado, ni propiedades, ni dinero, pero me han dejado todo un legado musical que vale mucho más que todo eso. La sensación es agridulce, por la marcha de mi padre y todavía no puedo mirar ni ver las fotos de mi padre, otras veces me da alegría recordarlo.

Has llenado el local, mucha gente se quedará fuera en este concierto, esta tierra tiene estima por el trabajo que hacéis desde el flamenco.

¡Es genial! Estoy muy ilusionada pero también muy nerviosa, la gente me está dando mucho cariño. Sé que en Extremadura se aprecia este género tan nuestro. Yo traigo a esta tierra estas canciones porque son mías también, es mi cultura del sur, te das cuenta con mi edad que puedes aportar una pizca de flamenco en el panorama actual.

Hablas de que está con el gusanillo, nerviosa, antes de actuar, pero ¿Cómo te preparas este tipo de homenajes tan potentes sentimentalmente hablando?

Vengo concentrada desde la semana pasada, se trata de un ritual para mí, vengo calladita en el coche, buscando ratos para dormir y dejarme llevar por el paisaje del trayecto. Me gusta entrar en el camerino y dejar todas mis cosas preparadas, ir retocándome el pelo, los trajes…este ritual forma parte de un todo, el proceso natural para ponerme delante de un micro. Ese momento es clave, me suele recorrer un sudor frío, un nervio necesario para empezar a romper con el repertorio. El escenario me atrapa y me dejo llevar. Cuando termino es un gustazo, me dan ganas de llorar, es una sensación vacilona que te reconforta como persona y artista….me acuesto bastante feliz…[sonríe].

“El escenario me atrapa y me dejo llevar. Cuando termino es un gustazo, me dan ganas de llorar, es una sensación vacilona que te reconforta como persona y artista….me acuesto bastante feliz”

Alba…¿Existe alguna canción que te haga más tilín que otra?

Depende del día pero cuando canto Nuevo día hay algo que me mueve las entrañas, es la canción más bonita del mundo…[ríe]…y eso tiene su miga.

Cuando miras a la izquierda ya no está Manuel, pero tiene a Joselito Acedo…

…Joselito es el que se merece estar ahí, ha estado toda la vida al lado de Lole y Manuel, ha tocado con ellos en un montón de ocasiones y él se ha inyectado a mi padre de una manera que nadie lo ha hecho. No conozco a nadie que sepa tocar la guitarra como lo hacía mi padre, no hablo de parecido, Manuel es inigualable, pero posee el aire de su toque. Y a mí eso me transporta a su música.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

1 de marzo de 2021
La Orquesta de Extremadura presenta con Gene García nuevo videoclip

«Kiss Me, Tender», versión de la famosa balada de Elvis Presley, ya puede verse en las principales redes sociales de la OEX.

La Orquesta de Extremadura continúa con su serie Grabando con artistas, que inició con Luis Pastor, siguió con Mili Vizcaíno y ahora encuentra en Gene García el socio perfecto para versionar un clásico de Elvis Presley. Love Me, Tender se ha convertido en Kiss Me, Tender, por la temática del videoclip, donde los besos, de todos los tipos, son protagonistas.

La canción, que ahora se lanza como videoclip musical, ya se había arreglado para orquesta y presentada en concierto por la propia Orquesta de Extremadura en un homenaje a la figura de Elvis Presley, por el 40 aniversario de su desaparición. «If I can dream» se presentó en 2018 junto a la banda de rock pacense Inlavables y la voz de Gene García, quien repite como frontman en el videoclip.

Un arreglo que se ha sido posible por el trabajo en la producción artística de César Guerrero, y el equipo de técnicos con el que la OEX viene contando para seguir grabando con artistas. La realización de Alejandro Vallejo, mezcla de audio de ELESCONDITE Estudios y toma de imágenes a cargo de Videografiar.

Aunque también se han incluido aportaciones particulares cedidas voluntariamente. A través de una encuesta, se ofreció la posibilidad de participar enviando un beso grabado para incluirse en la proyección que acompaña a los artistas durante el videoclip. El resultado ya puede verse en los perfiles oficiales de redes sociales de la Orquesta de Extremadura.

