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  • FestCineQueer convierte Extremadura en un gran escenario para el cine, la diversidad y los derechos LGBTI

    FestCineQueer convierte Extremadura en un gran escenario para el cine, la diversidad y los derechos LGBTI

    El Festival Internacional de Cine LGBTI de Extremadura celebra su 29ª edición del 6 al 15 de noviembre con una programación que llegará a 22 localidades, diez largometrajes, 21 cortometrajes en la selección oficial y actividades educativas en 35 centros. Organizado por Fundación Triángulo Extremadura, el certamen vuelve a reunir cine, creación artística, memoria, reflexión social y participación ciudadana, con una mirada especialmente atenta al territorio rural.

    El cine tiene la capacidad de acercarnos a vidas que desconocemos, de cuestionar aquello que durante demasiado tiempo hemos considerado normal y de recuperar historias que permanecieron fuera de la pantalla, muchas veces porque tampoco encontraron espacio en la sociedad. Hace casi tres décadas, Extremadura comenzó a construir un festival alrededor de esa idea, convencida de que las imágenes podían contribuir a ampliar derechos, reconocer identidades y generar conversaciones que difícilmente se producían en otros ámbitos. Aquel proyecto ha llegado a su vigesimonovena edición convertido en una de las citas culturales más consolidadas de la región en torno a la diversidad sexual y de género.

    Del 6 al 15 de noviembre, el Festival Internacional de Cine LGBTI de Extremadura, FestCineQueer (FCQ), desplegará una programación que combina cinematografías internacionales, producciones españolas, documentales, cortometrajes y encuentros con profesionales de la cultura. La propuesta mantiene una de sus características fundamentales: extender la actividad más allá de las grandes ciudades y llevar el audiovisual a municipios donde las oportunidades de acceder a estas películas y participar en debates sobre diversidad son considerablemente menores.

    La edición de 2026 contará con sesiones en 22 localidades extremeñas, diez largometrajes y 21 cortometrajes en la selección oficial. A ello se suma una programación educativa que alcanzará 35 centros, además de talleres, conversaciones, podcasts en directo y actividades relacionadas con las artes escénicas, la moda y la creación contemporánea. Una dimensión territorial y pedagógica que ayuda a comprender la evolución de un festival que ha ido ampliando sus formatos sin abandonar su principal compromiso con la visibilidad y los derechos de las personas LGBTI.

    Diez largometrajes para recorrer diferentes realidades

    La selección de largometrajes ofrece una panorámica de las inquietudes que atraviesan buena parte del cine queer contemporáneo. La identidad, la familia, el deseo, la memoria, la represión política, la migración y las distintas formas de construir relaciones afectivas aparecen en películas procedentes de países como Francia, Canadá, Bélgica, Paraguay y España.

    Entre los títulos seleccionados figura 9 lunas, de Patricia Ortega, una producción española de 2026 que cuenta la historia de Ángel, un entrenador personal y hombre trans cuya vida cambia cuando descubre que está embarazado. La película aborda las contradicciones, decisiones y expectativas que acompañan a su protagonista, especialmente en relación con la masculinidad y su proyecto vital. Podrá verse en Villanueva de la Serena, Puebla de Obando y Alburquerque. También alrededor de la familia se desarrolla 15 pruebas de amor, de la directora francesa Alice Douard. Su protagonista, Céline, espera el nacimiento de la hija que tendrá con su esposa Nadia, pero debe enfrentarse a las dificultades legales y sociales para conseguir el reconocimiento de su maternidad. La película se proyectará en Plasencia, Villanueva de la Vera y Cáceres.

    El canadiense Eric K. Boulianne presenta Follies, una historia sobre una pareja que, después de dieciséis años de convivencia, decide abrir su relación y explorar nuevas experiencias sexuales y afectivas. Una decisión que obliga a sus protagonistas a revisar sus certezas sobre la intimidad, el compromiso y la convivencia. La película llegará a Badajoz y Jaraíz de la Vera. El humor y la animación tienen presencia con Jim Queen, de Marco Nguyen y Nicolas Athane, una producción francesa que plantea una disparatada epidemia capaz de transformar a los hombres homosexuales en heterosexuales. A través de esta premisa, sus responsables construyen una aventura por la escena gay parisina que utiliza la sátira para hablar de identidad, comunidad y pertenencia.

    La programación incorpora igualmente Cobarde, del realizador belga Lukas Dhont, ambientada durante la Primera Guerra Mundial. La película sigue a dos soldados que encuentran en el teatro una forma de escapar momentáneamente de la brutalidad del frente, mientras se enfrentan a las ideas tradicionales sobre el heroísmo y la cobardía. La relación entre sexualidad y represión política aparece en Narciso, de Marcelo Martinessi, situada en el Paraguay de 1959, bajo la dictadura de Alfredo Stroessner. Su protagonista es un joven que regresa de Buenos Aires con el rock and roll como expresión de libertad y termina convertido en una figura incómoda para una sociedad dominada por el miedo y la vigilancia. Su asesinato abre una historia que conecta deseo, violencia y autoritarismo. Completa esta parte de la selección Tangles, de Leah Nelson, una producción canadiense-estadounidense que aborda el regreso de una persona a su ciudad de origen tras el diagnóstico de alzhéimer de su madre, una experiencia que obliga a reconsiderar las relaciones familiares, los cuidados y los vínculos personales.

    El documental como espacio de memoria y reconocimiento

    El documental ocupa un lugar relevante dentro de la programación, especialmente por su capacidad para recuperar testimonios y acercarse a experiencias que todavía encuentran dificultades para obtener reconocimiento público. Lo que hacíamos en las sombras, dirigido por Sara Moralo, aborda la realidad de las personas mayores queer en España que vivieron durante la dictadura franquista la persecución de sus identidades y relaciones afectivas. A partir de un espacio comunitario en Madrid, el documental recupera las voces de quienes atravesaron décadas de represión y encuentran ahora un lugar para compartir su memoria y reconstruir vínculos. La película se proyectará el 12 de noviembre en Mérida, en la Sala Trajano, con un coloquio posterior con su directora.

    La migración y la vulnerabilidad protagonizan Cobijo, de Adrián Silvestre, que sigue las experiencias de jóvenes LGBTQ+ que, después de intentar llegar a Estados Unidos, encuentran protección en un albergue de Ciudad de Guatemala. El documental presenta las historias de Madai, Shanel, Rosmer y Victoria, personas desplazadas que deben reconstruir sus vidas después de procesos migratorios marcados por la incertidumbre y el rechazo. Por su parte, Este cuerpo mío, codirigido por Afioco Gnecco y la actriz Carolina Yuste, acompaña a Rafael durante los primeros años de su transición de género. El viaje compartido por ambos protagonistas sitúa la amistad, la aceptación y el acompañamiento en el centro de una película que se aproxima a la identidad desde una perspectiva íntima. Podrá verse el 10 de noviembre en Badajoz. Estas tres producciones permiten apreciar la amplitud de registros del documental contemporáneo, desde la recuperación de la memoria histórica hasta el relato personal, pasando por las consecuencias sociales de la discriminación y los desplazamientos forzosos.

    Los cortometrajes y las nuevas miradas

    La selección de cortometrajes vuelve a constituir uno de los principales espacios de descubrimiento del festival. El programa reúne 21 trabajos en competición, distribuidos en las sesiones denominadas Sala Deseo, Sala Disidencia, Sala Destino y Ciclo Documental. Esta organización permite agrupar propuestas con diferentes enfoques narrativos y temáticos, desde las relaciones afectivas y el deseo hasta las experiencias de disidencia, los procesos de identidad y la representación documental de realidades LGBTI. Los ciclos recorrerán localidades como Almendralejo, Mérida, Badajoz, Plasencia, Guareña, Hervás, Hornachos, Casas de Don Pedro, Herrera del Duque, Talavera la Real y Valencia de Alcántara, entre otras.

    La programación reserva asimismo un espacio específico a Vihvo. Ciclo de cine por la dignidad de las personas con VIH, compuesto por cinco cortometrajes que abordan distintas experiencias relacionadas con el virus y su estigmatización. La sesión se celebrará el 9 de noviembre en Cáceres y permitirá acercarse a una realidad en la que los avances médicos conviven todavía con prejuicios y barreras sociales.

    El cine llega a las aulas

    Una de las dimensiones más significativas de FestCineQueer es su trabajo educativo. La Sala Joven alcanzará este año 35 centros repartidos por 19 localidades, con actividades dirigidas a estudiantes y otros colectivos que encuentran en el audiovisual una herramienta para abordar la diversidad, las relaciones personales y los derechos humanos. La iniciativa llegará a institutos y centros educativos de Badajoz, Mérida, Almendralejo, Plasencia, Montijo, Zafra, Guareña, Navalmoral de la Mata, Villafranca de los Barros y otros municipios extremeños.

    La programación contempla también propuestas vinculadas a las realidades LGBTI en el mundo y a los derechos humanos, ampliando la perspectiva hacia situaciones sociales y culturales que trascienden el contexto español. La presencia del festival en los centros educativos permite desarrollar una labor que va más allá de la exhibición cinematográfica. Las películas se convierten en materiales para conversar sobre convivencia, respeto, discriminación e identidad, especialmente entre públicos jóvenes que están construyendo su manera de relacionarse con los demás.

    Del arte drag a la moda: la diversidad también se crea sobre el escenario

    FestCineQueer amplía su propuesta con actividades que conectan el cine con otras disciplinas artísticas y con los debates culturales contemporáneos. Badajoz acogerá los días 7 y 8 de noviembre el Laboratorio Drag: creación escénica y narrativas de diversidad, dirigido por el cineasta Nacho Vegas y el actor y drag queen Jorge Rivero. La actividad propone una experiencia práctica de creación en la que las personas participantes trabajarán en la construcción de personajes, su expresión escénica y su adaptación al lenguaje audiovisual. El laboratorio incluirá trabajo interpretativo, rodaje y proyección de los resultados.

    El arte drag tendrá otra cita en Guareña, el 12 de noviembre, con una sesión participativa protagonizada por la drag queen Femurosa. Bajo el título El arte drag como patrimonio escénico contemporáneo y cultura popular, la propuesta recorrerá sus orígenes, evolución y principales referentes, prestando especial atención a su dimensión artística y a su relación con la cultura española y extremeña. La moda será protagonista en Plasencia el 9 de noviembre, con un encuentro conducido por el artista extremeño JM Cruz. La conversación abordará la indumentaria como herramienta de expresión e identidad, estableciendo conexiones entre la tradición textil de Extremadura, la artesanía y las reinterpretaciones contemporáneas de la moda.

    También se celebrarán encuentros vinculados al audiovisual y a la creación cultural. En Mérida, Sara Moralo, Pilar Díaz y Eneida Sosa participarán el 10 de noviembre en un diálogo dirigido a futuros profesionales del sector, donde se reflexionará sobre la relación entre cultura, género y creación contemporánea. A estas propuestas se suman las sesiones de Desenfocadas, centradas en las experiencias de mujeres lesbianas, bisexuales y trans, que tendrán lugar en Mérida y Montijo, así como un cinefórum dedicado a repensar la masculinidad, programado en Badajoz el 13 de noviembre.

    El orgullo también vive en los pueblos

    La extensión territorial del festival constituye una de sus principales señas de identidad. Fundación Triángulo Extremadura mantiene su apuesta por acercar el cine LGBTI a las zonas rurales mediante el Circuito Rural Queer, una iniciativa que pretende favorecer el acceso a la cultura, generar referentes y promover espacios de encuentro en municipios alejados de los principales circuitos cinematográficos. La propuesta adquiere especial relevancia en una comunidad como Extremadura, donde la dispersión geográfica y las diferencias de acceso a determinadas actividades culturales pueden condicionar las oportunidades de participación.

    Dentro de esta línea se desarrolla Mi pueblo también es mi orgullo, un podcast en directo inspirado en las conversaciones tradicionales al fresco. La iniciativa llegará a Hornachos el 12 de noviembre y a Hervás el día 13, reuniendo testimonios sobre diversidad, vida rural, LGBTIfobia y espacios seguros. La actividad plantea una conversación abierta con personas LGBTI que viven o han vivido en entornos rurales, donde las relaciones comunitarias, la cercanía y la visibilidad pública pueden adquirir características muy diferentes a las de las grandes ciudades. El programa combina estas conversaciones con actuaciones culturales y participación del público, reforzando una de las ideas que atraviesan esta edición: el acceso a la cultura y a la representación de la diversidad no debería depender del tamaño de la localidad en la que se vive.

    De Cáceres a Badajoz, diez días de festival

    La vigesimonovena edición comenzará oficialmente el viernes 6 de noviembre con una gala inaugural en la Filmoteca de Extremadura de Cáceres, a partir de las 20.30 horas. La jornada concluirá con una fiesta de inauguración, dando paso a diez días de proyecciones y actividades repartidas por la región. Badajoz tendrá una presencia destacada en la programación. Además del laboratorio drag y el cinefórum sobre masculinidades, la ciudad acogerá diferentes sesiones cinematográficas en la Filmoteca de Extremadura, ubicada en Factoría Joven, y en la Residencia Universitaria Hernán Cortés. El martes 10 de noviembre se proyectarán Este cuerpo mío, a las 18.00 horas, y Follies, a las 20.30. El jueves 12 será el turno de Tangles, a las 18.00 horas, y Jim Queen, a las 20.30. Mérida, por su parte, contará con proyecciones como Tangles, Lo que hacíamos en las sombras y Cobarde, además de encuentros profesionales y actividades participativas. Cáceres acogerá, entre otras propuestas, Cobijo, 15 pruebas de amor y Cobarde.

    El sábado 14 de noviembre tendrá lugar la gala de clausura en el Palacio de Congresos Manuel Rojas de Badajoz, a partir de las 20.30 horas. La celebración continuará con una fiesta en Ku Bar, con la participación de la drag queen Skoria. La programación todavía se extenderá hasta el domingo 15, con sesiones en localidades como Alburquerque, Talavera la Real y Navalmoral de la Mata.

    Veintinueve ediciones construyendo cultura y visibilidad

    La trayectoria de FestCineQueer permite observar cómo han cambiado las formas de representar la diversidad sexual y de género en el audiovisual, pero también cómo han evolucionado las conversaciones sociales que acompañan a esas imágenes. Durante estos años, el festival ha mantenido una relación estrecha entre creación cinematográfica, participación ciudadana y defensa de los derechos humanos. Su programación de 2026 vuelve a demostrar que el cine puede abordar cuestiones complejas desde registros muy diferentes, incorporando el humor, la ficción histórica, el documental, la animación o el relato autobiográfico.

    La presencia de nuevas producciones internacionales convive con historias sobre la memoria de la represión franquista, las dificultades de las familias diversas, las experiencias de las personas trans y la vida LGBTI en entornos rurales. Al mismo tiempo, los encuentros y actividades paralelas permiten que esas cuestiones continúen desarrollándose fuera de las salas de proyección. A las puertas de cumplir treinta ediciones, FestCineQueer mantiene así un modelo de festival que entiende la cultura como una herramienta de participación y transformación social, con una programación que conecta ciudades y pueblos, generaciones y disciplinas artísticas. Una propuesta que vuelve a situar a Extremadura en el mapa del cine LGBTI y que, durante diez días de noviembre, ofrecerá nuevas oportunidades para descubrir películas, escuchar experiencias y ampliar las miradas sobre una sociedad diversa.

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  • Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    En 1976 Wolf Vostell convirtió Los Barruecos en el punto de partida de uno de los proyectos artísticos más singulares de España. Cincuenta años después, el Museo Vostell Malpartida reúne paisaje, patrimonio industrial, Fluxus, videoarte, instalaciones, memoria documental y algunos de los nombres esenciales de la creación contemporánea internacional.

    En 1976 el Museo Vostell Malpartida todavía no tenía la dimensión, las colecciones ni la estructura que hoy conocemos. Los Barruecos eran ya ese extraordinario paisaje de granito y agua modelado durante siglos por la naturaleza y por la actividad humana, pero resultaba difícil anticipar que aquel espacio, situado a pocos kilómetros de Cáceres y lejos de los grandes centros europeos del arte, terminaría formando parte de una de las experiencias culturales más singulares nacidas en Extremadura durante la segunda mitad del siglo XX.

    España acababa de entrar en una etapa completamente nueva tras la muerte de Franco y Extremadura estaba todavía lejos de contar con la estructura institucional y cultural que desarrollaría con la democracia y la autonomía. Madrid concentraba buena parte de la actividad artística nacional y ciudades como París, Berlín, Colonia o Nueva York marcaban algunas de las coordenadas internacionales de la creación contemporánea. Malpartida de Cáceres quedaba aparentemente fuera de aquel mapa, aunque esa posición periférica terminaría formando parte de la personalidad del proyecto.

    Wolf Vostell encontró en Los Barruecos un territorio que conectaba con su manera de entender el arte y con una idea que había recorrido buena parte de su trayectoria: acercar creación y vida hasta hacer difícil distinguir dónde terminaba una y comenzaba la otra. Entre las grandes rocas graníticas, las charcas, el ganado, las aves y las construcciones vinculadas durante siglos a la actividad ganadera comenzó a tomar forma un museo que no había sido diseñado previamente para buscar después una ubicación. Fue el encuentro con el lugar el que terminó provocando el proyecto. El 30 de octubre de 1976, VOAEX (Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura) situó un automóvil envuelto en hormigón entre las rocas de Los Barruecos. Aquella intervención marcaría el punto de partida de una historia que durante los siguientes cincuenta años conectaría Malpartida con algunas de las corrientes, artistas y debates fundamentales del arte contemporáneo internacional.

