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  • London loves José Pizarro «El chef extremeño que ha convertido la cocina española en parte del paisaje gastronómico británico»

    London loves José Pizarro «El chef extremeño que ha convertido la cocina española en parte del paisaje gastronómico británico»

    «De Talaván a Londres: el chef extremeño que ha convertido la cocina española en parte del paisaje gastronómico británico».

    Un jamón, un pata negra, de esos que se pasean por la dehesa, sale de Extremadura camino de Londres. No sabe de fronteras, elecciones, referéndums ni acuerdos comerciales. Tampoco sabe que Reino Unido abandonó la Unión Europea. Es un jamón y su currículum político resulta bastante limitado. Pero alguien tendrá que explicarle por qué ahora viajar cuesta más. Trazabilidad lo llaman. A su lado podrían ir un queso, unas botellas de vino, aceite de oliva, pimentón o cualquier otro de esos productos que durante años han recorrido los kilómetros que separan tierras británicas de las españolas y que hoy tienen que atravesar una frontera bastante más complicada que antes.

    Al otro lado espera el chef José Pizarro. Extremeño de Talaván, un humilde pueblo cacereño, maestro gastronómico, empresario y responsable de ocho restaurantes después de casi tres décadas viviendo en Reino Unido. Cuando llegó en 1998, su problema inmediato no era el Brexit. Había otros obstáculos. Entre ellos, el idioma y una gastronomía española que fuera de España seguía viviendo demasiado pendiente de la paella, la sangría y unos cuantos tópicos.

    Había que contar, narrar el resto, generar una historia con la que convencer los londoners. Y Pizarro decidió hacerlo plato a plato. Explicar un país mediante su cocina es un ejercicio curioso porque obliga a reducir kilómetros, culturas y generaciones hasta conseguir que todo quepa en una mesa. Extremadura podía ser una torta del Casar, de la Serena, miel de las Villuercas, un pimentón de la Vera, un buen aceite denominación de origen o una memoria matancera. España podía esconderse dentro de una croqueta, un gazpacho o una tortilla de patatas y un producto aparentemente sencillo podía contar bastante más de un territorio que cualquier folleto turístico con fotitos de fish & chips, cottage pie y Sunday roast con media pinta de cerveza caliente. Como dice la cancion de The Clash, Londres estaba preparado para escucharlo…London calling, now don’t look to us, phony Beatlemania has bitten the dust, London calling, see we ain’t got no swing, except for the ring of that truncheon thing…

    La ciudad había comenzado una transformación gastronómica enorme. Su multiculturalidad entraba definitivamente en las cocinas, los chefs se convertían en personajes públicos y comer dejaba de ser únicamente una necesidad o un lujo para convertirse también en conversación, identidad y ocio. Gordon Ramsay, Heston Blumenthal, Jamie Oliver, Rick Stein o Marco Pierre White, desde estilos muy diferentes, contribuyeron a popularizar otra mirada hacia el producto y el oficio. José Pizarro encontró ahí un espacio para contar de dónde venía sin cocinar como si estuviera dentro de un museo. Ese matiz importa. Para el chef extremeño, llevar la cocina española a Londres no consiste en congelarla en el tiempo, reproducir una postal de España y colocar una bandera junto a la puerta. Consiste en cocinar para una ciudad diferente sin perder el lugar del que procedes. Sin perder un ápice, su alma, su deje del sur mediterráneo, su enorme talento, licuado con humildad y cocinado con emoción. Ahí está probablemente una de las claves de Pizarro. Extremadura permanece, su aroma impregna sus locales, pero Londres también ha entrado en la receta. Empezaba a cambiar la desilusión del London loves, de los Blur, aún ácida…. London loves, the way people just fall apart, London loves, the way we just don’t stand a chance, London loves, a speeding heart…

    Los equipos, los clientes, los horarios, el producto disponible, el funcionamiento de los restaurantes y una ciudad construida con acentos de medio planeta han terminado formando parte de su manera de cocinar y de trabajar. Hoy nadie necesita hacer una presentación académica de la cocina española cada vez que abre un restaurante en Londres. Hay productos, recetas y palabras que han entrado en el vocabulario cotidiano de una ciudad donde se puede desayunar en Turquía, almorzar en Japón, comer en Perú y cenar en España sin salir de unas pocas estaciones de metro. Y casi treinta años después, son ocho restaurantes, José Pizarro ocupa desde hace años un lugar dentro de ese mapa.

    Y volvemos al jamón. Porque ahora llegar hasta ellos resulta más caro y complejo. Brexit, burocracia, importaciones, energía, salarios, alquileres, materias primas. Palabras bastante menos apetecibles que croqueta, tortilla o ibérico, pero absolutamente necesarias para comprender qué significa mantener un restaurante abierto en 2026, para eso toca tararear a los Monty Phyton…cuando te sientas hundido, no seas idiota, frunce los labios y silba, eso es todo…y mira siempre el lado bueno de la vida…

    Quizá por eso la historia de José Pizarro, el lado bueno de su cocina, pueda contarse siguiendo el viaje de cualquier producto que sale de Extremadura y termina sobre una mesa londinense. En medio están 1.500 kilómetros, una frontera, varias décadas y un cocinero. El jamón finalmente llega. Ahora falta saber dónde terminará el siguiente. Porque José Pizarro tiene ocho restaurantes. Y nosotros queremos preguntarle por el noveno…

    José, antes de Londres, de los restaurantes y del éxito, está Talaván. ¿Cuánto queda de aquel niño extremeño, hijo de ganaderos, en el cocinero que eres hoy?

    Todo. Absolutamente todo. Cuanto más tiempo llevo fuera y cuanto más lejos he llegado, más cerca me siento de Talaván. Cuando eres joven quieres salir, descubrir, comerte el mundo. Y después entiendes que muchas de las cosas que estabas buscando ya estaban allí. Yo crecí rodeado de campo, animales, familia, producto, temporadas… aunque entonces no lo llamábamos así. No hablábamos de kilómetro cero ni de sostenibilidad. Era simplemente nuestra manera de vivir. Se comía lo que había y cuando lo había. Ese niño sigue estando en mi cocina. Y también en mi manera de entender la hospitalidad: poner una mesa, dar de comer y hacer feliz a alguien. Eso viene de casa.

    Tu relación con la cocina viene también de los olores y sabores de casa, de tu madre, de tu abuela, de los productos del campo… ¿Cuál es el primer sabor de Extremadura que recuerdas?

    Es difícil elegir uno porque mi memoria está llena de olores antes incluso que de platos. El tomate, el aceite de oliva, el pimentón de la vera, los guisos, la matanza, el jamón… Y la cocina de mi madre, por supuesto. Hay algo muy especial con el tomate. Un buen tomate con aceite y sal puede llevarme directamente a Extremadura. Parece una tontería, pero ahí está precisamente la grandeza de nuestra cocina. Cuando un producto es extraordinario, no tienes que hacerle demasiadas cosas. Muchas veces mi trabajo como cocinero consiste en saber cuándo parar.

    Llevas casi tres décadas fuera. ¿Cómo se vive Extremadura desde la distancia?

    Con muchísimo orgullo y también con añoranza. Cuando vives allí quizá das algunas cosas por hechas. Cuando estás fuera empiezas a comprender lo extraordinario que es lo que tienes. Llevo casi treinta años en Reino Unido y Extremadura está cada vez más presente en mi vida y en mi cocina. Creo que la distancia me ha hecho mucho más extremeño. Y hay algo que siempre digo y que cada vez siento más: cuanto más lejos llegas, más cerca estás de tu tierra…

    …Llegaste a Londres en 1998, con poco inglés. ¿Qué fue lo más difícil: conquistar el paladar británico o convencerlo de que España era mucho más que paella, tortilla, bravas y sangría?

    Probablemente lo segundo. Cuando llegué, la percepción de la cocina española era muchísimo más limitada. Había buenos restaurantes españoles, por supuesto, pero el conocimiento del producto y de nuestra diversidad no era el que existe ahora. España no es una cocina. Son muchísimas cocinas, paisajes y productos. Mi obsesión nunca fue reinventar la cocina española para Londres. Fue enseñar la España que yo conocía: buen producto, buenos ingredientes y platos que tienen sentido. Y los británicos respondieron fenomenalmente. Londres es una ciudad muy curiosa. Si algo es bueno y auténtico, la gente quiere conocerlo.

    Hablas de un Londres curioso y con ganas de absorber ideas, pero aterrizar en el país del fish & chips para vender jamón ibérico, croquetas, buen aceite y tomate… ¿alguna vez pensaste: «¿Dónde me he metido?»?

    ¡Muchas veces!  Y no solamente por la comida. Llegué con muy poco inglés, sin dinero y sin saber realmente dónde acabaría. Pero también había algo fantástico: no tenía demasiado que perder. Tenía ganas de trabajar. Y poco a poco te das cuenta de que un buen jamón no necesita pasaporte. Una croqueta bien hecha tampoco. Cuando algo está delicioso, la gente lo entiende.

    «Llevo casi treinta años en Reino Unido y Extremadura está cada vez más presente en mi vida y en mi cocina. Creo que la distancia me ha hecho mucho más extremeño»

    Has defendido que despreciar la cocina inglesa es una tontería. ¿Qué hemos aprendido nosotros de los británicos y qué han aprendido ellos de nosotros?

    Decir que en Inglaterra se come mal es un tópico antiguo y bastante injusto. Aquí tienen productos extraordinarios: carnes, pescados, mariscos, quesos, verduras… y una tradición culinaria que durante mucho tiempo nosotros simplemente no conocíamos. Yo he aprendido muchísimo viviendo aquí. También de su profesionalidad, de su manera de gestionar negocios y de su apertura hacia otras culturas. Y creo que ellos han aprendido de nosotros algo muy bonito: que comer no es solamente alimentarse. Es compartir. Una mesa puede durar dos o tres horas. Pides cosas para todos, pruebas del plato del otro, hablas, ríes…Esa informalidad alrededor de la mesa española ha conquistado muchísimo a los británicos.

    Has dicho: «La simplicidad es lo más caro». ¿Hemos complicado demasiado las cosas?

    Muchísimas veces, sí. Yo adoro la técnica y creo que un cocinero tiene que conocerla. Pero la técnica tiene que estar al servicio del sabor, no del ego del cocinero. Hacer una tortilla extraordinaria es dificilísimo. Son huevos, patatas, aceite, cebolla si quieres meterte en esa guerra… Y sal. No tienes dónde esconderte. La simplicidad es lo más caro porque para quitar cosas necesitas tener mucha seguridad. Con un producto extraordinario, cuanto menos haces, más responsabilidad tienes.

    Y justamente por eso, José, por lo extraordinario ¿Dónde está la frontera entre adaptar una cocina al país en el que estás y perder su identidad?

    Puedes adaptarte sin disfrazarte. Evidentemente escuchas al cliente, entiendes dónde estás y evolucionas. Pero nunca he querido cocinar una versión de España que yo no reconociera solamente porque pensara que sería más comercial. Para mí la pregunta es muy sencilla: ¿yo serviría esto en España y estaría orgulloso? Si la respuesta es sí, vamos bien. La autenticidad tampoco significa quedarse congelado. La cocina española está viva y tiene que evolucionar. Pero tiene que saber de dónde viene.

    Han pasado quince años desde aquel primer José de Bermondsey Street. ¿Sigues siendo principalmente cocinero o inevitablemente eres también empresario?

    Soy empresario porque no me queda más remedio. Pero sigo siendo cocinero. Claro que ahora tengo que pensar en números, equipos, alquileres, costes, proyectos… cosas que cuando empiezas quizá no imaginas. Y tienes una responsabilidad enorme porque hay muchas familias detrás de nuestros restaurantes. Pero lo que realmente me sigue emocionando es entrar en una cocina, probar una salsa, encontrar un tomate maravilloso o pensar en un plato nuevo. El día que solamente mire un Excel y deje de emocionarme por una croqueta, tenemos un problema.

    Nos olvidamos por las cuentas por un rato y volvemos al terruño, Extremadura tiene productos extraordinarios. ¿Hemos sabido vender nuestra gastronomía tan bien como otras regiones? ¿Qué nos falta?

    No. Y lo digo con muchísimo cariño. Tenemos algunos de los mejores productos del mundo, pero no siempre hemos sabido contar su historia. Tenemos ibérico, Torta del Casar, pimentón de La Vera, aceites extraordinarios, cordero, quesos, vinos, cerezas, higos… Es increíble. Pero no basta con tener el mejor producto. Hay que comunicarlo, protegerlo, crear marcas fuertes y conseguir que la gente entienda el territorio que hay detrás. Cuando alguien compra un gran jamón extremeño no está comprando solamente jamón. Está comprando dehesa, encinas, tiempo, conocimiento y generaciones de personas. Tenemos que dejar de vender solamente productos y empezar a vender también Extremadura.

    Si tuvieras que explicar Extremadura a un londinense únicamente a través de cinco sabores o productos, ¿qué le servirías?

    Qué difícil dejarlo solamente en cinco… Pero pondría jamón ibérico de bellota, sin ninguna duda. Una Torta del Casar. Pimentón de La Vera. Un grandísimo aceite de oliva extremeño. Y un tomate extraordinario, simplemente aliñado. Aunque probablemente intentaría colar un sexto y abriría una botella de vino extremeño. Y lo importante sería explicar de dónde viene cada cosa. Porque juntos cuentan un paisaje.

    «Cuando alguien compra un gran jamón extremeño no está comprando solamente jamón. Está comprando dehesa, encinas, tiempo, conocimiento y generaciones de personas»

    Hablas de elementos, ingredientes que es necesario exportar, toca hablar de un tema peliagudo ¿Qué cambió realmente el Brexit dentro de tus restaurantes?

    Muchísimo. Brexit hizo las cosas más complicadas y más caras. Hay más burocracia, importar determinados productos es más difícil y, sobre todo, cambió muchísimo la contratación. La restauración británica siempre ha dependido de gente de muchos países. Mis cocinas han estado llenas de españoles, italianos, portugueses, franceses y personas de muchísimas nacionalidades. Esa mezcla es parte de lo que hizo extraordinaria la restauración londinense. Antes un joven español podía pensar: “Me voy un año a Londres, aprendo inglés, trabajo en un restaurante y veo qué pasa”. Yo fui uno de esos jóvenes. Hoy ese viaje es mucho más complicado. Y creo que Reino Unido ha perdido algo con eso.

    Levantar un restaurante ya es difícil; mantener ocho, mucho más. ¿Cómo se consigue crecer sin que José Pizarro termine convirtiéndose simplemente en una marca?

    Rodeándote de gente buena y estando presente. Yo no puedo cocinar cada plato de cada servicio. Sería mentira decirlo. Pero puedo decidir qué tipo de negocio queremos ser, qué producto compramos, cómo tratamos a la gente y qué cosas no estamos dispuestos a sacrificar. También intento que cada restaurante tenga personalidad. No quiero hacer fotocopias. El peligro empieza cuando crecer se convierte en el objetivo. Yo no quiero tener restaurantes por tener restaurantes. Quiero abrir lugares que tengan una razón para existir.

    Después de ocho restaurantes, ¿hay sitio para un noveno? ¿Londres sigue siendo el lugar donde quieres crecer?

    Nunca digas nunca. Sigo teniendo muchísima curiosidad y eso es peligroso para alguien que abre restaurantes. Londres es mi casa y me lo ha dado prácticamente todo profesionalmente, así que siempre será fundamental para mí. Pero después de tantos años también me interesa mirar fuera y hacer proyectos diferentes. No me obsesiona que haya un número nueve. Me obsesiona que, si llega, sea algo que realmente me emocione. A estas alturas no necesito abrir por abrir.

    «Intento que cada restaurante tenga personalidad. No quiero hacer fotocopias. El peligro empieza cuando crecer se convierte en el objetivo. Yo no quiero tener restaurantes por tener restaurantes. Quiero abrir lugares que tengan una razón para existir»

    Si ese noveno restaurante estuviera en Extremadura, ¿cómo sería? ¿Podrían Talaván, Cáceres o Extremadura volver a aparecer también en la puerta de uno de tus restaurantes?

    Esta pregunta me emociona porque cerraríamos un círculo. Si algún día hiciera algo en Extremadura tendría que ser muy de verdad. No tendría sentido volver después de casi treinta años fuera para enseñar a los extremeños cómo cocinar Extremadura. ¡Me echarían del pueblo!  Me gustaría algo sencillo, precioso, muy conectado con el campo, con los productores y con las estaciones. Una cocina donde el lujo fuese el producto:  un buen cordero, ibérico, quesos, aceite, verduras…Y Talaván siempre está presente, haya restaurante o no. Salí de allí siendo un niño que quería conocer mundo. He tenido la enorme suerte de poder hacerlo. Pero con los años he entendido una cosa: uno puede construir una vida muy lejos de casa sin dejar nunca de cocinar desde sus raíces. Y si algún día el camino me lleva de vuelta a Extremadura con un restaurante, sería una manera muy bonita de volver a casa.

     

    Willy López / Rebecca Hope

  • William Chislett «Arturo Barea y la forja de la intelectualidad»

    William Chislett «Arturo Barea y la forja de la intelectualidad»

    ¿Qué hace un inglés con pinta de vikingo, con un lastimoso acento, a pesar de los muchos años viviendo en España promoviendo la figura de Arturo Barea?

    Así suele empezar su discurso William Chislett, la persona que más sabe de la vida de Arturo Barea. Un periodista inglés, que por casualidades de la vida, se dio de bruces en su condado de origen con la lápida del escritor nacido en Badajoz.

    El Premio Arturo Barea de investigación cultural de la Diputación de Badajoz, nos trae al lugar de origen del autor de La forja de un rebelde, al investigador y ensayista inglés. Con un acento deplorable, como el propio reconoce pero con una semántica académica y una cabeza repleta de datos y curiosidades de Barea,  viajamos en la historia, al ostracismo de la intelectualidad española, olvidada por el conflicto y abandonada por la dictadura. Un recuerdo, en forma de “ventana inglesa”, de sus años de forja literaria y exilio de resignación.

    Arturo Barea nunca regresó a España, pero la memoria de su obra, y de la meticulosa e ingente labor de su mujer Ilsa, nos dejó un legado digno de recordar. William Chislett se encarga de ello.

    «Desposeído de todo, con la vida truncada y sin una perspectiva futura, ni de patria, ni de hogar, ni de trabajo […] rendido de cuerpo y de espíritu»

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    ¿Quién es William Chislett?

    Yo soy un inglés que lleva más de treinta años en España. Fui corresponsal del Times en los años 70 y me queda enganchado con este país nada más llegar. Después estuve un tiempo, del 78 al 84, en México para el Financial Times. Trabajé en Centroamérica y Cuba.

    ¿Una época, en los años 70 y 80, bastante dura en España  y Centroamérica?

    Muy dura. Convulsa con la transición en España y bastantes conflictos en América Latina. Me afinqué en un pueblito de Cuenca como campo base para trabajar en el país.

    ¿Vuelves a tu país después de México?

    Después de mi recorrido por México vuelvo a la casa matriz del The Financial Times en Londres. Es allí donde decido volver a Madrid en vez de quedarme le resto de mi vida en Inglaterra. Ya con dos niños y dejando de lado el periodismo desde 1986, colaboro con varios medios internacionales y me dedico a la investigación en el Real Instituto Elcano del Royal Institute. Mis dos vidas bien diferenciadas.

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    ¿Por qué la figura de Arturo Barea aparece con tanta fuerza en su vida?

    Por casualidad. Un día viendo en televisión la excelente serie La forja de un rebelde me quedé sorprendido y me pregunté ¿Pero quién es este tipo? Inmediatamente comencé a leer su obra y me fascinó su vida. Con el tiempo me enteré que Arturo Barea pasó sus diez últimos años de vida en un pueblo en condado de Oxford, en Faringdon, de donde soy. Es curioso, pero vivimos seis años, los primeros de mi vida y sus últimos seis, viviendo a escasos veinte kilómetros uno del otro.

    Encontrar su lápida conmemorativa se convirtió en mi obsesión cuando fui a visitar mi madre en Oxford.  En 2010, finalmente encontré la lápida muy deteriorada, levantada en el anexo del cementerio de la Iglesia de Todos los Santos en Faringdon por una íntima amiga en los años 70, después de la muerte de Ilsa, la mujer de Barea. Las cenizas de Barea fueron esparcidas allí.

    ¿Cómo llevas a cabo ese especial homenaje?

    Decidí restaurar la lápida en el año 2010, como un gesto cívico para honrar su memoria. Pedí presupuesto y consulté a varios amigos escritores y admiradores incluyendo Antonio Muñoz Molina, Elvira Lindo y Javier Marías: pusimos uno 20 euros por persona.

    He visto que en esa lápida hay un enorme error, aunque Arturo Barea sólo pasó sus primeros días de vida en Badajoz, nación en la ciudad extremeña y no en Madrid como reza la lápida…

    Es cierto, que contiene ese error. Como usted sabe nació en Badajoz. Se fue a Madrid con su madre y tres hermanos cuando su padre murió poco después de su nacimiento. Deberíamos solucionarlo.

    ¿Cómo era la casa de Arturo en Inglaterra donde desarrolla el gran grueso de su obra?

    Estaba un poco retirada, en el quinto pino, como decís en España. No tenía mucho sentido poner una placa allí, pero si la pusimos sobre su pub favorito, The Volenteer. Barea e Ilsa se sentaban a trabajar juntos en una mesa grande de roble con lámparas de aceite colgadas del techo, Barea escribiendo en español, Ilsa traduciéndolo al inglés. Barea usaba una Underwood, una voluminosa máquina de escribir con teclado inglés, y tenía que marcar a mano todos los acentos. Arturo e Ilsa fumaban tanto que las paredes de la habitación estaban ennegrecidas por el humo. Barea vivió los últimos diez años de su vida en las afueras de Faringdon en una casa situada en la finca de lord Faringdon, quien se la alquiló sin electricidad, se iluminaba con lámparas de aceite, en unas condiciones muy favorables. Este excéntrico aristócrata, miembro del Partido Laborista y partidario de la República, había convertido su Rolls-Royce en una ambulancia que, en 1937, condujo hasta el frente de Aragón para usarlo como hospital de campaña. De regreso, y en mayo de ese año, dio cobijo a un pequeño grupo de los casi 4.000 niños vascos evacuados en el barco Habana a Inglaterra, después del bombardeo de Guernica. Es el grupo más grande de refugiados que se haya acogido nunca de una sola vez en Inglaterra.

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    En Badajoz hay una calle, en Mérida una travesía y muchas placas en la campiña inglesa y en Madrid habéis conseguido ponerle una plaza…

    …Me parecía absurdo que Barea fuera mejor recordado en su país de exilio que en su país de origen. Así que junto con dos amigas, en diciembre de 2015, pedimos al Ayuntamiento de Madrid un reconocimiento de Barea, y en marzo de este año Manuela Carmena, la Alcaldesa, inauguró La Plaza Arturo Barea en Lavapiés, el barrio donde se creció y se forjó como un gran escritor. Los tres pusimos como condiciones para la Plaza, que se han cumplido, tener el apoyo de los cuatro partidos, porque consideramos que Barea es de todos y no de algunos, y que no se quitara un nombre para poner otro.

    Que esta Plaza lleve el nombre de Barea, me parece algo increíble porque no tenía una denominación previa registrada en los archivos municipales, y es como si la plaza estuviera esperando para llevar su nombre algún día. Encima, a pocos metros de esta plaza están las Escuelas Pías, el colegio al que asistió Barea hasta los 13 años, y que vio como ardía en 1936.

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    Explicas en algún artículo que incluso se intentó olvidar la memoria de Barea, denigrarle por parte del gobierno fascista.  

    Efectivamente. Se llegó a decir que no era español. Incluso cuando Barea estuvo de gira en Sudamérica los partidarios de Franco sacaron panfletos en Montevideo que lo llamaban Arturo “Beria”, un juego de palabras para referirse a Lavrenti  Beria, el jefe de la policía y el servicio secreto de Stalin.

    Un artículo del periodista británico George Pendle en 1952 sobre la literatura española provocó una queja de «las autoridades culturales de Madrid» por haber dicho que Barea era un escritor español: «Esa gente me informa de que usted ya no es un escritor español, del mismo modo que Conrad no es un escritor polaco», escribió Pendle a Barea, «me dicen que usted dicta a su esposa (en una lengua que evitan precisar) y que, a continuación, ella traduce sus pensamientos al inglés. Con su permiso, me gustaría refutar esa declaración oficial».

    A pesar del clima en Inglaterra, Barea disfruta de su estancia en el país  ¿Por qué se sintió tan cómodo?

    Por la tranquilidad que le proporcionaba todo. No olvides que venía de escuchar bombas continuamente y de vivir de manera mísera. Arturo no publicó nada hasta que tuvo cuarenta años. Aunque escribió algo en la Escuelas Pías de pequeño, profesionalmente no sacó nada hasta más tarde.

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    La figura de Ilsa, su segunda mujer, es importantísima, sin ella parece que la obra de Barea cobra una fragilidad editorial enorme. William ¿Cuándo la conoce y cómo?

    La conoce trabajando en la oficina de censura de la prensa de la República. Estaba en el Edificio Telefónica de la Gran Vía en Madrid y tras divorciarse de su primera mujer con la que tuvo cuatro hijos, se casa con la austriaca. La censura por entonces no funcionaba muy bien…[Ríe]…e Ilsa dominaba los idiomas, hablaba hasta cinco. Estamos hablando del año 1937. Ilsa también estaba casada con un agente del Komintern, y pasan por Barcelona para divorciarse. Es curioso porque ambos, Barea e Ilsa no eran comunistas. El ex esposo ayudó a los dos a salir de España. Sin Ilsa no hubiese salido su obra. Todo se publicó antes en inglés y luego todo traducido al español.

    Existen 13 cajas de Arturo Barea con todo el material del escritor que has podido ver…

    …Eran 13 cajas cuando yo las vi. Uly, la sobrina de ilsa, vivió  los dos últimos años con Barea y tras la muerte de su tía en Viena en el 1973 heredó el archivo del autor. Vive en Londres y ella tiene el legado del extremeño. Acaba de ser donada a la Biblioteca Bodleian de Oxford, una de las más grandes del mundo. Digo que eran 13 cajas porque ahora la biblioteca las ha ordenado de otra manera. En esas cajas hay cartas, fotos, manuscritos…

    …¿y el original de La Forja de un rebelde?

    No, el manuscrito de La forja de un rebelde se perdió. Supuestamente la familia de Ilsa en Viena pudo haber tirado el manuscrito sin saber que era el original.

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    ¿Arturo Barea ya en Inglaterra ganó dinero con sus obras?

    No, él se mantuvo con sus charlas semanales en la BBC. Barea alcanzó la fama por las 856 charlas semanales de 15 minutos que dio para la sección de América Latina del Servicio Mundial de la BBC, que se emitieron desde 1940 hasta un día antes de su muerte en 1957, bajo el seudónimo de Juan de Castilla, con el que quiso proteger a su familia en España. La BBC no conserva ninguna de estas grabaciones: se supone que fueron destruidas por razones de espacio.

     Barea e Ilsa se sentaban a trabajar juntos en una mesa grande de roble con lámparas de aceite colgadas del techo, Barea escribiendo en español, Ilsa traduciéndolo al inglés

    ¿Cómo asimiló ese cambio entre la España en estado latente de conflicto civil y la relajación de la campiña inglesa?

    Es curioso, Barea llegó a trabajar de payaso en las fiestas populares de la zona donde vivía en Inglaterra, un hombre tan intelectual buscándose la vida de clown. Creo que era una manera también de desconectar de sus ataques de miedo. En Madrid llegaba a trabajar 15 y 16 horas al día y tenía los nervios tan destrozados que, cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial en septiembre de ese mismo año, vomitaba cada vez que sonaban las sirenas antiaéreas, al recordarle los bombardeos de Madrid durante la Guerra Civil.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Tita Iacobelli y su Chaika  «El milagro de animar marionetas»

    Tita Iacobelli y su Chaika «El milagro de animar marionetas»

    Un milagro, puro milagro. Así nos saludaba el director del Teatro López de Ayala, Miguel Murillo, en los minutos previos de la primera obra del Festival Internacional de Teatro de Badajoz. En breve se subía el telón a un sinfín de dudas Covid y a una amalgama de sensaciones volátiles. Toma de temperatura, espectadores pares e impares y desbroce de butacas con el cincho puesto, en cierta manera, un vacío homenaje a los que ya nunca podrán ir a disfrutar de una obra en el teatro. Nos quedamos con el milagro, con los nervios de sentir teatro durante muchos días. La cultura, milagrosamente alimenta, el alma de unos cuantos forajidos sedientos de arte escénico, y las obras siguen su curso, dando de comer a los desarrapados hambrientos que viven, vivimos, en las chabolas de la cultura, un milagro, al estilo De Sica, un puro milagro a la extremeña, como acertadamente nos decía Murillo.

     

    El festival no conoce de fronteras, es internacional, los vínculos entre las compañías, dramaturgos, actores y autores es constante y vital. El riesgo de presentar una propuesta de marionetas de origen chileno, ruso y belga en Extremadura no es tal. Es un apéndice obligado para seguir creciendo como teatro. En ello estamos. Y con ellos, ella, hablamos. Tita Iacobelli es todo lo anterior. Chaika lo posterior.

    La actriz y directora chilena Tita lacobelli y la marionetista Natacha Belova se conocieron en el año 2012, en Santiago de Chile, en el marco del Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, crearon un laboratorio para investigar en torno al teatro de marionetas contemporáneas en la misma ciudad. Al final de esta experiencia de dos meses, deciden crear un espectáculo juntas. Chaika es el primer espectáculo de la compañía. El proceso de creación duró tres años y cuatro residencias entre Buenos Aires, Santiago de Chile y Bruselas. En esta ocasión tocando suelo español. Iacobelli, nos espera a los pies del escenario, mientras los focos invaden el decorado y el sonido se pone a punto. La cogemos revisando el texto en una mano y con los cabellos oscuros de Salvador, su hijo, en la otra. Dulcemente y con marcado acento chileno, nos saluda, buscamos un espacio abierto y limpio para charlar de todo, menos de teatro por un largo rato. Chejov y su gaviota mediante.

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    ¿Acabas de impartir los talleres que se realizan paralelamente al festival? ¿Cómo ha sido la experiencia?  

    Ha sido muy buena. Había profesionales y amantes del teatro y de las marionetas y siempre esa mezcla es muy interesante porque en estos talleres uno aprende mucho, de los compañeros siempre se saca algo nuevo. Lo que intenté transmitir en el taller fue pasar y compartir los principios básicos de la animación de marionetas, técnicas simples para poder animar un objeto y que los participantes pudieran ver a través de los ejercicios que hacían sus compañeros, lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros. Realmente es como un doble de uno mismo…

    …ya lo hacían en los Pupi sicicilanos o los Bunraku japoneses, dos en uno, hasta que pierdes la noción de la existencia del animador…

    Cierto, son dos personajes, ambos forman del papel, a diferencia de la marioneta de dedo o títeres, es que nos permite hablar de la dualidad, nos hace enfrentarnos ambos a la obra, una especie de espejo que provoca preguntas al espectador. Este tipo de marioneta tiene la capacidad de vincular al espectador con lo que le está pasando, en cierta medida está interpretando a ese personaje, al carecer la marioneta de organicidad y ver reflejados en ellas todo lo que le sucede a diferencia de un actor.          

     

    ¿Cómo se trabaja con un elemento como la marioneta en el escenario? ¿Cómo se traspasa a la actuación el elemento que hay que animar y como se trabaja la doble presencia, tanto de la marioneta como de la actriz en este caso?

    La marioneta, en este caso Chaika, es el personaje principal, entonces yo estoy en un segundo plano, a veces intervengo con ella y tenemos diálogos que me permite manejar los dos planos de la actuación.

     

    Lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros

     

    ¿Cómo llegas al teatro de las marionetas?  ¿En qué momento traspasas esa barrera de la actuación clásica?

    Fue un poco casual mi llegada a este mundo. Tengo la formación de actriz clásica y mi recorrido no estaba relacionado con las marionetas pero tras la separación de una compañía chilena muy famosa, La tropa, una parte de la compañía liderada por Jaime Lorca empezó a gestar una nueva formación que se dedicó al teatro de objetos y marionetas. Y tras entrar directamente en su primera obra, Gulliver, y manipular las marionetas y controlar las voces, sentí una especie de amor a primera vista. Esta fuerte intuición me llevó a proyectar los que yo quería decir a través de la marioneta y quedarme en un segundo plano. Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa.

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    ¿Por qué Chaika, por qué la gaviota de Chejov?

    Chaika es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar ella sola en la gaviota de Chejov como función de despedida de su carrera. Natacha Belova, la otra parte de la compañía, es rusa, su padre era actor y director de un teatro en Rusia, la dramaturgia y Chejov lo llevan en la sangre. Necesitábamos esta obra. No sabíamos como montarla, sólo teníamos la certeza de que yo iba a representarla con marionetas. Y tras analizar la obra, el tema de la dualidad es muy fuerte, la actriz joven y la actriz vieja, el éxito y el fracaso, y al hablar de teatro, la ficción y la realidad. Es una obra de teatro y de mujeres en el teatro, de la angustia y el placer de hacer teatro, entonces nos identificaba mucho y al tener ese complemento dual, decidimos crear una marioneta de mí pero anciana. Natacha tomó mi rostro, la creadora de la marioneta, y nació Chaika como protagonista total de la obra.

     

    Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa

     

    ¿Cómo es el público en los países sudamericanos respecto al espectador belga, francés y del norte de Europa?

    Como Chaika nació en Chile, y este personaje de la anciana, aun estando en todas las culturas, la mujer vieja, la abuela, la madre, la matriarca, está en la sociedad sudamericana muy arraigada, muy presente. Chaika está chilenizada y el público engancha muy bien, porque conocen a este personaje muy bien. Se identifican muy rápido con la protagonista, hasta ríen con las desgracias que le pasan. En Bélgica la respuesta es más formal, más contenido. Contemplan más, observan sin interrumpir y guardándose en cierta medida hasta las emociones.

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    ¿Cómo está pasando la factura del Covid a tu profesión, al teatro?   

    Nosotros decidimos venir a Bélgica para establecernos, en Chile la pandemia llegó más tarde y ahora está todo cerrado, empieza a moverse algo con alguna sala de teatro, pero no hay actividad. En algunos festivales los grupos grandes han tenido que suspender por casos de contagio y están disminuyendo el número de actores para evitar los positivos. Nosotros tenemos poco atrezzo y nos permite movernos de un sitio a otro con un par de maletas, es un teatro que no requiere tanto equipo y eso ayuda para seguir trabajando en nuestra profesión. Acá somos poquitos.

     

    Willy López | Fotografía. Chaika  / Compañía Bellova-Altobelli

  • Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek es beep boop. Puro tac- pum- zas. Pura escena. Un mimo haciendo clown, un payaso retozando mimos, un viejo ordenador de acceso telefónico con un ruido quejumbroso entre sus huesos. Richard Saudek es Crowed Outlet, un grupo de profesionales dispuestos a dar por saco con elegancia. Una cara cetrina, adquirida por la luz de un aparato digital, unos ojos adictos, perdidos, robados a la pantalla. Saudek encorva el alma y doma cuello, hombros, pecho, dedos, culo, rodillas y pies hasta vomitar a su personaje. Un poco de cine mudo, algo de la Comedia del Arte italiana y una pizca de los clowns de medio mundo. Estamos en las horas previas de la función, de un día cualquiera de un festival de teatro de Extremadura, estamos en un otoño de Badajoz.

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    Sobre el escenario, no sabemos si el técnico de sonido es el productor, si el director es el clown, si la encargada de los efectos es la técnica de luces, si el mimo es el acomodador y si el fotógrafo el taquillero que vende entradas y un puñado de buenas fotos.

    Sólo hay dos elementos en medio de la escena, un mostrador blanco y alguien que medita tumbado sobre ella. Es Beep boop. Richard Saudek viene de lejos, a un océano de distancia y un Trump de presidente por medio complican su existencia artística a cambio de público europeo, sin dólares con los que pagar los tickets y sin muros con que disfrutar su espléndida obra.

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    Afable y educado Saudek nos atiende desde la timidez de su verdadero personaje. 60 minutos donde se explora la obsesión de la sociedad por la vida online a través de nuestros teléfonos inteligentes y otros dispositivos digitales, siempre cercanos. Interpretado a un ritmo vertiginoso con efectos de sonido, música original y multimedia, trata de la soledad aplastante de la modernidad y sus divertidas consecuencias.

    Pulsamos el símbolo de grabar de nuestro teléfono móvil.

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    ¿Richard cómo nos podrías definir “Beep boop”?

    El espectáculo es un recorrido por nuestra obsesión con la tecnología y los dispositivos digitales que nos rodean.

     

    Clown, mimo, teatro visual en el siglo XXI…

    …Me interesa hablar de la modernidad a través de una expresión artística muy antigua como es el mimo. Los elementos que tú puedes ver están dentro del clown, seguramente los hayas visto en otros espectáculos, se tratan de trucos que todos conocemos, elementos antiguos que contrastan con el rabioso y salvaje presente.

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    ¿Cuál es tu trabajo previo para poder ponerte delante del público durante una hora y contarnos una historia que nos atrape?

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador. Es u na obra donde el público forma parte de la obra desde que pasa la puerta del teatro hasta que termina la función. Para ello hay que trabajar duro, con elementos básicos y minimalistas, mostrar lo cotidiano pero desde otra óptica más poética, más corporal, más teatral.

    Hablas de elementos tan cotidianos  como este móvil con el grabamos la entrevista o el ordenador que te pone efectos sonoros durante la obra…

    …Es interesante como nos mantenemos conectado obsesivamente a través de los teléfonos móviles, a las redes sociales, a las tablets, pero en realidad estamos solos con nosotros mismos. También se expresa el aspecto positivo de la digitalización social, porque criticar es fácil.

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    La aparente sencillez de Beep boop tiene un largo recorrido de producción hasta refinar esta obra. ¿Cómo se ha trabajado esa puesta en escena?

    Cerca de dos años de preparación para llegar a la obra que proyectamos ahora. Al principio tenía todo el equipo de sonido en directo, con los efectos de sonido in situ y a través del proceso de creación nos dimos cuenta que necesitamos establecer una relación entre el intérprete y lo que el público oye. Hay un sentido de juego que es muy clown. Y aquí es donde entra en juego la otra persona que está en escena, que es la que controla y despliega todos los efectos de sonido y que interactúa con él.

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador

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    Sabemos que el teatro es universal pero suponemos que la acogida de una obra como Beep boop tiene diferente acogida entre el público de diferentes países…

    …A medida que pasa el tiempo creo que se está haciendo más similar, durante mucho tiempo hubo grandes diferencias peor cada vez estamos más expuestos al teatro que se hace en Europa y viceversa. Robando vuestras buenas ideas estamos haciendo una masa de espectadores muy preparado.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz,  se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

    Durante  13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

    En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

    Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

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                                                                                                                                                                                                                                                     Foto. Russ Rowland

    Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

    La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

    De las compañías extremeñas destaca  la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

    La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

    La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua  sobre la tragedia de la inmigración.

    Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h.  Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

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    En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

    Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

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    La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

    El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

    Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

    Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

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    Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
    Compañía: El Vodevil (Madrid)

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    Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
    Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

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    Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
    Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

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    Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
    Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

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    Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
    Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

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    Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
    Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

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    Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
    Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

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    Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
    infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
    Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

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    Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
    Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

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    Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
    Compañía: GL Producciones (Andalucía)

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    Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
    Compañía: Tryo Teatro (Chile)

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    Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
    Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

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    Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
    Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

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    Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
    Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

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    Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
    Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

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    Precios de entradas y abonos. Entrada general

    Butaca de patio: 15 €  Anfiteatro: 12 €

    Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

    Butaca de patio: 9 €   Anfiteatro: 6 €

    Abono para 13 funciones

    70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

    Funciones fuera de abono

    Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
    Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
    Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

    Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
    Teatro de calle
    Paseo de San Francisco
    Gratuito

    Foto portada. Pkp

  • Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

    Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

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    Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

    Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

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    Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

    Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

    Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

    En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez  con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

    Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

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    Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

    Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

    Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

    …Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones  de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

    Que elija el público entonces…tú conoces  perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

    Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

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    Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

    La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

    42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

    Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

    Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

    Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

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    Dinos una obra que hay que releer cada año

    Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

    El teatro es para ti…

    …Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp