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  • 40 años de Annie Hall

    40 años de Annie Hall

    Woody Allen ganó sus dos primeros Oscars (de Mejor Director y Mejor Guión Original) por 1977 Annie Hall, que cambió las reglas de la comedia romántica. Pero no todo el mundo era un fanático de esta mejor película, incluyendo el propio Allen. Para celebrar su 40 aniversario, aquí hay algunas cosas que tal vez no conozcas sobre su historia detrás de escena.

    1. LA IDEA ORIGINAL DE ALLEN PARA LA PELÍCULA ERA TOTALMENTE DIFERENTE.

    Aunque Annie Hall es ahora anunciada como una de las comedias románticas más influyentes e inventivas de todos los tiempos, la misión original del director y co-escritor Woody Allen no era hacer una imagen de relación. Allen y su compañero de escritura, Marshall Brickman, en su lugar concebido de la historia como una exploración general de la vida del personaje principal y la psique, que iba a ser llenado de romántico, misterioso y fantástico subtramas en partes iguales. El proyecto, que refleja el persistente malestar del protagonista Alvy Singer, fue titulado Anhedonia, un término psiquiátrico algo arcaico que se refiere a la incapacidad de sentir alegría. El primer corte de la película duró unos 140 minutos, casi 50 minutos más que la versión final.

    2. PRIMEROS DIBUJOS CONTENIDOS CON ELEMENTOS DE FANTASÍA.

    Entre las escenas de fantasía del guión original y las secuencias de sueños se encontraban las visitas de Alvy y Annie al Jardín del Edén, la Resistencia francesa y la Alemania nazi, las parodias de las películas Angel on My Shoulder y Invasion of the Body Snatchers, una visita guiada Del Infierno (con Richard Nixon), y un juego de baloncesto entre los Knicks de Nueva York y filósofos como Friedrich Nietzsche y Søren Kierkegaard.

    3. UNA SUBTRAMA DE ANNIE HALL DE LA QUE SE HIZO OTRO PELÍCULA…MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN.

    La escena del cine de (Face to Face de Ingmar Bergman)  Annie Hall donde Woddy Allen  toma la decisión de salir de la narrativa formal de la película fue inicialmente significativa para comenzar una secuencia en la cual la pareja testifica e investiga un asesinato. La historia sería reciclada más adelante como premisa del misterio del asesinato de Manhattan de 1993, otra vez Allen y Keaton como pareja.

    4. EL ESTUDIO INVESTIGÓ UNA AGENCIA  PARA HACER QUE EL TÍTULO DE ALLEN TUVIERA MÁS MERCADO.

    United Artists, el distribuidor de las cuatro películas anteriores de Allen (Bananas, Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero tenía miedo de preguntar, Dormilón y La última noche de Boris Grushenko) reconoció la dificultad inherente en la comercialización de una película llamada Anhedonia. En un esfuerzo por hacer más aceptable el título deseado de Allen, el estudio contrató una agencia de publicidad para llenar los periódicos locales de todo el país con titulares que decían «Anhedonia Strikes __________!» (Rellenar el espacio en blanco con el nombre de la ciudad en la que el anuncio publicar). Sin embargo, la campaña de millones de dólares fue desechada antes de la ejecución, ya que United Artists convenció con éxito a Allen de cambiar el título de la película.

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    5. FINALMENTE, LA PELÍCULA SE LLAMÓ ANNIE HALL POR EL NOMBRE DE SU ACTRIZ PROTAGONISTA.

    Después de algunas sugerencias de títulos tan lamentables como Una montaña rusa llamada deseo, Tenía que ser judío o Yo y mi nación judía o las que propuso Allen como; Ansiedad y Alvy y yo, la película terminó heredando el nombre de su heroína: Annie Hall, un personaje que lleva el nombre de la actriz que la retrató. El nombre de nacimiento de Diane Keaton era Diane Hall, y ella pasó por «Annie».

    6. ALLEN ODIÓ UNA ESCENA TANTO QUE LANZO PARTE DEL METRAJE AL EAST RIVER DE NUEVA YORK.

    Aunque Allen lamentó la pérdida de la mayor parte del material que no llegó a la pantalla, hubo una secuencia de la que se alegró de ser liberado: Un fragmento fantasioso del  final de la película en el que un semáforo inteligente convence a Alvy para volar por todo el país. Allen pensó que la escena era tan repugnantemente cutre que presuntamente lanzó las impresiones en el East River de la ciudad de Nueva York.

    7. LOS VESTIDOS DE ANNIE HALL CAUSARON TENDENCIA DE MODA EN TODDA NORTEAMERICA.

    La propia Keaton suministraba la mayor parte del vestuario de Annie: la actriz normalmente vestida de esta manera. Según Allen, la diseñadora de vestuario de Annie Hall, Ruth Morley, habría intentado disuadir a la actriz de un traje tan poco ortodoxo, calificando la apariencia de «loca», pero finalmente perdió esa batalla.

    8. LA PELÍCULA EMPLEÓ UNA VERSIÓN BARATA DE LA PANTALLA DIVIDIDA.

    Annie Hall se recuerda por su innovadora utilización de pantallas divididas, específicamente en una escena en la que tanto Alvy como Annie se encuentran con sus respectivos pensamientos personales, pero el proceso de montaje del dispositivo fue particularmente «anticuado» (casi pre-tecnológico). El director de fotografía Gordon Willis instaló una pared muy fina entre conjuntos adyacentes para rodar ambas mitades de la escena dividida en tándem.

    9. EL ESPASMO INDUCIDO POR COCAÍNA DE ALLEN FUE VERDADERO.

    Una de las risas más grandes de las primeras proyecciones de Annie Hall se produjo al ver el voluminoso estornudo de Alvy extendiendo un contenedor de cocaína alrededor de la sala de estar de sus nerviosos amigos. Es difícil imaginar una mejor manera de coronar tal secuencia, pero de hecho el momento nació en el set: El estornudo fue real e inesperado, y se quedó en la película gracias a probar la alegría resultante de las audiencias.

    10. LAS ESCENAS DE ANNIE HALL DEBIERON DURAR EL DOBLE RESPECTO A LA MEDIA DE LAS PELÍCULAS 1977.

    En términos generales, la duración media de una película está directamente relacionada con la complejidad del material que muestra: escenas más largas permiten conversaciones más intrincadas y mayores oportunidades para la experimentación cinematográfica. El crítico David Bordwell, quien destacó el trabajo de Allen en un estudio de 2002 relacionado con la longitud de la escena de las películas de Hollywood, determinó que la escena promedio de Annie Hall durara aproximadamente 14 segundos, entre dos y tres veces la media típica de los films de 1977.

    11. EL HOMBRE PARECIDO A TRUMAN CAPOTE ES REALMENTE TRUMAN CAPOTE.

    Una escena memorable en la película observa a una muchedumbre de transeúntes de Manhattan mientras que Alvy y Annie intercambian chistes a expensas de los extranjeros. Alvy considera el tema final en este lote: «El ganador del concurso Truman Capote.» El hombre en cuestión es en realidad el propio autor de Desayuno en Tiffany´s.

    12. LA PELÍCULA TIENE UNA EXTRAÑA CONEXIÓN CON OTRA PELÍCULA DE 1977.

    Annie Hall es reconocida como una plataforma de lanzamiento para las carreras de varios actores entonces desconocidos que iban a disfrutar de carreras prósperas en Hollywood. Christopher Walken, Jeff Goldblum (como un partier de Los Ángeles que olvida su mantra espiritual) y Beverly D’Angelo (como actriz en la comedia de risas enlatada protagonizada por Rob, el amigo de Alvy) . Coincidentemente, estos tres actores también aparecieron en la película de terror La centinela de Michael Winner, que fue lanzada en los teatros estadounidenses tres meses antes de Annie Hall.

