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  • Jorge Suárez «Una partitura colectiva para que Cáceres suene en Europa»

    Jorge Suárez «Una partitura colectiva para que Cáceres suene en Europa»

    Cáceres afronta una etapa decisiva en su aspiración a convertirse en Capital Europea de la Cultura en 2031. Tras superar la primera selección y situarse entre las cuatro ciudades españolas finalistas, la candidatura trabaja en la consolidación de un proyecto que pretende ir mucho más allá del reconocimiento europeo. Conversamos con Jorge Suárez, concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cáceres, sobre el camino recorrido desde 2023, la implicación de las instituciones y del tejido cultural, la filosofía de Transcultura y las oportunidades que esta iniciativa puede abrir para toda Extremadura. Músico de formación, Suárez entiende que una transformación de esta envergadura necesita una buena partitura colectiva, tiempo y capacidad para escuchar a los demás.

    Jorge Suárez habla de cultura con la familiaridad de quien ha pasado buena parte de su vida dentro de ella. Es músico, toca la trompa y sabe que una buena interpretación no depende únicamente del talento individual, sino de la capacidad de escuchar a los demás, encontrar el equilibrio y conseguir que todos los instrumentos suenen al unísono. Conoce las horas de estudio, los ensayos, las dificultades de una profesión que exige disciplina y los viajes que tantas veces obligan a buscar oportunidades lejos de casa. Quizá por eso entiende la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 como una gran partitura colectiva, en la que instituciones, creadores, asociaciones, profesionales y ciudadanos deben encontrar su lugar para que la música termine sonando como se espera. Y esa música, como sucede con las grandes composiciones, necesita tiempo. Comenzar poco a poco, incorporar instrumentos, sumar voces, crecer en intensidad y encontrar un ritmo compartido. De menos a más. Sin estridencias ni precipitaciones, pero con la ambición de alcanzar un gran final. Cuando le preguntamos qué banda sonora pondría a Cáceres 2031, Suárez no necesita pensarlo demasiado: Carros de fuego, la célebre composición de Vangelis. Una elección que encaja con su manera de entender una candidatura construida sobre el esfuerzo, la perseverancia y un recorrido que, independientemente del resultado, ya está dejando huella.

    En junio de 2023, poco después de la llegada del nuevo equipo de gobierno al Ayuntamiento de Cáceres, el alcalde, Rafael Mateos, le planteó durante un paseo la posibilidad de presentar la ciudad a la Capitalidad Europea de la Cultura de 2031. «Te ha tocado, vamos a lucharlo», recuerda que le dijo. Aquella conversación fue el comienzo de un proceso que ha terminado reuniendo a instituciones, profesionales, asociaciones y colectivos alrededor de una candidatura que aspira a tener una dimensión regional. El proyecto ha adoptado el nombre de Transcultura y ha encontrado en la trashumancia, los caminos y el intercambio de conocimientos una manera de explicar su filosofía. Cáceres quiere convertirse en un lugar de encuentro, pero también en un punto de partida desde el que la cultura extremeña pueda circular por Europa.

    Suárez insiste en que la capitalidad no debe reducirse a una sucesión de acontecimientos extraordinarios. Habla de formación, de redes internacionales, de nuevas posibilidades de financiación, de inclusión y de una ciudad monumental que necesita estar habitada. También de una Extremadura que, a su juicio, debe aprender a reconocer sus propias capacidades y dejar de buscar siempre fuera las oportunidades que podría generar dentro de su territorio. La conversación transcurre entre reflexiones sobre la gestión municipal, recuerdos de su trayectoria musical y algunas anécdotas personales. En todas aparece una idea que el concejal repite de distintas maneras: pensar en grande no significa construir proyectos imposibles, sino aprender a aprovechar mejor lo que ya existe y conseguir que permanezca. Porque, gane o no Cáceres la Capitalidad Europea de la Cultura, buena parte de esa partitura ya está escrita y sus primeros compases han comenzado a sonar.

     

    Cáceres 2031 acaba de registrar ante el Ministerio de Cultura su bid book, el documento que recoge las 60 iniciativas con las que aspira a convertirse en Capital Europea de la Cultura. La programación se distribuye en doce programas agrupados en tres grandes ejes: Tierra, que parte del patrimonio, el paisaje y los saberes recibidos; Camino, que busca poner en movimiento a las personas, las ideas y la cultura; y Encuentro, centrado en la convivencia, los cuidados y la construcción de comunidad. Una propuesta desarrollada gracias al trabajo del equipo técnico del Consorcio Cáceres 2031, bajo la coordinación de Iris Jugo, y a la implicación de las instituciones y del tejido cultural del territorio. La candidatura encara ahora un mes decisivo: el próximo 23 de noviembre recibirá la visita del comité de expertos europeos, el día 30 tendrá lugar la defensa final del proyecto y el 3 de diciembre se conocerá la ciudad elegida. Un calendario que sitúa las reflexiones de Jorge Suárez sobre el trabajo realizado, la implicación de Extremadura y el legado cultural de la candidatura en la antesala de su resolución.

    «Queríamos que Cáceres volviera a ser una ciudad de referencia cultural en Extremadura»

    —Cáceres lleva tiempo trabajando para convertirse en Capital Europea de la Cultura en 2031. ¿En qué momento se encuentra la candidatura y qué balance haces del camino recorrido?

    —Nosotros entramos en el gobierno en 2023 y, nada más llegar, en junio o julio, el alcalde puso encima de la mesa la posibilidad de presentarnos a la Capitalidad Europea de la Cultura de 2031. Siempre lo cuento como una anécdota. Íbamos los dos paseando por la calle, hablando, y recuerdo que me miró y me dijo: «Te ha tocado». Y yo le pregunté: «¿Me ha tocado el qué?». «Nos presentamos a Capital Cultural. Piénsalo y vamos a empezar a hacer un proyecto». Teníamos una base, que era la candidatura de 2016, pero no creíamos en aquel formato. El concepto que tenía entonces era muy diferente al que tenemos ahora y también al que Europa está pidiendo en estos momentos. Empezamos a trabajar en los estatutos y en la creación del consorcio. Ahí hemos tenido muy buena suerte, gracias también a la labor que se ha hecho desde el Ayuntamiento. Están las dos diputaciones provinciales, la Junta de Extremadura y el Ayuntamiento de Cáceres. Nos reunimos con cada una de las instituciones, dejamos a un lado las ideologías y dimos el paso adelante. Creo que eso es importante, porque entendemos que la cultura tiene que ser buena y de calidad, independientemente de las ideologías. A partir de ahí necesitábamos encontrar a alguien que coordinara el proyecto, que tuviera experiencia y, sobre todo, que conociera qué quería Europa. Sacamos un concurso público y se incorporó Iris Jugo. Después fuimos creando el equipo, con comunicación y personas que conocieran los mecanismos financieros de los proyectos europeos. Han sido muchísimas reuniones y siguen siéndolo, prácticamente a diario. Pero la cultura es así. A comienzos de 2025 ya teníamos definida la estructura de lo que queríamos hacer y empezamos a trabajar sobre un concepto: Transcultura.

    —¿Qué queríais conseguir con ese nuevo planteamiento?

    —Queríamos que la cultura transformara la sociedad. Que no fuera una cultura de uso propio, una cultura endogámica, como la que en algunos momentos hemos tenido, sino que tuviera una visión exterior. Recuerdo una frase que me decía un profesor cuando era pequeño: «Viaja, pero no para ver mundo, sino para aprender de otras cosas». Nosotros queríamos hacer eso. Queríamos que Cáceres recuperara una posición de referencia cultural en Extremadura. Mérida tiene una presencia muy fuerte gracias al Teatro Romano y a su festival, que es maravilloso, pero nosotros queríamos que Cáceres volviera a ser también un epicentro cultural.

    Empezamos a trabajar desde la Concejalía de Cultura y después a unir ese trabajo con el del consorcio. Tenemos una agenda cultural muy amplia, pero no podemos vivir solamente de los grandes conciertos. También se vive de las pequeñas exposiciones, de dar oportunidades a gente de Cáceres y de Extremadura que muchas veces no encuentra un espacio donde presentar un libro, mostrar su obra o expresar su arte. Hemos consolidado iniciativas como el Otoño Literario, recuperado actividades musicales que se habían perdido y empezado a poner en valor lo que tenemos. Porque en Extremadura hay muchísimo talento, pero necesitamos que ese talento tenga también una proyección nacional e internacional.

    —Cáceres cuenta con festivales, museos, creadores y una programación cultural importante. ¿Cómo se conecta todo ese patrimonio con Europa?

    —Lo primero era aprender a hablar el lenguaje europeo. Es un lenguaje cultural muy abierto, basado en el intercambio de experiencias, de expresiones artísticas y de conocimientos. Cáceres tiene doce festivales que se gestionan mediante diferentes fórmulas de colaboración pública y privada, y el Ayuntamiento los apoya. ¿Cómo los ponemos en valor? No solamente celebrándolos aquí, que es donde tienen su origen, sino abriéndolos a Europa. No se trata de ir con una carpeta diciendo que tenemos doce festivales muy buenos. Hay que entrar en las redes europeas, conocerlas y aprovecharlas. Nosotros hemos trabajado para incorporarnos a esas redes y abrir posibilidades de colaboración.

    Hemos entrado en redes culturales europeas y hemos recibido la comunicación de incorporación a Eurocities, una red que reúne a unas doscientas ciudades de treinta y ocho países y representa a más de ciento cincuenta millones de personas. Ahora viene la parte más dura. El concepto ha calado en Cáceres y también en Extremadura, que era fundamental, porque este no es un proyecto solamente de ciudad, sino de región. Lo que queremos es que las próximas generaciones sepan que existen otras maneras de trabajar, de relacionarse y de proyectar nuestra cultura. No podemos transformar arquitectónicamente toda la ciudad, pero sí podemos transformar su mentalidad y su sociedad.

    Transcultura: la tierra, el camino y el encuentro

    —A diferencia de la candidatura de 2016, Cáceres 2031 parece haber encontrado una conexión más cercana con el conjunto de Extremadura. ¿Qué ha cambiado?

    —Ha cambiado el concepto. Nosotros tenemos Transcultura como nuestro leitmotiv. La cultura hace el camino y el camino hace la cultura. Se trata de transformar la sociedad. Una sociedad como la de Cáceres no puede transformarse sola. Somos una comunidad con dos provincias y tenemos que estar unidos, aunque existan diferencias geográficas, de mentalidad o de tradiciones. ¿Cómo se transmitían antiguamente los conocimientos? Mediante los caminos, la trashumancia, los desplazamientos. Y no hablamos solamente del siglo XIX o del XVII. Podemos irnos al siglo XV, cuando estaban los trovadores en las cortes y los juglares recorrían los pueblos contando historias.  Con ese concepto de los juglares, de la trashumancia y del pastoreo, que forma parte de nuestra identidad, queremos construir una propuesta que nos permita situarnos en Europa. el extremeño, un ciudadano de Zafra, de Plasencia, por ejemplo, tienen que sentirse también Capital Europea de la Cultura. Porque seguramente en Zafra y en Plasencia hay talento que, por diferentes circunstancias, no ha podido salir. Queremos ofrecerle un hilo conductor para que pueda mostrar sus ideas, darse a conocer y encontrar oportunidades dentro de Extremadura, en España y en el extranjero.

    —En nuestra conversación con Iris Jugo aparecía una idea interesante: la capitalidad no debía quedarse en conciertos, exposiciones o acontecimientos puntuales, sino transformar de verdad el territorio. ¿Cómo se consigue que esa transformación permanezca?

    —Nosotros queremos dejar un legado. Y ese legado tiene varios conceptos fundamentales. Primero, unir al sector cultural, escucharlo y conectarlo. Eso es esencial. La capitalidad se ha convertido en una metodología para cambiar y transformar la sociedad. Y después están la tierra, el camino y el encuentro. Tenemos una misma tierra y un mismo camino que recorrer. Esto es como una peregrinación a Santiago. Cada uno lleva su mochila, pero todos compartimos un recorrido. Extremadura tiene una cultura enorme y cuanto más nos conozcamos y más conozcamos el proyecto, más posibilidades tendremos de avanzar. El encuentro es fundamental. Las personas avanzan cuando se relacionan, cuando comparten experiencias, cuando crean juntas. Tenemos que empezar por lo pequeño, por conseguir que la gente se encuentre y crezca como sociedad. Ese es el legado que queremos dejar.

    —Hablas de una cultura que no se agote en el acontecimiento, sino que deje algo más humano, algo intangible.

    —Yo creo que se trata de que la gente reconozca lo que tiene. No es solamente ir a la inauguración de una exposición y hacerse una fotografía. Yo siempre digo que no quiero la foto. Quiero que permanezca el recuerdo del trabajo: cómo se ha hecho, cómo se ha podido hacer, qué se ha creado y en qué podemos mejorar. Muchas veces tenemos recursos o capacidades que no sabemos manejar. Por eso hemos creado la Oficina de Activación Cultural. Es una oficina que ayuda a las personas a presentar proyectos y buscar financiación europea. La burocracia muchas veces pone límites que son difíciles de superar, incluso para quienes trabajamos en la Administración. Queremos que alguien que tenga una idea pueda acudir a esa oficina y recibir orientación sobre cómo desarrollarla, a qué redes puede acceder, qué posibilidades de financiación existen y cómo puede convertirla en un proyecto viable. Todos pensamos que nuestro proyecto es el mejor. Es normal. Pero necesitamos personas que sepan canalizar esas ideas y ayudarnos a llevarlas adelante.

    «No vamos a hacer castillos en el aire»

    —¿Qué importancia tienen la formación y la profesionalización del sector cultural dentro de la candidatura?

    —Muchísima. Nosotros tenemos algo muy claro: queremos un proyecto honesto y real. No vamos a hacer castillos en el aire, como decía Jaime Urrutia. Tenemos un Palacio de Congresos, tenemos un Gran Teatro, tenemos la Sala Capitol. No vamos a decir que construiremos un enorme complejo cultural porque sería mentira. Estaríamos engañando a Europa y, sobre todo, engañándonos a nosotros mismos. Eso no me lo puedo permitir, porque después la hemeroteca pesa.

    Desde el primer momento hemos querido un proyecto honesto, un proyecto real, en el que la capacitación sea un eje importante. Capacitación es la formación de toda la vida, pero aplicada a las necesidades que tenemos ahora. Cuando formas a las personas para que sepan trabajar, organizarse, buscar recursos y relacionarse con otros profesionales, estás fortaleciendo la industria cultural. En Extremadura hay muchísima gente dedicada al arte y a la cultura. A lo mejor tenemos varios proyectos pequeños que, por separado, encuentran dificultades, pero que juntos pueden tener muchas más posibilidades. Vamos a conectarlos y vamos a enseñarles cómo hacerlo. Hemos tenido aquí una experiencia con Global Leaders, vinculada a la Universidad de Harvard. Han venido sesenta personas y han trabajado durante una semana con el sector cultural y con la sociedad. Pero no para enseñar cómo se organiza un concierto, sino cómo se construye un proyecto alrededor de ese acontecimiento. Cómo se consigue que tenga continuidad y que deje algo después. Ese es el concepto que queremos desarrollar. A veces es difícil de explicar porque tiene muchas capas, pero es fundamental.

    —La candidatura ha conseguido superar la primera selección y situarse entre las cuatro finalistas. ¿Cómo vivisteis aquel momento y cómo afrontáis lo que queda?

    —La primera presentación fue el 3 de marzo de 2026. Cuando salimos tuvimos muy buenas sensaciones. Quienes trabajamos de cara al público sabemos cuándo las cosas han funcionado, pero siempre existe incertidumbre porque no depende solamente de ti y tampoco conoces en profundidad el trabajo de los demás. Nosotros sabíamos que llevábamos un proyecto honesto. Cuando nos comunicaron que habíamos pasado a la siguiente fase, recibimos también una serie de recomendaciones y un informe sobre nuestra presentación.

    Ahora estamos en un momento de nervios, porque hemos presentado un bid book muy completo. Pero también estamos en un momento muy bueno, muy ilusionante. Y lo más importante es que, más allá de la capitalidad, ya estamos viendo que esa cooperación, ese conocimiento y esa capacitación se están llevando a cabo. Cáceres tiene actividad cultural todos los días. Hay grandes conciertos, pero también presentaciones de libros, charlas, exposiciones, actividades particulares y propuestas que nacen de la iniciativa privada. Y en todas hay gente. Eso es importante, porque demuestra que existe una sociedad que quiere participar y consumir cultura.

    Europa empieza en el territorio

    —Habéis establecido relaciones con otras ciudades europeas, especialmente con Évora, que será Capital Europea de la Cultura en 2027. ¿Qué importancia tiene esa colaboración?

    —Con Évora tenemos una relación muy importante. Primero, porque Portugal ha estado muchas veces a nuestras espaldas, cuando debería ser un territorio con el que mantuviéramos una relación mucho más estrecha. Évora será Capital Europea de la Cultura en 2027 y ha tenido dificultades, cambios políticos y problemas administrativos, pero ha sabido mantener su proyecto. Nosotros podemos aprender mucho de esa experiencia. Conocer cómo han trabajado, qué dificultades han encontrado y cómo las han superado. También tenemos contactos con Malta, que compartirá la capitalidad con la ciudad española elegida en 2031. Esas relaciones permiten conocer otros proyectos y empezar a construir colaboraciones. Tenemos un convenio con la Universidad de Évora y hemos desarrollado iniciativas musicales conjuntas, como la cantata vinculada a la Novena Sinfonía de Beethoven, en la que participaron músicos portugueses. Lo importante no es solamente que se conecten las ciudades, sino que se conecten las personas. Que un músico de aquí pueda trabajar con otro de Portugal, que un creador encuentre nuevas oportunidades y que podamos aprender unos de otros.

    Hemos estado en Bruselas, hemos participado en encuentros internacionales y seguimos incorporándonos a redes europeas. Hemos ido a Montenegro para formalizar nuestra entrada en una red europea de festivales. Lo que tiene que hacer una institución es abrir puentes a la sociedad. Después son los profesionales, los festivales y los creadores quienes tienen que aprovecharlos para llegar hasta donde quieran.

    —Y todo ese trabajo debería continuar, independientemente de que Cáceres consiga finalmente la capitalidad.

    —Por supuesto. Yo lo digo siempre: ganemos o no ganemos, nosotros ya hemos ganado. Hemos ganado porque tenemos a la ciudad en el camino que queremos y porque hemos creado una base, una estructura que tiene que seguir. Eso es esencial.

    Una ciudad monumental que no quiere quedarse en el decorado

    —Cáceres posee un patrimonio extraordinario, pero también una actividad cultural contemporánea que parece haber encontrado nuevos espacios. ¿Cómo se consigue que ambas realidades convivan?

    —Nosotros tenemos un escenario de película. Este año cumplimos cuarenta años de la declaración de Cáceres como Ciudad Patrimonio de la Humanidad. Pero no queremos quedarnos en el decorado. La ciudad monumental tiene que tener vida. ¿Para qué quiero un escenario solamente para hacer fotografías? Necesito que haya gente, movimiento y actividad. La plaza se ha vuelto a convertir en un lugar de encuentro. Yo soy muy cacereño y recuerdo que hace unos años, cuando llegaban las Navidades, prácticamente no bajaba a la plaza. Ahora la gente vuelve a encontrarse allí. Eso es lo que queremos recuperar.

    Durante mucho tiempo teníamos una ciudad monumental preciosa, con una iluminación artística magnífica, pero a determinadas horas no había nadie. Ahora vemos actividad, gente que viene a los museos, que pasea, que participa en propuestas culturales. Tenemos el Museo Helga de Alvear, que nos ha situado en el mapa del arte contemporáneo, y tenemos Atrio, que ha contribuido muchísimo a la proyección gastronómica de la ciudad. Estamos trabajando también en nuevos proyectos vinculados al patrimonio y a la creación contemporánea. No podemos vivir permanentemente de la añoranza de lo que fuimos. Si vivimos del pasado, nos quedaremos en el pasado. Tenemos que preguntarnos qué alternativas podemos ofrecer a Cáceres que todavía no tenga.

    —¿Y cómo se traslada esa idea a la programación cultural?

    —Por ejemplo, con la música clásica. Yo soy músico y me encanta que venga la Orquesta de Extremadura. Son nuestros músicos y tenemos que valorarlos. Pero también tenemos que ofrecer al público otras posibilidades, otras interpretaciones y otros artistas. Por eso pusimos en marcha Cáceres en Clásico. Hemos traído solistas de grandes orquestas internacionales, de la Filarmónica de Berlín, de la Orquesta Nacional de España y de otras formaciones importantes. Y hemos querido hacerlo en espacios recogidos, como la iglesia de San Juan, donde se genera una relación muy especial entre los músicos y el público.

    También queremos que esos proyectos tengan una conexión con nuestros propios profesionales. Que un director extremeño pueda dirigir una orquesta fuera, que músicos de Cáceres participen en proyectos internacionales o que estudiantes de nuestros conservatorios trabajen con profesionales de primer nivel. Ese viaje tiene que ser de ida y vuelta.

    «La cultura no es élite»

    —También habéis trabajado en la accesibilidad y en la inclusión cultural. ¿Qué papel ocupan dentro del proyecto?

    —Para nosotros es fundamental. La cultura tiene que ser igual para todos. Tenemos convenios con la ONCE y hemos desarrollado actividades en las que las personas con discapacidad visual podían conocer las obras mediante explicaciones en braille y también tocarlas. Yo tengo la posibilidad de disfrutar de la cultura con todos mis sentidos. ¿Por qué alguien que tenga una discapacidad no va a poder hacerlo? ¿Por qué una persona con baja visión no puede disfrutar de una exposición si se la explicamos adecuadamente? ¿Por qué alguien con problemas de movilidad no puede asistir a un concierto y estar en un lugar privilegiado? No quiero que lo hagamos solamente porque exista una obligación. Quiero que lo hagamos porque creemos en ello. Ahí es donde empieza a cambiar la sociedad, cuando comprendemos que la cultura no es una élite. La música clásica no es una élite. La cultura tiene que estar al alcance de todos, para que cualquiera pueda verla, disfrutarla, sentirla y, sobre todo, emocionarse.

    —¿Y cómo se consigue que los jóvenes participen en una candidatura que mira hacia 2031?

    —Tenemos que pensar en la cultura que van a querer quienes estén aquí en 2031, no solamente en la que queremos nosotros ahora. Yo tengo una sobrina de once años. Ahora le gustará Bad Bunny o cualquier otra música, pero dentro de cuatro años a lo mejor le gusta algo completamente diferente. Las tendencias cambian. Ahora hablamos mucho de cultura sostenible y verde, que forma parte de nuestra propuesta, pero quizá en 2031 existan otras preocupaciones y otras maneras de expresarse. La cultura tiene que estar abierta. Tiene que estar viva. Yo, cuando tenía quince o dieciséis años, escuchaba una música que ahora llevo treinta años sin escuchar. Y, sin embargo, ahora escucho canciones que escuchaba mi padre y me quedo disfrutándolas. Cambiamos nosotros y cambia la sociedad. Por eso tenemos que escuchar a los jóvenes y darles la oportunidad de decir qué quieren ver, qué quieren hacer y qué cultura necesitan.

    «No es que creamos en nuestra tierra, es que somos nuestra tierra»

    —Cuando entrevistamos a Iris Jugo hablamos de la autoestima extremeña. Ella nos trasladaba la impresión de que Extremadura necesitaba reconocer mejor su propio talento y dejar de mirarse desde una posición periférica. ¿Compartes esa reflexión?

    —Fíjate, te voy a poner un ejemplo deportivo. ¿Quién iba a decir que el Cáceres de baloncesto iba a jugar contra determinados equipos europeos y que al descanso podía estar ganando por diecisiete puntos? Luego perdimos, pero jugamos aquella final. ¿Quién iba a pensar que íbamos a llegar hasta allí? El extremeño siempre ha sido trabajador. Ha sabido lo que era salir de casa de noche y volver de noche después de trabajar. Y ha tenido que emigrar. Hemos nutrido de mano de obra a otras comunidades y a otros países. Al País Vasco, a Cataluña, a Madrid y a muchos otros lugares. Durante mucho tiempo hemos tenido la necesidad de salir. Pero hemos llegado a una generación que ha tenido la oportunidad, gracias al esfuerzo de nuestros padres, de estudiar fuera y volver. Tenemos la Universidad de Extremadura, con titulaciones como Veterinaria; tenemos un centro como el Jesús Usón y tenemos un museo como el Helga de Alvear. ¿Quién iba a pensar que tendríamos en Cáceres un museo como ese? Creo que ha llegado una generación en la que no es que creamos en nuestra tierra, es que somos nuestra tierra. De ahí esos conceptos de tierra, camino y encuentro. Tenemos que creérnoslo. Pensar en grande. ¿Por qué no puedo ver un musical en Cáceres? ¿Por qué tengo que irme a Madrid? ¿Por qué no puedo disfrutar aquí de una gran exposición o de una compañía internacional de danza? Ese es mi objetivo: pensar en grande, pero pensando en extremeño.

    —También hablas de la importancia de que el talento pueda desarrollarse aquí, sin que marcharse sea siempre una obligación.

    —Eso es básico. No podemos crear una sociedad en la que formemos a personas para que después tengan que marcharse porque aquí no encuentran oportunidades. Yo soy músico y he tenido que viajar por Europa, estudiar fuera y buscarme la vida. He tenido suerte, pero también he pasado dificultades. Recuerdo épocas en las que desayunabas y cenabas lo mismo porque tenías que guardar la mitad del bocadillo para más tarde. De esas experiencias se aprende.

    Pero si tenemos una universidad que forma buenos profesionales, tenemos que trabajar para que puedan desarrollarse aquí. Y eso también se aplica a la cultura. Hemos traído compañías internacionales de danza y no queríamos que vinieran solamente a representar una obra y se marcharan. Queríamos que estuvieran una semana trabajando con los alumnos y alumnas de ballet del conservatorio. No quiero que un joven vea un espectáculo y diga solamente qué bonito era el vestuario. Quiero que pueda preguntar al artista cómo ha llegado hasta allí, cómo trabaja, cómo puede aprender a hacer lo mismo. Eso es ofrecer oportunidades.

    «De los éxitos no se aprende; se aprende de las caídas»

    —Volvamos al principio. Aquel día en que el alcalde te dijo que te había tocado asumir este proyecto, seguramente no imaginabas todo el recorrido que vendría después. ¿Qué supone personalmente para ti?

    —Yo creo que esto no lo abandera una persona. Lo abandera un equipo, lo abandera una ciudad y lo encabeza el alcalde. A mí me ha tocado asumir esta responsabilidad en estas circunstancias y me siento muy orgulloso. Hay dos cosas que valoro especialmente de Rafael Mateos. Una es su capacidad para pensar en grande. Es algo que repite continuamente y que, cuanto más trabajas con él, más comprendes. La otra es la confianza. Yo me siento orgulloso de que haya contado conmigo para llevar esta responsabilidad, pero sobre todo de que me deje trabajar. Eso es importantísimo. Tener confianza, poder tomar decisiones y asumir responsabilidades. Naturalmente, el alcalde está pendiente de todo, pero confía en su equipo. Y después hay algo que tengo muy claro: de los éxitos no se aprende. Se aprende de las caídas y de los fracasos.

    Cuando gestionas una administración tienes que tomar muchísimas decisiones. A lo mejor de diez cosas que haces, una sale bien. ¿Vas a dejar de intentar las otras nueve? No puedes. Tienes que analizar qué ha fallado, qué podrías haber hecho mejor, si la comunicación no ha funcionado o si los trámites deberían haber sido más rápidos. Nuestro ego personal no puede estar por encima de eso. Tenemos que aprender de los errores y seguir trabajando.

    —¿Y qué te gustaría que quedara de Cáceres 2031, independientemente de que se consiga o no la capitalidad?

    —Que quede esa manera de trabajar. Que quede la estructura que estamos creando, las conexiones, la formación y las oportunidades. Que Cáceres siga creciendo culturalmente y que Extremadura sepa que puede hacer grandes cosas. Que nuestros jóvenes no tengan que marcharse necesariamente para encontrar lo que buscan y que nuestros creadores puedan trabajar aquí y relacionarse con el resto de Europa. Nosotros ya hemos ganado porque hemos empezado ese camino. Y esa base tiene que seguir.

    Willy López / Félix Méndez

     

  • «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    El proyecto impulsado por la Diputación de Cáceres y coordinado por el artista extremeño Sojo ha convertido los muros de numerosas localidades de la provincia en espacios de creación, convivencia y patrimonio contemporáneo. En su undécima edición, Muro Crítico ha consolidado un modelo que traspasa Extremadura y que entiende el arte urbano desde el territorio, la identidad de los pueblos y la relación directa entre artistas y vecinos.

    Llegamos a Portaje y los artistas ya forman parte durante unos días del paisaje cotidiano del pueblo. Hay pintura, escaleras, plataformas, grúas, paredes que comienzan a transformarse y vecinos que se detienen, preguntan o simplemente observan cómo avanza un trabajo que dentro de unos días permanecerá allí cuando quienes lo están realizando hayan seguido camino hacia otro lugar. No se trata únicamente de contemplar una obra terminada. Una parte importante de Muro Crítico sucede precisamente durante ese proceso.

    El portugués Tiago Hesp, el vasco Nex y el gallego Joseba MP trabajan esta semana en la localidad cacereña bajo el comisariado de Sojo, ilustrador y artista urbano extremeño que comenzó vinculado al grafiti y que hoy desarrolla una trayectoria profesional que combina su propia creación con la coordinación de un proyecto que cumple once ediciones.

    Muro Crítico nació en 2016 de la mano de la Diputación de Cáceres y ha crecido al mismo tiempo que lo hacía el muralismo contemporáneo en Extremadura. Lo que comenzó con un mural por localidad se ha convertido en una intervención mucho más amplia: tres artistas, tres obras, varios días de convivencia, talleres participativos y una visita final en la que los propios creadores explican qué han hecho, por qué lo han hecho y de qué manera el lugar ha influido en su propuesta. Once años después, la llegada de Muro Crítico a una localidad ya no provoca aquella extrañeza de las primeras ediciones. Sojo asegura que ahora es frecuente escuchar una frase que resume hasta qué punto el proyecto ha conseguido hacerse reconocible en la provincia: «Por fin nos ha tocado a nosotros».

    Una red de arte contemporáneo en el territorio

    Jonatan Carranza Sojo, artista y coordinador del proyecto, sitúa los antecedentes del proyecto alrededor de 2015, en un momento especialmente interesante para el arte urbano extremeño. Muchos artistas que llevaban años trabajando comenzaban a desarrollar proyectos de mayor dimensión y visibilidad, mientras el muralismo avanzaba hacia una profesionalización que permitía afrontar trabajos cada vez más complejos. Él mismo pinta desde 1993, aunque no fue hasta 2015 cuando decidió dar el salto profesional. En aquel contexto se produjo el encuentro con la Diputación de Cáceres, interesados en poner en marcha alguna iniciativa relacionada con el arte urbano, apostando con más fuerza por este atractivo cultural y patrimonial de la provincia cacereña.

    —Muro Crítico cumple once ediciones. ¿Cómo surge realmente el proyecto?

    —Coincidieron varias circunstancias. Por una parte, empezábamos a despuntar muchos artistas urbanos de la región, desarrollando proyectos grandes, con visibilidad y calidad. Nosotros llevábamos pintando toda la vida; yo, por ejemplo, desde 1993. Había llegado un momento de mucha profesionalidad entre los artistas extremeños y, al mismo tiempo, desde Diputación existía interés por hacer algo relacionado con el arte urbano. Nos reunimos y, entre las posibilidades de la administración y nuestro conocimiento de cómo funcionaba el muralismo, dimos forma al primer Muro Crítico.

    Aquella primera experiencia poco tenía que ver con la dimensión que alcanzaría posteriormente. Sojo recuerda Coria como una de las primeras localidades. El mural se realizó en un parque de una zona residencial y prácticamente pasó inadvertido. Después llegaron otros pueblos y comenzó a producirse algo que acabaría siendo fundamental para entender el proyecto: los habitantes empezaron a apropiarse de la actividad. En algunas localidades aparecieron carpas, música, comida y vecinos acompañando durante horas a los artistas. El mural dejaba de ser únicamente el resultado final para convertirse durante varios días en un acontecimiento cultural y social.

    —¿Ahí descubrís que alrededor de una pared podían suceder muchas más cosas?

    —Es una consecuencia del propio arte urbano. Estás pintando en la calle, completamente expuesto, y durante ese tiempo eres un vecino más. La gente se acerca, habla contigo, pregunta, te ofrece agua, fruta o lo que tenga. Se genera comunidad. Si sabes articular todo eso, puedes reactivar durante unos días la vida de un pueblo.

    De un mural a una semana de convivencia

    El formato ha cambiado considerablemente durante estos once años. Muro Crítico comenzó realizando un mural por pueblo durante un fin de semana. Actualmente son tres obras por localidad y los artistas trabajan de lunes a viernes. Detrás de ese cambio existe también una reivindicación profesional que Sojo considera importante. Quienes participan son artistas, pero también trabajadores autónomos con horarios, familias y necesidades de conciliación. El proyecto ha intentado incorporar esa realidad a medida que ha madurado. A los tres murales se suma un taller participativo, normalmente al final de la semana. Los vecinos que durante varios días han contemplado cómo una pared se transforma pueden experimentar entonces el proceso desde dentro y realizar conjuntamente su propia intervención.

    —¿Qué aporta esa participación vecinal?

    —Cierra el círculo. Han visto durante toda la semana cómo arrancan los murales y cómo de la nada empiezan a aparecer las obras; han hablado con los artistas y les han preguntado. Al final les ofrecemos la posibilidad de participar ellos mismos en un proceso creativo y de ejecución. Además, tienen que ponerse de acuerdo y trabajar juntos. Personas que quizá habitualmente no se relacionan terminan compartiendo una experiencia. La semana concluye con una visita guiada que dirige el propio Sojo. Allí se contextualiza Muro Crítico, se explica la apuesta cultural de la Diputación de Cáceres y, sobre todo, se cede la palabra a los autores para que expliquen sus obras directamente a quienes van a convivir con ellas.

    Portaje: leer un pueblo antes de pintar su pared

    Uno de los ejemplos más interesantes de esta edición está en Portaje. Frente a nosotros aparece la intervención de Tiago Hesp, una composición abstracta que aparentemente podría haber sido concebida en cualquier otro lugar. Sin embargo, Sojo comienza a desmenuzarla y el mural cambia por completo. Antes de trabajar sobre la pared ha existido una investigación. El artista portugués estudió el origen de Portaje, su nombre y su condición histórica como zona de paso, vinculada a la orografía del territorio. A partir de ahí aparecen referencias al relieve, al cuarzo, a los ríos Tajo y Alagón y a diferentes formas geométricas presentes en el entorno. La letra V se repite de manera sutil en la confluencia de los ríos, en las montañas y en elementos arquitectónicos del municipio.

    —Precisamente una obra abstracta puede resultar más difícil de interpretar para un vecino. ¿Es importante explicar todo ese proceso?

    —Muchísimo. Alguien podría pensar que Tiago ha cogido un cuadro suyo y simplemente lo ha colocado aquí, pero no es así. Está completamente contextualizado. Hay una investigación del pueblo y muchos elementos muy sutiles. Cuando hagamos la visita final, él podrá explicarlo y los vecinos podrán preguntarle directamente. Después serán ellos mismos quienes puedan transmitir esa historia.

    Esta forma de trabajar resume una de las claves de Muro Crítico. Los artistas no llegan con un catálogo de imágenes predeterminadas para reproducirlas en cualquier pared. Existe un estudio previo de cada municipio y un trabajo de comisariado para encontrar la relación adecuada entre creador, espacio y territorio.

    «En el trabajo de comisariado hago un poco de casamentero»

    Las localidades participantes son seleccionadas por la Diputación de Cáceres dentro de su programación cultural, atendiendo también a las solicitudes de los propios municipios. A partir de ahí comienza el trabajo de campo. Sojo visita los pueblos, conversa con los ayuntamientos, explica el proyecto, localiza paredes y estudia posibles temas. Los muros pueden ser públicos o privados; lo importante es que funcionen dentro del conjunto y permitan establecer posteriormente un recorrido coherente por la localidad. Después llega la selección de los artistas.

    —¿Cómo decides que Tiago, Nex, Joseba MP o cualquier otro creador tiene que estar precisamente en un pueblo y en un muro concreto?

    —Con toda la información que he recopilado sobre el pueblo la cruzo con la que tengo de los artistas que están en activo, los temas que trabajan, sus líneas creativas, los colores, las formas o los matices. Siempre digo que el comisario hace un poco de casamentero. Uno al pueblo con un artista que todavía no sabe que quiere a ese artista. El éxito está en conseguir que su lenguaje pictórico y su trabajo terminen precisamente en el muro en el que mejor podían estar. Esa filosofía evita convertir Muro Crítico en una sucesión de encargos decorativos. El artista conserva su lenguaje y su capacidad creativa.

    —Por tanto, no pedís al artista que llegue y pinte aquello que tradicionalmente identifica al pueblo.

    —No. No son murales de encargo. No obligamos a nadie a pintar unas gallinas, un burro o una escena tradicional determinada. Puede aparecer, por supuesto, si forma parte del proceso creativo, pero el artista tiene capacidad para crear y aportar un patrimonio que antes no existía.

    Del grafiti al arte urbano y del arte urbano al «arte rural»

    La propia evolución del proyecto permite observar también cómo ha cambiado la percepción social del muralismo. Sojo procede del grafiti y reivindica esa parte de su historia, pero considera que reducir el arte urbano contemporáneo al grafiti significa ignorar varias décadas de evolución. Hoy conviven artistas procedentes de aquella cultura con otros formados en Bellas Artes que jamás han realizado grafiti. Muchos tienen una trayectoria consolidada, trabajan internacionalmente y participan en circuitos de arte contemporáneo, galerías y ferias.

    —¿Todavía hay que explicar la diferencia?

    —Cada vez menos aquí. En la provincia de Cáceres hemos conseguido que la gente entienda de qué va el arte urbano. Sabe que somos profesionales y que detrás existe un trabajo artístico. Hace un par de años estuvimos en un proyecto en la Sierra de Madrid y todavía escuchabas aquello de «nos van a hacer unos grafitis». Aquí eso prácticamente no pasa. Existe ya una cultura de mural.

    —Has hablado de arte urbano, pero buena parte de Muro Crítico sucede en localidades rurales.

    —Realmente aquí podríamos hablar de arte rural. Una obra no tiene el mismo impacto en una gran ciudad que en un pueblo. La relación con el entorno y con las personas es distinta. En las zonas rurales el arte urbano adquiere sus propios matices y se relaciona de otra manera con la población.

    ¿Por qué Muro Crítico?

    El nombre procede de los propios orígenes del programa. La iniciativa nació vinculada a una línea de Cultura Crítica de la Diputación de Cáceres, donde convivían teatro, danza, poesía y otras disciplinas con la intención de entender la cultura no solamente como entretenimiento, sino también como una herramienta capaz de provocar preguntas y conversación. En las primeras ediciones esa dimensión crítica tenía un peso especialmente fuerte. Los murales abordaban cuestiones como las guerras, la vivienda, la inmigración u otros asuntos sociales. Con los años, el propio proyecto volvió a plantearse qué significaba intervenir en municipios de pocos cientos de habitantes.

    —¿Cambió entonces vuestra manera de entender lo «crítico»?

    —Fuimos viendo que un mural sobre un conflicto internacional podía ser interesante, pero también nos preguntábamos hasta qué punto estaba contextualizado en un pueblo de doscientos habitantes. Quizá allí era necesario reforzar también la calidad artística, la creación y la identidad del propio pueblo. Hemos mantenido esa posibilidad crítica, pero la hemos unido a la creatividad y a la inspiración que proporciona cada localidad. La evolución no ha eliminado, por tanto, el significado original del nombre, sino que ha ampliado su campo de acción. La mirada crítica puede estar en un problema global, pero también en la capacidad de observar de otra manera aquello que una comunidad tiene delante todos los días.

    El pueblo como parte de la obra

    Muro Crítico deja murales, pero durante una semana también altera de manera temporal las relaciones cotidianas del municipio. Los artistas comen allí, trabajan durante horas en la calle, conversan con quienes pasan y terminan conociendo historias que difícilmente aparecerían en una investigación previa. Sojo recuerda lo sucedido unos días antes en Huélaga, otra de las localidades participantes en esta edición, donde han trabajado también Moxaico, Zaida Escobar y Jaikü 187. Al finalizar la semana y después de la visita guiada, algunos vecinos se acercaron para despedirse de los artistas con dos besos y desearles suerte en su siguiente destino. Puede parecer una anécdota menor, pero para el coordinador explica buena parte, del proyecto.

    —Después de once años, ¿qué respuesta encontráis en los pueblos?

    —Por regla general es muy positiva. Llegamos durante una semana, convivimos con ellos y hacemos algo que quizá han visto terminado en otros lugares, pero cuyo proceso nunca habían contemplado. Ven cómo trabajamos, la pasión que tenemos por el arte y cómo intentamos transformar el espacio público. Durante esos días consigues que la gente hable de arte: de lo que ha pintado uno, de lo que transmite otro, de una forma o de un color.

    Pero existe una segunda parte: los artistas se marchan y la obra permanece. La pared que hasta entonces podía pasar inadvertida se incorpora al paisaje del municipio y comienza otra vida para el mural. Lo enseñarán los vecinos, lo descubrirán quienes regresen al pueblo y lo fotografiarán quienes lleguen desde fuera. Para Sojo, esa permanencia permite hablar directamente de patrimonio contemporáneo.

    —¿Una pintura realizada esta semana puede convertirse ya en patrimonio de un pueblo?

    —Claro. Estamos generando de la nada un patrimonio nuevo. Son obras de autor, realizadas por artistas con una trayectoria y una línea de trabajo propia. Algunos de los artistas que han pasado por Muro Crítico están presentes después en ferias como Estampa o ARCO y trabajan internacionalmente. Ese arte contemporáneo queda en los pueblos de la provincia de Cáceres.

    Un modelo que ha salido de Extremadura

    Once ediciones han permitido también que la experiencia desarrollada en Cáceres sea observada desde otros territorios. El equipo de Muro Crítico ha sido requerido para desarrollar proyectos fuera de Extremadura, entre ellos una intervención de 43 murales en la Sierra Norte de Madrid, gestionada por el propio equipo.

    Sojo considera que el proyecto se ha convertido en referencia no solamente por la calidad de las obras, sino por su metodología: investigación previa, relación con los municipios, selección de artistas, contextualización de las intervenciones, convivencia y participación ciudadana. Un modelo que, como sucede con frecuencia cuando una idea funciona, también ha encontrado imitaciones y propuestas muy próximas en otros lugares.

    —¿Después de once años se puede decir que Muro Crítico ha creado una manera propia de hacer las cosas?

    —Creo que sí. Somos referentes a nivel nacional en cómo una administración puede desarrollar un proyecto de este tipo y también dentro del propio ámbito artístico, especialmente por nuestra forma de trabajar en el entorno rural. Pero eso no depende solamente de una estructura. Depende muchísimo del equipo humano.

    —Defiendes mucho al equipo cuando hablas de Muro Crítico.

    —Porque somos una familia y, además, somos artistas. No somos gestores culturales ajenos al arte urbano que hayan decidido organizar un festival. Somos artistas que hemos dado el paso de gestionar este proyecto porque queríamos hacerlo de la mejor manera posible. Entendemos cómo funciona esto, cuidamos a quienes vienen y sabemos qué necesitan. Ese cuidado se extiende también a la experiencia que se ofrece a quienes llegan desde otros lugares. Participar en Muro Crítico no significa aterrizar, pintar una pared y marcharse. El equipo intenta que los artistas conozcan Extremadura, sus pueblos, su gastronomía y su forma de vida.

    «No vienen solamente a pintar un mural; vienen a descubrir Extremadura y a formar parte de la familia de Muro Crítico»

    Sojo, del grafiti a una trayectoria internacional

    La historia de Muro Crítico también discurre paralela a la evolución profesional de su coordinador. Sojo comenzó a pintar en 1993 y dio el salto definitivo hacia la profesionalización alrededor de 2015. Desde entonces ha consolidado un lenguaje personal estrechamente relacionado con la identidad, el folclore, la cultura popular, la música y la figura femenina. Su interés por las tradiciones no parte de una lectura puramente costumbrista. Le atrae aquello que sucede cuando una persona se viste para participar en una celebración y, durante unas horas, pasa a formar parte de algo colectivo y transmitido entre generaciones. Las indumentarias, las máscaras y los rituales populares se convierten así en material para una obra contemporánea.

    —¿En qué momento profesional te encuentras ahora?

    —Estoy muy contento con cómo ha evolucionado todo. He ido creciendo como artista y consolidando mi trabajo, y eso ha hecho que me llamen para proyectos cada vez más importantes. Al mismo tiempo apareció Muro Crítico y terminé desarrollando también esta faceta como comisario. El balance es muy positivo.

    Su trabajo le ha llevado fuera de Extremadura y de España. Recuerda especialmente un mural realizado en el entorno de París, de alrededor de 47 metros de altura, donde trabajó alrededor de la música y la mujer en un área marcada por una fuerte diversidad cultural. También tiene previsto viajar a Italia, a la zona de Sorrento, para desarrollar una intervención vinculada con la indumentaria tradicional. El vínculo entre creación contemporánea e identidad que Muro Crítico persigue en los pueblos cacereños aparece así también en su propia trayectoria.

    Once años después, los muros siguen hablando

    Muro Crítico comenzó en 2016 buscando un espacio para el arte urbano dentro de la programación cultural de la Diputación de Cáceres. Once ediciones después, el proyecto ha construido algo bastante más amplio que una colección de murales. Ha generado un mapa artístico disperso por la provincia, ha llevado obra contemporánea hasta municipios alejados de los grandes circuitos culturales, ha creado relaciones entre artistas de diferentes procedencias y ha permitido que los habitantes participen en procesos creativos que normalmente contemplarían desde fuera.

    Portaje es ahora una parada más de ese recorrido. Tiago Hesp, Nex y Joseba MP terminarán sus obras, recogerán materiales y continuarán sus respectivos caminos. Como sucedió días antes en Huélaga y como ha sucedido durante once años en numerosos puntos de la provincia, ellos se marcharán y los murales permanecerán. Pero quedará también algo menos visible: las conversaciones alrededor de las paredes, las preguntas de los vecinos, el taller compartido, la explicación final de los artistas y la posibilidad de mirar de otra manera un espacio por el que se había pasado cientos de veces. Quizá ahí se encuentre una de las claves que explican la continuidad de Muro Crítico. El proyecto ha conseguido trasladar el arte contemporáneo fuera de sus espacios habituales sin convertir el territorio rural en un simple soporte. El pueblo no es el lugar donde se coloca la obra: forma parte de ella.

    Willy López / Félix Méndez

  • Carmen de Matos «Remendando la memoria con el arte»

    Carmen de Matos «Remendando la memoria con el arte»

    La artista extremeña convierte azulejos, sombras, fotografías y remiendos en un particular archivo de la memoria. Desde Badajoz, y con una formación que cruza arte, antropología, documentación y comunicación audiovisual, Carmen de Matos pertenece a una generación que ya no entiende la periferia como una condena geográfica. Su obra mira hacia atrás, pero no para quedarse allí: busca entre las casas, los objetos, la dehesa y las huellas de quienes las habitaron aquello que todavía merece ser contado.

    Carmen de Matos pertenece a una generación que puede descubrir una exposición en Instagram, guardar una referencia en el móvil, seguir lo que está haciendo un artista al otro lado del mundo y, cinco minutos después, levantar la vista de la pantalla porque un azulejo medio roto en una fachada de Badajoz le acaba de dar una idea. Su trabajo se mueve precisamente en ese cruce extraño entre lo que fuimos y la velocidad con la que vivimos ahora. Entre el archivo y el scroll, entre la casa de nuestros abuelos y la imagen que guardamos en una carpeta del teléfono, entre aquello que tocamos y todo lo que ya conocemos a través de una pantalla.

    Tiene 27 años, trabaja desde Badajoz y no parece demasiado preocupada por aquello de tener que estar obligatoriamente en Madrid, Barcelona o Berlín para que pasen cosas. Las redes han cambiado el mapa, aunque no hayan solucionado todos los problemas. Carmen puede enseñar su trabajo desde Extremadura, conocer lo que hacen otros artistas, moverse, viajar, pasar y exponer en ARCO, buscar residencias y convocatorias y después regresar a un estudio que, como ella misma reconoce, difícilmente podría permitirse en una gran capital. Pero lo curioso es que, en mitad de todo ese ecosistema digital, su obra mira hacia cosas tremendamente físicas. Azulejos. Cerámica. Paredes. Casas. Fotografías antiguas. Sombras. Grietas. Remiendos. Objetos que alguien decidió no tirar. Ahí aparece una contradicción interesante: cuanto más rápido consumimos imágenes, más parece interesarle aquello que permanece. En la exposición que presenta en la sala de Diputación de Badajoz, “Poética de lo sensible”, esa reflexión está patente.

    Carmen fotografía, documenta, archiva, pinta, investiga y vuelve a colocar esas pequeñas huellas delante de nosotros. No para hacer un ejercicio vintage ni para convertir la nostalgia en un filtro bonito, sino para lanzar una pregunta bastante más actual: en una época en la que guardamos absolutamente todo, ¿qué estamos dejando desaparecer? Y para encontrar la respuesta ni siquiera necesita abrir Instagram. Muchas veces le basta con guardar el móvil, salir del estudio y ponerse a caminar.

    «El azulejo me permite hablar de la vivencia y de la identidad dentro de las casas»

    Lo primero que sorprende al entrar en la exposición es que todo parece estar muy medido: el espacio, las piezas, los materiales, incluso la relación física que estableces entre la obra y quien la observa. Pero detrás de esa primera impresión estética hay un trabajo de investigación bastante profundo. ¿Qué encontramos realmente aquí?

    Lo que he querido presentar es un trabajo realizado a partir del azulejo. Utilizo una metodología que podría considerarse, en cierto modo, antropológica. Después de estudiar Arte decidí introducirme también en la antropología porque necesitaba aportar una dimensión mucho más conceptual a mi obra. En este proyecto he realizado una especie de trabajo de campo. Comencé visitando diferentes lugares de Extremadura y posteriormente fui ampliando la investigación hacia otros territorios, como Navarra, e incluso hacia lugares fuera de España. Me interesaba observar dónde aparecía el azulejo, cómo se utilizaba y qué relación mantenía con los espacios que habitamos. Lo tomo como un objeto que me permite hablar, de una manera quizá más poética, sobre la vivencia y sobre la identidad dentro de las casas. Me interesa esa dimensión íntima de los espacios que habitamos, pero también su relación con el patrimonio. Muchos de los azulejos que he fotografiado estaban en fachadas de viviendas, algunos incluso en casas que actualmente se encuentran en ruinas. En cada cuadro aparece también esa fotografía original porque para mí es importante conservar la procedencia, el lugar del que nace la pieza.

    «Me interesa aquello que heredamos y también aquello que dejamos desaparecer»

    Hay países, Portugal es seguramente uno de los ejemplos más cercanos, donde el azulejo ocupa un lugar muy reconocible dentro de la identidad visual y patrimonial. Aquí también convivimos con una tradición enorme, desde las herencias árabes hasta esos azulejos domésticos que todavía sobreviven en muchas casas. Sin embargo, muchas veces pasamos delante de ellos sin mirarlos. Tú haces justamente lo contrario: los rescatas.

    Sí. En mi trabajo intento reflexionar sobre aquello que heredamos y sobre aquello que desaparece. Sobre las cosas que decidimos conservar y aquellas otras que, sin embargo, vamos dejando en el olvido, como si fueran un resquicio al que ya no prestamos atención. Por eso también aparece mucho el vacío. Me interesa representar a las personas que quizá ya no están o determinadas acciones que han desaparecido, pero hacerlo indirectamente. Por ejemplo, mediante la sombra. La sombra es el cuerpo, pero al mismo tiempo no existe una representación física de ese cuerpo. Sabemos que alguien está o estuvo allí porque existe esa proyección. Me interesa mucho trabajar con esa ausencia. Quizá mi obra tenga bastante de añoranza y de nostalgia.

    Remendar para que algo continúe viviendo

    Dentro de ese planteamiento aparece un concepto especialmente bonito: el remiendo. Algo tan sencillo y tan antiguo como arreglar aquello que se ha roto para poder seguir utilizándolo. Pero tú llevas esa idea bastante más lejos y terminas relacionándola con la propia supervivencia de la cultura…

    …Sí, los remiendos aparecen en las piezas de cerámica precisamente por eso. Cuando tienes algo roto, lo arreglas para poder continuar utilizándolo. Y yo intento extrapolar esa idea hacia la cultura. Si observamos cómo funciona la cultura, veremos que continuamente se está adaptando a los cambios. Se transforma, incorpora elementos nuevos, modifica otros, conserva determinadas cosas y abandona algunas por el camino. Al final, una cultura que no consigue adaptarse corre el riesgo de morir y desaparecer. El remiendo tiene esa idea de reparación, pero también de continuidad. No necesariamente tenemos que devolver algo a su estado original. A veces reparar significa aceptar la transformación para conseguir que aquello continúe viviendo.

    Del archivo a la imagen

    En tu trabajo conviven lenguajes que aparentemente podrían estar separados: pintura, fotografía, vídeo, documentación, antropología… Sin embargo, cuando uno conoce tu formación empieza a entender mejor de dónde procede esa mezcla. Has estudiado Documentación y Comunicación Audiovisual y posteriormente has incorporado otras disciplinas. ¿Hasta qué punto todo lo que has estudiado acaba filtrándose, consciente o inconscientemente, en tu manera de crear?

    Creo que inevitablemente aquello que he estudiado termina apareciendo en lo que hago. La Documentación ha provocado que tenga muy presente el archivo. Me interesan muchísimo las fotografías antiguas, los documentos y todo aquello que funciona como registro de algo que existió. Hay una especie de añoranza dentro de los archivos que me interesa especialmente. Por otra parte, está la Comunicación Audiovisual, que hace que intente trasladar muchas cosas hacia la imagen y hacia lo audiovisual. También me gusta mucho trabajar con el trampantojo, generar esa sensación de que existe un espacio que realmente no está ahí. En algunos de estos cuadros, por ejemplo, intento que funcionen como una especie de pared y que aparezca la sombra de una persona proyectada sobre ella. Me interesa generar esa dimensión, construir un espacio y provocar que quien está delante tenga la sensación de que existe algo más allá de la propia pieza.

    Crear lo que todavía no existe

    ¿Cuándo aparece esa necesidad de dedicarte al arte? Porque una cosa es dibujar, pintar o interesarse por la fotografía cuando eres pequeña y otra bastante distinta decidir qué quieres convertir todo aquello en tu vida profesional.

    Desde pequeña siempre me ha gustado muchísimo todo lo relacionado con el arte. El teatro, la fotografía, el vídeo, las animaciones… Siempre estaba pintando o intentando hacer mis propias cosas. Creo que había algo que ya estaba entonces y que todavía permanece en mi forma de trabajar: me gustaba crear aquello que quería que existiera y que, sin embargo, no existía. Si quería algo y no lo encontraba, intentaba hacerlo yo. También podría decirse que lo he vivido bastante dentro de mi familia. Siempre me apoyaron mucho. Recuerdo especialmente a mi hermana, que se sentaba conmigo a recortar muñecas y aquello formaba parte de nuestros juegos. Cuando tienes una inquietud desde pequeña y, además, existe un entorno que te acompaña y te permite desarrollarla, llega un momento en el que empiezas a tomártelo de una manera mucho más seria.

    Badajoz no tiene por qué ser una frontera

    Eres de Badajoz y has decidido mantener aquí tu base de trabajo. Durante mucho tiempo existió casi como una obligación no escrita para cualquier artista joven: había que marcharse a Madrid, Barcelona o alguna gran capital europea para poder desarrollar una carrera. ¿Continúa siendo así o vuestra generación está rompiendo también con esa especie de peaje geográfico?

    Badajoz evidentemente no es una ciudad como Madrid o Barcelona y allí puede haber muchas más oportunidades. Eso es una realidad. Pero también es cierto que en Badajoz existe muchísima gente que vale y hay entornos e instituciones que apoyan y generan oportunidades. La Diputación, por ejemplo, desarrolla iniciativas que permiten que puedan surgir proyectos. Y después están las redes sociales. A mí me ha tocado vivir en una época en la que puedes enseñar tu trabajo digitalmente y eso hace que quizá ya no exista de la misma manera esa necesidad absoluta de trasladarte a una gran ciudad para conseguir que alguien pueda conocer lo que haces. Además, existe otra cuestión muy práctica. El estudio que puedo tener en Badajoz probablemente no podría permitírmelo en Madrid. Tendría que compartirlo y, aun así, posiblemente me costaría muchísimo dinero. Por eso intento aprovechar las posibilidades que tengo aquí y, al mismo tiempo, moverme fuera. Es verdad que puede haber menos oportunidades que en otros lugares, pero tampoco siento que vivir en Badajoz sea necesariamente un lastre.

    «Estoy en ese momento de buscar todas las oportunidades posibles»

    Eres muy joven, pero ya has comenzado a moverte por circuitos importantes, has pasado por ARCO y estás construyendo una trayectoria que empieza a tener recorrido. ¿En qué momento sientes que te encuentras como artista?

    Creo que estoy claramente en un momento de artista emergente. Para mí esa etapa puede abarcar perfectamente los primeros diez o quince años de una trayectoria. Es un periodo en el que empiezas a conseguir una obra más madura, vas procesando todo lo que has hecho anteriormente y, al mismo tiempo, intentas aprovechar todas las oportunidades posibles. Ahora mismo estoy precisamente ahí. Busco residencias artísticas, convocatorias que me permitan trabajar fuera, proyectos que puedan ayudarme a desarrollar nuevas obras y, sobre todo, oportunidades para aprender de personas que tienen una trayectoria mucho mayor que la mía. Imagino que dentro de veinte años seguiré buscando oportunidades, pero seguramente serán diferentes y tendrán otras dimensiones dependiendo también del recorrido y del reconocimiento que hayas conseguido. Ahora quiero moverme, conocer, aprender y aprovechar todo aquello que pueda hacer crecer mi trabajo.

    Las ideas están en la calle

    Después está el lugar físico de la creación. Uno imagina al artista encerrado en el estudio, pero en tu caso parece que existe un paso previo bastante menos solemne: caminar. ¿Dónde eres realmente más productiva?

    Mi estudio es fundamental, claro, pero curiosamente creo que donde más ideas aparecen es caminando por la calle. Cuando estoy andando me surgen muchísimas cosas. Después regreso al estudio y allí desarrollo y ejecuto esas ideas. Por eso tampoco sabría decir exactamente dónde soy más productiva. Una cosa es el momento en el que aparece una idea y otra cuando consigues convertirla en una obra. Necesito las dos partes.

    De Doris Salcedo a los artistas extremeños

    Internet también ha cambiado completamente nuestra relación con otros creadores. Antes era muchísimo más complicado saber qué estaba haciendo un artista joven en otro país o incluso en otra ciudad. Hoy prácticamente convivís visualmente. ¿Dónde mira Carmen de Matos cuando necesita alimentarse de otros lenguajes?

    Tengo muchísimas referencias y además son bastante diferentes entre sí. Me interesa, por ejemplo, Anish Kapoor por el tipo de instalaciones que realiza y por cómo utiliza los espacios. También Doris Salcedo, que trabaja muchísimo alrededor de la memoria y tiene una obra en el Museo Helga de Alvear que me interesa especialmente. En ARCO conocí hace poco el trabajo de Íñigo Navarro, que también me gusta mucho desde un lenguaje más figurativo. Y después están todos los artistas que sigo a través de Instagram y, por supuesto, compañeros de Extremadura cuyo trabajo admiro. Al final ves muchísimas cosas y todo eso va quedándose en algún lugar. Pero las ideas no necesariamente proceden siempre de otros artistas.

    «Para mí leer es fundamental»

    Eso es interesante porque viendo tu obra podría parecer que todas las referencias proceden de las artes visuales, cuando en realidad existe detrás una carga importante de pensamiento, sociología, antropología y psicología.

    Sí. Para mí leer es súper importante. Muchísimas ideas vienen de los libros. Leo mucho a Byung-Chul Han, por ejemplo. Me interesa muchísimo. Intento incorporar cuestiones relacionadas con la sociología, la antropología o la psicología porque forman parte de los temas sobre los que quiero reflexionar. Supongo que al final vas acumulando artistas, libros, imágenes, conversaciones, experiencias… y se produce una especie de sinergia. Muchas veces ni siquiera eres consciente de dónde procede exactamente una idea porque todo eso ya forma parte de ti.

    Ser mujer y artista: barreras que a veces ni siquiera se ven

    Existe además una cuestión generacional, pero también otra inevitable: eres una mujer joven intentando construir una trayectoria dentro del arte. ¿Continúan existiendo barreras específicas para una artista o sientes que vuestra generación comienza a encontrarse un escenario algo más equilibrado?

    Como estoy todavía dentro de ese periodo de artista emergente, muchas veces tengo la sensación de que existen dificultades por todas partes. Personalmente todavía no he sido capaz de identificar grandes barreras específicamente relacionadas con el hecho de ser mujer, aunque eso tampoco significa que no existan. Puede haber algunas que esté sufriendo y ni siquiera sea consciente de ellas. Cuando hablas con otras compañeras sí aparecen determinadas cuestiones. Una de las más recurrentes es, por ejemplo, la maternidad. Ahora mismo es algo que no me afecta personalmente, pero escuchas a artistas hablar de las dificultades que supone compatibilizar determinadas etapas de una carrera con tener hijos. Quizá dentro de unos años sea una realidad que también me afecte a mí. Creo que todavía queda trabajo por hacer, aunque evidentemente han cambiado muchas cosas y actualmente encontramos mujeres dirigiendo espacios culturales y ocupando posiciones que anteriormente eran mucho más difíciles de alcanzar. También existen asociaciones y proyectos de mujeres que están realizando un trabajo muy importante, como Mujeres Mirando Mujeres o Mujeres en las Artes Visuales. Hay que seguir avanzando.

    Una generación que se reconoce

    Y cuando miramos hacia Extremadura, ¿existe realmente una generación de artistas conectados entre vosotros o continúa pesando esa sensación de que cada uno trabaja aislado en su estudio?

    Yo sí intento mantener esa relación. Sigo el trabajo de otros artistas, tengo amistad con algunos compañeros, quedamos, hablamos, a veces pintamos juntos o voy a talleres de otros artistas. Por ejemplo, mantengo relación con Adrián Rolo, con Ramón de Arcos y con otros compañeros cuyo trabajo sigo y admiro. A mí me gusta conocer lo que está haciendo la gente de aquí. Creo que es importante que exista esa relación y que poco a poco vayamos conociéndonos más.

    Lo que queda

    Carmen de Matos pinta en el campo, transfiere el paisaje a papel, imita el color, y superpone el fondo con la obra, solapándose como un negativo, Carmen proyecta imágenes en rincones, huecos abandonados, en paredes que antes estuvieron habitadas para volver a darles luz, de Matos está en el timeline, en el mismo instante  que tú lees esta entrevista, y la artista extremeña pone su trampantojo a las paredes de la Facultad donde se ha formado, pone rostro a modo de homenaje a Robe Iniesta,  y ojo, le está poniendo desde sus infinitos ojos claros, boceto a ese resquicio emocional y atávico que tu vida pueda dejar de soslayo, nuestro esbozo de la memoria. Lo que queda.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Cáceres 2031 «Una candidatura que suma instituciones, territorios y cultura para mirar a Europa»

    Cáceres 2031 «Una candidatura que suma instituciones, territorios y cultura para mirar a Europa»

    La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 supera las 150 adhesiones y consolida una amplia red de apoyos que tiene como base institucional el Consorcio Cáceres 2031, integrado por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura y las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz. Con la Universidad extremeña, museos, festivales, asociaciones profesionales, municipios y entidades internacionales se incorporan a un proyecto que continúa creciendo con nuevas adhesiones como las de la UNED, AUPEX, la Orquesta de Extremadura, la Banda Municipal de Música de Cáceres y AGCEX. Una propuesta que encuentra en Transcultura su principal argumento para conectar el territorio extremeño con Europa.

    La candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 continúa ampliando su red de colaboraciones con instituciones, entidades culturales, universidades, asociaciones y profesionales que desarrollan su actividad dentro y fuera de Extremadura. Lo que comenzó como una aspiración de la ciudad se está articulando como un proyecto colectivo en el que participan administraciones públicas, organizaciones sociales, agentes culturales y representantes de distintos sectores de la sociedad.

    Con el respaldo institucional de la Junta de Extremadura, las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz, y con el Ayuntamiento de Cáceres como eje vertebrador de gestión y recepción de actividades y acciones, aúna esfuerzos para formar parte del Consorcio Cáceres 2031. Su participación refuerza la dimensión regional de una candidatura que aspira a representar al conjunto de Extremadura. También figuran entre sus apoyos la Asamblea de Extremadura, numerosos ayuntamientos, la Universidad de Extremadura y otras instituciones públicas que contribuyen a ampliar el alcance del proyecto.

    Las últimas incorporaciones dibujan un mapa diverso. Desde una universidad que trabaja para acercar la formación a quienes encuentran dificultades geográficas o sociales hasta una banda de música con 138 años de historia; desde los profesionales que gestionan buena parte de la actividad cultural extremeña hasta una orquesta sinfónica que quiere incorporar sus proyectos educativos y juveniles a la candidatura. A ellas se suma una extensa red de universidades populares que lleva décadas desarrollando programas culturales y educativos en los municipios extremeños. El denominador común se encuentra en Transcultura, el concepto que articula la candidatura y que toma como referencia la tradición de la trashumancia para plantear nuevas formas de circulación de conocimientos, experiencias y expresiones artísticas. Una propuesta que busca conectar territorios, generaciones y disciplinas, y que sitúa la participación de la sociedad en el centro de su desarrollo.

    El Consorcio Cáceres 2031, motor de una candidatura regional

    El respaldo institucional de la candidatura se articula a través del Consorcio Cáceres 2031, constituido por el Ayuntamiento de Cáceres, la Junta de Extremadura, la Diputación Provincial de Cáceres y la Diputación Provincial de Badajoz. Las cuatro administraciones forman parte de la estructura que impulsa el proyecto, proporcionando una base de cooperación institucional que refuerza su dimensión regional y su capacidad para involucrar al conjunto de Extremadura.

    En este marco, el Ayuntamiento de Cáceres desempeña una labor motriz en la coordinación y desarrollo de la candidatura, bajo la presidencia del alcalde, Rafa Mateos, y con la participación del equipo municipal de Cultura y la coordinación general de Iris Jugo. Una implicación que se extiende a la búsqueda de colaboraciones, la incorporación de nuevos agentes culturales y el diálogo con otras instituciones y territorios. La candidatura cuenta también con el respaldo de la Asamblea de Extremadura, la Federación de Municipios y Provincias de Extremadura (FEMPEX) y numerosos ayuntamientos de ambas provincias, consolidando esa aspiración expresada por el propio alcalde de construir un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura». La relación de apoyos municipales incluye ciudades como Badajoz, Mérida, Plasencia, Don Benito, Villanueva de la Serena y Navalmoral de la Mata, junto a localidades como Alcántara, Alburquerque, Arroyo de la Luz, Jaraíz de la Vera, Montehermoso, Navaconcejo, Malpartida de Cáceres, Puebla de la Calzada o Talayuela, entre muchas otras.

    Esta diversidad territorial permite que la candidatura establezca vínculos con realidades culturales diferentes, desde los grandes equipamientos y festivales urbanos hasta las iniciativas desarrolladas en municipios pequeños, donde las asociaciones, bibliotecas, universidades populares y colectivos locales desempeñan una función esencial. La coordinación general de Cáceres 2031, encabezada por Iris Jugo, trabaja en esa construcción compartida, buscando que las adhesiones puedan traducirse en relaciones estables y proyectos concretos. La candidatura plantea así un proceso de participación que pretende incorporar tanto a las instituciones como a quienes desarrollan diariamente la actividad cultural en Extremadura.

    La UNED: educación, conocimiento y acceso a la cultura

    La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) en Extremadura es una de las incorporaciones más recientes a la candidatura. Su adhesión se formalizó el 21 de octubre en un encuentro entre el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Cáceres, Jorge Suárez, y Gloria Lomo, directora del centro de la UNED en Plasencia, que acudió en representación de la institución universitaria. La incorporación de la UNED refuerza la dimensión educativa de Cáceres 2031 y conecta la candidatura con una institución cuya actividad está estrechamente relacionada con la eliminación de barreras para acceder a la formación y al conocimiento. Una experiencia especialmente significativa en una comunidad como Extremadura, donde la dispersión geográfica y las características del territorio condicionan las oportunidades de acceso a determinados servicios culturales y educativos.

    Gloria Lomo destacó precisamente esa coincidencia de objetivos entre la universidad y Cáceres 2031. Ambas instituciones comparten, según explicó, la voluntad de superar las barreras geográficas, sociales y laborales que dificultan el acceso a la educación y la cultura. También valoró la originalidad de Transcultura, por su capacidad para conectar una tradición histórica como la trashumancia con las nuevas formas de creación y transformación social. La representante de la UNED insistió en que la adhesión no debe limitarse a un respaldo formal, sino que existe una voluntad de participar activamente en el desarrollo de la candidatura. Lomo expresó además su confianza en las posibilidades de Cáceres para alcanzar la capitalidad europea, al considerar que dispone del «talento, la categoría y la creatividad suficiente» para convertirse en un espacio de referencia para las nuevas vanguardias culturales. Por su parte, Jorge Suárez agradeció el compromiso de una institución con la que el Ayuntamiento mantiene una estrecha colaboración y destacó su contribución a la formación y al desarrollo del talento.

    La Banda Municipal de Música de Cáceres: 138 años de cultura compartida

    La historia musical de Cáceres también tendrá presencia en el proyecto de 2031. La Asociación Banda Municipal de Música de Cáceres ha formalizado su adhesión a la candidatura, incorporando una trayectoria de 138 años estrechamente vinculada a la vida cultural y social de la ciudad. El acuerdo fue suscrito en un encuentro en el que participaron el concejal de Cultura, Jorge Suárez; el presidente de la asociación, Jorge Sánchez, y su director, Javier Cortés.

    La Banda Municipal, distinguida con la Medalla de la Ciudad de Cáceres, representa una de las expresiones más reconocibles de la cultura cercana a la ciudadanía. Su historia está relacionada con la presencia de la música en los espacios públicos, la formación de diferentes generaciones de músicos y la participación en numerosos acontecimientos que forman parte de la memoria colectiva de la ciudad. Su incorporación a Cáceres 2031 permite conectar esa larga trayectoria con las aspiraciones de una candidatura que pretende proyectar la actividad cultural cacereña hacia Europa sin perder su relación con los barrios, las asociaciones y los públicos que han contribuido a mantenerla durante décadas.

    Jorge Suárez destacó que esta adhesión constituye una nueva muestra de la implicación del tejido cultural local en Transcultura, una propuesta que, según señaló, se está trasladando a los barrios y al conjunto de la sociedad. Javier Cortés, director de la Banda Municipal, recordó el trabajo desarrollado durante más de un siglo para acercar la música a la ciudadanía y contribuir a la formación musical. «Estamos muy orgullosos y contentos de formar parte de esta candidatura y de contribuir a que Cáceres sea una ciudad referente en toda Europa», afirmó.

    AGCEX: la experiencia de quienes trabajan detrás de la cultura

    La Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) se ha sumado también a Cáceres 2031. Su adhesión, formalizada el 5 de octubre, incorpora a la candidatura una organización que desde 1994 trabaja por el reconocimiento profesional de la gestión cultural y por el desarrollo de iniciativas relacionadas con la formación, la cooperación y la actividad artística en Extremadura.

    Victoria Paniagua y Ana Aznar, en representación de AGCEX, firmaron el manifiesto de adhesión junto a Iris Jugo, coordinadora general de Cáceres 2031. La incorporación de AGCEX llega acompañada de una línea de trabajo compartida. Ambas entidades ya están estudiando posibles proyectos vinculados a la candidatura, lo que abre la puerta a trasladar la experiencia de los profesionales de la gestión cultural al diseño y desarrollo de nuevas iniciativas. La asociación reúne a profesionales que trabajan tanto en el ámbito público como en el privado, y cuya actividad resulta fundamental para la organización de festivales, exposiciones, programas culturales, actividades educativas y proyectos de creación contemporánea. Su participación puede contribuir a fortalecer la estructura profesional de la candidatura, favorecer la colaboración entre diferentes agentes y conectar Cáceres 2031 con iniciativas que ya se desarrollan en numerosos municipios extremeños.

    La Orquesta de Extremadura: música sinfónica y nuevas generaciones

    Entre los respaldos institucionales más destacados figura el de la Orquesta de Extremadura, cuyo Patronato ha aprobado por unanimidad su apoyo a la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031. El compromiso fue ratificado el 15 de septiembre durante un encuentro entre el alcalde de Cáceres y presidente del Consorcio Cáceres 2031, Rafa Mateos, y la directora gerente de la Fundación Orquesta de Extremadura, Hae Won Oh. La reunión permitió avanzar en posibles fórmulas de colaboración, especialmente relacionadas con la música y con las iniciativas educativas dirigidas a niños y jóvenes. La Fundación ha expresado su voluntad de participar activamente en el desarrollo del proyecto, incorporando tanto la actividad de la Orquesta de Extremadura como sus programas formativos.

    «Queremos participar y apoyar esta candidatura desde la Orquesta de Extremadura y también a través de nuestros proyectos educativos y de la Orquesta Joven», explicó Hae Won Oh. La participación de la Orquesta introduce una dimensión especialmente interesante para Cáceres 2031: la posibilidad de relacionar la programación musical con la formación de nuevos públicos, la educación artística y la implicación de jóvenes intérpretes. Rafa Mateos agradeció el respaldo de una de las principales instituciones musicales de la comunidad y destacó su importancia dentro de un proyecto que pretende representar al conjunto de Extremadura.

    AUPEX: la cultura y la participación desde los municipios

    La Asociación de Universidades Populares de Extremadura (AUPEX) también ha formalizado su adhesión a Cáceres 2031, incorporando al proyecto una de las mayores redes de participación y dinamización sociocultural de la comunidad. La entidad agrupa a 222 universidades populares, 84 en la provincia de Cáceres y 138 en la de Badajoz, que desarrollan programas educativos, culturales y sociales en numerosos municipios extremeños.

    Su incorporación refuerza la voluntad de extender la candidatura al conjunto del territorio, especialmente al ámbito rural, y facilitar el acceso a la cultura a través de la formación, la inclusión social y la participación ciudadana. Las universidades populares constituyen espacios de aprendizaje y encuentro que contribuyen a dinamizar la vida cultural de las localidades y a generar oportunidades para personas de diferentes edades. El alcalde de Cáceres, Rafa Mateos, destacó que se trata de un proyecto «que nace en Cáceres para toda Extremadura» y valoró especialmente el trabajo de AUPEX para acercar la cultura al mundo rural. Por su parte, el presidente de la asociación, Miguel Sansón, reivindicó la cultura como «un motor de participación ciudadana» y trasladó el respaldo de la entidad a la candidatura. La adhesión de AUPEX amplía la capacidad de conexión territorial de Cáceres 2031 y suma una red de centros que mantiene un contacto directo con la ciudadanía, especialmente en aquellos municipios donde las universidades populares desempeñan un papel fundamental en la programación cultural y educativa.

    Museos, festivales y entidades culturales: el tejido creativo de Extremadura

    La candidatura cuenta también con el respaldo de numerosas instituciones y proyectos que forman parte de la actividad cultural extremeña. Entre ellos figuran el Museo Helga de Alvear, el Museo Vostell Malpartida, la Fundación Mercedes Calles Carlos Ballestero, la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste, la Fundación Atrio y la Fundación Tatiana, junto a otras entidades que desarrollan programas vinculados al patrimonio, las artes y la creación contemporánea. A esta red se incorporan festivales y acontecimientos culturales como WOMAD Internacional, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, el Festival de Teatro Clásico de Alcántara, Stone & Music Festival, Extremúsika, Horteralia, Alcazaba Festival y el Festival Internacional de Títeres, Marionetas y Narración Oral Al*Títere.

    La diversidad de estas adhesiones permite reunir experiencias relacionadas con la música, el teatro, la danza, el arte contemporáneo, el patrimonio y la producción cultural. También participan entidades como la Asociación de Profesionales de la Danza de Extremadura, el Coro de Cámara de Extremadcales.

    Junto a ellas aparecen organizaciones profesionales, colegios oficiales, entidades sociales, medios de comunicación y representantes del sector empresarial, desde la Cámara de Comercio de Cáceres hasta instituciones financieras, organizaciones turísticas y colectivos que desarrollan su actividad en el territorio. La presencia de estas entidades amplía el perfil de Cáceres 2031 y permite que la candidatura establezca relaciones con sectores que participan de diferentes maneras en la vida cultural y social de Extremadura.

    Évora 2027 y una red internacional que cruza fronteras

    La dimensión europea de Cáceres 2031 encuentra uno de sus principales espacios de colaboración en Portugal y, particularmente, en Évora, ciudad que ostentará el título de Capital Europea de la Cultura en 2027. Los encuentros entre ambas ciudades han permitido continuar estrechando relaciones y avanzar en propuestas culturales compartidas, aprovechando la proximidad territorial, los vínculos históricos y las conexiones culturales que existen entre Extremadura y el Alentejo. Évora afronta su capitalidad europea bajo el concepto de Vagar, una propuesta que reivindica otras formas de relacionarse con el tiempo, el territorio y la vida cultural. Cáceres, por su parte, desarrolla su candidatura desde Transcultura, tomando como referencia los movimientos, los intercambios y la capacidad de conectar comunidades.

    La relación con Évora forma parte de una red internacional de adhesiones que incluye ciudades portuguesas como Castelo Branco y Portalegre, y francesas como Angers y La Roche-sur-Yon, además de representantes de otras localidades y organizaciones europeas. En el ámbito universitario, la candidatura ha recibido el respaldo de instituciones como las universidades de Angers, Breslavia, Évora, Gävle, Parma y Magdeburgo, así como la Universidad de Delaware, en Estados Unidos, y la Universidad Tecnológica Atlántica de Irlanda. También figuran entre los apoyos entidades vinculadas a las artes escénicas y la creación contemporánea, como Dance Sweden, Polish Dance Theatre, Derida Dance Center de Bulgaria y 420 People de la República Checa, junto a organizaciones relacionadas con el patrimonio y la investigación cultural de diferentes países. Estas adhesiones amplían las posibilidades de intercambio artístico, académico y profesional, y sitúan a Cáceres en contacto con instituciones y proyectos que desarrollan su actividad en distintos contextos europeos e internacionales.

    Overdose Cultura y Territorio

  • Periferias 2026 «El cine vuelve a unir dos países desde el corazón de La Raya»

    Periferias 2026 «El cine vuelve a unir dos países desde el corazón de La Raya»

    El Festival Internacional de Cine(ma) de Marvão e/y Valencia de Alcántara celebra su XIV edición con más de 30 películas de una decena de países, nuevas sedes, encuentros profesionales y una firme apuesta por el patrimonio y la cooperación cultural transfronteriza

    Del 7 al 15 de agosto, la frontera entre España y Portugal volverá a desaparecer simbólicamente bajo la luz de un proyector. El Festival Internacional de Cine(ma) de Marvão e/y Valencia de Alcántara Periferias celebra su XIV edición consolidado como uno de los proyectos culturales más singulares de la Península Ibérica, donde el cine se convierte en un vehículo para conectar territorios, dinamizar el medio rural y poner en valor el patrimonio histórico y natural de La Raya. Desde su nacimiento en 2013, Periferias ha construido una identidad propia basada en un concepto poco habitual dentro del panorama de los festivales cinematográficos. No se limita a exhibir películas, sino que plantea una experiencia cultural que integra cine, paisaje, historia, música, patrimonio y cooperación institucional entre España y Portugal. Su programación itinerante transforma castillos, plazas, antiguas estaciones ferroviarias, yacimientos arqueológicos y pequeños municipios en salas de cine al aire libre, acercando producciones internacionales a un territorio tradicionalmente alejado de los grandes circuitos de exhibición.

    Una inauguración en el Castillo de Marvão

    La XIV edición arranca este viernes en uno de sus escenarios más emblemáticos: el Castillo de Marvão, donde tendrá lugar la gala inaugural con la presencia de la directora del festival, Paula Duque; el presidente de la Câmara Municipal de Marvão, Luís Vitorino; y el alcalde de Valencia de Alcántara, Alberto Piris, además de representantes institucionales de ambos lados de la frontera. La sesión inaugural incluirá la proyección de 18 Buracos para o Paraíso, del director portugués João Nuno Pinto, que acompañará al público durante la presentación de una película centrada en la memoria del territorio, la transformación del paisaje y la realidad del mundo rural. La jornada concluirá con un concierto del músico portugués Toni Ferrino.

    Más de treinta películas procedentes de diez países

    La programación de este año reúne más de treinta largometrajes y documentales procedentes de España, Portugal, Colombia, Bolivia, Marruecos, Francia, Alemania, Suecia, Italia, Argentina y Brasil. El festival mantiene su apuesta por combinar cine de autor, documental, animación y producciones premiadas en los principales certámenes internacionales. Entre los títulos más destacados figura Un Poeta, del colombiano Simón Mesa Soto, distinguida con el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes; Decorado, de Alberto Vázquez, coproducida por el estudio extremeño The Glow Animation Studio y reconocida con el Premio Goya, el Premio Quirino y el Premio Paul Grimault del Festival de Annecy; A Memória do Cheiro das Coisas, de António Ferreira; o Los Domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. La programación incorpora además documentales como My Way. La historia de una canción, narrado por Jane Fonda; Homo Plastic y Un huerto de ilusiones: Un bancal de vida, del director extremeño Javi Sardinero.

    Un festival itinerante

    Uno de los rasgos que distinguen a Periferias es su carácter itinerante. Las proyecciones se desarrollarán en algunos de los espacios patrimoniales más representativos del territorio transfronterizo. El Castillo de Marvão, la antigua estación ferroviaria de Marvão-Beirã, la Plaza de España de Valencia de Alcántara, la ciudad romana de Ammaia, Castelo de Vide, Portagem, La Fontañera, Membrío, Santo António das Areias, Galegos y Salorino volverán a convertirse en escenarios cinematográficos al aire libre. Especial relevancia tendrá nuevamente La Fontañera, uno de los espacios más simbólicos del festival, donde la pantalla se instala en un lado de la frontera mientras el público sigue la proyección desde el otro, representando visualmente el carácter integrador del certamen.

    La colaboración con la Filmoteca de Extremadura

    Entre las novedades de esta edición destaca la colaboración con la Filmoteca de Extremadura, que permitirá ampliar la programación y acercar nuevas proyecciones a distintos municipios. Dentro de este acuerdo, el 13 de agosto se proyectará en Salorino la película Calle Málaga, de Maryam Touzani, protagonizada por Carmen Maura y Marta Etura. Asimismo, Castelo de Vide acogerá el preestreno en Portugal de Yellow Letters, coproducción franco-alemana dirigida por Ilker Çatak. El festival mantiene igualmente su colaboración con el Museo Helga de Alvear, que este año presentará los proyectos audiovisuales Apuntes para una poesía en chapurriau y Apuntes para una poesía en carabineiru, desarrollados por el artista Roberto Herrero junto a la cineasta Marina Palacio a partir de una investigación sobre las lenguas campesinas de Extremadura.

    El cine como herramienta de cooperación

    Más allá de la programación cinematográfica, Periferias continúa reforzando su dimensión como espacio de reflexión sobre el papel de la cultura en los territorios rurales. El 8 de agosto se celebrará el IV Encuentro de la Red de Festivales y Gestores Culturales del Tajo Internacional, organizado junto al programa Cultura y Ruralidades del Ministerio de Cultura de España y la Câmara Municipal de Marvão. La jornada reunirá a responsables de festivales, gestores culturales y representantes institucionales de ambos lados de la frontera para intercambiar experiencias y fortalecer las redes de cooperación cultural. Además, servirá para presentar algunas de las líneas de trabajo del IX Foro Cultura y Ruralidades, previsto para este otoño en Zafra.

    Una apuesta consolidada por el territorio

    Lejos de limitarse a un ciclo de proyecciones, Periferias ha consolidado un modelo de festival que integra el patrimonio cultural, el paisaje y la identidad de La Raya como elementos inseparables de su programación. Las actividades se desarrollan en un entorno que abarca la Reserva de la Biosfera Tajo Internacional, el Parque Natural de la Serra de São Mamede y el Parque Natural de Alqueva, reforzando el vínculo entre cultura, naturaleza y desarrollo sostenible. Esta dimensión territorial ha convertido al festival en un referente dentro de las iniciativas de cooperación cultural entre España y Portugal, favoreciendo la participación de instituciones, asociaciones y municipios de ambos países.

    Clausura con Pedro Almodóvar

    La XIV edición concluirá el 15 de agosto en Salorino, donde se proyectará Amarga Navidad, la última película de Pedro Almodóvar, en una gala en la que también se entregará el Premio Tajo/Tejo Internacional. Con una programación que combina cine de autor, patrimonio, actividades paralelas y cooperación institucional, Periferias afronta una nueva edición reafirmando un modelo cultural que ha encontrado en la frontera un espacio de encuentro y en el cine una herramienta para fortalecer la identidad compartida de un territorio que, durante nueve días, volverá a situarse en el mapa internacional de la cultura.

  • 25 años del 11-S «La oscura memoria de la humanidad»

    25 años del 11-S «La oscura memoria de la humanidad»

    Se cumplen 25 años de 11-S. 7300 días desde que la maldad humana, jamás ficcionada recurrió al pavor, con el desagüe del fundamentalismo por medio, arrancando cerca de 3000 vidas y un ola de pánico en el anverso de la humanidad. Recordar el origen de toda esta masacre supone remontarse a inmemoriales cagadas de caballo de Gengis Kan y Alejandro Magno, esparcidas por tierras insurgentes y colonialismos de supremacía del primer mundo con barras y estrellas. Para ello ya hay miles de documentos, datos, libros, películas, balazos, asesinatos y bombas pegadas a la cintura que corroboran y conforman el albarán de esta apoplejía social.

    Nos centramos en el 11-S, en historias humanas de gente humanamente cercenadas, víctimas a las que ponerles un ramo de flores a través de palabras tecleadas una veintena de años después. El recuerdo de saber dónde estabas, qué estabas haciendo en ese momento, qué era todo aquello que veíamos en la tele espantados, se difumina en el recuerdo del colectivo. Ellos, los fallecidos, los asesinados, son la memoria de ese odio al que sólo pueden llegar desalmados faltos de integridad, yermos de moral y repletos de putrefacción.

    Pakopí, en ese viaje con Plata y Plomo, y con sus versículos fotográficos en esa sección acompañada por Oto Marabel, llegó a tocar la tierra que los holandeses, el 4 de Mayo de 1626, compraron a los indios por 24 dólares, la isla de Manhattan. Memorial del 11-S, Torres  gemelas extintas y las fotos del Nueva York de Pakopí.

    Retratos de inocentes a los que la vida les deparó la muerte. No hay que darles más vueltas, vidas sesgadas por la fatalidad de estar en ese preciso momento, de confiar en la especie humana, y que debemos seguir haciéndolo, a pesar de estar rodeados de escoria. Breves retratos de víctimas que eran pasajeros de los aviones secuestrados, trabajadores que estaban en las Torres del World Trade Center, funcionarios del Pentágono o ciudadanos y turistas que transitaban por ese distrito. Amigas que toman diferentes aviones para ir a Disney World y tener la fatalidad de ser los dos aviones estrellados en ambas torres, bomberos de permiso que fueron a auxiliar y se quedaron en los escombros, esposa que ve salvar la vida de su marido de la planta 78 de laTorre Sur y presenciar la muerte de su hermano que iba en ese mismo avión, trabajadores que sólo soñaban con currar en camiones de helados para niños, personas que querían envejecer juntos pero que su último mensaje fue “dale un beso a las niñas, os quiero, te quiero”.

    Rubén Correa tenía tres hijas. Era bombero.

    El único lugar que le gustaba más a este gran ex marine que su parque de bomberos era su casa. Escatimó y ahorró, e incluso vendió su coche para conseguir el dinero suficiente para mudarse con su mujer, Susan, y sus tres hijas a su propia casa en Staten Island hace dos años. El viaje al Upper West Side era largo, pero las niñas podían dejar sus bicicletas en la entrada. Él dejó su vida aparcada en el la torre sur del World Trade Center.

    Darren C. Bohan. Tocar el banjo
    Como muchos neoyorquinos, Darren Bohan era más de lo que parecía. De día era un trabajador temporal y durante los últimos meses ya trabajaba en la planta 102 del World Trade Center, donde hacía números para Aon Corporation. Pero Bohan hubiera preferido tocar un banjo o rasguear su guitarra, tocando con sus amigos hasta altas horas de la noche.

    Alison Kelley, su novia, dijo que esperaba convertir su talento musical en un trabajo a tiempo completo, quizás como profesor de música en una escuela pública. «La música era muy importante para él», decía. Kelley, que también tocaba el banjo, pasaba muchas horas tocando con Bohan. Su repertorio abarcaba desde baladas irlandesas hasta canciones del grupo de rock Kiss o música de raíz americana del siglo XIX. «Tocábamos casi cualquier cosa», comentaba Kelley. Los dos eran inseparables desde que se conocieron en una improvisación musical en Brooklyn hace siete meses. Bohan, de 34 años, trataba de no quejarse demasiado de su trabajo diario, aunque no le entusiasmaba estar trabajando a 102 plantas del suelo. «No le gustaba estar a una altura tan poco natural, en un lugar en el que ya había ocurrido algo terrible», dijo. «Pero intentaba decir a la gente que era una vista bonita».

    Jeffrey Giordano. Su día libre

    El querido padrastro de su mujer, que se aferraba a la vida en el centro de quemados del Hospital de Nueva York, hizo que Jeffrey Giordano prometiera convertirse en bombero. Y así pasó 14 años en la compañía Ladder 3 del East Village, donde fue condecorado por su valentía una primavera tras rescatar a una mujer de un apartamento en llamas. El bombero Giordano, de 45 años, también se convirtió en un devoto amigo del centro de quemados, al que acuden adultos y niños para curarse y donde trabajaba su mujer, Marie. Llevaba helados a los niños de allí y recaudaba sin cesar dinero para la Fundación del Centro de Quemados de los Bomberos de Nueva York.

    Los fines de semana, Giordano cargaba su furgoneta con camisetas para venderlas en las conferencias de bomberos, y a menudo se llevaba a sus hijos -Victoria, de 12 años; Nick, de 9; y Alexandra, de 6-. Eso también era para la fundación. Él y su mujer se conocieron cuando él tenía 15 años y ella 13. «Echo de menos que me rodee con sus brazos», dijo la señora Giordano. «Pensé que envejeceríamos juntos». El 22 de enero, el hospital abrió una sala de juegos para niños en el centro de quemados. Lleva el nombre Giordano, que acudió al World Trade Center en el coche del jefe del batallón el 11 de septiembre, a pesar de que era su día libre.

    Scott Hazelcorn. Sueño de un camión de helados

    En el funeral de Scott Hazelcorn, su padre se enteró de que había al menos una docena de personas que consideraban a su hijo su mejor amigo. Esto no era el resultado de la duplicidad, dijo Charles Hazelcorn, sino más bien una función del corazón abierto de Scott y su carácter alegre. Cada uno de los panegiristas lo expresó de forma diferente: tu problema era su problema; hacía que cada persona sintiera que era la única en la sala; enseñaba a la gente a abrazarse; era el que hacía que el trabajo fuera divertido. «Nadie disfrutaba más de la vida, desde que se levantaba hasta que se iba a dormir», decía su padre. Y para ello estaban las «Reglas de Haz», que incluían poner la radio del reloj en una emisora en español, que él no entendía, para no tener que empezar el día escuchando malas noticias.

    Hazelcorn, de 29 años, era operador de bonos del tesoro a largo plazo en Cantor Fitzgerald; su novia, Amy Callahan, era profesora de educación especial. La pareja tenía planes para un campamento de verano para niños necesitados. Scott decía a menudo a sus padres que quería comprar un camión de helados, para poder oír los chillidos de los niños todo el día. Cuando Cantor Fitzgerald escindió una empresa llamada eSpeed, que permitía a los clientes hacer sus propias operaciones, el grupo de trabajo de Hazelcorn se redujo de 30 a 4. En unos meses, iba a desaparecer por completo, dijo su padre. Para su hijo, eso era una buena noticia: entre los aumentos anuales, las primas y las opciones sobre acciones en eSpeed, tenía previsto comprar ese camión de helados.

    Paige Farley Hackel y Ruth McCourt. Llevar a la pequeña Juliana a Disneylandia

    Eran las mejores amigas, cercanas como hermanas, y se dirigían a California. Paige Farley-Hackel y Ruth McCourt iban a volar juntas desde Boston en el vuelo 175 de United Airlines, pero cuando Farley-Hackel se dio cuenta de que podía utilizar las millas de viajero frecuente, sacó un billete para el vuelo 11 de American Airlines. McCourt, que volaba con su hija de 4 años, Juliana, y Farley-Hackel se despidieron en las primeras horas de la mañana en el aeropuerto internacional Logan de Boston el 11 de septiembre, y embarcaron en sus aviones.

    Las mujeres habían planeado reunirse en Los Ángeles y llevar a Juliana a Disneylandia. El avión de Farley-Hackel fue secuestrado y se estrelló contra la torre norte del World Trade Center. El vuelo de McCourt y Juliana, también secuestrado, se estrelló contra la torre sur poco después. La madre y la hija habrían sido una pareja llamativa sentadas juntas, dijo la madre de McCourt, Paula Clifford Scott, con el largo pelo rojo de McCourt y los mechones rubios de Juliana. Sólo tenía 4 años, pero Juliana, apodada Miss J, ya mostraba un pequeño sentido del ingenio.

    Willy López / Documentación: Memorial 11-S de NYC, The New York Times, El diario de Nueva York, The Boston Globe, documental 11S: Testigos de la tragedia y Obituarios de los Estados Unidos / Fotografía. Pakopí

     

  • Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho es Maria. Carminho es Maria do Carmo do Carvalho. Carminho es el eco que aún resuena en el Beco dos Cortumes. Carminho es la niña que se balanceaba del brazo oscilante de Teresa Siquiera al cantar. Carminho es la mujer del viento, ella es la que canta el viento, la que viene en forma de lamento, la que escribe tu nombre en el viento. Carminho escucha los sonidos de los barrios, atrapa sus melodías de cada ráfaga de melancolía de la calle, del vértice más hondo de una saudade ajena a la tristeza. Carminho sigue soñando que juega en el Algarve, que canta en una casa de fados con apenas un palmo de altura, la lisboeta sueña con exhalar melodías en medio mundo, sueña despierta y con una saia rodada, abre los ojos y descubre que le bastan siete faldas y un caballo de varios colores para ser feliz.

    Carminho empieza a cantar para aquellos que tienen hambre de escuchar la música del viento. Carminho se deja envolver por gasas rojas, por bombillas oscilantes, se encarama en sillas de madera, sube y baja los peldaños de Alfama, amarillos, como sus paredes, o en blanco y negro, como el recuerdo de ese Portugal a la que Amália Rodrigues supo darle color. Carminho se aleja del fado para volver a las entrañas del mismo, para hacer de esta canción, que no siempre fue un gran amante en su tierra, una piel más, una capa relevante de la cultura de fronteras. Carminho es elegante, atractiva, dulce al hablar, rotunda y delicada al cantar. Carminho es Maria, la mujer del viento, la prisionera que canta a través de las grietas, la que desafía al fado desde el alma y la memoria del fado.

    Carminho son cinco discos ya en tu carrera musical, pero este último “Maria”, vemos un trabajo mucho más intimista, más personal…¿Qué dimensión tiene este trabajo para ti?

    Este disco es como una regresión a mi pasado, a mis memorias de niña, con mis padres y hermanos en la casa en el Algarve. Allí no había mucha tradición del canto de fado pero mis padres hacían sus noches de fados en casa y yo tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo. Es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música. Los primeros discos han sido muy instintivos con ese repertorio que escuché desde niña, ese que yo cantaba y me gustaba pero ya con el disco que grabamos con Tom Jobim me hizo salir de mi lenguaje musical habitual empleando unos sonidos distintos, desafiantes. Cuando terminé ese disco tenía la ilusión y la preocupación de regresar al fado pero con otra conciencia, abordándolo de otra manera. Y este es resultado, un trabajo de memoria, de mi pasado. Es aquí donde reflejo la importancia que adquiere una noche de fados, haciendo una recreación a mi manera, de lo que pienso que es importante en el fado. El primer movimiento que hice fue el de la sustracción de ciertos instrumentos clásicos del fado, fuera del tradicional, empleando los de toda la vida pero con algunos cambios. Hice una deconstrucción de estos instrumentos, retirando uno a uno para conocerlos mejor, igual que la voz. De esta manera se puede escuchar mucho mejor toda la energía y toda la cultura del fado. Con la voz o el sonido de una guitarra, no hace falta gente, público o escenario, es la mejor manera de comprender el fado desde dentro.

    Y además Carminho, introduces nuevos instrumentos en ese este disco, el lap steel que nos recuerda al tema de la película de Wim Wenders, París Texas. (El mismo director que rodaría Lisbon Story, donde un técnico de sonido recorre Lisboa buscando sonidos de los barrios, de las canciones populares y del fado.)

    Cierto, el lap steel, una guitarra americana popular en el country que se toca en horizontal. Aquí ese instrumento se toca con arco, con algunos pedales, y con algunas alteraciones del sonido para que se pueda construir no propiamente una instrumentación melódica o armónica pero si con una textura y una energía que me permite a mí a cualquier persona, disfrutar en una casa de fados. Cuando  vas a una casa fados no sólo tienes la música o el cantante o la cantante, tienes toda una energía y una textura sonora que forma parte de la experiencia del fado. Te puede transportar, soñar con aquello que cuentan las canciones. Da igual que no comprendas la letra o no sepas portugués, las emociones son más fuertes que todo eso.

     

     

    En las noches de fados en casa tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo, es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música

    La grabación hace que se pierdan algunos de esos matices emocionales que cuentas…

    …El estudio quita un poco esa emoción, es muy aséptico. De ahí que la producción del disco, que llevé personalmente a cabo, al tratarte de un disco íntimo, de mis recuerdos, lo llevásemos lo más cercano posible a esa experiencia de sentir el fado en vivo. Quería recrear aquello que pasa en una casa de fados y la música fue tocada en directo todos juntos como un concierto.

    Escuchar en una calle un gemido de flamenco, o una señora tarareando un fado emociona y hace de estos dos géneros algo único…

    Estas emociones que hablaba con el fado se pueden compartir con las emociones que también transmite el flamenco, tenemos mucho en común en esta experiencia de canción urbana, de raíz, de sentimiento popular.

     

    ¿Qué significa para ti pisar España, cantar fados en otras latitudes como puede ser Extremadura en el Festival de flamenco y fado?

    Es una experiencia grandiosa, muy interesante porque puedes en un solo escenario expresar lo que tenemos en común dos pueblos separados por una frontera imaginaria, la cultural es mucho más invisible, más cercana. Las dos beben de sus ancestros, de ese carácter de tierra y fiesta popular. El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia. Ambos utilizan un lenguaje corporal muy particular y único. Esos los hace genuinos y universales.

     

    Ambas música tienen la urgencia de narrar historias, en eso también confluyen el fado y el flamenco…

    …los temas de sus canciones hablan de las cosas más comunes, del día a día, elementos muy simples, naturales pero muy poéticas. Las historias de la que escribo y canto son las historias de las personas que conozco, me cruzo o a veces observo.

    El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia

    Actuar en Badajoz y en horas asistir a un concierto de Radiohead en Lisboa. Del fado al pop, del pop al rock y así hasta estar en contacto con muchos géneros musicales. Esa investigación musical que te hace especial.

    Escucho todo tipo de música, creo que un artista puede crecer mucho más escuchando todo tipo de música, enriquece su propio repertorio, y la inspiración viene dada por esos otros artistas.

    Dentro de tu trabajo podemos ver que le das mucho valor a la estética, a la ropa que utilizas para actuar, al diseño de la producción de tus discos y a la imagen visual…

    …Yo creo que todo habla, tanto lo que se escucha como lo que se ve. Es una forma de continuar el proceso de comunicación, de valor de una estética musical. En el caso del “Maria” fue un trabajo muy interesante, que hicimos con Giovanni Bianco, un director creativo brasileño que trabaja mucho en Estados Unidos y que ha hecho una pesquisa muy grande de la iconografía de la mujer portuguesa, que muchas veces se confunde con la española, utilizando mi propia memoria. Hablamos mucho de la casa de fados, de cómo es la mujer en Portugal, de mi madre, y es así como se construyó este personaje, “Maria”, que soy yo pero son también todas las mujeres portuguesas.

    Tú, Ana Moura, Gisela Joao, Cuca Roseta y muchas más fadistas, rostros femeninos en el fado, ¿No sabemos si Amália Rodrigues marco la feminidad en el fado o simplemente las fadistas actuales estáis más cerca del público en este momento?

    Es posible que salgan más mujeres fadistas por el icono que supone Amalia en el fado, como mujer cantante, pero también hay algo de emocional que las mujeres tienen la facilidad de expresar. Es una visión un poco romántica pero me parece que la voz femenina tiene esa sutileza, ese drama expresivo más marcado. Hay grandes fadistas que también son muy potentes como Camané, Ricardo Ribeiro o Zambujo.

     

    Willy López | Fotografía. Mariana Maltoni y Félix Méndez

  • El autorretrato infinito «Eduardo Naranjo consagra su legado en la tierra que lo vio nacer»

    El autorretrato infinito «Eduardo Naranjo consagra su legado en la tierra que lo vio nacer»

    El Espejo Multiplicado de Eduardo Naranjo: Un Viaje desde los Campos de Monesterio hasta su Altar Permanente en el MUBA

    Hay creadores que no se limitan a pintar la realidad, sino que la arrebatan, la despojan de su condición efímera y la dotan de una dimensión sagrada. Hablar de Eduardo Naranjo es invocar la fuerza incontestable de un realismo sobrecogedor, una maestría técnica donde la precisión casi quirúrgica del trazo jamás ahoga la pulsión mística, el misterio ni la poesía. Su pincel posee una elegancia aristocrática, una finura atemporal que eleva lo cotidiano a la categoría de mito eterno. Lo hemos visto conmover al mundo a través de hitos universales, como su desgarradora e icónica interpretación gráfica de Poeta en Nueva York de Federico García Lorca, donde el dibujo se hizo grito y arquitectura neoyorquina. Una fuerza creativa que no entiende de fronteras geográficas ni culturales: así quedó demostrado en su aclamado viaje a China, donde una gran exposición de su obra en un imponente museo de Hangzhou despertó una expectación y una fascinación absolutas en el público oriental.

    Hoy, ese magnetismo internacional regresa a su matriz original para consolidar su legado definitivo. El arte de Naranjo ya no será un destello pasajero en las salas de exposiciones; se queda como un elemento vivo, palpitante y permanente en la ciudad de Badajoz. La apertura de su sala propia en el Museo de Bellas Artes de Badajoz (MUBA) es, en el fondo, un acto de amor a sus raíces y una manera profundamente sincera de democratizar la cultura. Al donar este espacio vivo que se irá renovando de forma continua, el pintor rompe las barreras elitistas del arte y lo entrega, con acceso libre y gratuito, a la ciudadanía, permitiendo que cualquiera pueda mirarse en el espejo de su genialidad.

    Realizamos parte de esta conversación en su casa natal en Monesterio, un espacio que es en sí mismo una extensión de su universo. Caminar por sus estancias es perderse entre pasillos y rincones desbordantes de cuadros, recuerdos y tesoros acumulados durante décadas. El corazón de la vivienda es, sin duda, su imponente estudio, diseñado meticulosamente para trabajar bajo el dictado de la luz natural. Coronando el techo, una gran claraboya inunda unos espacios arquitectónicamente potentes, concebidos en exclusiva para que el maestro dialogue con el lienzo sin interferencias. Aquí, envueltos por el aroma a óleo y la luz de su infancia, Naranjo nos regala un viaje a sus orígenes y rinde cuentas con la memoria de su tierra.

    El «milagro extraño» de un niño de pueblo

    Edcuardo, nos apasiona indagar en los inicios. ¿Cómo nace un genio de la pintura en una familia sin ningún tipo de antecedente artístico?

    Yo mismo me asombro de cómo pude salir con esta manía, o llamémosle vocación. En mi familia jamás hubo un antecedente. Son milagros extraños que se producen de vez en cuando, caprichos de la naturaleza. En el fondo, fui un repelente niño prodigio. A los niños normales se les da bien dibujar, son geniales, pero lo mío era distinto: buscaba una fidelidad absoluta a la realidad desde muy pequeño. No hacía los típicos monigotes. Con apenas once años ya hacía retratos, pintaba los ojos y la boca de mis hermanas, y modelaba esculturas muy fieles. No tenía libros ni referencias, pero sentía que tenía que plasmarlo así. Lo que me interesaba era atrapar la vida que me rodeaba, hacer tuya la realidad para entender misterios como la eternidad de las cosas.

    Sin embargo, viniendo de un entorno rural, el camino no debió ser fácil. Ser el único hijo varón de un campesino en la España de los años cincuenta conllevaba un destino casi escrito.

    Lo tenía muy difícil. Era el hijo de un campesino, el único varón en ese momento, criado junto a tres hermanas. Mi hermano menor no nació hasta que yo tenía diez años, así que para mis padres yo era la ayuda natural en el campo. Nunca se plantearon dejarme ser pintor. Pero entonces ocurrió algo providencial. Apareció por mi casa el pintor Eduardo Acosta. Le habían hablado de mí y se quedó sorprendido al ver mis dibujos, precisamente porque vio que no eran normales para un niño de esa edad. Habló con mi padre y le dijo que veía en mí un caso singular, que podría llegar a ser un buen artista.

    «A los niños normales se les da bien dibujar, son geniales, pero lo mío era distinto: buscaba una fidelidad absoluta a la realidad desde muy pequeño»

    El valor de un padre y la conquista de Sevilla

    Un choque de realidades brutal. ¿Cómo reaccionó un hombre del campo ante semejante vaticinio?

    Ahí está lo maravilloso y admirable de mi padre. En aquella época todo dependía del hombre. Él entendió que, aunque perdía mi ayuda para las labores agrícolas, era una pena no dejarme seguir ese camino. Y le echó muchísimo valor, porque en los años 1956-1957 se solía decir que los pintores éramos «candidatos al hambre». Era muy difícil vender un cuadro. Fue valiente, generoso y muy desprendido conmigo. Gracias a él y a Eduardo Acosta soy hoy lo que soy, y no un campesino.

    Y el tiempo demostró enseguida que Acosta no se equivocaba…

    Desde luego. En mi primer curso en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla aprobé con una media de sobresaliente los cuatro cursos que se daban y me concedieron el premio. Sevilla era nuestra capital natural en Monesterio; para médicos o estudios mirábamos a Sevilla, no a Badajoz. Allí empecé a descubrir verdaderamente la pintura gracias al Museo de Bellas Artes. Ver las piezas de Valdés Leal, de Zurbarán o de Murillo —que para mí era mucho más sólido que Zurbarán, más virtuoso de las formas dulces— me cambió la vida. Además, el contacto con otros compañeros con vocación me hizo ver que aquello era posible.

    Recuerdo que una vez, pintando un paisaje en la calle Santa Clara, se me acercó un droguero y me dijo: «Este cuadro es tan bonito que te lo voy a comprar». Me pagó 500 pesetas. Al volver a la pensión reflexioné y pensé: «Tal vez sí sea posible vivir de lo que me gusta». He sido un afortunado, he hecho en mi vida lo que he querido.

    Reivindicando a los maestros olvidados: El caso de Juan Barjola

    En sus investigaciones, los periodistas hemos rescatado un texto necrológico potentísimo que usted escribió en el diario ABC tras la muerte de Juan Barjola. Al revisar su figura, da la sensación de que a los grandes maestros esenciales de nuestra tierra se les reconoce poco. El centenario del nacimiento de Barjola se cumplió hace unos años y prácticamente no se hizo nada en su memoria. ¿Sientes que hay una deuda histórica con él?

    Fui un gran amigo suyo, sí. El texto de ABC fue algo muy potente porque lo sentía de verdad. Es lamentable que pasara su centenario y no se hiciera nada relevante por él. Barjola fue un creador enorme, poseedor de un espléndido trabajo que merece estar en la primera línea de la memoria artística de este país. Tenía una fuerza brutal y conexiones maravillosas con otras artes; por ejemplo, el gran poeta Pepe Hierro, que también era muy amigo mío, hizo un magnífico libro conjunto con él. Es una pena que a figuras de esa talla y con un trabajo tan soberbio a menudo se les relegue al olvido institucional. Por eso me parece estupendo y os agradezco que queráis hacerle un homenaje y poner el foco sobre su obra. Es de justicia.

    La huida a Madrid y el fantasma de Goya

    Retomando su trayectoria, tras su etapa andaluza llega el salto a Madrid. ¿Por qué decidió dejar Sevilla?

    En la primavera de 1959 me concedieron la beca Murillo de 10.000 pesetas. Ya me estaba ganando ciertos recelos porque me llevaba los premios de los festivales. Ese verano me presenté también en Badajoz a la beca de la Diputación, cuando tenía unos 15 años. La gané, pero me dio tristeza por los compañeros que se quedaban atrás. Eduardo Acosta me instó a marcharme: «Vas a hacer lo que yo no me atreví; vete a Madrid, allí tienes menos fronteras». El empujón final lo viví en una clase de colorido en Sevilla: el profesor le dio la matrícula y el premio a una monja que pintaba «como poniendo moscas», mientras mis compañeros admiraban mi bodegón. Pensé: «De aquí hay que salir huyendo». Y me fui a Madrid.

    En Madrid se produce su encuentro definitivo con los grandes clásicos en el Museo del Prado. ¿Quién le marcó más profundamente?

    Ver la famosa exposición de Velázquez en el Casón del Buen Retiro fue como si se me abrieran las puertas del cielo de la pintura. El Greco me fascinó. Pero, curiosamente, la influencia más potente y duradera que he tenido en toda mi obra, sobre todo desde que terminé los estudios hasta finales de los setenta, fue la de Don Francisco de Goya. Fíjate qué vueltas da la vida que se organizó una exposición de mis grabados en la propia Casa Museo de Goya. ¡Tener la osadía de meter mi Tauromaquia de 2008 al lado de la Tauromaquia original de Goya! Para mí aquello rozaba el sacrilegio, pero fue un honor inmenso.

    El Retorno Definitivo: El Reverso del Espejo en el MUBA

    Aquellos viajes iniciáticos, las luces transatlánticas de Poeta en Nueva York y el eco de su triunfo en China encuentran hoy su broche de oro en el corazón de Badajoz. La inauguración de su sala permanente en el MUBA no es una exposición más; es la consagración definitiva del pintor en su propia tierra. Durante el acto oficial, la presidenta de la Diputación de Badajoz, Raquel del Puerto, elogió con fervor la trayectoria del maestro de Monesterio: «Tu realismo no es solo contemporáneo, también es original, auténtico, profundo, misterioso y valiente… Naranjo merece contar con una sala propia por su calidad, por su arte y por su maestría».

    El propio Eduardo Naranjo contempla el horizonte de su carrera con una mezcla de humildad y profunda filosofía estética.

    «Aquí el protagonista no soy yo, son mis obras», aclara el maestro con voz firme desde la calidez de su estudio. «Que es como decir soy yo, pero multiplicado por muchos, tantos como cuadros hay, ya que el arte no es otra cosa que un autorretrato continuo».

    Al despedirnos, bajo la luz cenital de la claraboya de su taller de Monesterio, le preguntamos al pintor si el éxito internacional mitiga el peso de los años, o si sigue sintiendo la misma pulsión que aquel niño que retrataba a sus hermanas…

    Yo sigo pintando bajo una disciplina dentro de cierta indisciplina, de manera un tanto anárquica según mi estado de ánimo. Pero no ha habido ni un solo día en mi vida, incluyendo fiestas de guardar, en el que no esté pintando, dibujando, grabando o escribiendo. He expuesto en lugares increíbles, como en ese museo magnífico de Hangzhou, China, y fue una experiencia impactante ver la expectación que causaba mi obra. Pero te digo una cosa: comparado con nuestra tierra, aquello no es nada. La tierra nuestra tiene algo muy propio, muy nuestro, que te hace volver a vivir.

    «La tierra nuestra tiene algo muy propio, muy nuestro, que te hace volver a vivir»

    Eduardo Naranjo se queda en Badajoz. Sus obras, esos espejos multiplicados de su propia alma, aguardan ya al espectador en el MUBA, recordándonos que el misterio de la realidad solo se entiende cuando se mira con los ojos valientes y generosos de un pintor.

     

    Willy López/ Félix Méndez

  • Tan cerca, tan lejos

    Tan cerca, tan lejos

    Tan Cerca tan lejos…pulsando en este enlace se puede acceder a todos los artículos publicados en la edición de este libro; Tan cerca, tan lejos

    Cuando pisamos el barrio. Tan cerca tan lejos

    Cuando pisamos el barrio…los barrios…la vía del tren tenía un paso a nivel con barrera que resquebrajaba la ciudad en dos. No, no era el Guadiana, el que hacía de frontera natural…era nuestra forma de percibir estas calles, unos recuerdos creados de oídas, de noticias de papel amarillo y de prejuicios malnacidos.

    Cuando pisamos estas calles,  aún sonaban los vagones a rancios y la locomotora iba a carbón. Tampoco esto ha cambiado mucho…Cuando llegamos Félix y yo sentimos que estábamos cerca pero también muy lejos. Cuando llegamos, Ramón aún colocaba los cubiertos en el comedor social, Lolo era el párroco de la Asunción y Juan ejercía de cicerón en este instituto.

    Cuando llegamos al barrio, Antonia tenía la misma fuerza que ahora a pesar de sufrir el palo de su vida…Ricardo era el mejor jefe scout… y dos murgueros locos estaban metiendo la vena del carnaval desde la base, desde los más pequeños. Cuando pisamos tierra norte de la ciudad de Badajoz, había un estercolero que un tal Julio supo convertir en parque. Cuando cruzamos la avenida, la Farmacia de Sara aún tenía el decorado de su padre, su espagueti western del que ha hecho un fortín a base de cariño y lazo rosa. Por entonces Paco, el Aspirino, era el Sheriff.

    Cuando pisamos el barrio conocimos a chicos y chicas con ganas de reorientar su vida. Vimos a gente motivada, motivando al futuro de los barrios…Cuando llegamos, Estefanía tenía los ojos azules, ahora son transparentes, más azules aun, enormes como un faro…! En esta costa no puede encallar ningún niño ¡…nos decía.

    Cuando llegamos aquí, Marta, no quería estar a la deriva, quería llegar a buen puerto y ser alguien, lo está consiguiendo. Zeus le daba bien al balón, sabía el destino de su vida, pero antes no renunció a intentarlo. Zoraida jugaba en dos ligas, en su casa y en la del fútbol femenino. Le quedan muchos penaltis que tirar. Sara e Ismael eran amigos, luego pareja y más tarde padres. Han sabido navegar.

    Cuando entramos en el barrio, Gloria nos acogió…los huérfanos, los desvalijados, los perdidos éramos nosotros. Gloria nos acurrucó y nos mandó a paseo, nos habló, y habló y habló y nos dejó hablar, un rato, pero nos dejó. Nos marcó y nos sacó el pasaporte del barrio. Cuando osamos meternos en las casas, en los colegios, en las aulas, en los negocios, en el centro de salud, únicamente nos dedicamos a escuchar…a sentir…a observar. Ellos eran los protas, vosotros sois los protagonistas. Gente luchadora, vecinos conectados, personas cercanas que visto desde la distancia, nunca estuvieron lejos. Gracias.

    Tan Cerca, tan lejos…

    Willy López / Félix Méndez

  • Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.

    La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.

    La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.

    Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.

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    Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero. De esa España Oculta, borrachos, taxistas, camioneros, niños, curas, alcaldes, camareros, ricachones y mendigos pasamos a una «Tierra de sueños» de la Fundación “La Caixa”, una muestra sin complejos de la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, en las comunidades de Anantapur, con especial atención al rol que ocupan las mujeres.

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    Repite su mantra antes de mostrarnos su trabajo, fotografiar es querer ver, querer ver con sentimiento. Ahí arranca su viaje, otra aventura fotográfica a la que agradecer a uno/a de las/los mejores profesionales de la fotografía de España.

    El paso del analógico al digital no pesa a García Rodero…con la cámara muy bien con lo demás nada de nada, la revolución digital me ha dejado una isla con mi objetivo…comenta mientras ríe…El ordenador me sirve para abrir etiquetas y tirar a la papelera aquello que no vale. Y de ahí no salgo…dice humilde. Subraya que con la nueva era digital existen una infinidad de recursos que antes eran largos y muchas veces poco fructíferos…Puedes cambiar el color en una zona pequeñita, el contraste, la densidad, recortarlo, dibujar perfectamente el cuadro, mientras que antes, con el blanco y negro, por ejemplo, te tenías que hacer plantillas para que el cielo se oscureciera algo más, para hacer una copia buena necesitabas muchas veces, siete copias malas antes. Enfrentarse al laboratorio, aunque tuvieras apuntado todos los datos de lo que requería cada foto, era un proceso nuevo.

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    La mascarilla de García Rodero empaña sus gafas, pero sigue viendo, por la inercia de los años, por repetitivo trabajo de encuadrar a las personas desde hace más de 50 años. Nos mira, nos sigue contando emocionada su labor como testigo de historias vivas. Nos dice que la beca de la Fundación Juan March fue la culpable de dejarlo todo por la fotografía. Año 1973 y Franco aún seguía haciendo la España muy negra y oculta. Ahí comienza el viaje de Cristina García Rodero…La vida es así, mis estudios de Bellas artes me ayudó mucho, hacía fotos, pero en plan artístico, yo era muy muy artista… ríe, reímos ante esa declaración de amor por el arte.

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    Enganchada por el trabajo que comenzaba a realizar, para la fotógrafa, la primera mujer española de la Agencia Magnum, sello del que se siente algo cansada, consistía en conocer la vida de la gente, no saber lo que se iba a encontrar y luchar para sacar su trabajo lo más digno posible, la convirtió en una mujer casada con su cámara de fotos… Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla.  

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    Cristina García Rodero nos habla de Koldo Chamorro, otro colega de profesión al que a veces acompañaba en sus viajes, nos habla de las copias perfectas del laboratorio de Castro Prieto. El blanco y negro contrastado, lleno de grano, que no de ruido, expresivo y elegante. Rodero nos habla su profesor de pintura, Antonio López, el que le hizo sentir con el alma todo aquello que se hace en la vida. La fotógrafa de Puertollano nos habla de esas personas anónimas que le dieron alojamiento, un plato de comida y una sonrisa en las situaciones más extremas.

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    Nos da un consejo antes de coger el tren de vuelta, por favor vengan de noche a ver la exposición, están muy contrastadas porque están retroiluminadas, sólo os pido eso. Un paso, dos pasos y vemos desaparecer de entre sus fotos a una grande de la fotografía.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez