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  • Luis Pastor «¿Qué fue de los cantautores?»

    Luis Pastor «¿Qué fue de los cantautores?»

    Extremadura colonizaba tierras en época de hambre. Madrid era una calle más del mapa. Barcelona un barrio donde levantar familias. Bilbao un parque gris donde machacar la nostalgia soleada de Tornavacas para abajo.

    En ese nuevo callejero octosílabo. Berzocana, sin conexión AVE pero con un caminito desgastado entre las jaras, escupe a un niño larguilucho dirección Vallecas. En ese suspiro de alta velocidad una ilusión agridulce, una maleta de transición y un petate protestón.

    En los 70 voz engolada a lo Paco Ibáñez. En los 80 voz para adentro, estilo brasileño, Caetano Veloso, Milton Nascimnento o Djavan. En los 90 voz poética, recuerdos de su tierra y su amada Portugal. Ahora, en la actualidad, asegura cantar afónico si hace falta. Luis Pastor utiliza la escritura como un espejo donde reflejar las emociones, los estados de ánimo, donde buscarse y donde encontrarse. Es en esa búsqueda, y a las dos de la madrugada, esperando el barco destino la isla de Troia con Javier Ruibal, Pablo Guerrero y la voz de Dulce Pontes donde llegan las lluvias de mayo que mojan el cuerpo pero su alma no.

    Seis de la tarde y Luis Pastor y Lourdes Guerra preparan sus voces desde el barco de la cultura que la Fundación CB mantiene viva en la sede de la Residencia Universitaria RUCAB. Espacio mágico para gente tocada por la varita del virtuosismo como el cantautor extremeño.

    Luis Pastor2

    Luis Pastor y tres minutos para resumir sus cuarenta años de vida. Tres folios escritos con callos y acento lanzatremeño…Qué fue de los cantautores preguntan con aires extraños cada cuatro o cinco años despistados periodistas que perdieron nuestra posta y enterraron nuestra voz. Y así van más de treinta con la pregunta de marras tocándome los bemoles, tomen nota señores que no lo repito más.Luis Pastor7

    Luis, disculpa… ¿Qué fue de los cantautores?

    …[Sonríe]…Cuando vuelvo al escenario en el 81, todos aquellos que me ensalzaban, una vez muerto Franco, decidieron que nuestra música ya no tenía razón de ser. Nos pone una etiqueta de tíos aburridos, barbudos con una simple guitarra. Y eso queda para que mucha gente no se acerque a oír a los cantautores en los años 90. Es verdad que esa sensación se ha ido diluyendo, primero por la aparición en décadas diferentes de jóvenes creadores y porque alguno de nosotros no nos hemos rendido. Yo he sido capaz de cantar cuarenta años de historia de este país en tres folios, ¿Por qué no escribir mi vida en verso? Yo he aprendido a escribir de mayor, yo no sabía escribir, musicaba los poemas, y fruto de mis lecturas poéticas y de saber encontrar mi voz en la palabra.

    Luis Pastor9

    Poesía desde tus canciones, ahora al papel del libro…

    …Cierto es que mis libros discos sacaba treinta poemas en cada disco pero no era como tal un disco de poesía. Es la primera vez que yo me meto a hacer libros, por un lado el de poesía con Jose Manuel Díez  “Josele” y ahora este ¿Qué fue de los cantautores?.

    ¿Por qué en octosílabos?

    Yo creo que por Martín Fierro, ese emblemático poemario argentino que cuenta la historia del pueblo gaucho de final del siglo XIX. Me acuerdo de haberle comprado una edición de lujo a tres euros para mi hijo de Martín Fierro. Al volver a releerlo influyó en mi estructura en octosílabo en sexteto. Después de cuarenta estrofas, fue también mi hijo quien me dijo ¿Padre, cuenta las sílabas? Apenas sabía las reglas. Sonaba bien, pero había que corregir.

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    ¿Cuándo surge?

    La verdad es que fue una especie de broma, cuando en el homenaje al 40 aniversario de mi disco Vallecas, y dije que estaba harto de homenajear a los compañeros muertos, Hilario Camacho, Tintín Cabrera, Imanol, Labordeta y pensé que molaba más auto homenajearse…[Risas]…y voy a editar tres libros. Uno de poesía, otro de letras de canciones que saldrá con Akal y uno de memorias que iba a hacer con un periodista pero antes las editoriales Capitán Swing y Nórdica Libros me persiguieron hasta sacar este libro tan fabuloso. Algo tienen los hermanos (directores de ambas editoriales) para estar detrás de mí todo un año. Ellos no sabían que iba a escribir en verso, se esperaban para otra biografía con el periodista. Lo sorprendente es que dedican este libro a sus padres.

    En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso

    Memorias en verso, pero hasta el año 79…

    …hasta mi primer desencanto político, donde vivimos la desilusión de sentir que nada es como nos creíamos. Que las grandes verdades se diluían, que la izquierda se dividía, que la revolución que creíamos y soñábamos no llegaba, que las utopías se desvanecían, ahí hubo un momento de duda de la canción política, de su utilidad, y de duda personal de saber si nuestro éxito, mi éxito era debido a mí o a un movimiento social y político que nos empujaba. En ese momento me retiré de cantar dos años, y en ese tiempo aprendí a cantar…[Ríe]…durante ese tiempo fui a clases de canto, hice expresión corporal, compuse para obras de teatro. Me metí en el Gallo Vallecano, allí estuve seis meses de obrero, con los focos, butacas, escenarios con Fermín Cabal, Matilla y Juan Margallo entre otros. Allí me abrí a otro mundo, llegué a componer música para una obra de Alfonso Sastre y para dos obras infantiles de Luis Matilla.

    Época complicada pero a la vez emocionante…

    …en esa época cuando se hace tabla rasa y se dice que llegó la democracia en las primeras elecciones es mentira. En el 79 la extrema derecha aún mataba y pintaba en las paredes Franco resucita. Cuando yo me retiro en enero de ese año sale una nota en El País donde yo aparezco como amenazado. Ahí acaban las memorias y ahí acaba una etapa, posiblemente de un movimiento de cantantes que no se ha repetido, que tenía una presencia real en lo que sucedía en la sociedad. La reivindicación a través de la música. Un fenómeno que se estaba dando en todo el mundo. Latinoamérica y hasta en Estados unidos con Joan Baez y el Dylan de la primera etapa. Apostábamos por una canción diferente, con letras comprometidas  y algo de amor.

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    Siento algo de frustración en tu discurso.

    No, yo sigo creyendo en muchas cosas desde mi ingenuidad de niño, sigo creyendo en muchas cosas buenas del ser humano, por tanto creo que siempre hay una esperanza en mi propuesta, no hay una negatividad absoluta. En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso.

    Cuéntanos esa etapa canaria, que te ha dado las islas, ese contacto con Saramago…

    Hay un antes y un después que viene del año 93 cuando conozco a Pedro Guerra de manera más directa. Un día le invité a cantar en el bar del teatro María Guerrero y me cantó Peten Pan y yo aluciné. Cuando la trayectoria de uno es tan larga hay momentos en la que no sabes que contar, la creatividad se agota y musicalmente parece que has agotado todo. Es ese el momento que pilla con Pedro, donde él me aporta unas armonías en mis letras que me abren mi voz. En Diario de a bordo se puede ver esa etapa creativa, en Soy o en Piedra de sol grabada en Mérida que es una revisión de los temas de los 70 con poetas que vuelvo a rescatar. Vuelvo a disfrutar, vuelvo a embelesar en los conciertos. Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta.

    Tu conexión con Extremadura ¿Cómo anda?

    Es buena. La he recuperado, a nivel de vivencias, de memoria, es decir, que soy de un tiempo de cerezas, con Berzocana como cuartel, con mis hijos cuando eran pequeños. Es ahí donde he escrito mis memorias, mis añoranzas, mi infancia y mis paisajes. Cuando hablo de Extremadura, de las Villuercas en cualquier sitio parezco un embajador, sólo puedo recomendar maravillas de nuestra tierra. Yo siempre he estado conectado con la tierra, desde Pablo Guerrero, mi hermano, donde hemos tocado en miles de sitios, pasando por la cooperativa de músicos Jammin donde estaba Perroflauta por ejemplo hasta Bebe la conozco estando aún en Vanagloria. Siempre he estado abierto a voces nuevas y a gente que yo sé que están ahí y a veces no tienen un altavoz donde poder llegar. Me acuerdo como pudimos conectar nuestros proyectos con Dulce Chacón antes de fallecer, manteniendo una bella conexión la tierra.

    Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta

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    ¿Tenemos relevo generacional con tu hijo Pedro?

    Las cosas han cambiado, quizá hemos retrocedido en algunas luchas pero Pedro es un ser valiente que se plata en Latinoamérica con su mochila parta recorrerla durante tres meses para recolectar sonidos, escuchar a la gente y cantar con ellos.  Tiene un gran talento escribiendo y su capacidad desde los 16 años para hablar de cosas que yo muchas veces me he preguntado cómo las ha podido vivir. Jamás pensé que se dedicara a esto, primero porque no le gustaban los cantautores…[Ríe]…de pequeño estaba con Estopa, el rap y el flamenquito facilón…recuerdo con trece años que le regalé la colección de poesía que editaba el País y desde entonces se lo ha guiado todo él solito. Abrió su mundo con la lectura y ahora está desarrollando un gran trabajo musical.

    poema-luis-pasotr-culturabadajozEntrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • «Tras la belleza imposible» | Costillo en papel

    «Tras la belleza imposible» | Costillo en papel

    Exposición «Tras la belleza de imposible» de Luis Costillo en la Sala Artex. Del 26 de abril al 28 de mayo.

    Y desearía ser piedra

    para no tener que ver

    una belleza imposible de definir,

    una belleza imposible de creer,

    una belleza imposible de soportar.

    Brompton Oratory
    Nick Cave & The Bad Seeds

     

    En estos días del cruel mes de abril se cumplen cinco años ya de la muerte de Luis Costillo –un artista singular, una persona notable, un amigo para muchos– tan añorado desde entonces por tantos de nosotros. Con motivo de este aniversario, la Fundación Luis Costillo Pereda ha

    organizado la exposición Tras la belleza imposible. Costillo en papel, en homenaje y recuerdo suyo –y también celebración de toda su vida, intensa en lo personal y fructífera en lo artístico–, dando a conocer con ella parte de su obra no expuesta hasta ahora en público. La memoria de Luis debe permanecer viva y sus trabajos deben continuar al alcance de todos, ni su persona ni su obra fueron hechos para el olvido, ese es el motor de la existencia de esta fundación.

    Tras la belleza imposible. Costillo en papel va a ser la primera muestra póstuma de Luis Costillo; aunque tras su muerte la exposición Fahrenheit –en la que participó activamente cuando se pre- sentó en el MEIAC– se pudo ver en sedes como Évora y Lisboa, dejando también huella en su amada tierra portuguesa, esta es la primera exposición de su obra en la que Luis no ha participado personalmente, y eso añade responsabilidad e incertidumbre a la hora de afrontarla, aunque la gran calidad de sus trabajos propicia, sin duda, un buen resultado.

    La exposición se centra en sus dibujos, porque el dibujo es la más sincera de las expresiones ar- tísticas. Por su realización directa e intuitiva, su espontaneidad e inmediatez al ejecutarlo, y la instantaneidad con que se plasma, es la técnica que mejor revela lo que el artista siente. Para Luis, expresarse sobre el papel fue una constante durante toda su carrera y acabó por convertirse en una necesidad vital. El dibujo y la escritura, obras manuales de cercanía que prefieren soledad y silencio, se convirtieron a partir de determinado momento en sus técnicas de creación favoritas, –con resultados desbordantes, como los conseguidos en sus libros de artista– en detrimento de la pintura sobre lienzo y los grandes formatos en los que había basado su ejemplar carrera, pero que acabaron siendo insuficientes para colmar sus anhelos de comunicación.

    El dibujo no es la excusa aquí, es solo una constatación: el arte de Costillo sobre papel es inabar- cable. Lo que aquí podemos ver es sólo una pequeña muestra entresacada de sus carpetas, de la multitud de dibujos, collages y obra gráfica de variados formatos, técnicas y épocas que conservaba ordenadamente en su estudio (además de los numerosos libros de artista que ya conocemos).

    La selección pretende ser sólo una muestra de tan abundante trabajo; no hay coartadas estéticas ni filosóficas que la justifiquen, su objetivo es sólo darlos a conocer, compartirlos con quien quiera acercarse a ellos. Es una cata cuasi arqueológica: hemos elegido trabajos de doce series distintas, de distintas épocas (que no se muestran completas en todos los casos para poder abarcar mayor variedad), que van acompañadas en algunos casos de pinturas relacionadas temática o estilística- mente con ellas y que compartieron un mismo propósito cuando fueron realizadas.

    Las pasiones de Luis fueron diversas, pues además del arte exploró con deleite otros territorios creativos que acabaron imbricados en su arte. Amaba la buena música (el rock desgarrado, afilado y transgresor de gentes como Lou Reed, Nick Cave, Patti Smith o Joy Division), la buena literatura (fue lector ávido de ciencia ficción dura y ciberpunk de autores como Kurt Vonnegut, William Gibson, Stanisław Lem y, por supuesto, William S. Burroughs) y el buen cine (tanto los clásicos en blanco y negro de Fritz Lang, Murnau o Akira Kurosawa como el cine a la contra de Wim Wenders, David Lynch o Jim Jarmusch). Todos ellos, todas sus obras (discos y conciertos, libros, dvds y proyecciones del cine club) pasaron a formar parte de su propio corpus, de todos se alimentó su espíritu para transformarlos en otra cosa, incorporando sus conceptos e ideas, trazando líneas y manchas en un papel o una tela.

    Y así ha resultado que, a pesar de no buscar en esta exposición un nexo entre las obras para su selección ni un hilo común que sirviera de argumento, éste ha surgido por sí solo, a posteriori, reclamando silencioso su importancia cuando uno contempla el conjunto seleccionado. En buena parte de los dibujos y collages escogidos están presentes los nombres mencionados anteriormente, incluida Portugal: una serie nos remite al Berlin de Lou Reed, el álbum más triste de la historia del rock, al decir de muchos críticos; en otra nos encontramos unos Beatles intervenidos en dibujo con los característicos ensamblajes de madera de Costillo; el disco Trans-Europe-Express, de Kraftwerk, es literalmente desguazado y en sus manos se transforma en Trans-Schengen-Express; también están en la sala Burroughs y compañía y también, cómo no, uno de sus artistas de cabecera, el atormentado Nick Cave, cuya canción Brompton Oratory da nombre a una de las series aquí reco- gidas y cuya letra nos ha orientado para escoger el título de la exposición.

    En todos estos dibujos aparece reconocible el genio de Luis, todos nos provocan una reacción –una pregunta, una sonrisa, una mirada cómplice– por el juego de conceptos plasmado en ellos, de todos queremos saber más y con todos ellos podemos aprender más; solamente hay que recorrer la sala con la mirada y la mente abiertas. Porque esta es, ya se ha dicho, una exposición para recordar a Luis Costillo, para que su ausencia lo sea menos, acercarnos a su trabajo menos visto y también conocer mejor al autor y conversar con él mientras nuestros ojos y nuestros pensamientos recorren las obras aquí mostradas.

    José Ángel Torres. Comisario de la exposición

    LUIS COSTILLO PEREDA (1956-2019)

    Artista plástico pacense, formado en Extremadura, Andalucía e Italia, comenzó su carrera con una primera exposición individual en 1976. Durante los primeros años 80 pintó influido por las tendencias en boga de la época, pero poco a poco fue encontrando un estilo personal, se fue alejando de la pintura meramente figurativa e impregnándose de expresionismo, de ironía dadaísta y de referencias literarias.

    En los años 90 prosigue su evolución tratando en todo momento de incorporar el soporte al sentido de la obra, así, aparecen los objetos intervenidos y todo es ya susceptible de ser empleado en una obra en la que abundan ensamblajes y seriaciones; pieles, chapas metálicas, huesos de animal y maderas rescatadas conviven con el acrílico y el lienzo en unas propuestas a veces directamente escultóricas.

    En los primeros años de este siglo va abandonando la pintura, que ya no le resulta suficiente para dar cuenta de su expresividad, y se centra en la que sería su actividad principal -y febril- hasta sus últimos días: la elaboración de libros de artista. Su obra de los últimos años es una biblioteca de casi dos centenas de títulos, cada uno de ellos con un universo cerrado, pero siempre en diálogo con el resto, como unos vasos comunicantes portátiles que nos hiciesen viajar de un libro a otro.

    Además, a lo largo de toda su trayectoria, Luis Costillo practicó incesantemente el dibujo sobre papel, en todas sus variantes, dando salida a una parte más íntima y confesional de su obra.

    A lo largo de su larga trayectoria, Luis Costillo presentó más de 40 exposiciones individuales y otras tantas colectivas, además de haber elaborado una extensa obra como diseñador gráfico, cartelista, etc… Entre las exposiciones individuales cabe destacar la magna antológica FAHRENHEIT, producida por el MEIAC, que pudo verse además en Évora y Lisboa.

    El compromiso –social, personal– fue una de las marcas de su obra, nunca ajena a la crítica. Dese los tratados de política internacional hasta los excesos urbanísticos de Badajoz, la ciudad donde se edifica su obra, todo forma parte de una lectura del mundo con un trasfondo importante de subversión social. Utopía y distopía dialogan en muchas de sus obras como formas elegidas para reescribir otra realidad posible, alejada de los cauces de la sociedad de consumo y entregada al placer de la sencilla vida cotidiana.

     

  • Luis Costillo «Viajando con su Fahrenheit por Lisboa»

    Luis Costillo «Viajando con su Fahrenheit por Lisboa»

    El maestro Costillo viaja. Siempre lo ha hecho. El artista Luis Costillo viaja por el interior del alma, recorre su propia crítica a través de la imagen, con el arte en cada pintada, collage, texto o pieza, y lo más importante, siempre nos hace viajar con él. El camino puede ser corto, largo o eterno, depende de las ganas de compartir vuelo con el autor fallecido en 2019. Generador de una obra extensa y epicentro de un arte punzante, mordaz y definido. ¡Esa obra es de Luis Costillo! Reconocible aquí, en su tierra, y allí (donde sea), en este caso Lisboa, el Instituto Cervantes, en la Mostra Espanha, festival bienal de cultura española.

    Fahrenheit 2021 muestra una selección de trabajos realizados por Costillo desde 2005 hasta su fallecimiento en 2019. El grueso de esta selección está compuesta por libros de artista de muy diverso tratamiento y contenido. Hay trabajos casi exclusivamente tipográficos, imágenes acompañadas de textos, construcciones gráficas de tipos de caucho, grabados retocados o collages… En cuanto a los contenidos, tampoco hay una línea definida, casi siempre buscando desenmascarar los resortes de la sociedad capitalista y sus injusticias. Humor e ironía se cruzan con el desencanto y la desesperanza. Textos crípticos acompañan fotos explícitas, párrafos de la prensa diaria ilustrados con dibujos, contra publicidad, juegos de palabras convertidos en imágenes, textos literarios o bíblicos.

    La exposición FAHRENHEIT, que fue producida por el MEIAC y donde pudo verse entre 2018 y 2019 para, posteriormente, itinerar al Centro de Arte e Cultura de la Fundação Eugénio de Almeida en Évora, está abierta al público desde el 23 de septiembre hasta el 30 de noviembre en el Instituto Cervantes de Lisboa (Rua Santa Marta 43 F). En esta ocasión, la exposición se enmarca dentro de la programación de Mostra Espanha, festival bienal de cultura española que se desarrolla en Lisboa entre septiembre y diciembre, con un programa de actividades promovido por el Ministerio de Cultura y Deporte, para mostrar la actividad de las industrias culturales españolas, en colaboración con la Embajada de España y el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) y el propio Instituto Cervantes de Lisboa.

    FAHRENHEIT 2021 muestra una selección de trabajos realizados por Luis Costillo desde 2005 hasta 2019, año de su fallecimiento y, aunque abarca diversos tipos de obra, el grueso de la exposición está compuesto por libros de artista. Entre estas obras está parte de su última producción, que sólo se ha mostrado al público en la última exposición en Évora en 2020, y otras aún no vistas por el público.

    Luis Costillo se inició en Madrid en 1976 (Pequeño Formato, Sala ONDAR). En esos años, hasta los primeros ochenta, su pintura fue básicamente de formación. A partir de la segunda mitad de la década, su estilo comienza a perfilarse; se aleja de la pintura meramente figurativa y se baña de expresionismo y de ironía dadaísta y referencias literarias. Los lienzos crecen y el mix y el collage se imponen con la incorporación de variados elementos: lona, chapa, transfers fotográficos… (Exhibición de Atrocidades, Granada, 1984; Mix Media, Coín, 1989). En los años noventa es el propio soporte el que evoluciona y habla, convirtiéndose en territorio de pruebas. Aparecen los objetos intervenidos y abundan ensamblajes y seriaciones; el acrílico y el lienzo conviven con propuestas a veces directamente escultóricas (El Ojo Frío, 1997; E.D.E.N., 2004, ambas en Cáceres) que también derivarán hacia la instalación (Los Rebeldes, Fregenal de la Sierra, 1999; Vincent. La Sombra Debida, MEIAC, Badajoz, 2004).

    Luis Costillo también desarrolló una abundante obra sobre papel, que le abrió un nuevo campo para la experimentación formal y técnica y que acabó cuajando en una brillante labor que le ocuparía hasta el final de sus días: la producción de libros de artista. Alrededor del año 2005, abandonó en la práctica la pintura, sobre todo los grandes formatos, y orientó su trabajo a la confección de libros en los que formulaba propuestas que no podían encontrar adecuada expresión como obras para pared. Fahrenheit nació aquí. Desde aquí creció, desde esos volúmenes, donde se entrecruzaron fructíferamente lo literario y lo plástico, pudo Luis Costillo desarrollar y expandir sus pensamientos.

    Willy López |Fotografía. Félix Méndez

  • Luis Landero «Es un gusto escribir. Uno se siente como niño con cuaderno nuevo. Un gusto y un vértigo»

    Luis Landero «Es un gusto escribir. Uno se siente como niño con cuaderno nuevo. Un gusto y un vértigo»

    Escribir es agregar un cuarto a la casa de la vida, lo decía Adolfo Bioy Casares, me lo recordaba Luis Landero durante nuestra charla. Y es que escuchar a Landero es sentir el eco de sus personajes, las pausas de nuestra conversación, el interludio de los capítulos de sus novelas, el ritmo oscilante de sus entonaciones, la sensación de habitar por un rato en ese cuarto destinado única y exclusivamente a la escritura.

    Al escritor extremeño le han hecho entrevistas en infinidad de espacios, en el Hotel Wellington, en el Café Comercial, en el Bar Maracaná o en la magnífica biblioteca del Casino de Madrid, pero en esta ocasión toca tener una cita desde el terruño, desde este maravilloso fango del oeste ibérico. Como dos novios en una cabina telefónica, a la espera de la hora acordada, con un único y amoroso tema a abordar, el huerto de Emerson, un tema que será del que menos se hable.

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    Al huerto de Emerson ya le llegan sus terceras recolectas, tres ediciones en menos de dos meses. Una vendimia en plena pandemia donde Landero lo tiene todo escrito, por tanto dicho. No puedo contarte nada que no sepas, en estos tiempos todos sabemos lo que ocurre al instante. Estoy contento con el libro, pero para mí ya es un libro que se acabó, y entonces a mí ya deja de interesarme, una vez que lo publico, y como a todos los actores, me gusta salir al escenario a recibir unos aplausos, muy humano por otra parte. Y una vez que se reciben los aplausos pues se baja el telón y uno vuelve entre bambalinas para escribir su próximo libro.

    A todos nos ha tocado un terrenito en que labrar… escribía Ralph Waldo Emerson en su obra Ensayos escogidos, de la que toma el título. En ese terreno que cultivar letras, nacen las historias de Landero: recuerdos y tiempo de vendimia, así arranca el Huerto de Emerson: Tengo un cuaderno nuevo y no sé en qué gastarlo.

    Es invierno, ya ha oscurecido, hace mucho frío y afuera resuena el temporal. Yo me he arrimado a este cuaderno como el mendigo al calorcillo de la lumbre. Por el momento no sé qué escribir, es cierto, pero eso importa poco. Cuando uno no sabe qué escribir, cuando la imaginación flaquea, cuando el alma se apaga y se embrutecen los sentidos, y cuando aun así uno siente la necesidad de escribir, siempre queda la posibilidad de abandonarse a los recuerdos…

    Tenemos la necesidad de preguntar por lo que siempre preguntamos a los escritores, vivencias, folio en blanco, rutina de trabajo, influencias, escribir en pijama o con traje de domingo, ese momento al que uno llega al oficio por casualidad o tozudez,  pero el escritor de Juegos de la edad tardía nos despoja de ese compromiso y nos deja en ese limbo tan inquietante, hasta la próxima novela, que no es otro que como en su día dijera Raymond Carver, pasar a otra cosa, a  la vida; Si somos lectores o escritores afortunados, terminamos la última frase de un cuento y nos quedamos sentados tranquilamente. Pensamos en lo que hemos escrito o leído y puede que nuestros corazones o nuestras mentes hayan dado un paso hacia delante. Puede que nuestra temperatura corporal haya subido o bajado un grado. Entonces, respirando hondamente, nos reponemos y nos levantamos, “criaturas de sangre caliente y nervios”, que dice un personaje de Chejov. Y pasamos a otra cosa. A la vida. Siempre a la vida.

    Es una suerte de impotencia, contesta Landero, no puedo explicar más de lo que dice el libro, no lo puedo explicar mejor de lo que está escrito en el libro y lo que no puedo hacer es traducir en conceptos abstractos e intelectuales lo que yo cuento ahí de un modo literario. Además lo falseo, la ficción de sacar mi propia percepción de la realidad. Cualquier lector que haya leído mi libro con atención sabe más o menos del libro que yo. Esencialmente no creo que tenga que añadir nada a lo que he escrito. Abandonamos el huerto de Emerson para dejar a los lectores su inmersión en el universo Landero y le preguntamos por algo que le preocupa bastante, la sobredosis de la información, el exceso de todo y nada,  ese cúmulo de experiencias calcadas o faltas de vida…hablamos de la originalidad, de renovar la mirada, de pensar más, del mundo creado en torno a las nuevas redes de internet…Esto ha venido hace poco, vivimos en el año 20 después de internet. Desde ahí hay que empezar a contar, de la edad contemporánea desde 1789 con la revolución francesa hasta la caída del muro de Berlín en 1989 se pensaba que ahí estaba el corte, estábamos equivocados. El corte ha venido con internet, es ahí donde empieza la edad post contemporánea.

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    Cuando leemos las obras de Luis Landero tenemos la sensación de escuchar, más que de unir las palabras para leer, resulta raro pero son meras sensaciones…en el La vida innegociable, en Lluvia Fina, en el Huerto de Emerson, sucede…aparecen muchos personajes en sus libros que no cesan en su verborrea, pero otros muchos escuchan…se trata de una cuestión de educación, cuando tú estabas con tus mayores en el campo, en el pueblo, y comenzabas a hablar te decían, tú cállate que eres muy nuevo. Uno aprendió a escuchar con educación, con respeto, pero ahora uno puede ver en televisión, en las tertulias, que se quitan la palabra, se gritan unos a otros, no sé si eso forma parte del circo mediático pero es la imagen que se proyecta actualmente. Los diálogos de Platón, en el viejo coloquio, que es tan instructivo y tantos beneficios han traído a la humanidad, el dialogar, el escuchar, y es que saber escuchar es una virtud muy rara en estos días, ahora toda la gente habla porque todos opinan y pocos piensan. Hay demasiado ruido verbal, en la calle, hablamos a gritos, por tanto debemos aprender a escuchar y a hablar más bajo.

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    Suponemos que existe presión a la hora de lanzar, publicar una novedad. Ser una de las  mejores novelas del  año, con Lluvia fina  en las espaldas, o con Premios Nacionales, o simplemente por el peso editorial o la presión personal…pero Landero lo deja claro, no tengo esa sensación, desde mi primera novela, existen en la vida otras cosas que ejercen más presión sobre mí. Nos recordaba Landero, el sobre el ejercicio de la escritura, sobre la presión en la profesión que, y como decía Umbral, qué bien se escribe cuando no se quiere escribir bien. Es como salir a pasear por el barrio sin rumbo.

    Echamos de menos a los Bartleby de Melville, como ese libro de Enrique Vila-Matas donde se habla del mal endémico de las letras contemporáneas, de la pulsión negativa o atracción por la nada…ese Pedro Paramo de Rulfo al que le preguntaban, Señor Rulfo, ¿por qué lleva tantos años sin escribir nada? Es que se me murió el tío Celerino, que era el que me contaba las historias. Landero no nos habla de esa sensación, la de no tener que contar nada, de tener que vivir más experiencias para llevarlas a un papel, nos habla de la necesidad de contar nuestros recuerdos, de los vividos por cada uno, la de nuestra inventiva, la de nuestra propia realidad, una de las cosas extraordinarias es que nos pasan más cosas de las que creemos, matiza, ahí está la belleza de las cosas, en detenerse y ver lo que realmente sucede alrededor, no lo que le está pasando a otras personas en una red social o en la televisión. Cuando doy algunas charlas en institutos o cuando daba clases, siempre les recordaba lo mismo, no hay nada peor en la vida que se te quede seco el corazón, perder la capacidad de emocionarte por las cosas. Si no te emocionas con tus pequeñas cosas… ¿Cómo pretendes escribir algo?

    En el día a día, en las noticias están las historias, la mentira, la ficción forma parte del interior del escritor, el que le dará forma a la novela, todas parte de algo que ha sucedido.

    La charla fluye tranquila, con los problemas de una vida analógica y digital, un teléfono que suena a robot y uno de los mejores escritores nacionales de estos últimos treinta años intentando reactivar la conversación como si de una prueba de un concierto de verbena se tratase. Las risas calman los fallos digitales y las ganas de seguir hablando de todo y nada colman la vendimia de su nuevo libro que como su propia prosa reza…

    Casi toda mi vida está ya vendimiada. Vendimié mi infancia y mi adolescencia, fui enamorado y guitarrista, y esos años también los vendimié, vendimié mi estancia en París, a mi padre lo he vendimiado qué sé yo la de veces, y a las bellas muchachas de mi pueblo y de mi barrio, y mi vida de profesor y de escritor y de lector, y muchas cosas más, porque a veces da la sensación de que la vida es breve, sí, pero en cambio la memoria de lo vivido no se acaba nunca.

    En época de pandemia, más libros, más lectores, nos remarca Landero, ante la pregunta sobre la supervivencia de la cultura en estado de alarma. Los resultados son buenos, al menos los lectores han tomado tiempo para leer, una acción casi imposible de realizar tranquilo en estos tiempos. Solo hay una cosa que cambiar, comprar los libros en librerías, en la de nuestros barrios, y mandar muy lejos las ventas a través de Amazon. Ríe Luis.

    Toca leer El Quijote, en muchos colegios, con una versión infantil o juvenil, que más se parece a un comentario de cualquier red social que al hidalgo caballero…¡Muera don Quijote! Gritaba Huguito Bayo al destrozar la peluquería…un legado que debe pervivir para sembrar la literatura, para Luis la literatura vive un buen momento ahora, y además de los educadores, matiza,  los padres y las madres deben formar parte de esa educación, es todo un equipo. El Quijote ya no es el que escribió Cervantes, es algo más, detrás hay muchas capas, muchas generaciones, millones de lectores. Es ya un libro muy manoseado, con muchas experiencias vitales añadidas a sus capítulos. Los clásicos tienen ese sello que deja el lector sobre sus páginas.

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    Nos lo imaginamos sentado en su mesa, en ese lugar donde aún escribe a mano, a cinco tintas para que se vean perfectamente las correcciones, nos imaginamos, al otro lado del teléfono, a un escritor cansado de tanta entrevista pero contento de tantas respuestas, diferentes voces, medios de comunicación, radios, revistas, televisión…y el sonido, como otra voz del pasado, de una máquina de coser como ganapán familiar. Antes campos duros y arados yermos, ahora novelas y como escribe Elvire Gómez-Vidal, con una escritura que se asemeja a la de Flaubert, por la exigencia de perfección y de exactitud: una buena oración en prosa ha de ser como un verso, inmutable, igual de cadenciosa, de sonora. Como el ruido de esa vieja máquina, o el ruido del riachuelo del campo donde habitó de pequeño, la mejor época de mi vida, con la mejor edad de mi vida, todo un campo de imaginación para un chico de mi edad. Añora Landero ese Alburquerque que le vio nacer, esa Extremadura castigada. Una nostalgia compartida y refrescada por las excitación de su Madrid, el nuevo mapamundi que le daría taller mecánico, ultramarinos, guitarra flamenca, familia, filigranas escritas en novelas, ruido, cariño y quién sabe…una serie en Netflix para ver si es posible en televisión, que llueva finamente. Toda una ilusión, algo emocionante, ver una novela mía adaptada a la pantalla me resulta agradable, el productor y guionista Aitor Gabilondo, que adaptó Patria de Aramburu, compró los derechos del libro para llevar a cabo la adaptación audiovisual, termina Luis Landero para finalizar la conversación,  a muchos kilómetros de distancia, a muy pocos pasos de su literatura, a un vistazo de su huerto. Sí, es un gusto escribir. Uno se siente como niño con cuaderno nuevo. Un gusto y un vértigo. 

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Iván Giménez  Foto escolar y familia de  Luis Landero 

  • El Divino en su tierra, Luis de Morales en el MUBA

    Divino, el señor Luis de Morales, nos quedamos con la tercera acepción de la RAE;  muy excelente, extraordinariamente primoroso. El resto de definiciones, aunque enjaretadas en su trabajo y las que le dieron el sobrenombre, corresponden con la armonía concupiscente, impregnadas en su vida y obra por el contexto social de su siglo.

    Para apreciar la obra del autor extremeño necesitamos coger el coche y plantarnos en las iglesias de las localidades donde desarrolló su trabajo, sentarse enfrente de un retablo en Arroyo de la Luz y permanecer en silencio. Dejarse llevar por el sonido atávico de los pinceles sobre la madera de castaño. Luz, luz y luz para dar vida a sus figuras bíblicas.

    Si queremos ver la obra de Luis de Morales es necesario volar hasta el Metropolitan de Nueva York, allí una Sagrada Familia desliza el horóscopo de Cristo, atiende a admiraciones en inglés y japonés.

    Se puede ir en bici, de ruta senderista, en coche, en avión, en tren es más difícil, pero se puede ir hasta el Louvre de París. Y sí, una Piedad maravillosa, atrapa al visitante del museo, las manos de la Virgen socorren la angustia más humana de un Cristo que languidece. La mirada de ambos, los ojos de esa redención tienen el sello personal del arte de Morales.

    Existe una visita más cercana, con más obras del autor pacense, el Museo del Prado de Madrid. Apreciar las mezclas de óleos naturales, el capado del minio, piedras machacadas para dar consistencia moralesca componen un universo único entre tanta obra maestra. Es ahí donde el pacense goza de salud.

    El Divino en su ciudad. Luis de Morales en le MUBA. Color nazareno, luz de vela. Así podemos desplazarnos al 1560 sin tener que coger un autobús, volar en avión y tirar de internet para gozar de su obra. Desde su casa, cerca de su taller.

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    María Teresa Rodríguez Prieto, la directora de la pinacoteca nos habla  de una muestra, especial por sus características, organizada en dos ámbitos fundamentales en su planta baja. Por un lado los temas marianos relacionados con la Sagrada Familia y la Virgen con el Niño, mientras en otro encontramos la evocación de la Pasión y Muerte de Cristo.

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    Se exponen muestras destacadas pertenecientes a retablos como el del Sagrario de la Catedral de Badajoz o el del Monasterio de Santo Domingo de Évora, pero también obras devocionales con modelos que se basaban en los postulados emanados del Concilio de Trento que buscaban la piedad del creyente a través de la representación del dolor de Cristo y el sufrimiento de su madre. Ejemplos como “La adoración de los magos” y “La adoración de los pastores” muestran las diferentes calidades entre las obras directas de Morales y las que presentan la intervención de sus colaboradores más directos, como su hijo Hernando. Generador de modelos que aunaban las influencias flamencas e italianas y que se reproducirán a lo largo de décadas después de su fallecimiento, Luis de Morales estableció su taller en Badajoz recibiendo importantes encargos que abastecían las preferencias de los prelados pacenses, pero también, las iglesias y conventos de las provincias de Badajoz, Cáceres y del país vecino portugués.

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    María Teresa Rodríguez destaca que uno de los objetivos de los museos es promover la investigación sobre sus colecciones. Por ello, y con motivo de la organización de esta exposición, el Museo de Bellas Artes “decide en octubre de 2017 revisar las obras de su colección permanente relacionadas formalmente con la manera de hacer moralesca”.

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    Los resultados de ese estudio técnico se pueden ver también en la exposición, algo no habitual en este tipo de proyectos pero que, precisa la directora, “nos ayuda a conocer un trabajo generalmente a la sombra y que, en los últimos años, ha ido mostrándose al público para una mayor comprensión de la labor que se realiza en los museos”.

  • Día de Extremadura «Pasión por una región única»

    Día de Extremadura «Pasión por una región única»

    Un día especial, sin duda. Reconocimientos a la labor de los  extremeños que se dejan la piel por destacar en su profesión. Un buen rato con los músicos de la región. Un himno que emociona y un teatro romano de Mérida como enclave para aglutinar a los paisanos.

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    La investigadora María Victoria Gil, el periodista Ángel Sastre, la monja Cristina Arana, la Federación Extremeña de Bandas de Música y el Grupo «Manantial Folk», el cacereño Gonzalo Martín Domínguez y el pintor Jaime de Jaraiz -a título póstumo- recibieron la Medalla de Extremadura, el máximo galardón que concede la región.

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    El presidente de la Junta, Guillermo Fernández Vara, destacó la labor diaria que sor Cristina Arana Astigarraga, de 94 años, viene desarrollando en el comedor social «Virgen de Acogida» de Badajoz. Fernández Vara también remarcó días antes de la entrega, el trabajo periodístico del extremeño Ángel Sastre, que estuvo secuestrado en Siria por una filial de Al Qaeda casi diez meses entre 2015 y 2016.

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    Asimismo, el presidente extremeño ha puesto en valor el trabajo de la investigadora y presidenta de la Asociación Extremeña de Alérgicos de Alimentos (AEXAAL), María Victoria Gil, natural de Almendralejo. El presidente también  tuvo palabras de elogio para Gonzalo Marín Domínguez, presidente de la Casa de Extremadura en Sevilla, por su compromiso con las raíces y cultura de su tierra, raíces que han contribuido a fortalecer los lazos históricos de Extremadura y Sevilla. A título póstumo, el Gobierno regional también entregaró la Medalla de Extremadura al pintor Jaime García Sánchez, Jaime de Jaraiz, natural de Jaraíz de la Vera .

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    La Federación Extremeña de Bandas de Música, con 62 agrupaciones integradas y más de 3.100 los músicos federados; y el Grupo «Manantial Folk», agrupación de música tradicional fundada en 1981 en Madrigal de la Vera, recogió en la noche de la celebración ex aequo uno de las Medallas.

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    Después vino el broche, el fin de fiesta cargado de música, duetos, el magnífico y apasionado director de orquesta César Guerrero al frente de la siempre  maravilla OEX.

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    La familia Vargas puso el instinto flamenco, con una falseta de guitarras que emocionó al numeroso público asistente.

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    Celia Romero, la cantaora que ya nos deleitó con el himno de Extremadura hace tres años, abrió los duetos con el sabor de Acetre.

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    Le siguieron otros grandes músicos como Mili Vizcaíno, Gecko Turner. Cira, AMA, Gene García, Chloé Bird, Raquel Sandes, Carlos Masegosa, Chocalhos Emeritenses, Pepe Rades, Luis Carlos Gámez y el coro Amadeus IN, Duende Josele y el gran Luis Pastor

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