    De Alemania a Extremadura

    Wolf Vostell había nacido en Leverkusen en 1932 y su infancia quedó atravesada por la Segunda Guerra Mundial, una experiencia que posteriormente aparecería, directa o indirectamente, en numerosas obras. Violencia, destrucción, medios de comunicación, tecnología, información y comportamiento humano fueron incorporándose a un lenguaje artístico que acabaría situándolo entre las figuras relevantes de la renovación artística europea de la segunda mitad del siglo XX. Durante su juventud viajó a París y entró en contacto con los nuevos lenguajes que estaban transformando el arte europeo. España comenzó también a ocupar un lugar importante en su trayectoria. Goya, Zurbarán y la tradición artística española despertaron su interés y en París conoció Las Hurdes, tierra sin pan, de Luis Buñuel, una película que introducía Extremadura en su imaginario antes de que la región adquiriera una dimensión mucho más personal en su vida.

    Ese interés lo condujo hasta Guadalupe, donde buscaba acercarse a la obra de Zurbarán conservada en el monasterio y donde se produjo un encuentro que acabaría modificando definitivamente su relación con Extremadura. Allí conoció a Mercedes Guardado, una joven extremeña que acababa de terminar sus estudios de Magisterio. La relación avanzó rápidamente y ambos se casaron en enero de 1959 en la iglesia de Santiago de Cáceres. Desde entonces Extremadura dejó de ser para Vostell únicamente un territorio de interés artístico para convertirse también en espacio familiar y vital. Mercedes acompañaría buena parte de su trayectoria, participaría activamente en el entorno artístico que fue creciendo alrededor del creador alemán y desempeñaría posteriormente un papel decisivo en la continuidad del proyecto de Malpartida. Su casa se convirtió en lugar de encuentro para artistas y su presencia fue inseparable de una historia que hoy reconoce esa aportación en la Colección Wolf y Mercedes Vostell.

    Los Barruecos

    Vostell llegó por primera vez a Malpartida de Cáceres en 1974 y encontró un paisaje muy diferente al de los espacios convencionales en los que acostumbraba a presentarse el arte contemporáneo. Los Barruecos reunían enormes formaciones graníticas, agua, caminos, aves, ganado y restos de actividades económicas desarrolladas durante siglos, además del antiguo Lavadero de Lanas, estrechamente relacionado con la trashumancia y con una parte importante de la memoria rural extremeña.

    Su interés por aquel entorno superó pronto la contemplación estética. Vostell entendió que el paisaje podía incorporarse al propio discurso artístico y que la relación entre naturaleza, actividad humana y creación ofrecía posibilidades que difícilmente podían reproducirse en una sala convencional. De esa mirada surgió el museo. Los Barruecos no fueron elegidos para albergar un proyecto previamente definido, sino que participaron en su propia concepción. Desde entonces, el territorio dejó de funcionar únicamente como fondo de las obras y pasó a convertirse en uno de los elementos que explican su identidad. Esa relación continúa determinando la experiencia de la visita cincuenta años después. El museo comienza antes de atravesar sus puertas. La carretera, las grandes rocas, las charcas, las cigüeñas, el ganado y los cambios del paisaje acompañan el recorrido hasta el antiguo Lavadero de Lanas y sitúan al visitante en un espacio donde patrimonio natural, memoria histórica y creación contemporánea conviven de una manera difícil de encontrar en otros museos.

    Del Lavadero de Lanas al museo

    La incorporación del antiguo Lavadero de Lanas permitió ampliar considerablemente las posibilidades del proyecto. El Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres consiguió adquirir el conjunto de edificios, entonces muy deteriorados, y ponerlos a disposición de su desarrollo, una decisión fundamental para que las primeras intervenciones en Los Barruecos pudieran avanzar hacia una estructura museística más ambiciosa.

    El edificio aportaba además una dimensión que encajaba especialmente bien con la concepción de Vostell. Su historia estaba relacionada con la lana, la trashumancia, el trabajo y las rutas que durante siglos habían atravesado Extremadura. La llegada del arte contemporáneo no borró esa memoria, sino que añadió una nueva capa a un lugar que ya tenía una historia propia. El respaldo institucional resultó esencial desde aquellos primeros años. El Ayuntamiento desempeñó un papel determinante y la Universidad de Extremadura aportó también el apoyo de profesores que conocían la trayectoria internacional de Vostell y comprendieron la relevancia de lo que comenzaba a desarrollarse en Malpartida. Con el paso de los años se incorporaría de manera decisiva la Junta de Extremadura, especialmente durante el proceso de consolidación institucional y recuperación arquitectónica que permitiría la apertura estable del museo en la década de los noventa.

    El recorrido no fue sencillo ni lineal. Hubo avances, dificultades y desencuentros en una Extremadura que construía al mismo tiempo su autonomía y debía atender importantes necesidades sociales y de infraestructuras. En ese contexto fue tomando cuerpo una institución dedicada a lenguajes artísticos que todavía resultaban desconocidos para una parte considerable de la sociedad.

    Malpartida entra en el mapa internacional

    Mientras el proyecto avanzaba institucionalmente, la trayectoria de Vostell conectaba Malpartida con una red artística que llevaba años atravesando Europa y Estados Unidos. El creador alemán había trabajado con el dé-coll/age, el happening, las acciones y la televisión como material artístico y mantenía una relación estrecha, aunque siempre desde su propia independencia creativa, con el universo Fluxus.

    Fluxus había reunido desde comienzos de los años sesenta a creadores interesados en cuestionar las fronteras entre música, artes visuales, literatura, performance y vida cotidiana. El objeto común, el sonido, el gesto, el azar, el humor o una acción aparentemente insignificante podían adquirir una nueva dimensión artística y desplazar los límites tradicionales de la obra de arte. Esa red internacional comenzó a encontrar también su espacio en Extremadura. Artistas, críticos, coleccionistas, investigadores y responsables de instituciones culturales viajaron hasta Malpartida y participaron en actividades, encuentros y proyectos que situaron a la localidad dentro de un circuito que hasta entonces parecía muy alejado de la región.

    Nombres como Nam June Paik, Yoko Ono, George Maciunas, George Brecht, Robert Filliou, Ben Vautier o Daniel Spoerri forman parte del contexto artístico y de las colecciones vinculadas a Fluxus que permiten entender la dimensión internacional alcanzada por el museo. Malpartida no necesitó reproducir los modelos de Berlín, París, Colonia o Nueva York para incorporarse a esa geografía. Su singularidad estaba precisamente en conservar aquello que ninguna de esas ciudades podía ofrecer: Los Barruecos, el paisaje extremeño, el antiguo Lavadero de Lanas y una relación entre arte y territorio imposible de trasladar intacta a otro lugar.

    La vanguardia y el pueblo

    La dimensión internacional convivió desde muy pronto con la voluntad de conectar el proyecto con Malpartida. Vostell incorporó a las primeras actividades elementos procedentes de los conocimientos, costumbres y formas de vida del pueblo, estableciendo un diálogo entre la experimentación artística y una cultura popular que formaba parte del territorio. Durante las primeras Semanas de Arte Contemporáneo, a finales de los setenta, happenings, performances y conciertos Fluxus compartieron espacio con fotografías, herramientas de trabajo, objetos tradicionales, gastronomía y otras manifestaciones relacionadas con la vida cotidiana. Mujeres, personas mayores y vecinos participaron en distintas experiencias y dejaron de ocupar exclusivamente el papel de espectadores de una vanguardia llegada desde fuera. Aquella convivencia entre prácticas aparentemente tan alejadas respondía a una de las ideas que Vostell defendió durante su relación con Extremadura: «No hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición». Los Barruecos permitían comprobar esa relación de una manera especialmente directa. El arte internacional no sustituía la identidad del lugar, sino que se incorporaba a ella.

    Dalí y Parsifal

    Otro momento importante en la consolidación del museo llegó en 1988 con la instalación del monumental telón de Parsifal, realizado por Salvador Dalí para la representación de la ópera de Richard Wagner dirigida por Vostell. La obra incorporaba al museo una de las firmas más reconocibles del arte del siglo XX, pero su importancia iba más allá del nombre de Dalí. El telón estaba relacionado con la lectura escénica realizada por Vostell sobre la obra de Wagner y establecía un nuevo vínculo entre artes plásticas, música y representación. Su llegada proporcionó además una enorme visibilidad al proyecto extremeño y coincidió con una etapa de mayor implicación institucional de la Junta de Extremadura. El museo avanzaba así desde las primeras intervenciones y actividades de los setenta hacia una estructura cultural cada vez más consolidada, capaz de conservar obras de gran formato y de relacionar su colección con figuras fundamentales de la creación internacional.

    Fluxus en Los Barruecos

    Una de las principales fortalezas actuales del Museo Vostell Malpartida se encuentra en sus colecciones y en la posibilidad de recorrer a través de ellas algunos de los grandes cambios que experimentó el arte durante la segunda mitad del siglo XX. La Colección Fluxus reúne obras y documentación relacionadas con protagonistas esenciales del movimiento. A ella se suman la colección conceptual y el conjunto dedicado a Wolf y Mercedes Vostell, configurando un recorrido en el que aparecen televisores, automóviles, hormigón, pianos, motocicletas, objetos domésticos, instalaciones, fotografías y documentos. Aquellos artistas cuestionaron hace décadas asuntos que hoy forman parte de nuestra relación cotidiana con la imagen, los medios y la tecnología. Vostell comenzó a introducir televisores en sus obras cuando el aparato todavía representaba una novedad capaz de concentrar la atención de quienes se detenían ante un escaparate. En 2026, esa relación con la pantalla se ha multiplicado hasta acompañarnos prácticamente durante todo el día. La obra adquiere así nuevas lecturas sin necesidad de separarla del momento histórico en el que fue creada. La saturación de imágenes, la relación entre información y violencia, el poder de los medios de comunicación o la transformación tecnológica de nuestra percepción continúan formando parte de debates plenamente contemporáneos.

    De aquellas primeras televisiones a la cultura digital

    Cáceres ocupa además un lugar curioso en la relación de Vostell con la televisión. A finales de los años cincuenta, durante sus paseos por la ciudad junto a Mercedes, el artista observó a numerosas personas detenidas frente al escaparate de un establecimiento donde se exhibía uno de aquellos primeros aparatos. La capacidad de la televisión para atraer las miradas despertó su interés y terminó vinculándose a una investigación artística que lo situaría entre los pioneros en utilizar este medio como material creativo. Vostell comenzó a filmar, intervenir y alterar la imagen televisiva en una época en la que la tecnología audiovisual apenas había comenzado a transformar los hogares. Aquellas investigaciones se desarrollaron en paralelo a las experiencias de otros artistas fundamentales como Nam June Paik y contribuyeron a ampliar las posibilidades del videoarte.

    Sesenta años después, esa condición pionera plantea también problemas muy concretos de conservación. El museo mantiene numerosas pantallas integradas en instalaciones concebidas con tecnologías que han desaparecido del mercado. Algunos televisores ya no pueden sustituirse por modelos equivalentes y cada intervención obliga a estudiar cómo preservar tanto el funcionamiento técnico como la naturaleza artística de la pieza. El desarrollo tecnológico que dio sentido a muchas de aquellas obras se ha convertido así en uno de los grandes desafíos para conservarlas.

    Sol en tu cabeza: cincuenta años después, Vostell vuelve a mirar las pantallas

    El Museo Vostell Malpartida celebra su cincuenta aniversario con una exposición que recupera una de las investigaciones fundamentales del artista alemán y la pone en relación con la creación audiovisual contemporánea. Bajo el título Sol en tu cabeza (Sun in Your Head), la muestra, comisariada por Levin Vostell, director artístico del museo, podrá visitarse desde el 17 de octubre de 2026 hasta el 14 de marzo de 2027. La propuesta, coproducida con el Goethe-Institut Madrid y apoyada por la Embajada de Alemania en Madrid, revisa la manera en que Wolf Vostell comenzó a utilizar la imagen televisiva como material artístico a finales de los años cincuenta, cuando la televisión apenas había iniciado su expansión en los hogares europeos.

    La exposición toma su nombre de Sun in Your Head, la película que Vostell realizó en 1963 y transfirió a vídeo en 1967. En ella filmó directamente la pantalla de un televisor, interviniendo sobre la emisión hasta descomponer las imágenes y alterar su continuidad. Aquella experimentación, desarrollada cuando el medio televisivo comenzaba a transformar la comunicación de masas, anticipó algunas de las posibilidades que posteriormente explorarían el videoarte y las instalaciones audiovisuales. La muestra presenta la película junto al televisor Grundig original utilizado por el artista durante su producción. El recorrido permite además regresar a Cáceres y a 1958, cuando Vostell comenzó el ciclo Transmigración, integrado por sus primeras pinturas con televisores en funcionamiento. Entre las piezas seleccionadas figura Transmigración III, realizada aquel año en Cáceres y perteneciente a la colección del museo. La ciudad extremeña ocupa así un lugar significativo en los comienzos de una investigación artística que continuaría desarrollándose durante las décadas siguientes, desde las primeras intervenciones sobre la imagen televisiva hasta su incorporación a espacios e instalaciones cada vez más complejos.

    Entre las obras reunidas destaca también 6 TV Dé-coll/age, presentada originalmente en 1963 en la Smolin Gallery de Nueva York y representada en la exposición mediante su reconstrucción de 1995, perteneciente al Museo Reina Sofía. La instalación reúne seis televisores cuyas emisiones manipuladas transforman la pantalla en parte de un espacio que el espectador puede recorrer, una experiencia considerada entre los antecedentes de la videoinstalación. Junto a ella aparece You, de 1964, reconstruida también en 1995, que incorpora camas de hospital, televisores y antenas y permite observar cómo Vostell relacionó sus investigaciones audiovisuales con el happening, la participación del espectador y la presencia física del cuerpo.

    La revisión histórica se amplía con la participación del artista alemán Julian Rosefeldt, cuya obra establece un diálogo con las investigaciones de Vostell desde una perspectiva contemporánea. Mientras este último intervenía sobre las emisiones televisivas hasta alterar y fragmentar las imágenes, Rosefeldt examina los mecanismos de construcción visual del cine y de los medios de comunicación mediante instalaciones cuidadosamente coreografiadas. La exposición incluye tres de sus trabajos: Deep Gold (2013-2014), relacionado con una reinterpretación de La edad de oro de Luis Buñuel; The Swap (2015), donde una escena de intercambio entre bandas se transforma en una coreografía repetitiva; y Meine Heimat ist ein düsteres, wolkenverhangenes Land (2011), una instalación de cuatro canales que aborda las representaciones culturales e ideológicas del paisaje alemán.

    El diálogo continúa con un programa internacional de vídeo distribuido por el antiguo Lavadero de Lanas, con obras de Nevin Aladağ, Natalie Bookchin, Daniel Canogar, Nezaket Ekici, Eva & Franco Mattes, Björn Melhus, Rosa Menkman y Sabrina Ratté. Sus propuestas trabajan con imágenes encontradas, interferencias, alteraciones de señal, errores digitales y distorsiones algorítmicas, procedimientos que permiten establecer conexiones con las investigaciones que Vostell desarrolló sobre la televisión analógica hace más de sesenta años.

    La exposición introduce de este modo una perspectiva contemporánea en el aniversario del museo. En una época marcada por la circulación constante de imágenes, las redes sociales, la inteligencia artificial y la producción audiovisual mediante algoritmos, las primeras experiencias de Vostell permiten revisar la relación entre las imágenes y nuestra percepción de la realidad. Aquella fascinación inicial ante los televisores que comenzaban a aparecer en los escaparates de finales de los cincuenta encuentra ahora un escenario muy diferente, con pantallas presentes en prácticamente todos los ámbitos de la vida cotidiana. Sol en tu cabeza recupera así una parte esencial de la trayectoria de Wolf Vostell y amplía el recorrido del cincuentenario hacia artistas que continúan investigando las posibilidades expresivas y críticas de la imagen. La celebración incorpora una exposición que relaciona el nacimiento del videoarte, la historia del museo y algunas de las cuestiones que atraviesan actualmente la creación audiovisual internacional.

    El Archivo Happening Vostell

    Las salas y las obras expuestas representan solamente una parte del patrimonio conservado en Malpartida. El Archivo Happening Vostell reúne un importante fondo de documentos, fotografías, correspondencia, publicaciones, materiales gráficos y testimonios relacionados con Vostell, Fluxus, el happening y las redes internacionales del arte experimental.

    Su importancia amplía la función del museo hacia la investigación y la documentación. Historiadores, especialistas y universidades encuentran en estos fondos materiales capaces de reconstruir proyectos, relaciones personales y profesionales entre artistas, acciones desaparecidas y procesos creativos que de otra manera resultarían difíciles de estudiar. Cartas, fotografías, bocetos y publicaciones permiten además seguir el funcionamiento de una red artística internacional construida mucho antes de la comunicación digital. Malpartida conserva así no solamente las obras, sino también una parte de la documentación necesaria para comprender cómo fueron concebidas, compartidas y desarrolladas. La catalogación, investigación y digitalización progresiva de estos fondos representa una de las principales posibilidades de crecimiento del museo como centro de referencia para el estudio de Vostell, Fluxus y el happening.

