Hay un gallo que llora y que grita…música desde las entrañas.

Hubo una época que era muy típico que los programas buscaran una frase que la gente identificara y repitiera, tipo “y eso dueleeee” que decía la “Bombi” (la verdad es que esto sigue existiendo “si hay que hacerlo, se hace…”, etc.). A Faemino y Cansado les pidieron que hicieran algo así, e intentaron burlarse de esta exigencia del guión buscando en una película de Woody Allen la frase lo menos pegadiza posible: “Que va, que va, que va, yo leo a Kierkegaard”. Lo increible del tema es que la frase se hizo muy popular y aún hoy hay mucha gente que la recuerda.
Capitán Badajoz, posiblemente el mejor superhéroe de Extremadura, y posiblemente ese sketch lo escribí ese verano que estuve Badajoz. Era un pedazo de homenaje a vuestra tierra. Cansado
Entrevista a Faemino y Cansado
Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales. Así es Tito, así es su rutina de quemazón, muy fácil, proceso artístico destripado en pocas palabras para deleite del plagiador. Disfruten de lo vulgar de sus trabajos. Cuando la rutina aprieta no queda más remedio.

El fabuloso mundo del Circo
El circo suena a viaje y carromatos, a montaje y desmontaje de carpas de localidad en localidad, a forzudos venidos del Cáucaso y hombres bala de bigote daliniano. El circo asume la carretera como destino y atrapa payasos para alimentar las risas de un público expectante. El circo es ¡Tachán y et voilà!, es trapecista con cara de funambulista y alma de acróbata. El circo es una canción de Nino Rota, un plano (e mezzo) de Fellini o una opereta de Ruggero Leoncavallo. El circo es domadores sin animales, malabaristas sin malabares, mimos dando gritos y tragafuegos sin mecheros.
El circo es todo lo anterior y mucho más. El carácter nómada se reinterpreta en espacios fijos, en compañías dedicadas a realizar de esta profesión una actividad que ya tiene cada vez más espacio en el panorama cultural de las artes escénicas. El circo está en el teatro, en los actos musicales, en el cine, en la calle y aunque sea a cuenta gotas, en las escuelas. Educar con valores, formación y aprendizaje. Adaptarse o morir.
Alrededor de la media tarde. Primera función
Mientras el Circo del Sol se declaraba en concurso de acreedores y mil millones de dólares realizaban acrobacias con 3480 trabajadores perdiendo sus salarios con un redoble de tambor, más de 10.000 trabajadores del circo en España se quedaban sin trabajo. Pandemia, desatención y nostalgia de artistas profesionales olvidados. 2500 familias, 40 circos anclados a lo largo del país tratando de respirar como un pez fuera del agua al 50%. El porcentual aforo, al que volver a pegar con artes circenses, al público en las butacas de la ilusión.
Es la vida. O todo o nada. Lo tomas o lo dejas. Fundido en negro en el fabuloso mundo del circo. Franquicias circenses aparte, y filigranas de fondos de inversión cotizando en bolsa, hacemos el camino más llano, ese que te enseñaban de pequeño cuando te sacaban una entrada para entrar en una carpa modesta, en el solar que teníamos enfrente de nuestras casas. El recuerdo atávico de toparse de nuevo con las mismas sensaciones, mismos sonidos, mismas piruetas, mismos payasos, mismos sueños a diez metros del suelo y sin red.
Hablamos de un circo, pero es extensible a cientos de gremios dedicados en cuerpo y alma al mundo de la cultura, del arte.
Enganchado a una droga llamada Circo
Hablar con el gerente del circo las Vegas es hablar con un apasionado de este mundo, un tipo, Tony, que asume el riesgo de vivir en la cuerda floja, pero firme en su convicción de hacer un espectáculo que contiene una gran adición. “Aquí está mi padre y el padre de mi padre, mi abuelo con 92 años, toda una generación de profesionales del circo. Y espero que mi hijo siga los pasos. El circo te tiene que gustar, he tenido compañeros que han estado en el circo y tras varios meses se han marchado para volver al poco tiempo. El circo engancha”. Recuerda Tonelly con su acento babélico, que en este trabajo se sufre pero también se puede vivir con dignidad: “Mucha gente nos dice que no tenemos vida, no tenemos vacaciones pero eso no es cierto, el circo es muy exigente y requiere mucha atención pero hay maneras de disfrutar de muchos sitios, playas o montañas, llevando al circo a esos sitios. Esas son nuestras particulares vacaciones”.
Haciendo malabares para sobrevivir
Dani, el hijo del gran Pepín, nos comenta que durante la pandemia ha estado trabajando en el montaje de placas solares: “Es duro, mi profesión es la de payaso pero el palo ha sido, es y será duro para artistas como nosotros”. Para su padre “La palabra circo en España no está en ningún Ministerio, sólo se utiliza para llamarse un político a otro, payaso o tenéis al país hecho un circo”.
Tony Tonelly sólo pone mala cara, ha visto como su circo ha permanecido varado durante meses sin saber el futuro de muchas familias: “Las ganas de la gente de a pie y el apoyo de los compañeros ha sido clave para seguir adelante”, aclara. “Actuar en Badajoz, con tanto público me ha llegado a emocionar”.
El acróbata italiano Alan Zorzan, su mujer y su hijo recuerdan lo duro que ha sido no poder trabajar: “Se hace largo, duro, y no sólo por los meses de confinamiento, también por el futuro post pandémico, no sabes realmente que va a ser de tu vida y la de tu familia”. Más que nunca vivir en la cuerda floja, ha supuesto y supone una inquietante vida en vilo, en continuo malabarismo.
Es duro, mi profesión es la de payaso pero el palo ha sido, es y será duro para artistas como nosotros
¿Cómo están ustedes?
A grito de ¿Cómo están ustedes? El circo de los Aragón invadían las casas de los españoles a través de un televisor. Antes, sus abuelos, tíos y padres, los payasos Pompoff, Thedy y Emig tuvieron que emigrar a Cuba y en Estados Unidos se les llegó a conocer como «Spain’s Royal Family Comedy», para encontrase, años después, a su vuelta a la España de Franco, con un barco fletado con todo un circo entero, y a la deriva en el puerto de Barcelona por falta de visados. La triste y dura vida del payaso, del que el italiano Nando Orfei siempre dijo que «Il circo è e sarà sempre il più grande spettacolo del mondo», el circense y actor con Fellini en Amarcord entre otras estuvo trabajando con Pepín León, el maravilloso payaso que el Circo Las Vegas tiene por bandera.
Hablar con Pepín es escuchar el circo, su calma, su dote de seducción, nos relata como un juglar del medioevo, todo un periplo de este espectáculo. Trabajar en Estados Unidos, en Japón o en la Isla de Reunión trazan el currículo vitae de un hombre embadurnado de payaso de por vida. Tener a sus hijos en medio mundo, dependiendo del lugar de trabajo hace más homérico la labor de un payaso parido en el Price. “La gente mientras está viendo el circo es más buena, se olvida de todo lo que hay fuera, es la magia del circo” declara mientras se maquilla en su caravana.” Los payasos han sido motivo de risa para la humanidad, el juego de lo exagerado, lo ridículo, el personaje torpe, ingenuo, hacen que el público sin querer, o queriendo, es con lo que se siente identificado en el circo, porque en cualquier momento de nuestra vida hacemos el payaso”
El carácter generacional de un payaso, de un cómico del circo no figura el pasaporte de Pepín, su espectáculo sí rinde homenaje a todos los grandes del circo. «Hay mucha gente en el circo que se dedican al circo desde hace muchas generaciones pero yo vengo de mi padre como primera generación del circo, mis abuelos eran maestros de escuelas. Y los León, como mis sobrinos Paco o María León, somos un poco de todo. Venimos de una educación musical, artística, creativa y eso me llevó a este mundo del payaso.”
La gente mientras está viendo el circo es más buena, se olvida de todo lo que hay fuera, es la magia del circo
Tony Tonelly. 34 metros de diámetro de carpa. Una altura de 12 metros
El circo va de la mano con la sociedad del momento, la historia de cada compañía se balancea al ritmo que marca los hitos mundiales. El circo Las Vegas tiene su origen en tierras lusas hace casi cien años, el periodo de entreguerras hace que todos los artistas tomasen riendas individuales a sus habilidades circenses, y trabajasen en solitario por medio mundo, desde Suiza, neutral hasta para este espectáculo, se vuelve a gestar el nuevo nacimiento de un circo con sede en España pero formado por una torre de Babel con un engranaje perfecto. Tony Tonelly, el nieto de aquel aventurero del circo nos abre su recinto, una especie de convoy del salvaje oeste apostado en círculo con la carpa defendiendo el flanco principal de un gremio que sigue haciendo sonreír a niños y mayores.
34 metros de diámetro y una altura de 12 metros. En medio de esas medidas nos sentamos a dialogar con el director de una saga de circenses, desde el vórtice de la carpa, admiramos y sentimos la fuerza que transmite un espectáculo donde la lengua oficial se llama circo. “Aquí todos somos una piña, todos hacemos de todo. Mi hermana que es inglesa, me habla en español y le respondo en portugués, mi hija es española y le hablo en italiano, como a mi mujer, que es portuguesa y ellas me contestan con el primer idioma que se les pasa por la cabeza”.
El futuro del circo. Espectáculo Vs números rojos. Último día de cole.
El Estado dispone del Programa de Aulas Itinerantes en los Circos para el curso académico. Cada curso escolar, una media de 140 alumnos de los diferentes niveles educativos son atendidos mediante este programa en España. Un 22 de junio en Badajoz de 2021, es el último día de curso en el Circo Las Vegas.
El Circo la Vegas tiene asegurado, al menos un artista precoz, Max Tonelly, siempre ensayando y siempre intentando ser el mejor en lo suyo. Max acaba de terminar las clases y comenta que se lo pasa bien, “lo tengo todo”, nos dice mientras hace volar las mazas, “cole, amigos y el circo”. Pero el circo, como las actividades culturales pasa por otro mal momento. La pandemia ha puesto de relieve la fragilidad de un sector que depende del público, que sin gente, sin espectadores acrecientan la debilidad financiera de ciertas profesiones.
Tonelly nos comentaba al respecto: “Antes podíamos planificar el año, con la pandemia todo eso se ha ido al traste. De enero a enero del año siguiente teníamos nuestra ruta, en estos momentos no sabemos dónde vamos actuar a final de mes. De esta manera se podía calcular el número de artistas que querías incluir durante la temporada, el personal de mantenimiento, los gastos… ahora es imposible. Ahora es el abuelo el que tiene que traer al niño, antes era el niño quien tiraba del abuelo, las cuentas así no salen. Tenemos una carpa con una capacidad para 1200 personas y sólo pueden entrar 300. Somos unos 45 trabajadores en este circo y hemos llegado a tener 75, pero mi hijo siempre me pregunta, ¿Papá cuando empezamos? No sé qué contestarle.”
Los Indicadores y Estadísticas Culturales vinculados a las artes escénicas y musicales del Gobierno de España aportan cifras que en este último año seguramente ni tengan dígitos. La población que asistió a determinados espectáculos culturales en 2018-2019 nos desglosa que un 7,4% fue al circo, mientras que un 9,5% asistió a conciertos de música clásica o un 57,3% al cine. Y de las personas que han ido al circo en un año según el tipo de representación la última vez que asistieron durante el 2018-2019, el 55, 2% al tradicional 55,2%, 32,4% al contemporáneo y a otros tipo de representaciones un 12,4%.
Ante esas cifras y su gen circense el director Tony Tonelly, sigue apostando por el circo clásico, sin perder la óptica de cambios para el futuro: “Lo que no intento perder es el circo tradicional, el circo de generaciones ha cambiado pero nuestra esencia debe tener en sus espectáculos, malabaristas, trapecistas, payasos musicales, magos…el clásico. Tengo compañeros que han trabajado en el Circo del Sol que ahora están en paro y sin su sueldo, el Circo del Sol debe más de 800 millones al estado canadiense, nosotros no tenemos ingresos pero no debemos un duro a nadie”.
Tenemos una carpa con una capacidad para 1200 personas y sólo pueden entrar 300. Somos unos 45 trabajadores en este circo y hemos llegado a tener 75, pero mi hijo siempre me pregunta, ¿Papá cuando empezamos? No sé qué contestarle
¡Qué comience la función!
Decía el director Federico Fellini que si el circo fuera todavía un género de entretenimiento de actualidad, le hubiera encantado ser el director de un gran circo, ya que el circo es exactamente una mezcla de técnica de precisión e improvisación. En esas están los encargados de este gran circo que es la vida, intentando solventar la papeleta de una profesión digna, emotiva y mágica. Oscar Wilde escribía: “Para probar la realidad tenemos que verla en la cuerda floja del circo. Cuando las verdades se convierten en acróbatas, podemos juzgarlas.”
Dejemos que la cuerda siempre tenga acróbatas, la pista payasos y trapecistas y que el mago, domador y equilibrista sean presentados casa noche en un nuevo espectáculo. ¡Qué comience de nuevo la función!
Willy López | Fotografía. Félix Méndez

“A menudo me he preguntado si la vida no sería mucho más divertida si todos estuviesemos en ella sin ideas preconcebidas acerca del bien y del mal.” La novia de Frankenstein.
Pocas imágenes cinematográficas son tan memorables como la definitiva de La novia de Frankenstein, cuando, inesperadamente, una criatura salvaje, grotesca pero atractiva a la vez, rechaza al monstruo de Frankenstein emitiendo un sórdido graznido, estamos en presencia de una contundente imagen que ha quedado congelada en la memoria de todo fanático del género. A la vez, fue éste el papel que la valió a la actriz Elsa Lanchester su inmortalidad en el celuloide.
Para personificar a la criatura, la actriz debió soportar largas y tediosas horas de labor, vendada de pies a cabeza. Y una vez que el vendaje se removía, su trabajo de La novia de Frankenstein se mostraba en todo su esplendor, ante la mirada atónita de los presentes, incluído su supuesta futura pareja. El maquillaje, creado por el experto Jack Pierce (también autor del make-up del propio monstruo de Frankenstein, así como los de la momia y el hombre lobo de otras películas), fue todo un hallazgo: luego de largas jornadas de trabajo, emergía el rostro de una mujer palidísima, de mirada profunda, con un aún hoy famoso peinado terminado en punta, de cabello renegrido surcado por listones blancos. Aunque esta criatura aparece en los últimos minutos de la película, su presencia causa tal impacto que bien vale la espera del desarrollo.
Ilustración. Tito Merello

Viene por la 80, y justo a unos cien o doscientos kilómetros para salir a la antigua ruta 66 gire a la derecha, descanse un rato. Si viene desde la izquierda, desde la calle Shoshone con la sexta, pare, sábanas limpias, Hank Williams y Johnny Cash en el hilo musical, televisión por cable y ducha de agua caliente por 50 dólares. Déjese asesorar por Steve, el chico algo lelo que le atenderá nada más llegar. Tome algún bocado digno de nuestra auténtica Nevada, la hamburguesa con jalapeños de Platora, las costillitas con salsa hot de San Jacinto o los long drinks del Watering Hole en Spring Creek. Si Steve le pide un pitillo mándele al carajo, si algún predicador le pide dejar de fumar sea educado y dele las gracias, si la señorita Trovinski le pide un cigarrillo decida usted como pasar la noche. Recordará el Lone Star Motel toda su vida. De eso no nos cabe duda. No sea desconfiado, estire las piernas y ayude a que Steve encienda el neón de todo lleno. Recuerde, si pasa por Wells y quiere tener una bonita postal de su viaje disfrute del Lone Star Motel. Es hora de disfrutar de las vacaciones por 50 pavos.
Ilustración. Tito Merello Texto. Folleto turístico del Lone Star Motel

“Tal vez es la vanidad, esta idea de que el trabajo es mayor que la capacidad de uno para describirlo. Algunas personas pueden dar entrevistas. Son muy evasivos y casi escapan a esta concepción odiosa. Fellini es bueno; sus entrevistas son muy divertidas. Simplemente hace chistes y dice cosas absurdas que sabe que no puede tomarse en serio”. Stanley Kubrick
«Es un mundo podrido porque permite que los jóvenes golpeen a los viejos como vosotros habéis hecho, y ya no hay ley ni orden. Ya no es un mundo para un viejo [..] ¿Qué clase de mundo es éste? Hombres en la Luna y hombres que giran alrededor de la Tierra como mariposas alrededor de una lámpara, y ya no importan la ley y el orden en la Tierra».
(Diálogo de un viejo vagabundo a punto de recibir una paliza por parte de Alex y sus drugos)
La naranja mecánica. Stanley Kubrick. 1971
“Algunas veces la imagen sigue al sonido y representa un papel secundario y no viceversa. El sonido es algo más que una simple ilustración de lo que está sucediendo en la pantalla.” Tarkovski
“Como todas las marionetas crees que eres humano. Es el sueño de toda marioneta. Ser humana.”
Solaris. Andréi Tarkovski. 1972
«Una película posee veinticuatro mentiras por segundo». Michael Haneke
(Viendo un álbum de fotos)
Anne: Es hermosa.
Georges: ¿Qué cosa?
Anne: La vida… tan larga. La larga… vida.
(Georges se la queda viendo atentamente)
Anne: Deja de observarme.
Georges: No te observo.
Anne: Claro que sí. Todavía no soy idiota hasta ese punto.
Amour. Michael Haneke. 2012
“Cada personaje está hecho de muchas pequeñas sutilezas, opciones extrañas, maneras especiales de decir una palabra.” David Lynch
“Nadie sospechará de nosotros porque nadie pensará que estamos lo suficientemente locos como para hacer una cosa así”.
Terciopelo azul. David Lynch. 1986
Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales.

Woody Allen ganó sus dos primeros Oscars (de Mejor Director y Mejor Guión Original) por 1977 Annie Hall, que cambió las reglas de la comedia romántica. Pero no todo el mundo era un fanático de esta mejor película, incluyendo el propio Allen. Para celebrar su 40 aniversario, aquí hay algunas cosas que tal vez no conozcas sobre su historia detrás de escena.
1. LA IDEA ORIGINAL DE ALLEN PARA LA PELÍCULA ERA TOTALMENTE DIFERENTE.
Aunque Annie Hall es ahora anunciada como una de las comedias románticas más influyentes e inventivas de todos los tiempos, la misión original del director y co-escritor Woody Allen no era hacer una imagen de relación. Allen y su compañero de escritura, Marshall Brickman, en su lugar concebido de la historia como una exploración general de la vida del personaje principal y la psique, que iba a ser llenado de romántico, misterioso y fantástico subtramas en partes iguales. El proyecto, que refleja el persistente malestar del protagonista Alvy Singer, fue titulado Anhedonia, un término psiquiátrico algo arcaico que se refiere a la incapacidad de sentir alegría. El primer corte de la película duró unos 140 minutos, casi 50 minutos más que la versión final.
2. PRIMEROS DIBUJOS CONTENIDOS CON ELEMENTOS DE FANTASÍA.
Entre las escenas de fantasía del guión original y las secuencias de sueños se encontraban las visitas de Alvy y Annie al Jardín del Edén, la Resistencia francesa y la Alemania nazi, las parodias de las películas Angel on My Shoulder y Invasion of the Body Snatchers, una visita guiada Del Infierno (con Richard Nixon), y un juego de baloncesto entre los Knicks de Nueva York y filósofos como Friedrich Nietzsche y Søren Kierkegaard.
3. UNA SUBTRAMA DE ANNIE HALL DE LA QUE SE HIZO OTRO PELÍCULA…MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN.
La escena del cine de (Face to Face de Ingmar Bergman) Annie Hall donde Woddy Allen toma la decisión de salir de la narrativa formal de la película fue inicialmente significativa para comenzar una secuencia en la cual la pareja testifica e investiga un asesinato. La historia sería reciclada más adelante como premisa del misterio del asesinato de Manhattan de 1993, otra vez Allen y Keaton como pareja.
4. EL ESTUDIO INVESTIGÓ UNA AGENCIA PARA HACER QUE EL TÍTULO DE ALLEN TUVIERA MÁS MERCADO.
United Artists, el distribuidor de las cuatro películas anteriores de Allen (Bananas, Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero tenía miedo de preguntar, Dormilón y La última noche de Boris Grushenko) reconoció la dificultad inherente en la comercialización de una película llamada Anhedonia. En un esfuerzo por hacer más aceptable el título deseado de Allen, el estudio contrató una agencia de publicidad para llenar los periódicos locales de todo el país con titulares que decían «Anhedonia Strikes __________!» (Rellenar el espacio en blanco con el nombre de la ciudad en la que el anuncio publicar). Sin embargo, la campaña de millones de dólares fue desechada antes de la ejecución, ya que United Artists convenció con éxito a Allen de cambiar el título de la película.
5. FINALMENTE, LA PELÍCULA SE LLAMÓ ANNIE HALL POR EL NOMBRE DE SU ACTRIZ PROTAGONISTA.
Después de algunas sugerencias de títulos tan lamentables como Una montaña rusa llamada deseo, Tenía que ser judío o Yo y mi nación judía o las que propuso Allen como; Ansiedad y Alvy y yo, la película terminó heredando el nombre de su heroína: Annie Hall, un personaje que lleva el nombre de la actriz que la retrató. El nombre de nacimiento de Diane Keaton era Diane Hall, y ella pasó por «Annie».
6. ALLEN ODIÓ UNA ESCENA TANTO QUE LANZO PARTE DEL METRAJE AL EAST RIVER DE NUEVA YORK.
Aunque Allen lamentó la pérdida de la mayor parte del material que no llegó a la pantalla, hubo una secuencia de la que se alegró de ser liberado: Un fragmento fantasioso del final de la película en el que un semáforo inteligente convence a Alvy para volar por todo el país. Allen pensó que la escena era tan repugnantemente cutre que presuntamente lanzó las impresiones en el East River de la ciudad de Nueva York.
7. LOS VESTIDOS DE ANNIE HALL CAUSARON TENDENCIA DE MODA EN TODDA NORTEAMERICA.
La propia Keaton suministraba la mayor parte del vestuario de Annie: la actriz normalmente vestida de esta manera. Según Allen, la diseñadora de vestuario de Annie Hall, Ruth Morley, habría intentado disuadir a la actriz de un traje tan poco ortodoxo, calificando la apariencia de «loca», pero finalmente perdió esa batalla.
8. LA PELÍCULA EMPLEÓ UNA VERSIÓN BARATA DE LA PANTALLA DIVIDIDA.
Annie Hall se recuerda por su innovadora utilización de pantallas divididas, específicamente en una escena en la que tanto Alvy como Annie se encuentran con sus respectivos pensamientos personales, pero el proceso de montaje del dispositivo fue particularmente «anticuado» (casi pre-tecnológico). El director de fotografía Gordon Willis instaló una pared muy fina entre conjuntos adyacentes para rodar ambas mitades de la escena dividida en tándem.
9. EL ESPASMO INDUCIDO POR COCAÍNA DE ALLEN FUE VERDADERO.
Una de las risas más grandes de las primeras proyecciones de Annie Hall se produjo al ver el voluminoso estornudo de Alvy extendiendo un contenedor de cocaína alrededor de la sala de estar de sus nerviosos amigos. Es difícil imaginar una mejor manera de coronar tal secuencia, pero de hecho el momento nació en el set: El estornudo fue real e inesperado, y se quedó en la película gracias a probar la alegría resultante de las audiencias.
10. LAS ESCENAS DE ANNIE HALL DEBIERON DURAR EL DOBLE RESPECTO A LA MEDIA DE LAS PELÍCULAS 1977.
En términos generales, la duración media de una película está directamente relacionada con la complejidad del material que muestra: escenas más largas permiten conversaciones más intrincadas y mayores oportunidades para la experimentación cinematográfica. El crítico David Bordwell, quien destacó el trabajo de Allen en un estudio de 2002 relacionado con la longitud de la escena de las películas de Hollywood, determinó que la escena promedio de Annie Hall durara aproximadamente 14 segundos, entre dos y tres veces la media típica de los films de 1977.
11. EL HOMBRE PARECIDO A TRUMAN CAPOTE ES REALMENTE TRUMAN CAPOTE.
Una escena memorable en la película observa a una muchedumbre de transeúntes de Manhattan mientras que Alvy y Annie intercambian chistes a expensas de los extranjeros. Alvy considera el tema final en este lote: «El ganador del concurso Truman Capote.» El hombre en cuestión es en realidad el propio autor de Desayuno en Tiffany´s.
12. LA PELÍCULA TIENE UNA EXTRAÑA CONEXIÓN CON OTRA PELÍCULA DE 1977.
Annie Hall es reconocida como una plataforma de lanzamiento para las carreras de varios actores entonces desconocidos que iban a disfrutar de carreras prósperas en Hollywood. Christopher Walken, Jeff Goldblum (como un partier de Los Ángeles que olvida su mantra espiritual) y Beverly D’Angelo (como actriz en la comedia de risas enlatada protagonizada por Rob, el amigo de Alvy) . Coincidentemente, estos tres actores también aparecieron en la película de terror La centinela de Michael Winner, que fue lanzada en los teatros estadounidenses tres meses antes de Annie Hall.
13. ALLEN CERRÓ EL FINAL DE LA PELÍCULA EN UN TAXI DE CAMINO AL PRIMER VISIONADO DE LA PELÍCULA.
Como Annie Hall había cambiado tanto entre su concepción y producción, Allen y Brickman tuvieron problemas para llegar a un final apropiado. La pareja luchó con este dilema hasta el final de las primeras secuencias preliminares de la película, momento en el que se habían asentado en un emocionalmente insatisfactorio final que se cerró en un encuentro incómodo después de la ruptura entre Alvy y Annie. Durante un paseo en taxi a uno de estos previos, Allen tuvo una epifanía: él garabateó algunas notas que rápidamente utilizó en el speech que cierra la película… «Necesitamos los huevos»
14. ANNIE HALL ES LA PELÍCULA MÁS CARA QUE WODDY ALLEN HA RODADO.
En 1977, Annie Hall ganó $ 38.251.425 en la taquilla, lo que la convierte en la cuarta película más importante deL director (detrás de Manhattan, Hannah y sus hermanas y Midnight en París). Ajustada por la inflación, las ventas de entradas de Annie Hall equivalen a un enorme valor de $ 139.3 millones en dólares de 2015, superando en 2010 su mejor cuadro ajustado por inflación, Manhattan, por más de $ 10 millones.
15. ALLEN NO TIENE GUSTO DE ANNIE HALL.
A pesar de sus cuatro premios de la Academia -para Mejor Película, Director, Guión Original y Actriz- y su legado cultural, Annie Hall aún no se ha ganado el beneplácito Allen. El director insiste en que la película es simplemente una concha de su visión original más grandiosa. «Al final, tuve que reducir la película a sólo yo y Diane Keaton y esa relación…así que me decepcionó bastante al final de esa película, ya que estaba con otras películas mías que eran muy populares». Él también no es particularmente aficionado a su otra gran obra maestra, Manhattan. (Y, sin embargo, de alguna manera, el director neoyorquino nunca ha despreciado Scoop …)
Ilustraciones Tito Merello / Culturabadajoz
Mental Floss. Cultura Badajoz