    13. ALLEN CERRÓ EL FINAL DE LA PELÍCULA EN UN TAXI DE CAMINO AL PRIMER VISIONADO DE LA PELÍCULA.

    Como Annie Hall había cambiado tanto entre su concepción y producción, Allen y Brickman tuvieron problemas para llegar a un final apropiado. La pareja luchó con este dilema hasta el final de las primeras secuencias preliminares de la película, momento en el que se habían asentado en un emocionalmente insatisfactorio final que se cerró en un encuentro incómodo después de la ruptura entre Alvy y Annie. Durante un paseo en taxi a uno de estos previos, Allen tuvo una epifanía: él garabateó algunas notas que rápidamente utilizó en el speech que cierra la película… «Necesitamos los huevos»

    14. ANNIE HALL ES LA PELÍCULA MÁS CARA QUE WODDY ALLEN HA RODADO.

    En 1977, Annie Hall ganó $ 38.251.425 en la taquilla, lo que la convierte en la cuarta película más importante deL director (detrás de Manhattan, Hannah y sus hermanas y Midnight en París). Ajustada por la inflación, las ventas de entradas de Annie Hall equivalen a un enorme valor de $ 139.3 millones en dólares de 2015, superando en 2010 su mejor cuadro ajustado por inflación, Manhattan, por más de $ 10 millones.

    15. ALLEN NO TIENE GUSTO DE ANNIE HALL.

    A pesar de sus cuatro premios de la Academia -para Mejor Película, Director, Guión Original y Actriz- y su legado cultural, Annie Hall aún no se ha ganado el beneplácito Allen. El director insiste en que la película es simplemente una concha de su visión original más grandiosa. «Al final, tuve que reducir la película a sólo yo y Diane Keaton y esa relación…así que me decepcionó bastante al final de esa película, ya que estaba con otras películas mías que eran muy populares». Él también no es particularmente aficionado a su otra gran obra maestra, Manhattan. (Y, sin embargo, de alguna manera, el director neoyorquino nunca ha despreciado Scoop …)

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    Ilustraciones Tito Merello / Culturabadajoz

    Mental Floss. Cultura Badajoz

  • Noches mágicas para una ciudad encendida

    La Concejalía de Turismo y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Badajoz ha preparado una serie de actividades para este puente de Todos los Santos que incluyen ‘Badajoz, La Ciudad Encendida’ para convertir en escenarios el patrimonio histórico a través de una serie de actuaciones artísticas, junto a la apertura de monumentos, rutas ornitológicas o una visita guiada por los baluartes.

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    Las actividades arrancaron este jueves con la inauguración de la propuesta turística Badajoz, La Ciudad Encendida en la Plaza Alta convirtiendo en escenarios únicos el patrimonio histórico de la ciudad.

    Danza, música, pintura o artes escénicas, son los atractivos ingredientes que han sorprendido a los visitantes que pudieron recorrer por la ciudad, acompañados por juego de luces, iluminación monumental y guías muy particulares que mostraron la belleza de Badajoz.

     

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    La Plaza Alta se convirtió en el escenario para bailar, con la danza y la música como banda sonora. Pistoletazo de salida de la Ciudad Encendida.

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    El Museo Arqueológico abrió sus puertas para vivir una jornada plagada de arte. Piano y violín para amenizar el juego de color y luces de la torre de los Acevedo y la explanada del museo. Una noche mágica que estuvo acompañada por el arte teatral de un guía muy especial.

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    Apertura de Monumentos y Visitas guiadas

     

    Hoy el día 1 de noviembre habrá apertura de monumentos de 10,00 a 14,00 y de 17,00 a 19,00 horas y la visita guiada ‘Badajoz, La Ciudad Encendida. Deja que te cuente…Tal día como hoy’ a las 18,30 horas en torno a la Plaza de Minayo, Plaza de España, Plaza de la Soledad y Plaza Alta gratuita con inscripción.

    También el día 2 de noviembre habrá apertura de monumentos con el mismo horario, rutas ornitológicas a las 10,00 horas en Puerta Palma y a las 17,30 horas en el Edificio Badajoz Siglo XXI con inscripción; una visita guiada por los baluartes sin inscripción a las 10,30 horas con la Puerta de la Trinidad como punto de encuentro, y fado en la Plaza de la Soledad a las 17,00 horas.

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    Además y dentro del programa ‘Badajoz, La Ciudad Encendida’ habrá danza y piano en la Puerta de Palmas a las 18,00 horas, la visita ‘Deja que te cuente…Tal día como hoy’ las 18,30 horas en torno a Puerta de Palmas, Plaza de la Soledad, Plaza Alta y Plaza de España gratuita con inscripción, y artes plásticas, violín y piano en la Torre de los Acevedo a las 19,00 horas, mientras que el día 3 también continuará la apertura de monumentos con el mismo horario.

     

    Fotos. Rebolledo

  • Raphael y Manuel Carrasco «Cátedra musical en el Stone & Music»

    Raphael jamás falla

    Sin haber terminado de digerir el espectacular y multitudinario concierto ofrecido por Manuel Carrasco en el albergue municipal en la noche del sábado, el Stone&MusicFestival se encaminaba a cerrar un nueva edición con uno de los cantantes más relevantes del panorama musical internacional de los últimos 60 años, Raphael,  que arrancó la primera gran ovación de la noche, con el público puesto en pie, nada más pisar la escena del Teatro.

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    El Raphael más vanguardista, que se inventa y se reinventa en cada uno de sus trabajos, y más seductor que nunca volvió a demostrar su particular carisma, su voz y su energía en un show que estuvo claramente diferenciado en dos partes, mezclando lo mejor de la música orquestal con las tendencias electrónicas más actuales.

    El público que abarrotó de nuevo el graderío del Teatro Romano disfrutó de los treinta y dos temas que ofreció el andaluz, entre canción y canción se repitieron varios signos de cariño desde el público, que además, coreando temas como ‘Inmensidad’ o ‘Digan lo que digan’, ‘Mi gran noche’ o ‘Yo soy aquel’, pero tampoco se quedó indiferente a esa parte más latina e íntima que encarnaron ‘Volver’, ‘Malena’ o ‘Adoro’ Dos horas y media de show en el que interpretó temas con piano, bandoneón y guitarra.

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    Un cantante incansable que a sus 76 primaveras se ha adaptado a los tiempos de la música sin cambiar su estilo. Lo volvió a demostrar en un espectacular final de concierto, con temas como ‘Yo soy aquel’, ‘Escándalo’ y ‘Como yo te amo’, que puso en pie al respetable por enésima vez en la noche con un “Extremadura os amo tanto” y un ‘A mi manera’ cantado a capella.

    Hay que resaltar la majestuosidad y buen hacer de la Orquesta de Extremadura en cada uno de los temas que fueron acompañando al cantante que reconoció esa labor sobre el escenario y que incluso se atrevió a dirigir en un momento único.

    Esta es la segunda parada de la Orquesta de Extremadura en esta edición 2019 del Festival. En esta ocasión, lo hacía bajó la batuta del asturiano Rubén Diez, quién dirige a todas las orquestas, que desde 2015, acompañan a Raphael en cualquiera de sus conciertos.

    La orquesta de Extremadura también protagonizó con su base musical el espectáculo de Disney in Concert que se celebró el pasado 8 de septiembre, día de Extremadura.

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    Tercera visita de Manuel Carrasco

    Manuel Carrasco convocó a casi 20.000 personas en el concierto más multitudinario del siglo en Extremadura. En su tercera vez en el Stone & Music, el onubense reivindicó un ‘tren digno’ para Extremadura. Manuel Carrasco convocó en el Albergue municipal emeritense a casi 20.000 personas, 19.578 según datos de taquillas, en lo que ya se ha convertido en el concierto más multitudinario de Extremadura en lo que va de siglo. Estoy feliz por ser los que más público hemos metido aquí los últimos 20 años aseguró al saludar a todos los asistentes apenas terminados los tres primeros temas del concierto.

    Y siguió hablando de Mérida y de Extremadura durante todo el concierto, incluso aprovechando la tradicional bulería que dedica a cada ciudad en la que canta, para hablar de la ciudad, sus monumentos y reivindicar un tren digno. “A ver cuando se enteran que Extremadura es un grito. Tantos años de injusticia. Queremos un tren digno”, sentenció el cantante acompañado sólo por su guitarra y seguido por los aplausos de un público que a esas alturas ya estaba enloquecido y entregado.

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    Casi dos horas antes, con una absoluta oscuridad, en torno a las diez y cuarto, el onubense había comenzado el espectáculo. Porque anoche en el albergue hubo espectáculo por todos los lados. Un éxito rotundo que superó las expectativas creadas y que hizo vibrar a todos los asistentes desde principio a fin. Desde antes de aparecer Carrasco, las pantallas que acompañaban el gigantesco escenario ya estaban iluminadas con una proyección del artista, pero también del propio Stone&Music invitando a los presentes a vivir la edición del 2020. Y poco a poco se fue calentando el ambiente.

    Una nueva proyección sobre un telón que tapaban los 40 metros de escena. Y Carrasco… Manuel Carrasco sentado en la escena a los sones de ‘Me dijeron de pequeño’, y ya todos los asistentes coreando sus letras. Emoción, ilusión, las caras en el público rebosaban felicidad.

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    Entre carrera y carrera por el escenario, el de Huelva fue invadiendo los corazones del público, manejando cada nota musical de tal forma que convirtió su espectáculo en una experiencia inolvidable para las miles de almas que vibraron, vivieron y no dejaron de interactuar con el cantante al ritmo de sus canciones.

    Luces blancas que provenían de miles de teléfonos móviles para ‘No dejes de soñar. Sus manos sobre el piano. Saltos y más saltos, suyos desde el escenario y del público en la pista, por ejemplo ‘Con tan sólo tú’. Un amplio repaso a ‘La Cruz del Mapa’ su último trabajo, pero también a grandes éxitos anteriores. Siempre apoyado por una banda internacional en la que destacó y mucho con el saxo David Carrasco, su director musical desde hace ya varios años.

    Un escenario único para todo tipo de género musicales

    Se cierra por todo lo alto una nueva edición del Stone & Music Festival donde todo tipo de público ha podido disfrutar de un abanico amplio de géneros musicales, como el pop de Izal, Vetusta Morla, el soul de Gloria Gaynor, el sonido mediterráneo de cantautor de Tozzi o Raphael.

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  • Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

    Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

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    Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

    Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

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    Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

    Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

    Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

    En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez  con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

    Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

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    Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

    Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

    Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

    …Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones  de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

    Que elija el público entonces…tú conoces  perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

    Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

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    Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

    La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

    42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

    Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

    Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

    Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

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    Dinos una obra que hay que releer cada año

    Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

    El teatro es para ti…

    …Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

  • El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    Pepe Viyuela, Sandra Ferrús, Concha Delgado, Susana Hernández, Martxelo Rubio y Elías González ponen voz a El silencio de Elvis, una obra redonda con un lenguaje y unas situaciones que llevan de la risa al llanto, como la vida misma, y a la vez, nos enfrenta a un drama social: la enfermedad mental. Sandra Ferrús ha escrito una obra de terciopelo, una obra tan sincera, tan límpida de sentimiento que te emociona sin pretenderlo. No hay carga melodramática. Todo es trágico, tanto que a veces te ríes. Te ríes a tu pesar, pues nada de lo que dice el texto intenta hacer reír, pero la locura bebe el vino de la risa y tiene sentimientos de terciopelo, pero es terrible y cruel. La obra maneja mitos que son los dioses de lo moderno.

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    El silencio de Elvis es un viaje al interior de la mente de Vicente, que sufre esquizofrenia. Vivimos con sus padres la incomprensión, el hartazgo, el miedo, la desesperación. Nos chocamos junto con Sofía, su hermana, contra el muro de la administración, del sistema sanitario, del rechazo. Y conocemos, a través de un quinto personaje, al mismísimo Elvis Presley, a un psiquiatra, una psicóloga, un forense médico, un compañero de la cárcel… todos los personajes que entran y salen de la mente y de la vida de Vicente. Y hacemos todo este viaje desde la impotencia y el amor. El amor primitivo, profundo, incondicional que se dan unos a otros.

    El alma, la piel muda de Elías González nos acerca a esta realidad, nos sube al escenario un argumento tabú en una sociedad sumergida en esa misma enfermedad. Con el actor extremeño, arropado de manera magistral por el resto del reparto, volvemos a rozar la verdad de un personaje que acaricia al espectador, le susurra con el aliento del personaje, nos grita y espabila de nuestras cómodas butaca con su particular interpretación…¡No se me duerman!…nos canta mientras menea el cuerpo al ritmo de Elvis. Con Elías González viajamos en metro, recorremos un sinfín de paradas, momentos de traqueteos mentales donde el cuerdo no sabe que está fuera de juego, y donde al cerrarse las puertas del vagón, en la última estación, aparece su sonrisa… ¡Auambabuluba balambambú!…Pura vida, puro teatro, es hora de apearse y buscar un cobijo, un sitio donde llevarse una buena historia. Pasen, si quieren, y vean.

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    Te dejamos hace unos cuantos años en el Festival de Teatro de Mérida en la piel de Coriolano…y ahora ¡Elvis!…pero ¿Quién es este Elvis?

    Los personajes al final no son lo que parecen, o sí…[Ríe]…En este montaje Elvis es un personaje con gran importancia y mucha presencia. Es la conciencia de Vicent, las voces que él oye, su refugio y también su pesadilla. El compañero de viaje que todos tenemos.

     

    Te vimos en Anomia, una magnífica obra de Arán Dramática, con un reparto coral de interpretaciones duras y certeras, ahora tocas otra vez Extremadura con una obra, también muy personal y con un elenco de altura…satisfacción, pena, dudas, miedo…

    Son todos sentimientos positivos. Una gran alegría por poder contar esta historia, con estos maravillosos compañeros, en mi ciudad. Y la responsabilidad y tranquilidad que da jugar en casa.

    ¿Cómo se prepara un personaje con este mundo interior tan complejo?

    Fundamentalmente siendo consciente de que una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene. Huyendo de estereotipos y poniéndome en las manos de la directora y autora Sandra Ferrús y dejándome llevar. Como todo en la vida, si te dejas llevar es más placentero.

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    Una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene

    ¿Qué valor tiene para ti actuar en este Festival Internacional de Teatro de Badajoz?

    Actuar en el Festival de Badajoz me lleva a mis comienzos, cuando hicimos Los cañones de Arán Dramática. Creo que hace ya 16 años. Es una ilusión tremenda. Puedo conocer algunos teatros, pocos, solo por el olor desde el escenario, y el López de Ayala es uno de ellos.

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    ¿Y qué supone trabajar con actores como Pepe Viyuela?

    Es un lujo. Pepe Viyuela es una persona muy generosa tanto en el escenario como fuera. Aprendo mucho tanto de él como de mis otros compañeros que son increíbles.

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    Elías, para cerrar ¿Cómo anda la profesión del teatro?

    La cosa anda como siempre. Con mucha gente talentosa haciendo muchas cosas interesantísimas y con gente poniéndolo difícil. La eterna lucha cultural de este país. Yo no me quejo, ahora hago una sustitución en una obra de Alfredo Sanzol y no puedo estar más feliz.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Mayor Zaragoza y Rodríguez Ibarra  «Charlas de estadistas en época de estadísticas»

    Mayor Zaragoza y Rodríguez Ibarra «Charlas de estadistas en época de estadísticas»

    Federico Mayor Zaragoza; licenciado en Farmacia, profesor, director de la UNESCO durante 12 años y poeta.

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    Juan Carlos Rodríguez Ibarra; Licenciado en filosofía y letras, profesor universitario y 24 años presidente de la Junta de Extremadura.

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    Nuevo formato de las charlas de la Fundación CB. Un espacio: la RUCAB y una conversación a tres: Federico Mayor Zaragoza, Juan Carlos Rodríguez Ibarra y el público. Un público que pudo disfrutar de una interesantísima charla.

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    Durante la charla pudimos viajar a las primeras reuniones, hace algo menos de ochenta años, donde ya se hablaba del cambio climático, pudimos entrar de lleno en la visión global de la actualidad tecnológica, de las garras del señor Google y de los vicios que acarrea vivir en un futuro cibernético con pizarras y apuntes de tiza en las actuales escuelas. Conversamos con Jacques Delors desde las entrañas de la UNESCO, y compartimos a la extraña pareja de Jordi Sole Turá y Fraga para un fin compartido más allá de las ideologías, hacer los Caminos Xacobeos del Norte un espacio Patrimonio de la Humanidad.

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    Tocamos tierra y revivimos el 23F, la lucidez de Adolfo Suárez para desactivar la encrucijada política social del momento. Con Federico Mayor Zaragoza encontramos la identidad humana para resolver el futuro 2.0 y con Juan Carlos Rodríguez Ibarra evitamos a las personas con certeza dogmática, me quedo con los que dudan, comentaba con ironía en presidente de la región durante 24 años.

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    Con Federico Mayor asistimos a las reflexiones lacerantes sobre la profunda crisis climática que sufre el planeta, la verdadera preocupación actual, un problema de índole internacional donde se puede pasar de remar juntos, con los 195 países del mundo de la mano de Obama a pasar olímpicamente del asunto con el actual presidente de los Estados Unidos, Donald Trump. Cuatro años para virar hacia un mundo peor, un mundo donde, comentaba Rodríguez Ibarra, nuestros hijos y nietos estarán estudiando carreras que cuando terminen ya no existirán. Cambios culturales, piruetas sociales y políticas a un ritmo mucho más veloz que cualquier tren que circule por Extremadura.

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  • Mehdi Nafti «Fútbol de exilio en una ciudad fronteriza»

    Mehdi Nafti «Fútbol de exilio en una ciudad fronteriza»

    En un campo de fútbol se juegan todos los dramas humanos. Así de rotundo definía el novelista y periodista Albert Camus su pasión por el fútbol. A Camus le gustaba este juego, defendía que la práctica de este deporte unía a compañeros católicos y musulmanes en unos campos de tierra llenos de muchachos barnizados por el crepúsculo argelino, la pasión, el ímpetu, el abrazo puro de la victoria y el poso amargo de cada derrota. El futbol, a fin de cuentas, es eso. Cuando la pelota echa a rodar, todo lo demás es accesorio.

    Allá por el 1992 las destartaladas cabinas de radio retumbaban con las voces infinitas de Ángel Luis López o Fernando Echave. Pasión y alma, los mismos ingredientes que pusieron los jugadores del CD Badajoz para lograr el ascenso. Otra voz, ésta ronca y emocionada, la del entrenador Paco Herrera, dictaba una promoción conseguida por todos los protagonistas de la ciudad, del utillero al vecino del barrio San Roque, pasando por el que cambiaba los carteles del fondo marcador, ese día lo haría seis veces. Del viejo al nuevo Vivero. De un club centenario a una centena de ilusiones puestas en la nueva sociedad. De aquel aficionado de transistor al carrusel de radios ofertada por el teléfono móvil. De pagar la entrada en pesetas a hacerlo en euros. Pero a pesar de la customización del fútbol, de la severa profesionalización de este deporte, la afición, el balón y el grito cuando el esférico roza la redes, es el mismo, pura llanto de alegría, pura droga deportiva.

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    Se ha vagado por divisiones durante muchos años, una cura de humildad  que nunca se debería olvidar. La reorganización de unos cuantos amantes del fútbol ha hecho resurgir de las cenizas a un club que ha visto muy de cerca al forense. Afición apoyando y una directiva joven, con Pablo Blázquez a la cabeza, e ilusionante que han hecho muy bien los deberes. Todo por una droga llamada fútbol y como escribe Enric González, lo otro es metadona o, en el mejor de los casos, heroína al 3 %. Casi placebo. Socialmente menos corrosivo, políticamente menos provocador, menos peligroso para todos nosotros. El fútbol puro, el fútbol que libera toda la energía de las masas, es pura subversión.

    Puro fútbol, ese que lleva en las venas el entrenador del CD Badajoz. Corre sangre magrebí por los vestuarios, Mehdi Nafti, que con cierto aire faraónico asume con muchísima disciplina y arrojo el envite.

    Abuelo gendarme en Argelia y exilio, padre tunecino en plena revolución de Bourguiba y exilio, madre marroquí de origen argelino y exilio. Un amor, un objetivo y una lucha de supervivencia en una oleada generacional de inmigración. Toulouse el vórtice.  Años 70. Exilio y lucha. De aquel aprendizaje social y familiar este modelo de entrenamiento. Esfuerzo en equipo para llevar un plato de goles con el que dar de comer a la afición. Así es Nafti, directo, cercano y duro, como aquellas apañadas espinilleras de papel de periódico con las que jugaba su abuelo en campos de tierra y piedra. Jirones de L´Équipe para jugar en equipo. El exilio del fútbol continúa.

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    ¿Cómo fueron esos años recién aterrizados en Francia?

    Era hijo único y vivíamos en un barrio modesto, tenía a mis padres siempre detrás de mí, con el tema de los estudios y el fútbol.

    Suponemos que es importante ese control familiar en barrios así en aquella época…

    …muy importante, fundamental. Donde yo crecí podía haberme ido al lado malo de la manera más fácil del mundo. Con esa educación entré en el circuito, en el esquema estudio-deporte y no salí de ahí. Estaba muy protegido en la edad de adolescente por los padres y el sistema educativo francés que te permitía compaginar bachillerato y universidad con el deporte.

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    ¿Cuándo te planteas que puedes vivir del fútbol?

    Con 19 años salto al primer equipo del Toulouse y tras mi debut. El entrenador en aquella época me dijo o el fútbol y los estudios, el nivel era muy alto, el fútbol una profesión y dejé la carrera de Dirección de empresa y Administración a la mitad. Es ahí cuando decido trabajar como deportista profesional.

    ¿Estamos hablando del…?

    Del 1998, Francia recién campeona del mundo y era una gran oportunidad para debutar en la primera división. Lo hice contra el Mónaco, que tenía los recientes campeones Barthez, Trezeguet y Thierry Henry. Fue un boom para el país, el fútbol al menos, creció bastante.

    ¿Qué recuerdas de aquel debut?

    Lo recuerdo perfectamente. Minuto 70. Cagado de miedo, tu primer partido en tu ciudad, en el club que te ha formado y delante de familia, amigos y afición. Fue muy emotivo

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    Francia, España, Grecia, Inglaterra y Túnez con la selección…recorriendo mundo, recorriendo también culturas…

    Hay que intentar vivir varias vidas en una, aprendes idiomas, culturas, formas de ver la vida diferentes…te abre el cerebro, eso es muy importante. El viajar y trabajar en muchos países te obliga a tener una visión del mundo amplia, puedes opinar o dar información de cosas que otras personas desconocen y te ayuda mucho en tu trabajo. Ahora mismo como entrenador el hecho de tener un jugador francés o inglés, cristiano o musulmán, hace que sepa las necesidades que necesitan para integrarse porque lo viví en mis carnes como jugador.

     

    ¿No crees que hay rincones en el mundo del futbol que deberían desaparecer por el fanatismo que impera en muchos estadios?

    Yo lo he vivido. Dejé el Birminghan por el Aris de Salónica por un contrato importante. La afición en ciertos países en muy delicada, apoya mucho pero también se excede en el control de los equipos. Pasar esa franja es peligroso. La ventaja en países como Grecia también es el problema, es decir, nunca es suficiente, son unos fanáticos, hagas lo que hagas, y te empiezan a llegar amenazas. Ese año además gané el premio al mejor mediocentro de la liga pero para ellos no era suficiente. Es cuando te planteas coger las maletas y buscarse la vida en otros equipos. Fiché por el Valladolid en enero que estaba en puestos de descenso. Cómo tenía que ser la presión que sufrí en Grecia. También hay que decir que tenía muchas ganas de volver a España.

    El viajar y trabajar en muchos países te obliga a tener una visión del mundo amplia, puedes opinar o dar información de cosas que otras personas desconocen y te ayuda mucho en tu trabajo

    Tu imagen es de cercanía, lo primero que pediste al llegar fue cariño…creo que tus valores es clave para llevar al club a una fase de ascenso, tus valores y tu forma de ser se han visto cercanos y directos…

    …[Ríe]…es cierto. Yo soy una persona de corazón, quizá más que de cabeza. Y a veces te llevas una buena leche por ser así pero es mi estigma. Es lo que aprendí de pequeño y lo que intento inculcar a la plantilla, valores. Yo no entiendo las mentiras en el deporte, en la vida de un grupo, no puedo compartir esa actitud. Tenemos que ser una familia, con todo lo bueno y lo malo de una familia. Tú mueres por mí y yo muero por ti. Es mi forma de entender el fútbol y la vida en general.

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    No sé si ahora os encontráis con jugadores más jóvenes en la plantilla que antes donde quizá esos valores al que te haces mención se diluyan algo más…

    Como entrenador, como club, te tienes que adaptar, todo ha cambiado. Por ejemplo las redes sociales, que yo no comparto para nada, y que ahora forman parte de la vida de los jugadores. Las redes sociales es un refugio de los cobardes…¡Cuidado! Que hay cosas buenas pero en general me parece todo muy vacío. En la vida tienes que poner filtros, y la opinión que se vierte en estas redes es a veces sucia y falta de moral. Pero también hay que comprender que tienes a jugadores jóvenes que están pegadas a este tipo de cosas pero no se puede imponer una filosofía entorno a este problema. El futbolista es muy egoísta por naturaleza, siempre piensa que debe jugar cada domingo, y en parte está bien, debe ser competitivo, pero tiene que entender que hay más compañeros que también pueden jugar. Es ahí donde tenemos que intervenir, hacerle reflexionar, explicar bien que si se toman decisiones es para el bien del grupo. Si rindes es para el grupo y se puede rendir dando un buen pase, marcando un gol o dando una palmadita a tu compañero o animando desde el banquillo. Son los valores que los chavales deben aprender ahora. El grupo, la plantilla debe exigirse más entre los propios compañeros, sin que yo como entrenador interactúe, se auto eduquen eso me gusta.

    Esos valores  lo has mamado de tu padre, al que nos han comentado que le haces mucho caso…

    …sin duda. Mi padre ha trabajado mucho en la vida para darme todo. Es un apasionado del fútbol y tiene una visión muy humilde de la vida, su carácter de lucha y de trabajo en equipo lo llevo en mi sangre. Te recuerdo que a los veinte años me separo de ellos para ganarme la vida con el fútbol y les debo todo a ellos. Le escucho casa vez que le pido un consejo. Un respeto natural.

    Yo no entiendo las mentiras en el deporte, en la vida de un grupo, no puedo compartir esa actitud. Tenemos que ser una familia, con todo lo bueno y lo malo de una familia. Tú mueres por mí y yo muero por ti

    Inmigración, paro, economía, educación, cultura…¿Eres una persona interesada por los asuntos sociales y políticos?

    Ahora me arrepiento, pero nunca he sido un hombre político, no me he interesado por los asuntos sociales hasta ahora. Quizá porque soy un hombre que sólo sabe hacer una cosa a la vez…[Ríe]…me he centrado en mi vida de jugador en jugar al fútbol casi exclusivamente. La vida del futbolista es muy corta y hay que dejarse la piel, abandonando ciertos aspectos de la vida también importantes. Antes sólo sentía, respiraba y vivía fútbol. Desde que soy entrenador he recuperado el tiempo perdido en esos temas. Estoy muy interesado en la política, sobre todo la de Francia, aún no puedo opinar de la situación en España pero me estoy informando.

    ¿Te habrás informado de la inclusión en el Gobierno español de partidos políticos como el de Jean-Marie Le Pen en Francia o de la falta de criterio social en políticas sociales como la emigración o salud?   

    En Francia, remontándonos décadas atrás, la generación de mis padres al llegar a Francia se adaptó, se adaptaron sin olvidar nuestras raíces, hablando francés y practicando nuestra fe sin imponer ningún estilo de vida.  Las nuevas generaciones que llegan o los que han nacido en estos últimos años, quieren vivir como norteafricanos en Francia, llegando a odiar al país de acogida, todo un error. No está generalizado esta situación pero es un arma que pueden utilizar algunos franceses para verlo como una falta de respeto, pensarán os hemos acogido, ayudado y nos tratáis así. Ahí pueden surgir los extremismos tan malos para cualquier país. España debe anticiparse a este problema, un tema migratorio que en breve ocurrirá aquí.

    Marcelo Bielsa dice que un entrenador no es mejor por sus resultados ni por su estilo, modelo o identidad. Lo que tiene valor es la hondura del proyecto, los argumentos que lo sostienen, el desarrollo de la idea…¿Cómo está valorada la figura del entrenador en estos momentos Nafti?

    Es fútbol es la vida. Y ahora mismo que estamos jugando los playoff de ascenso soy Brad Pitt, rubio con los ojos azules, pero si perdemos soy un tío malo que viene de entrenar al Mérida. Es la pura realidad. Cuando uno elige este trabajo tiene que saber que es así. En la grada cada domingo hay miles y miles de entrenadores pero la gente sólo ve una parte, el día del partido, no sabe lo que pasa durante la semana. Nunca sabrán si el entrenador se ha enfadado con el jugador por que ha trabajado por debajo de lo exigido, o porque ha llegado tarde al entrenamiento, o porque ha faltado el respeto a otro compañero. Es la vida del entrenador.  Al final es lo que tú dejas atrás, y yo al menos estoy feliz con esa parte. Hablo con la gran mayoría de jugadores que tuve en el Marbella e incluso hay aficionados del Mérida que me dieron la  enhorabuena por la clasificación del Badajoz en los playoff.

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    De tu época de jugador, con la selección te enfrentaste a España en la Copa del Mundo del 2006…¿Qué recuerdos tienes de aquel día?

    Fue una experiencia amarga, salía de una rotura de ligamentos cruzado y me había perdido la temporada entera en Inglaterra, un año en blanco desesperado por poder jugar el Mundial. Apuré los tiempos y llegué pero no en las mejores condiciones físicas. Me hubiera gustado estar a mi mejor nivel, pero no pudo ser. Contra España fue mi primer partido entero después de ocho meses…!España¡ es decir el balón no lo ves nunca…[Ríe]…tenía calambres al descanso. Fuimos por delante en el marcador durante setenta minutos pero nos desgastaron…entró Raúl e hizo dos goles.

    La afición ha ido de menos a más, igual que el equipo. La gente responde, es cariñosa, lo viven mucho pero al final son muy fieles

    Cuando sales cada domingo al campo pisas el césped, pero tu área de movilidad se ha quedado muy pequeñita, fuera de las líneas de juego…¿Qué se siente, que añoras de tu etapa como jugador?

    Esta área es horrorosa, es como estar metido en una jaula. Antes salías al campo pensado en estar lo mejor posible, sólo me fijaba en mí, en mi dieta, en mi descanso para poder pisar el césped y rendir al máximo, como entrenador, tengo a veinticinco tipos que gestionar, veinticinco egos como yo lo tuve en mi etapa de jugador. Ahora mido muchos más parámetros, como porqué levanta los brazos aquel, o porque camina en vez de correr, o porque no anima desde el banquillo a quién mando a calentar. Súmale los aspectos tácticos, el equipo adelantado, las líneas muy juntas…menos mal que tengo asistentes que hacen una labor increíble para centrarme en el partido. Pero aun así existen muchos parámetros que controlar, el árbitro, el linier, el calor, el utillero, el banquillo, todo a la vez, pero ser entrenador es así, como una familia, con cosas buenas y menos buenas…[Ríe].

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    Es fútbol es la vida. Y ahora mismo que estamos jugando los playoff de ascenso soy Brad Pitt, rubio con los ojos azules, pero si perdemos soy un tío malo que viene de entrenar al Mérida

    ¿Qué te quedas de esos que se sientan en las butacas cada domingo?

    Muy buenas sensaciones. Han ido de menos a más, igual que el equipo. La gente responde, es cariñosa, lo viven mucho pero al final son muy fieles, mueve a cuatro mil fijos que sufren a las buenas y a las malas, más los que quieren experimentar esta pasión.

  • Pablo Melara «Pura inspiración para los carteles del FIC»

    Pablo Melara «Pura inspiración para los carteles del FIC»

    El primer cartel creado para el Festival internacional más longevo de la historia ya recogía arte, funcionalidad e impacto publicitario. El Festival de Cine de Venecia de 1932 aparece de la mano de la Biennale de arte, con el león de San Marcos, el lido veneciano de fondo y una bobina de película anunciando cine de Estados Unidos, Francia, Alemania, Polonia, Italia y la U.R.S.S.

    Unos sesenta años después nace un Festival modesto pero gestado para arropar el cine ibérico en formato de corto. Pequeñas joyas que lucían analógicas para portugueses y españoles ansiosos de degustar historias de metraje reducido. Actualmente el digital asoma con maravillas de realizaciones en este 25º Festival Ibérico de Cinema de Badajoz.

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    Para ver todo ese recorrido cinematográfico la sala Espacio CB Arte de la Fundación CB acoge del 16 al 31 de julio la exposición ‘FIConos’, un recorrido por los 25 años del Festival Ibérico de Cine (FIC) a través su imagen iconográfica. La exposición, que conmemora el cuarto de siglo del Festival, reúne carteles y catálogos diseñados a lo largo de estos 25 años, conformando el repertorio iconológico de esta muestra de cine.

    En ‘FIConos’ se puede ver la evolución del diseño, de las modas, del uso de los elementos, de la historia y también de los mensajes. La exposición acoge desde el cartel y el catálogo de la primera edición del FIC, en 1994, diseñado por Antonio Cosme Covarsí, hasta la actualidad.

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    En esos inicios se eligió la imagen del Puente Real como símbolo de modernidad y de la ciudad de Badajoz, sede del festival. En los primeros años también se utilizaron diseños realizados por Luis Costillo, autor de algunos de los carteles y catálogos, en una época en la que se aprecia la influencia de Keith Haring en el recientemente desaparecido artista pacense. Era la época en la que Luis Costillo sacaba en sus diseños a su perro Carvalho, en esta ocasión ladrándole a una especie de Cine Exin.

    El diseño del cartel de Pablo Melara que muestra la península ibérica en forma de claqueta abierta por la frontera entre España y Portugal se adoptó definitivamente como logotipo del Festival Ibérico de Cine, ya que simbolizaba la idea fundacional del FIC: un festival que rompe la frontera e integra producciones lusas y españolas en un mismo contexto.

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    En ‘FIConos’ en los primeros carteles del FIC no faltó el elemento metafórico de la mirada y el ojo como símbolo, como el famoso plano inicial del perro andaluz de Buñuel o los prismáticos  de James Stewart  en ‘La ventana indiscreta’. Otras referencias cinéfilas presentes en los carteles del FIC tienen que ver con William Holden y Kim Novak, una pin up horrorizada/encantada frente a una invasión alienígena e incluso Fred Astaire y Ginger Rogers.

    La cámara de cine, los proyectores y bobinas de 35 milímetros han sido también utilizados como imagen del FIC, que ha recogido también en sus carteles y catálogos una cámara formada por los palos de una baraja española, un levantador de pesas de celuloide o una bicicleta tomavistas.

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    El cartel del FIC de la vigésima edición mostraba dos tijeras que marcaban las dos XX del número, dando lugar a una interpretación semántica que aludía tanto a la censura como a los recortes económicos. Las tiras de celuloide formando una especie de jaula, también hacían alusión a esto.

    En la muestra se puede ver a la Venus del Espejo mirándose en un croma o una lata de cine convertida en bomba de los tebeos de Bruguera cuya mecha nunca acaba de provocar la detonación. También están presentes los animales: el pez que pica una pequeña tira de fotogramas como cebo, la cabra ibérica con cuernos de celuloide o el gato negro con el rabo del mismo material.

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    Hablamos con uno de los creadores de los carteles, el extremeño Pablo Melara, para conocer parte del proceso, la evolución de su trabajo y los gustos cinematográficos que marcan su línea de trabajo.

    FIConos, la expo de los carteles en el 25 aniversario del Festival Ibérico de Cinema. Tu trabajo gráfico, reclamo visual e imagen de un festival de cortos esta vez expuesto como obra de arte. ¿Qué sensaciones tienes al respecto?

    En 2001 me encargaron por primera vez la imagen del Festival Ibérico de Cine, era la séptima edición y me pidieron que evitase usar iconos típicos de cine como rollos de celuloide, cámaras, claquetas, etc. Ese primer año encontré una foto en una revista antigua, unas señoras mirando a través de su mano en plan catalejo, me gustó porque ilustraba el concepto de hacer cine sin caer en los tópicos, como me habían encargado. Después de eso he seguido haciendo el cartel cada año, y ya vamos por la edición veinticinco, es mucho tiempo haciendo la imagen del FIC y se ha convertido en algo familiar que forma parte de mi vida. Es agradable el momento de recibir el encargo cada año porque es como una baliza que me dice «otra vez aquí», y me hace reflexionar sobre lo que ya he hecho y a la vez me pone a buscar ideas y estéticas nuevas. Y que ahora se expongan todos juntos es bonito, cada cartel me recuerda a una primavera de mi vida desde que tenía 25 años, en ellos veo reflejada mi evolución personal y mis altibajos.

    ¿Es complicado sobrevivir de la ilustración, del arte visual?

    Yo no vivo de ello, como ilustrador hago exclusivamente la imagen anual del FIC. Me estuve dedicando profesionalmente al diseño y la ilustración hasta 2010, pero la crisis me obligó a buscar otra forma de ganarme la vida porque el mundo del diseño gráfico se descalabró en cuestión de meses.

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    ¿Cuál es tu inspiración para crear los carteles del festival?

    El proceso de creación empieza cuando Maribel Ruiz me llama en febrero o marzo para que empiece a pensar algo. En ese momento ya me pongo en «modo FIC» y voy especialmente atento a todo lo que veo porque la inspiración me suele visitar de golpe mientras observo algo, una señal de tráfico, el estampado de un vestido en el metro, o cualquier otra cosa. También suelo ir a la biblioteca a sacar algunos libros de cine, los ojeo para encontrar un tema, o escaneo algunas fotos y hago collages con ellas para inspirarme. Este año he sacado libros de Buñuel, Almodóvar, Cine Negro Español… En esta veinticinco edición hemos hecho un guiño a Luis Costillo, un artista irrepetible al que admiro y que ha fallecido en abril, él hizo el cartel de la quinta edición del Festival, y en el cartel de este año hemos integrado un fragmento del suyo.

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    Pablo ¿Qué pelis te han marcado y qué bandas sonoras te acompañan en tu día a día?

    Me gusta mucho Éric Rohmer. También me gusta el cine de ciencia ficción y terror en general: Paul Verhoeven, Darío Argento, David Cronenberg… Una de mis películas españolas favoritas es «Mamá es boba» de Santiago Lorenzo, me parece muy atrevida y personal, tierna y con un sentido del humor muy fino, cuando la ví por primera vez flipé, no había visto nada igual. Sobre las bandas sonoras, me encanta la de Los Paraguas de Cherburgo, me la compré en vinilo y es la única que a veces escucho de principio a fin, porque el formato invita a ello, pincho el disco y me la trago entera.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Teatro en una gran ciudad o en un pequeño pueblo «Un signo inequívoco de Cultura»

    Teatro en una gran ciudad o en un pequeño pueblo «Un signo inequívoco de Cultura»

    Decía Dario Fo que todavía no se ha entendido que sólo en la diversión, en la pasión y en la risa se obtiene un verdadero crecimiento cultural. El dramaturgo italiano estaba hablando de la familia, de la política (previo o post elecciones), de hacer el amor, del fútbol (jugado y televisado), de la literatura, del sabor de un vermut, de una canción de Paolo Conte, de un gran plato de pasta entre amigos, del teatro, mucho de esto último. Realmente el autor transalpino hacía mención al teatro, es decir, a la vida misma. El dramaturgo Miguel del Arco comentaba que el teatro tiene que ser un punto de encuentro, de diálogo y tiene que extenderse más allá de la función, en el bar, en la puerta del teatro o en el camino de vuelta a casa. Esa es la forma de que el espectador se enrede en el teatro.

    Detrás de esta arte escénica se esconden requiebros de textos de adobe y paja, personajes paridos para descolocar al espectador, el verdadero motivo de hacer teatro, contar algo. Una historia, un drama, un monólogo sin voces, un esperpento con risas enlatadas, un trozo de Jardiel Poncela, una bofetada desde la tramoya mental de David Mamet, un latigazo que nos haga sentir pena, pánico o gozo. En el escenario está la clave, sin ese altillo, que puede ser sustituido por la plaza de un pueblo, el ambigú de un viejo cine o la sala de estar de una casa recién pintada, la dramaturgia no carbura. La obra necesita tener límites físicos, obligar al espectador a centrarse en esas dimensiones, salirse de ahí supone actuar en fuera de juego, cambiar de encuadre y volar al cine, a la tele, a las barracas de feria…Pero, ¿dónde está el maná de los cómicos, en qué tierra caerá que sea nuestra, si nosotros no somos de ninguna parte? se lamentaba José Sacristán en su Viaje a Ninguna parte.

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    Existen proyectos que aproximan, acercan el teatro a las pequeñas localidades, aquellas, que como hacía Fernando Fernán Gómez, daban de comer al alma de los pueblos de nuestra geografía. Volver a recordar la esencia del teatro en aquellas zonas donde acceder a este arte es complicado es el leit motiv de algunos proyectos, entre ellos el D´Rule de la Diputación de Badajoz. Artistas en el territorio como reza su lema. Grandes artistas dispuestos a hacer kilómetros para alimentar la sed teatral de nuestro territorio. 24 compañías que pondrán en escena 39 espectáculos diferentes en 80 actuaciones.

    Pedro Rodríguez de la Compañía Suripanta explicaba que esta fórmula permite dar a conocer en los pueblos teatro profesional y de calidad. La apuesta económica lo dice todo. Para el presidente del Colectivo de Empresas de Artes Escénicas, Rafael Molano, llevar a los municipios buenos espectáculos en idénticas condiciones a los que se ponen en los escenarios de las ciudades ya es todo un logro…llegar a pueblos que si no existiera D’Rule no tendrían este tipo de teatro.

    Desde este prisma local, desde el desarrollo en el mundo de las artes escénicas y la vinculación con festivales engendrados desde pequeñas localidades como Puebla de la Cazada, Teodoro Gracia nos hace de Cicerón y nos monta una escena para percibir el perfume de trabajo realizado desde la base. Entramos en el camerino. Retoque, ensayo de última hora y un minuto para salir al escenario…¡Mucha mierda!

    He disfrutado mucho con esta obra de teatro. Especialmente en el descanso. Groucho Marx
    Es así como se tiene que hablar en este maldito pueblo sin río, pueblo de pozos, donde siempre se bebe el agua con el miedo de que esté envenenada. Bernarda Alba. García Lorca.

     

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    Sabemos que el concepto puede darnos una respuesta de miles de páginas pero para empezar debemos saber algo muy simple…¿Qué es el teatro?…al menos para ti.

    Para mí el teatro es primordial  porque me da vida. Es un arte al que he estado unido desde que era un niño y del que he tocado casi todas sus facetas…interpretar, escribir, dirigir, programar, distribuir…y lo considero importantísimo ya que aporta a la sociedad algo tan necesario como la libertad de expresión. Es realmente hermoso vivir el teatro. Yo lo considero básico en mi vida porque siento como deja en mi interior que fluyan las emociones.

    Desde la base, desde el trabajo de tantos años pegados al teatro, después de ese conocimiento ¿Con qué te quedas? ¿Qué obra te ha impactado más?

    La verdad es que he visto miles de obras de teatro y es muy difícil saber con cuales me quedo, aunque si se las que siempre recuerdo como mis favoritas: Soliloquio de grillos de Juan Copete y La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca.

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    Cuéntanos el paso de los años del Festival Teatro Vegas Bajas, creación, impacto en una localidad de pocos habitantes, la permanencia y resilencia tras 37 ediciones…¿Cómo llegó el teatro al alma de Teodoro Gracia?

    El gusanillo empezó a muy corta edad, con unos 9 años ya me subí al escenario estando estudiando en el colegio Salesiano y desde entonces no he parado. Entré a formar parte del Grupo de Teatro Jarancio, del que ahora soy director, en 1974. Después… autor, programador, técnico de las Artes Escénicas… siempre me ha acompañado y estoy seguro que será mi compañero toda mi vida.

    El teatro es importantísimo ya que aporta a la sociedad algo tan necesario como la libertad de expresión

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    ¿Cómo responde Puebla de la Calzada cada año con el teatro…aunque seguramente no sólo se asimile durante las fechas del festival, suponemos que también el resto del año?

    Puebla de la Calzada, a todo lo que esté relacionado con las Artes Escénicas, responde de maravilla porque el teatro ha estado desde hace muchos años vinculado a la localidad. Sin ir más lejos, el Grupo de Teatro Jarancio se creó en 1959 y por él han pasado centenares de personas. Una prueba del interés que despierta este arte es que para ser un municipio de 6000 habitantes tiene una compañía de Teatro profesional, 4 grupos de teatro amateur y una Escuela Municipal de Teatro.

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    ¿Qué supone nutrir a la población extremeña, a los vecinos de las localidades cercanas de base cultural, de obras escénicas, de historias narradas por actores?

    Invertir en Cultura, que es lo que ha hecho los últimos 40 años el ayuntamiento de Puebla de la Calzada, ha servido para que personas como yo aprendiésemos a ver teatro, a enamorarme del teatro y desmenuzar cada historia que me mostraban desde un escenario. Como yo, somos muchos los que hemos amado el teatro y todo gracias a un ayuntamiento que apostó por la cultura y supo lo esencial que era la creación de un público.

    Existe un programa de Diputación, D´Rule, que acerca el teatro a las localidades de la provincia, obras de Lucia, de Suripanta, Estampa, Guirigai, Arán…compañías extremeñas con mucho recorrido…Háblanos de la importancia de proyectos de esta talla. ¿Quién sale “ganando”?

    Hay que reconocer que estamos hablando de un buen programa diseñado para que todos salgan ganando: la población desde se realiza la representación porque totalmente gratis reciben  el trabajo de una compañía profesional extremeña. Ganan las compañías porque son varios bolos los que se le asignan que le sirve de balón de oxígeno en unos meses donde se suelen tener menos actuaciones y gana el público porque tiene la posibilidad de ver buen teatro a precios populares o completamente gratis.  D´Rule es, sin duda, un maravilloso programa creado en beneficio de todos.

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    ¿Es básico trabajar, actuar, demostrar su valía en Festivales como el de Vegas Bajas para llegar a actuar en el romano de Mérida?

    No es necesario o por lo menos no primordial porque yo conozco maravillosas compañías que demuestran su profesionalidad, día a día, sobre los escenarios de toda España y nunca han llegado a pisar la escena del Teatro romano de Mérida.  Estar en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, para mí, es más cuestión de suerte que un mérito por demostrar una valía.

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    D´Rule es, sin duda, un maravilloso programa creado en beneficio de todos

    Hablamos de cultura, de artes escénicas en la región, en España, ¿Cómo está la salud del teatro en este país, en Extremadura?

    Siempre que se nombra la palabra teatro la asociamos a crisis, tanto a nivel regional como nacional y no es así. Yo veo el teatro más vivo que nunca. Montajes extraordinarios, actores y actrices impresionantes, magníficos directores, escenógrafos,  diseñadores de luces, músicos… y un público que cada vez sabe valorar más este arte.  Después de todo esto, la salud del teatro español es bastante buena a pesar de esa agonía falsa que nos intentan vender. Nuestro festival, que se está desarrollando ahora, todos los días llena la sala y estamos en un pueblo de menos de 6000 habitantes.

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    La figura de la mujer en el teatro…

    El teatro está, para mí, en deuda con la mujer porque a pesar de encontrarnos  en el siglo XXI, todavía, en la mayoría de las ocasiones, el peso de una obra recae en el hombre y es la mujer la que tiene que desempeñar el papel secundario.  Es cierto que cada día se va fomentando más la  igualdad pero aun así, por desgracia, les toca vivir un largo recorrido de injusticias. La mujer  tiene que ser la protagonista ya y dejar de ser la esposa, la madre, la hija o la amante del cabecera de cartel, que es lo que ha estado sucediendo siempre, salvo en mínimas  ocasiones.

    El teatro está  en deuda con la mujer porque a pesar de encontrarnos  en el siglo XXI, todavía, en la mayoría de las ocasiones, el peso de una obra recae en el hombre y es la mujer la que tiene que desempeñar el papel secundario

    Y por último…¿Una obra de lectura obligada?  ¿Un texto que interpretar siempre?  ¿Una compañía a la que tener en cuenta?

    Compañías a tener en cuenta hay centenares que debería enumerar porque se está haciendo buen teatro en España, así que por no hacer una lista interminable, no voy a nombrar a ninguna pero si lo tengo mucho más claro para recomendar una obra como lectura obligada o como texto para ser interpretado, sin duda alguna: La casa de Bernarda Alba. Para mí es, la obra maestra.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • El refugio de Arne | Royal Hawaiian Motel

    American Express, Visa, Diners Club Internacional y Master Card. Llama al 760 733-4477 si necesitas algo, reza el cartel. Solo una baraja de cartas y una jarra de vino, y las mentiras de una mujer hacen una vida como la mía, Oh, el día que nos conocimos, me extravié y empecé a rodar por esa carretera perdida. El hilo musical de la recepción del Hawaiian Royal Motel. Una de las cuatrocientas canciones del enganchado de Hank Williamns que tiñe el calor del valle con más calor aún. Una carretera perdida y Arne, el dueño del motel, embadurnado en whisky.

    Estamos en Baker, 835 personas censadas, 835 personas quemadas por dentro, 835 tostadas por fuera. Y ese sitio donde puedes dormir por dos pavos la noche, el motel con estilo a mares del pacífico sur. En la intersección de la I-15 y la Ruta Estatal 127, la casilla de salida al Death Valley Road. Aproximadamente a mitad de camino entre Los Ángeles y Las Vegas, el motel de 43 habitaciones supura descanso, tedio y desasosiego. En ese orden. Desde que te dan la llave hasta que Arne la vuelve a colocar en su casilla. Cerquita del Hawaiian una prisión, con alguna que otra fuga y un motín en su historial. Puedes verlo en cualquier momento que quieras pero nunca puedes irte, musita entre dientes Arne con un acento mascado por arena y sol. Un sol de justicia, de esos que pican y agrietan el alma, 56.7 ° su tope, registrado en el cercano Furnace Creek el 10 de julio de 1913. Solo la piscina con forma de preservativo inspira algo de salvación.

    Hace un calor seco y asfixiante, cerca de 40º, y las 7 estaciones de servicio que se agolpan en las dos míseras millas que jalonan Baker decoran el bulevar como un camino de velas encendidas por gasolina. Octanos para todos y Arne en camisa a cuadros, bebido, alegre de ojos para arriba. Me da las llaves de la habitación 43 y al firmar en el libro de pernoctaciones, todo un mosaico que gentilmente Arne, se entromete a descifrar.

    En la habitación 2, el señor Earl Silas Tupper, un comercial cargado con cientos de recipientes de plástico. El loco de Tupper empeñado en vender cajas vacías a todas las señoras de este maldito valle, ríe Arne.

    En la habitación 3, Un tipo silencioso, sale de noche, vuelve cuando sale el sol, un vampiro negro untado en crema de las buenas. Firma como Sonny Boy Williamson II, King of harmónica. Otro tarado.

    En la habitación 12, un director de cine, gordo y serio. Busca localizaciones para una película. No lo conocen ni en su vieja Inglaterra.

    En la habitación 13, una chica muy guapa, que tuvo que hacer noche ayer por la tormenta. Acabó con toda el agua caliente del motel.

    En la habitación 17, vive mi amante.

    En la habitación 18, mi exmujer.

    En la habitación 19, una mujer que realiza servicios sociales para la Iglesia Our Lady of the Desert.

    En las habitaciones 28, 29 y 30, agentes de la FBI, que se hacen pasar por turistas. Se dirigen a Dallas para conocer algo más esta mierda de tierra.

    En la habitación 31. El señor Harvey Oswald. No sé más de este tipo.

    En la habitación 36. La señorita Kinski. Una rubia desorientada que viene de Paris, del condado de Texas.

    En la habitación 40. Un tal…Merello. El pasaporte era español. Se ha pedido una cerveza bien fría y se ha puesto a pintar en un block desde esa ubicación. Sí desde allí, a pleno sol. Una buena dosis de insolación para estos artistuchos medio mejicanos.

    En la habitación 43, su habitación, alguien que lee este texto y seguramente quiera pagar varios dólares por meter las narices en mi abandonado motel. Tome su llave, el aire acondicionado y la televisión con canales de cine corren cuenta de la casa. Enjoy.

    Motel-Hawaian-culturabadajoz-overdose-01

    Willy López | Ilustración Tito Merello