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  • Músicos en Movimiento «Profetas en nuestra tierra»

    Músicos en Movimiento «Profetas en nuestra tierra»

    Un verano más y otra edición, ya consolidada, de Músicos en Movimiento 2021. Una que sobrevive con mucho esfuerzo y entusiasmo para convertirse en la sexta edición de una actividad cultural que se posiciona como una de las más relevantes de la región. El músico extremeño Gene García comentaba en la anterior edición Músicos en Movimiento que es una opción que debería de convertirse en una actividad anual. Encajar fechas y localidades con estas condiciones tan especiales es un reto que el equipo de Músicos en Movimiento de la Diputación de Badajoz organizado por Óscar Elias maneja con mimo y cautela. Para los músicos de la región, este espacio cultural supone una carta de presentación, una actividad única para dar a conocer los nuevos temas en unos meses de verano donde los conciertos necesitan de un público cercano.

    Seis localidades para tres conciertos. 18 bandas actuando para recordar que en la región se hace música de todo tipo. Músicos en Movimiento 2021 visita en esta ocasión las localidades de Almendralejo (24 de julio), Barcarrota (31 de julio), Cabeza del Buey (7 de agosto), Zalamea de la Serena (13 de agosto), Berlanga (14 de agosto) y Los Santos de Maimona (28 de agosto).

    Bob Dylan decía que las canciones son justamente pensamientos. Por un momento paran el tiempo. Escuchar una canción es escuchar algunos pensamientos. Parar el tiempo para degustar cultura extremeña, sentir los pensamientos de los artistas locales y escuchar su arte en nuestras propias localidades.

    Seis ediciones, un evento que nació para estar incluso en plena pandemia.

    Después de estas seis ediciones, de casi cuarenta festivales en otras tantas poblaciones de la provincia, de no haber parado el año pasado con la pandemia gracias al esfuerzo increíble y al compromiso de este Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, ejemplar, y de innumerables producciones y colaboraciones con toda clase de artistas de nuestro territorio, Músicos en Movimiento y sus festivales; FIMM, se ha convertido en uno de los más serios estandartes de representación y promoción de nuestra música y de nuestros artistas.

     

    ¿Qué supone este evento para la región y para los artistas de la tierra?

    Una organización de más de 100 personas cada año, con los mejores profesionales de sonido, iluminación, vídeo, diseñadores web, fotografía, etc..que hacen de nuestra cita cultural una de  las fechas más señaladas en el calendario de actividades de allá donde vamos. Con la firme disposición de aunar Cultura y Espectáculo, de proporcionar a nuestros artistas un soporte altamente profesional, para que ellos puedan desarrollar todas sus cualidades en el escenario, de ser profetas en nuestra tierra.

    ¿Qué podemos escuchar en estos conciertos?

    Con nosotros tienen cabida todos los estilos, se mezclan artistas consagrados con jóvenes talentos, creando sinergias y colaboraciones nunca antes posibles, estrechando lazos entre distintos artistas y distintos estilos; (como por ejemplo el año pasado en uno de nuestros festivales se conocieron Gene García y Spin Offs, y de ese encuentro nació una canción preciosa y un sueño cumplido para la nueva formación extremeña.)

     

    ¿Qué supone Músicos en Movimiento para las localidades que acogen el festival?

    Podemos comprobar ciudad tras ciudad, festival tras festival, año tras año, como nuestros paisanos se entusiasman con la calidad y la profesionalidad de nuestros artistas, como las localidades se engalanan para recibirnos, como se crea esa sinergia necesaria y ese compromiso de unos por otros, como cada edición nos enamoramos más perdidamente de nuestro trabajo, de nuestros pueblos, y de nuestra labor, que no es otra que crear una identidad musical propia dentro de nuestra provincia, un lazo sólido entre músicos y espectadores, un público que sentirá como suyas nuestras canciones, y se sentirá orgulloso de nuestros logros, se sentirá orgulloso de que nuestras simientes se esparzan por todo el mundo, porque esas simientes que el aire desplaza sin fronteras, salen de una planta que tiene la raíz asentada firmemente en nuestra tierra, donde fue sembrada y regada.

     

    ¡Músicos en Movimiento…y músicos resilientes!

    Éste era un año difícil, de transición, donde de nuevo había que soportar recortes y demostrar el compromiso real con nuestra cultura, al igual que el año pasado hicimos. Pero Músicos en Movimiento está en constante transformación y evolución, y ya están trabajadas novedades muy importantes para el año que viene, algunas serán presentadas este mismo año para seguir ayudando a formar en nuestra provincia una industria musical sólida, con identidad, y abierta a los nuevos mercados globales.

     

  • Instrucciones para tocar piezas de Bach y Radiohead en un teatro romano extremeño sin sorpresas

    Un corazón que está tan lleno como un vertedero. Un trabajo que lentamente te mata, heridas que no sanarán. Así arranca la canción de Radiohead. En inglés claro, y con Thom Yorke, el cantante del grupo, intentando ahogarse en una urna de cristal mientras acierta a seguir la letra. Ahora toca apnea musical en el Teatro Romano de Mérida. Con otro acorde, otro arreglo, una joya sinfónica que el maestro Padilla ha macerado entre violines, violas, violones y guitarras flamencas. No surprises se convierte en una brutal sorpresa que descarna la piel a jirones con una orquesta, la de Extremadura en este caso, florando entre las partituras de algo mágico con forma de música.

    Desde Bach hasta Radiohead pasando por Iron Maiden, la tarantella napolitana de Rossini y la hyperbalada de Björk. De actuar para dos centenares de personas en un pabellón con capacidad para siete mil personas a actuar cerca de los dioses romanos. Le recordamos a Michael Thomas, director y violín solista, José Manuel Zapata, tenor, Rubén Rubio, guitarra y viola de gamba y a Juan Francisco Padilla,  guitarra y arreglos musicales que Apolo anda muy atento entre las columnas del teatro. Nunca falla a una cita musical de este calibre. Padilla nos dice con los ojos emocionados que probablemente van a tocar en uno de los sitios más bonitos de sus vidas, “sólo pienso en disfrutarlo, sólo pienso en que nada estropee ese momento, al final sólo queda el recuerdo”. “Tocar en un sitio con tanta historia es maravilloso” retoma Zapata, a quien su profesión como tenor y con la ópera a cuestas le ha llevado a lugares particulares, difíciles y después a espacios únicos como el teatro romano de Mérida. “El Sferisterio de Macerata tiene ese encanto que se asemeja a esta joya de Extremadura”

    Te ves tan cansado e infeliz. Derroca al gobierno, ellos no hablan por nosotros. La canción sigue y Zapata ensaya antes de la entrevista, aprovecha que los músicos de la Orquesta hacen una parada para descansar. Fuera del Palacio hay músicos de la Orquesta de Extremadura y paisanos de la generación del 80 chutándose una vacuna contra el maldito COVID. Este es mi último espasmo, mi último dolor de estómago.

    “Es una oportunidad de decir bien claro que la música es la música, que todo es música, que la gente va a escuchar música pura, y esa sensación es la que trasladamos al público, al que hacemos partícipe desde la primera nota de Bach”. Así nos define Michel Thomas el proyecto From Bach to Radiohead. Padilla aclara que tiene dudas acerca de definir este proyecto como un concierto para acercar la música a la gente, pero tiene claro una cosa “Como decía una vez Goyo Jiménez, le damos liebre por gato, es decir, el público que está ahí tiene que escuchar una pieza de Michael Thomas, Harold in Islington, o una pieza de diez minutos de Arvo Pärt, piezas que jamás escucharían si no vienen a este concierto, y entre medias No Surprises de Radiohead, un tema que un público de sinfónico no se esperaría nunca ”

    Los cuatro artistas hablan de apropiarse de la música, de las canciones de un grupo de rock, de sentir que estuvieron escritas para la orquesta. Una oportunidad  a autores contemporáneos, que hacen música contemporánea de la buena, a que sean interpretados por el mejor instrumento del mundo, la orquesta, detalla José Manuel Zapata.

    Llevaré una vida tranquila. Un apretón de manos de monóxido de carbono. Sigue la canción, se ha quedado incrustada en el techo del Palacio, entre las butacas y los pasillos que circundan el  edificio. La magia de llevar la música al público joven. El arreglista Juan Francisco Padilla lo tiene claro; “Se dice continuamente que cada vez hay menos público, menos gente joven que escucha clásica, quizá aprovechando esta veta de hacer nuestras las músicas actuales, podamos aprovechar el potencial que tiene para este sector de la población.”

    Existe la creencia  de infravalorar el trabajo de descomponer un tema de rock y llevarlo a un concierto de orquesta sinfónica. Michael Thomas sólo tiene halagos para los arreglos de Padilla y Rubén Rubio lo aclara. “Hay que matizar una cosa y que creo que le da relevancia a este proyecto, somos melómanos, de música clásica y de música que no lo es, el motor que nos empuja realmente a realizar este proyecto. Esos arreglos necesitan un conocimiento amplio de la música original, sentirla con emoción, la clásica y la moderna. Esa dificultad se suple con la pasión”.

    La conexión para tocar ciertos temas con las orquestas que trabajan en From Bach to Radiohead se antoja complicado. Los primeros minutos, a la media hora, durante el ensayo parece que han hecho la gira desde hace lustros. Hay risas, alguno silba cómicamente, se miran entre sí, y al final el maestro, el director Michael Thomas, nos comenta que para algunos músicos es un choque con su día a día, un trabajo con una música concreta, pero tras ese primer contacto con el proyecto, todos terminan 100% tocando de lujo. “La Orquesta de Extremadura desde el primer momento  se ha metido en el repertorio”. “Hay bastantes prejuicios en esta sociedad, estamos llenos de prejuicios, pasar de Mahler, Chopin, Shostakóvich o Beethoven a Radiohead es complicado, pero al final estos prejuicios se vencen con calidad y talento” matiza Zapata.

    Todo preparado, los instrumentos descansan afinados para repartir Bach y Radiohead sin sorpresas, sin alarmas, para tocar y rozar el alma de esas canciones, una orquesta, los dioses y diosas empadronadas en nuestra región y un público sin prejuicios… Sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, por favor.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible

    Sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible

    Un poeta con nombre de detective busca pistas entre sus poemas. Ben Clark y aplausos en su declamación, Ben Clark y oyentes a la espera de un armisticio, Ben Clark y su amigo Erik, el otro britishibicenco, que se compró un libro gordo de nudos marineros y se ahorcó en la escalera. Ahora toca silencio, para rastrear al más puro estilo Sherlock Holmes, el próximo poema que borre las lágrimas del público.

