Etiqueta: programación

  • ¿Qué hacer en la Feria de San Juan?

    ¿Qué hacer en la Feria de San Juan?

    La Feria de San Juan 2025 en Badajoz se celebrará del 20 al 29 de junio, una de las fiestas con mayor arraigo de la ciudad y de la región. Casi diez días con infinidad de actividades culturales, musicales, taurinas y festivas.

    Conciertos

    Leiva: El cantante madrileño presentará su gira Gigante el 28 de junio en el Auditorio del Recinto Ferial de Badajoz. Este será su regreso a los escenarios tras un año de pausa

    Maka: El artista de flamenco urbano actuará el 21 de junio en el mismo recinto, como parte de su nueva gira Aura, que también incluye paradas en otras ciudades españolas y Santiago de Chile .

    Soraya Arnelas. La artista extremeña celebrará sus dos décadas en la industria musical con un tour que la llevará por todo el país en la Feria pacense. Día 27 de junio.

    Actividades

    La Feria de San Juan es conocida por su ambiente vibrante, con atracciones, casetas, espectáculos pirotécnicos y una amplia oferta gastronómica. Uno de los momentos más esperados es la Noche de San Juan, que se celebra la noche del 23 al 24 de junio, con fuegos artificiales sobre el río Guadiana. 23:30 Puente de Palmas.

    Feria taurina

    La feria también es famosa por su programación taurina. En 2025, se celebrarán corridas de toros y rejones, con la participación de figuras destacadas del toreo, como Antonio Ferrera, Alejandro Talavante y Emilio de Justo. Del 22 al 25 de junio.

    Noche de San Juan

    23 al 24 de junio: Se celebrará la tradicional Noche de San Juan con fuegos artificiales (23:30h.) y la actuación de la Orquesta de Extremadura dirigida por Andrés Salado, en el embarcadero de la margen derecha del río Guadiana (22:00h.)

    Actividades Infantiles

    Día del Niño. Atracciones. Jueves 26

    Festival Folclórico Nacional Infantil: 28 de junio. 20:30h. Teatro López de Ayala.

    Gigantes y Cabezudos: El 24 de junio, tradicional desfile desde San Francisco a las 12:00.

    Gran Circo Alaska. Especial la Bella y la Bestia. Del 19 al 29 de junio.

     

    Atracciones, casetas y Feria de día en el Casco Antiguo

    Recinto Ferial: Este año la Feria de San Juan, en su espacio del recinto ferial contará con más de treinta atracciones para todos los públicos y medio centenar de atracciones infantiles. También, y como atractivo para pasar la tarde o la noche, el recinto tendrá dieciséis casetas de ocio y hostelería.

    Feria de Día. El Casco Antiguo de la ciudad se convierte en la antesala perfecta para ir a la Feria del recinto, buen ambiente, ruta de bares y nada de coche. Un lujo para disfrutar del tardeo.

    Verbena en el Teatro López de Ayala. Comando Belluci. Sábado 21 a las 21:00h.

     

  • Tita Iacobelli y su Chaika  «El milagro de animar marionetas»

    Tita Iacobelli y su Chaika «El milagro de animar marionetas»

    Un milagro, puro milagro. Así nos saludaba el director del Teatro López de Ayala, Miguel Murillo, en los minutos previos de la primera obra del Festival Internacional de Teatro de Badajoz. En breve se subía el telón a un sinfín de dudas Covid y a una amalgama de sensaciones volátiles. Toma de temperatura, espectadores pares e impares y desbroce de butacas con el cincho puesto, en cierta manera, un vacío homenaje a los que ya nunca podrán ir a disfrutar de una obra en el teatro. Nos quedamos con el milagro, con los nervios de sentir teatro durante muchos días. La cultura, milagrosamente alimenta, el alma de unos cuantos forajidos sedientos de arte escénico, y las obras siguen su curso, dando de comer a los desarrapados hambrientos que viven, vivimos, en las chabolas de la cultura, un milagro, al estilo De Sica, un puro milagro a la extremeña, como acertadamente nos decía Murillo.

     

    El festival no conoce de fronteras, es internacional, los vínculos entre las compañías, dramaturgos, actores y autores es constante y vital. El riesgo de presentar una propuesta de marionetas de origen chileno, ruso y belga en Extremadura no es tal. Es un apéndice obligado para seguir creciendo como teatro. En ello estamos. Y con ellos, ella, hablamos. Tita Iacobelli es todo lo anterior. Chaika lo posterior.

    La actriz y directora chilena Tita lacobelli y la marionetista Natacha Belova se conocieron en el año 2012, en Santiago de Chile, en el marco del Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, crearon un laboratorio para investigar en torno al teatro de marionetas contemporáneas en la misma ciudad. Al final de esta experiencia de dos meses, deciden crear un espectáculo juntas. Chaika es el primer espectáculo de la compañía. El proceso de creación duró tres años y cuatro residencias entre Buenos Aires, Santiago de Chile y Bruselas. En esta ocasión tocando suelo español. Iacobelli, nos espera a los pies del escenario, mientras los focos invaden el decorado y el sonido se pone a punto. La cogemos revisando el texto en una mano y con los cabellos oscuros de Salvador, su hijo, en la otra. Dulcemente y con marcado acento chileno, nos saluda, buscamos un espacio abierto y limpio para charlar de todo, menos de teatro por un largo rato. Chejov y su gaviota mediante.

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    ¿Acabas de impartir los talleres que se realizan paralelamente al festival? ¿Cómo ha sido la experiencia?  

    Ha sido muy buena. Había profesionales y amantes del teatro y de las marionetas y siempre esa mezcla es muy interesante porque en estos talleres uno aprende mucho, de los compañeros siempre se saca algo nuevo. Lo que intenté transmitir en el taller fue pasar y compartir los principios básicos de la animación de marionetas, técnicas simples para poder animar un objeto y que los participantes pudieran ver a través de los ejercicios que hacían sus compañeros, lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros. Realmente es como un doble de uno mismo…

    …ya lo hacían en los Pupi sicicilanos o los Bunraku japoneses, dos en uno, hasta que pierdes la noción de la existencia del animador…

    Cierto, son dos personajes, ambos forman del papel, a diferencia de la marioneta de dedo o títeres, es que nos permite hablar de la dualidad, nos hace enfrentarnos ambos a la obra, una especie de espejo que provoca preguntas al espectador. Este tipo de marioneta tiene la capacidad de vincular al espectador con lo que le está pasando, en cierta medida está interpretando a ese personaje, al carecer la marioneta de organicidad y ver reflejados en ellas todo lo que le sucede a diferencia de un actor.          

     

    ¿Cómo se trabaja con un elemento como la marioneta en el escenario? ¿Cómo se traspasa a la actuación el elemento que hay que animar y como se trabaja la doble presencia, tanto de la marioneta como de la actriz en este caso?

    La marioneta, en este caso Chaika, es el personaje principal, entonces yo estoy en un segundo plano, a veces intervengo con ella y tenemos diálogos que me permite manejar los dos planos de la actuación.

     

    Lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros

     

    ¿Cómo llegas al teatro de las marionetas?  ¿En qué momento traspasas esa barrera de la actuación clásica?

    Fue un poco casual mi llegada a este mundo. Tengo la formación de actriz clásica y mi recorrido no estaba relacionado con las marionetas pero tras la separación de una compañía chilena muy famosa, La tropa, una parte de la compañía liderada por Jaime Lorca empezó a gestar una nueva formación que se dedicó al teatro de objetos y marionetas. Y tras entrar directamente en su primera obra, Gulliver, y manipular las marionetas y controlar las voces, sentí una especie de amor a primera vista. Esta fuerte intuición me llevó a proyectar los que yo quería decir a través de la marioneta y quedarme en un segundo plano. Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa.

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    ¿Por qué Chaika, por qué la gaviota de Chejov?

    Chaika es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar ella sola en la gaviota de Chejov como función de despedida de su carrera. Natacha Belova, la otra parte de la compañía, es rusa, su padre era actor y director de un teatro en Rusia, la dramaturgia y Chejov lo llevan en la sangre. Necesitábamos esta obra. No sabíamos como montarla, sólo teníamos la certeza de que yo iba a representarla con marionetas. Y tras analizar la obra, el tema de la dualidad es muy fuerte, la actriz joven y la actriz vieja, el éxito y el fracaso, y al hablar de teatro, la ficción y la realidad. Es una obra de teatro y de mujeres en el teatro, de la angustia y el placer de hacer teatro, entonces nos identificaba mucho y al tener ese complemento dual, decidimos crear una marioneta de mí pero anciana. Natacha tomó mi rostro, la creadora de la marioneta, y nació Chaika como protagonista total de la obra.

     

    Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa

     

    ¿Cómo es el público en los países sudamericanos respecto al espectador belga, francés y del norte de Europa?

    Como Chaika nació en Chile, y este personaje de la anciana, aun estando en todas las culturas, la mujer vieja, la abuela, la madre, la matriarca, está en la sociedad sudamericana muy arraigada, muy presente. Chaika está chilenizada y el público engancha muy bien, porque conocen a este personaje muy bien. Se identifican muy rápido con la protagonista, hasta ríen con las desgracias que le pasan. En Bélgica la respuesta es más formal, más contenido. Contemplan más, observan sin interrumpir y guardándose en cierta medida hasta las emociones.

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    ¿Cómo está pasando la factura del Covid a tu profesión, al teatro?   

    Nosotros decidimos venir a Bélgica para establecernos, en Chile la pandemia llegó más tarde y ahora está todo cerrado, empieza a moverse algo con alguna sala de teatro, pero no hay actividad. En algunos festivales los grupos grandes han tenido que suspender por casos de contagio y están disminuyendo el número de actores para evitar los positivos. Nosotros tenemos poco atrezzo y nos permite movernos de un sitio a otro con un par de maletas, es un teatro que no requiere tanto equipo y eso ayuda para seguir trabajando en nuestra profesión. Acá somos poquitos.

     

    Willy López | Fotografía. Chaika  / Compañía Bellova-Altobelli

  • Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek «Un clown pegado a su beep boop»

    Richard Saudek es beep boop. Puro tac- pum- zas. Pura escena. Un mimo haciendo clown, un payaso retozando mimos, un viejo ordenador de acceso telefónico con un ruido quejumbroso entre sus huesos. Richard Saudek es Crowed Outlet, un grupo de profesionales dispuestos a dar por saco con elegancia. Una cara cetrina, adquirida por la luz de un aparato digital, unos ojos adictos, perdidos, robados a la pantalla. Saudek encorva el alma y doma cuello, hombros, pecho, dedos, culo, rodillas y pies hasta vomitar a su personaje. Un poco de cine mudo, algo de la Comedia del Arte italiana y una pizca de los clowns de medio mundo. Estamos en las horas previas de la función, de un día cualquiera de un festival de teatro de Extremadura, estamos en un otoño de Badajoz.

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    Sobre el escenario, no sabemos si el técnico de sonido es el productor, si el director es el clown, si la encargada de los efectos es la técnica de luces, si el mimo es el acomodador y si el fotógrafo el taquillero que vende entradas y un puñado de buenas fotos.

    Sólo hay dos elementos en medio de la escena, un mostrador blanco y alguien que medita tumbado sobre ella. Es Beep boop. Richard Saudek viene de lejos, a un océano de distancia y un Trump de presidente por medio complican su existencia artística a cambio de público europeo, sin dólares con los que pagar los tickets y sin muros con que disfrutar su espléndida obra.

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    Afable y educado Saudek nos atiende desde la timidez de su verdadero personaje. 60 minutos donde se explora la obsesión de la sociedad por la vida online a través de nuestros teléfonos inteligentes y otros dispositivos digitales, siempre cercanos. Interpretado a un ritmo vertiginoso con efectos de sonido, música original y multimedia, trata de la soledad aplastante de la modernidad y sus divertidas consecuencias.

    Pulsamos el símbolo de grabar de nuestro teléfono móvil.

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    ¿Richard cómo nos podrías definir “Beep boop”?

    El espectáculo es un recorrido por nuestra obsesión con la tecnología y los dispositivos digitales que nos rodean.

     

    Clown, mimo, teatro visual en el siglo XXI…

    …Me interesa hablar de la modernidad a través de una expresión artística muy antigua como es el mimo. Los elementos que tú puedes ver están dentro del clown, seguramente los hayas visto en otros espectáculos, se tratan de trucos que todos conocemos, elementos antiguos que contrastan con el rabioso y salvaje presente.

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    ¿Cuál es tu trabajo previo para poder ponerte delante del público durante una hora y contarnos una historia que nos atrape?

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador. Es u na obra donde el público forma parte de la obra desde que pasa la puerta del teatro hasta que termina la función. Para ello hay que trabajar duro, con elementos básicos y minimalistas, mostrar lo cotidiano pero desde otra óptica más poética, más corporal, más teatral.

    Hablas de elementos tan cotidianos  como este móvil con el grabamos la entrevista o el ordenador que te pone efectos sonoros durante la obra…

    …Es interesante como nos mantenemos conectado obsesivamente a través de los teléfonos móviles, a las redes sociales, a las tablets, pero en realidad estamos solos con nosotros mismos. También se expresa el aspecto positivo de la digitalización social, porque criticar es fácil.

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    La aparente sencillez de Beep boop tiene un largo recorrido de producción hasta refinar esta obra. ¿Cómo se ha trabajado esa puesta en escena?

    Cerca de dos años de preparación para llegar a la obra que proyectamos ahora. Al principio tenía todo el equipo de sonido en directo, con los efectos de sonido in situ y a través del proceso de creación nos dimos cuenta que necesitamos establecer una relación entre el intérprete y lo que el público oye. Hay un sentido de juego que es muy clown. Y aquí es donde entra en juego la otra persona que está en escena, que es la que controla y despliega todos los efectos de sonido y que interactúa con él.

    Es gracioso, porque el tema es duro, hablo de la soledad, de vivir aislado, pero como se hace a través del lenguaje corporal, de la mímica, de los sentimientos que puedo mostrar es importante que conecte con el espectador

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    Sabemos que el teatro es universal pero suponemos que la acogida de una obra como Beep boop tiene diferente acogida entre el público de diferentes países…

    …A medida que pasa el tiempo creo que se está haciendo más similar, durante mucho tiempo hubo grandes diferencias peor cada vez estamos más expuestos al teatro que se hace en Europa y viceversa. Robando vuestras buenas ideas estamos haciendo una masa de espectadores muy preparado.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Correr o Fado

    Todo está listo. El agua inunda la cultura portuguesa. Y sobre el escenario el mar parece cobrar vida. Siete profesionales de la danza contemporánea, cinco urnas transparentes de líquido y el fado de Mariza de fondo. Se ser fadista é ser triste, é ser lágrima prevista, ee por mágoa o fado existe, então eu não sou fadista.

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    Daniel Cardoso, director artístico, coreógrafo y bailarín nos detalla por el espectáculo, nos hace de guía y nos adentramos en Correr o fado con la ilusión de ver un espectáculo de danza actual bajo el ritmo de los fados tradicionales.

    Termina nuestro viaje y comienza la lluvia… A chuva ouviu e calou, meu segredo à cidade, e eis que ela bate no vidro, trazendo a saudade

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    Correr o fado es un trabajo inspirado en la cultura portuguesa. La idea fue intentar lanzar el fado hacia el exterior, depurarle la parte tradicional que a veces hace que sea tan elitista.

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    Quitar al fado esa parte de tristeza y melancolía con un espectáculo armónico, dulce y alegre. Intentar escapar un poco de esa tristeza, y crear un lenguaje contemporáneo adaptado a la música fuera de lo completamente tradicional

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    Para llevar el arte del fado, más tradicional hacia el mundo de la danza más actual fue crear una especie de pasaporte de cultura portuguesa. Donde el fado pueda correr por todo el mundo, donde la mujer y el hombre tengan el mismo estado y donde el agua no sea una frontera.

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    Correr o fado es una vieja expresión portuguesa que quiere decir pasar una noche, una fiesta con el fado. Pero también creíamos que esa expresión estaba ligada al movimiento, al correr de las voces y el público en los conciertos. De ahí el nombre de la función.

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    Correr o fado es una obra que ha recorrido todo el mundo. Tiene nueve años de vida y cada vez estamos más apegados a esta danza.

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    La danza posee un lenguaje universal y aunque es fado es música que se escucha y aprecia en todo el mundo carece de esa valor tan intrínseco que tiene para nosotros. Son dos contextos diferentes y creemos que eso hace que guste al público. De repente escuchan una letra clásica de Amalia Rodrigues y una danza contemporánea que lo acompaña. La reacción es de sorpresa.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz,  se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

    Durante  13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

    En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

    Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

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                                                                                                                                                                                                                                                     Foto. Russ Rowland

    Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

    La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

    De las compañías extremeñas destaca  la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

    La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

    La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua  sobre la tragedia de la inmigración.

    Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h.  Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

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    En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

    Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

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    La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

    El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

    Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

    Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

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    Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
    Compañía: El Vodevil (Madrid)

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    Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
    Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

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    Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
    Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

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    Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
    Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

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    Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
    Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

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    Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
    Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

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    Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
    Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

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    Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
    infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
    Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

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    Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
    Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

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    Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
    Compañía: GL Producciones (Andalucía)

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    Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
    Compañía: Tryo Teatro (Chile)

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    Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
    Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

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    Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
    Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

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    Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
    Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

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    Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
    Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

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    Precios de entradas y abonos. Entrada general

    Butaca de patio: 15 €  Anfiteatro: 12 €

    Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

    Butaca de patio: 9 €   Anfiteatro: 6 €

    Abono para 13 funciones

    70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

    Funciones fuera de abono

    Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
    Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
    Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

    Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
    Teatro de calle
    Paseo de San Francisco
    Gratuito

    Foto portada. Pkp

  • Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

    Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

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    Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

    Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

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    Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

    Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

    Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

    En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez  con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

    Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

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    Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

    Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

    Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

    …Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones  de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

    Que elija el público entonces…tú conoces  perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

    Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

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    Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

    La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

    42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

    Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

    Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

    Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

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    Dinos una obra que hay que releer cada año

    Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

    El teatro es para ti…

    …Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

  • El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    Pepe Viyuela, Sandra Ferrús, Concha Delgado, Susana Hernández, Martxelo Rubio y Elías González ponen voz a El silencio de Elvis, una obra redonda con un lenguaje y unas situaciones que llevan de la risa al llanto, como la vida misma, y a la vez, nos enfrenta a un drama social: la enfermedad mental. Sandra Ferrús ha escrito una obra de terciopelo, una obra tan sincera, tan límpida de sentimiento que te emociona sin pretenderlo. No hay carga melodramática. Todo es trágico, tanto que a veces te ríes. Te ríes a tu pesar, pues nada de lo que dice el texto intenta hacer reír, pero la locura bebe el vino de la risa y tiene sentimientos de terciopelo, pero es terrible y cruel. La obra maneja mitos que son los dioses de lo moderno.

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    El silencio de Elvis es un viaje al interior de la mente de Vicente, que sufre esquizofrenia. Vivimos con sus padres la incomprensión, el hartazgo, el miedo, la desesperación. Nos chocamos junto con Sofía, su hermana, contra el muro de la administración, del sistema sanitario, del rechazo. Y conocemos, a través de un quinto personaje, al mismísimo Elvis Presley, a un psiquiatra, una psicóloga, un forense médico, un compañero de la cárcel… todos los personajes que entran y salen de la mente y de la vida de Vicente. Y hacemos todo este viaje desde la impotencia y el amor. El amor primitivo, profundo, incondicional que se dan unos a otros.

    El alma, la piel muda de Elías González nos acerca a esta realidad, nos sube al escenario un argumento tabú en una sociedad sumergida en esa misma enfermedad. Con el actor extremeño, arropado de manera magistral por el resto del reparto, volvemos a rozar la verdad de un personaje que acaricia al espectador, le susurra con el aliento del personaje, nos grita y espabila de nuestras cómodas butaca con su particular interpretación…¡No se me duerman!…nos canta mientras menea el cuerpo al ritmo de Elvis. Con Elías González viajamos en metro, recorremos un sinfín de paradas, momentos de traqueteos mentales donde el cuerdo no sabe que está fuera de juego, y donde al cerrarse las puertas del vagón, en la última estación, aparece su sonrisa… ¡Auambabuluba balambambú!…Pura vida, puro teatro, es hora de apearse y buscar un cobijo, un sitio donde llevarse una buena historia. Pasen, si quieren, y vean.

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    Te dejamos hace unos cuantos años en el Festival de Teatro de Mérida en la piel de Coriolano…y ahora ¡Elvis!…pero ¿Quién es este Elvis?

    Los personajes al final no son lo que parecen, o sí…[Ríe]…En este montaje Elvis es un personaje con gran importancia y mucha presencia. Es la conciencia de Vicent, las voces que él oye, su refugio y también su pesadilla. El compañero de viaje que todos tenemos.

     

    Te vimos en Anomia, una magnífica obra de Arán Dramática, con un reparto coral de interpretaciones duras y certeras, ahora tocas otra vez Extremadura con una obra, también muy personal y con un elenco de altura…satisfacción, pena, dudas, miedo…

    Son todos sentimientos positivos. Una gran alegría por poder contar esta historia, con estos maravillosos compañeros, en mi ciudad. Y la responsabilidad y tranquilidad que da jugar en casa.

    ¿Cómo se prepara un personaje con este mundo interior tan complejo?

    Fundamentalmente siendo consciente de que una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene. Huyendo de estereotipos y poniéndome en las manos de la directora y autora Sandra Ferrús y dejándome llevar. Como todo en la vida, si te dejas llevar es más placentero.

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    Una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene

    ¿Qué valor tiene para ti actuar en este Festival Internacional de Teatro de Badajoz?

    Actuar en el Festival de Badajoz me lleva a mis comienzos, cuando hicimos Los cañones de Arán Dramática. Creo que hace ya 16 años. Es una ilusión tremenda. Puedo conocer algunos teatros, pocos, solo por el olor desde el escenario, y el López de Ayala es uno de ellos.

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    ¿Y qué supone trabajar con actores como Pepe Viyuela?

    Es un lujo. Pepe Viyuela es una persona muy generosa tanto en el escenario como fuera. Aprendo mucho tanto de él como de mis otros compañeros que son increíbles.

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    Elías, para cerrar ¿Cómo anda la profesión del teatro?

    La cosa anda como siempre. Con mucha gente talentosa haciendo muchas cosas interesantísimas y con gente poniéndolo difícil. La eterna lucha cultural de este país. Yo no me quejo, ahora hago una sustitución en una obra de Alfredo Sanzol y no puedo estar más feliz.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Esteve Soler «Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones»

    Esteve Soler «Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones»

    Catalán, inglés, francés, alemán, castellano, griego, italiano, danés, rumano, checo, húngaro, ruso, croata, portugués, esloveno, sueco y finlandés. Los idiomas en lo que se ha podido escuchar la obra Contra la Democracia. Y 70 directores le han aplicado su dictadura en el escenario para que el espectador pueda votar libremente desde sus butacas.

    Uno de ellos, el que ha dirigido la obra en el 39 Festival de Teatro de Badajoz, Antonio Guijosa, nos cuenta que Contra la democracia nos pone frente a un espejo que tal vez arroje una imagen incómoda.

    ¿Y quién es el autor de esta imagen tan incómoda?

    Esteve Soler. El que desde su escondite en las entrañas de su imaginario se atreve a proponer un debate muy profundo y necesario. Soler nos propone siete puntos de reflexión sobre nuestro funcionamiento social y nos empuja a generar nuestro propio criterio al respecto. El retrato que ofrecen estas siete historias no es muy alentador.

    Nos han contado que la democracia es la mejor de las formas de gobierno. Nos han contado que la democracia consiste en que el poder recaiga en el pueblo y éste elija libremente a sus representantes, quienes estarán a su servicio, buscando el bien general respetando los derechos fundamentales.

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    Antes de nada Esteve, cuéntanos tus primeros pasos como dramaturgo

    Empecé a escribir relatos cuando era adolescente. Más tarde mi interés por el teatro, el cine, el cómic y otras formas narrativas me hizo interesarme por la idea de la dramaturgia. Estudié esa disciplina en el Institut del Teatre de Barcelona, donde escribí mis primeros textos teatrales.

    Contra la Democracia…forma parte de una trilogía, ¿Qué encierran estos
    textos entre sí?

    Primero escribí Contra el progreso, en 2008, que forma parte de la misma trilogía que Contra el amor y Contra la democracia, escritas respectivamente en 2009 y 2010. La idea es acercarnos a palabras positivas que han sido manipuladas en su uso masivo. Por ejemplo, no es lo mismo el progreso ‘humano’ que el progreso ‘financiero’, pero en muchas ocasiones nos llega confundido de la misma manera. La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual.

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    El teatro no es una conversación unidireccional; el teatro se completa con el público, con el encuentro entre esas historias y la gente.  ¿Es una cadena de oprobios sobre la
    misma democracia o jugamos con el poder del teatro?

    Yo creo en el progreso, en el amor y la democracia. Y las obras reflejan eso aunque nos sirvamos de las convenciones teatrales para demostrar las contradicciones que rodean esos conceptos y busquemos la risa y la reflexión del público.

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     «La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual»

     

    ¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra  sociedad? ¿Ese el punto de partida de la obra?

    Esa es una de esas preguntas que se hace el espectador durante la función. Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones, preguntas que el público se lleve a casa y que les dé un par de vueltas si tiene tiempo cuando, por ejemplo, va conduciendo en coche o cuando está almorzando el día después.

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    ¿Cómo se trabaja con Antonio Guijosa, José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio? ¿Te lo ponen fácil o te montan una «dictadura» de tu texto?

    Se trabaja muy bien. Nunca intervengo presencialmente en los ensayos de mis obras, pero estoy totalmente disponible para lo que quieran sus productores o directores o quien sea. Es un placer. A veces se trata de asesorar, otras de hablar simplemente un rato o de colaborar de mil maneras distintas en la producción. Con este equipo me di cuenta inmediatamente que había mucho talento, ambición y sentido común. Ojalá fuera así siempre.

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    Siempre solemos charlar, nombrar, entrevistar a los actores y directores de las obras de teatro…¿Qué importancia tiene el autor de la obra en este país? ¿Existe cantera de dramaturgos? ¿Se le da la relevancia que os merecéis?

    Primero de todo quiero decir que es un honor estar en la lista de autores estrenados por Teatro del Noctámbulo. Cuando vi que seguía a David Mamet y Martin MacDonagh, pensé que estaba delante de una compañía que sabía valorar los textos. Y así ha sido. En todo caso, en términos globales y comparativos con otros países el autor aquí tiene una importancia menor. O incluso mucho menor. Como en todos los lugares, aquí existe una cantera de dramaturgos consecuente a los esfuerzos que se hacen para cuidar de ellos.

     

    Estreno absoluto de este montaje Esteve en castellano ¿Qué supone esa primera vez para
    ti?

    Es la primera vez que este texto se hace en castellano en España y me siento muy contento.  Pero sobretodo estoy contento que se haga en el momento adecuado y con el mejor equipo posible. Después de ver el resultado en Badajoz creo que existe un potencial muy interesante para la trayectoria del montaje.

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    Barcelona-Badajoz…aunque vemos que triunfa en teatros de todo el mundo ¿El público puede sentarse en las butacas con diferente parecer sobre estas 7 píldoras por el simple hecho de estar en la otra esquina del país?

    Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares. Intento que el público se distancie de la obra a través del contraste en los géneros. El choque entre el humor y el horror planteado en la obra hace que la gente tenga una reacción que coincide totalmente en los diferentes lugares donde se ha representado.

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    Boadella, Fonstseré…háblame un poco de personajes de la talle de ellos…¿!Qué ten han aportado?
    Boadella y Fontseré son clásicos indiscutibles de nuestra escena. Son referentes no sólo para mí, sino para la totalidad de la profesión. En mis textos me han influido muchos creadores, pero los montajes de Els joglars me encantan por ser la perfecta mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo, por su desafío constante a lo establecido y por una coherencia autoral envidiable.

     

    «Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares»

     

    Espacios donde tu obra cobra una dimensión potente, ¿dónde han brillado con más fuerza?

    Los textos están disponibles en 17 idiomas y se han hecho en multitud de países con lo cual tengo un buen número de montajes de los que puedo estar orgulloso. El de Teatro del Noctámbulo es uno de ellos, pero recuerdo también diversos montajes en Alemania, Croacia, Rumania y Suiza que me han impresionado.

     

    Entrevista Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Teatro del Noctámbulo |  Cartel. Bárbara Sánchez

  • 39 Festival de Teatro de Badajoz

    39 ediciones son muchas ediciones para un festival enteramente dedicado al teatro. Difícil encontrar en el país, un festival tan longevo y tan asentado en el panorama cultural. Los pacenses, los extremeños y los que cruzan la frontera con Portugal, o incluso el charco (Este año podremos disfrutar de una obra uruguaya)podrán sentir todas las emociones que desprende el aroma del teatro en estado puro.

    Resaltar la visita, casi obligada, en este año cervantino (IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes) de El Brujo y su obra Los misterios del Quijote. También pasarán por el emblemático Teatro López de Ayala actrices y actores de la talla de José Vicente Moirón, Pepón Nieto, María Adánez, Pepe Viyuela, Paca Velardiéz, Francis Lucas, Guillermo Serrano y Víctor Ullate.

    Muchas compañías extremeñas tendrán su hueco en la programación de este año, y los precios de las entradas y los abonos buscan fidelizar con el verdadero motor de las artes escénicas, el público.

    Sube el telón del teatro en Badajoz…

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    El amor brujo /  22 OCTUBRE / 21:00 h.

    Ballet de Víctor Ullate  (Comunidad de Madrid)
    Coreografía: Víctor Ullate
    Música: Manuel de Falla, Luis Delgado, In Slaughter Natives

    Sinopsis:
    Una revisión de la pieza que Víctor Ullate estrenó el 28 de mayo de 1994 en la Maestranza de Sevilla.

    Para esta nueva ocasión se estrenan escenografía y vestuario, buscando dar mayor protagonismo a la luz – el fuego fatuo- , presente en toda la trama. En esta versión se lleva a cabo una apuesta musical rompedora con la inclusión del grupo de dark ambience “In Slaughter Natives”, que se suma a los efectos musicales creados por Luis Delgado para la versión original y que conducen al espectador a una travesía entre la vida y la muerte, un viaje hacia el más allá.

    La obra, escrita por Falla a principios del siglo XX y de marcado carácter andaluz, ahonda en el misticismo gitano, acercándose al amor en su forma más primitiva y esencial. Cuenta la historia de Candela, una muchacha gitana, cuyo amor por Carmelo se ve atormentado por el espectro de su antiguo amante. Una historia de amor y pasión, de lágrimas y desconsuelo, de brujería y seducción, de muerte y de danza.

    La coreografía contiene momentos de gran belleza, como Canción del amor dolido, Romance del pescador o Canción del fuego fatuo. Cabe destacar que esta versión incluye tres canciones populares escritas por Manuel de Falla: Nana, Polo y Asturiana, además de una variación de Paco de Lucía para José el eterno amante.

    Una nueva versión de El Amor Brujo, distinto en sus formas, pero eterno en su esencia.

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    El Jurado /  23 OCTUBRE / 21:00 h.

    Autor: Luis Felipe Blasco Vilches
    Basado en ’12 hombres sin piedad’

    Director: Andrés Lima
    Intérpretes: Pepón Nieto, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez, Cuca Escribano, Eduardo Velasco, Víctor Clavijo, Luz Valdenebro, Usun Yoon y Josean Bengoetxea
    Compañía: Avanti Teatro (Madrid)

    Sinopsis:
    Un político acusado en un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Y un jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpable o inocente? ‘El Jurado’ de la compañía Avanti Teatro es un espectáculo bajo la dirección de Andrés Lima inspirado en la mítica obra dramática del autor estadounidense Reginald Rose.

    El motor del proyecto de ‘El Jurado’ es el convencimiento de que el sistema judicial español es víctima de la corrupción política. No es una cuestión de ideologías sino de honradez y vergüenza. En ‘El Jurado’, dos de los personajes tienen una ideología muy marcada, a la izquierda y a la derecha, y ambos desde posiciones opuestas coinciden en criticar las mismas debilidades del sistema. Tratamos de hacer un retrato social de la España de hoy. De sus excesos y nuestras miserias…

    Dicen que el verdadero poder de un pueblo soberano está en elegir democráticamente en las urnas a los políticos que le gobiernan. ¿Qué ocurrirá cuando sea el pueblo quien tiene que declarar culpable o inocente a la persona que hay tras el político? ¿Dónde acaba lo público y empieza lo privado?

     

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    Los misterios del Quijote – El Brujo / 24 OCTUBRE / 21:00 h.

     Sobre la obra de Miguel de Cervantes

    Versión, dirección e interpretación: Rafael Álvarez ‘El brujo’

    Sinopsis:
    Ilustres todos por méritos propios ,sobran, pues, razones de halago para aquellos que entregan días y noches a tarea tan ardua como “profundizar en la inmensa obra de Don Miguel de Cervantes Saavedra, aquel “Don Quijote de La Mancha” No es bastante leerla, comprenderla… hay que interpretarla, adaptarla, y escenificarla de tal manera que el texto fluya y regrese a este siglo con plena actualidad.

    Tras estos textos de lujo no hay sólo una labor de erudición (les aseguro que la hay), hay amor, humor y una búsqueda de lo esencial: la búsqueda de lo que es. O lo que pudo ser. O lo que, a lo mejor, terminan descubriendo que será.

     

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    El pequeño Poni / 25 OCTUBRE / 21.00 h.

     Autor: Paco Bezerra

    Director:  Luis Luque

    Intérpretes: María Adánez y Roberto Enríquez
    Compañía: Miguel Narros (Madrid)

    Sinopsis:
    Esta obra está inspirada en los hechos reales que tuvieron lugar en Estados Unidos durante el año 2014. Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo;  una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección;  un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

     

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    Mármol / 26 OCTUBRE / 21:00 h.

     Autor: Marina Carr

    Director: Antonio C. Guijosa
    Intérpretes: José Luis Alcobendas, Elena González, Pepe Viyuela y Susana Hernández

    Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

    Sinopsis:
    Art y Ben son dos triunfadores. Amigos de toda la vida, son profesionales de éxito, tienen una sólida posición económica, los dos están casados y tienen hijos. Un día, Art le cuenta a Ben, en tono jocoso, que ha soñado que se acostaba con Catherine, la mujer de Ben, en una habitación cubierta de mármol. La estupefacción de Ben se convertirá en desesperación cuando descubra que su mujer también lo ha soñado y que ella y su mejor amigo siguen compartiendo sueños en los días siguientes.

    En Mármol, el espectador ve cómo algo que en un primer momento era anecdótico va progresivamente destruyendo las relaciones entre cuatro personajes que creían tenerlas perfectamente controladas. Los cuatro protagonistas comienzan a reflexionar sobre las decisiones que han tomado y sobre las que han adoptado casi sin darse cuenta, pero los últimos reductos de seguridad saltan por los aires cuando Catherine se atreve a cruzar los límites…

     

     

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    No daré hijos, daré versos / 27 OCTUBRE / 21:00 h.

     Autora y directora: Marianella Morena

    Intérpretes: Lucía Trentini, Cristian Amacoria, Laura Báez, Agustín Urrutia, Mané Pérez y Domingo Milesi
    Compañía: Colectivo Teatro La Morena (Uruguay)

    Sinopsis:
    La obra se basa en la vida y la obra de la poetisa Delmira Agustini, una de las grandes figuras de las letras uruguayas que murió asesinada por su ex marido. Ella había irrumpido a principios del siglo XX con un pensamiento y una actitud frente al lenguaje contemporáneo.

    La obra está dividida en tres actos, cada uno de los cuales muestra un género y un lenguaje diferentes. En el primero, titulado «De la muerte a la vida», «los actores sobreviven en tres Delmiras y tres maridos -explica la directora-. Una poeta muere trágicamente en su juventud, pero su obra continúa. Después de la bala viene la vida».

    El segundo acto, «Hacia el realismo y la familia», «intenta reconstruir un espacio doméstico, armónico, las piezas y las partes donde deben ir, los roles, los personajes, los diálogos y las formas también».

    La obra viaja, en el tercer acto -«Hiperrealismo»-, a 2010 y a la época del Mundial de fútbol, cuando «una conocida casa de remates presenta a disposición del público el lote Delmira», explica Marianella Morena.

     

     

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    Contra la democracia / 28 OCTUBRE / 21:00 h.

    Autor: Esteve Soler

    Director: Antonio C. Guijosa
    Intérpretes: José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio

    Compañía: Teatro del Noctámbulo (Extremadura)

    Sinopsis:
    Contra la democracia son (siete obritas de “Grand Gignol”) 7 pequeñas obras que mezclan horror y comedia, 7 momentos tan extraños como próximos, 7 visiones surrealistas y contundentes sobre un engaño colectivo cada día más escandaloso. ¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad?

     

     

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    Kafka enamorado / 29 OCTUBRE / 21:00 h.

    Autor: Luis Araújo
    Director: José Pascual
    Intérpretes: Cayetana Cabezas, Fernando Coronado y Juan Carlos Arráez
    Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

    Sinopsis:
    Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo.
    Hoy, cuando todo producto artístico es un bien de consumo, una mercancía de compraventa, el trabajo de este autor es un aldabonazo que, tal como él pretendía, «abre extensas heridas en nuestra conciencia». Kafka enamorado intenta traer a escena la imbricación de su experiencia personal y su obra, el correlato constante de una en otra, ese espacio intermedio entre realidad y ficción, absurdo y lógica, que es la verdad del mundo percibida y expresada por Franz Kafka.

     

     

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    Encuentros casuales – Sótano / 29 OCTUBRE / 23:00 h.

     Dramaturgia y dirección: Francis Lucas

    Intérpretes: Francis Lucas y Paca Velardíez

    Sinopsis:

    Ésta es una historia muy sencilla, acerca de dos personajes tan normales como singulares. Ellos son Margarita y Antonio y nos contarán cómo se conocieron, gracias a una serie de encuentros embarazosos,  inoportunos  e incluso…¿por qué no decirlo? Surrealistas. Pero el tiempo, que no cura nada pero todo lo cambia, convierte aquellos momentos en episodios cómicos, y de ésta manera serán expuestos por sus dos protagonistas.

    *Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

    El horario de los espectáculos del sótano estará supeditado y podrá variar dependiendo de la finalización de los espectáculos que tengan lugar en la Sala Principal

    Duración: 55 minutos

     

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    El retablo de las maravillas / 30 OCTUBRE / 21:00 h.

     Autor: Miguel de Cervantes

    Dramaturgia y dirección: Francisco Negro
    Intérpretes: Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy
    Compañía: Morfeo Teatro (Castilla y León)

    Sinopsis:
    divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final, que sirve de retrato de los “pecados nacionales” de nuestros gobernantes, pasados y actuales. Todo ello enmarcado en un espacio escénico inspirado en la pintura de Picasso que da a la puesta en escena un inigualable contraste.

     

     

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    Danzad malditos / 31 OCTUBRE / 21:00 h.

    Basada en la película de Sydney Pollack ‘Danzad, danzad malditos’

    Versión: Félix Estaire
    Director: Alberto Velasco
    Intérpretes: Guillermo Barrientos, Carmen del Conte, Karmen Garay, José Luis Ferrer, Alberto Frías, Rubén Frías, Ignacio Mateos, Nuria López, Sara Párbole, Txabi Pérez, Rulo Pardo, David Sánchez Calvo, Sam Slade, Ana Telenti, Verónica Ronda

    Voz en off: Carlos Hipólito

    Compañía: Malditos producciones

    Sinopsis:
    En una época de colapso económico y terrible miseria, un grupo de personas de toda edad y condición se presenta a un maratón de baile con la promesa de que la pareja que más tiempo aguante ganará un premio en metálico. A lo largo de la competición, los once participantes tendrán que superar pruebas de azar, lealtad, resistencia, y poner a prueba sus límites físicos y mentales, frente a la atenta mirada del público, la presencia de un maestro de ceremonias y una misteriosa cantante.

     

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    Reikiavik / 1 NOVIEMBRE / 21:00 h

     Texto y dirección: Juan Mayorga

    Intérpretes: César Sarachu, Elena Rayos y Daniel Albadalejo

    Compañía: Entrecajas  (Madrid)

    Sinopsis:

    Ésta es una obra en que se juega a ese juego. Sus personajes principales -dos de los cuales se hacen llamar Waterloo y Bailén; el tercero tendrá que ganarse el nombre, si es que hay algún nombre disponible- se reúnen hoy para practicarlo como siempre y como nunca. Y entonces aparecen otros muchos: Bobby Fischer, Boris Spasski, el árbitro alemán, el guardaespaldas islandés, la madre de Bobby, la segunda esposa de Boris, las novias que Bobby no tuvo, cien niños despidiendo a Boris puño en alto en el aeropuerto de Moscú, Henry Kissinger, el fantasma de Stalin, el Soviet Supremo, el caballo negro amenazando al alfil blanco, los padres ausentes, los campeones muertos…

    Y también usted, también aparece usted

    Bailén y Waterloo -que han tomado esos nombres de derrotas napoleónicas- reconstruyen ante un muchacho el gran duelo de Reikiavik: el campeonato del mundo de ajedrez que allí disputaron, en plena Guerra Fría, el soviético Boris Spasski y el estadounidense Bobby Fischer.

    Bailén y Waterloo representan no sólo a Boris y a Bobby, sino también a muchos otros que movieron piezas en aquel tablero.

    No es la primera vez que Waterloo y Bailén hacen algo así, pero nunca lo habían hecho con tanta pasión. Porque lo que hoy buscan ante ese muchacho extraviado no es sólo comprender por fin qué sucedió realmente en Reikiavik, qué estaba realmente en juego en Reikiavik, quiénes eran realmente aquellos hombres que se midieron en Reikiavik. Hoy, además, Waterloo y Bailén buscan un heredero.

    Reikiavik es una obra sobre la Guerra Fría, sobre el comunismo, sobre el capitalismo, sobre el ajedrez, sobre el juego teatral y sobre hombres que viven las vidas de otros. Y es una obra sobre seres que me son más misteriosos cuanto más de cerca los miro.

    Tan misteriosos me resultan que, después de haber llevado a escena La lengua en pedazos –otra pieza sobre la santidad, la locura y el sentido de la vida-, sé que es Reikiavik la obra que necesito dirigir.

     

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    La especie dominante / 2 NOVIEMBRE / 21:00 h.

     Texto y dirección: Agustín Iglesias

    Intérpretes: Magda García-Arenal, Cándido Gómez, Mario Benítez y Nuqui Fernández
    Compañía: Teatro Guirigai (Extremadura)

    Sinopsis:

    Un catedrático de macroeconomía, una cajera de supermercado recién despedida, una pareja de limpiadores, una abogada madura despedida por la joven ejecutiva ambiciosa, un joven tiburón de las finanzas, dos vendedoras de unos grandes almacenes, un matrimonio disfrutando de los placeres del sexo y el dinero o un desesperado cincuentón llamando a una línea erótica son algunos de los dieciséis personajes de esta tragicomedia. Personajes que nadan por las turbulentas aguas de esta crisis que saca lo mejor y lo peor de nosotros mismos y que nos sitúa en un mundo donde, sobre todo, impera el poder del dinero.

    Siete  escenas y 16 personajes que surgen de las páginas de los diarios, de las voces de la radio, de las conversaciones a media voz de familiares y amigos. Sus rostros se encuentran en la prensa, en los medios digitales, en los reportajes televisivos, en los desconocidos con los que nos cruzamos a diario.

     

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    La última batalla – Sótano /2 NOVIEMBRE / 23:00 h.

    Autor: Manuel Tirado

    Director: Francisco Suárez
    Intérprete: Guillermo Serrano

    Sinopsis:
    El texto explora el sentimiento de desamor de una mujer, Clitemnestra, esposa de Agamenón, ninguneada, maltratada y abandonada por su marido. Al final lo asesinará, pero nadie, hasta esta noche, sabrá que hizo la reina en su aposento una hora antes de que volviera su esposo de la guerra de Troya. Las Erinias, diosas de la Venganza, escondidas durante diez largos años debajo de su cama, saldrán a recibirlo.

     

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    La vida secreta de Mamá / 3 NOVIEMBRE / 21:00 h.

    Autor: Concha Rodríguez

    Director:  Sergio Gayol

    Intérpretes: Esteban G. Ballesteros, Concha Rodríguez, Inma Pedros, Ángela Tomé, Miguel Pérez Polo, Sandro Cordero, Rubén Torres, Nuria Cuadrado y Carmela Romero

    Compañía: Estampa teatro (Extremadura)

    Sinopsis:
    Un matrimonio, totalmente independizado de sus hijos –todos viven en ciudades bastante distantes del nido-, viviendo en paz y plenitud, reciben una horrible noticia: Su repelente yerno, según ellos, opta con grandes probabilidades en dirigir la empresa en la que el suegro lleva trabajando toda su vida y entre semana vivirá en la casa familiar. Ante tales hechos, se ven obligados a revelar la vida secreta de mamá, en la que nada es lo que parece y en la que el padre queda en flaco lugar. Todo menos ser descubierto en su vida socio-laboral. Mentiras y secretos familiares saldrán a la luz, para lo que intentarán utilizar todo tipo de medios, hasta los más sobrenaturales. Jaque mate a una familia al descubierto.

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    El cuarto poder / 4 NOVIEMBRE / 21:00 h.

     Autor: Laura Olmo

    Directora: Laura Durán
    Intérpretes: Raquel Bravo, Inma Pedrosa, Sara Jiménez, Isabel Parejo, Sergio Rodríguez y Fulgencio Valares

    Compañía: Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura

    Sinopsis:
    Desde hace siglos actúan en nuestra sociedad tres tipos de fuerzas: el poder ejecutivo, legislativo y judicial. Neonato al lado de estos tres poderes aparece el cuarto: la prensa. Ésta ha ido tomando distintos formatos y encuadres desde su nacencia… ¿Tanto es el poder de los medios de comunicación en la actualidad? ¿Existe la verdad objetiva? ¿El poder nos corrompe? ¿Está el cuarto poder al servicio de los otros tres poderes o están éstos al servicio del joven cuarto poder? ¿Salimos en nuestro país de la situación de censura, miedo y sumisión de hace 60 años? ¿Somos la generación más aborregada de la historia? Son algunas de las preguntas que nos plantea la obra.

     

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    Julie – Sótano / 4 NOVIEMBRE / 23:00 h.

     Autor: Miguel Murillo

    Dirección y adaptación: María José Mangas
    Intérprete: Leonor Aunión

    Compañía: Mutedán teatro de Badajoz (Extremadura)

    Sinopsis:
    Julie, nos traslada al París de 1944, bajo la ocupación alemana en la Segunda Guerra Mundial. Un monólogo sobre el ser humano y su cobardía, la alegría de vivir y la lucha por el amor a pesar de todas las dificultades. Julie Morat, “la voz de cristal”, cantante del club Le Lion D’or de París, tendrá que pagar un precio por enamorarse de un soldado alemán, por lo que será juzgada de colaboracionista.

    Julie, nos hace amar, llorar, soñar, luchar… y nos traslada con sus ojos al cielo de nuestro París más personal. Julie es vulnerable y fuerte a la vez como el cristal, es del 1944, es actual, es eterna. Julie nos rejuvenece, nos emociona y hace despertar en nosotros la búsqueda de la verdad de uno mismo.

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    ENTRADA GENERAL: Butaca de patio: 12 € / Anfiteatro: 10 €

    ABONOS (11 funciones): 60 €  ABONOS CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX: 30 €

    FUNCIONES FUERA DE ABONO:  Sábado 22 de octubre  ‘El amor brujo’ / Domingo 23 de octubre ‘El Jurado’ /  Lunes 24 de octubre  ‘Los misterios del Quijote’   Butaca de patio: 20 € / Anfiteatro: 18 €

    DESCUENTO CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX:  Butaca de patio: 15 € / Anfiteatro: 12 €

    Precios funciones sótano:   Sábado 29 de octubre 23:00 h. ‘Encuentros casuales’  /  Miércoles 2 de noviembre 23:00  h. ‘La última batalla’ / Viernes 4 de noviembre 23:00 h.  ‘Julie’   Precio único: 10 € (Aforo máximo de 60 personas) /  Para estos espectáculos el público dispondrá de sillas no numeradas

    Espectáculos Festival Joven:  Martes 25 de octubre  ‘El pequeño Poni’   /   Miércoles 26 de octubre  ‘Mármol’  /  Domingo 30 de octubre  ‘El retablo de las maravillas’  /  Martes 1 de noviembre ‘Reikiavik’ /  Miércoles 2 de noviembre‘La especie dominante’ /  Jueves 3 de noviembre‘La vida secreta de Mamá’ / Viernes 4 de noviembre‘El cuarto poder’