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Cáceres 2031 «Una candidatura que suma instituciones, territorios y cultura para mirar a Europa»

La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 supera las 150 adhesiones y consolida una amplia red de apoyos que tiene como base institucional el Consorcio Cáceres 2031, integrado por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura y las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz. Con la Universidad extremeña, museos, festivales, asociaciones profesionales, municipios y entidades internacionales se incorporan a un proyecto que continúa creciendo con nuevas adhesiones como las de la UNED, AUPEX, la Orquesta de Extremadura, la Banda Municipal de Música de Cáceres y AGCEX. Una propuesta que encuentra en Transcultura su principal argumento para conectar el territorio extremeño con Europa.

La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 continúa ampliando su red de colaboraciones con instituciones, entidades culturales, universidades, asociaciones y profesionales que desarrollan su actividad dentro y fuera de Extremadura. Lo que comenzó como una aspiración de la ciudad se está articulando como un proyecto colectivo en el que participan administraciones públicas, organizaciones sociales, agentes culturales y representantes de distintos sectores de la sociedad.

Con el respaldo institucional de la Junta de Extremadura, las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz, y con el Ayuntamiento de Cáceres como eje vertebrador de gestión y recepción de actividades y acciones, aúna esfuerzos para formar parte del Consorcio Cáceres 2031. Su participación refuerza la dimensión regional de una candidatura que aspira a representar al conjunto de Extremadura. También figuran entre sus apoyos la Asamblea de Extremadura, numerosos ayuntamientos, la Universidad de Extremadura y otras instituciones públicas que contribuyen a ampliar el alcance del proyecto.

Las últimas incorporaciones dibujan un mapa diverso. Desde una universidad que trabaja para acercar la formación a quienes encuentran dificultades geográficas o sociales hasta una banda de música con 138 años de historia; desde los profesionales que gestionan buena parte de la actividad cultural extremeña hasta una orquesta sinfónica que quiere incorporar sus proyectos educativos y juveniles a la candidatura. A ellas se suma una extensa red de universidades populares que lleva décadas desarrollando programas culturales y educativos en los municipios extremeños. El denominador común se encuentra en Transcultura, el concepto que articula la candidatura y que toma como referencia la tradición de la trashumancia para plantear nuevas formas de circulación de conocimientos, experiencias y expresiones artísticas. Una propuesta que busca conectar territorios, generaciones y disciplinas, y que sitúa la participación de la sociedad en el centro de su desarrollo.

El Consorcio Cáceres 2031, motor de una candidatura regional

El respaldo institucional de la candidatura se articula a través del Consorcio Cáceres 2031, constituido por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura, la Diputación Provincial de Cáceres y la Diputación Provincial de Badajoz. Las cuatro administraciones forman parte de la estructura que impulsa el proyecto, proporcionando una base de cooperación institucional que refuerza su dimensión regional y su capacidad para involucrar al conjunto de Extremadura.

En este marco, el Ayuntamiento de Cáceres desempeña una labor motriz en la coordinación y desarrollo de la candidatura, bajo la presidencia del alcalde, Rafa Mateos, y con la participación del equipo municipal de Cultura y la coordinación general de Iris Jugo. Una implicación que se extiende a la búsqueda de colaboraciones, la incorporación de nuevos agentes culturales y el diálogo con otras instituciones y territorios. La candidatura cuenta también con el respaldo de la Asamblea de Extremadura, la Federación de Municipios y Provincias de Extremadura (FEMPEX) y numerosos ayuntamientos de ambas provincias, consolidando esa aspiración expresada por el propio alcalde de construir un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura». La relación de apoyos municipales incluye ciudades como Badajoz, Mérida, Plasencia, Don Benito, Villanueva de la Serena y Navalmoral de la Mata, junto a localidades como Alcántara, Alburquerque, Arroyo de la Luz, Jaraíz de la Vera, Montehermoso, Navaconcejo, Malpartida de Cáceres, Puebla de la Calzada o Talayuela, entre muchas otras.

Esta diversidad territorial permite que la candidatura establezca vínculos con realidades culturales diferentes, desde los grandes equipamientos y festivales urbanos hasta las iniciativas desarrolladas en municipios pequeños, donde las asociaciones, bibliotecas, universidades populares y colectivos locales desempeñan una función esencial. La coordinación general de Cáceres 2031, encabezada por Iris Jugo, trabaja en esa construcción compartida, buscando que las adhesiones puedan traducirse en relaciones estables y proyectos concretos. La candidatura plantea así un proceso de participación que pretende incorporar tanto a las instituciones como a quienes desarrollan diariamente la actividad cultural en Extremadura.

La UNED: educación, conocimiento y acceso a la cultura

La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) en Extremadura es una de las incorporaciones más recientes a la candidatura. Su adhesión se formalizó el 21 de octubre en un encuentro entre el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cáceres, Jorge Suárez, y Gloria Lomo, directora del centro de la UNED en Plasencia, que acudió en representación de la institución universitaria. La incorporación de la UNED refuerza la dimensión educativa de Cáceres 2031 y conecta la candidatura con una institución cuya actividad está estrechamente relacionada con la eliminación de barreras para acceder a la formación y al conocimiento. Una experiencia especialmente significativa en una comunidad como Extremadura, donde la dispersión geográfica y las características del territorio condicionan las oportunidades de acceso a determinados servicios culturales y educativos.

Gloria Lomo destacó precisamente esa coincidencia de objetivos entre la universidad y Cáceres 2031. Ambas instituciones comparten, según explicó, la voluntad de superar las barreras geográficas, sociales y laborales que dificultan el acceso a la educación y la cultura. También valoró la originalidad de Transcultura, por su capacidad para conectar una tradición histórica como la trashumancia con las nuevas formas de creación y transformación social. La representante de la UNED insistió en que la adhesión no debe limitarse a un respaldo formal, sino que existe una voluntad de participar activamente en el desarrollo de la candidatura. Lomo expresó además su confianza en las posibilidades de Cáceres para alcanzar la capitalidad europea, al considerar que dispone del «talento, la categoría y la creatividad suficiente» para convertirse en un espacio de referencia para las nuevas vanguardias culturales. Por su parte, Jorge Suárez agradeció el compromiso de una institución con la que el Ayuntamiento mantiene una estrecha colaboración y destacó su contribución a la formación y al desarrollo del talento.

La Banda Municipal de Música de Cáceres: 138 años de cultura compartida

La historia musical de Cáceres también tendrá presencia en el proyecto de 2031. La Asociación Banda Municipal de Música de Cáceres ha formalizado su adhesión a la candidatura, incorporando una trayectoria de 138 años estrechamente vinculada a la vida cultural y social de la ciudad. El acuerdo fue suscrito en un encuentro en el que participaron el concejal de Cultura, Jorge Suárez; el presidente de la asociación, Jorge Sánchez, y su director, Javier Cortés.

La Banda Municipal, distinguida con la Medalla de la Ciudad de Cáceres, representa una de las expresiones más reconocibles de la cultura cercana a la ciudadanía. Su historia está relacionada con la presencia de la música en los espacios públicos, la formación de diferentes generaciones de músicos y la participación en numerosos acontecimientos que forman parte de la memoria colectiva de la ciudad. Su incorporación a Cáceres 2031 permite conectar esa larga trayectoria con las aspiraciones de una candidatura que pretende proyectar la actividad cultural cacereña hacia Europa sin perder su relación con los barrios, las asociaciones y los públicos que han contribuido a mantenerla durante décadas.

Jorge Suárez destacó que esta adhesión constituye una nueva muestra de la implicación del tejido cultural local en Transcultura, una propuesta que, según señaló, se está trasladando a los barrios y al conjunto de la sociedad. Javier Cortés, director de la Banda Municipal, recordó el trabajo desarrollado durante más de un siglo para acercar la música a la ciudadanía y contribuir a la formación musical. «Estamos muy orgullosos y contentos de formar parte de esta candidatura y de contribuir a que Cáceres sea una ciudad referente en toda Europa», afirmó.

AGCEX: la experiencia de quienes trabajan detrás de la cultura

La Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) se ha sumado también a Cáceres 2031. Su adhesión, formalizada el 5 de octubre, incorpora a la candidatura una organización que desde 1994 trabaja por el reconocimiento profesional de la gestión cultural y por el desarrollo de iniciativas relacionadas con la formación, la cooperación y la actividad artística en Extremadura.

Victoria Paniagua y Ana Aznar, en representación de AGCEX, firmaron el manifiesto de adhesión junto a Iris Jugo, coordinadora general de Cáceres 2031. La incorporación de AGCEX llega acompañada de una línea de trabajo compartida. Ambas entidades ya están estudiando posibles proyectos vinculados a la candidatura, lo que abre la puerta a trasladar la experiencia de los profesionales de la gestión cultural al diseño y desarrollo de nuevas iniciativas. La asociación reúne a profesionales que trabajan tanto en el ámbito público como en el privado, y cuya actividad resulta fundamental para la organización de festivales, exposiciones, programas culturales, actividades educativas y proyectos de creación contemporánea. Su participación puede contribuir a fortalecer la estructura profesional de la candidatura, favorecer la colaboración entre diferentes agentes y conectar Cáceres 2031 con iniciativas que ya se desarrollan en numerosos municipios extremeños.

La Orquesta de Extremadura: música sinfónica y nuevas generaciones

Entre los respaldos institucionales más destacados figura el de la Orquesta de Extremadura, cuyo Patronato ha aprobado por unanimidad su apoyo a la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031. El compromiso fue ratificado el 15 de septiembre durante un encuentro entre el alcalde de Cáceres y presidente del Consorcio Cáceres 2031, Rafa Mateos, y la directora gerente de la Fundación Orquesta de Extremadura, Hae Won Oh. La reunión permitió avanzar en posibles fórmulas de colaboración, especialmente relacionadas con la música y con las iniciativas educativas dirigidas a niños y jóvenes. La Fundación ha expresado su voluntad de participar activamente en el desarrollo del proyecto, incorporando tanto la actividad de la Orquesta de Extremadura como sus programas formativos.

«Queremos participar y apoyar esta candidatura desde la Orquesta de Extremadura y también a través de nuestros proyectos educativos y de la Orquesta Joven», explicó Hae Won Oh. La participación de la Orquesta introduce una dimensión especialmente interesante para Cáceres 2031: la posibilidad de relacionar la programación musical con la formación de nuevos públicos, la educación artística y la implicación de jóvenes intérpretes. Rafa Mateos agradeció el respaldo de una de las principales instituciones musicales de la comunidad y destacó su importancia dentro de un proyecto que pretende representar al conjunto de Extremadura.

AUPEX: la cultura y la participación desde los municipios

La Asociación de Universidades Populares de Extremadura (AUPEX) también ha formalizado su adhesión a Cáceres 2031, incorporando al proyecto una de las mayores redes de participación y dinamización sociocultural de la comunidad. La entidad agrupa a 222 universidades populares, 84 en la provincia de Cáceres y 138 en la de Badajoz, que desarrollan programas educativos, culturales y sociales en numerosos municipios extremeños.

Su incorporación refuerza la voluntad de extender la candidatura al conjunto del territorio, especialmente al ámbito rural, y facilitar el acceso a la cultura a través de la formación, la inclusión social y la participación ciudadana. Las universidades populares constituyen espacios de aprendizaje y encuentro que contribuyen a dinamizar la vida cultural de las localidades y a generar oportunidades para personas de diferentes edades. El alcalde de Cáceres, Rafa Mateos, destacó que se trata de un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura» y valoró especialmente el trabajo de AUPEX para acercar la cultura al mundo rural. Por su parte, el presidente de la asociación, Miguel Sansón, reivindicó la cultura como «un motor de participación ciudadana» y trasladó el respaldo de la entidad a la candidatura. La adhesión de AUPEX amplía la capacidad de conexión territorial de Cáceres 2031 y suma una red de centros que mantiene un contacto directo con la ciudadanía, especialmente en aquellos municipios donde las universidades populares desempeñan un papel fundamental en la programación cultural y educativa.

Museos, festivales y entidades culturales: el tejido creativo de Extremadura

La candidatura cuenta también con el respaldo de numerosas instituciones y proyectos que forman parte de la actividad cultural extremeña. Entre ellos figuran el Museo Helga de Alvear, el Museo Vostell Malpartida, la Fundación Mercedes Calles Carlos Ballestero, la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste, la Fundación Atrio y la Fundación Tatiana, junto a otras entidades que desarrollan programas vinculados al patrimonio, las artes y la creación contemporánea. A esta red se incorporan festivales y acontecimientos culturales como WOMAD Internacional, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, el Festival de Teatro Clásico de Alcántara, Stone & Music Festival, Extremúsika, Horteralia, Alcazaba Festival y el Festival Internacional de Títeres, Marionetas y Narración Oral Al*Títere.

La diversidad de estas adhesiones permite reunir experiencias relacionadas con la música, el teatro, la danza, el arte contemporáneo, el patrimonio y la producción cultural. También participan entidades como la Asociación de Profesionales de la Danza de Extremadura, el Coro de Cámara de Extremadcales.

Junto a ellas aparecen organizaciones profesionales, colegios oficiales, entidades sociales, medios de comunicación y representantes del sector empresarial, desde la Cámara de Comercio de Cáceres hasta instituciones financieras, organizaciones turísticas y colectivos que desarrollan su actividad en el territorio. La presencia de estas entidades amplía el perfil de Cáceres 2031 y permite que la candidatura establezca relaciones con sectores que participan de diferentes maneras en la vida cultural y social de Extremadura.

Évora 2027 y una red internacional que cruza fronteras

La dimensión europea de Cáceres 2031 encuentra uno de sus principales espacios de colaboración en Portugal y, particularmente, en Évora, ciudad que ostentará el título de Capital Europea de la Cultura en 2027. Los encuentros entre ambas ciudades han permitido continuar estrechando relaciones y avanzar en propuestas culturales compartidas, aprovechando la proximidad territorial, los vínculos históricos y las conexiones culturales que existen entre Extremadura y el Alentejo. Évora afronta su capitalidad europea bajo el concepto de Vagar, una propuesta que reivindica otras formas de relacionarse con el tiempo, el territorio y la vida cultural. Cáceres, por su parte, desarrolla su candidatura desde Transcultura, tomando como referencia los movimientos, los intercambios y la capacidad de conectar comunidades.

La relación con Évora forma parte de una red internacional de adhesiones que incluye ciudades portuguesas como Castelo Branco y Portalegre, y francesas como Angers y La Roche-sur-Yon, además de representantes de otras localidades y organizaciones europeas. En el ámbito universitario, la candidatura ha recibido el respaldo de instituciones como las universidades de Angers, Breslavia, Évora, Gävle, Parma y Magdeburgo, así como la Universidad de Delaware, en Estados Unidos, y la Universidad Tecnológica Atlántica de Irlanda. También figuran entre los apoyos entidades vinculadas a las artes escénicas y la creación contemporánea, como Dance Sweden, Polish Dance Theatre, Derida Dance Center de Bulgaria y 420 People de la República Checa, junto a organizaciones relacionadas con el patrimonio y la investigación cultural de diferentes países. Estas adhesiones amplían las posibilidades de intercambio artístico, académico y profesional, y sitúan a Cáceres en contacto con instituciones y proyectos que desarrollan su actividad en distintos contextos europeos e internacionales.

Overdose Cultura y Territorio

30 de agosto de 2026
Tita Iacobelli y su Chaika «El milagro de animar marionetas»

Un milagro, puro milagro. Así nos saludaba el director del Teatro López de Ayala, Miguel Murillo, en los minutos previos de la primera obra del Festival Internacional de Teatro de Badajoz. En breve se subía el telón a un sinfín de dudas Covid y a una amalgama de sensaciones volátiles. Toma de temperatura, espectadores pares e impares y desbroce de butacas con el cincho puesto, en cierta manera, un vacío homenaje a los que ya nunca podrán ir a disfrutar de una obra en el teatro. Nos quedamos con el milagro, con los nervios de sentir teatro durante muchos días. La cultura, milagrosamente alimenta, el alma de unos cuantos forajidos sedientos de arte escénico, y las obras siguen su curso, dando de comer a los desarrapados hambrientos que viven, vivimos, en las chabolas de la cultura, un milagro, al estilo De Sica, un puro milagro a la extremeña, como acertadamente nos decía Murillo.

El festival no conoce de fronteras, es internacional, los vínculos entre las compañías, dramaturgos, actores y autores es constante y vital. El riesgo de presentar una propuesta de marionetas de origen chileno, ruso y belga en Extremadura no es tal. Es un apéndice obligado para seguir creciendo como teatro. En ello estamos. Y con ellos, ella, hablamos. Tita Iacobelli es todo lo anterior. Chaika lo posterior.

La actriz y directora chilena Tita lacobelli y la marionetista Natacha Belova se conocieron en el año 2012, en Santiago de Chile, en el marco del Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, crearon un laboratorio para investigar en torno al teatro de marionetas contemporáneas en la misma ciudad. Al final de esta experiencia de dos meses, deciden crear un espectáculo juntas. Chaika es el primer espectáculo de la compañía. El proceso de creación duró tres años y cuatro residencias entre Buenos Aires, Santiago de Chile y Bruselas. En esta ocasión tocando suelo español. Iacobelli, nos espera a los pies del escenario, mientras los focos invaden el decorado y el sonido se pone a punto. La cogemos revisando el texto en una mano y con los cabellos oscuros de Salvador, su hijo, en la otra. Dulcemente y con marcado acento chileno, nos saluda, buscamos un espacio abierto y limpio para charlar de todo, menos de teatro por un largo rato. Chejov y su gaviota mediante.

¿Acabas de impartir los talleres que se realizan paralelamente al festival? ¿Cómo ha sido la experiencia?

Ha sido muy buena. Había profesionales y amantes del teatro y de las marionetas y siempre esa mezcla es muy interesante porque en estos talleres uno aprende mucho, de los compañeros siempre se saca algo nuevo. Lo que intenté transmitir en el taller fue pasar y compartir los principios básicos de la animación de marionetas, técnicas simples para poder animar un objeto y que los participantes pudieran ver a través de los ejercicios que hacían sus compañeros, lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros. Realmente es como un doble de uno mismo…

…ya lo hacían en los Pupi sicicilanos o los Bunraku japoneses, dos en uno, hasta que pierdes la noción de la existencia del animador…

Cierto, son dos personajes, ambos forman del papel, a diferencia de la marioneta de dedo o títeres, es que nos permite hablar de la dualidad, nos hace enfrentarnos ambos a la obra, una especie de espejo que provoca preguntas al espectador. Este tipo de marioneta tiene la capacidad de vincular al espectador con lo que le está pasando, en cierta medida está interpretando a ese personaje, al carecer la marioneta de organicidad y ver reflejados en ellas todo lo que le sucede a diferencia de un actor.

¿Cómo se trabaja con un elemento como la marioneta en el escenario? ¿Cómo se traspasa a la actuación el elemento que hay que animar y como se trabaja la doble presencia, tanto de la marioneta como de la actriz en este caso?

La marioneta, en este caso Chaika, es el personaje principal, entonces yo estoy en un segundo plano, a veces intervengo con ella y tenemos diálogos que me permite manejar los dos planos de la actuación.

Lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros

¿Cómo llegas al teatro de las marionetas? ¿En qué momento traspasas esa barrera de la actuación clásica?

Fue un poco casual mi llegada a este mundo. Tengo la formación de actriz clásica y mi recorrido no estaba relacionado con las marionetas pero tras la separación de una compañía chilena muy famosa, La tropa, una parte de la compañía liderada por Jaime Lorca empezó a gestar una nueva formación que se dedicó al teatro de objetos y marionetas. Y tras entrar directamente en su primera obra, Gulliver, y manipular las marionetas y controlar las voces, sentí una especie de amor a primera vista. Esta fuerte intuición me llevó a proyectar los que yo quería decir a través de la marioneta y quedarme en un segundo plano. Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa.

¿Por qué Chaika, por qué la gaviota de Chejov?

Chaika es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar ella sola en la gaviota de Chejov como función de despedida de su carrera. Natacha Belova, la otra parte de la compañía, es rusa, su padre era actor y director de un teatro en Rusia, la dramaturgia y Chejov lo llevan en la sangre. Necesitábamos esta obra. No sabíamos como montarla, sólo teníamos la certeza de que yo iba a representarla con marionetas. Y tras analizar la obra, el tema de la dualidad es muy fuerte, la actriz joven y la actriz vieja, el éxito y el fracaso, y al hablar de teatro, la ficción y la realidad. Es una obra de teatro y de mujeres en el teatro, de la angustia y el placer de hacer teatro, entonces nos identificaba mucho y al tener ese complemento dual, decidimos crear una marioneta de mí pero anciana. Natacha tomó mi rostro, la creadora de la marioneta, y nació Chaika como protagonista total de la obra.

Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa

¿Cómo es el público en los países sudamericanos respecto al espectador belga, francés y del norte de Europa?