    02-Feria del Libro30

    En otro rincón de la Feria, el libro espera ansioso a ser firmado, bien aprisionado entre los dedos sudorosos, ninguna palabra se escapa, queda menos, cincuenta lectoras delante, queda poco. Martina D´Antiochia o Mercedes Ron reciben abrazos ficticios, besos ficticios y palabras de elogios filtradas por la censura vital de la mascarilla. Ficción de youtubers, wattpaderias y trilogías de amor en tiempos de virus. Hay chicos y chicas que leen, algo queda.

    02-Feria del Libro01

    Julián Quintanilla a lo suyo. Atiende amablemente a su ejército de seguidores sentado en la zona de firmas. Dos sillones blancos y un cristal templado separan al lector y escritor. Una firma, un gracias, un te quiero y una hipoteca aceptada. Legajos de la pandemia y una vida entera en treinta minutos de rodaje.

    Fernando Ortiz, José Manuel Vivas, Luis Aleixandre, Carmen Castillo, Antonio Rivero, Justo Vila, Ana Bermejo y Juan Ramón Santos. Menacho, lunas congeladas, pocas flores, magia literaria, trasposiciones, la calle del medio, 112 formas de protegerse de la lluvia, cuatro emes y la calle del medio. Autores y autoras componiendo el puzle de un sábado de feria.

    02-Feria del Libro18

    Carlos del Amor toca de nuevo suelo extremeño. Tres años después, treinta y seis visitas al Prado, veintidós al Thyssen y dieciocho al Reina Sofía, una liga del Barça, del Real y del Atlético Madrid y un viernes negro periodístico por medio, deja la ficción por pellizcos de su día a día, y como él nos comenta, antes periodista que escritor, Emocionarte, un libro que permanece en ese limbo laboral.

    02-Feria del Libro25

    Mientras que Carlos habla del perro de Goya, un abuelo acompaña en el silencio de un banco a su nieto, un chico que pasa hojas ajeno a la mirada de ese animal asustado que como relata el periodista murciano, es un reflejo de nosotros, todos somos ese perro buscando aire, levantando el cuello, mirando con ojos como platos en un paisaje indefinido que puede ser cualquier lugar.

    02-Feria del Libro20

    Mientras que del Amor remarca que hemos aprendido a vernos únicamente los ojos, a identificar las miradas, obviando las bocas, la Reina de Corazones trabaja duro para captar la atención de esos ojos infantiles que pululan por el parque ajeno al cuadro de Edward Hopper que inspiraría la casa de Norman Bates.

    02-Feria del Libro27

    Mientras que Carlos del Amor recuerda las luces apagadas, el silencio de los museos en tiempo de confinamiento, la traductora de lenguaje de signos pasa un dedo desde el lagrimal del ojo hasta la comisura de la boca. Ella entiende mejor que nadie esa falta de ruido, el autor pone música al abrazo de Juan Genovés, la traductora toca la guitarra de María Blanchard.

    02-Feria del Libro33

    Mientras que Carlos habla del pasaporte de los cuadros, las traseras de los cuadros, sus etiquetas, sus censuras, sus dueños por un tiempo, las manos por las que han pasado, los altillos donde han dormido años y años, alguien descubre que el Caravaggio de su casa no vale un duro, que todo es cuestión de emociones, de momentos, de la capacidad que tenga cada uno de soportar las perrerías de la vida, de evadirnos con un libro, de escaparnos del lienzo de Van Gogh aprovechado una ronda de presos, de brindar con absenta de frente a un cuadro de Degas, de celebrar que estamos vivos, que sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

     

     

  • Proyectos de sostenibilidad, cultura y alma en tierras extremeñas y portuguesas

    El tiempo pasa rápido, y ha transcurrido un año de la última edición del Congreso Mundial de la Ciudadanía Extremeña en el Exterior. Un año y un pistoletazo de salida para infinidad de proyectos que se han sumado a la iniciativa comunitaria de la New European Bauhaus desde la región o interconectada con Extremadura. Las conclusiones por entonces, se han afianzado de manera vertiginosa, y eso que aún quedan mucho por recorrer en este nuevo mapa mundial.

    Quedó claro, tras el encuentro, que Extremadura es una tierra preñada de talento y de capital creativo, que contamos con personas que están demostrando, unas desde nuestra región y otras desde el exterior, la valía, la idoneidad y la versatilidad de sus proyectos innovadores. Pudimos comprobar que tenemos gente comprometida con el territorio desde el propio territorio, gente que vive en otras latitudes pero con ganas de seguir aportando y colaborando con su tierra. Con el Nuevo Bauhaus Europeo, se abre una incesante vía, una hoja de ruta para llegar a un futuro esperanzador, más ecológico, más digital, más sostenible. Un futuro en el que los creadores, artistas, científicos, artesanos o arquitectos pueden diseñar un nuevo modelo social…una nueva forma de relacionarnos con el urbanismo y con el medioambiente…Cómo deben ser nuestras localidades…cómo vivirlas…cómo debe ser nuestra relación con la naturaleza…cómo respetarla…cómo hacer territorio.

    La Nueva Bauhaus Europea

    Quiero que NextGenerationEU ponga en marcha una ola europea de renovación y convierta nuestra Unión en líder de la economía circular. Pero no se trata solo de un proyecto medioambiental o económico: tiene que ser, además, un nuevo proyecto cultural para Europa. Ursula von der Leyen

     

    Desgranamos algunas de las iniciativas vinculadas con el programa europeo con el propósito de implicar a diversos agentes locales y buscar vías de colaboración conjunta. Proyectos extremeños y portugueses, finalistas y ganadores del  premio internacional New European Bauhaus, convocado por la Comisión Europea y nuevas propuestas para el año que viene, proyectos que empiezan a asentarse como una realidad, ideas y bocetos de nuevas iniciativas que propician  la transformación de lo rural. Proyectos de Extremadura y de la vecina Portugal que pretende servir de inspiración para todas aquellas ideas que puedan implicarse en algunos de los ámbitos de acción que promueven los valores, como ruralidades, sostenibilidad o inclusión.

    LaNaveVa

    LaNaveVa: el lugar donde el arte no se detiene; un espacio centrado en la exhibición de obras plásticas de artistas españoles, que trasciende las limitaciones físicas de la galería de arte para sacar las esculturas a la naturaleza. Instalaciones de gran formato, trabajos de landart, site specific art y arte ambiental serán algunas de las propuestas que acogerá el nuevo parque de esculturas localizado en Cáceres. Frente al embalse de Valdecañas, junto al municipio de Berrocalejo (Cáceres), a pocos kilómetros de Madrid, LaNaveVa se encuentra en plena naturaleza y rodeada de facilidades de acceso y comodidades. El paisaje cambiante, marcado por las aguas del pantano y por la riqueza del ecosistema de la región, resulta un escenario propicio para la instalación de grandes esculturas e intervenciones.

    La Nave Va es un espacio dedicado a la exhibición de esculturas e intervenciones de gran envergadura, propuestas de Land Art, arte ambiental y Site Specific Arte de artistas reconocidos y nuevos talentos basado en la premisa de que el Arte no se detiene.

    El espacio de LaNaveVa se ha concebido en dos ambientes diferenciados: por una parte la amplitud del paisaje, siempre variable en función al paso de las estaciones y la climatología, con impactantes puestas de sol; y por otra, el interior de la propia nave, que es el eje central del parque. La nave, resultado del aprovechamiento de una edificación destinada a usos agropecuarios en abandono, es el ámbito en el que tendrán lugar ocasiones especiales en forma de eventos, encuentros, actividades y exposiciones de obras de diferente naturaleza y lenguaje a las instalaciones del exterior. LaNaveVa se configura como un centro multidisciplinar de arte y naturaleza, que espera impulsar la actividad cultural de la región. Para su inauguración el parque ha estado en contacto con escultores españoles como Cristina Almodóvar, Diego Canogar, Kico Camacho o Juan Garaizabal con el objetivo de proporcionar una oferta variada a sus primeros visitantes.

    En LaNaveVa el arte no tiene límites. La promoción de los creadores españoles es una prioridad, además de la de acercar estas propuestas, alejadas del circuito de las galerías convencionales, a aficionados y coleccionistas. El parque LaNaveVa es un lugar abierto a la participación.

    Eduardo Mencos: paisajista de LaNaveVa

    La ondulante superficie del jardín de LaNaveVa, integrado por colinas que confluyen en el lago central, es uno de los sellos fundamentales la nave. El jardín, que irá poblándose progresivamente de esculturas, comunica directamente con el paisaje característico del Campo Arañuelo y ensalza su belleza mediante la utilización de elementos que le son característicos, como los olivos, los tomillos y el propio lago, que hace referencia a las aguas del embalse de Valdecañas.

    Este sentido de comunidad con el paisaje no sería posible sin la labor de Eduardo Mencos, paisajista y hombre polifacético, que contempla los jardines bajo una visión integradora que unifica bajo un mismo concepto arquitectura, paisaje y todos los elementos que son la seña de identidad de los mismos. Gran admirador de los paisajes de España, con varios libros de fotografía publicados, Mencos busca rendir homenaje a los rasgos naturales de los entornos en cuales los jardines se integran, proponiendo especies endémicas y características de estos lugares. Para Eduardo Mencos el jardín posee un sentido narrativo claro dada la influencia de su carrera previa en el cine.

    Mesas de Berrocalejo en Cáceres

    La Nave Va se encuentra en Berrocalejo, Cáceres, a escasos metros del embalse de Valdecañas, entre cultivos de cereales y olivos, y es fruto del aprovechamiento de una nave abandonada que estuvo destinada a usos agropecuarios. Su localización, sobre el cercano embalse proporciona a la nave un panorama visual en el que especies vegetales características de la región —encinas, alcornoques y retamas—, se entremezclan con usos agrícolas tradicionales como la cebada, el trigo, la vid o los olivos. Se trata de una zona con una gran riqueza natural, además de un patrimonio cultural atractivo que ha dado pie a lugares de interés monumental y etnográfico debido a su pasado remoto y a la ocupación rural de su territorio.

    En la ejecución del proyecto se ha tenido en cuenta estos referentes, de manera que La Nave Va se integra con el entorno. Su jardín toma como inspiración el agua del embalse y está conformado por un estanque ovalado rodeado de colinas que aluden el elemento acuático. Otros referentes como los olivos o el tomillo están presentes en la concepción del mismo.

    NEW HAND LAB

    El New Hand Lab es un espacio que promueve la creatividad, la innovación y el emprendimiento a través de la realización de ideas, productos e iniciativas. Pretende asumirse como un espacio para la promoción y difusión de los recursos endógenos más creativos y el impulso de Covilhã y Beira Interior en el país y en el mundo.

    EN EL PULMÓN DE LA VECINA PORTUGAL

    Covilhã ubicado en el corazón de Portugal, desde el siglo. XII que es una marca de lana, con un enfoque especial en la creatividad evolutiva. La fábrica de António Estrela se construyó sobre una fábrica del siglo XVI. XVII, en 1904 recibe un premio que honra y distingue mucho a esta fábrica y por qué no decir a la propia ciudad, que le dio su reconocimiento a través de fronteras, en este caso al otro lado del Atlántico, en la Exposición Universal de St. Luiz, EE. UU.

    A lo largo de los años esta fábrica ha sido reconocida, pero no por ser exhaustiva, más al mismo tiempo, Julio Afonso recibe el premio “Brillant Pen 1976”, otorgado por Men’s Fashion Writers International, cuyo principal rasgo profesional fue el dominio del elaborado y asociado con una creatividad reconocida por el propio mercado por sus pares. Desde hace unos años, la familia de Julio Afonso ha intensificado su interés por las costumbres y sus talentosos artesanos y ha madurado la idea de apoyarlos por un lado y rendir homenaje a su fundador por el otro. En Castelo Novo, un talento boutique tienda, ubicada en un Pueblo Histórico.

    Sin embargo, de la búsqueda permanente de materializar la creatividad libre y espontánea de todos los que trabajan en el proyecto conjunto, nació el Hand Lab, que decidió llamar Nuevo por ser un espacio nuevo y que ahora se da a conocer públicamente a través de esta exposición 100 % lana, donde rinden homenaje al trabajo de Julio Afonso y consagran en puntos comunes la sostenibilidad de la tecnología creativa y apasionada.

    El objetivo final es compartir con todas las personas que tienen un gran interés en todo esto y motivarlas a unirse a este espacio de expresión libre y creativa.

    FRANCISCO AFONSO

    Francisco Afonso es el mentor de la creación. Es el impulsor del proyecto, el detonante de la intervención. Soñador, caballero y afable, su arte es la voluntad de hacer y la voluntad de aceptar. Francisco Afonso vive en los muros de la fábrica. Su patrimonio son los espacios que conoce de punta a punta, de máquinas a escalones, entre rodillos y columnas, llenos de sueños perdidos y esperanzas redescubiertas. Francisco Afonso ofrece al público su piso, pero fue a los artistas a los que entregó su alma.

    Hay un mundo privado en cada cabeza pensante. Si tuviéramos acceso a estas voluntades primarias, miedos guturales y libido libre, las puertas de la anarquía se abrirían indefinidamente. Cuando los ojos se cierran y el cuerpo está enterrado, se invita al público a entrar.

    Proyecto OPEN UP

    El proyecto Open Up (siglas: OU) explora cómo, en esta era de división, segregación y exclusión, la cultura puede jugar un papel activo en el surgimiento de nuevas relaciones en la comunidad. A través de las diversas actividades, OU tiene como objetivo proporcionar una plataforma sólida, activa y sostenible para sinergias creativas. El proyecto tiene como objetivo construir prácticas artísticas sostenibles dentro de las comunidades desfavorecidas presentes en cada una de las ciudades participantes. OU consiste en una red transaccional en los campos del arte, la cultura, las artes escénicas, los problemas urbanos y sociales.

    OU es un proyecto que tiene como objetivo descubrir artistas, intérpretes y diseñadores, con un enfoque especial en los jóvenes, de comunidades urbanas desatendidas, segregadas y desfavorecidas en siete países europeos: Chipre, España, Finlandia, Francia, Grecia, Portugal y Suecia.

    Para lograr esto, OU creará siete plataformas diferentes que trabajarán juntas para empoderar a estos creadores a desarrollar sus habilidades, presentar su trabajo y crear un modelo de negocio que les permitirá mantener su trabajo después de la finalización del proyecto OU. Además, se creará una octava plataforma de intercambio para explorar y compartir las experiencias de la OU.

    Durante los tres primeros años del programa, y ​​a través de las ocho plataformas, se organizará un abanico de actividades, que culminarán en la UO de Festivales Culturales, que tendrá lugar en el cuarto año. OU empleará el modelo Learn-Do-Present, un proceso interactivo, que finalizará con la presentación de nuevos trabajos, con el objetivo de desarrollar y probar modelos de negocio sostenibles en el sector de las artes, además de promover el diálogo y la competencia intercultural. El proceso de Aprendizaje incluye el intercambio y difusión de habilidades y conocimientos, el proceso de Making permite a los participantes materializar sus conceptos, utilizando los conocimientos adquiridos. Finalmente, el proceso Presente promueve los resultados y productos creativos de los participantes a la audiencia y la industria creativa.

    TIERRAS EN DANZA, 2021

    El proyecto Tierras en Danza de la ONGD Sinergos, se coló en la lista de finalistas de los Premios New European Bauhaus, y formó parte de las iniciativas extremeñas, donde LaFábrika detodalavida fue premiada. A pesar de solo haber celebrado dos ediciones, el objetivo de llevar la danza contemporánea a las zonas rurales del norte de Extremadura, en concreto en su sede principal Tierra de Granadilla, y su conjunción con la naturaleza y el deporte le han valido ser finalista en la categoría 8 “Movilización de la cultura, las artes y las comunidades”, que premia actividades de transformación centradas en las artes y la cultura que ayuden a generar cohesión social.

    QUÉ ES TIERRAS EN DANZA

    El Festival de Danza Contemporánea en el Medio Natural «Tierras en danza» es un evento cultural, formativo y turístico en el que disfrutar de la danza en un entorno privilegiado. Consiste en la celebración de una semana de clases de danza contemporánea, actividades deportivas y culturales dirigidas a aficionados y profesionales de la danza, pudiendo disfrutar también de espectáculos y actividades complementarias a lo largo del desarrollo del curso. El ámbito del encuentro es tanto nacional como internacional, planteando unas vacaciones alternativas en una zona poco conocida.

    El encuentro se desarrolló en las instalaciones del Centro Internacional de Innovación Deportiva en el Medio Natural «El Anillo», situado en la comarca de Trasierra-Tierras de Granadilla, Cáceres en julio y de agosto.

    La idea de estas jornadas nace tras un proyecto previo en estas instalaciones, en el que por unos días juntamos la danza con la investigación en el deporte. Nuestra estancia allí nos permitió conocer mejor la zona y descubrir todas las posibilidades de este espacio privilegiado. Como resultado, desde el RCPD “Mariemma” grabamos un vídeo danza en el que se aprecian las múltiples posibilidades de esta edificación y el medio que la rodea: Por otra parte, este tipo de jornadas formativas se dirige a un sector especializado en danza contemporánea (profesionales y semiprofesionales) poco conocedores de la geografía extremeña y de las posibilidades que ofrece la región. En un radio de menos de 30 Km podemos encontrar las ruinas romanas de la ciudad de Cáparra, sede del festival de Teatro clásico de Mérida; o la Villa Medieval de Granadilla, declarada como Conjunto Histórico artístico. Del mismo modo, las comarcas cercanas no disponen de una oferta cultural amplia en este campo, brindando una buena oportunidad a sus habitantes para entrar en contacto con una forma de arte que les resulta de difícil acceso. La pervivencia en el tiempo de este tipo de eventos sitúa en el mapa a la localidad que la acoge, y es un reclamo para los seguidores de la danza y sus familias, que pueden disfrutan de un tipo de ocio distinto en un medio altamente atractivo.

     

    QUIEN ESTÁ DETRÁS DE TIERRAS DE DANZA

    Detrás de Tierras en Danza tenemos un fuerte equipo con perfiles diversos para enriquecer el proyecto. El proyecto se articula a través de la ONG Sinergos, entidad sin ánimo de lucro entre cuyos fines se encuentran la difusión de la cultura, el desarrollo de oportunidades en el medio rural o la promoción de la actividad física y buenos hábitos de vida, por citar algunos.

    Entre sus integrantes contamos con profesionales con un largo curriculum a sus espaldas en aspectos como docencia en danza, trayectoria artística interpretativa y coreográfica, organización de eventos o gestión nacional e internacional de proyectos.

    EL ANILLO

    El Centro Internacional de Innovación Deportiva en el Medio Natural «El Anillo» es una apuesta por un modelo de desarrollo sostenible basado en la creación de proyectos e iniciativas innovadoras en el ámbito del deporte, del turismo deportivo y de naturaleza, así como del ocio y el tiempo libre, enmarcado dentro de la estrategia «Extremadura2030». El conocimiento, la innovación, la creatividad y, sobre todo, la formación son pilares fundamentales de la filosofía que se marca en El Anillo, considerando el deporte como un sector productivo muy potente y creciente. Actualmente, el Anillo está calificado como Centro de Referencia Nacional de la Familia Profesional de la Actividad Física y el Deporte por el Ministerio de Educación. Esta distinción supone que desde el CRN El Anillo programan y ejecutan actuaciones para toda España, de carácter innovador y experimental en materia de formación profesional que sirven de referente al conjunto del Sistema Nacional de Cualificaciones y Formación Profesional.

    EL ENTORNO

    La Comarca de Trasierra-Tierras de Granadilla está situada en el sector Centro-Norte de la provincia de Cáceres y delimita al Norte con la provincia de Salamanca y el Valle del Ambroz, al Oeste con la Comarca de Las Hurdes y Sierra de Gata, al Sur con la ciudad de Plasencia y al Este con el Valle del Jerte. Territorialmente nos encontramos con dos áreas bien diferencias: las llanuras del Centro y el Sur que engloban a la mayor parte del territorio y las áreas de montaña del Este y Norte. Estos contrastes orográficos implican también unas notables diferencias altimétricas y consecuentemente de vegetación, ocupación del espacio y aprovechamientos del mismo. Dando lugar a un paisaje bien diferenciado entre las sierras y los piedemontes, las zonas de llanuras y las vegas de los Ríos Ambroz y Alagón.

    Se halla recorrida por dos importantes ríos: el Alagón y su afluente el Ambroz, éste último tiene asociados una serie de regadíos en La Granja y Zarza de Granadilla. Ambos ríos presenta un importante encajonamiento, especialmente el Alagón en su recorrido aguas abajo del Embalse de Gabriel y Galán, dando lugar a zonas de riberos con especial valor ecológico. El territorio tiene una buena localización y una buena accesibilidad, ya que es atravesado por una de las principales rutas nacionales: la Ruta de la Plata, definida por la N-630 y la Autovía A-66, que une el Norte y el Sur de España. La cercanía a Plasencia es otro de los factores a destacar. La EX-205 vertebra la Mancomunidad de Oeste a Este y desde ésta se puede acceder a la mayoría de sus municipios.