    Cincuenta años después

    El Museo Vostell Malpartida alcanza su cincuentenario con un patrimonio excepcional y con necesidades derivadas precisamente de su historia y de las características del lugar donde se encuentra.  El cincuentenario permite observar el camino recorrido desde 1976, pero también sitúa al museo ante una nueva etapa. Investigación, digitalización, conservación, conexión con universidades, programación y relación con nuevas generaciones forman parte de un futuro de crecimiento como espacio cultural. Dentro de ese contexto, el Museo Vostell aporta algo construido durante cinco décadas: una conexión real entre Extremadura y la creación contemporánea internacional, sostenida a través de artistas, exposiciones, colecciones, investigaciones y encuentros que han convertido Malpartida en un punto reconocible dentro de la historia del arte experimental europeo.

    Un museo ligado a su lugar

    Imaginar el Museo Vostell en Berlín, París, Londres o Nueva York supone eliminar precisamente una parte esencial de aquello que explica su singularidad. Los Barruecos, el Lavadero de Lanas, la memoria de la trashumancia, el paisaje, las aves, el ganado y la propia relación histórica con Malpartida forman parte de una identidad construida durante cincuenta años.

    También pertenecen a ella aquel encuentro entre Wolf Vostell y Mercedes Guardado, las primeras intervenciones entre las rocas, los vecinos participando en happenings, los artistas internacionales viajando hasta Extremadura, el automóvil cubierto de hormigón en 1976, el telón de Dalí, las colecciones Fluxus y un archivo que continúa proporcionando nuevas posibilidades de investigación. El Museo Vostell Malpartida no necesitó parecerse a los grandes centros internacionales del arte contemporáneo para formar parte de esa historia. Su aportación procede precisamente de haber desarrollado desde Extremadura un modelo propio en el que creación internacional, patrimonio, naturaleza y memoria rural han convivido durante medio siglo. Wolf Vostell encontró en Los Barruecos el lugar desde el que desarrollar aquella idea. Cincuenta años después, el paisaje que la hizo posible continúa formando parte inseparable del museo.

  • «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    El proyecto impulsado por la Diputación de Cáceres y coordinado por el artista extremeño Sojo ha convertido los muros de numerosas localidades de la provincia en espacios de creación, convivencia y patrimonio contemporáneo. En su undécima edición, Muro Crítico ha consolidado un modelo que traspasa Extremadura y que entiende el arte urbano desde el territorio, la identidad de los pueblos y la relación directa entre artistas y vecinos.

    Llegamos a Portaje y los artistas ya forman parte durante unos días del paisaje cotidiano del pueblo. Hay pintura, escaleras, plataformas, grúas, paredes que comienzan a transformarse y vecinos que se detienen, preguntan o simplemente observan cómo avanza un trabajo que dentro de unos días permanecerá allí cuando quienes lo están realizando hayan seguido camino hacia otro lugar. No se trata únicamente de contemplar una obra terminada. Una parte importante de Muro Crítico sucede precisamente durante ese proceso.

    El portugués Tiago Hesp, el vasco Nex y el gallego Joseba MP trabajan esta semana en la localidad cacereña bajo el comisariado de Sojo, ilustrador y artista urbano extremeño que comenzó vinculado al grafiti y que hoy desarrolla una trayectoria profesional que combina su propia creación con la coordinación de un proyecto que cumple once ediciones.

    Muro Crítico nació en 2016 de la mano de la Diputación de Cáceres y ha crecido al mismo tiempo que lo hacía el muralismo contemporáneo en Extremadura. Lo que comenzó con un mural por localidad se ha convertido en una intervención mucho más amplia: tres artistas, tres obras, varios días de convivencia, talleres participativos y una visita final en la que los propios creadores explican qué han hecho, por qué lo han hecho y de qué manera el lugar ha influido en su propuesta. Once años después, la llegada de Muro Crítico a una localidad ya no provoca aquella extrañeza de las primeras ediciones. Sojo asegura que ahora es frecuente escuchar una frase que resume hasta qué punto el proyecto ha conseguido hacerse reconocible en la provincia: «Por fin nos ha tocado a nosotros».

    Una red de arte contemporáneo en el territorio

    Jonatan Carranza Sojo, artista y coordinador del proyecto, sitúa los antecedentes del proyecto alrededor de 2015, en un momento especialmente interesante para el arte urbano extremeño. Muchos artistas que llevaban años trabajando comenzaban a desarrollar proyectos de mayor dimensión y visibilidad, mientras el muralismo avanzaba hacia una profesionalización que permitía afrontar trabajos cada vez más complejos. Él mismo pinta desde 1993, aunque no fue hasta 2015 cuando decidió dar el salto profesional. En aquel contexto se produjo el encuentro con la Diputación de Cáceres, interesados en poner en marcha alguna iniciativa relacionada con el arte urbano, apostando con más fuerza por este atractivo cultural y patrimonial de la provincia cacereña.

    —Muro Crítico cumple once ediciones. ¿Cómo surge realmente el proyecto?

    —Coincidieron varias circunstancias. Por una parte, empezábamos a despuntar muchos artistas urbanos de la región, desarrollando proyectos grandes, con visibilidad y calidad. Nosotros llevábamos pintando toda la vida; yo, por ejemplo, desde 1993. Había llegado un momento de mucha profesionalidad entre los artistas extremeños y, al mismo tiempo, desde Diputación existía interés por hacer algo relacionado con el arte urbano. Nos reunimos y, entre las posibilidades de la administración y nuestro conocimiento de cómo funcionaba el muralismo, dimos forma al primer Muro Crítico.

    Aquella primera experiencia poco tenía que ver con la dimensión que alcanzaría posteriormente. Sojo recuerda Coria como una de las primeras localidades. El mural se realizó en un parque de una zona residencial y prácticamente pasó inadvertido. Después llegaron otros pueblos y comenzó a producirse algo que acabaría siendo fundamental para entender el proyecto: los habitantes empezaron a apropiarse de la actividad. En algunas localidades aparecieron carpas, música, comida y vecinos acompañando durante horas a los artistas. El mural dejaba de ser únicamente el resultado final para convertirse durante varios días en un acontecimiento cultural y social.

    —¿Ahí descubrís que alrededor de una pared podían suceder muchas más cosas?

    —Es una consecuencia del propio arte urbano. Estás pintando en la calle, completamente expuesto, y durante ese tiempo eres un vecino más. La gente se acerca, habla contigo, pregunta, te ofrece agua, fruta o lo que tenga. Se genera comunidad. Si sabes articular todo eso, puedes reactivar durante unos días la vida de un pueblo.

    De un mural a una semana de convivencia

    El formato ha cambiado considerablemente durante estos once años. Muro Crítico comenzó realizando un mural por pueblo durante un fin de semana. Actualmente son tres obras por localidad y los artistas trabajan de lunes a viernes. Detrás de ese cambio existe también una reivindicación profesional que Sojo considera importante. Quienes participan son artistas, pero también trabajadores autónomos con horarios, familias y necesidades de conciliación. El proyecto ha intentado incorporar esa realidad a medida que ha madurado. A los tres murales se suma un taller participativo, normalmente al final de la semana. Los vecinos que durante varios días han contemplado cómo una pared se transforma pueden experimentar entonces el proceso desde dentro y realizar conjuntamente su propia intervención.

    —¿Qué aporta esa participación vecinal?

    —Cierra el círculo. Han visto durante toda la semana cómo arrancan los murales y cómo de la nada empiezan a aparecer las obras; han hablado con los artistas y les han preguntado. Al final les ofrecemos la posibilidad de participar ellos mismos en un proceso creativo y de ejecución. Además, tienen que ponerse de acuerdo y trabajar juntos. Personas que quizá habitualmente no se relacionan terminan compartiendo una experiencia. La semana concluye con una visita guiada que dirige el propio Sojo. Allí se contextualiza Muro Crítico, se explica la apuesta cultural de la Diputación de Cáceres y, sobre todo, se cede la palabra a los autores para que expliquen sus obras directamente a quienes van a convivir con ellas.

    Portaje: leer un pueblo antes de pintar su pared

    Uno de los ejemplos más interesantes de esta edición está en Portaje. Frente a nosotros aparece la intervención de Tiago Hesp, una composición abstracta que aparentemente podría haber sido concebida en cualquier otro lugar. Sin embargo, Sojo comienza a desmenuzarla y el mural cambia por completo. Antes de trabajar sobre la pared ha existido una investigación. El artista portugués estudió el origen de Portaje, su nombre y su condición histórica como zona de paso, vinculada a la orografía del territorio. A partir de ahí aparecen referencias al relieve, al cuarzo, a los ríos Tajo y Alagón y a diferentes formas geométricas presentes en el entorno. La letra V se repite de manera sutil en la confluencia de los ríos, en las montañas y en elementos arquitectónicos del municipio.

    —Precisamente una obra abstracta puede resultar más difícil de interpretar para un vecino. ¿Es importante explicar todo ese proceso?

    —Muchísimo. Alguien podría pensar que Tiago ha cogido un cuadro suyo y simplemente lo ha colocado aquí, pero no es así. Está completamente contextualizado. Hay una investigación del pueblo y muchos elementos muy sutiles. Cuando hagamos la visita final, él podrá explicarlo y los vecinos podrán preguntarle directamente. Después serán ellos mismos quienes puedan transmitir esa historia.

    Esta forma de trabajar resume una de las claves de Muro Crítico. Los artistas no llegan con un catálogo de imágenes predeterminadas para reproducirlas en cualquier pared. Existe un estudio previo de cada municipio y un trabajo de comisariado para encontrar la relación adecuada entre creador, espacio y territorio.

    «En el trabajo de comisariado hago un poco de casamentero»

    Las localidades participantes son seleccionadas por la Diputación de Cáceres dentro de su programación cultural, atendiendo también a las solicitudes de los propios municipios. A partir de ahí comienza el trabajo de campo. Sojo visita los pueblos, conversa con los ayuntamientos, explica el proyecto, localiza paredes y estudia posibles temas. Los muros pueden ser públicos o privados; lo importante es que funcionen dentro del conjunto y permitan establecer posteriormente un recorrido coherente por la localidad. Después llega la selección de los artistas.

    —¿Cómo decides que Tiago, Nex, Joseba MP o cualquier otro creador tiene que estar precisamente en un pueblo y en un muro concreto?

    —Con toda la información que he recopilado sobre el pueblo la cruzo con la que tengo de los artistas que están en activo, los temas que trabajan, sus líneas creativas, los colores, las formas o los matices. Siempre digo que el comisario hace un poco de casamentero. Uno al pueblo con un artista que todavía no sabe que quiere a ese artista. El éxito está en conseguir que su lenguaje pictórico y su trabajo terminen precisamente en el muro en el que mejor podían estar. Esa filosofía evita convertir Muro Crítico en una sucesión de encargos decorativos. El artista conserva su lenguaje y su capacidad creativa.

    —Por tanto, no pedís al artista que llegue y pinte aquello que tradicionalmente identifica al pueblo.

    —No. No son murales de encargo. No obligamos a nadie a pintar unas gallinas, un burro o una escena tradicional determinada. Puede aparecer, por supuesto, si forma parte del proceso creativo, pero el artista tiene capacidad para crear y aportar un patrimonio que antes no existía.

    Del grafiti al arte urbano y del arte urbano al «arte rural»

    La propia evolución del proyecto permite observar también cómo ha cambiado la percepción social del muralismo. Sojo procede del grafiti y reivindica esa parte de su historia, pero considera que reducir el arte urbano contemporáneo al grafiti significa ignorar varias décadas de evolución. Hoy conviven artistas procedentes de aquella cultura con otros formados en Bellas Artes que jamás han realizado grafiti. Muchos tienen una trayectoria consolidada, trabajan internacionalmente y participan en circuitos de arte contemporáneo, galerías y ferias.

    —¿Todavía hay que explicar la diferencia?

    —Cada vez menos aquí. En la provincia de Cáceres hemos conseguido que la gente entienda de qué va el arte urbano. Sabe que somos profesionales y que detrás existe un trabajo artístico. Hace un par de años estuvimos en un proyecto en la Sierra de Madrid y todavía escuchabas aquello de «nos van a hacer unos grafitis». Aquí eso prácticamente no pasa. Existe ya una cultura de mural.

    —Has hablado de arte urbano, pero buena parte de Muro Crítico sucede en localidades rurales.

    —Realmente aquí podríamos hablar de arte rural. Una obra no tiene el mismo impacto en una gran ciudad que en un pueblo. La relación con el entorno y con las personas es distinta. En las zonas rurales el arte urbano adquiere sus propios matices y se relaciona de otra manera con la población.

    ¿Por qué Muro Crítico?

    El nombre procede de los propios orígenes del programa. La iniciativa nació vinculada a una línea de Cultura Crítica de la Diputación de Cáceres, donde convivían teatro, danza, poesía y otras disciplinas con la intención de entender la cultura no solamente como entretenimiento, sino también como una herramienta capaz de provocar preguntas y conversación. En las primeras ediciones esa dimensión crítica tenía un peso especialmente fuerte. Los murales abordaban cuestiones como las guerras, la vivienda, la inmigración u otros asuntos sociales. Con los años, el propio proyecto volvió a plantearse qué significaba intervenir en municipios de pocos cientos de habitantes.

    —¿Cambió entonces vuestra manera de entender lo «crítico»?

    —Fuimos viendo que un mural sobre un conflicto internacional podía ser interesante, pero también nos preguntábamos hasta qué punto estaba contextualizado en un pueblo de doscientos habitantes. Quizá allí era necesario reforzar también la calidad artística, la creación y la identidad del propio pueblo. Hemos mantenido esa posibilidad crítica, pero la hemos unido a la creatividad y a la inspiración que proporciona cada localidad. La evolución no ha eliminado, por tanto, el significado original del nombre, sino que ha ampliado su campo de acción. La mirada crítica puede estar en un problema global, pero también en la capacidad de observar de otra manera aquello que una comunidad tiene delante todos los días.

    El pueblo como parte de la obra

    Muro Crítico deja murales, pero durante una semana también altera de manera temporal las relaciones cotidianas del municipio. Los artistas comen allí, trabajan durante horas en la calle, conversan con quienes pasan y terminan conociendo historias que difícilmente aparecerían en una investigación previa. Sojo recuerda lo sucedido unos días antes en Huélaga, otra de las localidades participantes en esta edición, donde han trabajado también Moxaico, Zaida Escobar y Jaikü 187. Al finalizar la semana y después de la visita guiada, algunos vecinos se acercaron para despedirse de los artistas con dos besos y desearles suerte en su siguiente destino. Puede parecer una anécdota menor, pero para el coordinador explica buena parte, del proyecto.

    —Después de once años, ¿qué respuesta encontráis en los pueblos?

    —Por regla general es muy positiva. Llegamos durante una semana, convivimos con ellos y hacemos algo que quizá han visto terminado en otros lugares, pero cuyo proceso nunca habían contemplado. Ven cómo trabajamos, la pasión que tenemos por el arte y cómo intentamos transformar el espacio público. Durante esos días consigues que la gente hable de arte: de lo que ha pintado uno, de lo que transmite otro, de una forma o de un color.

    Pero existe una segunda parte: los artistas se marchan y la obra permanece. La pared que hasta entonces podía pasar inadvertida se incorpora al paisaje del municipio y comienza otra vida para el mural. Lo enseñarán los vecinos, lo descubrirán quienes regresen al pueblo y lo fotografiarán quienes lleguen desde fuera. Para Sojo, esa permanencia permite hablar directamente de patrimonio contemporáneo.

    —¿Una pintura realizada esta semana puede convertirse ya en patrimonio de un pueblo?

    —Claro. Estamos generando de la nada un patrimonio nuevo. Son obras de autor, realizadas por artistas con una trayectoria y una línea de trabajo propia. Algunos de los artistas que han pasado por Muro Crítico están presentes después en ferias como Estampa o ARCO y trabajan internacionalmente. Ese arte contemporáneo queda en los pueblos de la provincia de Cáceres.

    Un modelo que ha salido de Extremadura

    Once ediciones han permitido también que la experiencia desarrollada en Cáceres sea observada desde otros territorios. El equipo de Muro Crítico ha sido requerido para desarrollar proyectos fuera de Extremadura, entre ellos una intervención de 43 murales en la Sierra Norte de Madrid, gestionada por el propio equipo.

    Sojo considera que el proyecto se ha convertido en referencia no solamente por la calidad de las obras, sino por su metodología: investigación previa, relación con los municipios, selección de artistas, contextualización de las intervenciones, convivencia y participación ciudadana. Un modelo que, como sucede con frecuencia cuando una idea funciona, también ha encontrado imitaciones y propuestas muy próximas en otros lugares.

    —¿Después de once años se puede decir que Muro Crítico ha creado una manera propia de hacer las cosas?

    —Creo que sí. Somos referentes a nivel nacional en cómo una administración puede desarrollar un proyecto de este tipo y también dentro del propio ámbito artístico, especialmente por nuestra forma de trabajar en el entorno rural. Pero eso no depende solamente de una estructura. Depende muchísimo del equipo humano.

    —Defiendes mucho al equipo cuando hablas de Muro Crítico.

    —Porque somos una familia y, además, somos artistas. No somos gestores culturales ajenos al arte urbano que hayan decidido organizar un festival. Somos artistas que hemos dado el paso de gestionar este proyecto porque queríamos hacerlo de la mejor manera posible. Entendemos cómo funciona esto, cuidamos a quienes vienen y sabemos qué necesitan. Ese cuidado se extiende también a la experiencia que se ofrece a quienes llegan desde otros lugares. Participar en Muro Crítico no significa aterrizar, pintar una pared y marcharse. El equipo intenta que los artistas conozcan Extremadura, sus pueblos, su gastronomía y su forma de vida.

    «No vienen solamente a pintar un mural; vienen a descubrir Extremadura y a formar parte de la familia de Muro Crítico»

    Sojo, del grafiti a una trayectoria internacional

    La historia de Muro Crítico también discurre paralela a la evolución profesional de su coordinador. Sojo comenzó a pintar en 1993 y dio el salto definitivo hacia la profesionalización alrededor de 2015. Desde entonces ha consolidado un lenguaje personal estrechamente relacionado con la identidad, el folclore, la cultura popular, la música y la figura femenina. Su interés por las tradiciones no parte de una lectura puramente costumbrista. Le atrae aquello que sucede cuando una persona se viste para participar en una celebración y, durante unas horas, pasa a formar parte de algo colectivo y transmitido entre generaciones. Las indumentarias, las máscaras y los rituales populares se convierten así en material para una obra contemporánea.

    —¿En qué momento profesional te encuentras ahora?

    —Estoy muy contento con cómo ha evolucionado todo. He ido creciendo como artista y consolidando mi trabajo, y eso ha hecho que me llamen para proyectos cada vez más importantes. Al mismo tiempo apareció Muro Crítico y terminé desarrollando también esta faceta como comisario. El balance es muy positivo.

    Su trabajo le ha llevado fuera de Extremadura y de España. Recuerda especialmente un mural realizado en el entorno de París, de alrededor de 47 metros de altura, donde trabajó alrededor de la música y la mujer en un área marcada por una fuerte diversidad cultural. También tiene previsto viajar a Italia, a la zona de Sorrento, para desarrollar una intervención vinculada con la indumentaria tradicional. El vínculo entre creación contemporánea e identidad que Muro Crítico persigue en los pueblos cacereños aparece así también en su propia trayectoria.

    Once años después, los muros siguen hablando

    Muro Crítico comenzó en 2016 buscando un espacio para el arte urbano dentro de la programación cultural de la Diputación de Cáceres. Once ediciones después, el proyecto ha construido algo bastante más amplio que una colección de murales. Ha generado un mapa artístico disperso por la provincia, ha llevado obra contemporánea hasta municipios alejados de los grandes circuitos culturales, ha creado relaciones entre artistas de diferentes procedencias y ha permitido que los habitantes participen en procesos creativos que normalmente contemplarían desde fuera.

    Portaje es ahora una parada más de ese recorrido. Tiago Hesp, Nex y Joseba MP terminarán sus obras, recogerán materiales y continuarán sus respectivos caminos. Como sucedió días antes en Huélaga y como ha sucedido durante once años en numerosos puntos de la provincia, ellos se marcharán y los murales permanecerán. Pero quedará también algo menos visible: las conversaciones alrededor de las paredes, las preguntas de los vecinos, el taller compartido, la explicación final de los artistas y la posibilidad de mirar de otra manera un espacio por el que se había pasado cientos de veces. Quizá ahí se encuentre una de las claves que explican la continuidad de Muro Crítico. El proyecto ha conseguido trasladar el arte contemporáneo fuera de sus espacios habituales sin convertir el territorio rural en un simple soporte. El pueblo no es el lugar donde se coloca la obra: forma parte de ella.

    Willy López / Félix Méndez

  • «Ray Loriga y David Trueba en Escribidores: una novela y una película nunca hablan exactamente el mismo idioma»

    «Ray Loriga y David Trueba en Escribidores: una novela y una película nunca hablan exactamente el mismo idioma»

    Ray Loriga y David Trueba protagonizaron, junto a Raúl Tola, la conversación inaugural de Escribidores 2026, una primera jornada que abordó las dificultades de trasladar una novela al cine, las dimensiones de la gran pantalla, el trabajo del guion y la necesidad de que el escritor aprenda a desprenderse de su propia obra.

    La literatura y el cine comparten historias, personajes, emociones y conflictos, pero hablan idiomas diferentes. Sobre esa distancia, y sobre todo lo que ocurre cuando un libro abandona la página para enfrentarse a una pantalla, comenzó en Cáceres una nueva edición de Escribidores, el Festival Literario de América y Europa, que este año se presenta bajo el lema «Pantallas y Literatura».

    El Teatro Capitol acogió una conversación inaugural en la que Ray Loriga y David Trueba, acompañados por Raúl Tola, director de la Cátedra Vargas Llosa, recorrieron varias décadas de cine y literatura para hablar de adaptaciones, guiones, recuerdos como espectadores y de esa relación no siempre sencilla entre quien escribe una novela y quien posteriormente debe convertirla en imágenes. Loriga introdujo una cuestión que muchas veces se pierde cuando hablamos del cine desde casa: la dimensión física de la pantalla también forma parte de su lenguaje. El cine hizo enormes a sus protagonistas porque literalmente los colocaba ante el espectador con unas dimensiones extraordinarias. No era lo mismo contemplar a Marilyn Monroe o Burt Lancaster ocupando una gran pantalla que ver hoy una película en el salón de casa y comprobar que, físicamente, el propio espectador puede resultar más grande que Tom Cruise.

    Esa pérdida de escala sirve también para entender que cada medio posee sus propios códigos. La literatura puede detenerse en una frase, trabajar su ritmo, entrar en un pensamiento o construir durante páginas una sensación que difícilmente encuentra una correspondencia exacta en imágenes. El fraseo literario no tiene una traducción directa al cine, del mismo modo que determinados recursos cinematográficos pierden su naturaleza cuando se intenta trasladarlos a palabras. Para Loriga, adaptar una novela exige además un ejercicio previo especialmente complicado para cualquier autor: despegarse de la vanidad y rebajar el ego. Una película necesita independizarse del libro para encontrar su propio lenguaje, incluso cuando eso supone modificar, eliminar o transformar elementos que en la obra original parecían fundamentales.

    David Trueba llevó la conversación hacia un problema mucho más práctico: el tiempo. Recordó esa referencia habitual en la escritura cinematográfica según la cual una página de guion equivale aproximadamente a un minuto de película. Una novela, por extensión, no puede trasladarse íntegramente al cine sin asumir una enorme labor de selección. Superar determinados tiempos termina pesando sobre la propia película y sobre el espectador, como recuerda aquella máxima atribuida a Alfred Hitchcock que relacionaba la duración de una película con la capacidad de la vejiga humana. Adaptar significa, por tanto, elegir. Decidir qué permanece, qué desaparece y qué puede transformarse sin que la película pierda aquello que hizo interesante al libro.

    La conversación permitió también recuperar nombres y películas que forman parte de la educación cinematográfica de varias generaciones. Trueba recordó especialmente El cochecito, de Marco Ferreri, y el impacto que le produjo verla siendo todavía muy joven dentro de La clave, el histórico programa presentado por José Luis Balbín. Aquella televisión permitía encontrarse con películas sin demasiadas clasificaciones previas por edades y exponía al espectador joven a obras que probablemente no habría elegido por sí mismo. De esos encuentros inesperados surgían descubrimientos capaces de permanecer durante décadas.

    Raúl Tola recuperó entonces el conocido juego de palabras italiano «traduttore, traditore», el traductor como traidor, para trasladarlo a las adaptaciones cinematográficas. Porque el resultado de llevar una novela al cine siempre contiene un componente incierto: respetar escrupulosamente el original no garantiza una buena película y alejarse de él tampoco supone necesariamente traicionarlo. La historia del cine ofrece suficientes ejemplos. Mario Puzo escribió El Padrino condicionado también por la necesidad de obtener ingresos, y aquella novela acabaría convertida, bajo la dirección de Francis Ford Coppola, en una de las grandes referencias cinematográficas del siglo XX. El origen o incluso la consideración literaria inicial de una obra no determinan necesariamente el destino que puede alcanzar cuando cambia de lenguaje.

    Trueba recurrió igualmente a su propia experiencia con Soldados de Salamina, la novela de Javier Cercas que llevó al cine en 2003. Recordó las circunstancias que terminaron acercándolo al proyecto y cómo aquella historia tuvo que encontrar una construcción cinematográfica propia. El paso de una obra literaria a una película volvía a demostrar que la adaptación no consiste en colocar imágenes detrás de las palabras, sino en reconstruir el material desde las herramientas del cine. También apareció durante la conversación Billy Wilder y su manera de entender el guion, dentro de un recorrido que permitió comprobar hasta qué punto detrás de una película existe una arquitectura narrativa sometida a reglas, tiempos y decisiones muy diferentes de las que maneja un novelista.

    La sesión inaugural terminó convirtiéndose así en algo más amplio que una conversación sobre adaptaciones. Loriga y Trueba hablaron también de cómo hemos aprendido a mirar cine, de las películas que aparecían inesperadamente en televisión, del tamaño de las pantallas, de la memoria del espectador y de una época en la que una película podía llegar hasta nosotros sin que un algoritmo, una clasificación o una recomendación previa hubiese decidido que estaba destinada a nuestro perfil.

    Escribidores encuentra precisamente ahí uno de los caminos más interesantes de esta edición. «Pantallas y Literatura» no plantea únicamente qué sucede cuando una novela llega al cine, sino cómo están cambiando nuestras formas de leer, mirar y consumir historias. La primera conversación dejó además una conclusión menos cerrada de lo que pudiera parecer: una adaptación no tiene por qué aspirar a reproducir una novela. Literatura y cine pueden partir de una misma historia, pero cada uno necesita encontrar su ritmo, su dimensión y su lenguaje. Entre ambos queda ese territorio incierto en el que unas veces surge una película olvidable y otras aparece, casi inesperadamente, un clásico.

    Willy López / Félix Méndez.

  • Anna Starobinets «Rusia, la literatura del exilio y todo aquello que Tienes que mirar»

    Anna Starobinets «Rusia, la literatura del exilio y todo aquello que Tienes que mirar»

    La escritora rusa visita Badajoz de la mano del escritor extremeño Miguel Ángel Carmona y del Club de Lectura Viva para hablar de literatura, maternidad, censura, guerra y exilio. Instalada en España tras abandonar Rusia, Starobinets reconoce que quizá nunca vuelva a sentirse completamente en casa, aunque aquí ha encontrado un lugar donde poder estar bien.

    Nos adentramos en una nueva charla literaria de la mano de otro escritor, el extremeño Miguel Ángel Carmona, coordinador del Club de Lectura de Badajoz y empeñado en acercar hasta aquí autoras, autores y obras que ensanchan considerablemente nuestro particular mapa literario. Esta vez nos trae a Anna Starobinets, escritora y periodista rusa que abandonó su país tras el comienzo de la guerra de Ucrania y que, después de pasar por Georgia, se estableció hace poco más de un año en España.

    La entrevista orbita principalmente en inglés, una especie de satélite lingüístico que nos ayuda a salvar nuestro paupérrimo control del idioma, pese a la capacidad de Anna para mantener ya una conversación básica en español. Carmona traduce, matiza y recupera algunas palabras que se pierden por el camino mientras alrededor de la mesa se va construyendo una particular Babel en la que, finalmente, la literatura termina expandiendo su propia jerga universal: la de narrar, la de contar cosas, la de intentar plasmar la delicadeza o la dureza de asuntos que, sin demasiados ambages occidentales u orientales, nos atañen a todos por igual.

    Estamos en la Escuela de Narrativa Mirada y Voz, entre cafés, libros, alguna carcajada y pasaportes imaginarios que nos permiten movernos durante un rato por una suerte de territorio literario Schengen. Rusia, Georgia, Alemania, España o Badajoz dejan entonces de estar tan lejos. Las fronteras continúan existiendo, Starobinets sabe bastante de ellas, pero durante la conversación podemos cruzarlas sin enseñar documentación. El día anterior ha participado en el encuentro del Club de Lectura Viva de Badajoz y todavía conserva la sorpresa. No está acostumbrada a encontrarse ante más de un centenar de personas que conocen el libro y llegan a la conversación después de haberlo leído. Ha participado en clubes de lectura en Barcelona, Madrid y otros lugares, pero lo vivido en Badajoz le resulta excepcional por sus dimensiones y, especialmente, porque sucede lejos de una gran capital.

    Desde su experiencia rusa, reconoce, resultaría difícil imaginar algo parecido fuera de Moscú o San Petersburgo. En el centro de aquel encuentro, y también del nuestro, aparece inevitablemente Tienes que mirar. Un libro nacido de una experiencia personal devastadora y de la necesidad de contarla. Durante su embarazo, una ecografía revela una grave malformación en el feto y Starobinets inicia un recorrido médico, emocional y burocrático que termina enfrentándola no solo a la pérdida de un hijo, sino a un sistema sanitario que aconseja, presiona, establece protocolos y reduce el espacio desde el que una mujer puede tomar sus propias decisiones. Pero Tienes que mirar desborda el relato del duelo gestacional y perinatal. Habla del cuerpo, del miedo, de maternidad, de instituciones y de la distancia brutal que algunas veces se abre entre un protocolo y la persona que lo recibe. Habla también de una mujer que decide escribir sobre aquello que socialmente resultaba bastante más cómodo mantener fuera de plano.

    Y ahí aparece una de las ideas que atravesará nuestra conversación: el individuo frente al sistema y, especialmente, una mujer intentando conservar el control sobre las decisiones que afectan a su propio cuerpo. Quizá por eso, cuando le preguntamos si sus libros pueden ayudarnos a comprender Rusia, Starobinets no necesita construir una respuesta demasiado complicada: «Si quieres entender algo de Rusia, tienes que leer Tienes que mirar. Ahí está Rusia».

    Después llegarán otras fronteras. La guerra que ella y buena parte de su entorno intelectual pensaban que nunca comenzaría. La primera manifestación a la que decidió no acudir porque sintió miedo. La salida de Rusia aprovechando un viaje que tenía programado a Sri Lanka. Georgia. Los grafitis que le recordaban diariamente que ser rusa allí significaba muchas otras cosas. La dificultad de echar raíces. Y finalmente España, pese a que Alemania, Francia o Reino Unido podían ofrecerle caminos administrativos aparentemente más sencillos.

    Hablaremos también de libros que continúan circulando en Rusia mientras su nombre ha desaparecido de los créditos de producciones cinematográficas; de editoriales extranjeras que, después del comienzo de la guerra, dejaron de trabajar con autores rusos independientemente de su posición frente al Kremlin; y de Impedimenta, la editorial española que decidió continuar publicándola. Y hablaremos de algo todavía más complicado de medir: qué sucede cuando uno abandona un país y descubre que el concepto de casa también puede quedarse atrás.

    Starobinets vive ahora cerca de Barcelona con su hijo de once años. Cuando le preguntamos si empieza a sentirse en casa en España, la respuesta tarda algo más en llegar. No cree que vuelva a sentirse completamente en casa en ningún sitio. Pero España, dice, puede convertirse en un lugar donde sentirse bien. Por ahí irán lo tiros de nuestra conversación. De mirar cuando aquello que tenemos delante resulta incómodo. Cuando duele. Cuando obliga a revisar lo que creíamos saber sobre Rusia, sobre Europa, sobre la maternidad, sobre la libertad o sobre nosotros mismos. Porque hay páginas de Tienes que mirar que apenas permiten refugiarse detrás de la distancia que proporciona un libro:

    «Imagino a mi hijo incapaz de respirar. Lo veo ponerse morado y morir. Mientras lo visto a mi gusto y le canto una nana. Duerme La Habana, duerme Atenas, duermen las flores de otoño… duermen los delfines en el Mar Negro y las ballenas en el Mar Blanco…»

    Levantamos la vista. Anna está delante. Miguel Ángel Carmona sigue haciendo de puente entre idiomas. El café continúa sobre la mesa y fuera de estas paredes permanece ese mundo dividido por países, guerras, visados, alfabetos y fronteras. Aquí dentro, durante un rato, tenemos algo bastante más sencillo. Una escritora, un libro y lectores dispuestos a mirar.

    «Nunca había visto un club de lectura así»

    —Ayer participaste en el Club de Lectura de Badajoz. Has estado en encuentros con lectores en Barcelona, Madrid y otros lugares. ¿Qué te encontraste aquí?

    —Fue la primera vez que participé en un encuentro en el que prácticamente todo el público había leído el libro. Normalmente, cuando acudo a un evento, hay algunas personas que conocen mi obra, otras que han leído algún libro, pero nunca había vivido una situación en la que todo el mundo supiera realmente de qué estábamos hablando. Para mí fue un enorme placer. Además, me sorprendió muchísimo el tamaño del Club de Lectura. He participado en otros, también en Barcelona o Madrid, pero suelen ser grupos pequeños, quizá de diez o quince personas. Nunca había visto algo así, con tanta gente reunida alrededor de un libro. Para mí fue una especie de shock, pero un shock muy bueno.

    —Había más de un centenar de personas. ¿Te sorprende todavía más que algo así suceda en una ciudad alejada de una gran capital?

    —Muchísimo. Desde el punto de vista de alguien que ha pasado gran parte de su vida en Rusia, algo así sería prácticamente inimaginable fuera de Moscú, San Petersburgo o alguna otra gran ciudad. En muchas regiones rusas la vida cultural es mucho más limitada y las personas están preocupadas por otras necesidades, algunas incluso relacionadas simplemente con sobrevivir. Por eso me resulta sorprendente encontrar un club de lectura de estas dimensiones y con este amor por los libros en un lugar alejado de una gran capital.

    «Lo que tenemos en común es el enfrentamiento del individuo con el sistema»

    —En el encuentro hubo lectores que compartieron incluso experiencias personales relacionadas con Tienes que mirar. ¿Qué te llevaste de aquella conversación?

    —Hubo personas que hablaron de sus propias experiencias y me pareció muy interesante comprobar las relaciones y diferencias entre lo que sucede en Rusia y lo que sucede aquí. Llegamos a una especie de conclusión: aunque los sistemas son diferentes, existe algo en común, y es esa confrontación entre el individuo y el sistema.

    —Una de las cosas que más sorprende al leer el libro es precisamente cómo el sistema interviene en una decisión profundamente personal.

    —Sí. En Rusia, ante determinadas circunstancias médicas, el sistema puede empujarte a interrumpir el embarazo incluso cuando tú no quieres hacerlo. En España y en otros países del ámbito latino puede producirse una presión diferente, orientada a continuar con el embarazo aunque la mujer quiera interrumpirlo. Son situaciones diferentes, pero para mí existe algo común: la pérdida de control de la mujer sobre su propio cuerpo. En ambos casos aparece una estructura superior que te dice qué debes hacer.

    —Y esa diferencia cultural sorprendió también a algunos lectores.

    —Sí, porque normalmente pensamos que en otros lugares las cosas se hacen más o menos como las hacemos nosotros. De repente descubres que existe un sistema completamente diferente y piensas: ¿cómo es posible?

    «Si quieres entender algo de Rusia, tienes que leer Tienes que mirar»

    —Tu literatura permite conocer una parte de Rusia que difícilmente aparece en las noticias. ¿Crees que leyendo tus libros podemos entender mejor tu país?

    —Siempre he dicho que, si quieres entender algo de Rusia, tienes que leer Tienes que mirar. Ahí está Rusia.

    —No necesariamente la Rusia de Putin o de la política, sino la que aparece en la vida cotidiana.

    —Sí. Creo que puedes conocer muchas cosas a través del libro.

    —En España has tenido además editoriales que han permitido que esa literatura llegue hasta nosotros. Antes de Impedimenta hubo otras.

    —Sí. Impedimenta no fue la primera editorial que publicó mis libros en España. Antes estuvo Nevsky Prospects, que publicó La glándula de Ícaro y también otros títulos. Yo ya tenía algunos lectores aquí antes de comenzar a trabajar con Impedimenta. Mis libros se habían traducido a unos veinticinco idiomas antes de la guerra. España y Francia fueron dos de los países donde mejor recepción tuvieron y donde se publicaron más títulos míos.

    «Después de empezar la guerra, muchos editores dejaron de trabajar conmigo»

    —¿Qué cambió con el comienzo de la guerra de Ucrania?

    —Muchísimas cosas. Cuando empezó la guerra, recibí cartas muy educadas de editores de distintos países. No daban demasiadas explicaciones, simplemente decían que, por diferentes razones, tenían que dejar de trabajar conmigo. Mi agente literario me explicó que se debía a que yo escribía en ruso. A nadie parecía importarle demasiado cuál era mi posición sobre la guerra o sobre el régimen ruso, aunque mi posición era pública y estaba muy clara. Para algunos editores existía un riesgo simplemente porque en la cubierta aparecería que el libro estaba traducido del ruso.Tenían miedo a posibles boicots o a problemas de reputación.

    —Es decir, ser una autora rusa se convirtió por sí mismo en un problema, independientemente de tu posición política.

    —Sí. Mi agente es alemán, habla ruso perfectamente y durante muchos años ha trabajado principalmente con autores rusos. Recuerdo que acudió a la Feria del Libro de Frankfurt con un dossier en el que incluso explicaba la posición de cada uno de nosotros ante la guerra, quién había abandonado Rusia, quién estaba en contra…En Frankfurt las reuniones profesionales funcionan mediante citas. Y él me contó que estaba allí sentado, con toda aquella documentación, prácticamente solo. Nadie quería reunirse con él.

    —¿Qué ocurrió con Impedimenta?

    —Fue la única editorial que permaneció conmigo. Ahora algunos editores están regresando poco a poco. Los franceses, por ejemplo, están empezando a volver. Pero durante un tiempo Impedimenta fue la única que continuó.

    «No creíamos que la guerra fuese realmente a empezar»

    —Es inevitable llegar hasta la guerra porque forma parte de tu salida de Rusia. ¿Dónde estabas cuando comenzó?

    —En Moscú. Y no creía que la guerra fuese a empezar hasta que empezó.

    —¿Ni siquiera dentro de tu entorno? Periodistas, escritores, directores de cine…

    —No. Mis amigos y compañeros tampoco lo esperaban. Veíamos las noticias, la propaganda, todo aquello que estaba ocurriendo, pero pensábamos que era imposible. Que una guerra así no podía suceder. Muchos de mis amigos y colegas llevábamos bastante tiempo formando parte de una oposición al sistema. Íbamos a manifestaciones, escribíamos artículos e intentábamos comunicarnos con esa parte de la población rusa que apoyaba al gobierno. Fracasamos. Cuando comenzó la guerra todo empeoró de manera inmediata, de un día para otro.

    —¿Habías participado anteriormente en manifestaciones contra el gobierno?

    —Sí. Antes tampoco era completamente seguro. Podían golpearte, podían detenerte, podías pasar algún tiempo arrestada… pero después del comienzo de la guerra comprendimos que la situación había cambiado completamente. El mismo día hubo una manifestación contra la guerra en el centro de Moscú. Fue la primera manifestación a la que decidí no ir. Sentí miedo.

    —¿Por tus hijos?

    —Sí. Soy madre y estaba sola con ellos. Entendí que las consecuencias podían ser muy diferentes a las de antes. Una amiga mía, directora de teatro, participó en aquellas protestas. Terminó en prisión y sigue allí.

    «Tenía un billete a Sri Lanka y nunca regresé a Rusia»

    —¿Cuándo decides marcharte definitivamente?

    —Empezaron a circular rumores de que podían cerrar las fronteras y mucha gente comenzó a salir de Rusia. No todo el mundo podía hacerlo. Yo tenía un viaje preparado desde hacía aproximadamente un año. Tenía un billete para Sri Lanka porque también escribo historias infantiles sobre animales y quería documentarme allí para un libro. Utilicé aquel billete. Y nunca regresé a Rusia.

    —¿Desde Sri Lanka te marchas con tus hijos a Georgia?

    —Sí. Decidimos ir a Georgia y pasé allí aproximadamente dos años y medio. Era un país relativamente sencillo para permanecer porque no necesitabas un permiso de residencia. Podías estar un año como turista, salir durante un tiempo y volver a entrar.

    «En Georgia las paredes me hablaban»

    —Sin embargo, decides no quedarte allí. ¿Por qué?

    —Por varias razones. Georgia formó parte de la Unión Soviética y es un país profundamente traumatizado por su relación con Rusia. Parte de su territorio continúa bajo control ruso. La sociedad georgiana no recibe necesariamente bien a los rusos. La gente es amable y existe una enorme tradición de hospitalidad, así que nadie hacía nada contra mí personalmente. Pero cuando bajaba a pasear al perro, por ejemplo, las paredes me hablaban. Había grafitis en los fachadas de los edificios que nos invitaban a irnos… Las personas podían ser amables conmigo, pero las paredes estaban constantemente recordándome quién era y de dónde venía.

    —Y además tu situación era peculiar: rusa, pero al mismo tiempo opositora al gobierno de Putin.

    —Exactamente. Parte de la población no quiere que estés allí porque eres rusa y, al mismo tiempo, un gobierno cercano a Putin tampoco tiene motivos para querer allí a una persona que se opone al sistema ruso.

    —¿Había también una dificultad para integrarte?

    —Georgia es un país precioso y lo quiero muchísimo. Puedes vivir muy bien allí si te comportas como turista, pero para mí era muy difícil imaginarlo como el país donde echar raíces. Es una sociedad muy tradicional, muy patriarcal y bastante cerrada para alguien que quiere integrarse. Y además está el idioma. El georgiano es precioso, pero para mí era prácticamente imposible. Estudié latín en la universidad y eso, por ejemplo, ahora me ayuda a comprender cosas del español. También estudié japonés durante cuatro años. Pero el georgiano no se parece a nada que yo conociera. Llegué a la conclusión de que nunca sería capaz de hablarlo realmente.

    «Elegí España aunque era el camino más complicado»

    —Y empiezas a buscar otro lugar.

    —Sí. Durante mi estancia en Georgia pensé mucho dónde podía establecerme. Tenía una lista bastante corta: Alemania, Francia, Reino Unido y España. En realidad, Alemania, Francia o Reino Unido habrían sido opciones administrativamente más sencillas para mí porque cuentan con programas de visados para personas con determinada trayectoria profesional o talento. Por mis libros, premios y carrera podía haber tenido un camino relativamente fácil. España no ofrecía esa posibilidad.

    —Y elegiste precisamente España.

    —Sí, porque era el país donde realmente quería vivir. Podía entender que marcharme a Alemania, Francia o Reino Unido quizá fuese una decisión más práctica o inteligente, pero no sentía que quisiera vivir allí. Quería vivir en España. Así que elegí el camino más complicado.

    «Pensaba que después de un año tendría que volver a Georgia»

    —Llevas aproximadamente un año instalada cerca de Barcelona. ¿Cómo ha sido?

    —Cuando llegué tenía bastante miedo. Pensaba que quizá después de un año tendría que regresar a Georgia porque todo era muy complicado: la burocracia, el dinero, organizar una nueva vida…Pensaba que podía ser simplemente un experimento y que al final no lo conseguiría. Pero ha pasado un año y sigo aquí.

    —¿Continúa existiendo esa incertidumbre?

    —Sí, porque mi manera de ganarme la vida es muy impredecible. Depende de cuántos libros se vendan, de los contratos, de los nuevos libros, de si alguien quiere comprar los derechos de algún guion… Depende de muchas cosas que no puedo controlar. Pero, hasta ahora, funciona.

    «No creo que vuelva a sentirme realmente en casa»

    —Después de Moscú, Georgia y ahora España, ¿empiezas a sentir este país como tu casa?

    —Creo que ya no voy a sentirme realmente en casa en ningún lugar durante mi vida. No creo que eso vuelva a suceder. Pero pienso que mi hijo sí tiene una buena oportunidad de llegar a sentirse en casa aquí. Y yo… quizá no pueda llamarlo hogar, pero si existe un lugar donde puedo sentirme bien, aunque no sea mi casa, creo que sería España.

    «Mis libros pueden seguir vendiéndose en Rusia, pero mi nombre ha desaparecido del cine»

    —Hay una paradoja difícil de entender desde fuera. Tu posición contra la guerra es conocida, vives fuera del país y, sin embargo, tus libros todavía pueden venderse en Rusia.

    —Sí. En Rusia existe ahora la figura del “agente extranjero”. Es una etiqueta que el gobierno coloca sobre determinadas personas. Convertirte en “agente extranjero” supone perder muchos derechos. Si eres escritor afecta a tu posibilidad de publicar; no puedes enseñar a niños, existen restricciones relacionadas con tus propiedades y muchas otras consecuencias. Por alguna razón yo todavía no estoy en esa lista. Y me resulta extraño porque muchos amigos míos sí están y yo he utilizado públicamente muchas de las palabras que están prohibidas.

    —¿Palabras prohibidas literalmente?

    —Sí. Hay cosas que no puedes mencionar. Por ejemplo, cuestiones relacionadas con las personas LGBT. Y tampoco puedes llamar “guerra” a la guerra. Tienes que utilizar la expresión “operación militar especial”.

    —Entonces, mientras no figures en esa lista, tus libros pueden continuar publicándose.

    —Sí, si el editor es suficientemente valiente para publicarlos y si el librero es suficientemente valiente para venderlos. Todavía existen dos editoriales que publican mis libros. No hay demasiadas librerías que los tengan físicamente, pero la gente puede comprarlos por Internet.

    —Sin embargo, en el cine la situación es diferente.

    —Sí. Estoy incluida en otras listas que hacen imposible que las productoras cinematográficas trabajen conmigo. Mi nombre está prohibido en los créditos. Hay películas realizadas a partir de mis libros en las que mi nombre simplemente ha desaparecido. Lo han eliminado de los títulos de crédito.

    «El libro llegó al sistema sanitario y parecía que algunas cosas podían cambiar»

    —Miguel Ángel, ¿por qué era importante traer precisamente a Anna Starobinets al Club de Lectura de Badajoz?

    Miguel Ángel Carmona: —Tienes que mirar fue un libro muy importante para mí en 2021. Formó parte de un proceso de investigación y documentación para una novela que finalmente no llegué a terminar ni a publicar, pero que sí terminó dando lugar a Brocal. Para mí, acceder a un testimonio como el de Anna era fundamental porque no se trataba solamente de buscar datos, sino de entender las emociones, el duelo gestacional y perinatal y la manera en que se produce el acompañamiento. Es un libro con un componente muy periodístico y fue enormemente esclarecedor.

    Anna Starobinets: —En la edición rusa había además una segunda parte que creo que no se publicó en español. Después de contar mi historia, incluí una serie de entrevistas realizadas dos años más tarde a médicos y otros profesionales sanitarios.

    —¿Rusos y alemanes?

    —Sí. Aunque la parte rusa fue bastante más corta porque muchos profesionales se negaron a hablar conmigo.

    —¿Llegó el libro a tener alguna repercusión dentro del propio sistema sanitario ruso?

    —Sí, llegó muy lejos. Llegó a hospitales y a muchos profesionales. Durante un tiempo tuve la sensación de que algunas cosas podían empezar a cambiar. Y algunas comenzaron a cambiar. Después llegó la guerra y todo quedó destruido.

    «García Márquez, Borges y Cortázar son algunos de los primeros nombres que me vienen a la cabeza»

    —Ahora que vives aquí, ¿has podido acercarte a la literatura española?

    —Todavía no puedo leer en español, así que dependo de las traducciones al ruso o a otras lenguas que conozco. Siempre he sido una gran admiradora del realismo mágico y de la literatura latinoamericana. García Márquez, Borges, Cortázar… son algunos de los primeros nombres que me vienen a la cabeza cuando hablamos de literatura en español. Sobre los autores españoles contemporáneos todavía no conozco demasiado. En festivales y ferias encuentro escritores interesantes, pero muchos de sus libros no están traducidos a idiomas que pueda leer.

    El idioma común

    La grabadora se apaga y nuestra pequeña Babel se desmonta casi con la misma naturalidad con la que se había formado. Durante algo más de una hora hemos necesitado inglés, español, traducciones improvisadas, gestos y la intervención de Miguel Ángel Carmona para rescatar alguna palabra que se quedaba suspendida entre Moscú y Badajoz. El idioma era lo menos importante. Anna Starobinets ha hablado de un hijo al que tuvo que despedir, de una Rusia que creyó que nunca entraría en guerra, de la manifestación a la que no acudió porque por primera vez tuvo miedo, de una amiga que terminó en prisión, de un billete a Sri Lanka que acabó convirtiéndose inesperadamente en una puerta de salida, de Georgia y sus paredes, de sus hijos en una especie de trashumancia perpetua. También de España. No como sustituto sentimental de Rusia ni como final feliz de un exilio que continúa formando parte de su vida. España aparece en sus palabras de una manera mucho más sencilla: como el lugar que eligió incluso cuando otros países le ofrecían un camino más fácil; un territorio donde quizá nunca llegue a sentirse completamente en casa, pero donde ha descubierto que puede estar bien.

    Sobre la mesa quedan los cafés, algún libro y muchas letras. Estamos en la Escuela de Narrativa Mirada y Voz, nuestro particular territorio literario Schengen, donde durante un rato los pasaportes han servido de poco y las fronteras han quedado reducidas a los idiomas que intentábamos atravesar. Miguel Ángel Carmona nos ha traído hasta aquí a una escritora rusa. La literatura ha hecho el resto. Y quizá por eso el título de aquel libro termina escapándose de su cubierta para convertirse, después de escucharla, en algo parecido a una advertencia.

    Willy López / Félix Méndez

  • Cultura celebra el Día Internacional del Flamenco con un concierto exclusivo en la Mina La Jayona

    Cultura celebra el Día Internacional del Flamenco con un concierto exclusivo en la Mina La Jayona

    La Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura celebrará el próximo domingo 15 de noviembre, en el Monumento Natural Mina La Jayona de Fuente del Arco, el Día Internacional del Flamenco con un concierto de Ostalinda Suárez Quinteto.

    Organizado por el CEMART (Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura), el espectáculo celebra el Día Internacional del Flamenco, que se conmemora cada 16 de noviembre desde que, en 2010, la UNESCO declaró el flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

    La asistencia a esta propuesta flamenca, que se celebrará a partir de las 17:00 horas del próximo domingo 15, será gratuita y estará limitada a cien personas, por lo que requerirá inscripción previa a través de www.odaemusic.com/eventos.

    El espectáculo elegido por la Consejería de Cultura es una propuesta flamenca encabezada por la reconocida flautista extremeña Ostalinda Suárez, que compartirá escenario con Manuel Pajares al cante, Juan Manuel Moreno a la guitarra, Pakito Suárez ‘El Aspirina’ a la percusión y teclados, y Jesús Ortega al baile.