3 de junio de 2020
«Pongamos que hablo de Drexler»

Desde la última butaca del anfiteatro alguien pedía más volumen. Un grito quejumbroso y embuchado por la desesperación de no entender una puesta en escena elegante, sutil y silenciosa. Silente, mudo, sigiloso, prudente discreto, quizá un eco y una afasia musical. Esa fue la respuesta. A falta de ruido y entrevista, un enorme concierto que engrandece la figura del músico uruguayo. Pongamos que hablo de Drexler. Desde arriba se pedía rumor, desde la primera fila de butacas del Teatro López de Ayala una explicación al péndulo de Newton. De la energía y movimiento de las bolas salen las notas de una canción y todo se transforma. Colisiones secas, tac tac tac y público emocionado. Energía y movimiento para una ecuación perfecta; la luz, esa de los fotógrafos, esa del cine al que le hizo soñar con una guitarra y vos. Jorge Drexler estuvo arropado, calor irradio por bombillas incandescentes a golpe de versos, puso en olvido el frío que padeció Leonor Watling meses antes. Dialéctica de Drexler para decir cosas simples, algo difícil, en el momento adecuado, un olvido enfermizo al que estamos abocados en el desenfreno actual. De ahí grandes milongas, recuerdos de un médico de provincias, una playa en el sur del mundo y un profesor de guitarra de enseñanza soviética, un enorme poster de Lenin y varias grappas para calentar el alma.

La boca de Drexler se convierte en el altavoz apretado de Uruguay, morros dispuestos a balbucear las influencias ejercidas por la presión que ejercen los cachetes de Brasil y Argentina. Las referencias son constantes, Uruguay está muy cerca de Brasil y yo hablo portugués sólo de cantarlo y de viajar por Brasil. Como ya dijo hace años, la melancolía de Caetano Veloso es endógena, no puede curarse. ‘Lágrima clara en piel oscura’.

Nostalgia de gauchos y bahianos para saborear un tango y una milonga, esa del moro judío que vive con los cristianos. Y una canción que cambió su vida “Chega de saudade”, de Vinícius de Moraes y Tom Jobim, la versión de João Gilberto, susurra con deje charrúa antes de tararearla.

Y a capela, la canción cubierta del oro de los Oscar destinada a los que están cubiertos de barro, el otro lado del río. Sin guitarra, sólo su voz, en memoria de la no actuación en la gala de los premios.

Chico Buarque escribió una canción a Budapest sin haber estado nunca allí, se enamoró del húngaro y la convirtió en una ciudad difusa con neblina desde el periscopio de un compositor. Jorge necesita sentir lo que compone, tocar lo que escribe y acariciar lo que canta, enamorados por la saudade de los milongueros, ambos se solaparon en el concierto del uruguayo…Pizza Italiana alimenta italianos en Italia, niños iraquíes huidos de, La guerra no obtienen visa en el consulado americano de Egipto… Desde el faro de la Paloma hasta el escenario de un teatro en Badajoz. Nuestro pequeño, resilente y silente Disneylandia cultural. Linda noche.

Texto. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

29 de abril de 2020
Pablo López emociona en el Stone&Music Festival

Pablo López se desnuda en un concierto íntimo en su segunda vez sobre la arena del Teatro Romano de Mérida

La V edición del Stone&Music arrancó con un caluroso y emotivo aplauso de más de un minuto de duración a petición de su director, Carlos Lobo, como homenaje a todas las personas que han trabajado y sufrido las consecuencias de la crisis sanitaria. Y sin haber reducido un ápice la emotividad, apareció Pablo López y, como hiciera hace dos años, en el mismo sitio y a la misma hora, revolucionó las caveas del Teatro Romano nada más aparecer en el escenario. Las cuatro zancadas escasas que separaban el frons scaenae del piano, la acción de sentarse frente a este y los primeros sones de ‘Debería’ fueron suficientes para que el malagueño arrancase los primeros aplausos de este nuevo y distinto Stone.

Desde el primer momento hubo alusiones del artista al monumento bimilenario, encandilado por la belleza del mismo y agradecido por estar, de nuevo, en la arena de la escena romana. Fue intercalando sus éxitos más antiguos con los temas que conformarán su último disco. El formato elegido para estos conciertos íntimos, dan título a esta gira tan especial titulada López, piano y voz. No estaba previsto que el de López fuera el primer concierto de esta edición. Ni que el malagueño prescindiera de su banda para enfrentarse, acompañado sólo de su voz y el piano, a su tercer concierto en la capital extremeña. Tampoco que las caveas presentaran sólo medio aforo en un recital que colgó el sold out hace ya meses. Sin embargo, y a pesar de que la COVID19 ha trastocado los planes de todo el mundo, el Teatro Romano volvió a desprender de nuevo calor, color y pasión en un evento musical.

El calor lo puso el público. Desde los primeros compases de ‘Mariposa’, cuando el respetable acompañó la desgarradora voz del malagueño. Animó con el simple sonido de su piano y los asistentes secundaron con aplausos cada intervención, y fueron muchas, con la que López se dirigió a ellos. El color corrió a cargo de la sencilla, pero efectiva y emotiva escenografía que acompaña al cantautor en esta gira especial y de formato reducido. La iluminación reflejaba una distinta tonalidad en cada tema que López interpretó al piano y con el que repasó su carrera musical ‘Te espero aquí’, ‘El camino’, ‘Dos palabras’o ‘La mejor noche de tu vida’, fueron solo alguno de sus temas. Y López. La pasión. El artista consiguió la catarsis en su versión más íntima y profunda. La poesía que trasmitió de una manera especial en cada una de sus conversaciones con el público a quien, después de romper el set list del concierto, se atrevió incluso con un pasodoble carnavalero y dedicó nuevo temas como ‘Tempo’, ‘Colapso’ o su ya exitoso ‘Mariposa’, un tema que habla del deseo de imperfección de alguien que convierte cada cita con Mérida en noches de música perfectas…incluso en tiempos de COVID.

25 de abril de 2020
Pau Donés «Cada suspiro es un soplo de vida robada a la muerte»

En la prueba de sonido una camiseta de Formentera, ojeras del cansancio y un tatuaje con la palabra amor. Juegan con los instrumentos, Ferrán y todo el equipo técnico afinan el arte de los músicos; Jarabe de Palo en versión jazz, con la voz ronca y dulce de Pau. Iluminados, únicamente, los músicos en el escenario y un taburete solitario que espera el culo de Donés. Bambas, vaqueros y una camiseta negra con otro tatuaje, la fecha de su nacimiento, 11-10-1966. Pasamos de hablar del futuro y su mirada nos lo agradece. El disco del fondo sigue girando, sigue soñando…50 palos y sigue soñando, soñando que ahora empezamos de cero, que el tiempo es humo, que el tiempo es incierto…abrázame fuerte amor te lo ruego por si esta fuera la última vez.

50 palos…disco, libro y gira

Son mis 50 años y los 20 de Jarabe de Palo, es un proyecto que tiene tres cosas, un disco, un libro y un espectáculo que es lo que nos traemos ahora entre manos. El disco contiene 21 canciones, nuestras canciones más conocidas instrumentadas y con mi voz, más un tema nuevo escrito en estos último dos años. El libro 50 pequeñas historias está construido de anécdotas, ideas y pensamientos que quería compartir con la gente. Y por último el espectáculo que es lo queremos que todo el público comparta en directo con nosotros.; la salsa y el mecanismo de hacer nuestro trabajo. Somos músicos, desde el primer día, con la crisis, sin ella, con enfermedades y sin ellas…

Como profesionales de la música recorriendo medio mundo para tocar en sitios como éste. El que estéis hoy en Badajoz, en este teatro, ayer en Gijón y mañana en Sevilla, suponemos que es duro pero también un placer…

…¡Lo nuestro es un lujo! Es como un niño que se va a Disneylandia y cada día se puede subir a una atracción diferente. Vamos a hacer más de cien conciertos, venimos de Gijón, Zaragoza, Barcelona, hemos estado ya en Miami, en Arizona, en mogollón de ciudades norteamericanas, vamos a estar en Buenos Aires, en Méjico, Roma, Nápoles…imagínate el placer de viajar con nuestra profesión, un lujo total.

Vivir…¡Es urgente! ¿La factura del cáncer se combate obviando el futuro?

El vivir es urgente es algo que lo tengo claro desde hace mucho tiempo…también hay otra frase que decimos en Jarabe de Palo; a la vida no hay que echarle huevos hay que echarle ganas…como escribo en la web hacer las cosas por cojones no suele funcionar, porque tan importante es el resultado como el camino recorrido. La vida es un regalo y el futuro no existe, vivamos el presente y vivamos el momento de verdad. No pensemos tanto en el futuro. Ni nos apoyemos en el pasado, es decir, lo que verdaderamente mola es el ahora. El cáncer no me ha enseñado nada, no ha cambiado mi vida. Me diagnosticaron el cáncer hace dos años, me han operado tres veces, he hecho dos tratamientos de quimio y mientras, en todo ese tiempo, he hecho un disco, un libro, he preparado una gira, llevo veintitantos conciertos para llegar a cien, o sea que…la vida es urgente.

A la vida no hay que echarle huevos hay que echarle ganas

De esas canciones, Humo, el tema inédito, ¿Supone un legado de tu vida, un tatuaje sellado en una melodía para amar la vida?

Yo siempre he escrito canciones de amor a las mujeres, uno de los éxitos de Jarabe de Palo, la Flaca, Agua y tantas otras pero nunca había escrito una canción de amor a uno de mis grandes amores, que es la vida. Me levanté un día, de estos dos últimos años y pensé que mi gran amor se me escapaba y entonces decidí escribir la canción de Humo. Esta canción contesta un poco, con un tono así durete, a mi amada, que creo que se me va.

Tus conciertos, vuestros directos son potentes y con una base de rock que choca con esta gira, donde los instrumentos hacen nanas dulces y profundas de vuestros éxitos de estos veinte años…

Nosotros hacemos rock latino, y lo que la gente conoce con los arreglos de batería, contrabajo, percusión y demás, no lo van a encontrar en estos conciertos, el aire de las canciones es totalmente distinto. Son las misma canciones, las que hemos seleccionados de nuestra discografía pero suenan con un toque mucho más clásico, más jazzero incluso, sin duda, una forma de tocar más emocionante….

Nunca había escrito una canción de amor a uno de mis grandes amores, que es la vida

…¿Más melancólica?

Si, más melancólica, algo hemos notado en los conciertos que llevamos es el grado de emoción que provoca en la gente, que es lo que buscábamos, volvemos a encontrarnos con la gente en espacios donde estuviéramos cerca y provocar esa emoción, ese sentimiento.

Entre esos conciertos que te quedan, que serán muchísimos, ¿Volverás a contar con los tantos colaboradores compañeros músicos que te han acompañado toda la vida?

Una de las cosas buenas que me ha dado todo esto de la música es precisamente poder compartir escenarios, estudios, letras…en definitiva, compartir música con la gente a la que admiro. Seguro que en el futuro habrá ese encuentro…pero te digo, no pienso mucho en el futuro, no tengo mucho interés en él, tengo mucho interés en el presente, en esta gira, en vivir…

Entrevista. Willy López | Fotografía Félix Méndez

3 de marzo de 2020
Raphael y Manuel Carrasco «Cátedra musical en el Stone & Music»

Raphael jamás falla

Sin haber terminado de digerir el espectacular y multitudinario concierto ofrecido por Manuel Carrasco en el albergue municipal en la noche del sábado, el Stone&MusicFestival se encaminaba a cerrar un nueva edición con uno de los cantantes más relevantes del panorama musical internacional de los últimos 60 años, Raphael, que arrancó la primera gran ovación de la noche, con el público puesto en pie, nada más pisar la escena del Teatro.

El Raphael más vanguardista, que se inventa y se reinventa en cada uno de sus trabajos, y más seductor que nunca volvió a demostrar su particular carisma, su voz y su energía en un show que estuvo claramente diferenciado en dos partes, mezclando lo mejor de la música orquestal con las tendencias electrónicas más actuales.

El público que abarrotó de nuevo el graderío del Teatro Romano disfrutó de los treinta y dos temas que ofreció el andaluz, entre canción y canción se repitieron varios signos de cariño desde el público, que además, coreando temas como ‘Inmensidad’ o ‘Digan lo que digan’, ‘Mi gran noche’ o ‘Yo soy aquel’, pero tampoco se quedó indiferente a esa parte más latina e íntima que encarnaron ‘Volver’, ‘Malena’ o ‘Adoro’ Dos horas y media de show en el que interpretó temas con piano, bandoneón y guitarra.

Un cantante incansable que a sus 76 primaveras se ha adaptado a los tiempos de la música sin cambiar su estilo. Lo volvió a demostrar en un espectacular final de concierto, con temas como ‘Yo soy aquel’, ‘Escándalo’ y ‘Como yo te amo’, que puso en pie al respetable por enésima vez en la noche con un “Extremadura os amo tanto” y un ‘A mi manera’ cantado a capella.

Hay que resaltar la majestuosidad y buen hacer de la Orquesta de Extremadura en cada uno de los temas que fueron acompañando al cantante que reconoció esa labor sobre el escenario y que incluso se atrevió a dirigir en un momento único.

Esta es la segunda parada de la Orquesta de Extremadura en esta edición 2019 del Festival. En esta ocasión, lo hacía bajó la batuta del asturiano Rubén Diez, quién dirige a todas las orquestas, que desde 2015, acompañan a Raphael en cualquiera de sus conciertos.

La orquesta de Extremadura también protagonizó con su base musical el espectáculo de Disney in Concert que se celebró el pasado 8 de septiembre, día de Extremadura.

Tercera visita de Manuel Carrasco

Manuel Carrasco convocó a casi 20.000 personas en el concierto más multitudinario del siglo en Extremadura. En su tercera vez en el Stone & Music, el onubense reivindicó un ‘tren digno’ para Extremadura. Manuel Carrasco convocó en el Albergue municipal emeritense a casi 20.000 personas, 19.578 según datos de taquillas, en lo que ya se ha convertido en el concierto más multitudinario de Extremadura en lo que va de siglo. Estoy feliz por ser los que más público hemos metido aquí los últimos 20 años aseguró al saludar a todos los asistentes apenas terminados los tres primeros temas del concierto.

Y siguió hablando de Mérida y de Extremadura durante todo el concierto, incluso aprovechando la tradicional bulería que dedica a cada ciudad en la que canta, para hablar de la ciudad, sus monumentos y reivindicar un tren digno. “A ver cuando se enteran que Extremadura es un grito. Tantos años de injusticia. Queremos un tren digno”, sentenció el cantante acompañado sólo por su guitarra y seguido por los aplausos de un público que a esas alturas ya estaba enloquecido y entregado.

Casi dos horas antes, con una absoluta oscuridad, en torno a las diez y cuarto, el onubense había comenzado el espectáculo. Porque anoche en el albergue hubo espectáculo por todos los lados. Un éxito rotundo que superó las expectativas creadas y que hizo vibrar a todos los asistentes desde principio a fin. Desde antes de aparecer Carrasco, las pantallas que acompañaban el gigantesco escenario ya estaban iluminadas con una proyección del artista, pero también del propio Stone&Music invitando a los presentes a vivir la edición del 2020. Y poco a poco se fue calentando el ambiente.

Una nueva proyección sobre un telón que tapaban los 40 metros de escena. Y Carrasco… Manuel Carrasco sentado en la escena a los sones de ‘Me dijeron de pequeño’, y ya todos los asistentes coreando sus letras. Emoción, ilusión, las caras en el público rebosaban felicidad.

Entre carrera y carrera por el escenario, el de Huelva fue invadiendo los corazones del público, manejando cada nota musical de tal forma que convirtió su espectáculo en una experiencia inolvidable para las miles de almas que vibraron, vivieron y no dejaron de interactuar con el cantante al ritmo de sus canciones.

Luces blancas que provenían de miles de teléfonos móviles para ‘No dejes de soñar. Sus manos sobre el piano. Saltos y más saltos, suyos desde el escenario y del público en la pista, por ejemplo ‘Con tan sólo tú’. Un amplio repaso a ‘La Cruz del Mapa’ su último trabajo, pero también a grandes éxitos anteriores. Siempre apoyado por una banda internacional en la que destacó y mucho con el saxo David Carrasco, su director musical desde hace ya varios años.

Un escenario único para todo tipo de género musicales

Se cierra por todo lo alto una nueva edición del Stone & Music Festival donde todo tipo de público ha podido disfrutar de un abanico amplio de géneros musicales, como el pop de Izal, Vetusta Morla, el soul de Gloria Gaynor, el sonido mediterráneo de cantautor de Tozzi o Raphael.

30 de julio de 2019

Etiqueta: concierto

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“La modulación, la forma de expresión, de interpretar la letra son complicadas de llevarlas a los escenarios, por eso eran únicos, y meterse en ese mundo flamenco tan genuino o hay que estar muy loca o hay que tener muy poca vergüenza… Yo tengo las dos cosas”

“El escenario me atrapa y me dejo llevar. Cuando termino es un gustazo, me dan ganas de llorar, es una sensación vacilona que te reconforta como persona y artista….me acuesto bastante feliz”

A la vida no hay que echarle huevos hay que echarle ganas

Nunca había escrito una canción de amor a uno de mis grandes amores, que es la vida