Como Chaika nació en Chile, y este personaje de la anciana, aun estando en todas las culturas, la mujer vieja, la abuela, la madre, la matriarca, está en la sociedad sudamericana muy arraigada, muy presente. Chaika está chilenizada y el público engancha muy bien, porque conocen a este personaje muy bien. Se identifican muy rápido con la protagonista, hasta ríen con las desgracias que le pasan. En Bélgica la respuesta es más formal, más contenido. Contemplan más, observan sin interrumpir y guardándose en cierta medida hasta las emociones.

¿Cómo está pasando la factura del Covid a tu profesión, al teatro?

Nosotros decidimos venir a Bélgica para establecernos, en Chile la pandemia llegó más tarde y ahora está todo cerrado, empieza a moverse algo con alguna sala de teatro, pero no hay actividad. En algunos festivales los grupos grandes han tenido que suspender por casos de contagio y están disminuyendo el número de actores para evitar los positivos. Nosotros tenemos poco atrezzo y nos permite movernos de un sitio a otro con un par de maletas, es un teatro que no requiere tanto equipo y eso ayuda para seguir trabajando en nuestra profesión. Acá somos poquitos.

Willy López | Fotografía. Chaika / Compañía Bellova-Altobelli

21 de agosto de 2020
La programación del Teatro López de Ayala para el 2020

El Consorcio del Teatro López de Ayala de Badajoz ha aprobado el presupuesto anual previsto para 2020, que asciende a 1.230.000 euros, así como las líneas generales de la programación del próximo año, que ofrecerá más de 250 actividades culturales.

El Teatro López de Ayala reunirá en 2020 varios nombres destacados de la escena española, como Concha Velasco en ‘El funeral’; Kiti Manver en ‘Juntos’ o Beatriz Carvajal en ‘Volvió una noche’ además de ‘Laberinto: anatomía del presente’, una obra escrita por el extremeño Marino González, en el mes de enero, mientras que en febrero la obra «Retiro espiritual» escrita y dirigida por Francis Lucas o ‘Palabras encadenadas’ protagonizada por Beatriz Rico formarán parte de la programación de teatro. En marzo el actor Juanjo Artero que protagoniza ‘Un marido ideal’ o Juan Meseguer y Lara Dibildos en el clásico de Agatha Christie ‘La Telaraña’.

En abril, tres grandes de la escena estarán en el Teatro López de Ayala. José Sacristán vuelve al teatro para representar la obra de Delibes ‘Mujer de rojo sobre fondo gris’. Juan Gea protagoniza el éxito de Paul Pörtner ‘Por los pelos’. Imanol Arias estará con la obra de García Márquez ‘El coronel no tiene quien le escriba’. En mayo Teatro del Noctámbulo pondrá en escena su éxito del Festival de Mérida ‘Tito Andrónico’.

‘Mártires inteligentes’ o ‘Tenorio, sombra y luz’ son las citas con el teatro en octubre y noviembre, cuya programación se completa con la cita teatral del año, la celebración de la 43 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz.

En diciembre, la actriz y directora Magüi Mira dirigirá a Lolita en ‘La fuerza del cariño’. Por otro lado, la comedia protagonizada por algunos de los integrantes de la película Campeones estará en noviembre con el título ‘Campeones de la risa’.

En cuanto a los conciertos, Salvador Sobral y Kiko Veneno protagonizan la programación musical de enero que siempre llega de la mano del Concierto de Año Nuevo de Fundación CB el 1 de enero. Para finalizar el primer mes del año se ofrecerá el espectáculo Noche Sabinera con Mara Barros, Pancho Varona y Antonio García de Diego, los músicos que acompañan a Joaquín Sabina en sus giras. La banda murciana Second abrirá el 1 de febrero los conciertos de este mes que finalizan con El niño de la Hipoteca. Revólver, liderado por Carlos Goñi, celebra 30 años de carrera en su gira de 2020 y estará en el López de Ayala el 14 de marzo, mientras que DeMarco Flamenco también recala en Badajoz en su gira de invierno, el día 20 de marzo.

Abril estará ocupado con dos grandes representantes de la música española: Santiago Auserón, más conocido como Juan Perro, y Maldita Nerea.

Por otro lado, Funamviolistas en mayo y Marta Soto completan la oferta de junio. La cantante malagueña Diana Navarro visitará Badajoz en septiembre y en octubre actuará Dani Fernández. En noviembre llegarán dos míticos de la música: Los Secretos y por otro lado el extremeño Gene que presenta su disco Génesis.

Forman parte también de este apartado citas importantes dentro del panorama musical como es la celebración durante el mes de mayo y junio del XXXVII Festival Ibérico de Música de Badajoz; el ciclo de Música Actual a lo largo del año; el Festival Internacional Folklórico de Extremadura o la 33 edición del Festival Internacional de Jazz de Badajoz durante la segunda semana de noviembre.

En otro apartado se encuentra la tradicional Gala Malabart, que ofrece distintos espectáculos circenses también en noviembre.

En el género lírico habrá dos óperas. La primera el 6 de marzo ‘Rigoletto’ y en noviembre ‘La Bohéme’. La Diputación Provincial de Badajoz en su apuesta por acercar la ópera a los jóvenes ha programado dos títulos para mayo y noviembre de 2020.

En el apartado de cine destaca el programa ‘El cine de una noche de verano’ en la terraza del López, patrocinado por la Fundación CB en julio y agosto. Por otro lado, otra de las citas importantes será la celebración de la XXVI edición del Festival Ibérico de Cine en la terraza durante el mes de julio. En total habrá más de 50 proyecciones cinematográficas.

El concurso de murgas del Carnaval de Badajoz, como cada año, elige el escenario del teatro para este evento, que se desarrollará desde el 6 al 22 de febrero de 2020.

La terraza de verano del López de Ayala volverá a centrar las actividades de los meses de junio, julio, agosto y septiembre.

Destacar en esta programación que la Banda Municipal de Música de Badajoz ofrecerá durante el año aproximadamente 20 conciertos. Algunos de ellos didácticos o los programados para los mayores.

En cuanto a danza, están previstas unas 21 actuaciones, parte de ellas de los festivales de las escuelas de danza de Badajoz que se celebran durante junio, un espectáculo flamenco de Jesús Ortega o los clásicos de El Cascanueces o El Lago de los Cisnes.

En cuanto a convenios se han firmado dos con otras tantas entidades, lo que permitirá al Consorcio López de Ayala en 2020 apoyar la programación de Teatro en Familia y el Festival de Flamenco y Fado de Badajoz.

El firmado con CaixaBank propiciará la puesta en marcha del programa Teatro en Familia, con siete funciones de teatro para niños durante los meses de marzo, abril, mayo, septiembre, noviembre y diciembre.

Por otro lado, continúa por segundo año consecutivo la colaboración del Museo do Fado de Lisboa, tras la firma del convenio que posibilita la promoción y una parte del patrocinio del Festival de Flamenco y Fado de Badajoz.

En 2020 esta cita con dos estilos musicales tan característicos de España y Portugal ocupará dos fines de semana en la terraza de verano del López de Ayala y en el Auditorio Municipal Ricardo Carapeto durante el mes de julio.

Otro de los aspectos de los que se ha informado en el Consejo Rector ha sido el balance de asistencia de 2019, que cerró con 117.000 espectadores en los 297 espectáculos programados, con una ocupación media del 60 % del aforo. La venta de entradas se ha realizado en un 70% por internet y el 30 % en taquilla.

3 de noviembre de 2019
Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

Richard Saudek es beep boop. Puro tac- pum- zas. Pura escena. Un mimo haciendo clown, un payaso retozando mimos, un viejo ordenador de acceso telefónico con un ruido quejumbroso entre sus huesos. Richard Saudek es Crowed Outlet, un grupo de profesionales dispuestos a dar por saco con elegancia. Una cara cetrina, adquirida por la luz de un aparato digital, unos ojos adictos, perdidos, robados a la pantalla. Saudek encorva el alma y doma cuello, hombros, pecho, dedos, culo, rodillas y pies hasta vomitar a su personaje. Un poco de cine mudo, algo de la Comedia del Arte italiana y una pizca de los clowns de medio mundo. Estamos en las horas previas de la función, de un día cualquiera de un festival de teatro de Extremadura, estamos en un otoño de Badajoz.

Sobre el escenario, no sabemos si el técnico de sonido es el productor, si el director es el clown, si la encargada de los efectos es la técnica de luces, si el mimo es el acomodador y si el fotógrafo el taquillero que vende entradas y un puñado de buenas fotos.

Sólo hay dos elementos en medio de la escena, un mostrador blanco y alguien que medita tumbado sobre ella. Es Beep boop. Richard Saudek viene de lejos, a un océano de distancia y un Trump de presidente por medio complican su existencia artística a cambio de público europeo, sin dólares con los que pagar los tickets y sin muros con que disfrutar su espléndida obra.

Afable y educado Saudek nos atiende desde la timidez de su verdadero personaje. 60 minutos donde se explora la obsesión de la sociedad por la vida online a través de nuestros teléfonos inteligentes y otros dispositivos digitales, siempre cercanos. Interpretado a un ritmo vertiginoso con efectos de sonido, música original y multimedia, trata de la soledad aplastante de la modernidad y sus divertidas consecuencias.

Pulsamos el símbolo de grabar de nuestro teléfono móvil.

¿Richard cómo nos podrías definir “Beep boop”?

El espectáculo es un recorrido por nuestra obsesión con la tecnología y los dispositivos digitales que nos rodean.

Clown, mimo, teatro visual en el siglo XXI…

…Me interesa hablar de la modernidad a través de una expresión artística muy antigua como es el mimo. Los elementos que tú puedes ver están dentro del clown, seguramente los hayas visto en otros espectáculos, se tratan de trucos que todos conocemos, elementos antiguos que contrastan con el rabioso y salvaje presente.

¿Cuál es tu trabajo previo para poder ponerte delante del público durante una hora y contarnos una historia que nos atrape?

Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador. Es u na obra donde el público forma parte de la obra desde que pasa la puerta del teatro hasta que termina la función. Para ello hay que trabajar duro, con elementos básicos y minimalistas, mostrar lo cotidiano pero desde otra óptica más poética, más corporal, más teatral.

Hablas de elementos tan cotidianos como este móvil con el grabamos la entrevista o el ordenador que te pone efectos sonoros durante la obra…

…Es interesante como nos mantenemos conectado obsesivamente a través de los teléfonos móviles, a las redes sociales, a las tablets, pero en realidad estamos solos con nosotros mismos. También se expresa el aspecto positivo de la digitalización social, porque criticar es fácil.

La aparente sencillez de Beep boop tiene un largo recorrido de producción hasta refinar esta obra. ¿Cómo se ha trabajado esa puesta en escena?

Cerca de dos años de preparación para llegar a la obra que proyectamos ahora. Al principio tenía todo el equipo de sonido en directo, con los efectos de sonido in situ y a través del proceso de creación nos dimos cuenta que necesitamos establecer una relación entre el intérprete y lo que el público oye. Hay un sentido de juego que es muy clown. Y aquí es donde entra en juego la otra persona que está en escena, que es la que controla y despliega todos los efectos de sonido y que interactúa con él.

Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador

Sabemos que el teatro es universal pero suponemos que la acogida de una obra como Beep boop tiene diferente acogida entre el público de diferentes países…

…A medida que pasa el tiempo creo que se está haciendo más similar, durante mucho tiempo hubo grandes diferencias peor cada vez estamos más expuestos al teatro que se hace en Europa y viceversa. Robando vuestras buenas ideas estamos haciendo una masa de espectadores muy preparado.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

28 de octubre de 2019
Correr o Fado

Todo está listo. El agua inunda la cultura portuguesa. Y sobre el escenario el mar parece cobrar vida. Siete profesionales de la danza contemporánea, cinco urnas transparentes de líquido y el fado de Mariza de fondo. Se ser fadista é ser triste, é ser lágrima prevista, ee por mágoa o fado existe, então eu não sou fadista.

Daniel Cardoso, director artístico, coreógrafo y bailarín nos detalla por el espectáculo, nos hace de guía y nos adentramos en Correr o fado con la ilusión de ver un espectáculo de danza actual bajo el ritmo de los fados tradicionales.

Termina nuestro viaje y comienza la lluvia… A chuva ouviu e calou, meu segredo à cidade, e eis que ela bate no vidro, trazendo a saudade

Correr o fado es un trabajo inspirado en la cultura portuguesa. La idea fue intentar lanzar el fado hacia el exterior, depurarle la parte tradicional que a veces hace que sea tan elitista.

Quitar al fado esa parte de tristeza y melancolía con un espectáculo armónico, dulce y alegre. Intentar escapar un poco de esa tristeza, y crear un lenguaje contemporáneo adaptado a la música fuera de lo completamente tradicional

Para llevar el arte del fado, más tradicional hacia el mundo de la danza más actual fue crear una especie de pasaporte de cultura portuguesa. Donde el fado pueda correr por todo el mundo, donde la mujer y el hombre tengan el mismo estado y donde el agua no sea una frontera.

Correr o fado es una vieja expresión portuguesa que quiere decir pasar una noche, una fiesta con el fado. Pero también creíamos que esa expresión estaba ligada al movimiento, al correr de las voces y el público en los conciertos. De ahí el nombre de la función.

Correr o fado es una obra que ha recorrido todo el mundo. Tiene nueve años de vida y cada vez estamos más apegados a esta danza.

La danza posee un lenguaje universal y aunque es fado es música que se escucha y aprecia en todo el mundo carece de esa valor tan intrínseco que tiene para nosotros. Son dos contextos diferentes y creemos que eso hace que guste al público. De repente escuchan una letra clásica de Amalia Rodrigues y una danza contemporánea que lo acompaña. La reacción es de sorpresa.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

2 de octubre de 2019
Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz, se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

Durante 13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

Foto. Russ Rowland

Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

De las compañías extremeñas destaca la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua sobre la tragedia de la inmigración.

Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h. Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
Compañía: El Vodevil (Madrid)

Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
Compañía: GL Producciones (Andalucía)

Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
Compañía: Tryo Teatro (Chile)

Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

Precios de entradas y abonos. Entrada general

Butaca de patio: 15 € Anfiteatro: 12 €

Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

Butaca de patio: 9 € Anfiteatro: 6 €

Abono para 13 funciones

70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

Funciones fuera de abono

Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
Teatro de calle
Paseo de San Francisco
Gratuito

Foto portada. Pkp

7 de septiembre de 2019
Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

…Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

Que elija el público entonces…tú conoces perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

Dinos una obra que hay que releer cada año

Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

El teatro es para ti…

…Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

19 de julio de 2019
El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

Pepe Viyuela, Sandra Ferrús, Concha Delgado, Susana Hernández, Martxelo Rubio y Elías González ponen voz a El silencio de Elvis, una obra redonda con un lenguaje y unas situaciones que llevan de la risa al llanto, como la vida misma, y a la vez, nos enfrenta a un drama social: la enfermedad mental. Sandra Ferrús ha escrito una obra de terciopelo, una obra tan sincera, tan límpida de sentimiento que te emociona sin pretenderlo. No hay carga melodramática. Todo es trágico, tanto que a veces te ríes. Te ríes a tu pesar, pues nada de lo que dice el texto intenta hacer reír, pero la locura bebe el vino de la risa y tiene sentimientos de terciopelo, pero es terrible y cruel. La obra maneja mitos que son los dioses de lo moderno.

El silencio de Elvis es un viaje al interior de la mente de Vicente, que sufre esquizofrenia. Vivimos con sus padres la incomprensión, el hartazgo, el miedo, la desesperación. Nos chocamos junto con Sofía, su hermana, contra el muro de la administración, del sistema sanitario, del rechazo. Y conocemos, a través de un quinto personaje, al mismísimo Elvis Presley, a un psiquiatra, una psicóloga, un forense médico, un compañero de la cárcel… todos los personajes que entran y salen de la mente y de la vida de Vicente. Y hacemos todo este viaje desde la impotencia y el amor. El amor primitivo, profundo, incondicional que se dan unos a otros.

El alma, la piel muda de Elías González nos acerca a esta realidad, nos sube al escenario un argumento tabú en una sociedad sumergida en esa misma enfermedad. Con el actor extremeño, arropado de manera magistral por el resto del reparto, volvemos a rozar la verdad de un personaje que acaricia al espectador, le susurra con el aliento del personaje, nos grita y espabila de nuestras cómodas butaca con su particular interpretación…¡No se me duerman!…nos canta mientras menea el cuerpo al ritmo de Elvis. Con Elías González viajamos en metro, recorremos un sinfín de paradas, momentos de traqueteos mentales donde el cuerdo no sabe que está fuera de juego, y donde al cerrarse las puertas del vagón, en la última estación, aparece su sonrisa… ¡Auambabuluba balambambú!…Pura vida, puro teatro, es hora de apearse y buscar un cobijo, un sitio donde llevarse una buena historia. Pasen, si quieren, y vean.

Te dejamos hace unos cuantos años en el Festival de Teatro de Mérida en la piel de Coriolano…y ahora ¡Elvis!…pero ¿Quién es este Elvis?

Los personajes al final no son lo que parecen, o sí…[Ríe]…En este montaje Elvis es un personaje con gran importancia y mucha presencia. Es la conciencia de Vicent, las voces que él oye, su refugio y también su pesadilla. El compañero de viaje que todos tenemos.

Te vimos en Anomia, una magnífica obra de Arán Dramática, con un reparto coral de interpretaciones duras y certeras, ahora tocas otra vez Extremadura con una obra, también muy personal y con un elenco de altura…satisfacción, pena, dudas, miedo…

Son todos sentimientos positivos. Una gran alegría por poder contar esta historia, con estos maravillosos compañeros, en mi ciudad. Y la responsabilidad y tranquilidad que da jugar en casa.

¿Cómo se prepara un personaje con este mundo interior tan complejo?

Fundamentalmente siendo consciente de que una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene. Huyendo de estereotipos y poniéndome en las manos de la directora y autora Sandra Ferrús y dejándome llevar. Como todo en la vida, si te dejas llevar es más placentero.

Una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene

¿Qué valor tiene para ti actuar en este Festival Internacional de Teatro de Badajoz?

Actuar en el Festival de Badajoz me lleva a mis comienzos, cuando hicimos Los cañones de Arán Dramática. Creo que hace ya 16 años. Es una ilusión tremenda. Puedo conocer algunos teatros, pocos, solo por el olor desde el escenario, y el López de Ayala es uno de ellos.

¿Y qué supone trabajar con actores como Pepe Viyuela?

Es un lujo. Pepe Viyuela es una persona muy generosa tanto en el escenario como fuera. Aprendo mucho tanto de él como de mis otros compañeros que son increíbles.

Elías, para cerrar ¿Cómo anda la profesión del teatro?

La cosa anda como siempre. Con mucha gente talentosa haciendo muchas cosas interesantísimas y con gente poniéndolo difícil. La eterna lucha cultural de este país. Yo no me quejo, ahora hago una sustitución en una obra de Alfredo Sanzol y no puedo estar más feliz.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

18 de julio de 2019
Miguel Murillo «El perfume de la memoria teatral»

Miguel Murillo echa cuentas. 67 personas llevan un sueldo a casa gracias a sus obras como autor. El teatro genera. El IVA cultural resta. El dramaturgo y director del Teatro López de Ayala hace de cicerón en el primer evento donde se reúnen las autoras y autores de poner letra al teatro en la región.

El cafetín del teatro se convierte en escenario de la obra, los autores, actores y mecenas de esta profesión los protagonistas. Fuera llueve y hace frío, dentro de la sala llueve pero se está caliente. Isabelle Huppert habla con el rostro de Charo Feria, nos cuenta que el teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero.

El escritor Fulgen Valares paga 20 millones de dólares para dar vida a un relato escrito por el narrador mejicano Francisco Hinojosa…El relato cobra vida más allá de nuestra imaginación y de cierta manera nos convierte en sus protagonistas porque depositamos en los personajes nuestras emociones y nuestros miedos, nuestros anhelos y nuestras frustraciones. Ahí pueden reunirse armónicamente la ficción, la música, la danza, el canto, la poesía, el juego, la magia, los malabares y todos los recursos propios del arte teatral: vestuario, iluminación, escenografía, maquillaje, objetos de utilería. La aportación que hace la herencia cultural –con énfasis en la literatura y el teatro– contribuirá a que el niño ejercite su imaginación y encuentre un sentido a la vida.

Manuel Martínez Mediero está en la primera fila, ahí, en esa pole de autores, lleva muchísimos años, desde al menos el año 1975. Las hermanas de Búfallo Bill apuntan desde el Lejano Oeste extremeño mientras el escritor sostiene un ejemplar de Carlos Santos Silveira, la sonrisa del gato y una última edición de las Páginas Amarillas. El mantenimiento de una independencia insobornable en el teatro trae sus problemas por la cuestión de las familias políticas, estéticas, y si me apuran, hasta la condición del sexo influye. El teatro, el ejercicio del teatro, como la comida china, deja siempre un sabor agridulce. Escribía Martínez Mediero en el prólogo de la publicación por Editorial Fundamentos de una colección de sus obras en el año 1979. Total vigencia.

Concha Rodríguez, la escritora y actriz extremeña, escribe para el aplauso, para que el engranaje de la escritura surta efecto. Las palabras trazadas en actos y guiones cobran vida en la primera interpretación encima de un escenario imaginario. Concha recibe un fuerte aplauso.

El dramaturgo cacereño Pedro Luis López Bellot, reciente VII Premio de Textos Teatrales para autores extremeños por «El señor puta o la degradación del ser” nos hablaba del fracaso, el que le hizo ser consciente de cuál era mi lugar. Un recuerdo atávico al Fracasaste. Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor de Samuel Becckett. Eduardo Moga Bayona, director de la Editora Regional de Extremadura, lo recordaba como un elemento de crecimiento profesional en la literatura.

Federico García Lorca en una charla decía sobre el teatro; Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo; como el teatro que no recoge el latido social, el latido, histórico, el drama de sus gentes y el color genuino de su paisaje y de su espíritu, con risa o con lágrimas, no tiene derecho a llamarse teatro, sino sala de juego o sitio para hacer esa horrible cosa que se llama «matar el tiempo».

Matar el tiempo, un desenlace cruel, Ionesco, shakesperiano, lorquiano. Tres autores con un espejo bien cimentado en Extremadura…recuerda Julio Cesar Quesada…Las tres M del teatro extremeño, Mediero, Márquez y Murillo. Miguel Murillo nos recuerda con su voz pausada y profunda que el teatro es un instrumento de trabajo. No se nos puede olvidar.

Cuando murió mi padre decidí volver a casa después de aquellos años alejado de ella. Dudé hacerlo, porque sinceramente, no logré encontrar en mi interior un impulso de piedad, un rastro de emoción para la persona que definió mi vida. Perfume de mimosas. Miguel Murillo

Miguel, día mundial del Teatro, buen día para reunir a los creadores literarios del mundo escénico…

Es un día formidable para ello, estamos celebrando un día muy interesante. Creo que es la primera vez que se reúnen en Extremadura los autores y las autoras de teatro. Desde que tengo conocimiento es la primera vez que se realizan unas jornadas de en encuentro con los autores de escribir obras de teatro. Puede servir como termómetro a la creación que se está efectuando, lo vamos a ver, se está viendo, por donde van los tiros de la creación teatral. Es una jornada de encuentro pero es verdad, que harían falta unas jornadas técnicas más a fondo de lo que es la profesión. La profesión del autor es muy amplia, no solamente es escribir una obra de teatro, es parte de un equipo de trabajo y suscitan muchos interrogantes como el tema de los derechos de autor, el tema de los encargos, preguntarnos por qué no existen colecciones de versiones del Festival de Teatro Clásico de Mérida o el estatus del profesional de la escritura que hasta ahora no se abordado.

Hablas de futuro de calidad en la región dentro de la profesión

En una jornada como ésta habrá unos cuarenta autores y autoras…yo creo que hay más…hay muchos más, y si ya entramos en el sector audiovisual o en la creación coreográfica que también son autores, podríamos hablar de una cifra muy importante, y de ellos hay toda una profesión que supone puestos de trabajo. Esta profesión es un sector de relevancia que vive, como materia prima, de lo que surge en la mesa de los creadores.

La profesión del autor es muy amplia, no solamente es escribir una obra de teatro, es parte de un equipo de trabajo y suscitan muchos interrogantes

El teatro sin vosotros no existiría, pero sin el resto de ingredientes básicos tampoco…y

Todo el equipo es vital para desarrollar esa creación, compañías, la parte técnica, la parte plástica del teatro, luz, vestuario…que tienen ya la suficiente calidad y profesionalidad en Extremadura como para ser dignos de tener muy en cuanta.

Estamos en uno de los epicentros dramatúrgicos de Extremadura, y desde aquí se está realizando un gran esfuerzo para acercar el teatro a los más pequeños, la cantera del teatro desde la base, desde la educación…

El teatro escolar, el teatro para el público juvenil en el López de Ayala se ha consolidado. El año pasado se programaron una gran cantidad de obras destinadas al consumo de estas edades. Es fundamental dar acceso en colegios al teatro de una manera total, no olvidemos que el teatro es literatura.

Es fundamental dar acceso en colegios al teatro de una manera total, no olvidemos que el teatro es literatura.

El año pasado el Teatro López de Ayala ha sido un hervidero de obras teatrales de todo tipo, con el 39º Festival de teatro como colofón

Podemos decir que ha sido un año muy completo. Con obras que venían del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, funciones durante todos los meses del año, la celebración, como la de este año, del Día Mundial de Teatro y sobre todo el Festival de Teatro de Badajoz. Destacar que clave de esta programación ha sido el público que ha respondido muy bien, llegando a cifras muy altas dentro del aforo de este escenario. Otro punto a destacar, ha sido la reapertura del espacio del sótano, el cual nos abre muchas posibilidades para ofrecer otros años un teatro laboratorio diferente. Este año 2017 nos gustaría incorporar más compañías latinoamericanas, la calidad de compañías como la del Teatro Colectivo La Morena de Uruguay, que estuvieron en el festival con No daré hijos, daré versos, son un ejemplo de ello.

Notamos que las obras de compañías extremeñas ocupan más espacio en la programación teatral.

Damos opción a todo tipo de funciones, no nos encasillamos en un tipo de teatro, el público es muy listo y exige la variedad para poder elegir. Nosotros tenemos una media de ochenta producciones teatrales al año, y si tenemos en cuenta que hay dos meses prácticamente que no se programa teatro, julio y agosto, salimos a una media de ocho y diez funciones mensuales. Son muchas, cerca de dos funciones semanales, el ritmo que tienen los grandes teatros del país.

¿De qué salud goza el teatro en estos momentos?

La salud del género en general está un poco constipado…[Ríe]

Son muchas, cerca de dos funciones semanales, el ritmo que tienen los grandes teatros del país

…¿eso es una respuesta pesimista?

No, en absoluto, todo lo contrario. Yo me suelo leer al año ciento treinta obras para el Premio Fatex, más aquellas obras que llegan a mis manos de manera fortuita, muchas de ellas de nueva escritura teatral…y es impresionante lo que está entrado. Ahora mismo el teatro en España tiene una cantera y una serie de producciones muy importantes. Dramaturgos con enorme calidad, la aportación de las mujeres autoras actualmente en el teatro es muy potente, ya no son sólo las clásicas, Itziar Pascual, Laia Ripoll o Yolanda Pallín que se repetían en las adaptación de sus obras, como pasaba con los hombres, Juan Mayorga, Ernesto Caballero…ahora hay una incorporación de mujeres muy interesante, hay una dramaturgia femenina excelente. Antes te sorprendía cuando salía un texto de una mujer, ahora es la tónica general, forman parte del tejido teatral nacional. Quiero decir con esto que el teatro goza de muy buena salud, y sobre todo cuando mira hacia Europa, cuando mira a lo nuevo que se está haciendo como técnica, y el pública aprecia esas obras desfasadas y las que apuestan por una puesta en escena diferente.

El teatro goza de buena salud pero tiene una enfermedad crónica, que es el 21% del IVA Cultural

Miguel y ¿Por qué me has comentado que el teatro está algo resfriado?

El teatro goza de buena salud pero tiene una enfermedad crónica, que es el 21% del IVA Cultural. Desgraciadamente es un cáncer para la profesión, no sé si se curará. Para el teatro es una barbaridad. La gran mayoría de compañías vienen a taquilla y yo tendría que poner el precio de la entrada muy alto para que la compañía pueda pagar sus gastos, pero el López de Ayala es un teatro público, y no podemos poner el precio de una entrada que discrimine a una mayoría de ciudadanos que sostiene este teatro con sus impuestos. Este teatro lo pagan los que vienen y los que no vienen. Por eso hay muchos espectáculos gratis y precios asequibles. Estamos aquí para responder por ese público, por eso recibimos un sueldo de los ciudadanos. Si el IVA cultural estuviese como tiene que estar, ya no digo el 4%, que estaría perfecto, al 10% por lo menos como están muchos países. Si bajan 11 puntos el IVA, tendríamos un abanico de posibilidades mucho mayor. No se nos olviden que tienen muchos gastos y que son empresas que generan trabajo.

Entrevista. Willy López | Fotografías. Félix Méndez / Pakopí

21 de julio de 2017
Esteve Soler «Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones»

Catalán, inglés, francés, alemán, castellano, griego, italiano, danés, rumano, checo, húngaro, ruso, croata, portugués, esloveno, sueco y finlandés. Los idiomas en lo que se ha podido escuchar la obra Contra la Democracia. Y 70 directores le han aplicado su dictadura en el escenario para que el espectador pueda votar libremente desde sus butacas.

Uno de ellos, el que ha dirigido la obra en el 39 Festival de Teatro de Badajoz, Antonio Guijosa, nos cuenta que Contra la democracia nos pone frente a un espejo que tal vez arroje una imagen incómoda.

¿Y quién es el autor de esta imagen tan incómoda?

Esteve Soler. El que desde su escondite en las entrañas de su imaginario se atreve a proponer un debate muy profundo y necesario. Soler nos propone siete puntos de reflexión sobre nuestro funcionamiento social y nos empuja a generar nuestro propio criterio al respecto. El retrato que ofrecen estas siete historias no es muy alentador.

Nos han contado que la democracia es la mejor de las formas de gobierno. Nos han contado que la democracia consiste en que el poder recaiga en el pueblo y éste elija libremente a sus representantes, quienes estarán a su servicio, buscando el bien general respetando los derechos fundamentales.

Antes de nada Esteve, cuéntanos tus primeros pasos como dramaturgo

Empecé a escribir relatos cuando era adolescente. Más tarde mi interés por el teatro, el cine, el cómic y otras formas narrativas me hizo interesarme por la idea de la dramaturgia. Estudié esa disciplina en el Institut del Teatre de Barcelona, donde escribí mis primeros textos teatrales.

Contra la Democracia…forma parte de una trilogía, ¿Qué encierran estos
textos entre sí?

Primero escribí Contra el progreso, en 2008, que forma parte de la misma trilogía que Contra el amor y Contra la democracia, escritas respectivamente en 2009 y 2010. La idea es acercarnos a palabras positivas que han sido manipuladas en su uso masivo. Por ejemplo, no es lo mismo el progreso ‘humano’ que el progreso ‘financiero’, pero en muchas ocasiones nos llega confundido de la misma manera. La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual.

El teatro no es una conversación unidireccional; el teatro se completa con el público, con el encuentro entre esas historias y la gente. ¿Es una cadena de oprobios sobre la
misma democracia o jugamos con el poder del teatro?

Yo creo en el progreso, en el amor y la democracia. Y las obras reflejan eso aunque nos sirvamos de las convenciones teatrales para demostrar las contradicciones que rodean esos conceptos y busquemos la risa y la reflexión del público.

«La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual»

¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad? ¿Ese el punto de partida de la obra?

Esa es una de esas preguntas que se hace el espectador durante la función. Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones, preguntas que el público se lleve a casa y que les dé un par de vueltas si tiene tiempo cuando, por ejemplo, va conduciendo en coche o cuando está almorzando el día después.

¿Cómo se trabaja con Antonio Guijosa, José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio? ¿Te lo ponen fácil o te montan una «dictadura» de tu texto?

Se trabaja muy bien. Nunca intervengo presencialmente en los ensayos de mis obras, pero estoy totalmente disponible para lo que quieran sus productores o directores o quien sea. Es un placer. A veces se trata de asesorar, otras de hablar simplemente un rato o de colaborar de mil maneras distintas en la producción. Con este equipo me di cuenta inmediatamente que había mucho talento, ambición y sentido común. Ojalá fuera así siempre.

Siempre solemos charlar, nombrar, entrevistar a los actores y directores de las obras de teatro…¿Qué importancia tiene el autor de la obra en este país? ¿Existe cantera de dramaturgos? ¿Se le da la relevancia que os merecéis?

Primero de todo quiero decir que es un honor estar en la lista de autores estrenados por Teatro del Noctámbulo. Cuando vi que seguía a David Mamet y Martin MacDonagh, pensé que estaba delante de una compañía que sabía valorar los textos. Y así ha sido. En todo caso, en términos globales y comparativos con otros países el autor aquí tiene una importancia menor. O incluso mucho menor. Como en todos los lugares, aquí existe una cantera de dramaturgos consecuente a los esfuerzos que se hacen para cuidar de ellos.

Estreno absoluto de este montaje Esteve en castellano ¿Qué supone esa primera vez para
ti?

Es la primera vez que este texto se hace en castellano en España y me siento muy contento. Pero sobretodo estoy contento que se haga en el momento adecuado y con el mejor equipo posible. Después de ver el resultado en Badajoz creo que existe un potencial muy interesante para la trayectoria del montaje.

Barcelona-Badajoz…aunque vemos que triunfa en teatros de todo el mundo ¿El público puede sentarse en las butacas con diferente parecer sobre estas 7 píldoras por el simple hecho de estar en la otra esquina del país?

Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares. Intento que el público se distancie de la obra a través del contraste en los géneros. El choque entre el humor y el horror planteado en la obra hace que la gente tenga una reacción que coincide totalmente en los diferentes lugares donde se ha representado.

Boadella, Fonstseré…háblame un poco de personajes de la talle de ellos…¿!Qué ten han aportado?
Boadella y Fontseré son clásicos indiscutibles de nuestra escena. Son referentes no sólo para mí, sino para la totalidad de la profesión. En mis textos me han influido muchos creadores, pero los montajes de Els joglars me encantan por ser la perfecta mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo, por su desafío constante a lo establecido y por una coherencia autoral envidiable.

«Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares»

Espacios donde tu obra cobra una dimensión potente, ¿dónde han brillado con más fuerza?

Los textos están disponibles en 17 idiomas y se han hecho en multitud de países con lo cual tengo un buen número de montajes de los que puedo estar orgulloso. El de Teatro del Noctámbulo es uno de ellos, pero recuerdo también diversos montajes en Alemania, Croacia, Rumania y Suiza que me han impresionado.

Entrevista Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Teatro del Noctámbulo | Cartel. Bárbara Sánchez

4 de noviembre de 2016