    Esta propuesta reúne la expresividad de la flauta travesera con la guitarra, el cante, la percusión y el baile en un formato concebido para disfrutar de una experiencia cercana y de gran intensidad. Cinco artistas que unirán sus diferentes disciplinas para ofrecer una experiencia musical única en uno de los enclaves naturales más espectaculares de Extremadura.

    La Mina La Jayona, un entorno excepcional

    El Monumento Natural Mina La Jayona, en Fuente del Arco, es uno de los enclaves más singulares del patrimonio natural extremeño. Sus grandes paredes rocosas, cavidades y contrastes de luz conforman un paisaje de extraordinaria belleza. La atmósfera del lugar, alejada de los escenarios convencionales, aportará al espectáculo un carácter especialmente íntimo y evocador.

  • Cáceres 2031 exporta su modelo de Generación 31 a Malta, donde formará parte de la programación de la Capital Europea de la Cultura 2031

    Cáceres 2031 exporta su modelo de Generación 31 a Malta, donde formará parte de la programación de la Capital Europea de la Cultura 2031

    Victoria (Gozo), ya designada Capital Europea de la Cultura 2031, incorpora a su programa cultural la iniciativa de participación juvenil creada en Cáceres, que comenzará a desarrollarse en Malta en 2027. La candidatura cacereña figura como socio internacional de Generazzjoni 31, un proyecto que demuestra cómo las iniciativas nacidas en Extremadura ya están contribuyendo a construir el futuro cultural europeo

    Cáceres 2031 ha exportado su modelo de participación juvenil Generación 31 a Malta, donde formará parte de la programación de Victoria (Gozo), ciudad ya designada Capital Europea de la Cultura 2031. La iniciativa, creada en Cáceres en 2025, ha sido incorporada al libro de candidatura de la ciudad maltesa bajo el nombre de Generazzjoni 31, convirtiéndose en un proyecto europeo que comenzará a desarrollarse en 2027 y que tendrá a Cáceres 2031 como socio internacional.

    Este hito supone un reconocimiento al trabajo desarrollado por la candidatura cacereña y demuestra que su propuesta cultural ya está generando resultados más allá de Extremadura. La incorporación de Generación 31 a la programación de una Capital Europea de la Cultura oficialmente designada asegura que el modelo impulsado desde Cáceres tendrá continuidad internacional, independientemente del resultado del proceso de selección español, que se conocerá el próximo 3 de diciembre. Tal y como recoge el bid book de Victoria, Generazzjoni 31 comenzará trabajando con niños de 12 años que alcanzarán la mayoría de edad en 2031, acompañándolos para que adquieran herramientas de liderazgo, creatividad y participación democrática y puedan convertirse en futuros mediadores, embajadores y líderes culturales.

    Un programa nacido en Cáceres que tendrá continuidad europea

    La adaptación maltesa contempla la puesta en marcha de laboratorios creativos, denominados Creative Labs, que abordarán cuestiones relacionadas con el patrimonio, la identidad local y la creación contemporánea. Estos espacios combinarán la experimentación artística con herramientas como el diseño 3D, la fabricación digital y el uso responsable de la inteligencia artificial. El proyecto comenzará en 2027 con una fase piloto y contempla intercambios de aprendizaje europeos con Cáceres 2031, reforzando la conexión entre los jóvenes de ambos territorios y abriendo la posibilidad de extender el modelo a otras ciudades europeas.

    Ariane Bieou, coordinadora internacional del proyecto Victoria 2031 Għawdex (Malta), que visitó Cáceres a principios de esta semana para participar en las jornadas sobre el futuro cultural europeo organizadas por Cáceres 2031 en colaboración con la Muestra Ibérica de Artes Escénicas (MAE), ha destacado la importancia de la cooperación entre ambas ciudades. La incorporación de Generación 31 al programa cultural de Victoria refleja el interés por compartir experiencias y metodologías que permitan implicar a las nuevas generaciones en la construcción del futuro cultural europeo, dando continuidad a una iniciativa nacida en Cáceres. Generación 31 es uno de los programas impulsados por Cáceres 2031 para favorecer la participación de las nuevas generaciones en la vida cultural de la ciudad y de Extremadura. Esta apuesta ya se ha materializado en proyectos como Artistas Mediadores, que ha involucrado a 218 estudiantes de cuatro centros educativos de Cáceres, acercando la creación artística contemporánea a las aulas.

    La llegada de Generación 31 a Malta constituye así un ejemplo concreto del legado que Cáceres 2031 está construyendo desde el presente. Una colaboración que responde a la filosofía de Transcultura y demuestra que los proyectos nacidos en Extremadura pueden convertirse en referentes para otras ciudades europeas, dejando una huella cultural que trasciende el propio proceso de selección.

  • Carmen de Matos «Remendando la memoria con el arte»

    Carmen de Matos «Remendando la memoria con el arte»

    La artista extremeña convierte azulejos, sombras, fotografías y remiendos en un particular archivo de la memoria. Desde Badajoz, y con una formación que cruza arte, antropología, documentación y comunicación audiovisual, Carmen de Matos pertenece a una generación que ya no entiende la periferia como una condena geográfica. Su obra mira hacia atrás, pero no para quedarse allí: busca entre las casas, los objetos, la dehesa y las huellas de quienes las habitaron aquello que todavía merece ser contado.

    Carmen de Matos pertenece a una generación que puede descubrir una exposición en Instagram, guardar una referencia en el móvil, seguir lo que está haciendo un artista al otro lado del mundo y, cinco minutos después, levantar la vista de la pantalla porque un azulejo medio roto en una fachada de Badajoz le acaba de dar una idea. Su trabajo se mueve precisamente en ese cruce extraño entre lo que fuimos y la velocidad con la que vivimos ahora. Entre el archivo y el scroll, entre la casa de nuestros abuelos y la imagen que guardamos en una carpeta del teléfono, entre aquello que tocamos y todo lo que ya conocemos a través de una pantalla.

    Tiene 27 años, trabaja desde Badajoz y no parece demasiado preocupada por aquello de tener que estar obligatoriamente en Madrid, Barcelona o Berlín para que pasen cosas. Las redes han cambiado el mapa, aunque no hayan solucionado todos los problemas. Carmen puede enseñar su trabajo desde Extremadura, conocer lo que hacen otros artistas, moverse, viajar, pasar y exponer en ARCO, buscar residencias y convocatorias y después regresar a un estudio que, como ella misma reconoce, difícilmente podría permitirse en una gran capital. Pero lo curioso es que, en mitad de todo ese ecosistema digital, su obra mira hacia cosas tremendamente físicas. Azulejos. Cerámica. Paredes. Casas. Fotografías antiguas. Sombras. Grietas. Remiendos. Objetos que alguien decidió no tirar. Ahí aparece una contradicción interesante: cuanto más rápido consumimos imágenes, más parece interesarle aquello que permanece. En la exposición que presenta en la sala de Diputación de Badajoz, “Poética de lo sensible”, esa reflexión está patente.

    Carmen fotografía, documenta, archiva, pinta, investiga y vuelve a colocar esas pequeñas huellas delante de nosotros. No para hacer un ejercicio vintage ni para convertir la nostalgia en un filtro bonito, sino para lanzar una pregunta bastante más actual: en una época en la que guardamos absolutamente todo, ¿qué estamos dejando desaparecer? Y para encontrar la respuesta ni siquiera necesita abrir Instagram. Muchas veces le basta con guardar el móvil, salir del estudio y ponerse a caminar.

    «El azulejo me permite hablar de la vivencia y de la identidad dentro de las casas»

    Lo primero que sorprende al entrar en la exposición es que todo parece estar muy medido: el espacio, las piezas, los materiales, incluso la relación física que estableces entre la obra y quien la observa. Pero detrás de esa primera impresión estética hay un trabajo de investigación bastante profundo. ¿Qué encontramos realmente aquí?

    Lo que he querido presentar es un trabajo realizado a partir del azulejo. Utilizo una metodología que podría considerarse, en cierto modo, antropológica. Después de estudiar Arte decidí introducirme también en la antropología porque necesitaba aportar una dimensión mucho más conceptual a mi obra. En este proyecto he realizado una especie de trabajo de campo. Comencé visitando diferentes lugares de Extremadura y posteriormente fui ampliando la investigación hacia otros territorios, como Navarra, e incluso hacia lugares fuera de España. Me interesaba observar dónde aparecía el azulejo, cómo se utilizaba y qué relación mantenía con los espacios que habitamos. Lo tomo como un objeto que me permite hablar, de una manera quizá más poética, sobre la vivencia y sobre la identidad dentro de las casas. Me interesa esa dimensión íntima de los espacios que habitamos, pero también su relación con el patrimonio. Muchos de los azulejos que he fotografiado estaban en fachadas de viviendas, algunos incluso en casas que actualmente se encuentran en ruinas. En cada cuadro aparece también esa fotografía original porque para mí es importante conservar la procedencia, el lugar del que nace la pieza.

    «Me interesa aquello que heredamos y también aquello que dejamos desaparecer»

    Hay países, Portugal es seguramente uno de los ejemplos más cercanos, donde el azulejo ocupa un lugar muy reconocible dentro de la identidad visual y patrimonial. Aquí también convivimos con una tradición enorme, desde las herencias árabes hasta esos azulejos domésticos que todavía sobreviven en muchas casas. Sin embargo, muchas veces pasamos delante de ellos sin mirarlos. Tú haces justamente lo contrario: los rescatas.

    Sí. En mi trabajo intento reflexionar sobre aquello que heredamos y sobre aquello que desaparece. Sobre las cosas que decidimos conservar y aquellas otras que, sin embargo, vamos dejando en el olvido, como si fueran un resquicio al que ya no prestamos atención. Por eso también aparece mucho el vacío. Me interesa representar a las personas que quizá ya no están o determinadas acciones que han desaparecido, pero hacerlo indirectamente. Por ejemplo, mediante la sombra. La sombra es el cuerpo, pero al mismo tiempo no existe una representación física de ese cuerpo. Sabemos que alguien está o estuvo allí porque existe esa proyección. Me interesa mucho trabajar con esa ausencia. Quizá mi obra tenga bastante de añoranza y de nostalgia.

    Remendar para que algo continúe viviendo

    Dentro de ese planteamiento aparece un concepto especialmente bonito: el remiendo. Algo tan sencillo y tan antiguo como arreglar aquello que se ha roto para poder seguir utilizándolo. Pero tú llevas esa idea bastante más lejos y terminas relacionándola con la propia supervivencia de la cultura…

    …Sí, los remiendos aparecen en las piezas de cerámica precisamente por eso. Cuando tienes algo roto, lo arreglas para poder continuar utilizándolo. Y yo intento extrapolar esa idea hacia la cultura. Si observamos cómo funciona la cultura, veremos que continuamente se está adaptando a los cambios. Se transforma, incorpora elementos nuevos, modifica otros, conserva determinadas cosas y abandona algunas por el camino. Al final, una cultura que no consigue adaptarse corre el riesgo de morir y desaparecer. El remiendo tiene esa idea de reparación, pero también de continuidad. No necesariamente tenemos que devolver algo a su estado original. A veces reparar significa aceptar la transformación para conseguir que aquello continúe viviendo.

    Del archivo a la imagen

    En tu trabajo conviven lenguajes que aparentemente podrían estar separados: pintura, fotografía, vídeo, documentación, antropología… Sin embargo, cuando uno conoce tu formación empieza a entender mejor de dónde procede esa mezcla. Has estudiado Documentación y Comunicación Audiovisual y posteriormente has incorporado otras disciplinas. ¿Hasta qué punto todo lo que has estudiado acaba filtrándose, consciente o inconscientemente, en tu manera de crear?

    Creo que inevitablemente aquello que he estudiado termina apareciendo en lo que hago. La Documentación ha provocado que tenga muy presente el archivo. Me interesan muchísimo las fotografías antiguas, los documentos y todo aquello que funciona como registro de algo que existió. Hay una especie de añoranza dentro de los archivos que me interesa especialmente. Por otra parte, está la Comunicación Audiovisual, que hace que intente trasladar muchas cosas hacia la imagen y hacia lo audiovisual. También me gusta mucho trabajar con el trampantojo, generar esa sensación de que existe un espacio que realmente no está ahí. En algunos de estos cuadros, por ejemplo, intento que funcionen como una especie de pared y que aparezca la sombra de una persona proyectada sobre ella. Me interesa generar esa dimensión, construir un espacio y provocar que quien está delante tenga la sensación de que existe algo más allá de la propia pieza.

    Crear lo que todavía no existe

    ¿Cuándo aparece esa necesidad de dedicarte al arte? Porque una cosa es dibujar, pintar o interesarse por la fotografía cuando eres pequeña y otra bastante distinta decidir qué quieres convertir todo aquello en tu vida profesional.

    Desde pequeña siempre me ha gustado muchísimo todo lo relacionado con el arte. El teatro, la fotografía, el vídeo, las animaciones… Siempre estaba pintando o intentando hacer mis propias cosas. Creo que había algo que ya estaba entonces y que todavía permanece en mi forma de trabajar: me gustaba crear aquello que quería que existiera y que, sin embargo, no existía. Si quería algo y no lo encontraba, intentaba hacerlo yo. También podría decirse que lo he vivido bastante dentro de mi familia. Siempre me apoyaron mucho. Recuerdo especialmente a mi hermana, que se sentaba conmigo a recortar muñecas y aquello formaba parte de nuestros juegos. Cuando tienes una inquietud desde pequeña y, además, existe un entorno que te acompaña y te permite desarrollarla, llega un momento en el que empiezas a tomártelo de una manera mucho más seria.

    Badajoz no tiene por qué ser una frontera

    Eres de Badajoz y has decidido mantener aquí tu base de trabajo. Durante mucho tiempo existió casi como una obligación no escrita para cualquier artista joven: había que marcharse a Madrid, Barcelona o alguna gran capital europea para poder desarrollar una carrera. ¿Continúa siendo así o vuestra generación está rompiendo también con esa especie de peaje geográfico?

    Badajoz evidentemente no es una ciudad como Madrid o Barcelona y allí puede haber muchas más oportunidades. Eso es una realidad. Pero también es cierto que en Badajoz existe muchísima gente que vale y hay entornos e instituciones que apoyan y generan oportunidades. La Diputación, por ejemplo, desarrolla iniciativas que permiten que puedan surgir proyectos. Y después están las redes sociales. A mí me ha tocado vivir en una época en la que puedes enseñar tu trabajo digitalmente y eso hace que quizá ya no exista de la misma manera esa necesidad absoluta de trasladarte a una gran ciudad para conseguir que alguien pueda conocer lo que haces. Además, existe otra cuestión muy práctica. El estudio que puedo tener en Badajoz probablemente no podría permitírmelo en Madrid. Tendría que compartirlo y, aun así, posiblemente me costaría muchísimo dinero. Por eso intento aprovechar las posibilidades que tengo aquí y, al mismo tiempo, moverme fuera. Es verdad que puede haber menos oportunidades que en otros lugares, pero tampoco siento que vivir en Badajoz sea necesariamente un lastre.

    «Estoy en ese momento de buscar todas las oportunidades posibles»

    Eres muy joven, pero ya has comenzado a moverte por circuitos importantes, has pasado por ARCO y estás construyendo una trayectoria que empieza a tener recorrido. ¿En qué momento sientes que te encuentras como artista?

    Creo que estoy claramente en un momento de artista emergente. Para mí esa etapa puede abarcar perfectamente los primeros diez o quince años de una trayectoria. Es un periodo en el que empiezas a conseguir una obra más madura, vas procesando todo lo que has hecho anteriormente y, al mismo tiempo, intentas aprovechar todas las oportunidades posibles. Ahora mismo estoy precisamente ahí. Busco residencias artísticas, convocatorias que me permitan trabajar fuera, proyectos que puedan ayudarme a desarrollar nuevas obras y, sobre todo, oportunidades para aprender de personas que tienen una trayectoria mucho mayor que la mía. Imagino que dentro de veinte años seguiré buscando oportunidades, pero seguramente serán diferentes y tendrán otras dimensiones dependiendo también del recorrido y del reconocimiento que hayas conseguido. Ahora quiero moverme, conocer, aprender y aprovechar todo aquello que pueda hacer crecer mi trabajo.

    Las ideas están en la calle

    Después está el lugar físico de la creación. Uno imagina al artista encerrado en el estudio, pero en tu caso parece que existe un paso previo bastante menos solemne: caminar. ¿Dónde eres realmente más productiva?

    Mi estudio es fundamental, claro, pero curiosamente creo que donde más ideas aparecen es caminando por la calle. Cuando estoy andando me surgen muchísimas cosas. Después regreso al estudio y allí desarrollo y ejecuto esas ideas. Por eso tampoco sabría decir exactamente dónde soy más productiva. Una cosa es el momento en el que aparece una idea y otra cuando consigues convertirla en una obra. Necesito las dos partes.

    De Doris Salcedo a los artistas extremeños

    Internet también ha cambiado completamente nuestra relación con otros creadores. Antes era muchísimo más complicado saber qué estaba haciendo un artista joven en otro país o incluso en otra ciudad. Hoy prácticamente convivís visualmente. ¿Dónde mira Carmen de Matos cuando necesita alimentarse de otros lenguajes?

    Tengo muchísimas referencias y además son bastante diferentes entre sí. Me interesa, por ejemplo, Anish Kapoor por el tipo de instalaciones que realiza y por cómo utiliza los espacios. También Doris Salcedo, que trabaja muchísimo alrededor de la memoria y tiene una obra en el Museo Helga de Alvear que me interesa especialmente. En ARCO conocí hace poco el trabajo de Íñigo Navarro, que también me gusta mucho desde un lenguaje más figurativo. Y después están todos los artistas que sigo a través de Instagram y, por supuesto, compañeros de Extremadura cuyo trabajo admiro. Al final ves muchísimas cosas y todo eso va quedándose en algún lugar. Pero las ideas no necesariamente proceden siempre de otros artistas.

    «Para mí leer es fundamental»

    Eso es interesante porque viendo tu obra podría parecer que todas las referencias proceden de las artes visuales, cuando en realidad existe detrás una carga importante de pensamiento, sociología, antropología y psicología.

    Sí. Para mí leer es súper importante. Muchísimas ideas vienen de los libros. Leo mucho a Byung-Chul Han, por ejemplo. Me interesa muchísimo. Intento incorporar cuestiones relacionadas con la sociología, la antropología o la psicología porque forman parte de los temas sobre los que quiero reflexionar. Supongo que al final vas acumulando artistas, libros, imágenes, conversaciones, experiencias… y se produce una especie de sinergia. Muchas veces ni siquiera eres consciente de dónde procede exactamente una idea porque todo eso ya forma parte de ti.

    Ser mujer y artista: barreras que a veces ni siquiera se ven

    Existe además una cuestión generacional, pero también otra inevitable: eres una mujer joven intentando construir una trayectoria dentro del arte. ¿Continúan existiendo barreras específicas para una artista o sientes que vuestra generación comienza a encontrarse un escenario algo más equilibrado?

    Como estoy todavía dentro de ese periodo de artista emergente, muchas veces tengo la sensación de que existen dificultades por todas partes. Personalmente todavía no he sido capaz de identificar grandes barreras específicamente relacionadas con el hecho de ser mujer, aunque eso tampoco significa que no existan. Puede haber algunas que esté sufriendo y ni siquiera sea consciente de ellas. Cuando hablas con otras compañeras sí aparecen determinadas cuestiones. Una de las más recurrentes es, por ejemplo, la maternidad. Ahora mismo es algo que no me afecta personalmente, pero escuchas a artistas hablar de las dificultades que supone compatibilizar determinadas etapas de una carrera con tener hijos. Quizá dentro de unos años sea una realidad que también me afecte a mí. Creo que todavía queda trabajo por hacer, aunque evidentemente han cambiado muchas cosas y actualmente encontramos mujeres dirigiendo espacios culturales y ocupando posiciones que anteriormente eran mucho más difíciles de alcanzar. También existen asociaciones y proyectos de mujeres que están realizando un trabajo muy importante, como Mujeres Mirando Mujeres o Mujeres en las Artes Visuales. Hay que seguir avanzando.

    Una generación que se reconoce

    Y cuando miramos hacia Extremadura, ¿existe realmente una generación de artistas conectados entre vosotros o continúa pesando esa sensación de que cada uno trabaja aislado en su estudio?

    Yo sí intento mantener esa relación. Sigo el trabajo de otros artistas, tengo amistad con algunos compañeros, quedamos, hablamos, a veces pintamos juntos o voy a talleres de otros artistas. Por ejemplo, mantengo relación con Adrián Rolo, con Ramón de Arcos y con otros compañeros cuyo trabajo sigo y admiro. A mí me gusta conocer lo que está haciendo la gente de aquí. Creo que es importante que exista esa relación y que poco a poco vayamos conociéndonos más.

    Lo que queda

    Carmen de Matos pinta en el campo, transfiere el paisaje a papel, imita el color, y superpone el fondo con la obra, solapándose como un negativo, Carmen proyecta imágenes en rincones, huecos abandonados, en paredes que antes estuvieron habitadas para volver a darles luz, de Matos está en el timeline, en el mismo instante  que tú lees esta entrevista, y la artista extremeña pone su trampantojo a las paredes de la Facultad donde se ha formado, pone rostro a modo de homenaje a Robe Iniesta,  y ojo, le está poniendo desde sus infinitos ojos claros, boceto a ese resquicio emocional y atávico que tu vida pueda dejar de soslayo, nuestro esbozo de la memoria. Lo que queda.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Cáceres 2031 «Una candidatura que suma instituciones, territorios y cultura para mirar a Europa»

    Cáceres 2031 «Una candidatura que suma instituciones, territorios y cultura para mirar a Europa»

    La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 supera las 150 adhesiones y consolida una amplia red de apoyos que tiene como base institucional el Consorcio Cáceres 2031, integrado por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura y las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz. Con la Universidad extremeña, museos, festivales, asociaciones profesionales, municipios y entidades internacionales se incorporan a un proyecto que continúa creciendo con nuevas adhesiones como las de la UNED, AUPEX, la Orquesta de Extremadura, la Banda Municipal de Música de Cáceres y AGCEX. Una propuesta que encuentra en Transcultura su principal argumento para conectar el territorio extremeño con Europa.

    La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 continúa ampliando su red de colaboraciones con instituciones, entidades culturales, universidades, asociaciones y profesionales que desarrollan su actividad dentro y fuera de Extremadura. Lo que comenzó como una aspiración de la ciudad se está articulando como un proyecto colectivo en el que participan administraciones públicas, organizaciones sociales, agentes culturales y representantes de distintos sectores de la sociedad.

    Con el respaldo institucional de la Junta de Extremadura, las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz, y con el Ayuntamiento de Cáceres como eje vertebrador de gestión y recepción de actividades y acciones, aúna esfuerzos para formar parte del Consorcio Cáceres 2031. Su participación refuerza la dimensión regional de una candidatura que aspira a representar al conjunto de Extremadura. También figuran entre sus apoyos la Asamblea de Extremadura, numerosos ayuntamientos, la Universidad de Extremadura y otras instituciones públicas que contribuyen a ampliar el alcance del proyecto.

    Las últimas incorporaciones dibujan un mapa diverso. Desde una universidad que trabaja para acercar la formación a quienes encuentran dificultades geográficas o sociales hasta una banda de música con 138 años de historia; desde los profesionales que gestionan buena parte de la actividad cultural extremeña hasta una orquesta sinfónica que quiere incorporar sus proyectos educativos y juveniles a la candidatura. A ellas se suma una extensa red de universidades populares que lleva décadas desarrollando programas culturales y educativos en los municipios extremeños. El denominador común se encuentra en Transcultura, el concepto que articula la candidatura y que toma como referencia la tradición de la trashumancia para plantear nuevas formas de circulación de conocimientos, experiencias y expresiones artísticas. Una propuesta que busca conectar territorios, generaciones y disciplinas, y que sitúa la participación de la sociedad en el centro de su desarrollo.

    El Consorcio Cáceres 2031, motor de una candidatura regional

    El respaldo institucional de la candidatura se articula a través del Consorcio Cáceres 2031, constituido por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura, la Diputación Provincial de Cáceres y la Diputación Provincial de Badajoz. Las cuatro administraciones forman parte de la estructura que impulsa el proyecto, proporcionando una base de cooperación institucional que refuerza su dimensión regional y su capacidad para involucrar al conjunto de Extremadura.

    En este marco, el Ayuntamiento de Cáceres desempeña una labor motriz en la coordinación y desarrollo de la candidatura, bajo la presidencia del alcalde, Rafa Mateos, y con la participación del equipo municipal de Cultura y la coordinación general de Iris Jugo. Una implicación que se extiende a la búsqueda de colaboraciones, la incorporación de nuevos agentes culturales y el diálogo con otras instituciones y territorios. La candidatura cuenta también con el respaldo de la Asamblea de Extremadura, la Federación de Municipios y Provincias de Extremadura (FEMPEX) y numerosos ayuntamientos de ambas provincias, consolidando esa aspiración expresada por el propio alcalde de construir un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura». La relación de apoyos municipales incluye ciudades como Badajoz, Mérida, Plasencia, Don Benito, Villanueva de la Serena y Navalmoral de la Mata, junto a localidades como Alcántara, Alburquerque, Arroyo de la Luz, Jaraíz de la Vera, Montehermoso, Navaconcejo, Malpartida de Cáceres, Puebla de la Calzada o Talayuela, entre muchas otras.

    Esta diversidad territorial permite que la candidatura establezca vínculos con realidades culturales diferentes, desde los grandes equipamientos y festivales urbanos hasta las iniciativas desarrolladas en municipios pequeños, donde las asociaciones, bibliotecas, universidades populares y colectivos locales desempeñan una función esencial. La coordinación general de Cáceres 2031, encabezada por Iris Jugo, trabaja en esa construcción compartida, buscando que las adhesiones puedan traducirse en relaciones estables y proyectos concretos. La candidatura plantea así un proceso de participación que pretende incorporar tanto a las instituciones como a quienes desarrollan diariamente la actividad cultural en Extremadura.

    La UNED: educación, conocimiento y acceso a la cultura

    La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) en Extremadura es una de las incorporaciones más recientes a la candidatura. Su adhesión se formalizó el 21 de octubre en un encuentro entre el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cáceres, Jorge Suárez, y Gloria Lomo, directora del centro de la UNED en Plasencia, que acudió en representación de la institución universitaria. La incorporación de la UNED refuerza la dimensión educativa de Cáceres 2031 y conecta la candidatura con una institución cuya actividad está estrechamente relacionada con la eliminación de barreras para acceder a la formación y al conocimiento. Una experiencia especialmente significativa en una comunidad como Extremadura, donde la dispersión geográfica y las características del territorio condicionan las oportunidades de acceso a determinados servicios culturales y educativos.

    Gloria Lomo destacó precisamente esa coincidencia de objetivos entre la universidad y Cáceres 2031. Ambas instituciones comparten, según explicó, la voluntad de superar las barreras geográficas, sociales y laborales que dificultan el acceso a la educación y la cultura. También valoró la originalidad de Transcultura, por su capacidad para conectar una tradición histórica como la trashumancia con las nuevas formas de creación y transformación social. La representante de la UNED insistió en que la adhesión no debe limitarse a un respaldo formal, sino que existe una voluntad de participar activamente en el desarrollo de la candidatura. Lomo expresó además su confianza en las posibilidades de Cáceres para alcanzar la capitalidad europea, al considerar que dispone del «talento, la categoría y la creatividad suficiente» para convertirse en un espacio de referencia para las nuevas vanguardias culturales. Por su parte, Jorge Suárez agradeció el compromiso de una institución con la que el Ayuntamiento mantiene una estrecha colaboración y destacó su contribución a la formación y al desarrollo del talento.

    La Banda Municipal de Música de Cáceres: 138 años de cultura compartida

    La historia musical de Cáceres también tendrá presencia en el proyecto de 2031. La Asociación Banda Municipal de Música de Cáceres ha formalizado su adhesión a la candidatura, incorporando una trayectoria de 138 años estrechamente vinculada a la vida cultural y social de la ciudad. El acuerdo fue suscrito en un encuentro en el que participaron el concejal de Cultura, Jorge Suárez; el presidente de la asociación, Jorge Sánchez, y su director, Javier Cortés.

    La Banda Municipal, distinguida con la Medalla de la Ciudad de Cáceres, representa una de las expresiones más reconocibles de la cultura cercana a la ciudadanía. Su historia está relacionada con la presencia de la música en los espacios públicos, la formación de diferentes generaciones de músicos y la participación en numerosos acontecimientos que forman parte de la memoria colectiva de la ciudad. Su incorporación a Cáceres 2031 permite conectar esa larga trayectoria con las aspiraciones de una candidatura que pretende proyectar la actividad cultural cacereña hacia Europa sin perder su relación con los barrios, las asociaciones y los públicos que han contribuido a mantenerla durante décadas.

    Jorge Suárez destacó que esta adhesión constituye una nueva muestra de la implicación del tejido cultural local en Transcultura, una propuesta que, según señaló, se está trasladando a los barrios y al conjunto de la sociedad. Javier Cortés, director de la Banda Municipal, recordó el trabajo desarrollado durante más de un siglo para acercar la música a la ciudadanía y contribuir a la formación musical. «Estamos muy orgullosos y contentos de formar parte de esta candidatura y de contribuir a que Cáceres sea una ciudad referente en toda Europa», afirmó.

    AGCEX: la experiencia de quienes trabajan detrás de la cultura

    La Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) se ha sumado también a Cáceres 2031. Su adhesión, formalizada el 5 de octubre, incorpora a la candidatura una organización que desde 1994 trabaja por el reconocimiento profesional de la gestión cultural y por el desarrollo de iniciativas relacionadas con la formación, la cooperación y la actividad artística en Extremadura.

    Victoria Paniagua y Ana Aznar, en representación de AGCEX, firmaron el manifiesto de adhesión junto a Iris Jugo, coordinadora general de Cáceres 2031. La incorporación de AGCEX llega acompañada de una línea de trabajo compartida. Ambas entidades ya están estudiando posibles proyectos vinculados a la candidatura, lo que abre la puerta a trasladar la experiencia de los profesionales de la gestión cultural al diseño y desarrollo de nuevas iniciativas. La asociación reúne a profesionales que trabajan tanto en el ámbito público como en el privado, y cuya actividad resulta fundamental para la organización de festivales, exposiciones, programas culturales, actividades educativas y proyectos de creación contemporánea. Su participación puede contribuir a fortalecer la estructura profesional de la candidatura, favorecer la colaboración entre diferentes agentes y conectar Cáceres 2031 con iniciativas que ya se desarrollan en numerosos municipios extremeños.

    La Orquesta de Extremadura: música sinfónica y nuevas generaciones

    Entre los respaldos institucionales más destacados figura el de la Orquesta de Extremadura, cuyo Patronato ha aprobado por unanimidad su apoyo a la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031. El compromiso fue ratificado el 15 de septiembre durante un encuentro entre el alcalde de Cáceres y presidente del Consorcio Cáceres 2031, Rafa Mateos, y la directora gerente de la Fundación Orquesta de Extremadura, Hae Won Oh. La reunión permitió avanzar en posibles fórmulas de colaboración, especialmente relacionadas con la música y con las iniciativas educativas dirigidas a niños y jóvenes. La Fundación ha expresado su voluntad de participar activamente en el desarrollo del proyecto, incorporando tanto la actividad de la Orquesta de Extremadura como sus programas formativos.

    «Queremos participar y apoyar esta candidatura desde la Orquesta de Extremadura y también a través de nuestros proyectos educativos y de la Orquesta Joven», explicó Hae Won Oh. La participación de la Orquesta introduce una dimensión especialmente interesante para Cáceres 2031: la posibilidad de relacionar la programación musical con la formación de nuevos públicos, la educación artística y la implicación de jóvenes intérpretes. Rafa Mateos agradeció el respaldo de una de las principales instituciones musicales de la comunidad y destacó su importancia dentro de un proyecto que pretende representar al conjunto de Extremadura.

    AUPEX: la cultura y la participación desde los municipios

    La Asociación de Universidades Populares de Extremadura (AUPEX) también ha formalizado su adhesión a Cáceres 2031, incorporando al proyecto una de las mayores redes de participación y dinamización sociocultural de la comunidad. La entidad agrupa a 222 universidades populares, 84 en la provincia de Cáceres y 138 en la de Badajoz, que desarrollan programas educativos, culturales y sociales en numerosos municipios extremeños.

    Su incorporación refuerza la voluntad de extender la candidatura al conjunto del territorio, especialmente al ámbito rural, y facilitar el acceso a la cultura a través de la formación, la inclusión social y la participación ciudadana. Las universidades populares constituyen espacios de aprendizaje y encuentro que contribuyen a dinamizar la vida cultural de las localidades y a generar oportunidades para personas de diferentes edades. El alcalde de Cáceres, Rafa Mateos, destacó que se trata de un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura» y valoró especialmente el trabajo de AUPEX para acercar la cultura al mundo rural. Por su parte, el presidente de la asociación, Miguel Sansón, reivindicó la cultura como «un motor de participación ciudadana» y trasladó el respaldo de la entidad a la candidatura. La adhesión de AUPEX amplía la capacidad de conexión territorial de Cáceres 2031 y suma una red de centros que mantiene un contacto directo con la ciudadanía, especialmente en aquellos municipios donde las universidades populares desempeñan un papel fundamental en la programación cultural y educativa.

    Museos, festivales y entidades culturales: el tejido creativo de Extremadura

    La candidatura cuenta también con el respaldo de numerosas instituciones y proyectos que forman parte de la actividad cultural extremeña. Entre ellos figuran el Museo Helga de Alvear, el Museo Vostell Malpartida, la Fundación Mercedes Calles Carlos Ballestero, la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste, la Fundación Atrio y la Fundación Tatiana, junto a otras entidades que desarrollan programas vinculados al patrimonio, las artes y la creación contemporánea. A esta red se incorporan festivales y acontecimientos culturales como WOMAD Internacional, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, el Festival de Teatro Clásico de Alcántara, Stone & Music Festival, Extremúsika, Horteralia, Alcazaba Festival y el Festival Internacional de Títeres, Marionetas y Narración Oral Al*Títere.

    La diversidad de estas adhesiones permite reunir experiencias relacionadas con la música, el teatro, la danza, el arte contemporáneo, el patrimonio y la producción cultural. También participan entidades como la Asociación de Profesionales de la Danza de Extremadura, el Coro de Cámara de Extremadcales.

    Junto a ellas aparecen organizaciones profesionales, colegios oficiales, entidades sociales, medios de comunicación y representantes del sector empresarial, desde la Cámara de Comercio de Cáceres hasta instituciones financieras, organizaciones turísticas y colectivos que desarrollan su actividad en el territorio. La presencia de estas entidades amplía el perfil de Cáceres 2031 y permite que la candidatura establezca relaciones con sectores que participan de diferentes maneras en la vida cultural y social de Extremadura.

    Évora 2027 y una red internacional que cruza fronteras

    La dimensión europea de Cáceres 2031 encuentra uno de sus principales espacios de colaboración en Portugal y, particularmente, en Évora, ciudad que ostentará el título de Capital Europea de la Cultura en 2027. Los encuentros entre ambas ciudades han permitido continuar estrechando relaciones y avanzar en propuestas culturales compartidas, aprovechando la proximidad territorial, los vínculos históricos y las conexiones culturales que existen entre Extremadura y el Alentejo. Évora afronta su capitalidad europea bajo el concepto de Vagar, una propuesta que reivindica otras formas de relacionarse con el tiempo, el territorio y la vida cultural. Cáceres, por su parte, desarrolla su candidatura desde Transcultura, tomando como referencia los movimientos, los intercambios y la capacidad de conectar comunidades.

    La relación con Évora forma parte de una red internacional de adhesiones que incluye ciudades portuguesas como Castelo Branco y Portalegre, y francesas como Angers y La Roche-sur-Yon, además de representantes de otras localidades y organizaciones europeas. En el ámbito universitario, la candidatura ha recibido el respaldo de instituciones como las universidades de Angers, Breslavia, Évora, Gävle, Parma y Magdeburgo, así como la Universidad de Delaware, en Estados Unidos, y la Universidad Tecnológica Atlántica de Irlanda. También figuran entre los apoyos entidades vinculadas a las artes escénicas y la creación contemporánea, como Dance Sweden, Polish Dance Theatre, Derida Dance Center de Bulgaria y 420 People de la República Checa, junto a organizaciones relacionadas con el patrimonio y la investigación cultural de diferentes países. Estas adhesiones amplían las posibilidades de intercambio artístico, académico y profesional, y sitúan a Cáceres en contacto con instituciones y proyectos que desarrollan su actividad en distintos contextos europeos e internacionales.

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  • Atrio «Un maravilloso espacio de Cultura Gastronómica»

    Atrio «Un maravilloso espacio de Cultura Gastronómica»

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    Toño Pérez, el cocinero, el chef, il cuoco, el alma mater de la cocina de Atrio nos recibe con una sonrisa y un dedo vendado por un corte de a primerísima hora, tímido en sus maneras, relajado y estresado a partes iguales, hace que el laboratorio funcione con sus recetas como un alquimista del siglo XXI. Nos habla de casa para referirse al restaurante, un déjà vu de su memoria de aprendizaje en tierras europeas. Nos acomoda, respira y nos adentramos en su “casa”.  José Polo, el otro 50% del negocio, será nuestro cicerón, el guía de un laberinto donde los cinco sentidos deben contenerse para no explotar.

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    Suponemos que antes de llegar a consolidar Atrio ¿el recorrido habrá sido amplio?

    José y yo empecemos el proyecto en el año 86, éramos compañeros de instituto y mi familia había tenido negocios de hostelería. Siempre hemos estado muy relacionados con el sector, José iba a hacer filosofía y yo bellas artes, realmente nada que ver con este mundo. Decidimos, en esa época que éramos jóvenes e intrépidos, tener nuestra independencia laboral montando nuestro negocio. Con el contacto perenne de mis padres pude adquirir muchos conocimientos de cocina, es una profesión que la he aprendido como modelo de negocio familiar.

    Esa inquietud por Bellas Artes se ve reflejada, al fin y al cabo en espacio culinario.

    Al terminar COU me iba a Madrid a estudiar la carrera y José a Salamanca, pero en el último momento decidimos quedarnos…[Ríe]…y hasta ahora. Puede que nuestra pasión por el arte se vea reflejada en nuestra comida, en nuestra presentación, en nuestro espacio.

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    ¿Y cuándo decidís abrir el negocio?

    Con 21 años y sin experiencia previa en otras cocinas. Cuando abrimos el negocio y durante aproximadamente del año 86 al 92 estuvimos trabajando con un jefe de cocina con la posibilidad de seguir formándonos y creando lo que a la postre sería nuestro sello gastronómico. En ese tiempo recorrí cocinas como la de Arzak,  en le tres estrellas Michelín Chez Bruno de Bruselas donde me preparé para el campeonato del mundo Bocuse d´Or representando a España en el año 91. Quería saber que se hacía por entonces fuera de nuestro país. También pasé un verano con Ferrán Adriá.

    Puede que nuestra pasión por el arte se vea reflejada en nuestra comida, en nuestra presentación, en nuestro espacio

    ¿Cómo se llega al Bulli?

    A través de contactos, por aquella época el Bulli quizá era una casa menos importante incluso que la nuestra…[Ríe]…pero yo tenía referencias de unos chicos que estaban realizando un trabajo distinto con una forma muy distinta de entender la gastronomía y pude pasar un stage en el restaurante para acercarme a su trabajo.

    ¿Y qué te aportaron estos stages por todas estas cocinas europeas?

    Ver, observar, captar la filosofía de diferentes tipos de cocina, el concepto, el porqué de las casas, muchas veces no es tan importante si las recetas son 200 gramos de ésto o de lo otro, es mucho más importante el porqué de las cosas. Es una forma directa de entender esas cocinas.

    Sueles comentar que a la hora de cocinar no nos fijemos mucho en las medidas, sino que pensemos más en realmente en los que estamos haciendo, que nos dejemos llevar…¿Puede ser ese el éxito de Atrio?

    Desde el año 86 Atrio está abierto de manera ininterrumpida, y el éxito se basa en el trabajo dentro y fuera, en la cocina de nuestro restaurarte y en la labor de investigación y aprendizaje que realizamos fuera.

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    La ubicación actual de Atrio cobra otra dimensión por el espacio y el servicio de lujo del hotel…

    …En esta parte monumental de Cáceres comenzamos hace poco. En un principio sólo era restaurante, estuvimos diez años construyendo el edificio, una etapa compleja por muchas razones.

    ¿Qué tipo de razones?

    Levantar un proyecto de esta envergadura en la zona monumental acarrea muchos comentarios y malentendidos. Ahora, dentro de las rutas organizadas para ver la ciudad, nuestro edificio es uno más de ese enclave. Siempre hemos apostado por dar la mejor imagen de nuestra tierra.

    ¿Cómo entiende la región una restauración gourmet como Atrio, tan alejada de la tradicional y del bolsillo de los extremeños?

    Nosotros siempre hemos jugado con registros muy autóctonos, con elementos muy locales, incorporando guiños y toques muy distintos de la materia extremeña, pero de alguna forma siempre esa cocina enraizada está ahí presente, la manera más atractiva de enganchar a todos los clientes amante de la gastronomía.

    Actualmente el mundo de la cocina está evolucionando y profesionalizando de una manera vertiginosa, con escuelas de cocina, cursos de preparación, material audiovisual, espacios y ferias gastronómicas… ¿Háblanos de tu equipo de cocina y su evolución?

    Nosotros tenemos personal que abrió con nosotros, forma parte del éxito de Atrio. Hemos evolucionado en equipo, corrigiendo o mejorando desde la base del proyecto. Toda la gente que se ha ido incorporando la hemos intentando impregnar de la filosofía y de la forma de trabajo de la casa y al final se convierte en una cuestión de familia, de trabajo en equipo. Más de cincuenta personas trabajando en Atrio es una gran familia… [Ríe]…creo que puedo decir que tenemos unos de los mejores staff de restaurante y hotel, aunque suene algo engreído decirlo, de este país. Nos sentimos muy felices en ese aspecto.

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    ¿El espacio del hotel Relais &  Châteaux como complemento?

    Evidentemente el edificio ha sido algo definitivo para nosotros, Cáceres, para la región, uno de los detonantes, se ha elaborado con mucha sabiduría, mucho tacto, son de esas cosas que suman. Ahora vienen arquitectos de todo el mundo que vienen a visitar y alojarse, es un valor añadido a nuestro negocio gastronómico.

    ¿Qué ha supuesto la capitalidad gastronómica española de hace dos años?

    Ha sido importante,  ser escaparte gastronómico desde Cáceres. Un pretexto, un arma más con el que ha contado la ciudad para poderla situar dentro del turismo, un buen destino para venir a disfrutar de su paisaje, sus monumentos y su comida. De su cultura en general.

    Con el paso del tiempo y el trabajo bien hecho se comienzan a recibir galardones, pero ¿Qué supone tener dos estrellas Michelin? ¿En qué medida os influye este tipo de distinciones?

    Están bien, tampoco hay que hacerle demasiado caso, te sientes orgulloso y contento y esa palmadita que necesitamos los humanos para seguir adelante siempre es importante. La profesión es dura, compleja y cuando te reconocen el trabajo siempre gusta. Pero no es el fin último el hecho de conseguir las estrellas, los puntos, las condecoraciones y demás, el trabajo tiene que salir de dentro porque tú crees en ella, porque por encima de todo debe ser lo más importante. Tampoco supone, al menos para nosotros, un obstáculo para seguir trabajando.

    Sébastien Bras, propietario del restaurante francés Le Suquet, renunció a tres estrellas porque no soportaba la presión…Antes de Sébastien Bras, otros chefs abandonaron esta carrera hacia las estrellas. En 2005, Alain Senderens renunció a las tres estrellas de la guía, pero porque «había cambiado de concepto». En 2006, Antoine Westermann hizo lo mismo. En 2008, Olivier Roellinger había cerrado su restaurante de tres estrellas en Cancale…

    …Yo siempre digo que las estrellas no son única y exclusivamente del cocinero, del restaurante o del sitio donde está ubicado, las estrellas pertenecen a la ciudad, al entorno, de la gente y de los clientes. Una estrella Michelin implica otras cosas, y la presión en ese sentido se genera desde el primer día que abre Atrio y desde el momento en que queremos mejorar continuamente. Hay que estar preparado para este tipo de distinciones, pero como decía antes, no sólo nosotros, también la ciudad, el entorno gastronómico, el cliente…

    La profesión es dura, compleja y cuando te reconocen el trabajo siempre gusta. Pero no es el fin último el hecho de conseguir las estrellas, los puntos, las condecoraciones y demás, el trabajo tiene que salir de dentro porque tú crees en ella

    ¿Cómo es el día a día de un dos estrellas Michelin?

    Es una locura…[Ríe]…está segmentado por los diferentes departamentos, recepción, piso, cocina, mantenimiento, contabilidad…y yo al final meto los hocicos en todo…[Ríe]…prácticamente casi todo pasa por nuestra supervisión. La logística de los productos, proveedores, de los eventos y del buen funcionamiento deben estar muy controlados para mantener la excelencia que queremos dar cada día. En cocina, para que te hagas una idea, estamos diecisiete personas en total y eso supone una cadena de trabajo muy exigente. La coordinación es clave.

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    La televisión ha abierto una ventana a la gastronomía con infinidad de programa en prime time con mucho éxito…¿La tele ha ayudado a entender conceptos de cocina como el del Atrio?

    Sin duda. El que estemos en Masterchef como espacio invitado supone una publicidad gastronómica a todos los niveles, pero no solo para el restaurante, también para Cáceres, la región, para el turismo que llega a nuestro país en general. Estos programas acercan la cultura gastronómica a los pequeños y grandes de la casa, que antes e quedaban en filete empanado y patatas fritas.

    ¿Qué nos encontramos cuando entramos por la puerta del Atrio? ¿Qué placer culinario podemos degustar? ¿De qué ingredientes se nutre tu alacena?

    En Atrio tenemos la carta básicamente estructurada en dos menús, nos era más fácil, porque al final lo que nosotros pretendemos es crear una experiencia, nos gusta en cierta manera controlar como va a ser esa experiencia. Con el menú degustación suelen ir las elaboraciones,  los últimos enredos conceptuales y con nuestro menú de siempre recogemos esos platos con un valor más histórico, de otras temporadas, cosas en definitiva que nuestros clientes no nos dejan que desaparezcan de nuestra cocina.

    ¿Qué importancia tiene l maridaje en vuestra comida?   

    Es muy importante y José ha sabido llevar a la comida de Atrio con una colección de vinos maravillosa. Es uno de los atractivos y los pilares importantes de la casa. Tenemos clientes que vienen a beber. Hay una verticales notables de bodegas históricas y lógicamente no es fácil encontrar un Château Palmer del 89´ o ciertas añadas míticas estupendas que maridan con nuestra cocina de una manera asombrosa.

    Toño, estás rodeados de grandes platos elaborados con procesos a veces complejos, pero ¿Qué te gusta comer a ti? ¿Cocido, tortillas de patatas?    

    [Ríe]…depende también de mi estado de salud, el colesterol y el azúcar no andan muy bien, pero el pan y la pasta me encantan…también soy bastante goloso…[Ríe].

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    Con José Polo damos un respingo de la sala, Toño necesita sacar mucho trabajo y ver el estado de su dedo acribillado por las peripecias culinarias de la cocina. Con José hablamos de todo, de los inicios, de los clientes, de su equipo, de coches, de arte, de aptitudes empresariales, de viajes gastronómicos a otras estrellas Michelin del mundo, las dos que flotan por el magnífico espacio de Atrio vibran y retumban en cada rincón del palacio. Una Casa Palacio de los Paredes-Saavedra y construida entre finales del siglo XIV con elementos de estilo mudéjar, gótico y renacentista, restaurado por Turón y Mansilla, diseño que fue Premio FAD de Arquitectura en 2011.

    Viajamos a la bodega de Atrio, una bodega con alma, pergeñada desde la pasión y el mimo de los dos extremeños. Están los mejores vinos del mundo, los caldos franceses copan el silo vinícola. Verticales de Chateau Latour desde 1945, de Chateau Lafite desde 1929, de Chateau Margaux desde 1938, de Petrus desde 1947, de Vega Sicilia desde 1918…un proyecto de vida, un cacho de tu vida nos comenta José Polo. Suenan las campanas en el interior del patio que une el comedor y la cocina. El crotoreo de las cigüeñas nos recuerda que seguimos en Extremadura.

    ¿Sale el vino de esta bodega?

    Los vinos de alto nivel los consume un público nacional, no existen grandes bodegas en el país con esta variedad que tiene Atrio. Ahora Juan Mari Arzak ya empieza a tener material, los hermanos Roca también pero, y aunque suene vanidoso, una bodega como ésta no hay. Romaneé-Conti es la bodega más prestigiosa de todo el mundo, que tiene varios pagos, y muy poca producción de blanco, de Le Montrachet se hace muy pocas botella, algo más de dos mil, y aquí tenemos ese producto. Nunca piensas que venga alguien a consumir borgoñas con el precio que tiene y hace poco sucedió.

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    Repite mucha gente, algo que nos alegra y nos demuestra que estamos haciendo las cosas bien

    José  ¿Qué vino consumirías siempre?

    Un Montrachet de la Romaneé-Conti…¿Qué se acaba el mundo esta noche?…pues ese sería mi último sorbo…[Ríe]…son vinos únicos, con una producción muy corta y con unas viñas espectaculares.

    ¿El cliente repite o Atrio se convierte en una experiencia aislada?

    Repite mucha gente, algo que nos alegra y nos demuestra que estamos haciendo las cosas bien. Nuestros clientes antes eran gente de Cáceres como cliente habitual y el cliente que pasaba de manera ocasional por turismo o trabajo. Rafael Ansón del Zalacaín nos dijo que teníamos que tener especial cuidado con la continuidad del negocio, que no se convirtiera en algo al que ir una vez en la vida, se me quedó grabada esa reflexión, que había que buscar un lugar de diversión gastronómica. Cuando abrimos Atrio en el nuevo espacio, la crisis hizo mella y la clientela regional era más escasa pero comenzaron a venir gente de fuera, y comprobamos que se convirtieron en clientes fieles, que no sólo vienen a degustar la cocina sino también el hotel.

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    Hemos visto Warhol, Saura o Tápies  ¿Compráis arte para darle volumen a Atrio?

    Nosotros hemos comprado todas las obras que podéis ver a lo largo de nuestra vida y como Atrio es un proyecto de vida esas obras deben estar aquí. Son obras que identifican el lugar con nuestra forma de ser.

    Puede influir el espacio donde estamos ubicados, la atención que damos siempre, el hecho de comer como una diversión cultural gastronómica o simplemente que tenemos suerte

     

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    ¿Cómo es el equipo de Atrio?

    El equipo es formidable. Desde un primer momento se ve si encaja en el proyecto o no, eso hace que la clientela se vaya con las sensaciones que queremos transmitir desde el primer momento que montamos Atrio. Nos da seguridad trabajar con profesionales así.

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    ¿Los clientes vienen predispuestos a pasarlo bien o buscan complejidades de otro tipo?

    El denominador común de todos los clientes es el mismo; son cariñosos. Puede influir el espacio donde estamos ubicados, la atención que damos siempre, el hecho de comer como una diversión cultural gastronómica o simplemente que tenemos suerte con los que vienen…[Ríe]…Carmina, Toño o yo siempre estamos para atender al cliente.

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    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez