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Sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible

Un poeta con nombre de detective busca pistas entre sus poemas. Ben Clark y aplausos en su declamación, Ben Clark y oyentes a la espera de un armisticio, Ben Clark y su amigo Erik, el otro britishibicenco, que se compró un libro gordo de nudos marineros y se ahorcó en la escalera. Ahora toca silencio, para rastrear al más puro estilo Sherlock Holmes, el próximo poema que borre las lágrimas del público.

En otro rincón de la Feria, el libro espera ansioso a ser firmado, bien aprisionado entre los dedos sudorosos, ninguna palabra se escapa, queda menos, cincuenta lectoras delante, queda poco. Martina D´Antiochia o Mercedes Ron reciben abrazos ficticios, besos ficticios y palabras de elogios filtradas por la censura vital de la mascarilla. Ficción de youtubers, wattpaderias y trilogías de amor en tiempos de virus. Hay chicos y chicas que leen, algo queda.

Julián Quintanilla a lo suyo. Atiende amablemente a su ejército de seguidores sentado en la zona de firmas. Dos sillones blancos y un cristal templado separan al lector y escritor. Una firma, un gracias, un te quiero y una hipoteca aceptada. Legajos de la pandemia y una vida entera en treinta minutos de rodaje.

Fernando Ortiz, José Manuel Vivas, Luis Aleixandre, Carmen Castillo, Antonio Rivero, Justo Vila, Ana Bermejo y Juan Ramón Santos. Menacho, lunas congeladas, pocas flores, magia literaria, trasposiciones, la calle del medio, 112 formas de protegerse de la lluvia, cuatro emes y la calle del medio. Autores y autoras componiendo el puzle de un sábado de feria.

Carlos del Amor toca de nuevo suelo extremeño. Tres años después, treinta y seis visitas al Prado, veintidós al Thyssen y dieciocho al Reina Sofía, una liga del Barça, del Real y del Atlético Madrid y un viernes negro periodístico por medio, deja la ficción por pellizcos de su día a día, y como él nos comenta, antes periodista que escritor, Emocionarte, un libro que permanece en ese limbo laboral.

Mientras que Carlos habla del perro de Goya, un abuelo acompaña en el silencio de un banco a su nieto, un chico que pasa hojas ajeno a la mirada de ese animal asustado que como relata el periodista murciano, es un reflejo de nosotros, todos somos ese perro buscando aire, levantando el cuello, mirando con ojos como platos en un paisaje indefinido que puede ser cualquier lugar.

Mientras que del Amor remarca que hemos aprendido a vernos únicamente los ojos, a identificar las miradas, obviando las bocas, la Reina de Corazones trabaja duro para captar la atención de esos ojos infantiles que pululan por el parque ajeno al cuadro de Edward Hopper que inspiraría la casa de Norman Bates.

Mientras que Carlos del Amor recuerda las luces apagadas, el silencio de los museos en tiempo de confinamiento, la traductora de lenguaje de signos pasa un dedo desde el lagrimal del ojo hasta la comisura de la boca. Ella entiende mejor que nadie esa falta de ruido, el autor pone música al abrazo de Juan Genovés, la traductora toca la guitarra de María Blanchard.

Mientras que Carlos habla del pasaporte de los cuadros, las traseras de los cuadros, sus etiquetas, sus censuras, sus dueños por un tiempo, las manos por las que han pasado, los altillos donde han dormido años y años, alguien descubre que el Caravaggio de su casa no vale un duro, que todo es cuestión de emociones, de momentos, de la capacidad que tenga cada uno de soportar las perrerías de la vida, de evadirnos con un libro, de escaparnos del lienzo de Van Gogh aprovechado una ronda de presos, de brindar con absenta de frente a un cuadro de Degas, de celebrar que estamos vivos, que sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

25 de junio de 2021
Proyectos de sostenibilidad, cultura y alma en tierras extremeñas y portuguesas

El tiempo pasa rápido, y ha transcurrido un año de la última edición del Congreso Mundial de la Ciudadanía Extremeña en el Exterior. Un año y un pistoletazo de salida para infinidad de proyectos que se han sumado a la iniciativa comunitaria de la New European Bauhaus desde la región o interconectada con Extremadura. Las conclusiones por entonces, se han afianzado de manera vertiginosa, y eso que aún quedan mucho por recorrer en este nuevo mapa mundial.

Quedó claro, tras el encuentro, que Extremadura es una tierra preñada de talento y de capital creativo, que contamos con personas que están demostrando, unas desde nuestra región y otras desde el exterior, la valía, la idoneidad y la versatilidad de sus proyectos innovadores. Pudimos comprobar que tenemos gente comprometida con el territorio desde el propio territorio, gente que vive en otras latitudes pero con ganas de seguir aportando y colaborando con su tierra. Con el Nuevo Bauhaus Europeo, se abre una incesante vía, una hoja de ruta para llegar a un futuro esperanzador, más ecológico, más digital, más sostenible. Un futuro en el que los creadores, artistas, científicos, artesanos o arquitectos pueden diseñar un nuevo modelo social…una nueva forma de relacionarnos con el urbanismo y con el medioambiente…Cómo deben ser nuestras localidades…cómo vivirlas…cómo debe ser nuestra relación con la naturaleza…cómo respetarla…cómo hacer territorio.

La Nueva Bauhaus Europea

Quiero que NextGenerationEU ponga en marcha una ola europea de renovación y convierta nuestra Unión en líder de la economía circular. Pero no se trata solo de un proyecto medioambiental o económico: tiene que ser, además, un nuevo proyecto cultural para Europa. Ursula von der Leyen

Desgranamos algunas de las iniciativas vinculadas con el programa europeo con el propósito de implicar a diversos agentes locales y buscar vías de colaboración conjunta. Proyectos extremeños y portugueses, finalistas y ganadores del premio internacional New European Bauhaus, convocado por la Comisión Europea y nuevas propuestas para el año que viene, proyectos que empiezan a asentarse como una realidad, ideas y bocetos de nuevas iniciativas que propician la transformación de lo rural. Proyectos de Extremadura y de la vecina Portugal que pretende servir de inspiración para todas aquellas ideas que puedan implicarse en algunos de los ámbitos de acción que promueven los valores, como ruralidades, sostenibilidad o inclusión.

LaNaveVa

LaNaveVa: el lugar donde el arte no se detiene; un espacio centrado en la exhibición de obras plásticas de artistas españoles, que trasciende las limitaciones físicas de la galería de arte para sacar las esculturas a la naturaleza. Instalaciones de gran formato, trabajos de landart, site specific art y arte ambiental serán algunas de las propuestas que acogerá el nuevo parque de esculturas localizado en Cáceres. Frente al embalse de Valdecañas, junto al municipio de Berrocalejo (Cáceres), a pocos kilómetros de Madrid, LaNaveVa se encuentra en plena naturaleza y rodeada de facilidades de acceso y comodidades. El paisaje cambiante, marcado por las aguas del pantano y por la riqueza del ecosistema de la región, resulta un escenario propicio para la instalación de grandes esculturas e intervenciones.

La Nave Va es un espacio dedicado a la exhibición de esculturas e intervenciones de gran envergadura, propuestas de Land Art, arte ambiental y Site Specific Arte de artistas reconocidos y nuevos talentos basado en la premisa de que el Arte no se detiene.

El espacio de LaNaveVa se ha concebido en dos ambientes diferenciados: por una parte la amplitud del paisaje, siempre variable en función al paso de las estaciones y la climatología, con impactantes puestas de sol; y por otra, el interior de la propia nave, que es el eje central del parque. La nave, resultado del aprovechamiento de una edificación destinada a usos agropecuarios en abandono, es el ámbito en el que tendrán lugar ocasiones especiales en forma de eventos, encuentros, actividades y exposiciones de obras de diferente naturaleza y lenguaje a las instalaciones del exterior. LaNaveVa se configura como un centro multidisciplinar de arte y naturaleza, que espera impulsar la actividad cultural de la región. Para su inauguración el parque ha estado en contacto con escultores españoles como Cristina Almodóvar, Diego Canogar, Kico Camacho o Juan Garaizabal con el objetivo de proporcionar una oferta variada a sus primeros visitantes.

En LaNaveVa el arte no tiene límites. La promoción de los creadores españoles es una prioridad, además de la de acercar estas propuestas, alejadas del circuito de las galerías convencionales, a aficionados y coleccionistas. El parque LaNaveVa es un lugar abierto a la participación.

Eduardo Mencos: paisajista de LaNaveVa

La ondulante superficie del jardín de LaNaveVa, integrado por colinas que confluyen en el lago central, es uno de los sellos fundamentales la nave. El jardín, que irá poblándose progresivamente de esculturas, comunica directamente con el paisaje característico del Campo Arañuelo y ensalza su belleza mediante la utilización de elementos que le son característicos, como los olivos, los tomillos y el propio lago, que hace referencia a las aguas del embalse de Valdecañas.

Este sentido de comunidad con el paisaje no sería posible sin la labor de Eduardo Mencos, paisajista y hombre polifacético, que contempla los jardines bajo una visión integradora que unifica bajo un mismo concepto arquitectura, paisaje y todos los elementos que son la seña de identidad de los mismos. Gran admirador de los paisajes de España, con varios libros de fotografía publicados, Mencos busca rendir homenaje a los rasgos naturales de los entornos en cuales los jardines se integran, proponiendo especies endémicas y características de estos lugares. Para Eduardo Mencos el jardín posee un sentido narrativo claro dada la influencia de su carrera previa en el cine.

Mesas de Berrocalejo en Cáceres

La Nave Va se encuentra en Berrocalejo, Cáceres, a escasos metros del embalse de Valdecañas, entre cultivos de cereales y olivos, y es fruto del aprovechamiento de una nave abandonada que estuvo destinada a usos agropecuarios. Su localización, sobre el cercano embalse proporciona a la nave un panorama visual en el que especies vegetales características de la región —encinas, alcornoques y retamas—, se entremezclan con usos agrícolas tradicionales como la cebada, el trigo, la vid o los olivos. Se trata de una zona con una gran riqueza natural, además de un patrimonio cultural atractivo que ha dado pie a lugares de interés monumental y etnográfico debido a su pasado remoto y a la ocupación rural de su territorio.

En la ejecución del proyecto se ha tenido en cuenta estos referentes, de manera que La Nave Va se integra con el entorno. Su jardín toma como inspiración el agua del embalse y está conformado por un estanque ovalado rodeado de colinas que aluden el elemento acuático. Otros referentes como los olivos o el tomillo están presentes en la concepción del mismo.

NEW HAND LAB

El New Hand Lab es un espacio que promueve la creatividad, la innovación y el emprendimiento a través de la realización de ideas, productos e iniciativas. Pretende asumirse como un espacio para la promoción y difusión de los recursos endógenos más creativos y el impulso de Covilhã y Beira Interior en el país y en el mundo.

EN EL PULMÓN DE LA VECINA PORTUGAL

Covilhã ubicado en el corazón de Portugal, desde el siglo. XII que es una marca de lana, con un enfoque especial en la creatividad evolutiva. La fábrica de António Estrela se construyó sobre una fábrica del siglo XVI. XVII, en 1904 recibe un premio que honra y distingue mucho a esta fábrica y por qué no decir a la propia ciudad, que le dio su reconocimiento a través de fronteras, en este caso al otro lado del Atlántico, en la Exposición Universal de St. Luiz, EE. UU.

A lo largo de los años esta fábrica ha sido reconocida, pero no por ser exhaustiva, más al mismo tiempo, Julio Afonso recibe el premio “Brillant Pen 1976”, otorgado por Men’s Fashion Writers International, cuyo principal rasgo profesional fue el dominio del elaborado y asociado con una creatividad reconocida por el propio mercado por sus pares. Desde hace unos años, la familia de Julio Afonso ha intensificado su interés por las costumbres y sus talentosos artesanos y ha madurado la idea de apoyarlos por un lado y rendir homenaje a su fundador por el otro. En Castelo Novo, un talento boutique tienda, ubicada en un Pueblo Histórico.

Sin embargo, de la búsqueda permanente de materializar la creatividad libre y espontánea de todos los que trabajan en el proyecto conjunto, nació el Hand Lab, que decidió llamar Nuevo por ser un espacio nuevo y que ahora se da a conocer públicamente a través de esta exposición 100 % lana, donde rinden homenaje al trabajo de Julio Afonso y consagran en puntos comunes la sostenibilidad de la tecnología creativa y apasionada.

El objetivo final es compartir con todas las personas que tienen un gran interés en todo esto y motivarlas a unirse a este espacio de expresión libre y creativa.

FRANCISCO AFONSO

Francisco Afonso es el mentor de la creación. Es el impulsor del proyecto, el detonante de la intervención. Soñador, caballero y afable, su arte es la voluntad de hacer y la voluntad de aceptar. Francisco Afonso vive en los muros de la fábrica. Su patrimonio son los espacios que conoce de punta a punta, de máquinas a escalones, entre rodillos y columnas, llenos de sueños perdidos y esperanzas redescubiertas. Francisco Afonso ofrece al público su piso, pero fue a los artistas a los que entregó su alma.

Hay un mundo privado en cada cabeza pensante. Si tuviéramos acceso a estas voluntades primarias, miedos guturales y libido libre, las puertas de la anarquía se abrirían indefinidamente. Cuando los ojos se cierran y el cuerpo está enterrado, se invita al público a entrar.

Proyecto OPEN UP

El proyecto Open Up (siglas: OU) explora cómo, en esta era de división, segregación y exclusión, la cultura puede jugar un papel activo en el surgimiento de nuevas relaciones en la comunidad. A través de las diversas actividades, OU tiene como objetivo proporcionar una plataforma sólida, activa y sostenible para sinergias creativas. El proyecto tiene como objetivo construir prácticas artísticas sostenibles dentro de las comunidades desfavorecidas presentes en cada una de las ciudades participantes. OU consiste en una red transaccional en los campos del arte, la cultura, las artes escénicas, los problemas urbanos y sociales.

OU es un proyecto que tiene como objetivo descubrir artistas, intérpretes y diseñadores, con un enfoque especial en los jóvenes, de comunidades urbanas desatendidas, segregadas y desfavorecidas en siete países europeos: Chipre, España, Finlandia, Francia, Grecia, Portugal y Suecia.

Para lograr esto, OU creará siete plataformas diferentes que trabajarán juntas para empoderar a estos creadores a desarrollar sus habilidades, presentar su trabajo y crear un modelo de negocio que les permitirá mantener su trabajo después de la finalización del proyecto OU. Además, se creará una octava plataforma de intercambio para explorar y compartir las experiencias de la OU.

Durante los tres primeros años del programa, y a través de las ocho plataformas, se organizará un abanico de actividades, que culminarán en la UO de Festivales Culturales, que tendrá lugar en el cuarto año. OU empleará el modelo Learn-Do-Present, un proceso interactivo, que finalizará con la presentación de nuevos trabajos, con el objetivo de desarrollar y probar modelos de negocio sostenibles en el sector de las artes, además de promover el diálogo y la competencia intercultural. El proceso de Aprendizaje incluye el intercambio y difusión de habilidades y conocimientos, el proceso de Making permite a los participantes materializar sus conceptos, utilizando los conocimientos adquiridos. Finalmente, el proceso Presente promueve los resultados y productos creativos de los participantes a la audiencia y la industria creativa.

TIERRAS EN DANZA, 2021

El proyecto Tierras en Danza de la ONGD Sinergos, se coló en la lista de finalistas de los Premios New European Bauhaus, y formó parte de las iniciativas extremeñas, donde LaFábrika detodalavida fue premiada. A pesar de solo haber celebrado dos ediciones, el objetivo de llevar la danza contemporánea a las zonas rurales del norte de Extremadura, en concreto en su sede principal Tierra de Granadilla, y su conjunción con la naturaleza y el deporte le han valido ser finalista en la categoría 8 “Movilización de la cultura, las artes y las comunidades”, que premia actividades de transformación centradas en las artes y la cultura que ayuden a generar cohesión social.

QUÉ ES TIERRAS EN DANZA

El Festival de Danza Contemporánea en el Medio Natural «Tierras en danza» es un evento cultural, formativo y turístico en el que disfrutar de la danza en un entorno privilegiado. Consiste en la celebración de una semana de clases de danza contemporánea, actividades deportivas y culturales dirigidas a aficionados y profesionales de la danza, pudiendo disfrutar también de espectáculos y actividades complementarias a lo largo del desarrollo del curso. El ámbito del encuentro es tanto nacional como internacional, planteando unas vacaciones alternativas en una zona poco conocida.

El encuentro se desarrolló en las instalaciones del Centro Internacional de Innovación Deportiva en el Medio Natural «El Anillo», situado en la comarca de Trasierra-Tierras de Granadilla, Cáceres en julio y de agosto.

La idea de estas jornadas nace tras un proyecto previo en estas instalaciones, en el que por unos días juntamos la danza con la investigación en el deporte. Nuestra estancia allí nos permitió conocer mejor la zona y descubrir todas las posibilidades de este espacio privilegiado. Como resultado, desde el RCPD “Mariemma” grabamos un vídeo danza en el que se aprecian las múltiples posibilidades de esta edificación y el medio que la rodea: Por otra parte, este tipo de jornadas formativas se dirige a un sector especializado en danza contemporánea (profesionales y semiprofesionales) poco conocedores de la geografía extremeña y de las posibilidades que ofrece la región. En un radio de menos de 30 Km podemos encontrar las ruinas romanas de la ciudad de Cáparra, sede del festival de Teatro clásico de Mérida; o la Villa Medieval de Granadilla, declarada como Conjunto Histórico artístico. Del mismo modo, las comarcas cercanas no disponen de una oferta cultural amplia en este campo, brindando una buena oportunidad a sus habitantes para entrar en contacto con una forma de arte que les resulta de difícil acceso. La pervivencia en el tiempo de este tipo de eventos sitúa en el mapa a la localidad que la acoge, y es un reclamo para los seguidores de la danza y sus familias, que pueden disfrutan de un tipo de ocio distinto en un medio altamente atractivo.

QUIEN ESTÁ DETRÁS DE TIERRAS DE DANZA

Detrás de Tierras en Danza tenemos un fuerte equipo con perfiles diversos para enriquecer el proyecto. El proyecto se articula a través de la ONG Sinergos, entidad sin ánimo de lucro entre cuyos fines se encuentran la difusión de la cultura, el desarrollo de oportunidades en el medio rural o la promoción de la actividad física y buenos hábitos de vida, por citar algunos.

Entre sus integrantes contamos con profesionales con un largo curriculum a sus espaldas en aspectos como docencia en danza, trayectoria artística interpretativa y coreográfica, organización de eventos o gestión nacional e internacional de proyectos.

EL ANILLO

El Centro Internacional de Innovación Deportiva en el Medio Natural «El Anillo» es una apuesta por un modelo de desarrollo sostenible basado en la creación de proyectos e iniciativas innovadoras en el ámbito del deporte, del turismo deportivo y de naturaleza, así como del ocio y el tiempo libre, enmarcado dentro de la estrategia «Extremadura2030». El conocimiento, la innovación, la creatividad y, sobre todo, la formación son pilares fundamentales de la filosofía que se marca en El Anillo, considerando el deporte como un sector productivo muy potente y creciente. Actualmente, el Anillo está calificado como Centro de Referencia Nacional de la Familia Profesional de la Actividad Física y el Deporte por el Ministerio de Educación. Esta distinción supone que desde el CRN El Anillo programan y ejecutan actuaciones para toda España, de carácter innovador y experimental en materia de formación profesional que sirven de referente al conjunto del Sistema Nacional de Cualificaciones y Formación Profesional.

EL ENTORNO

La Comarca de Trasierra-Tierras de Granadilla está situada en el sector Centro-Norte de la provincia de Cáceres y delimita al Norte con la provincia de Salamanca y el Valle del Ambroz, al Oeste con la Comarca de Las Hurdes y Sierra de Gata, al Sur con la ciudad de Plasencia y al Este con el Valle del Jerte. Territorialmente nos encontramos con dos áreas bien diferencias: las llanuras del Centro y el Sur que engloban a la mayor parte del territorio y las áreas de montaña del Este y Norte. Estos contrastes orográficos implican también unas notables diferencias altimétricas y consecuentemente de vegetación, ocupación del espacio y aprovechamientos del mismo. Dando lugar a un paisaje bien diferenciado entre las sierras y los piedemontes, las zonas de llanuras y las vegas de los Ríos Ambroz y Alagón.

Se halla recorrida por dos importantes ríos: el Alagón y su afluente el Ambroz, éste último tiene asociados una serie de regadíos en La Granja y Zarza de Granadilla. Ambos ríos presenta un importante encajonamiento, especialmente el Alagón en su recorrido aguas abajo del Embalse de Gabriel y Galán, dando lugar a zonas de riberos con especial valor ecológico. El territorio tiene una buena localización y una buena accesibilidad, ya que es atravesado por una de las principales rutas nacionales: la Ruta de la Plata, definida por la N-630 y la Autovía A-66, que une el Norte y el Sur de España. La cercanía a Plasencia es otro de los factores a destacar. La EX-205 vertebra la Mancomunidad de Oeste a Este y desde ésta se puede acceder a la mayoría de sus municipios.

FAB LAB

Fab Lab (abreviatura de laboratorio de fabricación) es un laboratorio de fabricación totalmente equipado que brinda a todos, desde niños hasta profesionales y empresas, la capacidad de convertir sus ideas y conceptos en realidad.

FAB LAB Aldeias do Xisto funciona en la Plaza del Antiguo Municipal de Fundão y es un espacio de creación y experimentación a bajo costo y donde no hay límites para la creatividad. Este laboratorio fue el primero que se creó en la comarca, en el que el Ayuntamiento es el principal impulsor, invirtiendo en una estrategia de innovación y emprendimiento. La idea es ayudar a encontrar las soluciones más adecuadas para quienes buscan allí nuevos caminos creativos y comerciales.

Café en la Plaza

1º edición del ′′ Café en la Plaza «, un evento que tuvo lugar el pasado 11 de noviembre, en el Octágono de la Incubadora La Plaza, en el Fundão, y está integrado en el Ciclo de Sesiones de Networking organizado por el Municipio del Fundão para la Comunidad Empresarial de la Incubadora. El Café en la Plaza nació de la voluntad de estrechar relaciones entre toda la comunidad presente, virtual o físicamente, en la Incubadora La Plaza, siendo que, todas las sesiones contarán con la presentación de un ′′ case study «, esto es, un modelo de negocio exitosamente firmes en el tejido empresarial de la región. La idea es que los empresarios invitados presenten sus experiencias y buenas prácticas comerciales a todos los participantes. En esta 1 a edición el invitado fue el empresario Paulo Ribeiro, CEO de Unitom.

Programa iAtelier

El programa iAtelier está organizado por Cearte, en asociación con FabLab de NOVOTECNA, y es parte del proyecto Crafting Europe. Dirigido a artesanos y diseñadores, con habilidades técnicas en la creación de artesanías o habilidades en diseño digital, el programa está diseñado en dos fases, complementarias entre sí: Sandbox y Creative Residences.

Sandbox – 4 sesiones online, a partir del 12 de julio entre las 15h y las 19h, con el objetivo de presentar las nuevas tecnologías de fabricación digital como herramientas de apoyo a la producción artesanal. Ponente / Mentor: Luís Carvão, Máster en Arquitectura y Urbanismo en ISCTE-IUL. Formó parte del equipo fundador del primer Laboratorio de Fabricación Digital (Vitruvius Fab Lab).

Residencias creativas: que se llevarán a cabo entre septiembre y noviembre, en Buinho FabLab en Messejana / Alentejo, donde 5 equipos compuestos por 1 artesano y 1 diseñador desarrollarán las ideas iniciales y producirán un conjunto de productos utilizando la integración de tecnologías de producción manual digital, para se presentará durante la Dutch Desing Week 2022.

VIVENCIA DEHESA

Vivencia Dehesa es fruto del proyecto de regeneración de la finca Valdepajares de Tajo, declarada como Área Privada de Interés Ecológico, primer y único espacio natural protegido privado de Extremadura. El proyecto se sostiene sobre tres pilares fundamentales: protección de la biodiversidad, producción de materias de alta calidad y divulgación. Todos están interconectados y son indispensables para el correcto funcionamiento del sistema.

Tras varios años de trabajo dedicados a conservar y mejorar el paisaje, se ha conseguido un extraordinario equilibrio de diferentes ecosistemas y Valdepajares de Tajo es hoy un referente con una biodiversidad excelente.

Un paraíso para las aves y la fauna silvestre, una nueva forma de entender la protección y conservación de los Espacios Naturales. Comprometidos con la difusión de nuestra filosofía, Vivencia Dehesa ofrece una finca donde enseñar y aprender sobre naturaleza y agricultura, compartiendo vivencias a través de nuestras rutas, cursos, actividades y los productos bío que elaboramos.

La Dehesa y el Agua

Sepp Holzer, experto en permacultura, inició en Valdepajares de Tajo una excepcional reforma hidrológica en el año 2005 ante el decaimiento de las encinas y el empobrecimiento de los suelos. Se adoptó una nueva estrategia, creando reservas de agua, con el fin de retener humedad y crear microclimas. Valdepajares de Tajo es hoy Área Privada de Interés Ecológico. Una dehesa revitalizada donde el aumento de la biodiversidad ha sido excelente, y los largos estíos extremeños son ahora mucho más llevaderos gracias a la presencia constante de agua en las charcas. Gracias a la rica sucesión de lagunas, encinares, berrocales, sotobosques y praderas, Valdepajares de Tajo ofrece lo mejor de cada biotopo asociado al bosque mediterráneo. La marca de identidad que diferencia a Vivencia Dehesa es su apuesta por el agua como agente renovador del paisaje. De esta manera, Valdepajares de Tajo se revela hoy como una dehesa especial, en la que el agua es protagonista principal.

La Dehesa y el Bosque

El bosque mediterráneo, al este de las grandes lagunas, es el área más agreste de Valdepajares de Tajo. Con un relieve muy marcado, y un espeso y perfumado sotobosque de cantuesos y jaras, es el refugio de especies puramente forestales como la garduña y el azor. Un espacio que da cobijo a una extraordinaria variedad de fauna silvestre, refugio de venados y jabalíes. La regeneración del arbolado y la fertilidad del suelo son características importantes de Vivencia Dehesa que ha conseguido armonizar el difícil equilibrio cuidando el aprovechamiento agrícola, ganadero y forestal de su espacio.

El jardín de los sueños

El esqueleto de una gran encina muerta era bien visible desde el mirador de la vivienda de Valdepajares de Tajo, un punto negro que destacaba en el paisaje de una dehesa revitalizada.

El Jardín de los Sueños es hoy un hito carismático, una de sus señas de identidad. Bajo la sombra de la encina protectora se puede disfrutar del perfume de una gran variedad de plantas aromáticas; desde el mirador se observa una excelente perspectiva de lo que es Valdepajares de Tajo.

Agricultura Regenerativa

En una apuesta de futuro para el desarrollo de la dehesa, desde 2012 comenzaron a trabajar en términos de agricultura regenerativa. Un compendio de técnicas cuyo fin último es la salud y fertilidad del suelo. Los nuevos cultivos se basan en el concepto de “Línea Clave”. De esta manera aumenta la retención de agua y se facilita el desarrollo radicular de las herbáceas, así conseguimos que el perfil fértil del suelo crezca. Elaboran y emplean nuestros propios abonos orgánicos y biofertilizantes, empleando materias y productos procedentes de la finca.

17 de junio de 2021
Celeste Garrido «Tus ojos dicen lo que tu boca calla»

La artista gallega Celeste Garrido tiene una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. En esta muestra se incluye una cuidada selección de obras en distintos formatos —en su mayoría de nueva producción— que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo. Su proyecto Nupcial, desarrollado a través de numerosas obras, hace referencia al vestido de novia como símbolo del matrimonio, dentro de un sistema patriarcal subyacente en nuestra cultura y que todavía hoy ejerce un claro dominio sobre la mujer, condicionando su libertad y su autonomía.

Su discurso artístico surge de la relación entre la experiencia creativa y la condición femenina, incorporando a su obra objetos de la vida cotidiana y materiales orgánicos, en especial aquellos de uso doméstico —miel, gelatina, uvas, pétalos de rosa…— que por sus propiedades y carácter simbólico hacen alusión a la fragilidad corporal, a la noción del tiempo que pasa, y al carácter cambiante de las cosas; la inestabilidad unida a la idea de belleza que persiste en nuestro imaginario colectivo, directamente relacionada con el deseo y la seducción. Sus obras aluden a menudo a una mujer cuya acción está condicionada por la mirada del otro, con una dependencia emocional que hace que su propia voluntad se desvanezca.

Durante los últimos meses, Celeste Garrido ha desarrollado un nuevo proyecto que establece una reflexión en torno a la violencia infantil y en especial a la violencia sexual en la infancia y la adolescencia. Denominado Infancias rotas, afronta el abuso a menores a través de la creación artística, denunciando el infierno al que se enfrentan los niños y en especial las niñas, por el simple hecho de haber nacido mujeres, en algunos países en vías de desarrollo. Pero también pretende desvelar una realidad de episodios silenciados de abusos infantiles que transcurren a nuestro alrededor, bajo una apariencia de normalidad amable, y que hieren irreversiblemente a algunas personas en lo más profundo de su ser, destruyendo su infancia y condicionando para siempre su vida, especialmente cuando estos hechos se producen dentro del círculo de confianza del menor, como puede ser la familia o la escuela. Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso.

Celeste ¿Qué nos encontramos como visitante en esta tercera planta del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo?

Aquí en el MEIAC, en esta tercera planta hay una exposición de Celeste Garrido, una artista gallega, donde nos podemos encontrar con dos series, la serie Nupcial con la que llevo trabajando veinte años, y una serie nueva que empieza en el confinamiento y se llama Infancias rotas. Esta serie se inicia a raíz de la lectura de un libro de María Martínez-Sagrera del mismo nombre que la serie.

Impacta ver un museo una presencia tan directa de un tema tan duro y desgraciadamente tan actual…

Yo soy profesora además de artista y por eso me parece importante establecer esa reflexión que permita a los niños cuando van a visitar los museos, tocar el tema del abuso sexual. Es un aspecto que se trata muy poco y que muchas veces ocurre en el círculo de confianza del menor y por tanto, tarda mucho en detectarlo. De ahí como educadora me interesa que los niñas sepan que existe esta cruda realidad y pueden contarlo.

Vemos elementos significativos como un traje de comunión, pétalos de rosa, zapatos de tacón con espinas, rojo y blanco…

…estos elementos conforman la parte nupcial y son elementos orgánicos, sacados muchos de los materiales de cocina que utiliza la mujer, como la sal, la miel o como la gelatina de fresa, y que se va trasformando durante la exposición. Esto da diferentes lecturas pero se centra en el tema de la mujer, con el mezquino rol que dice que dice que la mujer tiene que estar en la cocina, en el hogar. Es una crítica viva y una reflexión para todos los asistentes.

El premio Princesa de Asturias de la Artes, recientemente concedido a Marina Abramovic, puede ser, por fin, un paradigma para situar a la mujer en el espacio que le corresponde en el mundo del arte.

Formo parte del portal de Igualdad que lo que hace es reflexionar en torno a la presencia de la mujer en el arte. En los museos aparecemos ahora, pero en las grandes colecciones museísticas no aparece para nada y sobre todo, aún a día de hoy, en las exposiciones internacionales, en las grandes muestras y en las grandes ferias, no se selecciona obra de mujer. Un 5% frente al resto que suelen ser masculinas.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez.

13 de junio de 2021
Ousman Umar «El talento no tiene color»

Nacer un martes es común. Ser tu único dato para celebrar un cumpleaños ya no tanto. Cruzar el Sahara en busca del trabajo con nueve años es dantesco. Tardar cinco años en cruzar el estrecho una locura. Sentirse más sólo en Barcelona que una barca de maderos podridos en medio del mar una paradoja con común denominador; Esclavitud del siglo XXI.

“Es indiferente, no hay año, da igual que sea quince, veinte o trescientos años, lo más importante es el día de la semana”. Nos dice Ousman Umar con una sonrisa inmensa, y nos da el primer hachazo. «Aquí viene la diferencia de culturas, que a veces, pensamos que nuestra forma de entender y ver el mundo es la única manera para que funcione. Hay multitud e culturas”. Kwabena, martes en lengua ghanesa, nos los escribe en un papel, mientras nos recuerda que Kofi Annan, quien fuera secretario general de las Naciones Unidas, significa el cuarto hijo nacido en viernes.

Ese martes, de un año cualquiera, los designios de Umar ya estaban marcados por la tragedia. “Se supone en mi tribu, que el espíritu del recién nacido es más poderoso que la madre, y si el bebe al nacer muere la madre, se convierte en un ser poderoso, maligno capaz de dominar y matar a todo el pueblo.” Por un momento Ousman guarda silencio, ese vacío lo tapa el ruido de los niños que celebran un cumpleaños. Una celebración con fecha y hora exacta de nacimiento. “Me salvó mi padre. Era el chamán”. Otra larga pausa y una bicicleta de regalo en el cumpleaños de al lado. Umar la mira de reojo y nos recuerda, que eso era uno de sus oficios con menos de 10 años, soldar entre otras cosas, bicicletas.

De Ghana a Barcelona hay 21,333 kilómetros. 5 años. Esa es la distancia y el tiempo empleado por Ousman Umar para llegar a un destino, que según el fundador de la ONG NASCO, estaba escrito en algún lado. “Salí con nueve años de mi casa para trabajar”, nos muestra sus manos, “esta quemadura es fruto de soldar con esa edad, mi doctorado.»

Para cruzar el estrecho; Ghana, Burkina Faso, Níger, Libia, Argelia, Marruecos, Sahara Occidental, Fuerteventura, Málaga y Barcelona. 5 años, secuestros y vidas perdidas por el camino. “Hay que recordar que yo caí en manos de traficantes, porque los traficantes de inmigrantes te venden Europa como si fuera la panacea. Para llegar hay que cruzar unos de los peores desiertos del mundo, el del Sahara. De unas 46 personas que fuimos abandonadas en el medio del desierto, tres semanas más tarde. Sólo seis llegamos con vida, sin contar con los cadáveres de grupos diferentes que nos íbamos encontrando por el camino. La realidad supera la ficción. Aquel que fuera capaz de orinar para bebérselo después era el más afortunado”

A Ousman Umar se le empañan los ojos con una fina capa de lágrimas. Las pestañas hacen de dique y no se lanzan al vacío, sólo iluminan más los ojos de este héroe natural. Emocionado o cabreado, es difícil diferenciar su discurso, su charla es dulce y en ocasiones vehemente. Seguramente que la ha contado mil veces, en mil sitios con miles de personas pero creo vislumbrar que en la narración de esta odisea, añade un detalle que le hace daño. “En Libia descubro que soy negro”, continua Ousman, “Llegamos a un pueblo que se llama Udei el- Isir, cuatro cabañas, pero lo peor de todo es que después de tanta tortura, nadie se nos acercó, sólo niños, que nos pedían dinero por una miserable botella de agua, ser negro y vivo en Libia era un delito, cuando tuve una hemorragia en la nariz y fui a pedir ayuda a un médico no me quiso tocar, porque tocar la sangre de un negro es tocar la sangre de un perro”.

Salí con nueve años de mi casa para trabajar, esta quemadura es fruto de soldar con esa edad, mi doctorado.

«Lo que llega a Europa es la punta del iceberg, la gran mayoría morimos antes. La peor tortura lo vivimos antes de llegar a las costas europeas”. Preguntamos a Ousman por la posible solución de la inmigración, si tiene alguna pista sobre la que sostener este desequilibrio mundial, la respuesta nos sorprende, “La solución de la inmigración está allí, en África, no está aquí en Europa, lo siento mucho pero cuando llegamos al mar la batalla está perdida”

Hay un momento clave, quizá mágico, chamánico, un instante que cambia la vida del ghanés. Montse le da la mano, una casa, comida caliente, una cama y un beso de buenas noches. Montse y su familia catalana le hizo nacer dos veces. “Hay que reconocer lo que es la curiosidad fue el motor que me empujó a realizar todo este recorrido, me preguntaba ¿Quiénes son los blanco que son capaces de hacer un avión por encima de mi cabeza?” “Pensaba que ser blanco era ser médico, ingeniero, un semidiós, pero cuando llegué a casa de Montse entendí que el talento no tiene color”.

Lo que llega a Europa es la punta del iceberg, la gran mayoría morimos antes. La peor tortura lo vivimos antes de llegar a las costas europeas

La distancia mide el valor de la personas, una escala realizada con valores económicos, el hermano de Ousman tardó cinco horas en llegar en avión, él cinco años. Dos carreras después Ousman crea la ONG NASCO Feeding Minds con el fin de proporcionar acceso a la información y la educación, reduciendo la brecha digital. La mejor manera según Umar de acercarnos al nuevo mundo sin tener que pisarlo. Un “viaje” para crecer sin morir en el intento.

Es indiferente, no hay año, da igual que sea quince, veinte o trescientos años, lo más importante es el día de la semana.

LUGAR DE NACIMIENTO

Dicen que la infancia te marca para toda la vida, a pesar de que, en mi caso, fue una etapa que no encontró espacio para desarrollarse. Nací en África, en un pueblo llamado Fiaso, Ghana, un martes de 1988. Cuando era un niño no tenía mucho con lo que disfrutar y, por lo tanto, tuve que fabricar mis propios juguetes. Cuando tenía sed, tenía que ir al río para conseguir agua. En mi casa no había nada; si quería comer pescado, tenía que ir a pescar al río. Era el hijo del chamán del pueblo y, a menudo, iba a la jungla a buscar plantas para curar enfermedades de las personas de la zona. Todo empezó un día, mientras jugaba al fútbol con mis amigos después de cuidar a los animales. De repente vi un avión que volaba. “Y pensé: ¿cómo puede haber un avión allá arriba? Si yo cojo cualquier cosa, la lanzó al aire y cae a tierra, ¿cómo es que ese avión no cae?”. Lo comparé con los juguetes que había construido y que había tenido que arrastrar por tierra si quería que se movieran. Una vez me dijeron que solamente las personas de piel blanca podían volar en aquellos aviones. Trabajaba soldando chapa; tenía unas manos y un cuerpo muy pequeños y estables que me permitían entrar dentro de la compleja maquinaria y realizar soldaduras que no eran nada simples. Un día oí hablar de Libia. Me dijeron que si me trasladaba allí, recibiría un buen salario, cosa que me parecía imposible porque, hasta aquel momento, en Accra, trabajaba sólo por comer un bol de arroz al día. Por descontado, acepté.

“VIAJE” A TRAVÉS DEL DESIERTO DEL SÁHARA

El viaje que emprendí todavía me parece una película, parece algo surrealista que nunca podría pasar. A menudo, me digo a mi mismo: “¿Cómo pude sobrevivir?” Un ejemplo de esto, tuvo lugar en el desierto del Sáhara. Éramos 56 personas en tres coches Land Rover ( eso son 18 en cada coche), cruzando el desierto entre las dunas. De repente, tuvimos que bajar de los coches porque los conductores “tenían que ir a buscar gasolina” y no iban a tardar mucho. Nunca volvieron. Fuimos abandonados en medio del desierto. A pesar de esto, un chico aseguró que conocía el camino correcto, y por lo tanto, decidimos seguirlo. Aprovechó la ocasión para hacernos pagar dinero, de lo contrario, no nos guiaría. Pasaron los días y, con el grupo, nos enfrentábamos cada vez a más contratiempos. No teníamos comida ni agua. “Una de las cosas que he aprendido de esta experiencia, es que el cuerpo humano es verdaderamente sabio; se adapta a cualquier situación “. Después de 21 días llegamos a la otra parte del Sáhara. Únicamente 6 de nosotros, de las 56 personas que éramos originalmente, sobrevivimos.

“Me rendí varias veces durante el viaje. Ya no tenía esperanza. Aquellos fueron momentos difíciles “. Afortunadamente, vi un cadáver en una gran roca. Espantado, me acerqué y miré en sus bolsillos. Llevaba una cantimplora llena de agua. “Aquello salvó mi vida. Me pregunto por qué fui yo el que lo vió, pero doy las gracias a Dios por escoger este camino”. Una vez llegamos a Libia, las cosas fueron peor de lo que esperábamos. En aquel momento, el país estaba controlado por Gadaffi.

VIAJE EN UNA PATERA

Estuve en Libia durante 4 años. Pude ahorrar suficiente dinero para huir del País. La mafia me convenció para que pagara 1.600 dólares para cruzar el Mediterráneo y llegar finalmente a España. «Te llevaremos, solo tardaremos 45 minutos», aseguraron. Jamás pude comprobar esta información. De nuevo tenía problemas. El problema con las mafias viene de muy atrás. No son solo ellas, hay muchas más personas involucradas (los policías de día, trabajan para las mafias por la noche). Eso fue la consecuencia de un acuerdo político entre Francia y Argel en tiempos de Sarkozy; por cada inmigrante arrestado, la policía obtenía una recompensa. «Fuimos duramente maltratados»: durante el día, los policías hacían su trabajo. Por la noche se convertían en perversos. Aun así, la mafia nos facilitó material y equipamiento para que pudiésemos construir nuestros propios barcos. Una vez terminados, tuve el valor de subir en uno de ellos. Yo no sabía nadar. Nos costó dos intentos adentrarnos en el océano. En el primer intento, el barco colapsó contra las olas y murieron 10 personas. Uno de ellos era Muusa, mi mejor amigo.

Después de este intento fallido, volvimos al desierto. Recuerdo que perdí los zapatos por lo cual tuve que caminar descalzo durante 1 mes. 33 días después, la mafia nos consiguió nuevos materiales y construimos 2 barcos nuevos. Éramos 60 de nosotros para cada barco. y esta vez, el otro barco se hundió. El nuestro, en cambio, nos llevó a Fuerteventura (la tierra prometida). Un amigo mio me dijo: «¡levántate, hermano! ¡Caminemos! Estaba agotado». Chocamos contra las rocas y el barco volcó justo delante de la orilla. Pensé que iba a morir. Afortunadamente, llegué a tierra y me sentí realmente aliviado. Las olas me arrastraban hasta la arena. Ni siquiera pude estirar las piernas debido a que había estado sentado en el barco durante 24 horas. No podía andar ya que mis pies estaban llenos de cicatrices. Mis compañeros caminaban hacia una carretera iluminada y me centré en seguirlos. Era una noche oscura y llovía. La policía apareció junto a «La Cruz Roja» y los medios de comunicación. Estaban atendiendo a mis compañeros y les proporcionaban mantas. Luego, gritaron: «Mira, ahí hay otro» La Cruz Roja me recogió y me cubrió con mantas. A diferencia de los demás, me llevaron a una ambulancia porque estaba temblando. A continuación, tuvimos que firmar varios documentos y nos llevaron a la Oficina de La Cruz Roja. Más tarde nos llevaron al hospital y los médicos me hicieron lo que llaman «Test de la muñeca» para conocer mi edad. Yo solo sabía que nací en martes: eso es lo único que importa en Ghana cuando nacen los bebés. Estuve en prisión aproximadamente un mes. Cada dos o tres días, me enviaban a una habitación pequeña y oscura donde me interrogaban. Querían que confesara, aunque yo no tenía nada que decir.

Tuve la suerte de escuchar que después de este periodo, el Estado de España me daba la posibilidad de residir en España. Después de esto volé a Málaga en un pequeño avión, donde me preguntaron a qué ciudad me gustaría trasladarme. No conocía España ni las ciudades más importantes. Entonces, recordé que, cuando estaba en Accra, había visto un partido en la televisión en el que jugaba el Barça. Así pues, dije “Barça”. Ellos entendieron lo que quería decir. Barcelona era mi último destino.

LLEGADA A BARCELONA. 24 de febrero de 2005

Me dieron un sándwich de atún, una botella de agua, un plátano y un billete de ida. Estuve en Barcelona por primera vez en el invierno del año 2005. Cuando llegué me sentí muy feliz de no pedir la dirección de la Oficina de la Cruz Roja a la ciudad. Anduve mirando con atención todas las cosas. Los coches, las casas … todo era nuevo y maravilloso. Recuerdo que saludaba a todo el mundo en la calle, como se hace típicamente en África. La gente me miraba de una manera extraña … Finalmente, se hizo oscuro y no tuve tiempo de ir a la oficina. Por lo tanto, tuve que dormir en la calle. Me desperté el día siguiente. Estaba alrededor de “la Meridiana” sentado en un banco. Me encontré con una mujer que paseaba lentamente. Me levanté y me acerqué a ella educadamente. Le mostré todos los documentos que traía, le expliqué quién era y le pregunté dónde podía encontrar la Oficina de la Cruz Roja. Ella casi no hablaba inglés y no me entendía. No obstante, parecía interesarse por mis explicaciones. Me cogió la mano y llamó a su marido, que sí hablaba inglés. Hablé con él con facilidad. A continuación, la mujer me invitó a almorzar y me dio su número de teléfono. Me pidió que la llamara si tenía que volver a dormir en la calle alguna otra vez. Me dirigí hacia la Plaza de España siguiendo las indicaciones que aquella mujer, Montserrat Roura, me había dado. Una vez allí me sentí muy estresado. No sabía cómo interpretar el mapa del metro. De repente, escuché una voz femenina detrás de mí. Me asusté mucho puesto que en Libia los chicos no pueden hablar con las chicas. Su nombre era Eva y me ayudó mucho. Me mostró donde estaba la Cruz Roja y me recomendó que fuera yo solo (en caso contrario no me aceptarían). Me dio 40 €, una mochila y después se fue. Fui enviado a un complejo deportivo donde pasé 3 noches. Pero la cuarta noche, fui expulsado y volví a la calle. Dormí en bancos durante otro mes. Fue realmente agotador. Por eso, decidí llamar a Montserrat (me había dado su número de teléfono hacía un tiempo) y le expliqué la situación. Después de una larga conversación, decidió que ella y su marido hablarían con la Cruz Roja. Fueron muy generosos y me acogieron como tutores (todavía no era un adulto). Finalmente, llegué a una conclusión: la pregunta no tendría que ser “¿por qué?” sino “¿para qué?” “¿Para qué me iba a servir esa experiencia?”. La respuesta estaba clara: “ahora tengo que comunicar e informar de mi experiencia para concienciar a los otros sobre el lugar del que procedo. Tiene que haber una manera de mejorar nuestras condiciones en Ghana y, lo más importante, tengo que evitar que otras personas sufran la misma experiencia que yo. Las posibilidades de morir son demasiado elevadas “.

Empecé a estudiar catalán y español y pude aprobar mis exámenes de bachillerato. Después empecé mi grado de química durante 2 años en la Universidad de Barcelona, que tuve que dejar porque no podía trabajar como mecánico de bicicletas (para pagarme los estudios) y realizar las prácticas y los estudios de química al mismo tiempo, y me cambié a la carrera de Relaciones Públicas y Marketing. La terminé y un año más tarde estudié un Máster en ESADE en Dirección, gestión y organización de ONGs.

NASCO FEEDING MINDS

En 2012 fundé la ONG NASCO Feeding Minds con el fin de proporcionar acceso a la información y la educación, reduciendo la brecha digital. Con esto, intento evitar que los jóvenes de Ghana se embarquen en viajes mortales como el que yo mismo realicé. Si hubiera sido consciente de las distancias, los riesgos y la ubicación de Europa, nunca habría dejado Ghana como lo hice. La educación es la herramienta para cambiar cualquier sociedad. NASCO se fundó en 2012, tuve que comprar 45 ordenadores con mi propio sueldo de mecánico, después del fracaso del “crowfunding” iniciado. Pensé que esta era una herramienta muy importante y necesaria. Es una forma de construir puentes y abrir una gran puerta al mundo para estos estudiantes desfavorecidos de África, empezando por Ghana. Estos primeros 45 ordenadores de mesa se enviaron a la escuela secundaria de San Agustín, en la región norte de Ghana. Empezamos con 850 alumnos y 2 profesores de ICT, y hoy, en 2020 ya han pasado más de 20.000 alumnos por las 11 aulas que tenemos actualmente en marcha. Un total de 30 escuelas se benefician de ellas. Más tarde descubrí que existe la Responsabilidad Social Corporativa de las Empresas, y que cada cuatro o cinco años cambian sus equipos informáticos porque quedan obsoletos. Gracias a ello, muchas empresas nos han donado sus equipos para que podamos aprovecharlos y abrir nuevas aulas en Ghana. También empecé a compartir esta experiencia con los centros escolares de aquí, con aquellos niños y niñas que tienen todo lo que necesitan, pero no sacan provecho o no aprecian el derecho de tener acceso en la educación.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

7 de junio de 2021
«Imperium. Imágenes del poder en Roma»| Festival de Mérida y el MNAR

Se trata de la segunda colaboración entre ambas instituciones en la presente edición, tras la inauguración en mayo de la muestra ‘Tempus Fugit’

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Museo Nacional de Arte Romano (MNAR) siguen uniendo sus fuerzas con un nuevo proyecto expositivo, Imperium. Imágenes del poder en Roma, una cuidada selección de imágenes imperiales que nos muestran y acercan a emperadores y emperatrices que hicieron la Historia de Roma, una historia narrada y mil veces compartida en el seno del teatro clásico. Imperium estará en el MNAR hasta mayo de 2022.

Tras la inauguración de la muestra Tempus Fugit. La concepción del tiempo en la antigua Mérida el pasado mes de mayo, el MNAR acoge en su nave principal Imperium, un detallado estudio sobre la importancia de los retratos en los ámbitos de poder, que han inaugurado esta mañana el director del Festival, Jesús Cimarro; la directora del MNAR, Trinidad Nogales y Francisco Pérez Urbán, director general de Bibliotecas, Archivos y Patrimonio Cultural.

La sociedad romana utilizó las imágenes de los emperadores como un potente recurso político del poder. Estos rostros oficiales de hombres y mujeres del Imperium se hicieron presentes en todos los rincones del mundo romano por distintos medios y soportes.

Por un lado, la efigie oficial del emperador y su familia se acuñaba en las monedas, junto a sus títulos y símbolos. Por otra parte, en los espacios más importantes de las ciudades grandes estatuas, bustos-retrato y relieves narrativos mostraban a los emperadores, emperatrices y jóvenes príncipes como emblema del Imperium.

Estas imágenes del poder adoptaban formas muy diversas, desde piezas colosales que asombraban a los ciudadanos a pequeñas imágenes domésticas que simbolizaban la adhesión de los particulares al régimen político. Relieves narrativos que recordaban las hazañas imperiales de mil batallas, los actos solemnes religiosos o las escenas más populares de quienes formaban el Imperium.

La exposición cuenta con piezas cedidas por el Museo Arqueológico Nacional y por el Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida, una cesión que la directora del museo, Trinidad Nogales ha agradecido porque “han permitido enriquecer el discurso expositivo”.

El director del Festival ha hecho hincapié en la excelente colaboración entre ambas instituciones que ha dado frutos “diversos y todos ellos interesantes como Dionysos-Baco, un dios para los humanos, Mythos (creencias en Augusta Emerita), Mulieres (mujeres en Augusta Emerita) o Artes Romae. Arte y artesanía en Augusta Emerita, por citar algunas de las exposiciones en las que el MNAR ha encontrado un cómplice perfecto en el Festival”.

El director general de Bibliotecas, Archivos y Patrimonio Cultural, Francisco Pérez Urban, ha destacado que hay muchas claves en el éxito del Festival de Mérida y “una de ellas es el proyecto cultural que se está desarrollando desde la dirección actual” que ha sabido tejer una red de colaboraciones institucionales y de colectivos que hacen que el Festival de Mérida “no sea únicamente la expresión de representaciones teatrales sino que se convierta en un crisol de cultura”, como muestra la exposición que hoy se inaugura en el museo.

Por su parte, la delegada de cultura de Mérida, Silvia Fernández, ha destacado por su parte mostrar el Festival y el museo Booking hemos sido uno de los destinos turísticos más demandados esta semana difundido, lo que nos da la solvencia para mostrar el Festival, el museo y la vida cultural con el corazón y la calidad que tenemos. Es un orgullo ser referente nacional por disfrutar de la cultura y hacerlo con calidad.

Por último, la directora del MNAR ha reconocido que esta exposición demuestra que la unión de instituciones permite que proyectos que no podrían acometerse desde una sola entidad puedan hacerse realidad “para permitir mostrar al público la conexión que existe entre el Festival, su contenido, y la antigüedad clásica”.

En cuanto a la exposición, ha explicado que el poder, significado real de la palabra Imperium que da título a la muestra, se transmite de una forma muy patente en el mundo antiguo a través de las imágenes y en Mérida tenemos un gran ejemplo de ello. “Es una exposición que viene a recordar a los ciudadanos del siglo XXI el valor que tuvieron esas imágenes y esos símbolos del poder y que todavía hoy lo siguen encarnando. Todos tenemos en mente que cuando cae un régimen político, en la televisión vemos cómo caen las estatuas de esos gobernantes, a veces fruto de la ira de los ciudadanos o de la exaltación de lo que significa el icono, el símbolo de la imagen”.

La exposición

Se inicia el recorrido en la Sala II de la Nave Principal con la nueva imagen del poder encarnada por Augusto, primer emperador de Roma (27 a.C.-14 d.C.). Los retratos de Augusto nos lo muestran de diversas maneras a lo largo de su imperium. Continúa la muestra con la imagen dinástica. La llamada gens julio-claudia, una de las más poderosas familias del imperio, que Augusto gestó junto a su segunda esposa Livia.

Los cambios de imagen imperial en los siglos sucesivos los encontramos en la Sala III. La llegada al poder la familia Flavia (69-96 d. C), de los emperadores Vespasiano, Tito y Domiciano supuso un retorno, en los varones, a los retrato de tradición republicana, más realista.

El paso al siglo II d. C. vino de la mano de Trajano y Adriano, dos emperadores que impusieron su imagen. Trajano se presentó siempre como un militar romano mientras que Adriano cultivó una imagen más refinada, con una larga y abundante barba. Los emperadores de los siglos IV y V d. C. mantuvieron y transformaron la imagen de distinto modo. Los denominados emperadores soldados, por ejemplo, se acortaron la barba y el cabello. Y ya, en el siglo IV d. C el emperador Constantino comenzó un nuevo tiempo con su conversión al cristianismo. Esta lenta transformación se plasmó también en las imágenes, que fueron cambiando formalmente de manera evidente: el concepto clásico de la imagen dio paso a una nueva visión más simbólica.

6 de junio de 2021
Nueva edición de «Veranos en la RUCAB»

Tras el éxito obtenido en la primera edición de «Veranos en la RUCAB» el pasado año 2020, con más de 14.000 asistentes, Fundación CB, en colaboración con Ibercaja y el Ayuntamiento de Badajoz, se decide a lanzar una segunda edición con un programa de actividades diarias durante los meses de julio y agosto.

Esta nueva edición mantendrá el espíritu de la anterior; ofrecer a las familias y a la ciudadanía en general un espacio para el ocio y la cultura en Badajoz. La Residencia Universitaria RUCAB cuenta con grandes zonas ajardinadas en las que celebrar todo tipo de actividades para todas las edades y gustos; la pandemia y la necesidad de hacer uso de espacios al aire libre fue el detonante para convertir estas instalaciones en un lugar destinado a recoger todo tipo de actividades, cine, conciertos, talleres, arte, gastronomía y mucho más.

Esta mañana se ha presentado el programa en una rueda de prensa celebrada en los jardines de la RUCAB con la intervención por parte del Presidente de Fundación CB, Emilio Vázquez, el Director Territorial de Ibercaja en Extremadura y Sur, Fernando Planelles, y el Alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera. Les han acompañado la Concejala de Cultura, Paloma Morcillo, y el Director de Fundación CB, Emilio Jiménez.

5 de junio de 2021
Trazando mapas visuales en la ciudad «El arte del grafiti»

Escribía Julio Cortázar que tantas cosas que empiezan y acaso acaban como un juego, supongo que te hizo gracia encontrar el dibujo al lado del tuyo, lo atribuiste a una casualidad o a un capricho y sólo la segunda vez te diste cuenta de que era intencionado y entonces lo miraste despacio, incluso volviste más tarde para mirarlo de nuevo, tomando las precauciones de siempre: la calle en su momento más solitario, ningún carro celular en las esquinas próximas, acercarse con indiferencia y nunca mirar los graffiti de frente sino desde la otra acera o en diagonal, fingiendo interés por la vidriera de al lado, yéndote enseguida.

El arte del grafiti, arremete en las elegantes y sonoras palabras del escritor argentino, con el dolor de una pareja anónima, un juego de trazos y formas, al que la ciudad desnuda acontece inerte ante sus ojos. Borrar el grafiti como recuerdo, una nostalgia que choca de lleno con el vandalismo icónico de destrozar esculturas o el intento de soterrar el arte ya creado con botes de pintura. Las ciudades son un grafiti ingente de formas y dibujos, pocos los ven, muchos los destrozan, ahí nace un arte tan antiguo como el homo antecesor de Atapuerca o Maltravieso.

Cuando en los años setenta las calles de barrios de Brooklyn o Bronx de Nueva York se empezaron a llenar de tags con el apodo y el número de la calle donde vivían como Coco 144, o Tracy 168, nadie pensaba que unas décadas después el fenómeno se iba a convertir en un lenguaje visual universal. Basquiat por entonces, Banksy ahora. Ambos artistas, ambos bichos de las calles. Ahora el graffiti, la pared antes sucia y abandonada es un espacio de arte, el barrio de la Ballarò de Palermo, Orgosolo en Cerdeña, los célebres murales de Derry y Belfast, lo que queda del muro de Berlín, el barrio Oeste de Salamanca, Coyoacán (Ciudad de México), LX Factory en el barrio de Alcántara de Lisboa…todo para dedicar un cuento a Tápies, el verdadero autor.

Ahora la ciudad de Badajoz se mueve en ese horizonte, cubrir paredes, rellenar espacios en obras o en desuso para aplicarle luz y vida, ya sea en color o en blanco y negro, ya sea un texto o un dibujo, una frase o una lengua rosa e infinita.

Hace poco el artista extremeño Daniel Muñoz selló con su particular estilo una nueva forma de trasmitir arte en un museo, en este caso el MEIAC, la ‘Guía para un territorio reversible’ en pleno hormigón del museo de arte contemporáneo. Segunda edición, la sesión grafitera post pandémica deja enormes obras de arte.

La RAE define al grafiti como una firma, texto o composición pictórica realizados generalmente sin autorización en lugares públicos, sobre una pared u otra superficie resistente. Los tiempos, académicamente hablando, han cambiado, y la autorización y sobre todo la compresión del ciudadano han ratificado la firma del artista urbano como arte en letras mayúsculas. Pasen, vean, dibujen y disfruten.

Ganadores Badajoz Pinta 2021

1er premio – Miguel Tinoco de Medina de las Torres, Badajoz.

2° premio – Sergio García de Barcelona

3er premio – Alejandro Pajuelo ‘Chino’ de Badajoz

1 de junio de 2021
El futuro de los museos: recuperar, reimaginar sus fronteras

Cualquier museo de mundo, por pequeño o grande que sea, por lo extravagante o abandonado que se encuentre, por la falta de visitantes o por la colas que genere para su complacencia, por lo deslucido, bonito, interesante, vetusto, futurista o simplemente porque el portal de tu casa comparte código postal con su puerta principal, debe ser visitado al menos una vez en la vida, para buscar ese centro de gravedad permanente que nos mantenga en vilo, pisar suelo de museo que nos haga sentir vivos.

Un museo debe aborta la inanición creativa, lo museísticamente fascinante es aquello que al verlo, sin saber por qué nos pellizca el alma, nos hace poner de cara de estúpidos o nos provoca la risa y el llanto, una furtiva lágrima por lo menos.

Los espacios reservados para acoger y exponer obras, tienen que orear sus estructuras, limpiar ese aroma de daguerrotipo, que repele al público y atrae el silencio. El museo debe escuchar al visitante que disfruta más de sus exteriores, para la práctica del parkour, yoga o danza, y replantearse una exportación del contenido de su interior, conectar la placa de cobre recubierta de yoduro de plata con la realidad que vivimos.

En 1682, el señor Elias Ashmole donó su colección de arte a la Universidad de Oxford. De eso hace más de 300 años y el Museo Ashmolean no está entre las prioridades de un turista a la hora de planificar el viaje. Entramos por que toca, porque es el museo más viejo del mundo, da igual si tiene dibujos de Leonardo da Vinci, acuarelas de Turner o lienzos de Rembrandt, Picasso o Manet. Toca resetear, preguntar a nuestros hijos, sobrinos o hermanos y escucharles, oírles, quizá no tengan razón, no sepan definirnos qué es un museo, es posible que no hayan visitado ninguno. Pero una cosa sí es segura, ellos pueden replantear con mayor claridad, el futuro de los museos, recuperar, reimaginar sus fronteras.

Willy López

¿Qué es el Día Internacional de los Museos?

Desde el año 1977, el 18 de mayo o en torno a esa fecha, la comunidad museística mundial viene celebrando el Día Internacional de los Museos, un evento creado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) con el objetivo de potencializar el papel cultural y humanístico de estos centros como instituciones al servicio de la sociedad y de su desarrollo.

Cada año, se plantea desde el ICOM un tema, que haga reflexionar sobre los objetivos y las actividades de los museos en su trabajo cotidiano.

Este año 2021, el tema del Día Internacional de los Museos es: Parte de la premisa de que, en un mundo cada vez más globalizado, en el que todo está interrelacionado, resulta imposible entender el papel de los museos sin tener en cuenta todos los hechos que afectan de una manera global y los resultados que a nivel mundial estos establecen. En este año 2021, no podemos dejar de citar “la Covid 19”, siendo un antes y un después en la estructura social y cultural que teníamos establecida. Por ello, pensando en el futuro, tenemos que Recuperar y Reimaginar, como queremos que sea un mundo que de momento está sorprendido.

Los Museos son parte inherente de las comunidades locales, de su paisaje cultural y de su entorno natural. La tecnología, como se ha podido comprobar en este último año, nos permite acceder a los museos, al hecho cultural, llegando más allá de su público habitual a través de algo tan sencillo como un hashtag. Algunos museos ni siquiera necesitan la tecnología para crear nuevas conexiones; para ellos, presentar su colección de una forma diferente e innovadora resulta es suficiente para atraer a un público totalmente nuevo.

MUSEO HELGA DE ALVEAR

FLAMENCO Y DANZA

Flamenco, afro-contemporáneo, clásico, folclore, contemporáneo o urbano para obras de Ai Weiwei, Larry Bell, Olafur Eliasson, Juan Muñoz, Thomas Hirschhorn, Carol Bove, Richard Long y Katharina Grosse.

Danza en el Museo de la mano de Jesús Ortega, Juan Carlos Guajardo, Jesús Custodio, Libertad Pozo, Cristina Rosa, María Lama, Chyntia González y el Ballet Folclórico de Extremadura llenan de danza el Museo con la colaboración especial de Cristina Hoyos.

ESCUCHANDO EL MUSEO

¿Qué canción le pondrías a la lámpara de Ai Weiwei, a los Caprichos de Goya o al olivo de Rondinone? Con motivo del Día de los Museos vamos a crear una lista de canciones que acompañe las obras. ¡Necesitamos tu ayuda para crear la banda sonora del Museo! ¿Nos envías tu canción y a qué obra la asociarías?

¿TIENES UN CHICLE?

A partir del artista chino Zhang Peili, te proponemos realizar una acción breve, sencilla y con un alto contenido simbólico: grabar un primer plano de tu rostro realizando una pompa de chicle hasta hacerla estallar.

UN JARDÍN ENTRE AMIGOS

Como no podía ser de otra manera, la Asociación de Amigos del Museo Helga de Alvear formará parte del Día de los Museos con una visita guiada el 19 de mayo, donde conoceremos las obras instaladas en el exterior, disfrutando de una primavera cargada de arte.

MEIAC

EM PERSPETIVA. Colección portuguesa del MEIAC

La inauguración del MEIAC en mayo de 1995 supuso la apertura de un espacio nuevo para impulsar las relaciones culturales entre Extremadura y Portugal, un lugar de encuentro y colaboración transfronteriza en el campo de las artes visuales contemporáneas. Esta exposición es una primera aproximación, una mirada en perspectiva, a la colección portuguesa del MEIAC, en un recorrido por obras y artistas de obligada referencia en el arte portugués contemporáneo.

Artistas en exposición: Antonio Dacosta, Nikias Skapinakis, Helena Almeida, João Vieira, Armando Alves, Manuel Baptista, Alberto Carneiro, Ángelo de Sousa, José de Guimarães, Alvaro Lapa, Jorge Martins, Eduardo Batarda, Jorge Molder, Leonel Moura, Julião Sarmento, Michael Biberstein, Albuquerque Mendes, Gerardo Burmester, Pedro Calapez, Manuel Rosa, Rui Sanches, Pedro Cabrita Reis, Jose Pedro Croft, Ângela Ferreira, Daniel Blaufuks, Rui Chafes.

PLP. 15 PROPUESTAS /1 ESPACIO. Proyectos de producción propia

Exposición enmarcada en el 25 aniversario del MEIAC, una necesaria mirada sobre estos veinticinco años de trabajo, así como una puesta al día de proyectos con continuidad en el futuro. Se plantea un recorrido de carácter documental por los proyectos de producción propia, específicamente creados para el MEIAC, por un nutrido grupo de artistas. Aunque desde sus inicios el MEIAC fue consciente de la importancia de establecer líneas de apoyo para la creación artística, las primeras propuestas en este sentido fueron puntuales, apuntando al entorno artístico más inmediato. La buena acogida a estos proyectos vino a reforzar la idea de un programa específico que, desde 2005, se materializa en la serie de proyectos POST LOCAL PROJECTS, que continúa activa en la actualidad.

Los proyectos incluidos en esta etiqueta se concibieron como intervenciones de carácter específico, creadas desde y para el lugar donde se exponen. El apoyo del MEIAC facilitaba la producción de obras “no convencionales” dentro de la trayectoria de los artistas invitados, por complejidad o formato.

Proyectos: MÁS MUERTAS VIVAS QUE NUNCA. Un proyecto de Marta de Gonzalo y Publio Pérez Comisariado por Juan Antonio Álvarez Reyes (2002) | THE FACE AND THE FACE. Un proyecto de Isabel María. Comisariado por Amparo Lozano (2005) | LA PIEL HABITADA. Un proyecto de Manuel Vilches. Comisariado por Francisco Carpio (2006) | LA NADADORA. Un proyecto de Maite Cajaraville. Comisariado por Fernando Castro Flórez (2006) | LA CELDA GRANDE. Un proyecto de Alonso Gil. Comisariado por Esther Regueira (2007) | EN CIRCUNSTANCIAS NORMALES. Un proyecto de Joana Pimentel. Comisariado por Filipa Oliveira (2007) | RETRATO PROTEICO. Un proyecto de Marta de Menezes. Comisariado por Inés Moreira (2007) | IP POETRY. Un proyecto de Gustavo Romano. Comisariado por Eugeni Bonet (2008) | VACÍO FIGURADO. Un proyecto de Emilio Gañán. Comisariado por Javier Rubio Nomblot (2009) | LOS DESASTRES. Un proyecto de Iván Marino. Comisariado por Claudia Gianetti (2009) | TRASLACIONES. Un proyecto de Ruth Morán. Comisariado por Imma Prieto (2014) | FORMAS LIBRES. Un proyecto de Justo García Rubio. Comisariado por Javier Fernández de Molina (2016) | DI/VIDE. Un proyecto de Carlos Gasparinho. Comisariado por António Pedro Mendes (2017) | O/C. LA MEDIDA. Un proyecto de Carla Carmona y Manuel Ortiz (2018) | GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE. Un proyecto de Daniel Muñoz. Comisariado por Jorge Díez Acón (2020)

ALGORITMIA. Arte en la era de la Inteligencia Artificial

En 1995 abría sus puertas el MEIAC, año en el que también comenzaba a hacerse conocida la WWW. El 25 aniversario del museo nos invita a hacer un balance de los importantes cambios tecnológicos que han ocurrido desde entonces y a reflexiona principalmente sobre el rol preponderante que tomaron los algoritmos, las redes sociales y la inteligencia artificial, y cómo éstos han transformado drásticamente a la sociedad y, por lo tanto, han impactado en el campo del arte.

En esta muestra, comisariada por Gustavo Romano, se exhiben mayoritariamente las nuevas incorporaciones a NETescopio, el archivo de arte digital del MEIAC, realizadas en 2020, con obras de artistas españoles, iberoamericanos y del resto del mundo (entre ellos, Jonas Lund, Constant Dullaart, Michael Borras, André Sier, César Escudero Andaluz). La muestra se completa con otras obras que ya pertenecían al archivo y con obras físicas de la colección del MEIAC (Antoni Muntadas, John F. Simon o Eva y Franco Mattes). NETescopio, convertido en una de las líneas de trabajo del MEIAC, es un archivo en línea destinado a preservar obras artísticas generadas para la red. Lo que incluye obras de net art, arte digital interactivo, ciberpoesía, CD ROMs, acciones con dispositivos tecnológicos y demás formatos que utilizan dispositivos o estrategias digitales.

Artistas en exposición: Alessandro Ludovico, André Sier, Antoni Muntadas, César Escudero Andaluz, Christian Oyarzún, Ciro Museres, Constant Dullaart, Demian Schopf, Disnovation.org, Eva y Franco Mattes, Giselle Beiguelman, Joan Leandre, John F. Simon, Jonas Lund, Kim Yong Hun, Mark Napier, Martin Nadal, Martina Menegon, Matthew Plummer Fernández, Michaël Borras a.k.a SYSTAIME, Paolo Cirio, Scott Draves, Shin Seung Back, Ubermorgen.

GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE

Con esta muestra del trabajo de Daniel Muñoz se da continuación al proyecto concebido específicamente para el MEIAC por el artista extremeño y que se integró en la serie “Post Local Projects”, línea de trabajo iniciada por el MEIAC en 2005.

Una serie de obras en pared y una instalación audiovisual completan la intervención realizada durante el verano de 2020 sobre uno de los muros de los espacios exteriores del museo, en la que se referencian otras cinco localizadas en diferentes enclaves turísticos de Extremadura y que completan el proyecto. Desde el MEIAC se da acceso a esta suerte de mapa que contiene una serie de pistas y coordenadas conceptuales que es necesario descifrar para identificar las ubicaciones de esas otras cinco intervenciones. Las obras presentadas ahora recogen los característicos elementos formales del lenguaje estético de Daniel Muñoz, en el que cohabitan códigos y símbolos cotidianos que se resemantizan a través de su relación con otros campos como la arquitectura, la publicidad o el turismo.

CELESTE GARRIDO. TUS OJOS DICEN LO QUE TU BOCA CALLA.

Proyecto producido por el MARCO de Vigo y que llega al MEIAC como resultado de la suscripción de un convenio de colaboración entre la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura y el museo gallego, para el intercambio de exposiciones con trabajos de creadoras contemporáneas. En el MARCO podrá verse a su vez la producción del MEIAC “Música de las formas”, de la artista cubana Glenda León, expuesta hasta fechas recientes en el museo extremeño. Celeste Garrido es una joven artista gallega con una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. La muestra parte de una cuidada selección de obras en distintos formatos que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo.

Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso. En este contexto surgen algunas de las obras que forman parte de su nuevo proyecto.

VEXTRE. Un proyecto de Maite Cajaraville

Proyecto de Maite Cajaraville incluido en el Acuerdo suscrito en 2019 entre la Junta de Extremadura y la Fundação Eugénio de Almeida (Évora) de colaboración transfronteriza que establece una asociación estratégica con la que dar visibilidad a artistas originarios y/o residentes de las dos regiones rayanas.

VEXTRE, con comisariado de Natalia Piñuel, se presentará en el MEIAC de Badajoz a finales del mes de abril de 2021, para trasladarse en el mes de septiembre al Centro de Arte e Cultura de la Fundação Eugénio de Almeida. El proyecto gira en torno a la producción de una pieza de realidad aumentada, un gran mapa virtual de Extremadura que visualiza datos socio-económicos de cada una de las poblaciones de la región, y que se hace visible a través de la utilización de dispositivos móviles individuales de los espectadores mediante la geolocalización en el espacio libre de la rotonda del edificio del MEIAC.

Basada en la escultura física creada con una impresora 3D en 2017 por Maite Cajaraville durante su intervención en la primera edición del programa de cultura contemporánea de la Junta de Extremadura “Cáceres Abierto”, VEXTRE lleva al espacio del MEIAC una escultura virtual sobre la región, un objeto virtual tridimensional generado con medios tecnológicos en base a más de 20 parámetros y coeficientes positivos y negativos relativos a valores económicos y sociales de Extremadura.

MUSEO DE CÁCERES

18 DE MAYO. DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

Concierto especial organizado en colaboración con el Conservatorio Oficial de música “Hermanos Berzosa” de Cáceres. Jardín del Museo, 20:00 h. Entrada libre hasta completar aforo.

Ensemble CCSax 2.20. Director: Abraham Garzón

Siguientes días de la semana: Recitales fin de enseñanzas profesionales. Conservatorio Oficial de Música de Cáceres. Los recitales se desarrollarán a partir de las 20,00 horas de los días señalados, y la entrada es gratuita y libre hasta completar el aforo disponible

MUSEO VOSTELL MALPARTIDA

EL FUTURO DE LOS MUSEOS

DÍA 18 DE MAYO

Además de la habitual jornada de puertas abiertas y visitas guiadas, a las 19:00 h, se inaugura la exposición de Lucía Beijlsmit “Obras de arte con la naturaleza”, en espacios al aire libre del MVM, que estará seguida de una demostración en vivo de su trabajo con lana. A continuación, actuación del grupo de música silvopastoril “Chulumi” y de la Asociación de Folclore “Virgen de la Soledad” de Malpartida de Cáceres.

DÍA 22 DE MAYO

Taller/happening “Keine Verbindung (Sin conexión)”, a cargo de GESPROEC. Actividad en torno a la expresión corporal que tomará como punto de partida las obras de Vostell relacionadas con los medios de comunicación. Tendrá lugar en espacios al aire libre y salas del museo durante la jornada. Está dirigida a mayores de 15 años.

Estas actividades están promovidas por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres, el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Asociación Amigos del Museo Vostell Malpartida, la artista Lucía Bleijlsmit y la Asociación Laneras-Dehesa Lanas

MUSEO ARQUEOLÓGICO PROVINCIAL DE BADAJOZ

Martes 18. Presentación de la campaña de difusión “Los Museos de Extremadura dan mucho juego” en la que veremos algunos de los principales museos de la región (Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, MEIAC, Museo de Cáceres, Museo Vostell Malpartida, Museo Etnográfico de Olivenza y Museo Helga de Alvear) convertidos en icónicos videojuegos de los años 80 y 90. Presentación del interactivo La línea del tiempo desarrollado por el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz.

MUSEO ETNOGRÁFICO EXTREMEÑO GONZÁLEZ SANTANA DE OLIVENZA

REMINISCENCIA

El día 15 de mayo, Día Internacional de la Familia, retomamos nuestro taller REMINISCENCIA con CASER RESIDENCIAL. Con la exposición Volviendo a tiempos pasados se pretende volver a recuperar la confianza entre familiares, residentes y personal del centro a través de recuerdos que se plasmarán en fotografías y piezas del Museo.

PROGRAMA DE DINAMIZACIÓN CULTURAL.

Desde el 19 de abril, el Museo Etnográfico Extremeño González Santana está llevando a cabo este programa que consiste en acercar el Museo a los 10 pueblos que constituyen la comarca Los llanos de Olivenza. Durante una semana se mueve alguna de nuestras exposiciones propias, solicitadas por los Ayuntamientos de estas 10 localidades; una dinamizadora contratada se encarga de explicarla y realizar los oportunos talleres. El día 18 de mayo, en la sede de la nueva Biblioteca de Barcarrota, se expondrá La mujer en la Raya. Ese día se llevarán a cabo las actividades oportunas con Asociaciones de Mujeres de la localidad y, en días sucesivos, con el colegio.

EXPOSICIÓN BENÉFICA

El artista plástico Kim Soler, que expone en la sala de usos alternativos de nuestro MUSEO, llevará a cabo, ese día, una visita guiada por su exposición El color de la vida.

MUSEO LUIS DE MORALES BADAJOZ

DÍA 18 DE MAYO

10:30, 11:30, 12:30, 17:30 y 18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. La Batalla de la Albuera» Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

20:00 horas. «Museos y territorio, museos y sociedad (es): Panorámica museística en el ámbito de la EUROBEC. Realidad y potencialidades de los museos en el desarrollo de la eurociudad». Ponencia impartida por D. Francisco Tomás Cerezo Vacas. Presentado por Martín Carrasco Pedrero. Aforo limitado.

DÍA 22 DE MAYO

10:30,11:30 y 12:30,17:30 Y18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. Felipe II en Badajoz». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

11:00, 12:30, 18:00 y 19:30 horas. “El enigma de Luis de Morales”.Recorre el museo y descubre el enigma a través de un divertido juego de pistas. Inscripción previa: museoluisdemorales@aytobadajoz.es. Aforo máximo 20 personas.

12:00 horas. «Ballet Clase Concierto». Espectáculo de danza a cargo de los alumnos del Conservatorio Profesional de Danza María Montero de Espinosa. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

19:00 horas. «Cuartetos en el Museo». Intervenciones musicales de los alumnos del Conservatorio Superior de Música Bonifacio Gil. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

19:30 horas. «Zurbarán y sus doce hijos». Proyección del documental de Arantxa Aguirre. V.O.S.

21:00 horas. «Bernini en la galería Borghese». Proyección película. V.O.S.

Museo del Carnaval (Plaza de la Libertad, Edificio La Poterna)

DÍA 18 DE MAYO

10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

DÍA 19 DE MAYO

20:00 horas. «El carnaval está en el arte». Conferencia a cargo de Juan Francisco Castillo Vega. Curabitur. Aforo limitado.

DÍA 22 DE MAYO

10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

De 11:00 a 12:00 h. / De 12:15 a 13:15 h. «Recuperando la alegría del arco iris». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es.

11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

De 17:30 a 18:30 h. / De 18:45 a 19:45 h. «Navegando por la esperanza». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es

18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

MUBA

El Conservatorio Superior participa en el Día Internacional de los Museos

El cuarteto de cuerda del profesor Manuel Camacho ofrecerá dos conciertos en el MUBA y el Luis de Morales. Con motivo del Día Internacional de los Museos, el Conservatorio Superior de Música de Badajoz “Bonifacio Gil” ha sido invitado por dos de los espacios museísticos más representativos de la ciudad, el Bellas Artes y el Luis de Morales. Ambos han cursado invitación al centro musical paras formar parte de su programación con sendos conciertos.

El primero tendrá lugar el próximo día 19 en el patio del MUBA. Con inicio a las 19:30 horas, los alumnos del aula del profesor Manuel Camacho ofrecerán un cuarteto de cuerda donde Mozart y Schubert serán los grandes compositores de esta noche especial. De Mozart se han seleccionado dos de sus geniales cuartetos de cuerda dedicados a Joseph Haydn: el cuarteto en Sol mayor K387 y el cuarteto en Si bemol mayor K458 “La Caza”, así como dos movimientos de su quinteto de cuerda en Do mayor K515. De Schubert interpretarán su magnífico cuarteto Rosamunda en La menor.

Para el sábado, día 22, en el Museo Luis de Morales, a las 19 horas, los miembros del mismo aula presentarán una audición de cuartetos de cuerda de W.A. Mozart, en concreto K 458 en Si bemol “La caza”, K 387 en Sol mayor “Primavera” y el quinteto K 515 en Do mayor.

La entrada es libre hasta completar el aforo permitido.

Presentación del libro «América en Extremadura»

El día 18 a las 20:00 horas, en el salón de plenos de la Diputación pacense, el libro “América en Extremadura. Reflejos y presencias de Iberoamérica en el arte y el patrimonio extremeños” de Francisco Javier Pizarro. Asistirán el diputado delegado del Área de Cultura y Deportes, Francisco Martos, y la directora del MUBA, Mª Teresa Rodríguez, entre otras personalidades. Con aforo limitado a 34 personas, el acto será retransmitido por streaming a través del Facebook de la institución provincial

América en el MUBA

La Colección Rescate del MUBA hace hincapié en la importancia del rigor en la investigación artística. En esta ocasión, resumen la directora del Museo Provincial, “la obra editada se encuentra a cargo de Francisco Javier Pizarro Gómez, catedrático de Historia del Arte Iberoamericano de la Universidad de Extremadura (UEX), y por tanto el mayor conocedor de la realidad americana en la región”. El trabajo cuenta con la valiosa aportación del prefacio a cargo de Jaime Cuadriello Aguilar, prestigioso especialista del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien también ostentó la plaza de director de la Cátedra del Museo del Prado en 2018.

MUSEO NACIONAL DE ARTE ROMANO

Exposición «El tiempo en la antigua Mérida»

En esta muestra, comisariada por los técnicos del Museo Rafael Sabio, Emilio Gamo y Ana Gracia, se presentan las diversas facetas que comportaban el paso del tiempo en la antigua Mérida, con especial atención a la época romana, pero con alusiones a periodos posteriores.

Desde un punto de vista temático, la muestra se divide en cinco partes. Así, la primera se centrará en la dimensión mítica del tiempo; y la segunda referirá las diversas divisiones del tiempo, desde el cómputo de las mínimas fracciones hasta intervalos más amplios que el año, así como los instrumentos empleados en su medición, tal y como informa en una nota de prensa el MNAR de Mérida.

Al mismo tiempo, la tercera parte afrontará el tiempo de la persona, con atención especial a cuestiones como los ciclos vitales o las diferentes edades de fallecimiento; la cuarta parte expondrá las formas de medir el tiempo en otras culturas posteriores a la romanidad; y la quinta y última parte abortará la cuestión del tiempo en arqueología, señalando los diferentes sistemas empleados por los profesionales para fechar todo tipo de realidades del pasado. En la muestra se exhiben un total de 84 fondos museográficos, siete de ellos pertenecientes a depósitos llevados a cabo por la Junta de Extremadura en el Museo Romano, a través del Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida.

29 de mayo de 2021
Luis Landero «Es un gusto escribir. Uno se siente como niño con cuaderno nuevo. Un gusto y un vértigo»

Escribir es agregar un cuarto a la casa de la vida, lo decía Adolfo Bioy Casares, me lo recordaba Luis Landero durante nuestra charla. Y es que escuchar a Landero es sentir el eco de sus personajes, las pausas de nuestra conversación, el interludio de los capítulos de sus novelas, el ritmo oscilante de sus entonaciones, la sensación de habitar por un rato en ese cuarto destinado única y exclusivamente a la escritura.

Al escritor extremeño le han hecho entrevistas en infinidad de espacios, en el Hotel Wellington, en el Café Comercial, en el Bar Maracaná o en la magnífica biblioteca del Casino de Madrid, pero en esta ocasión toca tener una cita desde el terruño, desde este maravilloso fango del oeste ibérico. Como dos novios en una cabina telefónica, a la espera de la hora acordada, con un único y amoroso tema a abordar, el huerto de Emerson, un tema que será del que menos se hable.

Al huerto de Emerson ya le llegan sus terceras recolectas, tres ediciones en menos de dos meses. Una vendimia en plena pandemia donde Landero lo tiene todo escrito, por tanto dicho. No puedo contarte nada que no sepas, en estos tiempos todos sabemos lo que ocurre al instante. Estoy contento con el libro, pero para mí ya es un libro que se acabó, y entonces a mí ya deja de interesarme, una vez que lo publico, y como a todos los actores, me gusta salir al escenario a recibir unos aplausos, muy humano por otra parte. Y una vez que se reciben los aplausos pues se baja el telón y uno vuelve entre bambalinas para escribir su próximo libro.

A todos nos ha tocado un terrenito en que labrar… escribía Ralph Waldo Emerson en su obra Ensayos escogidos, de la que toma el título. En ese terreno que cultivar letras, nacen las historias de Landero: recuerdos y tiempo de vendimia, así arranca el Huerto de Emerson: Tengo un cuaderno nuevo y no sé en qué gastarlo.

Es invierno, ya ha oscurecido, hace mucho frío y afuera resuena el temporal. Yo me he arrimado a este cuaderno como el mendigo al calorcillo de la lumbre. Por el momento no sé qué escribir, es cierto, pero eso importa poco. Cuando uno no sabe qué escribir, cuando la imaginación flaquea, cuando el alma se apaga y se embrutecen los sentidos, y cuando aun así uno siente la necesidad de escribir, siempre queda la posibilidad de abandonarse a los recuerdos…

Tenemos la necesidad de preguntar por lo que siempre preguntamos a los escritores, vivencias, folio en blanco, rutina de trabajo, influencias, escribir en pijama o con traje de domingo, ese momento al que uno llega al oficio por casualidad o tozudez, pero el escritor de Juegos de la edad tardía nos despoja de ese compromiso y nos deja en ese limbo tan inquietante, hasta la próxima novela, que no es otro que como en su día dijera Raymond Carver, pasar a otra cosa, a la vida; Si somos lectores o escritores afortunados, terminamos la última frase de un cuento y nos quedamos sentados tranquilamente. Pensamos en lo que hemos escrito o leído y puede que nuestros corazones o nuestras mentes hayan dado un paso hacia delante. Puede que nuestra temperatura corporal haya subido o bajado un grado. Entonces, respirando hondamente, nos reponemos y nos levantamos, “criaturas de sangre caliente y nervios”, que dice un personaje de Chejov. Y pasamos a otra cosa. A la vida. Siempre a la vida.

Es una suerte de impotencia, contesta Landero, no puedo explicar más de lo que dice el libro, no lo puedo explicar mejor de lo que está escrito en el libro y lo que no puedo hacer es traducir en conceptos abstractos e intelectuales lo que yo cuento ahí de un modo literario. Además lo falseo, la ficción de sacar mi propia percepción de la realidad. Cualquier lector que haya leído mi libro con atención sabe más o menos del libro que yo. Esencialmente no creo que tenga que añadir nada a lo que he escrito. Abandonamos el huerto de Emerson para dejar a los lectores su inmersión en el universo Landero y le preguntamos por algo que le preocupa bastante, la sobredosis de la información, el exceso de todo y nada, ese cúmulo de experiencias calcadas o faltas de vida…hablamos de la originalidad, de renovar la mirada, de pensar más, del mundo creado en torno a las nuevas redes de internet…Esto ha venido hace poco, vivimos en el año 20 después de internet. Desde ahí hay que empezar a contar, de la edad contemporánea desde 1789 con la revolución francesa hasta la caída del muro de Berlín en 1989 se pensaba que ahí estaba el corte, estábamos equivocados. El corte ha venido con internet, es ahí donde empieza la edad post contemporánea.

Cuando leemos las obras de Luis Landero tenemos la sensación de escuchar, más que de unir las palabras para leer, resulta raro pero son meras sensaciones…en el La vida innegociable, en Lluvia Fina, en el Huerto de Emerson, sucede…aparecen muchos personajes en sus libros que no cesan en su verborrea, pero otros muchos escuchan…se trata de una cuestión de educación, cuando tú estabas con tus mayores en el campo, en el pueblo, y comenzabas a hablar te decían, tú cállate que eres muy nuevo. Uno aprendió a escuchar con educación, con respeto, pero ahora uno puede ver en televisión, en las tertulias, que se quitan la palabra, se gritan unos a otros, no sé si eso forma parte del circo mediático pero es la imagen que se proyecta actualmente. Los diálogos de Platón, en el viejo coloquio, que es tan instructivo y tantos beneficios han traído a la humanidad, el dialogar, el escuchar, y es que saber escuchar es una virtud muy rara en estos días, ahora toda la gente habla porque todos opinan y pocos piensan. Hay demasiado ruido verbal, en la calle, hablamos a gritos, por tanto debemos aprender a escuchar y a hablar más bajo.

Suponemos que existe presión a la hora de lanzar, publicar una novedad. Ser una de las mejores novelas del año, con Lluvia fina en las espaldas, o con Premios Nacionales, o simplemente por el peso editorial o la presión personal…pero Landero lo deja claro, no tengo esa sensación, desde mi primera novela, existen en la vida otras cosas que ejercen más presión sobre mí. Nos recordaba Landero, el sobre el ejercicio de la escritura, sobre la presión en la profesión que, y como decía Umbral, qué bien se escribe cuando no se quiere escribir bien. Es como salir a pasear por el barrio sin rumbo.

Echamos de menos a los Bartleby de Melville, como ese libro de Enrique Vila-Matas donde se habla del mal endémico de las letras contemporáneas, de la pulsión negativa o atracción por la nada…ese Pedro Paramo de Rulfo al que le preguntaban, Señor Rulfo, ¿por qué lleva tantos años sin escribir nada? Es que se me murió el tío Celerino, que era el que me contaba las historias. Landero no nos habla de esa sensación, la de no tener que contar nada, de tener que vivir más experiencias para llevarlas a un papel, nos habla de la necesidad de contar nuestros recuerdos, de los vividos por cada uno, la de nuestra inventiva, la de nuestra propia realidad, una de las cosas extraordinarias es que nos pasan más cosas de las que creemos, matiza, ahí está la belleza de las cosas, en detenerse y ver lo que realmente sucede alrededor, no lo que le está pasando a otras personas en una red social o en la televisión. Cuando doy algunas charlas en institutos o cuando daba clases, siempre les recordaba lo mismo, no hay nada peor en la vida que se te quede seco el corazón, perder la capacidad de emocionarte por las cosas. Si no te emocionas con tus pequeñas cosas… ¿Cómo pretendes escribir algo?

En el día a día, en las noticias están las historias, la mentira, la ficción forma parte del interior del escritor, el que le dará forma a la novela, todas parte de algo que ha sucedido.

La charla fluye tranquila, con los problemas de una vida analógica y digital, un teléfono que suena a robot y uno de los mejores escritores nacionales de estos últimos treinta años intentando reactivar la conversación como si de una prueba de un concierto de verbena se tratase. Las risas calman los fallos digitales y las ganas de seguir hablando de todo y nada colman la vendimia de su nuevo libro que como su propia prosa reza…

Casi toda mi vida está ya vendimiada. Vendimié mi infancia y mi adolescencia, fui enamorado y guitarrista, y esos años también los vendimié, vendimié mi estancia en París, a mi padre lo he vendimiado qué sé yo la de veces, y a las bellas muchachas de mi pueblo y de mi barrio, y mi vida de profesor y de escritor y de lector, y muchas cosas más, porque a veces da la sensación de que la vida es breve, sí, pero en cambio la memoria de lo vivido no se acaba nunca.

En época de pandemia, más libros, más lectores, nos remarca Landero, ante la pregunta sobre la supervivencia de la cultura en estado de alarma. Los resultados son buenos, al menos los lectores han tomado tiempo para leer, una acción casi imposible de realizar tranquilo en estos tiempos. Solo hay una cosa que cambiar, comprar los libros en librerías, en la de nuestros barrios, y mandar muy lejos las ventas a través de Amazon. Ríe Luis.

Toca leer El Quijote, en muchos colegios, con una versión infantil o juvenil, que más se parece a un comentario de cualquier red social que al hidalgo caballero…¡Muera don Quijote! Gritaba Huguito Bayo al destrozar la peluquería…un legado que debe pervivir para sembrar la literatura, para Luis la literatura vive un buen momento ahora, y además de los educadores, matiza, los padres y las madres deben formar parte de esa educación, es todo un equipo. El Quijote ya no es el que escribió Cervantes, es algo más, detrás hay muchas capas, muchas generaciones, millones de lectores. Es ya un libro muy manoseado, con muchas experiencias vitales añadidas a sus capítulos. Los clásicos tienen ese sello que deja el lector sobre sus páginas.

Nos lo imaginamos sentado en su mesa, en ese lugar donde aún escribe a mano, a cinco tintas para que se vean perfectamente las correcciones, nos imaginamos, al otro lado del teléfono, a un escritor cansado de tanta entrevista pero contento de tantas respuestas, diferentes voces, medios de comunicación, radios, revistas, televisión…y el sonido, como otra voz del pasado, de una máquina de coser como ganapán familiar. Antes campos duros y arados yermos, ahora novelas y como escribe Elvire Gómez-Vidal, con una escritura que se asemeja a la de Flaubert, por la exigencia de perfección y de exactitud: una buena oración en prosa ha de ser como un verso, inmutable, igual de cadenciosa, de sonora. Como el ruido de esa vieja máquina, o el ruido del riachuelo del campo donde habitó de pequeño, la mejor época de mi vida, con la mejor edad de mi vida, todo un campo de imaginación para un chico de mi edad. Añora Landero ese Alburquerque que le vio nacer, esa Extremadura castigada. Una nostalgia compartida y refrescada por las excitación de su Madrid, el nuevo mapamundi que le daría taller mecánico, ultramarinos, guitarra flamenca, familia, filigranas escritas en novelas, ruido, cariño y quién sabe…una serie en Netflix para ver si es posible en televisión, que llueva finamente. Toda una ilusión, algo emocionante, ver una novela mía adaptada a la pantalla me resulta agradable, el productor y guionista Aitor Gabilondo, que adaptó Patria de Aramburu, compró los derechos del libro para llevar a cabo la adaptación audiovisual, termina Luis Landero para finalizar la conversación, a muchos kilómetros de distancia, a muy pocos pasos de su literatura, a un vistazo de su huerto. Sí, es un gusto escribir. Uno se siente como niño con cuaderno nuevo. Un gusto y un vértigo.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Iván Giménez Foto escolar y familia de Luis Landero

22 de mayo de 2021
Salita del Cómic 2021

A partir de este Sábado 2 octubre, en el Museo Luis de Morales podréis disfrutar de las exposiciones “Carteles de la Salita del Cómic” y “Portadas de la revista Harto!”.

SÁBADO 2 DE OCTUBRE

• 11:30 horas. Presentación de la Salita.

• 12:00 horas. Cuentacuentos Payasos de Vacasflakas y Brocolina, con ilustraciones en directo de Alex de la Fuente.

• 13:00 horas. Taller de Cómic impartido por Rafael Jiménez Sánchez (Carmona en Viñetas).

• 17:00 horas. Inauguración.

• 17:30 horas. Las novedades de Extrebeo: Harto! – Cuadernillos – El Dragón de los sueños – Mujeres extremeñas ilustradas.

• 18:00 horas. Cómic con denominación de origen Extremadura: Berenguela – Buffalo Bill y el último dragón – Diario de campaña

. • 18:30 horas. Cómic y discapacidad: Inclusión Man 2 – Audiocómic de Inclusión man – Tranquila.

• 19:00 horas. Premio Aristas de Novela Gráfica Pang!

• 19:30 horas. Charlando con Alicia Palmer.

• 20:00 horas. Conquistando el mundo: Borja González y Mayte Alvarado.

DOMINGO 3 DE OCTUBRE

• De 11:30 a 14:00 horas. En la Plaza de Santa María, realizaremos un cómic gigante en vivo. 20 autores extremeños ilustrarán en directo una viñeta de gran tamaño con guión de Carlos Díaz y viñetaje de Pau Guerra.

**LA ENTRADA ES LIBRE HASTA COMPLETAR AFORO.

20 de mayo de 2021