    FAB LAB

    Fab Lab (abreviatura de laboratorio de fabricación) es un laboratorio de fabricación totalmente equipado que brinda a todos, desde niños hasta profesionales y empresas, la capacidad de convertir sus ideas y conceptos en realidad.

    FAB LAB Aldeias do Xisto funciona en la Plaza del Antiguo Municipal de Fundão y es un espacio de creación y experimentación a bajo costo y donde no hay límites para la creatividad. Este laboratorio fue el primero que se creó en la comarca, en el que el Ayuntamiento es el principal impulsor, invirtiendo en una estrategia de innovación y emprendimiento. La idea es ayudar a encontrar las soluciones más adecuadas para quienes buscan allí nuevos caminos creativos y comerciales.

    Café en la Plaza

    1º edición del ′′ Café en la Plaza «, un evento que tuvo lugar el pasado 11 de noviembre, en el Octágono de la Incubadora La Plaza, en el Fundão, y está integrado en el Ciclo de Sesiones de Networking organizado por el Municipio del Fundão para la Comunidad Empresarial de la Incubadora. El Café en la Plaza nació de la voluntad de estrechar relaciones entre toda la comunidad presente, virtual o físicamente, en la Incubadora La Plaza, siendo que, todas las sesiones contarán con la presentación de un ′′ case study «, esto es, un modelo de negocio exitosamente firmes en el tejido empresarial de la región. La idea es que los empresarios invitados presenten sus experiencias y buenas prácticas comerciales a todos los participantes. En esta 1 a edición el invitado fue el empresario Paulo Ribeiro, CEO de Unitom.

    Programa iAtelier

    El programa iAtelier está organizado por Cearte, en asociación con FabLab de NOVOTECNA, y es parte del proyecto Crafting Europe. Dirigido a artesanos y diseñadores, con habilidades técnicas en la creación de artesanías o habilidades en diseño digital, el programa está diseñado en dos fases, complementarias entre sí: Sandbox y Creative Residences.

    Sandbox – 4 sesiones online, a partir del 12 de julio entre las 15h y las 19h, con el objetivo de presentar las nuevas tecnologías de fabricación digital como herramientas de apoyo a la producción artesanal. Ponente / Mentor: Luís Carvão, Máster en Arquitectura y Urbanismo en ISCTE-IUL. Formó parte del equipo fundador del primer Laboratorio de Fabricación Digital (Vitruvius Fab Lab).

    Residencias creativas: que se llevarán a cabo entre septiembre y noviembre, en Buinho FabLab en Messejana / Alentejo, donde 5 equipos compuestos por 1 artesano y 1 diseñador desarrollarán las ideas iniciales y producirán un conjunto de productos utilizando la integración de tecnologías de producción manual digital, para se presentará durante la Dutch Desing Week 2022.

    VIVENCIA DEHESA

    Vivencia Dehesa es fruto del proyecto de regeneración de la finca Valdepajares de Tajo,  declarada como  Área Privada de Interés Ecológico, primer y único espacio natural protegido privado de Extremadura. El proyecto se sostiene sobre tres pilares fundamentales: protección de la biodiversidad, producción de materias de alta calidad y divulgación. Todos están interconectados y son indispensables para el correcto funcionamiento del sistema.

     

    Tras varios años de trabajo dedicados a conservar y mejorar el paisaje, se ha conseguido un extraordinario equilibrio de diferentes ecosistemas y Valdepajares de Tajo es hoy un referente con una biodiversidad excelente.

    Un paraíso para las aves y la fauna silvestre, una nueva forma de entender la protección y conservación de los Espacios Naturales. Comprometidos con la  difusión de nuestra filosofía, Vivencia Dehesa ofrece una finca donde enseñar y aprender sobre naturaleza y agricultura, compartiendo vivencias a través de nuestras rutas,  cursos, actividades  y los productos bío que elaboramos.

    La Dehesa y el Agua

    Sepp Holzer, experto en permacultura, inició en Valdepajares de Tajo una excepcional reforma hidrológica en el año 2005 ante el decaimiento de las encinas y el empobrecimiento de los suelos. Se adoptó una nueva estrategia, creando reservas de agua, con el fin de retener humedad y crear microclimas. Valdepajares de Tajo es hoy Área Privada de Interés Ecológico.  Una dehesa revitalizada donde el aumento de la biodiversidad ha sido excelente, y los largos estíos extremeños son ahora mucho más llevaderos gracias a la presencia constante de agua en las charcas. Gracias a la rica sucesión de lagunas, encinares, berrocales, sotobosques y praderas, Valdepajares de Tajo ofrece lo mejor de cada biotopo asociado al bosque mediterráneo. La marca de identidad que diferencia a Vivencia Dehesa es su apuesta por el agua como agente renovador del paisaje. De esta manera, Valdepajares de Tajo se revela hoy como una dehesa especial, en la que el agua es protagonista principal.

    La Dehesa y el Bosque

    El bosque mediterráneo, al este de las grandes lagunas, es el área más agreste de Valdepajares de Tajo. Con un relieve muy marcado, y un espeso y perfumado sotobosque de cantuesos y jaras, es el refugio de especies puramente forestales como la garduña y el azor. Un espacio que da cobijo a una extraordinaria variedad de fauna silvestre, refugio de venados y jabalíes. La regeneración del arbolado y la fertilidad del suelo son características importantes de Vivencia Dehesa que ha conseguido armonizar el difícil equilibrio cuidando el aprovechamiento agrícola, ganadero y forestal de su espacio.

    El jardín de los sueños

    El esqueleto de una gran encina muerta era bien visible desde el mirador de la vivienda de Valdepajares de Tajo, un punto negro que destacaba en el paisaje de una dehesa revitalizada.

    El Jardín de los Sueños es hoy un hito carismático, una de sus señas de identidad. Bajo la sombra de la encina protectora se puede disfrutar del perfume de una gran variedad de plantas aromáticas; desde el mirador se observa una excelente perspectiva de lo que es Valdepajares de Tajo.

    Agricultura Regenerativa

    En una apuesta de futuro para el desarrollo de la dehesa, desde 2012 comenzaron a trabajar en términos de agricultura regenerativa. Un compendio de técnicas cuyo fin último es la salud y fertilidad del suelo. Los nuevos cultivos se basan en el concepto de “Línea Clave”. De esta manera aumenta la retención de agua y se facilita el desarrollo radicular de las herbáceas, así conseguimos que el perfil fértil del suelo crezca. Elaboran y emplean nuestros propios abonos orgánicos y biofertilizantes, empleando materias y productos procedentes de la finca.

  • Javier Tolentino «El cine que me importa»

    Javier Tolentino «El cine que me importa»

    La voz de Javier Tolentino engatusa las respuestas maniqueas de sus invitados. Te ha pillado, decimos los que estamos escuchando la radio a años luz de los estudios fijos o portátiles de Radio 3. No te va a soltar. Te tratará con dulzura, te llevará a decir lo que verdaderamente quieres decir bajo la batuta cinematográfica del director de la Séptimo Vicio Orquestra. Tolentino visita Badajoz, y lo hace de la mano de Fundación CB, como conferenciante de sus películas, la que les importa, como un compañero de profesión y como un humilde camello de una droga centenaria llamada cine.

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    La nota de autor como prólogo de su pasión por el cine;

    Son unas setenta películas, setenta realizadores y setenta momentos aunque probablemente haya más de ese número. Son los recuerdos que dejaron en mí un cine y una gente, un público y muchos oyentes de Radio 3 con los que compartí salas de proyecciones, encuentros y, sobre todo, mucha radio. Ni las películas que nombro son las más importantes de mi vida (algo realmente imposible de destacar para mí) ni el orden en el que están colocadas debe suponer un elemento valorativo, sino que únicamente responde al deseo en ese instante de hablar de esas películas, de esos títulos y de esos directores. Hay muchas obras y muchos autores que me apasionan y no están en este libro, y pongo por caso a Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti, Carl Theodor Dreyer, Jum Sheridan, Manuel Gutierrez Aragón, Teresa Villaverde, Icíar Bollaín…La lista es infinita. Este libro responde tan solo a un pálpito, a un puñado de películas que, al citarlas, me redujeron la pereza y el terrible esfuerzo de ponerme a escribir.

    Lo que leen tampoco responde a un libro de consultas cinematrográficas; no hay afán de construir un almanaque o guía para cinéfilos. El único objetivo es escribir de cine, desde la memoria, y recordar lo que significaron unas películas en un momento determinado; un pretexto para convocar a la emoción, eso sí, desde el cine.

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    El cine que me importa, un libro ya con recorrido pero que supone una guía de cine muy personal, Javier ¿A qué nos enfrentamos cuando abrimos este libro?

    Es un libro que no es exclusivamente de cine sino que utiliza el cine para acercar un poquito los temas que nos pueden preocupar y cómo diferentes autores nos responden a esas dudas.

    Dudas cinematográficas que hasta hace bien poco eran muy difíciles de visionar y que ahora lo tenemos al alcance de la mano con las nuevas tecnologías…

    …Ahí tenemos una oportunidad histórica de ver todo el en nuestras manos. A través de plataformas y demás puedes coleccionar casi 20.000 películas en un solo click, ya sea en Filmin, Filmotech o en la grandes y poderosas plataformas internacionales. Con lo cual yo sí creo que un aficionado al cine o que se quiere introducir al cine necesita unas pautas, unas guías, y estos de los libros que tiene que ver con dar pistas para situarte en el panorama cinematográfico ahora tienen una vigencia que antes no tenían. Antes había películas muertas ahora las tienes ahí.

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    Esas películas que están muertas salen del cementerio fílmico, un ostracismo al que nos han sometido las majors, pero que están siendo sofocado por la gran cantidad de cineclub, pequeños cineforums y demás, este libro trata esas película, aunque tengo mis dudas respecto a obras de arte como las de Kaurismaki o Guediguian…

    Yo sí creo, después de recorrer todo el país, por medio mundo hablando de cine, que en nuestro país tenemos un millón de personas interesadas en el cine de Kaurismaki. De hecho las filmotecas, la catalana, la gallega, la española están llenas todas las tardes, y eso es señal de que hay gente que está interesada en el cine. No podemos pensar, eso sí, que la gente que va al Santiago Bernabeu no va a ese cine, ni nos interesa tampoco…[Ríe]…pero si existe un público suficiente para mantener este tipo de cine. Lo que hace falta es que se den cuenta, y si no se dan cuenta peor para ellos, de que hay un circuito de exhibición cobarde en España que nada más piensa en hacer negocio. Es como si un restaurante no plantea tener una clientela satisfecha  y no cuida sus menús, sus salas, sus comensales…deben cuidar el negocio y también ofrecer un buen producto a sus clientes, si no es así pronto colgará el cartel de cerrado. En este sentido, hoy día, la exhibición comercial española ha perdido el tren y lo están cogiendo espacios muy diversos por todo el país, como librerías que son a la vez cafeterías como 8 y medio en Madrid, Numax en Santiago de Compostela, los cines Movie de Barcelona, Cinemes de Girona, por no hablar de los cines clásicos independientes.

     

    ¿El cine no comercial es para una minoría muy fiel entonces?

    Eso es, nunca será de una élite, es una minoría a la que le gusta otra tipo de cine al que no falla en sus proyecciones.

     

    Libre te quiero de Basilio Martín Patiño, Shadows de Cassavetes, El hombre que mató a Liberty Balance de Ford o Deseando amar de Wong Kar-Wai…¿Por qué estas películas en tu cine que me importa y no otras?

    Se trata de una selección personal, que tampoco tiene mucho riesgo porque mucho de las películas tratadas son de cineastas consagrados. Cuando hablo de cine africano lo único que quiero hacer es trasmitir a los lectores es que hay un cine de ese continente que no nos enseñan, o que difícilmente nos lo pasan si no es que ha ganado algún premio. El cine de Mambéty, Abderrahmane Sissako, cuando hablamos de un cine oriental yo insisto en Kiarostami, Panahi, porque es un cine, que bebiendo del cine occidental, del neorrealismo italiano, de la nouvelle vague han sabido hacer un cine propio y personal, entonces… ¿Por qué esa películas? En principio porque son las que me permiten a mí escribir con placer, tú sabes escribir no es fácil, esta películas son las que me convencen y seducen. La primera película de El cine que me importa es de un autor, El honor de Las Injurias de Carlos García-Alix,  que nada más que tiene ese documental. Es la respuesta o la expresión de un trabajo de investigación de diez años, un barrido por un barrio muy particular de Madrid que hace que el autor pueda expresar lo que ocurrió con la Guerra Civil española. Lo propongo como una insistencia para hablar de este tema tan mal tratado muchas veces.

    Tolentino sin la radio no sería el mismo, su cine, escuchado por las ondas, se ha convertido en una referencia nacional ¿Qué te ha dado este medio para difundir la cultura cinematográfica internacional?

    La radio es única, la radio es mucho más intimista, mucho más natural que la televisión, además permite algo tan claro como el directo y permite sobre todo, diálogos que bien mezclados con sonidos de películas, bandas sonoras y las voces de los invitados  se convierten en algo mágico. A los entrevistados le puedes desencajar pero desde la espontaneidad y la naturalidad que este medio ofrece. De esta manera la radio construye imágenes infinitas. El cine que me importa no tendría sentido sin Radio 3 porque las películas se van construyendo con la propuesta del Séptimo Vicio con las referencias de los propios oyentes.

    Los universitarios de residencias como ésta, la Rucab, son el germen perfecto para divulgar el cine desde tu dilatada y atractiva trayectoria comunicativa…¿Sienten la misma pasión por cine que antes?

    La verdad que charlas y presentaciones en estos espacios proporcionan un valor añadido a la región. Los universitarios, son el futuro, y ya poseen una base cultural como para reflexionar con calidad estructuras narrativas y visuales del cine. Yo veo a la sociedad universitaria española a veces demasiado latente, demasiado dormida, falta un poquito de ganas para decir basta ya, y además el cine español tiene la lacra del pasado, de la penalización de los gobiernos y demás, y no está nada ml utilizar este tipo de espacios para decirles que hay un cine nacional que ha tenido máximo riesgo y que se ha sabido exponer y que ha servido en los temas fundamentales, como la Guerra Civil, la postguerra, ETA y demás, y debía alguien reconocérselo.

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    Algunas de sus películas, un rastreo al cine que le importa a Javier Tolentino.

    El honor de Las Injurias de Carlos García-Alix

    Es el dolor y la impotencia de una clase empobrecida, descastada y miserable los que dotan al anarquismo madrileño de la violencia áspera, de la acción directa y de la seguridad y firmeza de que esta pela se trata de una guerra, o ellos o nosotros. Carlos García-Alix.

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    Libre te quiero de Basilio Martín Patino

    No sé por qué diablos siempre le han negado el pan y la sal a este salmantino, al que reivindican todos los jóvenes cineastas y documentalistas europeos.

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    Shadows de John Cassavetes

    Shadows es un golpe subersivo en las terrazas bohemias de Greenwich Village. Amo profundamente esta película porque desprecia a la industria, se sacude la mierda de las zapatillas al abandonar los platós y conquistar las calles.

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    Tabú de Miguel Gomes

    Tabú, en blanco y negro, empapada de saudade, de silencio, de la bellísima Ana Moreiras…

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    La cinta blanca de Michael Haneke

    Hay escenas en la película más duras que diez películas de Quentin Tarantino juntas.

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    Marie-Jo y sus dos amores de Robert Guediguian

    Si me preguntan cuál es la mejor película de Guediguian, lo tengo claro: Marius y Jeannette. Y si es así, ¿Por qué no escribir sobre ella? No lo sé. Me han dado libertad, incluso para poder desmentirme.

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    La petite vendeuse de soleil de Djibril Diop Mambéty

    …este periódico que vendes, solo hace que hablar bien del gobierno…

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    El hombre que mató a Liberty Valance de John Ford

    Maldita sea –pensé desde la butaca- , ¿Será flojeras?, ¡no cojas el filete, cobardica!

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    La mujer del chatarrero de Danis Tanovic

    La mujer del chatarrero es drama puro, sin ninguna opción para el sarcasmo.

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    El espíritu de la colmena de Víctor Érice

    El espíritu de la colmena expresa la derrota de un país masacrado y aterrorizado, y lo hace desde la inteligencia y la belleza, desde la imagen y el cuento, desde la alegoría y la luz.

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    Le Havre de Aki Kaurismäki

    Hay películas que por muchos motivos molestan, inquietan y desestabilizan a los peones del imperio. Amo profundamente esta película: por contar con un guion libertario y cinéfilo, por una luz en blanco y negro que desbarata la idea de que los cuentos felices de los pueblos y aldeas o son en color o enterrados en la nieve.

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    Paisá de Roberto Rossellini

    Una secuencia inolvidable para mí y que cambió y modificó mi vida: entre los escombros de una ciudad destruida, entre las piedras y los andamios de los esqueletos de los edificios, se veía a un niño rubio y con pantalón corto; caminaba desesperadamente, miraba al cielo y al vacío, parecía no tener sitio. De repente, se precipita desde las alturas para estrellarse contra el suelo.

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    Manhattan de Woody Allen

    Lento amanecer junto al puente de Queensboro, Woody Allen y Diane Keaton, toma rodada a las cinco de la mañana, el ayuntamiento neoyorquino manteniendo las luces del puente y una única toma para la historia, ya que el consistorio no podía soportar más y las apagó.

    Photography By Brian Hamill

    En construcción de José Luis Guerín

    Pocas veces he sentido y percibido la grandeza de un plano como cuando vi por primera vez En construcción en la gran pantalla del Kursaal

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    La vendedora de rosas de Víctor Gaviria

    Leidy Tabares, una actriz no profesional, una chica de las calles de Medellín, se convirtió en la primera de las invitadas del programa el séptimo vicio en 1999.

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    Promesas del Este de David Cronenberg

    Una noche, Viggo Mortensen fue a cenar a un restaurante frecuentado por mafiosos rusos, sin quitarse la ropa de la película y con los tatuajes a la vista de todo el mundo. En el restaurante se hizo un silencio sepulcral, ya que todos entendieron que estaba entrando en el local todo un capo de la famosa banda Vor V Zakone.

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    Plácido de Luis García Berlanga

    Siente un pobre a su mesa. Este fue el título dúo histórico del cine español Azcona-Berlanga, manejó y que la censura de la dictadura no permitió, ya que veía un mundo raro en torno a ese lema que nació en los salones de El Pardo.

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    Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch

    Hay un momento en el que uno adivina que en el fondo de esta historia podemos hallar la silueta existencialista de Jarmusch, un Jinm Jarmusch elegante, sobrio, melancólico y agotado por la banalidad de unos tiempos sin vanguardia, sin debate intelectual, sin altura.

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    Inland Empire de David Lynch

    Pocas veces se es testigo y espectador de un espectáculo tan bello como si nos encontráramos con el psicoanalista que usara un bisturí parta estudiar el subconsciente.

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    Deseando amar de Wong Kar-Wai

    Deseando amar es muchísimo más por la impotencia; es le deseo no consumado, es la sospecha y el respeto, es el abecedario y la escritura de los dioses, es transmitir y a la vez recibir sin daño; es la bocanada de un cigarro en la esquina mientras la amada cruza la calle, gira su cabeza y has muerto de amor y de gloria.

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    Viridiana de Luis Buñuel

    Les aseguro que sería mejor para todos que ustedes psicoanalizaran a Viridiana, y no a mí. Luis Buñuel.

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    El escritor de Roman Polanski

    No hay nadie como Roman Polanski, no hay ningún otro autor vivo que ruede como él, que conozca a la perfección los atajos y agujeros de las cloacas del ser humano.

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    Emtrevista. Willy López.    Notas de autor. El cine que me importa. Javier Tolentino. Editorial Larousse. Foto. Bumbutz

  • Celeste Garrido «Tus ojos dicen lo que tu boca calla»

    La artista gallega Celeste Garrido tiene una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. En esta muestra se incluye una cuidada selección de obras en distintos formatos —en su mayoría de nueva producción— que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo. Su proyecto Nupcial, desarrollado a través de numerosas obras, hace referencia al vestido de novia como símbolo del matrimonio, dentro de un sistema patriarcal subyacente en nuestra cultura y que todavía hoy ejerce un claro dominio sobre la mujer, condicionando su libertad y su autonomía.

    Su discurso artístico surge de la relación entre la experiencia creativa y la condición femenina, incorporando a su obra objetos de la vida cotidiana y materiales orgánicos, en especial aquellos de uso doméstico —miel, gelatina, uvas, pétalos de rosa…— que por sus propiedades y carácter simbólico hacen alusión a la fragilidad corporal, a la noción del tiempo que pasa, y al carácter cambiante de las cosas; la inestabilidad unida a la idea de belleza que persiste en nuestro imaginario colectivo, directamente relacionada con el deseo y la seducción. Sus obras aluden a menudo a una mujer cuya acción está condicionada por la mirada del otro, con una dependencia emocional que hace que su propia voluntad se desvanezca.

    Durante los últimos meses, Celeste Garrido ha desarrollado un nuevo proyecto que establece una reflexión en torno a la violencia infantil y en especial a la violencia sexual en la infancia y la adolescencia. Denominado Infancias rotas, afronta el abuso a menores a través de la creación artística, denunciando el infierno al que se enfrentan los niños y en especial las niñas, por el simple hecho de haber nacido mujeres, en algunos países en vías de desarrollo. Pero también pretende desvelar una realidad de episodios silenciados de abusos infantiles que transcurren a nuestro alrededor, bajo una apariencia de normalidad amable, y que hieren irreversiblemente a algunas personas en lo más profundo de su ser, destruyendo su infancia y condicionando para siempre su vida, especialmente cuando estos hechos se producen dentro del círculo de confianza del menor, como puede ser la familia o la escuela. Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso.

    Celeste ¿Qué nos encontramos como visitante en esta tercera planta del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo?

    Aquí en el MEIAC, en esta tercera planta hay una exposición de Celeste Garrido, una artista gallega, donde nos podemos encontrar con dos series, la serie Nupcial con la que llevo trabajando veinte años, y una serie nueva que empieza en el confinamiento y se llama Infancias rotas. Esta serie se inicia a raíz de la lectura de un libro de María Martínez-Sagrera del mismo nombre que la serie.

    Impacta ver un museo una presencia tan directa de un tema tan duro y desgraciadamente tan actual…

    Yo soy profesora además de artista y por eso me parece importante establecer esa reflexión que permita a los niños cuando van a visitar los museos, tocar el tema del abuso sexual. Es un aspecto que se trata muy poco y que muchas veces ocurre en el círculo de confianza del menor y por tanto, tarda mucho en detectarlo. De ahí como educadora me interesa que los niñas sepan que existe esta cruda realidad y pueden contarlo.

    Vemos elementos significativos como un traje de comunión, pétalos de rosa, zapatos de tacón con espinas, rojo y blanco…

    …estos elementos conforman la parte nupcial y son elementos orgánicos, sacados muchos de los materiales de cocina que utiliza la mujer, como la sal, la miel o como la gelatina de fresa, y que se va trasformando durante la exposición. Esto da diferentes lecturas pero se centra en el tema de la mujer, con el mezquino rol que dice que dice que la mujer tiene que estar en la cocina, en el hogar. Es una crítica viva y una reflexión para todos los asistentes.

    El premio Princesa de Asturias de la Artes, recientemente concedido a Marina Abramovic, puede ser, por fin, un paradigma para situar a la mujer en el espacio que le corresponde en el  mundo del arte.

    Formo parte del portal de Igualdad que lo que hace es reflexionar en torno a la presencia de la mujer en el arte. En los museos aparecemos ahora, pero en las grandes colecciones museísticas no aparece para nada y sobre todo, aún a día de hoy, en las exposiciones internacionales, en las grandes muestras y en las grandes ferias, no se selecciona obra de mujer. Un 5% frente al resto que suelen ser masculinas.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez.

     

  • Ousman Umar «El talento no tiene color»

    Ousman Umar «El talento no tiene color»

    Nacer un martes es común. Ser tu único dato para celebrar un cumpleaños ya no tanto. Cruzar el Sahara en busca del trabajo con nueve años es dantesco. Tardar cinco años en cruzar el estrecho una locura. Sentirse más sólo en Barcelona que una barca de maderos podridos en medio del mar una paradoja con común denominador; Esclavitud del siglo XXI.

    “Es indiferente, no hay año, da igual que sea quince, veinte o trescientos años, lo más importante es el día de la semana”. Nos dice Ousman Umar con una sonrisa inmensa, y nos da el primer hachazo. «Aquí viene la diferencia de culturas, que a veces, pensamos que nuestra forma de entender y ver el mundo es la única manera para que funcione. Hay multitud e culturas”. Kwabena, martes en lengua ghanesa, nos los escribe en un papel, mientras nos recuerda que Kofi Annan, quien fuera secretario general de las Naciones Unidas, significa el cuarto hijo nacido en viernes.

    Ese martes, de un año cualquiera, los designios de Umar ya estaban marcados por la tragedia. “Se supone en mi tribu, que el espíritu del recién nacido es más poderoso que la madre, y si el bebe al nacer muere la madre, se convierte en un ser poderoso, maligno capaz de dominar y matar a todo el pueblo.” Por un momento Ousman guarda silencio, ese vacío lo tapa el ruido de los niños que celebran un cumpleaños. Una celebración con fecha y hora exacta de nacimiento. “Me salvó mi padre. Era el chamán”. Otra larga pausa y una bicicleta de regalo en el cumpleaños de al lado. Umar la mira de reojo y nos recuerda, que eso era uno de sus oficios con menos de 10 años, soldar entre otras cosas, bicicletas.

    De Ghana a Barcelona hay 21,333 kilómetros. 5 años. Esa es la distancia y el tiempo empleado por Ousman Umar para llegar a un destino, que según el fundador de la ONG NASCO, estaba escrito en algún lado. “Salí con nueve años de mi casa para trabajar”, nos muestra sus manos, “esta quemadura es fruto de soldar con esa edad, mi doctorado.»

    Para cruzar el estrecho; Ghana, Burkina Faso, Níger, Libia, Argelia, Marruecos, Sahara Occidental, Fuerteventura, Málaga y Barcelona. 5 años, secuestros y vidas perdidas por el camino. “Hay que recordar que yo caí en manos de traficantes, porque los traficantes de inmigrantes te venden Europa como si fuera la panacea. Para llegar hay que cruzar unos de los peores desiertos del mundo, el del Sahara. De unas 46 personas que fuimos abandonadas en el medio del desierto, tres semanas más tarde. Sólo seis llegamos con vida, sin contar con los cadáveres de grupos diferentes que nos íbamos encontrando por el camino. La realidad supera la ficción. Aquel que fuera capaz de orinar para bebérselo después era el más afortunado”

    A Ousman Umar se le empañan los ojos con una fina capa de lágrimas. Las pestañas hacen de dique y no se lanzan al vacío, sólo iluminan más los ojos de este héroe natural. Emocionado o cabreado, es difícil diferenciar su discurso, su charla es dulce y en ocasiones vehemente. Seguramente que la ha contado mil veces, en mil sitios con miles de personas pero creo vislumbrar que en la narración de esta odisea, añade un detalle que le hace daño. “En Libia descubro que soy negro”, continua Ousman, “Llegamos a un pueblo que se llama Udei el- Isir, cuatro cabañas, pero lo peor de todo es que después de tanta tortura, nadie se nos acercó, sólo niños, que nos pedían dinero por una miserable botella de agua, ser negro y vivo en Libia era un delito, cuando tuve una hemorragia en la nariz y fui a pedir ayuda a un médico no me quiso tocar, porque tocar la sangre de un negro es tocar la sangre de un perro”.

    Salí con nueve años de mi casa para trabajar, esta quemadura es fruto de soldar con esa edad, mi doctorado.

    «Lo que llega a Europa es la punta del iceberg, la gran mayoría morimos antes. La peor tortura lo vivimos antes de llegar a las costas europeas”. Preguntamos a Ousman por la posible solución de la inmigración, si tiene alguna pista sobre la que sostener este desequilibrio mundial, la respuesta nos sorprende, “La solución de la inmigración está allí, en África, no está aquí en Europa, lo siento mucho pero cuando llegamos al mar la batalla está perdida”

    Hay un momento clave, quizá mágico, chamánico, un instante que cambia la vida del ghanés. Montse le da la mano, una casa, comida caliente, una cama y un beso de buenas noches. Montse y su familia catalana le hizo nacer dos veces. “Hay que reconocer lo que es la curiosidad fue el motor que me empujó a realizar todo este recorrido, me preguntaba ¿Quiénes son los blanco que son capaces de hacer un avión por encima de mi cabeza?” “Pensaba que ser blanco era ser médico, ingeniero, un semidiós, pero cuando llegué a casa de Montse entendí que el talento no tiene color”.

    Lo que llega a Europa es la punta del iceberg, la gran mayoría morimos antes. La peor tortura lo vivimos antes de llegar a las costas europeas

    La distancia mide el valor de la personas, una escala realizada con valores económicos, el hermano de Ousman tardó cinco horas en llegar en avión, él cinco años. Dos carreras después Ousman crea la ONG NASCO Feeding Minds con el fin de proporcionar acceso a la información y la educación, reduciendo la brecha digital. La mejor manera según Umar de acercarnos al nuevo mundo sin tener que pisarlo. Un “viaje” para crecer sin morir en el intento.

    Es indiferente, no hay año, da igual que sea quince, veinte o trescientos años, lo más importante es el día de la semana.

    LUGAR DE NACIMIENTO

    Dicen que la infancia te marca para toda la vida, a pesar de que, en mi caso, fue una etapa que no encontró espacio para desarrollarse. Nací en África, en un pueblo llamado Fiaso, Ghana, un martes de 1988. Cuando era un niño no tenía mucho con lo que disfrutar y, por lo tanto, tuve que fabricar mis propios juguetes. Cuando tenía sed, tenía que ir al río para conseguir agua. En mi casa no había nada; si quería comer pescado, tenía que ir a pescar al río. Era el hijo del chamán del pueblo y, a menudo, iba a la jungla a buscar plantas para curar enfermedades de las personas de la zona. Todo empezó un día, mientras jugaba al fútbol con mis amigos después de cuidar a los animales. De repente vi un avión que volaba. “Y pensé: ¿cómo puede haber un avión allá arriba? Si yo cojo cualquier cosa, la lanzó al aire y cae a tierra, ¿cómo es que ese avión no cae?”. Lo comparé con los juguetes que había construido y que había tenido que arrastrar por tierra si quería que se movieran. Una vez me dijeron que solamente las personas de piel blanca podían volar en aquellos aviones. Trabajaba soldando chapa; tenía unas manos y un cuerpo muy pequeños y estables que me permitían entrar dentro de la compleja maquinaria y realizar soldaduras que no eran nada simples. Un día oí hablar de Libia. Me dijeron que si me trasladaba allí, recibiría un buen salario, cosa que me parecía imposible porque, hasta aquel momento, en Accra, trabajaba sólo por comer un bol de arroz al día. Por descontado, acepté.

    “VIAJE” A TRAVÉS DEL DESIERTO DEL SÁHARA

    El viaje que emprendí todavía me parece una película, parece algo surrealista que nunca podría pasar. A menudo, me digo a mi mismo: “¿Cómo pude sobrevivir?” Un ejemplo de esto, tuvo lugar en el desierto del Sáhara. Éramos 56 personas en tres coches Land Rover ( eso son 18 en cada coche), cruzando el desierto entre las dunas. De repente, tuvimos que bajar de los coches porque los conductores “tenían que ir a buscar gasolina” y no iban a tardar mucho. Nunca volvieron. Fuimos abandonados en medio del desierto. A pesar de esto, un chico aseguró que conocía el camino correcto, y por lo tanto, decidimos seguirlo. Aprovechó la ocasión para hacernos pagar dinero, de lo contrario, no nos guiaría. Pasaron los días y, con el grupo, nos enfrentábamos cada vez a más contratiempos. No teníamos comida ni agua. “Una de las cosas que he aprendido de esta experiencia, es que el cuerpo humano es verdaderamente sabio; se adapta a cualquier situación “. Después de 21 días llegamos a la otra parte del Sáhara. Únicamente 6 de nosotros, de las 56 personas que éramos originalmente, sobrevivimos.

    “Me rendí varias veces durante el viaje. Ya no tenía esperanza. Aquellos fueron momentos difíciles “. Afortunadamente, vi un cadáver en una gran roca. Espantado, me acerqué y miré en sus bolsillos. Llevaba una cantimplora llena de agua. “Aquello salvó mi vida. Me pregunto por qué fui yo el que lo vió, pero doy las gracias a Dios por escoger este camino”. Una vez llegamos a Libia, las cosas fueron peor de lo que esperábamos. En aquel momento, el país estaba controlado por Gadaffi.

    VIAJE EN UNA PATERA

    Estuve en Libia durante 4 años. Pude ahorrar suficiente dinero para huir del País. La mafia me convenció para que pagara 1.600 dólares para cruzar el Mediterráneo y llegar finalmente a España. «Te llevaremos, solo tardaremos 45 minutos», aseguraron. Jamás pude comprobar esta información. De nuevo tenía problemas. El problema con las mafias viene de muy atrás. No son solo ellas, hay muchas más personas involucradas (los policías de día, trabajan para las mafias por la noche). Eso fue la consecuencia de un acuerdo político entre Francia y Argel en tiempos de Sarkozy; por cada inmigrante arrestado, la policía obtenía una recompensa. «Fuimos duramente maltratados»: durante el día, los policías hacían su trabajo. Por la noche se convertían en perversos. Aun así, la mafia nos facilitó material y equipamiento para que pudiésemos construir nuestros propios barcos. Una vez terminados, tuve el valor de subir en uno de ellos. Yo no sabía nadar. Nos costó dos intentos adentrarnos en el océano. En el primer intento, el barco colapsó contra las olas y murieron 10 personas. Uno de ellos era Muusa, mi mejor amigo.

    Después de este intento fallido, volvimos al desierto. Recuerdo que perdí los zapatos por lo cual tuve que caminar descalzo durante 1 mes. 33 días después, la mafia nos consiguió nuevos materiales y construimos 2 barcos nuevos. Éramos 60 de nosotros para cada barco. y esta vez, el otro barco se hundió. El nuestro, en cambio, nos llevó a Fuerteventura (la tierra prometida). Un amigo mio me dijo: «¡levántate, hermano! ¡Caminemos! Estaba agotado». Chocamos contra las rocas y el barco volcó justo delante de la orilla. Pensé que iba a morir. Afortunadamente, llegué a tierra y me sentí realmente aliviado. Las olas me arrastraban hasta la arena. Ni siquiera pude estirar las piernas debido a que había estado sentado en el barco durante 24 horas. No podía andar ya que mis pies estaban llenos de cicatrices. Mis compañeros caminaban hacia una carretera iluminada y me centré en seguirlos. Era una noche oscura y llovía. La policía apareció junto a «La Cruz Roja» y los medios de comunicación. Estaban atendiendo a mis compañeros y les proporcionaban mantas. Luego, gritaron: «Mira, ahí hay otro» La Cruz Roja me recogió y me cubrió con mantas. A diferencia de los demás, me llevaron a una ambulancia porque estaba temblando. A continuación, tuvimos que firmar varios documentos y nos llevaron a la Oficina de La Cruz Roja. Más tarde nos llevaron al hospital y los médicos me hicieron lo que llaman «Test de la muñeca» para conocer mi edad. Yo solo sabía que nací en martes: eso es lo único que importa en Ghana cuando nacen los bebés. Estuve en prisión aproximadamente un mes. Cada dos o tres días, me enviaban a una habitación pequeña y oscura donde me interrogaban. Querían que confesara, aunque yo no tenía nada que decir.

    Tuve la suerte de escuchar que después de este periodo, el Estado de España me daba la posibilidad de residir en España. Después de esto volé a Málaga en un pequeño avión, donde me preguntaron a qué ciudad me gustaría trasladarme. No conocía España ni las ciudades más importantes. Entonces, recordé que, cuando estaba en Accra, había visto un partido en la televisión en el que jugaba el Barça. Así pues, dije “Barça”. Ellos entendieron lo que quería decir. Barcelona era mi último destino.

    LLEGADA A BARCELONA. 24 de febrero de 2005

    Me dieron un sándwich de atún, una botella de agua, un plátano y un billete de ida. Estuve en Barcelona por primera vez en el invierno del año 2005. Cuando llegué me sentí muy feliz de no pedir la dirección de la Oficina de la Cruz Roja a la ciudad. Anduve mirando con atención todas las cosas. Los coches, las casas … todo era nuevo y maravilloso. Recuerdo que saludaba a todo el mundo en la calle, como se hace típicamente en África. La gente me miraba de una manera extraña … Finalmente, se hizo oscuro y no tuve tiempo de ir a la oficina. Por lo tanto, tuve que dormir en la calle. Me desperté el día siguiente. Estaba alrededor de “la Meridiana” sentado en un banco. Me encontré con una mujer que paseaba lentamente. Me levanté y me acerqué a ella educadamente. Le mostré todos los documentos que traía, le expliqué quién era y le pregunté dónde podía encontrar la Oficina de la Cruz Roja. Ella casi no hablaba inglés y no me entendía. No obstante, parecía interesarse por mis explicaciones. Me cogió la mano y llamó a su marido, que sí hablaba inglés. Hablé con él con facilidad. A continuación, la mujer me invitó a almorzar y me dio su número de teléfono. Me pidió que la llamara si tenía que volver a dormir en la calle alguna otra vez. Me dirigí hacia la Plaza de España siguiendo las indicaciones que aquella mujer, Montserrat Roura, me había dado. Una vez allí me sentí muy estresado. No sabía cómo interpretar el mapa del metro. De repente, escuché una voz femenina detrás de mí. Me asusté mucho puesto que en Libia los chicos no pueden hablar con las chicas. Su nombre era Eva y me ayudó mucho. Me mostró donde estaba la Cruz Roja y me recomendó que fuera yo solo (en caso contrario no me aceptarían). Me dio 40 €, una mochila y después se fue. Fui enviado a un complejo deportivo donde pasé 3 noches. Pero la cuarta noche,  fui expulsado y volví a la calle. Dormí en bancos durante otro mes. Fue realmente agotador. Por eso, decidí llamar a Montserrat (me había dado su número de teléfono hacía un tiempo) y le expliqué la situación. Después de una larga conversación, decidió que ella y su marido hablarían con la Cruz Roja. Fueron muy generosos y me acogieron como tutores (todavía no era un adulto). Finalmente, llegué a una conclusión: la pregunta no tendría que ser “¿por qué?” sino “¿para qué?” “¿Para qué me iba a servir esa experiencia?”. La respuesta estaba clara: “ahora tengo que comunicar e informar de mi experiencia para concienciar a los otros sobre el lugar del que procedo. Tiene que haber una manera de mejorar nuestras condiciones en Ghana y, lo más importante, tengo que evitar que otras personas sufran la misma experiencia que yo. Las posibilidades de morir son demasiado elevadas “.

    Empecé a estudiar catalán y español y pude aprobar mis exámenes de bachillerato. Después empecé mi grado de química durante 2 años en la Universidad de Barcelona, que tuve que dejar porque no podía trabajar como mecánico de bicicletas (para pagarme los estudios) y realizar las prácticas y los estudios de química al mismo tiempo, y me cambié a la carrera de Relaciones Públicas y Marketing. La terminé y un año más tarde estudié un Máster en ESADE en Dirección, gestión y organización de ONGs.

    NASCO FEEDING MINDS

    En 2012 fundé la ONG NASCO Feeding Minds con el fin de proporcionar acceso a la información y la educación, reduciendo la brecha digital. Con esto, intento evitar que los jóvenes de Ghana se embarquen en viajes mortales como el que yo mismo realicé. Si hubiera sido consciente de las distancias, los riesgos y la ubicación de Europa, nunca habría dejado Ghana como lo hice. La educación es la herramienta para cambiar cualquier sociedad. NASCO se fundó en 2012, tuve que comprar 45 ordenadores con mi propio sueldo de mecánico, después del fracaso del “crowfunding” iniciado. Pensé que esta era una herramienta muy importante y necesaria. Es una forma de construir puentes y abrir una gran puerta al mundo para estos estudiantes desfavorecidos de África, empezando por Ghana. Estos primeros 45 ordenadores de mesa se enviaron a la escuela secundaria de San Agustín, en la región norte de Ghana. Empezamos con 850 alumnos y 2 profesores de ICT, y hoy, en 2020 ya han pasado más de 20.000 alumnos por las 11 aulas que tenemos actualmente en marcha. Un total de 30 escuelas se benefician de ellas. Más tarde descubrí que existe la Responsabilidad Social Corporativa de las Empresas, y que cada cuatro o cinco años cambian sus equipos informáticos porque quedan obsoletos. Gracias a ello, muchas empresas nos han donado sus equipos para que podamos aprovecharlos y abrir nuevas aulas en Ghana. También empecé a compartir esta experiencia con los centros escolares de aquí, con aquellos niños y niñas que tienen todo lo que necesitan, pero no sacan provecho o no aprecian el derecho de tener acceso en la educación.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • «Imperium. Imágenes del poder en Roma»| Festival de Mérida y el MNAR

    «Imperium. Imágenes del poder en Roma»| Festival de Mérida y el MNAR

    Se trata de la segunda colaboración entre ambas instituciones en la presente edición, tras la inauguración en mayo de la muestra ‘Tempus Fugit’

    El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Museo Nacional de Arte Romano (MNAR) siguen uniendo sus fuerzas con un nuevo proyecto expositivo, Imperium. Imágenes del poder en Roma, una cuidada selección de imágenes imperiales que nos muestran y acercan a emperadores y emperatrices que hicieron la Historia de Roma, una historia narrada y mil veces compartida en el seno del teatro clásico. Imperium estará en el MNAR hasta mayo de 2022.

    Tras la inauguración de la muestra Tempus Fugit. La concepción del tiempo en la antigua Mérida el pasado mes de mayo, el MNAR acoge en su nave principal Imperium, un detallado estudio sobre la importancia de los retratos en los ámbitos de poder, que han inaugurado esta mañana el director del Festival, Jesús Cimarro; la directora del MNAR, Trinidad Nogales y Francisco Pérez Urbán, director general de Bibliotecas, Archivos y Patrimonio Cultural.

    La sociedad romana utilizó las imágenes de los emperadores como un potente recurso político del poder. Estos rostros oficiales de hombres y mujeres del Imperium se hicieron presentes en todos los rincones del mundo romano por distintos medios y soportes.

    Por un lado, la efigie oficial del emperador y su familia se acuñaba en las monedas, junto a sus títulos y símbolos. Por otra parte, en los espacios más importantes de las ciudades grandes estatuas, bustos-retrato y relieves narrativos mostraban a los emperadores, emperatrices y jóvenes príncipes como emblema del Imperium.

    Estas imágenes del poder adoptaban formas muy diversas, desde piezas colosales que asombraban a los ciudadanos a pequeñas imágenes domésticas que simbolizaban la adhesión de los particulares al régimen político. Relieves narrativos que recordaban las hazañas imperiales de mil batallas, los actos solemnes religiosos o las escenas más populares de quienes formaban el Imperium.

    La exposición cuenta con piezas cedidas por el Museo Arqueológico Nacional y por el Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida, una cesión que la directora del museo, Trinidad Nogales ha agradecido porque “han permitido enriquecer el discurso expositivo”.

    El director del Festival ha hecho hincapié en la excelente colaboración entre ambas instituciones que ha dado frutos “diversos y todos ellos interesantes como Dionysos-Baco, un dios para los humanos, Mythos (creencias en Augusta Emerita), Mulieres (mujeres en Augusta Emerita) o Artes Romae. Arte y artesanía en Augusta Emerita, por citar algunas de las exposiciones en las que el MNAR ha encontrado un cómplice perfecto en el Festival”.

    El director general de Bibliotecas, Archivos y Patrimonio Cultural, Francisco Pérez Urban, ha destacado que hay muchas claves en el éxito del Festival de Mérida y “una de ellas es el proyecto cultural que se está desarrollando desde la dirección actual” que ha sabido tejer una red de colaboraciones institucionales y de colectivos que hacen que el Festival de Mérida “no sea únicamente la expresión de representaciones teatrales sino que se convierta en un crisol de cultura”, como muestra la exposición que hoy se inaugura en el museo.

    Por su parte, la delegada de cultura de Mérida, Silvia Fernández, ha destacado por su parte mostrar el Festival y el museo Booking hemos sido uno de los destinos turísticos más demandados esta semana difundido, lo que nos da la solvencia para mostrar el Festival, el museo y la vida cultural con el corazón y la calidad que tenemos. Es un orgullo ser referente nacional por disfrutar de la cultura y hacerlo con calidad.

    Por último, la directora del MNAR ha reconocido que esta exposición demuestra que la unión de instituciones permite que proyectos que no podrían acometerse desde una sola entidad puedan hacerse realidad “para permitir mostrar al público la conexión que existe entre el Festival, su contenido, y la antigüedad clásica”.

    En cuanto a la exposición, ha explicado que el poder, significado real de la palabra Imperium que da título a la muestra, se transmite de una forma muy patente en el mundo antiguo a través de las imágenes y en Mérida tenemos un gran ejemplo de ello.  “Es una exposición que viene a recordar a los ciudadanos del siglo XXI el valor que tuvieron esas imágenes y esos símbolos del poder y que todavía hoy lo siguen encarnando. Todos tenemos en mente que cuando cae un régimen político, en la televisión vemos cómo caen las estatuas de esos gobernantes, a veces fruto de la ira de los ciudadanos o de la exaltación de lo que significa el icono, el símbolo de la imagen”.

    La exposición

    Se inicia el recorrido en la Sala II de la Nave Principal con la nueva imagen del poder  encarnada por Augusto, primer emperador de Roma (27 a.C.-14 d.C.). Los retratos de  Augusto nos lo muestran de diversas maneras a lo largo de su imperium. Continúa la muestra con la imagen dinástica. La llamada gens julio-claudia, una de las más poderosas familias del imperio, que Augusto gestó junto a su segunda esposa Livia.

    Los cambios de imagen imperial en los siglos sucesivos los encontramos en la Sala III. La llegada al poder la familia Flavia (69-96 d. C), de los emperadores Vespasiano, Tito y Domiciano supuso un retorno, en los varones, a los retrato de tradición republicana, más realista.

    El paso al siglo II d. C. vino de la mano de Trajano y Adriano, dos emperadores que impusieron su imagen. Trajano se presentó siempre como un militar romano mientras que Adriano cultivó una imagen más refinada, con una larga y abundante barba. Los emperadores de los siglos IV y V d. C. mantuvieron y transformaron la imagen de distinto modo. Los denominados emperadores soldados, por ejemplo, se acortaron la barba y el cabello. Y ya, en el siglo IV d. C el emperador Constantino comenzó un nuevo tiempo con su conversión al cristianismo. Esta lenta transformación se plasmó también en las imágenes, que fueron cambiando formalmente de manera evidente: el concepto clásico de la imagen dio paso a una nueva visión más simbólica.

     

  • Nueva edición de «Veranos en la RUCAB»

    Tras el éxito obtenido en la primera edición de «Veranos en la RUCAB» el pasado año 2020, con más de 14.000 asistentes, Fundación CB, en colaboración con Ibercaja y el Ayuntamiento de Badajoz, se decide a lanzar una segunda edición con un programa de actividades diarias durante los meses de julio y agosto.

    Esta nueva edición mantendrá el espíritu de la anterior; ofrecer a las familias y a la ciudadanía en general un espacio para el ocio y la cultura en Badajoz. La Residencia Universitaria RUCAB cuenta con grandes zonas ajardinadas en las que celebrar todo tipo de actividades para todas las edades y gustos; la pandemia y la necesidad de hacer uso de espacios al aire libre fue el detonante para convertir estas instalaciones en un lugar destinado a recoger todo tipo de actividades, cine, conciertos, talleres, arte, gastronomía y mucho más.

    Esta mañana se ha presentado el programa en una rueda de prensa celebrada en los jardines de la RUCAB con la intervención por parte del Presidente de Fundación CB, Emilio Vázquez, el Director Territorial de Ibercaja en Extremadura y Sur, Fernando Planelles, y el Alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera. Les han acompañado la Concejala de Cultura, Paloma Morcillo, y el Director de Fundación CB, Emilio Jiménez.

  • Trazando mapas visuales en la ciudad «El arte del grafiti»

    Trazando mapas visuales en la ciudad «El arte del grafiti»

    Escribía Julio Cortázar que tantas cosas que empiezan y acaso acaban como un juego, supongo que te hizo gracia encontrar el dibujo al lado del tuyo, lo atribuiste a una casualidad o a un capricho y sólo la segunda vez te diste cuenta de que era intencionado y entonces lo miraste despacio, incluso volviste más tarde para mirarlo de nuevo, tomando las precauciones de siempre: la calle en su momento más solitario, ningún carro celular en las esquinas próximas, acercarse con indiferencia y nunca mirar los graffiti de frente sino desde la otra acera o en diagonal, fingiendo interés por la vidriera de al lado, yéndote enseguida.

    El arte del grafiti, arremete en las elegantes y sonoras palabras del escritor argentino, con el dolor de una pareja anónima, un juego de trazos y formas, al que la ciudad desnuda acontece inerte ante sus ojos. Borrar el grafiti como recuerdo, una nostalgia que choca de lleno con el vandalismo icónico de destrozar esculturas o el intento de soterrar el arte ya creado con botes de pintura. Las ciudades son un grafiti ingente de formas y dibujos, pocos los ven, muchos los destrozan, ahí nace un arte tan antiguo como el homo antecesor de Atapuerca o Maltravieso.

    Cuando en los años setenta las calles de barrios de Brooklyn o Bronx de Nueva York se empezaron a llenar de tags con el apodo y el número de la calle donde vivían como Coco 144, o Tracy 168, nadie pensaba que unas décadas después el fenómeno se iba a convertir en un lenguaje visual universal. Basquiat por entonces, Banksy ahora. Ambos artistas, ambos bichos de las calles. Ahora el graffiti, la pared antes sucia y abandonada es un espacio de arte, el barrio de la Ballarò de Palermo, Orgosolo en Cerdeña, los célebres murales de Derry y Belfast, lo que queda del muro de Berlín, el barrio Oeste de Salamanca, Coyoacán (Ciudad de México), LX Factory en el barrio de Alcántara de Lisboa…todo para dedicar un cuento a Tápies, el verdadero autor.

    Ahora la ciudad de Badajoz se mueve en ese horizonte, cubrir paredes, rellenar espacios en obras o en desuso para aplicarle luz y vida, ya sea en color o en blanco y negro, ya sea un texto o un dibujo, una frase o una lengua rosa e infinita.

    Hace poco el artista extremeño Daniel Muñoz selló con su particular estilo una nueva forma de trasmitir arte en un museo, en este caso el MEIAC, la ‘Guía para un territorio reversible’ en pleno hormigón del museo de arte contemporáneo. Segunda edición, la sesión grafitera post pandémica deja enormes obras de arte.

    La RAE define al grafiti como  una firma, texto o composición pictórica realizados generalmente sin autorización en lugares públicos, sobre una pared u otra superficie resistente. Los tiempos, académicamente hablando, han cambiado, y la autorización y sobre todo la compresión del ciudadano han ratificado la firma del artista urbano como arte en letras mayúsculas. Pasen, vean, dibujen y disfruten.

     

    Ganadores Badajoz Pinta 2021

    1er premio – Miguel Tinoco de Medina de las Torres, Badajoz.

    2° premio – Sergio García de Barcelona

    3er premio – Alejandro Pajuelo ‘Chino’ de Badajoz