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  • Rosina Gómez Baeza «ARCO para acompañar los 30 años del MEIAC»

    Rosina Gómez Baeza «ARCO para acompañar los 30 años del MEIAC»

    Rosina Gómez Baeza es toda una institución del arte contemporáneo internacional. Tenerla cerca del MEIAC, desde su faro de intangible dimensión, 20 años directora de ARCO, aporta una pátina de excelencia a un museo concebido para aportar vida cultural.

    Gómez Baeza es diplomada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en la Escuela Politécnica de Londres e Historia del Arte y Civilización Francesa en la Universidad Católica de París. Socia Fundadora de YGBART, sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural constituida junto a Lucía Ybarra en enero de 2012. Presidenta Fundadora de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas.

    Directora de Investigación y Desarrollo de IFEMA, Institución Ferial de Madrid, desde su creación en 1980 hasta ser nombrada Directora de ARCO en 1986 ejerciendo el cargo hasta 2006. Fundadora de la Colección Fundación ARCO así como de los numerosos programas educativos y de difusión organizados durante este tiempo. Directora Fundadora de la 1ª. Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006), Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008). Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias, dedicado al estudio, investigación, producción y presentación de la obra de artistas y creadores que trabajan en el ámbito del arte, la ciencia, la tecnología y la sociedad (2006-2011). Vocal de la Junta del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), 2015-2019. Miembro del Leadership Group, European Creative Hubs Network, 2015-2017. Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en su edición de 2009 y distinguida con varias condecoraciones, entre ellas, la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana; la Distinción a la Excelencia Europea de la UE; Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa; Premio a la Proyección Internacional del Ayuntamiento de Madrid, Comendadora de la Estrella de la Solidaridad Italiana, Premio MAV a la Gestión Cultural  y Medalla de Oro del FAD entre otros reconocimientos.

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    Rosina, ¿Qué reto, qué importancia tiene la evolución que debe asumir un museo como el MEIAC en estos momentos?

    Lo  más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto, un museo como el MEIAC, tanto otros, tiene que dar otros servicios. Es baladí recordar que estamos en el siglo XXI pero es que es cierto, no podemos, no debemos de pensar en el museo solamente como un espacio para la conservación y exposición, ni siquiera investigación y estudio. Es insuficiente. Se deben mirar los nuevos horizontes culturales y Extremadura con su magnífico MEIAC están preparados para ello. Ya lo vienen haciendo con NETcospio, con NETarte, una apuesta muy arriesgada en su momento pero tremendamente vanguardista.

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    Hablas de poder cambiar el arte desde un espacio de arte, un edificio de cultura…

    …La cultura es trasformadora, la cultura ayuda a transformar una sociedad, en el sentido del conocimiento, de la pluralidad, de la diversidad, de la inclusión y del desarrollo económico de los pueblos.

    Lo  más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto

     

    Rosina Gómez02

    La que ha dado pie a  la creación de muchos museos de arte actual…

    …a partir de los 80´se ha tejido una red de museos muy interesantes, algunos de ellos con arquitecturas importantísimas, como el Guggenheim, pero también hemos visto que a lo largo de los años iba disminuyendo, reduciéndose los presupuestos sin aportaciones privadas que pudiesen mantener el programa.

    El arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte

    Antes de que se inaugurase el MEIAC, previamente se presenta en ARCO y con usted como directora.

    Se hizo notar, la primera presentación oficial fue en ARCO. Apostamos ambos por el arte latinoamericano, en el 92 era clave crear ese nexo de unión, y ya tuvimos una gran presencia de galería de América Latina, pero mantuvimos el ritmo en Arco. El Reina Sofía por ejemplo no mantuvo ese vínculo, pero era una decisión lógica, pero el MEIAC si tuvo continuidad. Y el arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte. Se adelantó a muchos museos en ese aspecto.

     

    Willy Lópezx / Félix Méndez

  • Carmen Solís «La elegante, dulce y poderosa voz de una soprano internacional»

    Carmen Solís «La elegante, dulce y poderosa voz de una soprano internacional»

    Tenemos la enorme suerte de contar con los mejores para los eventos culturales que se realizan en Extremadura. Pero más afortunados somos de comprobar que esos protagonistas son de la región. El Festival Ibérico de Música de Badajoz es un ejemplo. La soprano Carmen Solís, una de ellas.

    Suena a zarzuela pero no es una zarzuela al uso, en cierto modo es un homenaje a Sorozabal y Torroba, compositores  que forman parte de la historia musical y cultural del siglo XX de España. La Orquesta de Extremadura con Álvaro Albiach, la soprano Violeta Siesto, el tenor Daniel Izquierdo, el actor pacense Elías González, la dirección escénica y la dramaturgia de Susana Gómez y dos maravillosos solistas: el barítono asturiano David Menéndez y la soprano extremeña Carmen Solís. Nombres y apellidos del espectáculo Sorozábal y Torroba: El Payaso y la estrella, música e interpretación en estado puro.

    Pasar un rato con Carmen Solís es tener la sonrisa siempre en la cara. Eso intuimos, las mascarillas sólo nos dejan entrever que Carmen es pura emoción, los ojos rebosan brillo, alguna lágrima de recuerdos duros, pero todo un lago de optimismo que el cristalino proyecta allá donde mire. En el Palacio de Congresos, donde en algún momento hubo gritos y agonía, ahora retumba una voz dulce, enérgica, una explosión emocional que tiñe todos los pasillos y salas del recinto. Sabemos que están ensayando. Susana Gómez, la directora exige, es su trabajo, y los resultados son palpables. Aplausos, aplausos y aplausos.

    La vida está llena de incongruencias,  como cuando el Conservatorio de Milán rechazó como alumno a Verdi y después le puso su nombre. Giuseppe Verdi, el amado compositor de Carmen Solís que viaja en su garganta, una valija de artista, que nadie podrá rechazar, nosotros al menos, nunca.

    Carmen Solis-2

    Carmen, arranca de nuevo tu trabajo, después del confinamiento…

    …este es el primer concierto que hago después de ocho meses, mucho tiempo, pero muy ilusionada.

    Tras este tramo sin actuar en directo, ¿Cómo mantenéis los cantantes de ópera la voz en su punto?

    Es curioso, porque yo pensaba que esto iba a ser más difícil de recuperarse, pero no ha sido nada parecido a cuando te operan de nódulos o tiroides, por ejemplo, la voz siempre ha estado y solamente he tenido que trabajar la cuestión respiratoria. Recordar los tramos de esfuerzo, porque al fin y al cabo los cantantes tenemos que enfocar esta parte de nuestro trabajo como un deporte de fondo. El parón, y la operación a la que tuve que someterme, me ha obligado trabajar mucho, con rehabilitación, con ejercicios respiratorios, ensayos y con mucha calma y mucha paciencia. Milagrosamente la voz está muy bien y las sensaciones en esta zarzuela en el Festival Ibérico son muy buenas.

    Al fin y al cabo los cantantes tenemos que enfocar esta parte de nuestro trabajo como un deporte de fondo

    Tu voz viene de serie… ¿O se trabaja?

    [Ríe]…¡Todo se trabaja! Existe algún componente evidentemente genético que está presente pero luego hay que darle duro al trabajo. La voz es el instrumento que más esfuerzo físico supone, está dentro de nosotros y nuestra proyección es directa, por esto nos hace tanta falta subirnos al escenario, como cualquier músico, pero quizá el cantante algo más. Necesitamos la fuerza, el poder tener el control en un escenario de que tu voz llega en perfecto estado, la adrenalina que supone el propio escenario…¡son muchas cosas!

    ¿Qué supone para ti volver a actuar después de este largo tiempo con el valor añadido de hacerlo en tu ciudad natal?

    Es algo muy emocionante, los nervios están presentes desde el primer segundo, es una sensación extraña, como si fuese otra vez a debutar. Venir aquí es siempre una pasada porque la Orquesta de Extremadura para mí son unos enormes profesionales y ya forman parte de mi núcleo de amistad. Si a esos le añadimos que actúa también David Menéndez, un enorme barítono, uno de los grandes de este país, con el que he coincidido muchas veces, y el resto del elenco, el resultado es espectacular.

    A quien dice que actuar con los mejores, nos hace aún mejores…

    ¡Claro que sí! Se canta mejor, no se destaca más si estamos rodeados de mediocres, eso no es cierto. Pasa con los actores, con los artistas en general.

    Coincides con una grande en esta obra también

    Sí, con la directora Susana Gómez, con la que casualmente debuté en una producción profesional con un papel muy protagonista en 2009, con Un ballo di maschera de Verdi. Volverme a encontrar con ella después desde ese tiempo ha supuesto un regalazo.

    Cuando hablamos de ópera, de zarzuela, de la lírica en general, parece que estamos hablando de un evento destinado a un público muy concreto, pero realmente detrás de una obra de Verdi, Puccini, Barbieri o Sorozábal, hay un trabajo muy atractivo que puede atraer a mucho más público…

    Como todo en este país, hay como dos pensamientos, los que piensan que la Zarzuela tiene que ser purista, con los trajes de la época, con los textos originales, pero eso hoy en día es casi absurdo entenderlo así, casi ni se considera teatro, no es teatro, ya que debe ser una cosa viva. Y después existe otra vertiente de gente que quiere innovar, que quiere acercar el público joven, y eso es algo muy importante para la música clásica. Lo que se está haciendo en el teatro de Zarzuela es un ejemplo, donde sin perder el origen de la zarzuela se hace una revisión muy actual. Eso acerca la zarzuela a un nuevo público.

    Como es el caso de Sorozábal y Torroba: El Payaso y la estrella del Festival Ibérico de Música…

    …sí, en este caso son varios fragmentos de zarzuela de estos dos compositores, entrelazado por un narrador, Elías González, que a través de la historia de España, se muestran sus diferentes reconocimientos y su desarrollo profesional dependiendo de los cambios sociales, políticos y económicos en los que fraguaron su carrera.

    Cuéntanos cómo fue la experiencia de trabajar en esa reyerta lírica de Albert Boadella  ¿Y si nos enamoramos de Scarpia?     

    Me lo pasé muy bien, en una historia delirante con mucho humor y mucha crítica. Dos sopranos y un director en el último ensayo de una obra sobre la violencia de género. Posturas radicales en un escenario con todo tipo de elementos actuales. La obra es muy divertida en un tour de force impresionante, donde los tres cantamos, tocamos el piano y actuamos sin parar.

    Como todo en este país, hay como dos pensamientos, los que piensan que la Zarzuela tiene que ser purista, con los trajes de la época…y después existe otra vertiente de gente que quiere innovar, que quiere acercar el público joven, y eso es algo muy importante para la música clásica

    ¿Cuál es el espacio escénico del mundo que te ha generado una mayor satisfacción al actuar?

    He tenido mucha suerte de actuar con papeles principales en España, y también me lo he pasado muy bien cuando he ido al extranjero, pero realmente cuando una se siente orgullosa es cuando te llaman para cantar en Italia y triunfas en un país de grandes compositores.

    ¡Una soprano en Spotyfy! La clásica empieza a llegar a todos los lados. Además has publicado un disco recientemente, La seduzione, un monográfico de canciones para voz y piano de Verdi con Rubén Fernández Aguirre.

    [Ríe]… Sí, es una gozada poder actuar con un pianista tan bueno como Rubén Fernández, tenemos algunos conciertos cerrados, y después en Bilbao, pero no sabemos cómo irá todo con esta situación.

    ¿Percibes que el sector cultural, como artista, está mucho más afectado que otros sectores, también muy dañados?

    Estamos muy desangelados, se necesita un apoyo constante y la sensación ha sido fría, con una falta de conciencia real del sector cultural. La foto de un cantante que viaja en un avión lleno para actuar en un teatro vacío define mucho el panorama que se vive. En nuestro caso ver tantos huecos vacíos, recolocar a los abonados ya supone un recorte que es inviable para mantener la función. Esperemos que la cosa cambie.

    Willy López | Fotografías. Félix Méndez y Michal Novak (portada)

  • «Trazando las coordenadas de la piel de Extremadura» Museos de vanguardia como epicentro del turismo cultural

    Estamos en otoño y Extremadura explota de miles de colores, aromas y esencias únicas. Elegir una escapada, una ruta o una visita por esta tierra se ensancha con una oferta turística y cultural que amplía el mapa de sensaciones que aporta la región.

    Ponemos los cinco sentidos en enclave únicos, en centros culturales desde los que emanan arte, en los centros de las localidades, en plena naturaleza o en plena arquitectura arqueológica, espacios únicos con un aporte genuino que sumar a las propuestas de turismo; los museos. Elegimos cuatro de ellos; El Museo Vostell, el MEIAC, Museo Helga Alvaer y el Museo romano de Mérida. Más adelante tendremos la ocasión de detallar otros magníficos museos como el Bellas Artes y el Arqueológico, ambos en Badajoz o el Museo de la ciudad de Cáceres.

    Extremadura tiene sus coordenadas muy bien localizadas en el mapa. La región posee líneas discontinuas trazadas en su extensa topografía con esfuerzo, tesón y cariño. Fronteras sin vallas que asoman brazos con camisas remangadas y manos abiertas para hacer de guía. Cicerones de paisajes, aromas, vestigios históricos y alma. Mucho de esto último. Escribía Melville en el viaje más fascinante de la literatura…No está en ningún mapa. Los lugares verdaderos nunca lo están. A veces es importante dejarse llevar por esos espacios que no tienen nombre y marcarlos en nuestro imaginario, en nuestro cuaderno de bitácora. Insuflar al visitante de algo más que recomendaciones logarítmicas y buscar a nuestro Moby Dick personalizado.

    El turismo ocupa la esencia, la primera pátina de nuestra región, el primer contacto con nuestro mapamundi personal. La cultura enarbola esa capa, inyecta con nuestro primigenio sabor, la dosis justa para crear el binomio soñado; Turismo cultural. Extremadura no está en el mapa de las banalidades, no hay una palabra escrita sobre la región en ninguna guía de destinos sin nombre, en el callejero de lo habitual. Extremadura posee el paisaje de sus gentes, de su gastronomía, su frontera. Nuestra tierra es un sendero vivo de escritores, pintores, bohemios del arte flamenco, artistas de las tablas escénicas; restauradores del pasado y diseñadores del futuro.

    Mostrar al mundo el valor de su turismo. Turismo Cultural, turismo de materia prima y turismo de esencias. La presencia de una notable actividad de ocio, turismo y cultura hace necesaria la reactivación natural de nuestras vidas, volver a engrasar el engranaje tejido para mostrar con un estilo propio, la capacidad de generar un turismo cultural de excelencia.

    Museo de arte contemporáneo y Badajoz. Iberoamericano y una ciudad de frontera

    MEIAC. EL PANÓPTICO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

    Recorrido histórico

    El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo está situado sobre el solar de la antigua cárcel de Badajoz, a su vez construida a mediados de los años cincuenta sobre el recinto de un antiguo baluarte militar, el llamado Fuerte de Pardaleras, levantado en el siglo XVII. Aunque ya había sido totalmente demolido cuando se construyó la cárcel, el baluarte ocupaba una posición de gran valor estratégico y constituyó uno de los emplazamientos defensivos más importantes del sistema Vauban que amurallaba la ciudad.

    La “Prisión Preventiva y Correccional” de Badajoz había sido proyectada por técnicos de la Dirección General de Prisiones durante los primeros años de la posguerra, en 1941, aunque no se terminó hasta 1958. Concebida como un establecimiento a cuya construcción debían inicialmente contribuir los propios reclusos en régimen de redención de penas, la arquitectura de la cárcel respondía al modelo penitenciario de rotonda (o torre central) y naves radiales inspirado en el panóptico de Bentham.

    Proyecto Museográfico

    El complejo penitenciario había sido construido con materiales cuyas carencias recordaban las que fueron propias de la época en que se edificó: hormigón armado sólo en la estructura del módulo central, muros de carga en el resto de las dependencias, cubriciones de teja árabe…Más de ciento cincuenta años después de haber sido formulados los principios característicos del panóptico benthamiano, la abandonada cárcel evocaba la ruina de aquel modelo y los restos de su máquina arquitectónica el amargo recuerdo de su función autoritaria.

    La denominación MUSEO EXTREMEÑO E IBEROAMERICANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO identifica con propiedad su lugar de asentamiento, sus contenidos y su ámbito vocacional de referencia, y responde a la voluntad fundacional que orientó la creación de este Museo a la recuperación inmediata de un patrimonio disperso, a la creación de un ámbito transfronterizo de relaciones culturales con Portugal y al relanzamiento desde Extremadura de los vínculos que por razones históricas unieron a la región con América Latina.

    Los objetivos a los que responde la creación del MEIAC suscriben el propósito generalizado de impulsar el desarrollo y divulgación de la actividad artística en una región que, hasta la fecha, carece de centros de formación especializados; facilitar su integración en un circuito abierto a las relaciones y los intercambios culturales con otros centros similares, y dotar a la Comunidad Autónoma de Extremadura de un patrimonio en obras de arte contemporáneo del que, hasta la fecha de su fundación, carecía por no haber existido antes en Extremadura colecciones públicas o privadas de verdadera significación e importancia.

    La colección, exposiciones y actividades del Museo se orientan en función de su declarada vocación iberoamericana. Para la elaboración de proyecto museográfico se constituyó en 1994 una Comisión Asesora compuesta por: Antonio Franco Domínguez, Antonio Bonet Correa, Fernando Huici March, Fernando Castro Flórez, Rosa Olivares Zurilla, Bernardo Pinto de Almeida, Miguel Logroño Leza, Luís Alonso Fernández, Miguel Rojas Mix, María del Mar Lozano Bartolozzi, Javier Cano Ramos, José Antonio Galea Fernández, Pedro Barquero Moreno y José María Soriano Llamazares.

    Proyecto Arquitectónico

    Obra del arquitecto José Antonio Galea, el proyecto que configura el nuevo museo prescindió de las naves radiales de la antigua cárcel y planteó la creación de un complejo museístico organizado en función de un eje axial y ordenado en tres apartados o zonas diferentes, aunque globalmente integradas: un edificio para la Colección Permanente y las exposiciones temporales, un edificio de uso administrativo y una amplia zona ajardinada. De la antigua cárcel se mantuvo en el nuevo proyecto la torre circular del panóptico por tratarse de su elemento formal y simbólico más significativo, rehabilitándose para sus nuevas funciones, mejorando su capacidad, sus limitaciones de altura y la circularidad de sus recorridos mediante la construcción bajo su planta de una sala hipóstila de grandes proporciones. En el edificio administrativo, de nuevo alzado, se sitúan el salón de actos, los almacenes, talleres y servicios de apoyo al museo. Los espacios abiertos se configuran como toda una “arquitectura exterior” en la que los muros y elementos constructivos se combinan con palmerales, paseos y zonas ajardinadas.

    En cuanto a su superficie útil, sin contar con la pequeña sala de exposiciones situada en el ágora del edificio anexo, ni con las posibilidades que en ese sentido puedan ofrecer los espacios exteriores, el Museo dispone de un espacio expositivo de más de 5.000 m2 repartido entre la planta semisótano y sus cuatro plantas circulares. Ocupa un área de 25.000 m2, tiene una superficie construida de 7.528 m2, y una zona ajardinada de 9.500 m2.

    El MEIAC en el siglo XXI

    El año 2005, coincidiendo con el décimo aniversario de su apertura al público, el MEIAC invitó a una serie de gabinetes y estudios de arquitectura de ámbito internacional para que contribuyesen con sus ideas a redefinir sus amplios espacios exteriores y a imaginar el futuro del museo. Por este medio se trató de dar continuidad a anteriores proyectos de aproximación entre el museo y las nuevas tecnologías y al mismo tiempo su más armoniosa integración en la ciudad. Cada uno de los equipos invitados debía presentar una propuesta de redefinición del espacio del museo para el siglo XXI, tomando como punto de partida la convicción de que el nuevo museo se encamina hacia una profunda transformación económico-social, así como cultural y tecnológica.

    Los jardines del museo sirvieron como hipotético escenario a estos supuestos, dieciséis en total, que denominamos Fuentes para el Diálogo (FpD) y que se formularon a partir de una serie de axiomas o de condiciones previamente fijadas. La primera condición básica fue la de establecer que cualquiera de los edificios, o instalaciones propuestas debía ser alimentado con energía solar. La segunda, que debía tener en cuenta el emplazamiento del museo, eliminando las barreras arquitectónicas que ahora lo rodean para facilitar su integración en la ciudad de Badajoz. La tercera, que todo el terreno que ahora ocupa será un espacio de libre acceso inalámbrico a Internet. La cuarta condición básica partía del hecho de que la arquitectura y el arte evolucionan hacia una dimensión local e interactiva; lo que significa usar tecnologías muy desarrolladas y muy simples a la vez. Y la quinta, que la energía fósil se acabará muy pronto y esto supone que tendremos que buscar soluciones alternativas creativas, sostenibles y baratas.

    Participaron en la creación de estas propuestas, Mr. Fung, Matías Pintó + Mateo Pintó, nArchitecs, S´A arquitectos, Pedro Costa + Celia Gomes, Colectivo Cuartoymitad, David Campos + Ursula Schneider, marcosandmarjan, AMID + a!, Ayssar Arida, Airrights, 011 estudio, go/a, esestudio, Acebo x Alonso y Daniel Jiménez + Jaime Olivera. Sus trabajos se presentaron en el marco de la exposición META<morfosis comisariada por Antonio Cerveira Pinto.

    LA ALCAZABA, UNA VISTA PRIVILEGIADA. PORTUGAL MUCHO MÁS CERCA

    Fue el origen de la ciudad, morada de los reyes de la taifa y la defensa que convirtió a Badajoz en una plaza estratégica para controlar las fronteras a lo largo de la historia.

    La alcazaba ha sido testigo de la vida de Badajoz desde su fundación, convirtiéndose en un punto clave para controlar la frontera con Portugal. La construcción que hoy conocemos es el resultado de los cambios realizados en la época almohade -siglo XII- por el califa Abu Yaqub Yusuf, aunque parece que el origen está en el siglo IX. Esta fortificación es la más grande de España en su clase y se construyó a conciencia para resultar impenetrable, aprovechando el desnivel provocado por el Guadiana y del arroyo Rivillas. La alcazaba fue declarada Monumento Histórico-Artístico en 1931 y las obras de rehabilitación han descubierto nuevos detalles arquitectónicos que no hacen sino aumentar su gran valor.

    Para entrar al recinto puedes elegir cualquiera de las cuatro puertas; la puerta del Capitel y la del Alpéndiz son de época almohade y están muy bien conservadas. A ellas se suman la puerta de la Coraxa y la de Yelves. De las torres que flaquean las partes más expuestas de la muralla destaca la torre de Espantaperros (siglo XII), con su característica planta octogonal. Ya en el interior de las murallas no te pierdas el palacio de los Condes de Roca con su patio porticado (hoy es el Museo Arqueológico Provincial), los jardines de la Alcazaba, la torre de Santa María que son los restos de una iglesia edificada sobre la mezquita mayor, la Biblioteca de Extremadura o la torre del Palacio Episcopal.

    Vostell y Barruecos. Museo y naturaleza. El arte se filtra por los senderos del campo.

     MUSEO VOSTELL-MALPARTIDA

    Wolf Vostell es el padre de este museo, como lo fue de la técnica Dé-coll/age, del Happening europeo y del Movimiento Fluxus y del videoarte. Su arte desprende una chispa especial, un toque de originalidad inconfundible, pero es mejor que lo descubras por ti mismo.

    Lo primero que te sorprenderá será la situación del museo, pues se halla en un área de gran importancia geológica y ecológica: Los Barruecos. Se trata de un paraje hermosísimo declarado Monumento Natural, donde se conjuga la belleza de las grandes moles graníticas y el agua de una presa con un rico potencial de flora y fauna.

    El museo se compone de dos colecciones destacadas. La primera de ellas, bajo la denominación Wolf y Mercedes Vostell, recoge varias obras de arte realizadas con elementos de la simbología fetichista de nuestra época, como pueden ser el coche, la televisión o el hormigón, transformados para darnos aviso de las sombras y conflictos que encierra la sociedad en la que vivimos. Ejemplos de obras de este tipo son «Los Toros de Hormigón», «El Muerto que tiene sed» o la escultura del jardín, «¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?».

    Por otro lado, la colección Fluxus que fue donada a Extremadura por el coleccionista italiano Gino di Maggio, está formada por un conjunto de 250 obras de 31 artistas norteamericanos, europeos y asiáticos. Finalmente, la colección de artistas conceptuales contiene 60 obras entre cuadros, cuadros-objeto, esculturas e instalaciones, pertenecientes a 48 artistas que desde los inicios del Museo Vostell Malpartida en 1976 han estado especialmente vinculados a sus actividades.

    Colección inaugural Wolf y Mercedes Vostell

    La Colección inaugural Wolf y Mercedes Vostell ofrece un recorrido amplio y variado por los ciclos más representativos del artista fundador. La componen cinco ambientes que constituyen la referencia peculiar de este museo: Fiebre del Automóvil (1973), Fluxus Buick Piano y Desayuno de Leonardo da Vinci en Berlín de 1998.

    La mayoría de estos ambientes incluyen como objetos artísticos elementos de la simbología fetichista de nuestra época (el coche, la televisión, el hormigón), transformados y confrontados aquí por Vostell para darnos aviso de las sombras y conflictos que encierra la sociedad en la que vivimos. A todo ello se unen cinco esculturas (los Toros de Hormigón), cuatro grandes relieves (Trashumancia), y otros cuadros de gran formato como El Entierro de la Sardina (1985), Las Chicas del Billar (1986), Mitos Berlín (1986-1987) y Estrella Seelenfreund (1994). Además, la colección Wolf y Mercedes Vostell cuenta con un abundante número de cuadros-objetos (El muerto que tiene sed y VOAEX), serigrafías (V40) y proyectos de esculturas (Serie Ícaro y Tanit) que intentan ofrecer un extenso itinerario por los ciclos más significativos del artista. Se deben mencionar también las obras Transmigración III (1958-1959), el primer cuadro conocido en el que se introduce un aparato de televisión, y Montaña extranjera (1958), con la que Vostell inicia su gran producción sobre Extremadura.

    En el jardín de escultura está instalada con carácter permanente una gran pieza de Wolf Vostell, d 16 metros de altura titulada «¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?» (1996), conformada por el fuselaje de un avión ruso Mig-21, dos automóviles, monitores de ordenador y tres pianos.

    Donación Fluxus. Dino di Maggio

    Gino di Maggio, por mediación de Wolf y Mercedes Vostell, conoció la aventura del Museo Vostell Malpartida desde los inicios, y contagiado de los entusiasmos del artista se decide apoyarlo, donando en octubre de 1996 una parte importante de su colección. El movimiento Fluxus, fundado por Maciunas, no tiene normas ni directrices, es un estado del espíritu, una nueva forma de arte, es elevar las cosas sencillas a la categoría de obra de arte. En Fluxus todo vale, sin embargo nada es imprescindible.

    La colección Fluxus fue donada a Extremadura por el coleccionista italiano Gino di Maggio, editor de varias publicaciones, comisario de la muestra Ubi fluxus, ibi motus de la Bienal de Venecia de 1990, director de la Fundación Mudima de Milán y gran amigo de los fluxistas. A partir de su revista Alfa-Beta, en los años sesenta, dio a conocer a toda Italia y Europa, los movimientos del arte de vanguardia, entablando muy pronto relación personal con los artistas fluxus, preocupándose de sus obras y exponiéndolas primero, en el espacio polivalente Multhipla y en la Fundación Mudima después. La Donación se compone de un conjunto de obras que fueron, en la mayoría de los casos, acciones e intervenciones Fluxus, así las fotografías, vídeos, manifiestos y diversos textos son los complementos necesarios de estos conjuntos de actos. La muestra la constituyen 250 obras (ambientes, instalaciones, cuadros, cuadros-objetos, esculturas y partituras), de 31 artistas de procedencia europea, norteamericana y asiática, que desde finales de los años 50 y 60 sintetizaron en los movimientos Happening y Fluxus, las conmociones en todos los dominios de la cultura a favor de una renovación del campo artístico de forma interdisciplinar e intermedia, extensiva a la vida cotidiana y simiente de una transformación social fundamental.

    Colección Artistas Conceptuales

    La impronta personal de Wolf Vostell, siempre cargada de propuestas cosmopolitas, abanderó innumerables actividades artísticas y culturales en el Museo Vostell Malpartida, como las tres semanas de Arte Contemporáneo de Malpartida (SACOM), entre los años de 1977 y 1983, el Manifiesto del Lavadero de 1980 y el Día de Arte Contemporáneo de Malpartida (DACOM) en 1983. Se configura así el germen de la Colección de Artistas Conceptuales españoles, portugueses y polacos.  Esta colección abrió nuevas sendas que hicieron que los espectadores exploraran otros territorios que nada tenían que ver con los academicismos ni con la obra concebida como algo cerrado, pero sí con el valor que debe darse a la relación entre el artista, la sociedad, la vida y nuestra condición humana.

    La colección contiene 60 obras (cuadros, cuadros-objetos, esculturas e instalaciones) de 48 artistas de estas nacionalidades que desde los inicios del Museo Vostell Malpartida en 1976 han estado especialmente vinculados al mismo por mediación del matrimonio Vostell participando en el desarrollo de las actividades citadas.

    MONUMENTO NATURAL LOS BARRUECOS

    En mitad de la penillanura cacereña se encuentra el monumento natural de Los Barruecos, una espectacular creación natural a la que también el ser humano ha contribuido. Un espacio de relieve aplanado, salpicado de charcas y enormes domos graníticos que conforman este paisaje sugerente y único.

    Declarado Monumento Natural por su belleza, la originalidad del paisaje de Los Barruecos se debe a sus formaciones graníticas que el agua y otros agentes erosivos se han encargado de modelar. Las caprichosas formas de estos domos te invitan a dejar volar la imaginación para vislumbrar la figura de animales, objetos o incluso personas.

    Por su parte, el agua es imprescindible para la creación de su particular hábitat natural. Sus charcas son fuente de vida para numerosas especies animales, como la cigüeña blanca o la garza real, que hallan aquí un lugar ideal para sus colonias. Como demuestran los abundantes restos arqueológicos, también el hombre encontró este hábitat idóneo para su asentamiento. Aquí podrás admirar vestigios que datan desde el neolítico hasta el s. XIX, incluyendo la etapa romana. Existen algunas rutas que te descubrirán este vasto paraje, cada una con un recorrido y duración diferentes. La ruta de las Peñas del Tesoro arranca en el Museo Vostell-Malpartida y recorre el espacio entre éste y las Peñas del Tesoro, rodeando la Charca del Barrueco de Abajo. Este itinerario dura sólo 30 minutos y es el más frecuentado. Algo más larga es la Ruta del Barrueco de Arriba. 1 hora por todo el perímetro de la charca que le da nombre. Si te atreves a caminar algo más, encontrarás también otros itinerarios cuya duración es de 2 y 3 horas. De visita obligada si te acercas a Los Barruecos, es el Museo Vostell-Malpartida que alberga una singular colección, formada en su mayoría por la obra del artista alemán Wolf Vostell. En el mismo conjunto está el antiguo lavadero de lanas, reconvertido en el Centro de Interpretación de las Vías Pecuarias.

    El MNAR y Mérida. La cultura romana en una de las ciudades romanas más importantes del imperio. Turismo, arquitectura y epicentro de Extremadura.

    MUSEO ROMANO DE MÉRIDA

    El Museo Nacional de Arte Romano (MNAR) ofrece al visitante distintas facetas de la vida cotidiana en la provincia de Hispania.

    La historia de este museo se remonta al siglo XVI, cuando don Fernando de Vera y Vargas, comenzó a reunir su colección epigráfica. Tras diversos avatares durante los siglos siguientes, fue en 1975, con motivo del bimilenario de la ciudad, cuando se decidió crear el Museo Nacional de Arte Romano, el primero que, fuera de Madrid, tuvo el rango de nacional. Y en 1986 se inauguró el actual edificio que da cobijo a los objetos arqueológicos de Mérida, los cuales ya se cuentan por millares.

    Este edificio, proyectado por Rafael Moneo, seguro que atraerá rápidamente tu atención, ya que combina a la perfección la modernidad con el carácter romano de la ciudad, y rinde tributo al estilo constructivo clásico mediante la distribución de sus espacios, que podrás apreciar en sus amplios volúmenes, con un interior poblado de esbeltos arcos e iluminación cenital. El espacio central está dedicado a la exposición permanente, que seguro sabrás apreciar.

    Enclavado en el conjunto arqueológico de Mérida, que fue declarado Patrimonio de la Humanidad de la Unesco en 1993, el MNAR mantiene una actividad incesante de investigación y difusión de la cultura romana, en especial la referida a esta ciudad, la antigua Augusta Emerita, capital de Lusitania. El museo ofrece una programación de actividades de muy diversos tipos y dirigidas a distintos públicos. Y así, gracias al gran número de congresos, coloquios, conferencias, cursos y exposiciones que acoge, el Museo Nacional de Arte Romano se ha convertido desde su apertura en un exponente cultural imprescindible para Mérida. Además, este museo cuenta con una publicación propia, la revista Anas y una activa Asociación de Amigos del Museo, que integran este espacio en el tejido social de la ciudad.

    Colecciones

    Las colecciones del Museo Nacional de Arte Romano se centran casi exclusivamente en objetos hallados en el yacimiento emeritense. Las únicas excepciones a ello las constituyen ciertas piezas compradas en subastas públicas, sobre todo monedas. Cronológicamente, dominan y destacan los ejemplares correspondientes a la época romana, desde el momento de la fundación de la ciudad por Augusto, en el 25 a.C., hasta la caída del Imperio romano de Occidente, en el Siglo V d.C. A ellas les siguen en importancia y número las colecciones datadas en el periodo que le sigue, la conocida generalmente como época visigoda, así como por la comunidad científica como Antigüedad tardía, momento en el que Mérida conservó un papel preponderante en el panorama hispánico. En fin y en menor medida, destacar algunas piezas medievales y modernas, que arrancan con una singular relevancia a comienzos de la época islámica pero que desde el Siglo IX irán volviéndose menos representativas, coincidiendo con el declive de la ciudad.

    CONJUNTO ROMANO DE MÉRIDA

    La cantidad y calidad de los monumentos romanos de Mérida, reflejan cómo era la vida en una capital de provincia del Imperio.

    Testimonio de excepción del pasado romano de la ciudad de Mérida, no puedes dejar de contemplar la grandiosidad del conjunto arqueológico de esta ciudad, uno de los más importantes y extensos de España, y que forma parte de la lista de Patrimonio Mundial de la Unesco desde el año 1993. Y es que sus monumentos constituyen un ejemplo de cómo eran los edificios públicos de una capital de provincia romana. No tienes que olvidar que en el año 25 a.C., el emperador Octavio Augusto fundó la colonia de Augusta Emérita, y más tarde fue distinguida con el nombramiento de capital de la provincia romana de Lusitania. Esplendor que mantuvo durante la época visigoda, y que ha hecho que posea también multitud de vestigios de esta cultura, así como de la musulmana, que están incluidos en los 29 elementos que forman su conjunto monumental.

    La visita de estos monumentos no te resultará muy difícil, ya que la mayoría de ellos están localizados intramuros de la colonia romana. De estos, no te puedes perder el teatro, el anfiteatro, la casa del anfiteatro, la basílica de Santa Eulalia ni el circo romano. Pero tampoco puedes dejar de acercarte al Acueducto de los Milagros, el Templo de Diana, el Pórtico del foro, el Arco de Trajano o la Casa del Mitreo, un ejemplo de cómo era una casa romana y donde está el mosaico cosmológico. Otros elementos están extramuros, como las presas de Cornalvo y Proserpina, el acueducto de San Lázaro, el puente sobre el río Guadiana o las termas de Alange.

    Aunque no se conoce la fecha exacta de su construcción, las famosas termas públicas de Alange, localidad situada a 18 kilómetros de Mérida, suelen datarse en el siglo III d.C. De la construcción romana original se conservan dos termas circulares techadas en cúpula. Los datos históricos aseguran que el balneario primitivo se completaba con un caldarium o piscinas calientes, baños de vapor y jardines.

    Museo Helga Alvear y Cáceres. El arte de vanguardia en una ciudad patrimonio con siglos de historia.

    MUSEO HELGA DE ALVEAR

    Inaugurado en febrero de 2021, el nuevo museo de Cáceres muestra 200 obras de las cerca de 3.000 que componen la colección de la galerista Helga de Alvear. Lo mejor del arte contemporáneo en un edificio de nueva planta.

    El que fuera antes el Centro de Artes Visuales Helga de Alvear, abierto en 2010 y cuya sede se limitaba a un edificio modernista rehabilitado en Cáceres, se denomina ahora Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, una institución que cumple el sueño de su impulsora: acercar el arte contemporáneo a la sociedad actual y a las generaciones venideras, ya que “el arte es un derecho y una necesidad” para la galerista y coleccionista alemana.

    Con más de 3.000 m2 de espacio expositivo y casi 8.000 m2 de superficie, el nuevo museo, diseñado por el premiado estudio Tuñón Arquitectos, cuenta con una extensión adaptada a la amplia y diversa colección de Helga de Alvear, que donará a la ciudad de Cáceres las obras adquiridas a lo largo de su vida. Se trata de una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Europa. El museo alberga en su interior una selección de obras de artistas de la talla de Olafur Eliasson, Pablo Picasso, Louise Bourgeois, Wassily Kandinsky, Helena Almeida, Paul Klee, Joseph Albers, Robert Motherwell, Joseph Beuys, Barnett Newman, Nan Goldin, Tacita Dean, Gordillo, Campano, Tàpies, Carmen Laffón o Ai Weiwei, cuya icónica lámpara ‘Luz bajando’ preside el vestíbulo del edificio. La muestra se distribuye en cuatro plantas y brinda la oportunidad de explorar en primera persona esculturas e instalaciones de gran formato, así como pinturas, fotografías, dibujos e instalaciones de más de 100 artistas de 26 países, con una presencia mayoritaria de autores españoles (casi un tercio), europeos y estadounidenses. La exposición tiene carácter semipermanente: muchas de las obras que la componen estarán a disposición del público durante varios años, pero, dada la amplitud de los fondos de la colección de Helga de Alvear y los préstamos que la institución facilita con frecuencia, será posible observar variaciones e incorporaciones a lo largo del tiempo.

    El museo rebosa los límites de su propio espacio y expone obras más allá del edificio, como la escultura de un olivo centenario de Ugo Rondinone, que ya estuvo presente en la inauguración del Centro de Artes Visuales en 2010 y que ahora preside el amplio jardín exterior.

    El edificio, diseñado por Emilio Tuñón, tiene vocación de difuminar fronteras: ocupa la línea imaginaria que separa el conjunto monumental de Cáceres (Patrimonio Mundial de la Unesco) de la parte más moderna de la ciudad, creando así una vía de comunicación fluida entre el pasado y el presente. Pilares de cemento blanco, madera de roble, formas angulosas y un inteligente aprovechamiento de la luz son algunas de las señas de identidad de un edificio que ha sido galardonado con el Premio Architecture MasterPrize 2020, en la categoría de ‘Arquitectura cultural’, y que figura en la lista de mejores proyectos arquitectónicos de los últimos años, según ‘The Guardian’, ‘Lonely Planet’ y medios especializados como ‘ArchDaily’ o ‘Design Boom’.

    Exposición de Joseph Beuys: Antecedentes, coincidencias e influencias.

    El Museo se une a los actos de homenaje de uno de los artistas más influyentes del siglo XX en el año de su centenario

    En el año de su centenario, Joseph Beuys (Krefeld, 1921 – Düsseldorf, 1986) protagoniza la nueva exposición temporal del Museo Helga de Alvear. La muestra incluye toda la obra del artista alemán  reunida por Helga de Alvear hasta ahora, así como otras de la colección de varios artistas más que fueron amigos, discípulos o personas que tuvieron un papel significativo en su desarrollo intelectual. Beuys fue muchas cosas: chamán, nómada, líder, espiritualista, político, hombre de acción, entre otras, pero sobre todo desplegó unas cualidades plásticas extraordinarias que le llevaron a dejar a la humanidad algunas de las metáforas más bellas de su tiempo. Persona comprometida en la lucha a favor del medio ambiente, pilar fundamental en la génesis del partido verde alemán, concibió para sí mismo una imagen impactante y dinámica que complementaba a la perfección una singular presencia escénica de gran eficacia para la actividad performativa que practicó intensamente.

    Además de las obras ejecutadas por el artista alemán en diferentes periodos, la exposición refleja la importancia de las relaciones maestro-discípulo y su papel como catalizador de todo un grupo internacional de artistas representados en la Colección Helga de Alvear. Una amplia selección de fotografías de su colega y amigo Werner Krüger acercan al espectador al diverso espectro de relaciones del artista alemán con otros agentes del contexto artístico, la proyección de dos documentales invita a explorar en profundidad los capítulos más relevantes de su biografía y las obras de artistas como Imi Knoebel, Lothar Baumgarten, Gerhard Richter, Katharina Sieverding o Blinky Palermo transportan al efervescente contexto de la Academia de Düsseldorf en la que Beuys ejerció como profesor.

     

  • Luis Costillo «Viajando con su Fahrenheit por Lisboa»

    Luis Costillo «Viajando con su Fahrenheit por Lisboa»

    El maestro Costillo viaja. Siempre lo ha hecho. El artista Luis Costillo viaja por el interior del alma, recorre su propia crítica a través de la imagen, con el arte en cada pintada, collage, texto o pieza, y lo más importante, siempre nos hace viajar con él. El camino puede ser corto, largo o eterno, depende de las ganas de compartir vuelo con el autor fallecido en 2019. Generador de una obra extensa y epicentro de un arte punzante, mordaz y definido. ¡Esa obra es de Luis Costillo! Reconocible aquí, en su tierra, y allí (donde sea), en este caso Lisboa, el Instituto Cervantes, en la Mostra Espanha, festival bienal de cultura española.

    Fahrenheit 2021 muestra una selección de trabajos realizados por Costillo desde 2005 hasta su fallecimiento en 2019. El grueso de esta selección está compuesta por libros de artista de muy diverso tratamiento y contenido. Hay trabajos casi exclusivamente tipográficos, imágenes acompañadas de textos, construcciones gráficas de tipos de caucho, grabados retocados o collages… En cuanto a los contenidos, tampoco hay una línea definida, casi siempre buscando desenmascarar los resortes de la sociedad capitalista y sus injusticias. Humor e ironía se cruzan con el desencanto y la desesperanza. Textos crípticos acompañan fotos explícitas, párrafos de la prensa diaria ilustrados con dibujos, contra publicidad, juegos de palabras convertidos en imágenes, textos literarios o bíblicos.

    La exposición FAHRENHEIT, que fue producida por el MEIAC y donde pudo verse entre 2018 y 2019 para, posteriormente, itinerar al Centro de Arte e Cultura de la Fundação Eugénio de Almeida en Évora, está abierta al público desde el 23 de septiembre hasta el 30 de noviembre en el Instituto Cervantes de Lisboa (Rua Santa Marta 43 F). En esta ocasión, la exposición se enmarca dentro de la programación de Mostra Espanha, festival bienal de cultura española que se desarrolla en Lisboa entre septiembre y diciembre, con un programa de actividades promovido por el Ministerio de Cultura y Deporte, para mostrar la actividad de las industrias culturales españolas, en colaboración con la Embajada de España y el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) y el propio Instituto Cervantes de Lisboa.

    FAHRENHEIT 2021 muestra una selección de trabajos realizados por Luis Costillo desde 2005 hasta 2019, año de su fallecimiento y, aunque abarca diversos tipos de obra, el grueso de la exposición está compuesto por libros de artista. Entre estas obras está parte de su última producción, que sólo se ha mostrado al público en la última exposición en Évora en 2020, y otras aún no vistas por el público.

    Luis Costillo se inició en Madrid en 1976 (Pequeño Formato, Sala ONDAR). En esos años, hasta los primeros ochenta, su pintura fue básicamente de formación. A partir de la segunda mitad de la década, su estilo comienza a perfilarse; se aleja de la pintura meramente figurativa y se baña de expresionismo y de ironía dadaísta y referencias literarias. Los lienzos crecen y el mix y el collage se imponen con la incorporación de variados elementos: lona, chapa, transfers fotográficos… (Exhibición de Atrocidades, Granada, 1984; Mix Media, Coín, 1989). En los años noventa es el propio soporte el que evoluciona y habla, convirtiéndose en territorio de pruebas. Aparecen los objetos intervenidos y abundan ensamblajes y seriaciones; el acrílico y el lienzo conviven con propuestas a veces directamente escultóricas (El Ojo Frío, 1997; E.D.E.N., 2004, ambas en Cáceres) que también derivarán hacia la instalación (Los Rebeldes, Fregenal de la Sierra, 1999; Vincent. La Sombra Debida, MEIAC, Badajoz, 2004).

    Luis Costillo también desarrolló una abundante obra sobre papel, que le abrió un nuevo campo para la experimentación formal y técnica y que acabó cuajando en una brillante labor que le ocuparía hasta el final de sus días: la producción de libros de artista. Alrededor del año 2005, abandonó en la práctica la pintura, sobre todo los grandes formatos, y orientó su trabajo a la confección de libros en los que formulaba propuestas que no podían encontrar adecuada expresión como obras para pared. Fahrenheit nació aquí. Desde aquí creció, desde esos volúmenes, donde se entrecruzaron fructíferamente lo literario y lo plástico, pudo Luis Costillo desarrollar y expandir sus pensamientos.

    Willy López |Fotografía. Félix Méndez

  • Pepa Bueno «Vidas arrebatadas. Los huérfanos de ETA»

    Pepa Bueno «Vidas arrebatadas. Los huérfanos de ETA»

    06.13 horas del 11 de diciembre de 1987

    … ¡Bum! Sentí una enorme sacudida. Abrí los ojos y solo veía una nube de polvo, estaba oscuro, llovía en mi cara y había un olor muy intenso, muy penetrante, que entraba hasta los pulmones. Luego supe que era el olor del amonal, ese olor tan intenso a azufre y amoníaco, que se te queda pegado para toda la vida.

    8.00 horas del 20 de octubre de 2011

    Anuncio del cese definitivo de la actividad armada de ETA. A esa hora, las 8 de la mañana, recibir un teletipo en las redacciones de España, ponía el cuerpo del revés a los periodistas. Era la hora en la que la banda terrorista solían causar el pánico apretando gatillos de pistolas, accionando bombas a distancia o ejecutando víctimas de toda índole social en zulos  perdidos en el monte. La historia desde este momento ya tenía víctimas en vida, los vivos del terrorismo, que recuerda Manuel Jabois. José Mari y Víctor ya llevaban años recordando ese teletipo en sus cabezas día tras día.

    13.04 horas del 5 de junio de 2021

    …¡Zas! Una pandemia y media después la autora aterriza en el set de prensa de la Feria del Libro de Badajoz. Pepa Bueno y un libro de vidas arrebatas por la banda terrorista ETA. De vidas cercenadas y de los vivos que han padecido actos terroristas. De eso trata el libro. Esos nos narra, desde ese 11 de diciembre, años antes, con Dictadura agonizando, y después con una democracia agónica de respuestas. La periodista extremeña remarca con especial este último apunte. Escribo la historia de dos huérfanos, dos en concreto, José Mari y Víctor, que pierden a su padre, a su madre y a su hermana. No hablo en memoria de las víctimas, desgraciadamente grande, del colectivo, ETA mató, secuestró y extorsionó durante mucho tiempo. Las vidas de los supervivientes de los atentados son muchas y lo que he aprendido de ellos dos es que no se puede hablar de las víctimas y ponerles una etiqueta en la frente como si todas fueran iguales. Pepa Bueno está convencida de que la distancia temporal hará aflorar muchas más historias. Recuerda que la memoria es traicionera, en los homenajes que se ha llevado a cabo desde el Gobierno, Silvia, la hermana pequeña de los dos, no apareció. Un olvido que supone una nueva detonación en los hermanos Pino, un golpe de olvido que duele y huele a anestesia social.

    Fiel a su estilo directo, informativo y emotivo, Pepa Bueno desgrana su libro a golpe de titulares concisos. Responde sin titubeos, y esta vez, con la lección aprendida de Núria Espert, no sale movida en las fotos. Pasión por el teatro, por tierras las extremeñas y aragonesas, por su profesión, por su ópera prima literaria, Bueno rescata las vidas arrebatadas en plena democracia de dos ciudadanos. Una punta de iceberg de la que saldrán nuevos recuerdos cuando se derrita poco a poco el hielo de estas historias desapercibidas.

    Una reunión en Bilbao, muchos nervios y dos hombres con un pasado aún sin licuar. Dos chicos de 11 y 13 años con cuerpo de 45 y 47, enterrados en un abandono desolador. Evitando palabras que han marcado su vida, como atentado, asesinatos y bomba. Esquivos pero con una ganas enormes de quitar ese tapón que los tenía mudos, sordos y ciegos. Cuenta Pepa que sus vidas aún fueron más tristes, casa de acogida, ingreso en la Guardia Civil y primer destino a Bilbao. Otra bomba, una interna y atávica que cercena la capacidad mental de dos jóvenes que aún se buscan entre los escombros.

    Vidas arrebatadas, tu primer salto a la literatura con un tema duro y poco a poco olvidado, a pesar de la vigencia y cercanía del tema para España…

    Es la historia de dos huérfanos, dos en concreto, José Mari y Víctor, que pierden a su madre, padre y hermana de siete años porque ETA los asesina al detonar 250 kilos de amonal en la casa cuartel de Zaragoza el 11 de diciembre del año 1987. Es su historia, yo tiendo a pensar que habrá muchos José Mari y muchos Víctor, pero es la historia de ellos dos. Es una historia pese a que es muy difícil olvidar el dolor que provocó ETA no la tenemos muy presente, homenajeamos a los muertos, a los fallecidos, pero la pregunta que trata de responder este libro es ¿Qué pasó con los que sobrevivieron? ¿Qué pasó con los siguieron sufriendo? Y en este caso concreto a dos niños que tenían 11 y 13 años.

    ¿Por qué la historia de José Mari y Víctor?

    La sorpresa que a mí me llegó a contar esta historia es que esos dos niños de 11 y 13 años crecieron luego en un enorme desamparo. Desamparo familiar e institucional, mucha soledad, y mucho desconcierto para llegar a nuestros días como dos hombres jóvenes que todavía hoy están buscando su lugar en el mundo. Yo estaba escribiendo otro libro, estaba muy atascada, ordenador en blanco y me hacen llegar esta historia, me comentan que hay dos víctimas de ETA que quieren contar su vida y que se la quieren contar a una periodista como tú. Me hicieron llegar las notas que José Mari, el mayor de los hermanos, escribe por la noche por recomendación de su psicóloga, porque todavía hoy tiene insomnio a consecuencia del estrés postraumático que sufre, y cuando yo leí aquellas notas  me quedé horrorizada, porque allí había una hoguera emocional tremenda. Pedí conocerlos y fue cuando me dije que eso había que escribirlo, escribir el libro que yo quería para recuperar nuestra memoria.

    …una memoria con una historia que estaba ahí al lado…

    …Me he cruzado el planeta, medio mundo recorriendo el planeta, buscando historias y teníamos éstas aquí. Y nos la veíamos. Quizá el miedo, las tenía atenazadas, el anonimato era su aptitud ante esa tragedia y puede que ahora se animen a contar su vida.

    Es una historia pese a que es muy difícil olvidar el dolor que provocó ETA no la tenemos muy presente, homenajeamos a los muertos, a los fallecidos, pero la pregunta que trata de responder este libro es ¿Qué pasó con los que sobrevivieron?

    Creo recordar que estabas trabajando en Aragón durante ese atentado

    Cuando me llega esta historia lo primero que digo, ¡Pero si yo estaba allí! ¡Yo estaba en Aragón! Estaba en Teruel, acababa de llegar para trabajar en Radio Nacional, todavía estaba estudiando la carrera, y me frustró enormemente el no tener recuerdos personales de aquel atentado que ocurrió en Zaragoza. Pero estoy convencida de que esa mañana fui a coger testimonios de condena, y estábamos tan habituados a la violencia de ETA, tan acostumbrados a que hubiese atentados que no fui capaz de rescatar un recuerdo personal. Eso me convenció mucho de que había que escribir esta historia, estábamos tan habituados al horror que formó parte ya de un baúl donde va todo. Es hora de ir sacando historias de ese baúl.

    ¿Cuál ha sido la impronta que ha dejado a los protagonistas tras su lectura?

    Para mí era muy importante hacerles llegar la historia a Víctor y José Mari y que la leyeran. Escribir de personas que están vivas, meterte en sus cabezas, en sus sentimientos, en su dolor, en su alegría, es un compromiso altísimo. Cuando lo terminé de escribir y antes de mandarlo a la imprenta se lo hicimos llegar y espera muy tensa esos días sus respuestas. Porque mi primer objetivo, además de recuperar memoria, era que ellos se reconocieran. Ellos no han podido contar su historia a nadie, en el primer juicio que fue en el año 1994 eran muy pequeños y en el segundo del 2003 ni los llaman. Con su familia no hablaron del atentado, Víctor no lo había hecho hasta el día de mi reunión para el libro, por ejemplo, y que ellos se reconocieran era para mí muy importante. Y fue muy emocionante, llamaron entre lágrimas diciendo que era su historia. Se reconocieron.

    Estábamos tan habituados a la violencia de ETA, tan acostumbrados a que hubiese atentados que no fui capaz de rescatar un recuerdo personal. Eso me convenció mucho de que había que escribir esta historia

    Con aún la emoción de haber publicado Vidas arrebatadas…¿Tienes aún tentaciones para seguir gestando otra obra?

    Cuando estaba en mitad del fregao escribiendo el libro, dije escribo éste y se acabó, porque compatibilizarlo con un programa de radio de más de tres horas es muy difícil. El libro ha salido de mi tiempo descanso, del tiempo de descanso de mi familia y amigos pero cuando lo estaba terminando dije esto de escribir una historia sin contar los segundos de un reloj, soy periodista audiovisual y mido la vida en segundos, las historias en segundos, el grito de guerra en la redacción es “todo lo que se puede contar en veinte minutos se puede contar en un minuto”. Enfrentarte a la posibilidad que te ofrece un libro, con el ordenador en blanco y poder profundizar en algunas historias me dejó muy buen sabor de boca…así que…ya veremos.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Pardo, Benavent y Tino di Geraldo «La leyenda del jazz en el tiempo»

    Pardo, Benavent y Tino di Geraldo «La leyenda del jazz en el tiempo»

    Cuando parió “La leyenda del tiempo”, nadie reconocía  al niño, nadie sabía si se parecía a la  madre al padre o a los abuelos, pero el caso es que nació y al cabo del tiempo se le vio la cara, y no era nada fea…Así define Jorge Pardo el caótico proceso de creación y digestión del disco que marcó un antes y después en el flamenco de la mano de Camarón y todos los que entraron y salieron de ese momento mágico. El cambio era necesario, era y es inevitable, es saludable para la música y necesita de una revisión diagnóstica en perpetua vigilia.

    Ortodoxos y heterodoxos del flamenco y puristas e innovadores de jazz. Amantes del flamenco jazz, negacionistas del jazz flamenco. Flamenco Leaks para todos, Jazz para algunos en la “leyenda del Trío; Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino di Geraldo. Vientos para una soleá, percusión india para un tema de Coltrane y un bajo para un arreglo del Chet Baker más cíngaro conocido.

    Pensaba que habíamos venido con el trío a Badajoz pero Tino no ha venido nunca a tocar jazz. La primera vez entonces, y tras la pandemia recuperando las dinámicas de trabajo, me siento afortunado porque muchos de nuestra profesión no han podido recuperar el ritmo. Jorge Pardo
    Una alegría tremenda estar de nuevo con el público, hay una especie de ganas con la gente tremenda, nos encontramos que hay una comunicación mucho más intensa que antes. Carles Benavent

    Para nosotros, al menos para mí, el escenario siempre es el mismo. Cuando lo pisas, da igual que estés en Singapur o que estés en Badajoz, lo vamos a dar todo siempre. La responsabilidad, el esfuerzo y el respeto por el público es el mismo. Tino di Geraldo
    Como soy abuelo sigo llamando LP al último lanzamiento del Trío, Flamenco Leaks, y por lo mismo, por mis años, improvisamos sólo con mirarnos unos a otros. Carles Benavent
    Si nosotros estamos con ganas, al público se le ve con más alegría aún, y eso que van con máscaras pero se percibe muchas ganas de pasarlo bien. Una emoción volver a sentir esto en los conciertos. Tras más de veinte años con el trío tocar cada noche, improvisar supone el mayor gozo. Jorge Pardo

    Sacamos un disco con el Trío cada diez años, y siempre queremos estar juntos y sacar más temas pero cada uno vive en un sitio diferente, con diferentes proyectos. Ensayamos en nuestros conciertos, cuando nos juntamos, en las pruebas de sonido salen nuevas ideas. Antes había una compañía de música que hacía más fácil ese proceso, ahora para hacer un disco estamos los tres solos ante el peligro. Tino di Geraldo

     

    Willy López | Félix Méndez

  • Emilio Gañán «De santos y texturas»

    Emilio Gañán «De santos y texturas»

    1. Hagiografía.f. Historia de las vidas de los santos.f. Biografía excesivamente elogiosa. Exposición sita en el Espacio Cultural Santa Catalina por Emilio Gañán.
    2. Emilio Gañán. Artista. m. y f. Persona nacida en Plasencia que cultiva alguna de las bellas artes. Persona dotada de la capacidad o habilidad necesarias para alguna de las bellas artes, en especial la “geometría sensible”.
    3. Geometría sensible. Geometría, donde el rigor matemático cede ante la acción del subconsciente y la sensual presencia de la materia y el gesto.
    4. Gesto. Movimiento del rostro, de las manos o de otras partes del cuerpo, con que se expresan afectos o se transmiten mensajes. En ocasiones esos mensajes pueden contener colores. Rojos, ambarinos o azules. Ojo, no confundir con un azul cualquiera de encofrados y astilleros del país. Nos referimos a los azules de ultramar o azul Klein.

    1. Klein. Yves Klein: el hombre que inventó un color. Paul Klee: Artista que se volvía loco con los colores y su composición. Emilio Gañán dixit: “La composición se organiza en forma de construcción o recorrido espacial. Como Paul Klee, saco a pasear las líneas y ellas siguen su propia voluntad”.
    2. Voluntad. f. Acto con que la potencia volitiva admite o rehúye una cosa, queriéndola, o aborreciéndola y repugnándola. El artista sufre, se quiere, se aborrece y se repugna para llegar a generar una obra. Emilio Gañán; ¿El artista sufre pintando? Sí. Si no lo hace se aburre, esta profesión es dura y esa pelea conforma al artista. Es indispensable, como les digo a mis alumnos de la Universidad, si se quiere dedicar uno a esto, que tenga una absoluta y verdadera pasión.
    3. Pasión. Lo contrario a la acción. Estado pasivo en el sujeto. Perturbación o afecto desordenado del ánimo. Rasgo a que las obras de Gañán están sometidas a base de texturas.
    4. Textura. Estructura, disposición de las partes de un cuerpo, de una obra. Momento clave, durante una visita al museo, galería de arte o espacio expositivo, donde el visitante, público, coleccionista, comisario o guardia jurado desatan unas ganas irrefrenables de tocar la obra, de manosear la piel de la pieza expuesta. Para el artista extremeño “el espacio y las texturas mandan mucho y la necesidad de resaltar la pintura, que se despegase, no sólo los objetos sino que también hablase el interior y el exterior de la obra”.
    5. Obra. f. Cualquier producto intelectual en ciencias, letras o artes, y con particularidad el que es de alguna importancia. f. Medio, virtud o poder. Por obra del Espíritu Santo.
    6. Santo. adj. Perfecto y libre de toda culpa. Sellado en la obra de Emilio Gañán. Santa Catalina. Hasta el 8 de enero. Recogido en Hagiografía.

    Willy López | Félix Méndez

  • El fabuloso mundo del circo en tiempos de pandemia

    El fabuloso mundo del circo en tiempos de pandemia

    El fabuloso mundo del Circo

    El circo suena a viaje y carromatos, a montaje y desmontaje de carpas de localidad en localidad, a forzudos venidos del Cáucaso y hombres bala de bigote daliniano. El circo asume la carretera como destino y atrapa payasos para alimentar las risas de un público expectante. El circo es ¡Tachán y et voilà!, es trapecista con cara de funambulista y alma de acróbata. El circo es una canción de Nino Rota, un plano (e mezzo) de Fellini o una opereta de Ruggero Leoncavallo. El circo es domadores sin animales, malabaristas sin malabares, mimos dando gritos y tragafuegos sin mecheros.

    El circo es todo lo anterior y mucho más. El carácter nómada se reinterpreta en espacios fijos, en compañías dedicadas a realizar de esta profesión una actividad que ya tiene cada vez más espacio en el panorama cultural de las artes escénicas. El circo está en el teatro, en los actos musicales, en el cine, en la calle y aunque sea a cuenta gotas, en las escuelas. Educar con valores, formación y aprendizaje. Adaptarse o morir.

    Alrededor de la media tarde. Primera función

    Mientras el Circo del Sol se declaraba en concurso de acreedores y mil millones de dólares realizaban acrobacias con 3480 trabajadores perdiendo sus salarios con un redoble de tambor, más de 10.000 trabajadores del circo en España se quedaban sin trabajo. Pandemia, desatención y nostalgia de artistas profesionales olvidados. 2500 familias, 40 circos anclados a lo largo del país tratando de respirar como un pez fuera del agua al 50%. El porcentual aforo, al que volver a pegar con artes circenses, al público en las butacas de la ilusión.

    Es la vida. O todo o nada. Lo tomas o lo dejas. Fundido en negro en el fabuloso mundo del circo. Franquicias circenses aparte, y filigranas de fondos de inversión cotizando en bolsa, hacemos el camino más llano, ese que te enseñaban de pequeño cuando te sacaban una entrada para entrar en una carpa modesta, en el solar que teníamos enfrente de nuestras casas. El recuerdo atávico de toparse de nuevo con las mismas sensaciones, mismos  sonidos, mismas piruetas, mismos payasos, mismos sueños a diez metros del suelo y sin red.

    Hablamos de un circo, pero es extensible a cientos de gremios dedicados en cuerpo y alma al mundo de la cultura, del arte.

    Enganchado a una droga llamada Circo

    Hablar con el gerente del circo las Vegas es hablar con un apasionado de este mundo, un tipo, Tony, que asume el riesgo de vivir en la cuerda floja, pero firme en su convicción de hacer un espectáculo que contiene una gran adición. “Aquí está mi padre y el padre de mi padre, mi abuelo con 92 años, toda una generación de profesionales del circo. Y espero que mi hijo siga los pasos. El circo te tiene que gustar, he tenido compañeros que han estado en el circo y tras varios meses se han marchado para volver al poco tiempo. El circo engancha”. Recuerda Tonelly con su acento babélico, que en este trabajo se sufre pero también se puede vivir con dignidad: “Mucha gente nos dice que no tenemos vida, no tenemos vacaciones pero eso no es cierto, el circo es muy exigente y requiere mucha atención pero hay maneras de disfrutar de muchos sitios, playas o  montañas, llevando al circo a esos sitios. Esas son nuestras particulares vacaciones”.

    Haciendo malabares para sobrevivir

    Dani, el hijo del gran Pepín, nos comenta que durante la pandemia ha estado trabajando en el montaje de placas solares: “Es duro, mi profesión es la de payaso pero el palo ha sido, es y será duro para artistas como nosotros”. Para su padre “La palabra circo en España no está en ningún Ministerio, sólo se utiliza para llamarse un político a otro, payaso o tenéis al país hecho un circo”.

    Tony Tonelly sólo pone mala cara, ha visto como su circo ha permanecido varado durante meses sin saber el futuro de muchas familias: “Las ganas de la gente de a pie y el apoyo de los compañeros ha sido clave para seguir adelante”, aclara.  “Actuar en Badajoz, con tanto público me ha llegado a emocionar”.

    El acróbata italiano Alan Zorzan, su mujer y su hijo recuerdan lo duro que ha sido no poder trabajar: “Se hace largo, duro, y no sólo por los meses de confinamiento, también por el futuro post pandémico, no sabes realmente que va a ser de tu vida y la de tu familia”. Más que nunca vivir en la cuerda floja, ha supuesto y supone una inquietante vida en vilo, en continuo malabarismo.

    Es duro, mi profesión es la de payaso pero el palo ha sido, es y será duro para artistas como nosotros

    ¿Cómo están ustedes?

    A grito de ¿Cómo están ustedes? El circo de los Aragón invadían las casas de los españoles a través de un televisor. Antes, sus abuelos, tíos y padres, los payasos Pompoff, Thedy y Emig tuvieron que emigrar a Cuba y en Estados Unidos se les llegó a conocer como «Spain’s Royal Family Comedy», para encontrase, años después, a su vuelta a la España de Franco, con un barco fletado con todo un circo entero, y a la deriva en el puerto de Barcelona por falta de visados. La triste y dura vida del payaso, del que el italiano Nando Orfei siempre dijo que «Il circo è e sarà sempre il più grande spettacolo del mondo», el circense y actor con Fellini en Amarcord entre otras estuvo trabajando con Pepín León, el maravilloso payaso que el Circo Las Vegas tiene por bandera.

    Hablar con Pepín es escuchar el circo, su calma, su dote de seducción, nos relata como un juglar del medioevo, todo un periplo de este espectáculo. Trabajar en Estados Unidos, en Japón o en la Isla de Reunión trazan el currículo vitae de un hombre embadurnado de payaso de por vida. Tener a sus hijos en medio mundo, dependiendo del lugar de trabajo hace más homérico la labor de un payaso parido en el Price. “La gente mientras está viendo el circo es más buena, se olvida de todo lo que hay fuera, es la magia del circo” declara mientras se maquilla en su caravana.” Los payasos han sido motivo de risa para la humanidad, el juego de lo exagerado, lo ridículo, el personaje torpe, ingenuo, hacen que el público sin querer, o queriendo, es con lo que se siente identificado en el circo, porque en cualquier momento de nuestra vida hacemos el payaso”

    El carácter generacional de un payaso, de un cómico del circo no figura el pasaporte de Pepín, su espectáculo sí rinde homenaje a todos los grandes del circo. «Hay mucha gente en el circo que se dedican al circo desde hace muchas generaciones pero yo vengo de mi padre como primera generación del circo, mis abuelos eran maestros de escuelas. Y los León, como mis sobrinos Paco o María León, somos un poco de todo. Venimos de una educación musical, artística, creativa y eso me llevó a este mundo del payaso.”

    La gente mientras está viendo el circo es más buena, se olvida de todo lo que hay fuera, es la magia del circo

    Tony Tonelly. 34 metros de diámetro de carpa. Una altura de 12 metros

    El circo va de la mano con la sociedad del momento, la historia de cada compañía se balancea al ritmo que marca los hitos mundiales. El circo Las Vegas tiene su origen en tierras lusas hace casi cien años, el periodo de entreguerras hace que todos los artistas tomasen riendas individuales a sus habilidades circenses, y trabajasen en solitario por medio mundo, desde Suiza, neutral hasta para este espectáculo, se vuelve a gestar el nuevo nacimiento de un circo con sede en España pero formado por una torre de Babel con un engranaje perfecto. Tony Tonelly, el nieto de aquel aventurero del circo nos abre su recinto, una especie de convoy del salvaje oeste apostado en círculo con la carpa defendiendo el flanco principal de un gremio que sigue haciendo sonreír a niños y mayores.

    34 metros de diámetro y una altura de 12 metros. En medio de esas medidas nos sentamos a dialogar con el director de una saga de circenses, desde el vórtice de la carpa, admiramos y sentimos la fuerza que transmite un espectáculo donde la lengua oficial se llama circo. “Aquí todos somos una piña, todos hacemos de todo. Mi hermana que es inglesa, me habla en español y le respondo en portugués, mi hija es española y le hablo en italiano, como a mi mujer, que es portuguesa y ellas me contestan con el primer idioma que se les pasa por la cabeza”.

    El futuro del circo. Espectáculo Vs números  rojos. Último día de cole.

    El Estado dispone del Programa de Aulas Itinerantes en los Circos para el curso académico. Cada curso escolar, una media de 140 alumnos de los diferentes niveles educativos son atendidos mediante este programa en España. Un 22 de junio en Badajoz de 2021, es el último día de curso en el Circo Las Vegas.

    El Circo la Vegas tiene asegurado, al menos un artista precoz, Max Tonelly, siempre ensayando y siempre intentando ser el mejor en lo suyo. Max acaba de terminar las clases y comenta que se lo pasa bien, “lo tengo todo”, nos dice mientras hace volar las mazas, “cole, amigos y el circo”. Pero el circo, como las actividades culturales pasa por otro mal momento. La pandemia ha puesto de relieve la fragilidad de un sector que depende del público, que sin gente, sin espectadores acrecientan la debilidad financiera de ciertas profesiones.

    Tonelly nos comentaba al respecto: “Antes podíamos planificar el año, con la pandemia todo eso se ha ido al traste. De enero a enero del año siguiente teníamos nuestra ruta, en estos momentos no sabemos dónde vamos actuar a final de mes. De esta manera se podía calcular el número de artistas que querías incluir durante la temporada, el personal de mantenimiento, los gastos… ahora es imposible. Ahora es el abuelo el que tiene que traer al niño, antes era el niño quien tiraba del abuelo, las cuentas así no salen. Tenemos una carpa con una capacidad para 1200 personas y sólo pueden entrar 300. Somos unos 45 trabajadores en este circo y hemos llegado a tener 75, pero mi hijo siempre me pregunta, ¿Papá cuando empezamos? No sé qué contestarle.”

    Los Indicadores y Estadísticas Culturales vinculados a las artes escénicas y musicales del Gobierno de España aportan cifras que en este último año seguramente ni tengan dígitos.  La población que asistió a determinados espectáculos culturales en 2018-2019 nos desglosa que un  7,4% fue al circo, mientras que un 9,5% asistió a conciertos de música clásica o un 57,3% al cine. Y de las personas que han ido al circo en un año según el tipo de representación la última vez que asistieron durante el 2018-2019, el 55, 2% al tradicional 55,2%, 32,4% al contemporáneo y a otros tipo de representaciones un 12,4%.

    Ante esas cifras y su gen circense el director Tony Tonelly, sigue apostando por el circo clásico, sin perder la óptica de cambios para el futuro: “Lo que no intento perder es el circo tradicional, el circo de generaciones ha cambiado pero nuestra esencia debe tener en sus espectáculos, malabaristas, trapecistas, payasos musicales, magos…el clásico. Tengo compañeros que han trabajado en el Circo del Sol que ahora están en paro y sin su sueldo, el Circo del Sol debe más de 800 millones al estado canadiense, nosotros no tenemos ingresos pero no debemos un duro a nadie”.

    Tenemos una carpa con una capacidad para 1200 personas y sólo pueden entrar 300. Somos unos 45 trabajadores en este circo y hemos llegado a tener 75, pero mi hijo siempre me pregunta, ¿Papá cuando empezamos? No sé qué contestarle

    ¡Qué comience la función!

    Decía el director Federico Fellini que si el circo fuera todavía un género de entretenimiento de actualidad, le hubiera encantado ser el director de un gran circo, ya que el circo es exactamente una mezcla de técnica de precisión e improvisación. En esas están los encargados de este gran circo que es la vida, intentando solventar la papeleta de una profesión digna, emotiva y mágica. Oscar Wilde escribía: “Para probar la realidad tenemos que verla en la cuerda floja del circo. Cuando las verdades se convierten en acróbatas, podemos juzgarlas.”

    Dejemos que la cuerda siempre tenga acróbatas, la pista payasos y trapecistas y que el mago, domador y equilibrista sean presentados casa noche en un nuevo espectáculo. ¡Qué comience de nuevo la función!

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • El Brujo y Dios

    El Brujo y Dios

    Todos somos dioses; ¡ojalá todos lo supieran! Reminiscencias de Paramahansa Yogananda y su amante cósmico. En el otro cosmos, en pleno oeste ibérico, Rafael Álvarez, o lo que es lo mismo el Brujo sideral, un Dios encima de un escenario, evoca algo parecido, ¡Todos somos dioses ¡ojalá lo supiera Fernando Simón!

    Hasta aquí todo bien, la cosa se tuerce cuando Olga Ayuso, subida en plataformas petrolíferas con forma de zapatos, elude el ingenio de las calzadas romanas, y confunde desde su altozano, al músico con el actor. De eso va la obra le decimos. La suplantación de personalidad en un cuentito de Plauto y un phishing de Dios en toda regla. Javier Alejano hace de Júpiter, el Brujo de Anfitrión, nosotros de un Sosias cualquiera. Esclavos con cámara y grabadora.

    Tras las entrevistas con los compañeros es nuestro turno, nos toca charlar con el maestro. Viene de blanco lino y con la mirada de su primera actuación en el San Juan Evangelista. Parece decirnos ¡Niño, a ver si te enteras de lo que estás viendo, que no lo vas a volver a ver en tu vida! Yo con cara de Juncal y Búfalo contando lo del Puerto de San María para refrescar la memoria.

    “Pregúntame algo, dime algo, motívame”…nos dice el Brujo cuando se sienta con nosotros…”¿Qué carajo hacemos tú y yo aquí en el peristilo del Teatro romano de Mérida?”…le preguntamos…”¡De eso va la obra!” nos dice riendo…”De preguntarnos qué hacemos en esta vida”…matiza.

    Cuando nos ponemos delante de Rafael Álvarez estamos ante muchos dioses, o Dios, como nos corrige el mismo. Lazarillo de Tormes, el Tenorio, Francisco de Asís, los místicos Teresa de Jesús, Juan de la Cruz, Paramahansa, las figuras eternas de Jesús de Nazaret, el Quijote o Mecurio. Cuando hablamos con el Brujo conversamos con Pío Baroja, Alfonso Sastre, José Luis Alonso de Santos, Plauto, Molière, Süskind o Darío Fo.

    Nos cuenta lo que quiere contarnos. Aquello que nos hace reflexionar. Al principio no sabemos si pertenece a la obra, al final sabemos que es la obra entera.

    Cuando tú tienes la edad que yo tengo y no la edad que tú tienes todo tiene otra perspectiva completamente distinta. Hay gente que ve el mundo igual siempre, pero es porque ellos no cambian, no hay transformación, no hay evolución. La vida así, pienso que debe ser muy aburrida. Pero cuando eres consciente del placer y del dolor, y cuanto más consciente eres más fascinante te parece el mundo. Aunque encierre mucha adversidad, catástrofe y daño. ¡El mundo es acojonante!

    Es acojonante pero lo estamos pasando verdaderamente mal, casi sin tiempo para saborear lo poco o muy fascinante que puede ser el mundo.

    Y lo que nos queda. Yo lo he pasado muy mal, ha habido días muy angustiosos, pero cuando lo estaba pasando mal yo decía ¿Por qué todo esto? Y es que cuando yo salí de Madrid, dos días antes del cerrojazo total en marzo, destino La Vera, al campo total, y vi la Castellana desierta y el ejército, pensé en ese mundo de ciencia ficción, opresivo, claustrofóbico y sin saber nada de nada. El principio de una tercera Guerra Mundial. La pregunta que me hice y hago desde entonces es ¿Qué hemos hecho mal?

    ¿Y qué hemos hecho mal, Rafael?

    Nada, la naturaleza, una pandemia y muchos enfermos, siempre ha habido pandemias pero yo tenía la conciencia de que habíamos infringido una ley cósmica. La naturaleza se estaba resarciendo, se estaba vengando, y como decían los griegos, la Diké, es decir pecas contra la naturaleza y ella reacciona. Van a pasar cosas muy potentes.

    ¿Una cosa potente como para elaborar esta obra o ya estaba cocinada antes de la pandemia?

    Esta obra surge a partir de la angustia que yo tenía por hacer bolos. Surge de ahí pero de una manera más prosaica. Jesús Cimarro contaba con nosotros y la puesta en escena surge de ahí. Aunque ya hicimos Anfitrión de Plauto en el 1996. Yo ya estaba barruntando la obra y yo ya estaba pensando que si aquí no se estrenaba tenía que ser en otro sitio.

    Afortunadamente Los Dioses y Dios estará en el Festival Internacional de Teatro de Mérida…pero ¿Qué cuenta esta obra, qué es Los Dioses y Dios?

    Los Dioses y Dios es mi vida. Los dioses del teatro romano y la mitología y Dios que es mi vida, y cómo se conjugan los dioses de la mitología con mi Dios. Dónde están mi Dios en los dioses de la mitología y dónde los dioses de la mitología cuando yo hablo de mi Dios.

    Y en esa búsqueda Rafael, ¿Cuáles son tus dioses?

    Mis dioses son las cualidades de mi único Dios, la fortaleza, la paciencia, la generosidad, el heroísmo, el temple, el valor, pero todos esos dioses son los radios que vienen de lo único que sustenta la vida, que es Dios. No voy a entrar en si soy católico, en si soy creyente o ateo, ese Dios se puede llamar como tú quieras. Decía el profeta Isaías ¿El que ha hecho el oído no te va a oír?

    El antropólogo Joseph Campbell habla de ese héroe, ese Dios, de las mil caras ¿Ese el vórtice de la obra?

    Tiene mucho que ver…aunque ya podemos ver poco aquí. Me has dado mucha cuerda y nos quedan más entrevistas para la tele…

    …Queda poca luz en las piedras del romano, la justa para cortar la entrevista, la mínima para encender los focos del Teatro y abandonarnos en la bendita locura de su dramaturgia, hemos oído al Brujo, hemos escuchado su divina verborrea, ahora toca peregrinar hasta su obra, sentarnos entre el oráculo de las cáveas y dejarse llevar por lo humano y lo celestial. El Brujo y Dios.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Félix Méndez consigue el Primer premio del IX Certamen Ibérico de Fotografía teatral FATEX 2021

    El Primer premio del IX CERTAMEN IBÉRICO DE FOTOGRAFÍA TEATRAL FATEX 2021 ha recaído en la obra “La Vaca” de Félix Méndez, premiada con 800 € y diploma. Fotógrafo, operador de cámara, steady cam y editor de video, ya ganó el mismo galardón en 2013 y ha sido dos veces premiado en el Certamen “Ciudad de Badajoz”. El Segundo premio es para la fotografía titulada “Luz con alma“ de Isa Vicente, premiada con 500 € y diploma. Es la fotógrafa oficial de la Feria de Teatro de Castilla y León que se celebra en Ciudad Rodrigo. El Premio Especial FATEX ha sido para la fotografía: “Amor prohibido” de Fermi Merino Reyes, premiada con 300 € y diploma. Aficionada a la fotografía, es de Ribera del Fresno y está relacionada con el grupo Batilo Teatro.

    El Certamen está subvencionado por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura.

    La entrega de premios se realizará en Zafra el día 28 de noviembre.

    La exposición de las fotografías presentadas se podrá ver en la Sala Las Tenerías de Zafra desde el 26 de noviembre.

    El Jurado de la XVIII edición de los PREMIOS DE TEXTOS TEATRALES RAÚL MORENO FATEX 2021, reunido el día 12 de noviembre, ha concedido el Primer Premio a Paris Antonio Pesantes Morán, por su obra “Hoy maté a mamá”, dotado con 4.000€, la publicación del texto y la puesta en escena por uno de los grupos asociados de FATEX. Psicólogo, actor y dramaturgo peruano afincado en Italia, es egresado del Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles y del Taller de Dramaturgia de Mariana de Althaus. Ganador del Concurso Nacional “Nueva Dramaturgia Peruana” (2014) y del Festival de Dramaturgia Sala de Parto (2017). La obra transcurre durante un almuerzo familiar, una madre y sus cuatro hijos están reunidos después de mucho tiempo. La inmensa casa en la que la madre vive sola, será objeto de disputa entre los hijos, que tratarán de convencerla para que la venda, aunque ello requiera medidas poco ortodoxas

    El Accésit se ha fallado a favor de Noelia Planes Abenza (NOELIA VENZA), por su obra “Buscando razones para odiarte”, dotado con 1.000€ y la publicación del texto. Es una bailarina, actriz y dramaturga murciana que realizó sus estudios de danza española y danza contemporánea en el Conservatorio Profesional de Murcia y más tarde se formó como actriz en la RESAD de Madrid titulándose en Arte Dramático. En 2020 publicó el libro “El vino y la Madrugada. Actualmente dirige la Compañía Laferno. En el texto tres personajes nos cuentan su historia a través de cartas, mensajes y situaciones cotidianas cuya visión es la representación absurda del amor moderno en contraposición al amor romántico.

    Ambos Premios están patrocinados por las Diputaciones Provinciales de Cáceres y Badajoz y serán publicados en edición bilingüe en castellano y en portugués.

    En la categoría de Premio de Autor Extremeños, ha recaído en Antonio De La Fuente Arjona por su obra “Ejercicios de equilibrio en barra fija de bar”, obra que será publicada por parte de la Editora Regional de Extremadura (ERE) a propuesta del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura (CEMART) en la colección Escena Extremeña. El autor ya fue premiado con el mismo galardón en 2013 con “La semilla”.