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«Cosas que no te puedes perder en el Carnaval de Badajoz»

Comienza el Carnaval de Badajoz. Aunque a pocos días vista, realmente desde hace muchas semanas, ya se respira el ambiente y los previos de preparativos de la infinidad de eventos que se van a llevar a cabo. La gente acude en masa al concurso de murgas, y desde hace tiempo se ha vendido todo el papel en el Teatro López de Ayala. Los estribillos comienzan a ser pegadizos en las cafeterías y los canturreos vaticinan mucha guasa en las calles pacenses. Declarada Fiesta de Interés Turístico…Internacional!!!, el carnaval pacense se ha situado entre los más potentes de España. La mezcla del cante chirigotero de Cádiz y las imponentes comparsas tinerfeñas han hecho de este carnaval un fruto endémico con lo mejor de todas las fiestas. Fiesta tocando el suelo de la ciudad, para recuperar los inicios callejeros de la fiesta, improvisación y murgas reducidas para dar otro punto satírico al Carnaval. Las candelas ya han abierto la veda, las coplillas de las murgas ya resuenan en el Teatro López de Ayala, el resto lo ponemos los ciudadanos, ambiente y muchos disfraces para extraer el jugo a la gran fiesta de la ciudad.

Cada uno es libre de hacer lo que quiera con su vida…pero una vida sin pasar por estos 25 puntos del Carnaval no es la misma vida …. ¡Disfruten!

1. Disfrazarse, desdoblarse, caracterizarse, enmascararse, pintarse, maquillarse…

2. Tamborada. Pum, pum, pum…sonidos de los indios del carnaval, flechas directas al corazón de una gran Fiesta declarada de Interés Turístico Internacional

3. Las Candelas de la margen derecha de la ciudad o quemar el marimanta de Santa Marina. ¡Arden las cosas viejas! Aire fresco y olor a una nueva edición del Carnaval.

4. Buscar…tras arduas investigaciones en bibliotecas y archivos…los posibles plagios del cartel de Carnaval de Badajoz

5. Ver las preliminares del concurso de murgas…por taquilla, para abordar el Teatro López de Ayala o bien disfrutar por televisión, radio, internet o redes sociales…hacer una porra para adivinar los finalistas.

6. El Carnaval de Badajoz tiene tres pregoneros…el de los peques, el de la Exaltación y el de toda la vida, ese en que una o varias personas destacadas salen al balcón del ayuntamiento para dar el pistoletazo de salida a la gran fiesta…Sanguijuelas del Guadiana!!!

7. Rebuscar entre los armarios, trasteros y baúles para tener preparado disfraces para amigos, familiares y amantes que viene de fuera de nuestras fronteras carnavaleras. Competir con los mejores Joker, protas de la Casa de papel, bailar como un deshollinador o ser una Mary Poppins simplemente perfecta.

8. Buen momento para visitar el Museo del Carnaval…de momento y por desgracia de todos, sólo abrirá los días de fiesta…Un espacio único para conocer la historia de la fiesta…Antes de entrar recordar el callejero que acaricia el museo…la calle dedicada a un carnavalero histórico, Pablo Julio Martínez. No olvidarse del origen de nuestro Carnaval…la mejor manera para legitimar los días de disfrute y enterrar la competitividad que arrasa nuestras humildes vidas.

9. Ver las semifinales del concurso de murgas. Ya debemos ir conociendo los pegadizos estribillos…(cantar sin miedo)…hacer porra de la gran final.

10. Ser consciente de que no estás en el Sambódromo de Río de Janeiro…con estar cerca del río Guadiana nos vale.

11. Saber que el Carnaval de Cádiz mola y mucho, pero estás en Badajoz, misma fiesta, otra historia.

12. No estás en Santa Cruz de Tenerife, pero como si estuvieras.

13. Venecia cae lejos. ¡Por un Carnaval sin canales!

14. Gozar de uno de los tres mejores carnavales del mundo. No lo decimos nosotros…tampoco lo dice nadie…bueno sí…nosotros.

15. Carnaval de calle…de día y en familia…véase Parque de San Francisco o similares.

16. Carnaval de calle…de noche…(Sin familia. Opcional)… y como mínimo, con un antifaz.

17. Carnaval de calle…con las murgas callejeras, con las plazas y bares repletas de popurrís ácidos, burlones y cachondos.

18. Los peques también actúan. El futuro murguero está asegurado.

19. ¿A qué hora es el pregón? ¿Quién-es lo da-n? ¿Dónde? ¿Qué dirá? ¿De qué irá disfrazado?…me da igual….me encanta!!!

20. La gran final de murgas…baja y sube el telón…muchas veces…muchas emociones empaquetadas en letras barnizadas para el resumen del año en pequeñas, irónicas e inteligentes estrofas…Recordando a Toni Martín…

21. Atentos a los artefactos, mini islas móviles con el carnaval al volante. Suban, saluden, tomen un zumito o un bocadillo de lomo con ellos y recorran las calles de la ciudad.

22. Desfile de las Comparsas. Palabras mayores. Agrupaciones con cerca de 11.000 comparseros de la ciudad y localidades vecinas. Ritmos, coreografías, batucadas, tambores, ensayos todo el año para el gran día. Abran bien los ojos y no pierdan ningún detalle.

23. Visitar el bar la Buhardilla en la Plaza Santa María de la Cabeza. “El Bulli” del carnaval de Badajoz.

24. Capital mundial del desayuno…y ya por eso de no estropear la fiesta…una cervecita y seguimos con el Carnaval!!!

25. Acicalarse bien para el entierro de la sardina, o al menos adecentar un poco el disfraz para visitar el barrio de San Roque…llorar un poquitín y pensar que solo quedan 365 días para el siguiente carnaval.

25 de enero de 2025
Cultura líquida «La revolución pacífica de las catas en Extremadura»

Probar vinos de otras tierras sin salir de Extremadura es posible gracias a iniciativas que acercan la cultura del vino al público local. Paco Balsera, enólogo extremeño en Clos d’Agon, fue el protagonista de una de las catas organizadas en la tienda pacense de Bodega Santa Marina.

En los últimos años, Badajoz se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes del vino. Espacios como la Bodega Santa Marina, situada en pleno corazón de la ciudad, están apostando por un formato que va más allá de la simple venta de botellas: las catas. En estos encuentros, el vino deja de ser un producto para convertirse en una experiencia sensorial y cultural, donde los asistentes aprenden a degustar, comparar y comprender los matices que hay detrás de cada copa. Y es precisamente esa cercanía la que está transformando la relación del público extremeño con el vino.

Catas que acercan el mundo a Extremadura

En la Bodega Santa Marina, en Badajoz, se celebran con frecuencia catas que acercan al público vinos de distintas regiones de España y del mundo. En una de estas sesiones, el enólogo extremeño Paco Balsera, actualmente responsable técnico en Clos d’Agon, una prestigiosa bodega situada en Calonge (Girona), compartió su experiencia y su manera de entender el vino, guiando a los asistentes por un recorrido sensorial a través de diferentes variedades y estilos.

Clos d’Agon articula su historia en torno a la masía principal de la finca, Mas Gil, cuyos registros de viñedo datan del siglo XV. A finales de los años 80 comenzó la etapa moderna de la bodega, consolidándose como un referente de los vinos mediterráneos de alta gama, elaborados a partir de variedades como Syrah, Cabernet Franc, Merlot o Viognier, que expresan el carácter marino y mineral de la Costa Brava. Mientras tanto, en Extremadura, la tradición vitivinícola se ha desarrollado en torno a variedades autóctonas y suelos más continentales, donde los tintos suelen ser más maduros y los blancos más cálidos. “Cada zona tiene su alma”, comenta Balsera, “y lo fascinante de catar es poder apreciar cómo el clima, el suelo y la historia se reflejan en el vino.”

Del Guadiana al Mediterráneo: el camino de un enólogo extremeño

El recorrido de Paco Balsera hasta llegar a Clos d’Agon es una historia de curiosidad y reinvención. Ingeniero agrícola de formación, comenzó su carrera lejos del vino, pasando por el mundo de la hostelería y el diseño gráfico. Sin embargo, su inquietud por la tecnología y la naturaleza lo llevó a estudiar Enología y Tecnología de los Alimentos mientras trabajaba en la Confederación Hidrográfica del Guadiana. Tras unas prácticas en una bodega de Portugal y un breve paréntesis laboral, un compañero le propuso participar en una vendimia en Girona. Aquella experiencia, que parecía temporal, se convirtió en un giro decisivo en su vida profesional.
“Cuando llegué a Clos d’Agon —recuerda— supe que quería quedarme. Era como entrar en un taller de precisión, donde cada detalle cuenta y el paisaje lo impregna todo. Desde entonces, no he dejado de aprender.”

“El vino necesita cercanía, conversación y emoción”

Paco, ¿qué valor tienen las catas en tiendas o bodegas locales como Santa Marina?
Muchísimo. Es donde el vino se humaniza. Cuando el consumidor puede oler, probar y preguntar, deja de verlo como algo inaccesible. Además, en Extremadura hay mucha curiosidad y ganas de aprender. Traer vinos de fuera —como los de Clos d’Agon— enriquece y amplía la mirada de quienes disfrutan del vino.

¿Notas que el público extremeño se está acercando más al vino?
Sí, cada vez más. Aquí siempre ha existido buena materia prima y tradición, pero faltaba ese paso hacia la cultura del disfrute. En las catas se genera diálogo, emoción, interés. Nadie dice “yo no sé de cerveza”, pero con el vino aún hay timidez. Por eso estos encuentros son tan importantes: el vino no se impone, se comparte.

La cata como puente entre bodegas y personas

Actividades como las que organiza la Bodega Santa Marina contribuyen a crear una comunidad en torno al vino. Permiten que quienes viven en Badajoz puedan descubrir los aromas del Mediterráneo, los contrastes del norte o las texturas del Priorat, sin moverse de su ciudad. Además, suponen un impulso para el comercio local y una forma de dinamizar el consumo responsable, con educación, curiosidad y respeto por el producto.

La reciente Wine Experience celebrada en Badajoz ha demostrado que existe un público deseoso de aprender. Pero es en espacios como Santa Marina, con sus catas continuas y su trato cercano, donde esa pasión se consolida. Paco Balsera lo resume con una sonrisa:

“El vino es una excusa para conversar, para detenerse y disfrutar. Y si además lo haces en tu tierra, aún mejor.”

Willy López / Félix Méndez

12 de enero de 2025
«De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

“El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

…La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

11 de enero de 2025
Va de Bach: un gorila, Bach, y el poder de la imaginación en el 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz

En el 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz, la compañía Aracaladanza se presenta en las tablas de la ciudad para corroborar por qué es una de las más originales y queridas del panorama escénico español. Su nuevo espectáculo, Va de Bach, dirigido por Enrique Cabrera, transforma la música de Johann Sebastian Bach en una celebración del movimiento, el humor y la imaginación.
Lejos de la solemnidad barroca, esta pieza abre un portal donde un gorila gigante, una mano descomunal, títeres, y hasta ecos de The Beatles y Muse conviven con el genio alemán en un diálogo entre siglos, ritmos y emociones.

Una experiencia visual que rompe el clasicismo

En escena, cinco intérpretes —Carolina Arija, Lydia Martínez, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Jonatan de Luis— despliegan una coreografía que desborda alegría, precisión y libertad. Lo que podría haber sido una obra sobre Bach se convierte en una invitación a imaginar, en un universo donde el orden matemático del compositor se funde con lo imprevisible del juego escénico.

La escenografía, diseñada por Elisa Sanz, está llena de sorpresas: una mano gigante emerge del suelo como símbolo del poder creador; títeres y marionetas cobran vida como si fueran extensiones del cuerpo humano; pelucas barrocas flotan, objetos se transforman y globos “cantan” bajo la luz cambiante diseñada por Pedro Yagüe.
Todo respira fantasía, ironía y belleza visual. La escena deja de ser un espacio realista para convertirse en un paisaje mental, donde Bach, reinterpretado, se mueve entre la disciplina y el delirio.

El gorila que desafía la razón

Uno de los momentos más memorables llega con la aparición de un enorme gorila escénico, tan divertido como enigmático. Este ser peludo, que irrumpe en medio de la armonía perfecta, actúa como una metáfora de la libertad. Representa lo irracional, lo lúdico, lo que escapa a las normas.
Para Enrique Cabrera, “Bach es la estructura; el gorila, la imaginación. El arte ocurre en el punto donde ambos se abrazan.” Su presencia rompe el clasicismo de raíz: el animal gigante no destruye el orden, sino que lo transforma, lo humaniza, lo llena de ternura y humor. Es el contrapunto perfecto a la perfección del compositor alemán.

Bach, The Beatles y Muse: una partitura imposible

Aunque el punto de partida es la música de Johann Sebastian Bach, el espectáculo la reinterpreta con total libertad. El compositor Luis Miguel Cobo ha creado una banda sonora que combina adaptaciones barrocas con influencias contemporáneas: armonías de The Beatles, crescendos de Muse y texturas electrónicas que expanden los límites del clasicismo. De los Beatles toma la melodía y el humor; de Muse, la energía casi sinfónica y la teatralidad. El resultado es un collage musical donde el espíritu de Bach convive con guitarras, sintetizadores y voces humanas sin perder su esencia.

Sheila Blanco: el alma vocal del espectáculo

Entre los grandes aciertos de Va de Bach destaca la colaboración de Sheila Blanco, cuya voz aporta calidez y cercanía. La cantante, conocida por su proyecto Bach es Dios, convierte las composiciones instrumentales en piezas cantadas con letra, ritmo y emoción contemporánea.
Su intervención otorga una nueva dimensión al espectáculo: Bach se vuelve humano, divertido, incluso pop. Blanco actúa como un puente emocional entre siglos, llevando el lenguaje barroco al terreno del público actual.

La danza-teatro como lenguaje de libertad

Va de Bach es también una reivindicación del poder expresivo de la danza-teatro. Aracaladanza utiliza el cuerpo como instrumento narrativo: no hay texto, pero sí historia, emoción y pensamiento. Cada gesto, cada salto, cada caída contiene una idea.

La compañía demuestra que la danza puede ser teatro sin palabras, un lenguaje que comunica desde el cuerpo y la emoción. Los bailarines no solo ejecutan movimientos: interpretan, sienten, provocan, imaginan.
En un festival tradicionalmente centrado en el teatro de texto, Va de Bach representa la expansión de las fronteras escénicas, un ejemplo de cómo la danza-teatro puede reunir al público familiar, infantil y adulto en una misma experiencia artística.

Una escenografía que juega con lo imposible

La propuesta visual de Aracaladanza es uno de sus sellos de identidad. En Va de Bach, los objetos parecen tener voluntad propia: una mano gigante se abre como si fuera la del mismísimo creador; títeres se entremezclan con los bailarines en un diálogo entre lo real y lo fantástico; elementos del vestuario barroco se distorsionan, multiplican o desmontan en clave contemporánea. Esa mezcla de clasicismo y juego visual genera un mundo donde lo solemne se convierte en lúdico, donde lo académico se vuelve travieso. El público ríe, se asombra y, sobre todo, se deja llevar por la poesía del movimiento.

Bach para todos

La obra está pensada para el público familiar, pero su lectura es múltiple. Los niños disfrutan del color, los objetos y el humor; los adultos descubren una reflexión sobre la libertad creativa y la necesidad de imaginar.
En el marco del 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz, esta propuesta confirma la línea del certamen hacia la innovación, la diversidad y la emoción escénica.

El arte de sorprender

Cuando el telón cae, queda flotando una sensación de asombro y alegría. Va de Bach no es solo un homenaje a la música, sino una celebración del arte como juego, imaginación y libertad.

“Bach nos enseña que el orden puede ser bello. Nosotros solo recordamos que la belleza también puede ser divertida.”

1 de enero de 2025
José Vicente Moirón «Teatro desde las entrañas: potencia y elegancia en un escenario»

Los emigrantes tocan tierra firme, y desde el Quirinale los gritos engullen el tráfico romano. La chepa de Giulio Andreotti se estira desde tu tumba, Salvini hace inteligente a Berlusconi y a Bettino Craxi le han quitado su retrato del Senado. El Papa mira de reojo, a 1184 kilómetros del Vaticano rebosan los cuerpos salitrados muy cerca de una islita mediterránea. Mientras, las madres, al sur del Lazio siguen mandando desde la cocina, cocinan, a fuego lento, pasta e fagioli, cocinan y ordenan. Mandan coger limones para hacer licor, ejecutan con un chasquido de lengua el calendario a seguir. Un banquete de amantes amputados, barcos repletos de textos de Horacio, Ovidio y lanchas recogiendo obras de Shakespeare. Una aún no se ahogado, un paquebote que ha salido del puerto del Noctámbulo rescata a Tito Andrónico.

Nando López fiel a la versión, elegante y cercana a la mirada del espectador de este siglo, Antonio Castro Guijosa al mando del timón, rescatando un elenco potente de actores que nadan día a día entre olas de dramaturgias a precio de coste y tiburones de la industria. De entre ellos sobresale nuestro Tito, un tipo capaz de meterte en vena dosis de buen teatro desde el primer segundo. José Vicente Moirón. Su primera obra como actor Tito Andrónico, haciendo de Quirón, la última, la misma de Shakespeare pero al mando del papel con mayores aristas de la obra.

Cuatro Titos Andrónicos han desfilado por la arena del Teatro romano de Mérida, cuatro puestas en escena arriesgadas y dotadas de un contexto social muy diverso. 1957, la versión de José Tamayo con Adolfo Marsillach, en 1983 el fabuloso destilado de Manuel Martínez Mediero, en 2009 la animalada de Animalario, con Alberto San Juan en traje de chaqueta y Andrés Lima tarantineando salvajemente la obra, y diez años después, el extremeño José Vicente Moirón engullendo una pura y poderosa escenificación en este mundo artístico de contar historias sobre un escenario.

El escritor Leonardo Sciascia, pocos días antes de su muerte le entregó a su esposa, Maria Andrónico, un trocito de papel con la frase escrita a mano, explicándole que deseaba que dicha frase se escribiera sobre su tumba, pero rogándole al mismo tiempo que la aprendiese de memoria y que después quemase el papel… Nos acordaremos, de este planeta…Una tumba desfile para sus enemigos mafiosos, un epitafio misterioso cincelado a muy pocas millas de Lampedusa. Una conexión sibilina entre el poder, la familia, la traición y el olvido. Ingredientes elementales para continuar esta marcha fúnebre real que supera cualquier obra de teatro. De momento nos acordaremos del Tito Andrónico, del maravilloso Jose Vicente Moirón de este planeta.

Quién tengo delante, ¿A José Vicente Moirón o Tito Andrónico?

[Ríe]…estás ante José Vicente Moirón…yo dejo el personaje colgado en la burra del camerino cuando termino el ensayo. Me olvido, aunque siempre está muy presente en mí. Llevo mucho tiempo focalizado en este personaje, pero en el estudio del personaje, no en el texto de Tito Andrónico. En ese tiempo sí que me interesa saber dónde nace, dónde viene, qué mochila trae, qué le quiero aportar de nuevo al personaje, qué le tengo que dar con certeza…

…¿Tener que dar de manera obligatoria?

Tenemos que ser fiel a lo que ha escrito Shakespeare y sobre todo fiel al arco del personaje que representa Tito.

De Quirón a Tito Andrónico…un gran salto y círculo teatral que se cierra…

…[Ríe]…debuté profesionalmente con ese montaje, la primera vez que me pagaban por hacer teatro, estamos hablando de hace 33 años. En aquel momento yo me sometí a un rigurosísimo espectáculo que yo desconocía por la profesionalidad, con actores extremeños extraordinarios, y que tenían una trayectoria y experiencia que yo no tenía ni por asomo. Me encontré con una disciplina que no conocía, con mucha exigencia por parte de la dirección y producción y yo hice la mili en esa obra…[Ríe]…por entonces unos de los príncipes malos hijo de Tamora, que destroza a Lavinia y ahora ponerme delante de Tito me ha traído muchos miedos, porque tenía muchos recuerdos de aquel montaje. Por lo que significó aquel montaje y por la repercusión que tuvo. Pero asumir el personaje de Tito era cerrar una etapa…esperando que este no sea el final…[Ríe].

33 años luchando, actuando, buscando, con muescas en tu cuerpo y alma…

…Un viaje de mi carrera, una trayectoria que reúne una de las profesiones más hermosas pero de las más complejas, sobre todo de mantener. Yo he pasado por todos los estadios, de estar en lo más alto, en el Centro Dramático Nacional o en las producciones con Siracusa, a estar en el paro más absoluto, en la miseria más absoluta. He tenido que reflotar mi empresa porque el teatro que me ofrecían no me gustaba o simplemente porque tenía que vomitar otro teatro que quería desarrollar y no me ofrecían. Y de toda esa trayectoria si tengo que destacar algo es por la permanencia y la consolidación de la compañía. Teatro del Noctámbulo solo estuvo inactiva tres años por mi trabajo en proyectos en Madrid pero la compañía ha sido el verdadero acicate para agarrarme al teatro de textos comprometidos que estoy seguro que no hubiese hecho con otras compañías.

Este Tito Andrónico tiene mucha carga de ese teatro comprometido al que haces mención…una obra con aristas críticas, con sabores sociales y cargado de contenido.

Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer. Si nosotros nos quedamos solamente con lo brutal de las noticias fijaremos la mirada en ese momento exclusivo, pero los teatreros debemos mostrar esa realidad de una manera dura y directa, pero en clave de esperanza, buscando el trasfondo del teatro. Hasta el teatro menos político es irreverente y nosotros representamos obras ácidas y críticas, menos comerciales que adolece de grandes ventas pero tras ese teatro, está nuestro sello social y de trabajo dramatúrgico. No me apetece hacer otra cosa. Este Tito de Shakespeare trató mucho la lucha de poder y de la ambición que lleva a la decadencia política. Hoy estamos viendo continuamente a Shakespeare en las noticias, conflictos entre hermanos para arrebatar el poder. Ese es el conflicto de la obra.

Una obra del siglo XV, sobre el ocaso del Imperio romano e interpretada en pleno siglo XXI…una obra cargada de contemporaneidad pero fiel a la época del texto…de vigencia perenne…

…No es una obra que hemos querido acercar a lo contemporáneo de manera directa, donde conviven gestos de finales del Imperio romano con una pistola del 2019, y sin embargo no existe ningún anacronismo. Queremos que el espectador ni entre en una época no salga de la otra…[Ríe] La obra transita por un espacio que debe ser reconocible por el espectador.

Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer

No existen Titos Andrónicos en la política actual, y sin hacer spoiler ¿Qué lo hace diferente?

En el caso de Tito existe una característica irreductible y que es la idea del mal, uno de los temas principales de esta obra. No existen Titos Andrónicos como dices…[Ríe]…Tito se debe a la ley, es fiel a su pueblo y le otorga el poder al déspota, no sabe cómo han crecido Saturnino y Bassiano, ahí está su error, pero la idea del mal está vigente a lo largo de todos los siglos, Aarón, interpretado magníficamente por Guillermo Serrano, es el pergeñador de ese mal que nos hará reflexionar.

Dentro de esa crueldad, de lo volcánico del sus elementos, lejos de lo gore que puede resultar el final, ¿Qué detalles tiene esta obra que la hace diferente?

Nosotros no nos centramos en el canibalismo, en la dureza de las acciones, y no se trata de una obra inofensiva, es una obra de impacto, pero nosotros potenciamos el protagonismo de la poética y genialidad de la obra en sí. El texto asume todo el protagonismo, priorizando esa parte, donde el reparto de esta obra, con actores jóvenes pero muy preparados se apoderan de las palabras de Shakespeare como si fueran suyas. Perturbar la genialidad de esta obra con otros ingredientes carece de lógica. La obra es ambigua y misteriosa y eso la hace muy diferente.

Festival de Teatro Clásico de Mérida

El corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único

De comer bifanas en Lisboa a poder pedirte un bocadillo de jamón, muchos años en la senda del Teatro del Noctámbulo…

[Ríe]…puede resultarte un tópico pero Leandro Rey y yo en Portugal pasamos mucha hambre, y es un claro ejemplo de cómo creció el Noctámbulo, de la nada, de lo más bajo, poco a poco, con muchas ilusiones y en un estado del que no éramos conscientes de lo que queríamos hacer. Sí teníamos claro lo que queríamos reflejar, pero no el camino para llegar. Leandro y yo teníamos un lenguaje común…y muy poco dinero…[Ríe]…pedimos prestado dinero a los amigos de aquí para mantenernos allí. Con el primer montaje no conseguimos lo que queríamos pero con el segundo sí, conseguimos con Pedro y el Capitán de Mario Benedetti, con la dirección de Paco Carrillo, el Premio Honra 1998 en el Festival Internacional de Teatro de Almada. Un verdadero espaldarazo para a pesar de no ver un duro seguir creyendo en nuestro trabajo teatral.

Existe mucho trabajo previo para ponerte la máscara de Tito Andrónico, Áyax o Edipo Rey…cuéntanos lo que cuesta llegar ahí.

Hay mucho trabajo detrás. Además esta obra es larga, donde hay mucho texto, mucha acción, y eso exige muchos meses de trabajo sin descanso. Hay un estudio muy profundo del texto y del personaje, donde todos los días de ensayos se han optimizado al máximo para plantarnos en el escenario del romano en las mejores condiciones. Antonio Castro, premio Max este año, y con el que ya he trabajado en Contra la democracia ha currado día y noche para dirigir su primera obra en el Festival de Teatro de Mérida. Pero no sólo el director, el reparto, el equipo técnico y artístico se está dejando la piel. El tópico de llegar, ensayar un poco y representar la obra es un mito que carece de validez. Aquí no se ha escatimado en horas y esfuerzo.

Segundos antes de empezar la obra, y ya has actuado catorce veces en el Festival de Teatro Clásico de Merida, ¿Qué es lo experimentas?

Yo le llamo el embudo…[Ríe]…cuando salgo por la valva regia y ves esa especie de embudo humano, el público que se hace más amplio conforme miras hacia arriba…el corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único. Una vez que arrancas, que hablas y consigues poco a poco aclimatarte al espacio, a la luz, al espectador, al silencio, el actor comienza a emerger de una manera tan particular que la hace diferente a otros escenarios del mundo.

Festival de Teatro Clásico de Mérida 2025

Los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público

Tú te mueves por todos lados, mantienes relación con otras ciudades, otros países y muchos actores y gente del gremio, ¿Qué eco tiene este Festival de teatro clásico de Mérida fuera de nuestros límites?

Es uno de los festivales más importantes del mundo y su obligación es mantenerse, mantener la calidad obra tras obra y luego por otro lado hay que reconocer que este festival traspasa fronteras, se oye mucho en todos los circuitos culturales y yo como actor y extremeño me siento muy contento de que así sea.

¿Cómo está la salud del teatro?

Está como un toro, todos tenemos ganas hacer teatro, ganas de trabajar, con buenos proyectos, y la proliferación de nuevos espacios para el desarrollo teatral crea una competencia que te hace reciclar y buscar nuevas fórmulas para seguir creciendo. Las nuevas hornadas de actores y actrices vienen preparadísimos, la gran pega es que no contamos con los medios necesarios para sacar todo ese trabajo. Los actores y todo el equipo que genera una obra de teatro deben de cobrar, y cobrar dignamente. La programación también anda un poco resfriada, yo entiendo que un empresario quiera tener su teatro lleno, dentro del mundo privado pueden hacer los que quieran pero los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público. Tienen que generar la necesidad de que otros estilos convivan para ser sociales y plurales ante el espectador.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

1 de enero de 2025
Riki Blanco «La poesía que nos merecemos»

Riki Blanco es ese tipo de persona que te hace crecer las dimensiones de las pupilas en cuestión de segundos, un impacto visual, una hostia virtual, un puño en lo más encaramado del coco y ¡Pum!, dientes rotos, gafas partidas y mentón al bies. Y todo lo anterior provocado por la presentación de una imagen, de unos de esos artefactos poéticos con los que trabaja, nada de manos, nada de guantes de boxeo, la imaginación desbordante de una ilustración con límites físicos pero con un infinito universo de interpretaciones mentales. Nada de sangre. Mucho de Riki Blanco.

Riki Blanco es uno de esos creadores que te hace reflexionar, sonreír, vacilar, rodar, sudar, gimotear, emborrachar, acariciar, toda una métrica visual que, sin duda, nos merecemos. El autor catalán es capaz de plantear el tema más crudo del momento con una elegante y directa ilustración con, detrás o delante, muchos pliegues de enormes interpretaciones.

Riki hace muchas cosas y todas bien, incluso la de contestar un cuestionario burdo, una suerte de elegir tu propia pregunta a golpe de buen humor. Desarrolla su trabajo como ilustrador, tanto en el ámbito editorial, como en prensa, pintura, animación, escenografía, cartelismo y publicidad. Ha colaborado con editoriales tanto estatales como internacionales y ha ilustrado cerca de treinta libros. Colabora con numerosos medios nacionales (El País, El diario, El Mundo, etc.) e internacionales (New Yorker, Liberation, Variety). Entre los premios otorgados destacan el 2º premio nacional de ilustración 2007 y la selección The White Ravens 2007. Compagina sus trabajos con la docencia, la autoedición y proyectos creativos independientes.

Nosotros seguimos sin encontrar esos libros escondidos de La poesía que nos merecemos, su última joya publicada, que una vez hallados, debes pagar igualmente…pero tenemos el placer de contar con Riki Blanco por un rato para nosotros. A continuación te realizamos el famoso test del doctor Carlo Luigi Pompini, 20 preguntas que darán como resultado lo que tenga que dar y punto.

1. Háblanos de La poesía que nos merecemos..…o no. (Si no quieres responder a esta pregunta pasa directamente a la pregunta 4) (Si crees que debes hablar de lo bien que va la cultura en este país y fronteras vete a la última pregunta)

Primero de todo, buenos días. (pausa) Siempre es difícil hablar de algo, así en general. En una primera cita la parte más difícil es cuando la otra persona te pide que le hables de ti. Por ese motivo a las citas me llevo siempre a mis padres, porque yo no tengo objetividad y además estoy demasiado nervioso. Con un libro sucede justo lo contrario: La mejor forma de hablar de una obra es leyendo la obra. Hablar sobre ella es anularla, es un ‘mansplaining’ como una casa. Por ese motivo, en la contra del libro -dono se suele alabar el libro mientras se le trata como a un niño tonto- decidí escribir lo siguiente: Lo más sensato es que abras el libro por cualquier página, da igual la que sea, y si lo que ves te hace gracia, te ofrece una nueva perspectiva, te escuece o te pone triste, tal vez este sea el libro que te mereces.

2. ¿Por qué libros, porque seguimos editando libros? …recuerdo los anteriores, uno lo pude ver formato digital y otro crowdfounding (El camino más largo) me llego a la oficina sin saber qué carajo venía dentro (Como cuando ibas al videoclub y pillabas las pelis por la caratula fotocopiada), parece que lo digital es más efímero, hasta que no se edita da la sensación de ser un boceto…

…El devenir de la historia cambió drásticamente cuando en 1441, Johannes Gutenberg tomó con sus alambicados dedos un trocito de alambre, lo retorció en forma de ‘U’ y exclamó “Ahora las hojas ya no volarán cuando se abra una ventana”. Gutenberg acababa de inventar la grapa, y con ese pequeño utensilio para compactar las hojas sueltas, dio forma a lo que ahora llamamos ‘libro’. Ahora los libros llevan dos grapas (en ocasiones hasta tres) pero cabe recordar la importancia de la hazaña de Gutenberg, quien, por cierto, había inventado la imprenta un año antes. Hecho que muchas veces se pasa por alto y que no es baladí.

3. Tiempo, trabajo, maquetación, que implica la edición de un libro como La Poesía que nos merecemos.

Bueno, en esta ocasión he tenido una editorial detrás (Penguin Random House) que me ha echado una mano. Pero de todas formas, me gusta llevar el control de todo el proceso de edición. Aquí una foto de cuando estaba haciendo puzzles con las hojas sueltas.

4. Tus ilustradores más odiados. (Si NO tienes, aquí termina la entrevista, si por el contrario quieres tenerlos y acabar antes el cuestionario para a la siguiente pregunta)

Los ilustradores que menos me gustan tienen el denominador común que son todos unas excelentes personas así que prefiero no hablar mal de esos ineptos.

5. No sólo de la…cultura vive hombr@…portadas de libros, de dominicales, videoclip, tele… ¿cómo se lleva esta labor de estar presente en mil frentes para pagar el alquiler a fin de mes?

Utilizo las diferentes partes de mi cerebro para cada una de esas actividades. Esto es una ventaja pero también un inconveniente, ya que hay regiones -por ejemplo ‘Publicidad’ que no están neuronalmente conectadas con el habla y en ese caso no tengo más remedio que comunicarme con el cliente con gruñidos. O por ejemplo ‘Videoarte’, que lo tengo alojado en el lóbulo temporal, lo que hace que cree, una y otra vez, la misma puta videocreación. Las ventajas son evidentes: está todo organizado y no me lio.

6. Riki, se nos había olvidado, tus inicios, en qué momento decides dedicarte a esto…¿Qué tipo de comida en mal estado te provocó volcarte en el arte, la ilustración, el diseño, viajar de Barcelona a Madrid…?

Preferiría no hablar de mi infancia. No lo pasé bien en el orfanato ‘Francisco Ibáñez’.

7. Una portada de prensa de la que te sientas orgulloso. Imagen por favor

Esta, sobre pensamiento crítico, de La Vanguardia.

8. Una portada de libro de la que te sientas algo orgulloso. Una imagen por favor.

Esta es de las últimas que he hecho. Todavía no ha salido, así que solo enseñaré la imagen.

9. Una poesía visual de la que te sientas orgullo. ¡Imagen ya!

10. Un cartel de cine.

11. La bio de tu página web está en inglés, ese idioma aún no ha llegado a estas tierras, pero creemos entender entre líneas que trabajas para medio mundo, ¿Tiene la poesía visual, la fuerza de ser entendida en todo el planeta sin tener que poner una sola letra?

No diría que se trata únicamente de la poesía visual. La imagen, como tal, tiene esa habilidad. Un corte de mangas, por ejemplo, lo entiende todo el mundo. Si el gesto en sí, por lo que sea, no se entiende, sí lo hace el contexto y la intención.

12. En casa apareció La calle del fantasma, libro que ilustraste con Enric González, cuéntanos, la dificultad de dibujar, trazas líneas para otras edades como la infantil y que supone colaborar con gente como Enric, Solano, José Ramón Alonso, Olivares…?

Sí. Trabajé mucho en literatura infantil cuando era más joven. Debo recordar que pasé 14 años en el orfanato ‘Francisco Ibáñez’ donde nos obligaban a esa actividad. Del estilo ‘Mortadelo’ pasé al estilo ‘Filemón’ y cuando acabé mi formación/condena me pasé al álbum infantil ilustrado. Es una actividad a la que le he dado un descanso. No siento que esté preparado ahora mismo.

13. Descansito. No hay preguntas.

Sí.

14. Recortes de otras entrevistas…¿Humor triste?

Sí. Muy triste y muy gracioso y a la vez muy triste. Mira:

15. Recortes de otras entrevistas…¿Tus potentes imágenes no son lo más importante?

Lo más importante es vivir.

16. Recortes de otras entrevistas?…¿Qué NO puedes aportar en tus ilustraciones?

Sonidos, secuencias, literalidad..

17. OVERdose, sobredosis de todo, no hay tranquilidad para entrevistar, todo vale, todo rápido, pero intentamos hacer las cosas con pausa, con media copa de vino, con risas largas y sobre todo escuchando a todos…¿Dónde nos llevará esta celeridad en todo, en los medios de comunicación, relaciones personales, cultura…?

Me da un poco de esperanza que hables en futuro, porque para mí el déficit de atención, la impaciencia, la cultura del clickbait, la falta de comprensión lectora, la inmediatez, la mediocridad, y la infantilización de todos los ámbitos, está sucediendo desde hace un tiempo. ‘La poesía que nos merecemos’ mi último libro de autor, en el que el humor gráfico y la poesía hacen cucharita, habla mucho de eso. De hecho, el título hace referencia a una suerte de revancha. La poesía que propone es una respuesta natural a un mundo sensiblero e insensible, a un momento de sobreexcitación y agotamiento. No sé por qué antes no hablé del libro…

Pensé que habría más ocasiones para hacerlo, pero veo que se acaba ya la entrevista y no he dicho nada. Justo ahora que estamos al final y que muy poca gente habrá llegado a leer hasta aquí. ¿Ves? La gente ya no aguanta una entrevista entera. Espero que hayas usado imágenes del libro para facilitar la lectura. Lo edita Reservoir Books. ¿Lo había dicho ya? Creo que sí. El libro está francamente bien. Propone ideas aparentemente sencillas pero que esconden un hilo de pensamiento más profundo. Se puede comprar en librerías o en internet. Es muy de reír y de pensar.

18. ¿Cuándo vas a colaborar con nosotros?

Sí.

19. Gracias por…

Por?

20. …todo.

Ah! nada, a ti! Un abrazo.

Entrevista. Willy López | Ilustraciones. Riki Blanco

24 de septiembre de 2024
Javier Cercas «La mitad de un libro la pone el autor, la otra mitad el lector»

Seguir a Javier Cercas es bucear en cualquier cuento de Borges. Acoplar las piezas del puzle de la obra del escritor extremeño es más sencillo que hacer de agrimensor para Kafka. Hablar con aquel niño que exiliaron con cuatro años de Ibahernando es un ejercicio de obligado cumplimiento para todo lector enganchando al cocido universal que en su día cocinó Cervantes con un tal Don Quijote.

Los pregones literarios suelen abarcar un universo infinito de citas sobre esa extraña droga que supone leer o escribir un libro. Benito Pérez Galdós y un texto robado de su Fortunata y Jacinta pueden resumir la batería imaginaria de divisas literarias; Vivir es relacionarse, gozar y padecer, desear, aborrecer y amar. La lectura es vida artificial y prestada, el usufructo, mediante una función cerebral, de las ideas y sensaciones ajenas, la adquisición de los tesoros de la verdad humana por compra o por estafa, no por el trabajo. Los pregones sirven para hacer de Unamuno y su San Manuel Bueno, mártir, el motivo de una profesión, una literatura como encuentro de certezas y dudas.

Los libros nos han acompañado en tiempos de pandemia, un título de por sí, que puede servir para un best seller pero que en realidad, se ha convertido en una afirmación agridulce, una maldita errata que nos ha marcado en la ficción de nuestras vidas. Una tabla de salvación que recordaba, la cultura en definitiva, esa herramienta universal que nos ha servido de medicina natural para salvarnos por momentos. El escritor un personaje siempre confinado siempre listo para narrar historias, una forma de leer de manera más encarnizada.

En esa línea, se trazan los pregones literarios, en acomodar nuestras lecturas en futuras ventas para los libreros, nuevas historias, nuevas compras, nuevos lectores. Ese círculo tan maravilloso que van enganchando al personal. Pero ya hemos dicho que seguir a Javier Cercas es seguir a la literatura, inabarcable. El escritor chileno Roberto Bolaño rescató a Cercas del olvido editorial, lo pescó de ese limbo de autores, para bien de la literatura española. Soldados de Salamina fue para el Premio Planeta la carta de identidad que corroboró con creces la apuesta de Bolaño.

El placer de la literatura

La literatura es un placer, un placer que da conocimiento, lo mismo que el placer sexual. La literatura es una forma de vivir más, de vivir de una manera más compleja, más rica y más intensa. Cuando alguien me dice que no le gusta leer…lo único que se me ocurre es darle el pésame.

Feria del Libro. Mitades de un libro

Este tipo de eventos sirve para acercar los libros a los lectores, ver a los escritores extremeños en los carteles que decoran la feria, y a la que la inmensa mayoría no conozco, aquí en la calle como si fueran futbolistas, me parece fantástico. También la feria del libro sirve para acercar los lectores a los escritores, no hay literatura sin lectores. En Terra Alta, mi última novela, hay un personaje que dice la mitad de un libro la pone el autor, la otra mitad el lector, y eso es así, ya que un libro es una partitura y es el lector el que interpreta esa partitura y cada lector la interpreta a su manera.

Un libro es una partitura y es el lector el que interpreta esa partitura y cada lector la interpreta a su manera

No se puede obligar a leer

Aquello de que la literatura es una obligación no es correcto. Aquel que no quiera leer que no lo haga. La literatura obligatoria es un oxímoron, las lecturas obligadas se convierten en una contradicción cultural. Quien no quiera comer jamón extremeño o no quiera practicar sexo no sabe lo que se pierde, pero sería un error obligar a hacerlo.

Cada lector es un mundo

Ahora se está rodando una película de una novela mía, Las leyes de la frontera, con el director Daniel Monzón, y cuando, me preguntan si vamos a ver en la pantalla aquello que han leído, siempre les digo que eso es imposible, porque lo que usted ha leído solo lo ha leído usted. Cada lector crea su propio libro, esta es la magia de la literatura. Lo peor que puede hacer un escritor a mi edad es repetirse o convertirse en imitador de sí mismo.

Soy un caníbal, devorador de libros, un animal carroñero

Nostalgia de la tierra

Soy un escritor porque soy un desarraigado. Si no me hubiese marchado, en esa diáspora de los 50 y 60, no sería lo que soy ahora. Lo he dicho y lo diré siempre, si lo dice mi madre es que es así. Algún presidente de la Comunidad extremeña me ha recriminado por ello, diciéndome que hubiese sido escritor en la tierra igualmente. Creo que no. Sufrí entre comillas una emigración privilegiada, por mi edad y por la situación familiar, nosotros podamos comer algo, la gran mayoría no tenía para llevarse nada a la boca. Fue mi madre la víctima, la que hizo de jefa del consulado de Ibahernando en Cataluña, la que se llevó todos los recuerdos en una maleta. Me siento muy querido en Extremadura, la gente me quiere mucho porque no me conoce, de cerca soy otra persona [Ríe]…pierdo mucho.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

15 de agosto de 2024
20 temazos extremeños y una canción desesperada…

Este Jesucristo García, de los Extremoduros (En plural) según los infógrafos catalanes de Plastic, ahora sería un video inimaginable para la televisión. Allá por el 90, Robe Iniesta y su banda decidió dejar claro que el rock de calidad puede nacer en cualquier pueblito del mundo, en esta región el amor-odio de la mejor banda extremeña nos ha acercado-alejado de un Iniesta fiel a su forma de entender la vida, a veces desfasada, otras tantas vitales, líricas y críticas.

Los montijanos hacen (o hacían) lo que quieren, y lo hacen (o hacían) muy bien. Hilamos las vivencias propias de Los Ganglios, donde justamente pasan (o no) de copiar a grupos como Extremoduro…son extremeños y tienen derecho a meter buitres negros en una canción. Pura diversión, pura imaginación, aire fresco en el panorama musical, que como casi siempre se aprecia más fuera de nuestras fronteras.

Hay canciones que para el Gene se deben cantar siempre en inglés, aunque sea un inglés troglodita. Aquí un claro ejemplo, rock sureño de Los Inlavables desde el sur de la región. Un pedazo de video para una pedazo de canción de esta mítica banda.

Qué decir de Chloé Bird. Compone, canta, dirige, baila, mirrea…un portento musical que demuestra su elegancia con canciones tan potentes como ésta.

Y cosas de la vida…una banda extremeña que hace virguerías con instrumentos y una «pazo» voz y el reconocimiento pasa inadvertido. Darksound podrían seguir sonando de lujo en cualquier escenario… y como dice su cantante Pedro Wichard…Para los grupos que hacemos música rara es una putada poder abrirse paso.

Ha muerto Porrina de Badajoz. Fue una de las personalidades más relevantes en el cante flamenco. Titular de El País el 19 de febrero de 1977. Está todo dicho, o no, de vez en cuando hay que recordar que es uno de los mejores cantaores flamencos que ha dado luz este país. El marqués marcó un estilo inconfundible, por su voz, sus versiones, sus palos, su forma extravagante de vivir y por guiar entre otras cosas, a todo un Paco de Lucía, como se debe rasgar un fandango.

Amadrinados, bendecidos, ruralizados, por Carolina Yuste. Aire fresco, necesario para desempolvar la tierra y orear la región. Jartitos del agua del Guadiana, dejan que otros se empachen con su música, esa que te saca la sangre sin darte cuenta, como una sanguijuela.

Arquitectura musical rayana…Acetre, el grupo de folk que más ha sabido expandirse y adaptarse a todos los públicos sin perder un ápice de sus orígenes. Reinventándose continuamente y aportando 40 años de buen rollo.

Qué bien suena este disco de Enrique Tejado. Jazz en letras mayúsculas. Contrabajo a lo Mingus y un momento de madurez increíble para este cacereño.

Tam Tam Go…Desde que eran muy niños, los hermanos Nacho y Javier Campillo, cuando vivían a caballo entre Londres y Badajoz, soñaban con vivir de la música. En Londres, sus padres les enseñaron a descubrir los mejores sonidos del pop-rock anglosajón. Mítica Espaldas mojadas para nuestros oídos.

Autodidacta, guitarrista zurda, letrista, rockera, countricera, blusera, talentosa y potente artista…y extremeña, del barrio de San Fernando de Badajoz. Descubran lo que otros fuera de este país ya saben desde hace años; Susan Santos

Salimos ganando, del Desván del Duende han nacido dos flores nuevas, los chicos de Divan du don y el bicho todoterreno de Duende Josele. Buenos recuerdos y buena música.

Simplemente Bebe…y a respirar

Lo que le gustan a los Estopa el cine, actuar en sus videos, chulear de guitarra y perilla, muchos cintas del videoclub aún que pagar en pesetas…con aroma a siberia extremeña.

Con el Afromeño de Perroflauta recopilamos a grandes autores como Gecko Turner, Markos , Bayón, César Gonzalez o Diego Antúnez. Antes del limón en la cabeza del señor Echave se gestó este gran proyecto.

Acción Rock Band fue una banda extremeña procedente de Badajoz y formada a mediados de los 70. Su formación inicial estaba integrada por Toni García (batería), Ricky Bartolomé (guitarra solista), Willy Fuertes ( guitarra), Pablo Asensio (bajo), y Edu Martínez (Voz). Diego González y Luis Mangas, entraron en Acción Rock Band, en el 76, después de varias formaciones.

En el 78 entra al grupo Enrique Fernández Medina como cantante y José María Casado (Librería Universitas) queda impresionado por la actuación y decide apoyarles para grabar un disco. “Colores” lo tiene todo. Canción que en cualquier otro país sería un himno. Y Henry, padre de otros dos grandes músicas, Cira y Ulises, en el recuerdo de todos.

Se nos olvidaron en la primera lista, pedimos disculpas. La cercanía generacional no hace ser crueles de manera irracional. Musicazos. De esos de falda escocesa y acento extremeño. Artistas grandes con su propia banda, y haciendo aún más grande a otros. Con letras desenfadas pero críticas y pegadizas, ya no tan pequeños pero siempre serán Los Niños de los ojos rojos, chuleando de comarca.

Aquí ya peinamos canas, y escuchar un tema, a estas alturas regetoneras, que te haga cosquillas y te salga alguna lagrimilla recordando a tus bandas de rock, y cuando nos referimos a rock, hablamos de rock, no de música enlatada y de simulacro de postureo, nos emocionamos. Ya está, lo decimos, son nuestro ojito derecho, esa llamita que aún desprende la pevesita de la música hecha con rabia y gusto. Larga vida a los The Black-Suited Ladies (Por favor, profesores, no le metan mucha caña en la Universidad para que sigan ensayando y ellos también, sigan metiendo caña.

Swing Ton Ni Song. Hace diez años se formó esta banda, para según ellos, recuperar las raíces del jazz, swing y el Dixieland de lo saños 20-30 del pasado siglo, al más puro estilo de New Orleans, haciendo de sus conciertos un show divertido, elegante, simpático y cercano a todos los públicos. Pues lo han conseguido, y con creces.

Otro delito tipificado que cometimos, no meter a Julien Elsie en la lista. Son de esos tipos que no dan la lata con promos, redes sociales, egolatrías musicales…y eso…no le pasa factura, al contrario…le sigue haciendo genuino. Temazo y gran videoclip de otra gran artista (Mónica Agudo de Los Subterráneos, otra gran formación).

Bolsa de moscas. Aire fresco en el panorama musical, banda que toca al fresco, sensaciones melómanas al chupar un Fresquito o alegato a la frescura de hacer los que les apetece. Con este trampantojo de Ray Harryhausen, nada más que te queda pegar botes.

Neofolklore, eletrojota, candilperformer…¡qué más da! Es un pedazo de músico, jotero, artista y encima de chuleo por todo el país. El Gato con Jota dan ganas de ponerse un refajo, un jubón, unas enaguas y una gorra de Montehermoso.

Hemos encontrado el motivo por el que cancelaron el concierto del bueno de Luis Pastor y su hijo. Si este video le llegó a esa pseudo comisión algo de razón tienen…esta rara avis es solo un resquicio de la época, donde Miguel Bosé hacía de las suyas y el cantautor de Berzocana dejó de ser de Vallecas por seis minutos.

Redacción. Cultura Overdose

2 de junio de 2024
Dulce Pontes «El silencio es la música que más aprecio»

Ni es Amalia Rodrigues ni tiene el corte de pelo de Mariza, tampoco su música suena a Cesária Évora ni tiene el jondo en sus cuerdas de Estrella Morente, no es una fija de las banda de Ennio Morricone ni tampoco escribe como Bob Dylan, no acostumbra a cantar con Caetano Veloso ni es dada actuar con Celia Romero ni con la Orquesta de Extremadura. Es Dulce Pontes y hace lo que le parece con su música. 30 años dan para mucho, entre ellos cantar con todos los nombrados al inicio, la canción portuguesa como visado.

Vem saber se o mar terá razão…vem cá ver bailar meu coração y zas Dulce Pontes hace retumbar el escenario. Canción de mar para el público y para la banda sonora de muchas películas. Antes ha materializado una de sus costumbres, estirar la espalda apoyando las dos manos firmemente sobre una pared. La muralla que sujeta el intramuros de la ciudad aguanta su saudade y destensa los nervios.

Estar delante de Dulce supone estar delante de un trozo enorme de música. Cuesta mantener el tipo ante la historia viva de la música portuguesa, de la tradicional, que nació cuando Portugal decidió abandonar el ego conquistador y dejarse arropar por el mar y hacerse fuerte como un panal en el hueco ibérico que dejó la frontera con España. Allí es donde hace tiempo Dulce Pontes ha sabido moldearse al sonido de los barrios urbanos en forma de fado, al canto alentejano sin un instrumento de por medio y a los sonidos de colonias de ultramar, llantos caboverdianos, riffs samberos y colores indios.

Lo que importa es sentir el fado. Porque el fado no se canta, acontece. El destino se siente, no se entiende ni se explica. Amalia Rodrigues.

¿Qué significa para ti el fado y el flamenco?

Yo no canto solamente fado y esto se sabe de ante mano. Unir fado y flamenco viene de lejos para mí, me resulta muy familiar porque estuve de gira con mi querida Estrella Morente. Fue un verdadero aprendizaje, escuchándola y viendo hablar de genealógica del flamenco, compartiendo maestros como compartimos durante esa gira. Ese acercamiento me resulta muy natural, Celia Romero hace años y ahora la Orquesta de esta región.

Dices que no solo haces fado, que está en tu repertorio pero lo diferencias de la música portuguesa…

…El folklore tiene distinto género, son canciones relacionadas con el trabajo de la tierra y animales de fiesta digamos también después de la cosecha…

…En el documental de Alentejo, Alentejo, Sérgio Tréfaut recoge estos cantes alentejanos y podemos descubrir que no solo hay fado en Portugal.

Sí porque está muy poco divulgado, bueno, Amalia Rodrigues lo ha divulgado porque ella lo cantaba, cantaba muchos temas de folklore pero lo cantaba con alma de fadista porque no había fadista mayor que ella y nunca lo habrá. Siempre hay una clave muy importante en el trabajo que Zeca Afonso que ha construido lo que yo considero la música popular portuguesa, ha sido un visionario, todo lo que ha escrito y compuesto y lo que iba también a buscar en el alma del folklore. Zeca ha investigado muchísimo y también ha cantado lo que hoy se llama canción de Coimbra, antes se llamaba fado de Coimbra, la música medieval galaica portuguesa que también me gusta mucho. Luego me apasioné por la nacionalidad porque tiene mucho que ver con el folklore portugués. La nacionalidad de algún folklore, de Argentina por ejemplo, de Portugal se conoce el fado, de España el flamenco, de Argentina el tango y cuando hay una paleta de géneros tan grande y potente de distintas regiones y países a veces sólo nos quedamos con la más impactante. Pero detrás hay muchas ramas que han formado ese cante famoso.

“La desnudez es necesaria cuando uno intenta conectar o llegar un poquito a sí mismo y tocar un poquito el cielo digamos, el divino, el que no se alcanza”

De “Lusitana” en el 1992 al Peregrinação del 2017, con mucho trabajo antes y después de esos discos…30 años dan para mucho…‎

Se puede describir poéticamente, de manera más entrañable y todo a través de lo que ha rodeado mi música, no sólo los discos y colaboraciones. Es un camino espiritual porque así considero mi función en la música, la desnudez es necesaria cuando uno intenta conectar o llegar un poquito a sí mismo y tocar un poquito el cielo digamos, el divino, el que no se alcanza. El peregrinaje, eso es lo que busco, pensar en ese concepto para la música, que necesita una aventura que no puedes imaginar y a partir de ese momento, es como si el propio trabajo caminara con sus propios pies. No sé decírtelo de otra manera, con los encuentros, con personas distintas, con los argentinos Jaime Torres o León Gieco, músicos que participaron en mi disco también…un viaje desde mi Lusitana y mi Peregrinación.

Has actuado en todos los escenarios imaginables del mundo, pero ¿Dónde te sientes más a gusto realmente para hacer música?

Curiosamente, y no porque actúe aquí, un sitio muy especial para mí es Badajoz, aunque existen espacios verdaderamente increíbles para cantar. Concentrar toda la energía en cada momento y dar lo mejor de mí cada día es lo más importante de mi vida como artista. El espacio no es tan vital. La música te puede transportar a cualquier sitio.

“Curiosamente, y no porque actúe aquí, un sitio muy especial para mí es Badajoz”

Hablas de Badajoz como un sitio especial, ¿Cómo te acoge el público extremeño? ¿Qué esperas de los espectadores de la frontera hispano lusa?

No pienso en eso, espero estar totalmente libre, despierta y conectada para transmitir en su totalidad lo que quiero para la gente y lo que siento. Nunca voy pensando cómo va a ser, si a la gente le va a gustar o no. Lo hago con todo el amor que tengo dentro, no lo predispongo en mi cabeza, puede ser un mecanismo de defensa ¿no? Quiero estar conectada con la gente, los quiero abrazar y los quiero sentir, Badajoz y este festival me hace sentir así…

…Una canción que pones cada mañana cuando te levantas, una canción que te acompañe siempre…

Los pajaritos que cantan por la mañana me encanta…[Ríe]…y el silencio, esa es la música me encanta. El silencio es muy importante para mí, por la mañana no empiezo escuchando música, luego más tarde por la noche me pongo a escuchar a Amalia, Stéphane Grappelli, música clásica, pero antes el silencio.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez | Ayudante de redacción. Marta Antúnez

8 de abril de 2024
José Mercé «La verdad del flamenco está en la emoción»

Si te acercas muy despacio, a altas horas de la madrugada, con sigilo, respeto y reverencia a la estatua del cantaor Porrina de Badajoz, podrás escuchar levemente, casi en susurro, una de la coletillas más características del maestro, casi en sordina, si te arrimas a su boca, rozas el clavel y acompañas con tu mano la clásica acaricia al aire al ritmo de su jaleo, tendrás la divina fortuna de sentir el calabacín calabazón y esos bichitos que mataba él para rematar el tanguillo, que tanto gustaba paladear entre palmas. Y entre palmas y aire, otro tocado por la varita del cante nos concede una entrevista, José Mercé. El gaditano se acomoda en el sillón, los rayos del sol cruzan el ventanal y el humo se cuela entre su siempre sonriente boca y las virutas se confunden con su cabello cano…me guiña un ojo, se pone las gafas y charlamos del frenético pero mundanal ritmo de vida que lleva, recorremos un viaje de ida, con un billete de vuelta aún sin comprar, de la antología del flamenco y de la presencia sigilosa que tiene esta cultura musical en Badajoz.

No es la primera vez que vienes a Badajoz…

…Afortunadamente no, vengo desde muy jovencito, un lugar donde siempre se me ha tratado bien, me acuerdo de mucha gente que ya no está y que hicieron mucho por el flamenco en Badajoz.

Y hablando de gente que no está ya presente, en la sexta edición del Badasom ocupaste la misma silla que el maestro Paco de Lucia

…para mí fue un honor grandioso, viniendo del maestro de la guitarra de todo el mundo…dicho por los mismos guitarritas…estaremos en deuda con él, ha hecho mucho por el flamenco…y el toque especial fue que la actuación se la dediqué a Paco.

“Es necesario conocer la base de esta música, sin crear confusión y sin abusar de la palabra flamenco para vender humo”

Dentro de tu música, tienes la capacidad de acercar la ortodoxia del flamenco con todo tipo de influencia heterodoxa al público menos entendido

…me encanta ese apartado de lo que hago. El flamenco se puede engrandecer con todas las músicas, lo importante es acercarlo al flamenco y sobre todo…que suene a flamenco… (Ríe)…hay temas que me encantan como Clandestino de Manu Chao o la versión de “Al alba” de Aute, canciones que dicen mucho y que afortunadamente he podido transmitir con este género acercando el flamenco a los más jóvenes de esta manera. Me enorgullezco escuchar cuando el público dice que José Mercé ha arrimado el flamenco a la gente joven de este país.

¿Y en qué momento, cuándo surge la idea de aproximar diferentes géneros musicales con el flamenco?

Yo diría que en el año 96, desde que contacto con el maestro Vicente Amigo y en el 98, grabamos el disco “Del Amanecer”, un antes y un después, en lo personal y en lo musical. Empezamos por lo menos a refrescar el flamenco, y a partir de ahí luego con Isidro Sanlúcar con “Aire” que es el disco más vendido del flamenco entre vivos muertos. Es el único doble de platino, algo que no ha ocurrido nunca. Yo cogí una generación nueva que no había saboreado nunca el flamenco y supo hacerle ver lo que es una seguidilla o soleá.

…quizás de ahí viene la necesidad de crear una antología del flamenco para dar a conocer todos los palos y extraer la raíz de esta cultura…

Exactamente, lógicamente hay que hacerla…una recopilación para los futuros artistas y es que desde la antología de cante que Antonio Mairena no se ha vuelto a realizar un trabajo parecido. Creo que sería lo más vanguardista en este momento, rescatar a un cantaor, dos guitarras y unos palmeros supone un viaje al pasado fantástico, supone volver a la realidad de la esencia del flamenco. Es importante jugar con la fusión, pero para llegar a manejarse en otros géneros y mezclar diferentes ritmos es necesario conocer la base de esta música, sin crear confusión y sin abusar de la palabra flamenco para vender humo. Eso sí que es peligroso.

“Aire es el disco más vendido del flamenco entre vivos muertos…es el único doble de platino, algo que no ha ocurrido nunca”

¿Dónde te encuentras más a gusto para conectar con tu música? ¿Un tablao pequeño o en un teatro?

Siempre me siento muy cómodo en el teatro pero donde más relajado estoy en el cuarto de los Cabales con tus amigos sin responsabilidad ninguna…(ríe) …y cantas lo que te da la gana.

Dime una canción que suponga un sello personal

Yo tengo un himno, y que es “aire”…para mí hay palos como las seguidillas, las soleás, o las bulerías y existen temas como el que nos hizo Alejandro Sanz para mi guitarrista Moraíto que a Javier Limón y a mí nos hizo mucha ilusión musicalizarla. Homenajes de gente que han estado muy cerca de mí y han desaparecido, pero que ha quedado su maravillosa manera de hacer música.

Quizás tu manera de hacer flamenco viene de tu día a día…

Si, día a día es muy de la gente de a pié. Siempre que no tengo ningún proyecto que hacer lo que hago es estudiar, escuchar cantes y palos y con la antología que quiero elaborar necesito volver a leer el Catón…(ríe)…como con la familia, echo una partida al mus con los amigos, paseo, me gusta impregnarme de la esencia de lo cotidiano…soy poco divo.

“Se da la triste realidad de que se le hace muy poco caso al flamenco en este país, un género único e universal abandonado por los propios españoles”

En alguna ocasión, y quizás por ese exceso de adoración a las estrellas de un día, que la cultura la están echando a perder adrede

Es una aberración lo que se está haciendo con la cultura aplicando el 21% de IVA, es casi querer matar a la cultura. Y es que un pueblo sin cultura no es nada, se queda sin referentes y sin base y puede dañar mucho a la sociedad. Espero que se den cuenta que con el 21% de la cultura no van a arreglar nada.

¿Qué lugar ocupa el flamenco dentro de esa cultura que comentas?

Nuestra cultura está ligada al flamenco y la marca España en música es el flamenco, esa que exportamos y nos hace crecer con identidad propia. Se da la triste realidad de que se le hace muy poco caso en este país, un género único e universal abandonado por los propios españoles.

“El mejor bajo en voz que ha dado la historia del flamenco se llama Porrina de Badajoz”

…José, has recorrido muchos rincones del mundo, ¿Qué piensan del flamenco fuera de España?

Yo he podido viajar mucho y he cantado en muchos países, y como mínimo en esos países se pone en los medios de comunicación una o dos horas de su música tradicional. Aquí cuesta encontrar en horarios convencionales nuestra cultura musical.

Reconocer la figura del Porrina de Badajoz puede ser un parangón de esto…

…sin duda, aquí puede pasar que se le pregunte a un paisano por Porrina y no sepan quién es. ¡Es de locos! Porrina es uno de los grandes cantaores que este país ha dado, era un gran aficionado y conocía todos los cantes…ha sido el mejor bajo en voz que ha dado la historia del flamenco y se llama Porrina de Badajoz. Tenéis mucha de suerte de tener su vida con vosotros.

Entrevista Willy López | Fotografía Félix Méndez

2 de marzo de 2024