Una búsqueda personal de la identidad castellana. De ahí parte la documentación, idea y proyecto llevada a un libro del autor de Castellano. Lorenzo Silva abandona por un rato a sus Bevilacqua y Chamorro y rastrea por la Castilla del 1520, un momento clave y muy olvidada para la historia de España.
Tres momentos marcan la vida de Silva, crecer en un barrio habitado por múltiples acentos del país, una bomba de péndulo que hizo borrar del mundo a su vecino por parte de ETA y su estancia en Cataluña entre el 2008 y 2015. Tres identidades imborrable es su ideario social que hizo buscar la identidad personal, el origen de nuestra forma de ser, el legado de una lengua que que hablan 500 millones de personal en el mundo. Una revolución identitaria gestada por comuneros desde una revolución integra y noble antes un Carlos V a miles de kilómetros de ese espacio y esa forma de entender una vida mejor para el pueblo.
De vuelta a la Feria del Libro después de tantos años
Me alojo en el mismo hotel en el que estuve dos semanas en año 2003 para documentarme para una novela que sucede aquí en Badajoz. Me gusta mucho volver a esta ciudad, porque es una de las ciudades de España donde he hecho el ejercicio de estudiarme toda su vida, sus calles, de conocer su historia y tratar de entenderla. Experimento una sensación de vuelta a casa.
Nos centramos en tu última publicación Lorenzo, hablábamos con José María Merino de la relevancia del español como lengua en el mundo pero quizá no sabemos muy bien el origen, la intrahistoria de nuestro país, ¿“Castellano” es prueba de ello?
La novela es un libro muy particular porque es realidad un libro de viajes. Un viaje personal, que busca una respuesta a esa pregunta que todos nos hemos hecho en algún momento, y que consiste en decirse ¿Quién soy? Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser, como se tiene que comportar o si es mejor o peor que los demás. Ese viaje personal se entrelaza con otro viaje histórico que es un episodio a la tierra de Castilla, a la tierra de España que a mí me ha resultado especialmente esclarecedor, para saber quién son y han sido los castellanos. Es la historia de las comunidades de Castilla, los comuneros, entre 1520 y 1522, de la que este año se conmemora un aniversario relevante, la batalla de Villalar, donde digámoslo así, la revolución quedó derrotada pero no extinguida.
¿Tiene vigencia ese momento histórico actualmente?
Yo quería traerla al lector de hoy, a la Castilla de hoy, tengo la sensación de que es una historia que aunque se ha mentado mucho se conoce poco. ¿Quiénes eran estas personas? ¿Por qué se sublevaron? Para empezar eran muchos y tenían motivaciones muy diferentes. Y Carlos V no se encontraba en el frente, Carlos V se encontraba en Flandes y Alemania, él puso a otros personajes en esa lucha, algo muy importante destacar. Personajes que tenían elementos muy interesantes para una novela, para el lector de hoy. Siempre y cuando se le acercara de una manera contemporánea. No se trata de una novela de corte decimonónico, es una novela histórica que intenta llevar al lector a la piel de esos personajes. Esa es su vigencia.
Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser
Buen momento para rendir homenaje a estos personajes
Con este libro preveía algo que luego se ha hecho realidad, y es que Castilla en general no suele ser muy reivindicativa. No es que no se hayan hecho cosas, pero es curioso como un acontecimiento para nosotros con un valor histórico para los castellanos y el conjunto de España, donde rastreando a los comuneros y las leyes que defendían, y que están reflejadas en las constituciones, hasta en la vigente de 1978, ha tenido una repercusión muy escasa. Por los menos que la desmemoria del pueblo se supla con la literatura que recuerde esos hechos tan importantes como éste.
No se trata de una novela de corte decimonónico, es una novela histórica que intenta llevar al lector a la piel de esos personajes. Esa es su vigencia.
Muchas son las temáticas sobre las que escribe, en este caso de la Castilla del siglo XVI ¿Cuál es ese proceso de investigación y documentación para llegar a construir la obra?
Es una de las partes que más me atrae de mi trabajo, entre otras cosas, yo escribo para aprender y en este caso para conocerme un poco más a mí mismo. Tratando de indagar en esta historia de Castilla, he llegado a comprender parte del carácter que he heredado de mis antepasados. La escritura es un proceso de aprendizaje y que te cargas de un proceso real, ese proceso de documentación es un esfuerzo de apropiación e interpretación personal. Tengo que convertir esos personajes históricos en personajes literarios. Buena parte de las cartas, documentos, actas notariales se conservan, es ahí donde trabajo para construir la historia y se lo dejo claro al lector, para que sepa que si no está contento con esa historia, lo pueda leer, rastrear o investigar por su cuenta. Mi trabajo no se trata de reconstruir una interpretación histórica.
Esos Bravo, Padilla y Maldonado de los “Castellanos” ¿Pueden tener, a pesar de decirnos que es su visión, interpretación histórica personal, un reflejo con la situación política actual?
Padilla era el verdadero capitán, Bravo era digamos su segundo y al pobre Maldonado lo matan por error, ese cuadro que está en el Congreso nos muestran que son regidores, actuales concejales pero no son los únicos que se sublevan o rebelan, incluso no son ellos los que sostienen el ideario de los comuneros, que viene de los teólogos de la Universidad de Salamanca y de juristas de Valladolid. Las ideas de todos ellos, aunque había muchas, básicamente se ciñen a una más elemental y que no es otra que la de romper la idea medieval de que el rey y el reino forman la misma cosa. Y como son diferentes pueden tener conflicto de intereses, y es donde Carlos V no entra en la fórmula. Sin embargo, esa idea por la que mucha gente fue decapitada es la que aún permanece en nuestras leyes cinco siglos después. Es algo muy vigente, es decir, eso por el que su antepasado Carlos V no entendía ni a tiros, Felipe VI lo tiene clarísimo.
Es algo muy vigente, es decir, eso por el que su antepasado Carlos V no entendía ni a tiros, Felipe VI lo tiene clarísimo.
¿Podría aparecer algún “Bevilacqua y Chamorro” en esta época de conflicto de hace 500 años o es inviable?
No los podríamos colocar salvo alguna licencia narrativa tipo el Ministerio del Tiempo, pero sí que creo y lo he pensado haciendo mucho este libro ese espíritu castellano que en el fondo viene de antes, en el siglo IX, que lleva ese sentimiento de mantener la propia identidad, incluso frente al monarca, todo a través de la coherencia y de la ley. El movimiento de los comuneros es una revolución pero enseguida invoca las leyes del reino y trata de convertir esa revolución en normas que tengas refrendo de las Cortes. Esa legalidad está también en el ADN de la Guardia Civil, en cierto modo una creación de la misma gente, una herencia sin duda.
Los inicios en el cine, el mundo de los largometrajes, cortos y documentales son duros. La ilusión vence en muchos casos los escasos presupuestos, y tras luchar y creer ciegamente en los proyectos audiovisuales, se alcanza la cima de la excelencia profesional. Estamos hablando de soñadores como Carlos Pérez y todo el equipo que compone 1080 Wildlife. Esta aventura cinematográfica consigue producciones premiadas en medio mundo, surgen de un paraíso natural como es Extremadura, y el golpe de suerte para que pueda llegar a muchas pantallas depende muchas veces de elementos ajenos a las propias obras, pero la calidad, alcance su visibilidad o no, siempre queda. De hombre orquesta, como nos cuenta Carlos Pérez, a gestionar un equipo humano digno de los mejores documentales de naturaleza del mundo. Nada que envidiar con el resto de grandes producciones. Es hora de elogiar el trabajo bien hecho y volver a creer en rodajes made in Extremadura.
Al pisar la mina de La Jayona en el sur de Extremadura, se siente un extraño ruido cristalino en los pies, el destello metálico tiñe la mirada del visitante, y de repente cien años de minería en ese enclave maravilloso, te absorben y te trasladan a lo más profundo de las cuevas y niveles que conforman el recorrido de la mina. Pero más allá del pasado minero, de la intervención del hombre en la naturaleza, cobra vida una nueva dimensión, la capacidad natural de repoblar con vida animal y flora un espacio abandonado por la economía del vertiginoso tiempo en que vivimos. Aquí es cuando documentales como el rodado por el equipo de 1080 Wildlife, merecen una mención especial, un sello único que los hace paradigma cinematográfico a base de pico y pala documental.
Antes de nada Carlos ¿Qué es 1080 Wildlife?
En el año 2014 surgió la idea de trabajar contenidos de naturaleza. Inicialmente probé suerte con un documental que se acabó titulando Primavera, el regreso de la vida. No contaba con ningún tipo de presupuesto para llevarlo a cabo, así que por lo que tuve que conformar un equipo de profesionales a los que les ofrecí la posibilidad de participar y un porcentaje en las futuras -eso esperaba, al menos- las ventas.
La suerte quiso ponerse de nuestro lado y tuvimos la primavera más espectacular de los últimos 40 años, que grabamos con medios técnicos nada sofisticados: cámaras réflex que grababan video HD. Cómo imaginar que un documental realizado sin presupuesto y con cámaras fotográficas iba a tener el recorrido que tuvo. Sobre todo porque fuera de España las productoras de naturaleza trabajan con grandes medios técnicos y humanos apoyados sobre todo por sus canales públicos. Aunque la verdad los primeros intentos no fueron buenos.
En el primer año no conseguimos ni siquiera estrenarlo en ningún festival o canal de TV. Pero todo cambió cuando contactamos con Juan Valentín Romero, antiguo director de producción de Canal Extremadura que había emprendido una nueva etapa profesional estableciéndose en Alemania y montando una distribuidora de TV especializada en venta de documentales. Es entonces cuando nuestro documental empezó a crecer y conseguir hitos como el de ser el primer documental producido en Extremadura -y de los pocos españoles- adquirido por el prestigioso canal Arte de Francia. Es, sin duda, el objetivo principal de todos los que nos dedicamos a esto, la Champions de los canales de televisión. A canal Arte le siguió TVE, RAI (Italia), RTP (Portugal) y CCTV (China), además de otros canales europeos y asiáticos. Para 1080 creo que fue el comienzo de todo. En aquel momento vi que tenía delante la posibilidad de cumplir uno de mis sueños: producir contenidos de naturaleza salvaje como ya hiciera el gran Félix Rodríguez de la Fuente. Decidí darle forma al proyecto, crear la productora y elegir un equipo técnico y humano con el que competir en toda Europa. Y, por suerte, hoy día creo que lo estamos consiguiendo: nuestros documentales se emiten en más de 40 canales de TV y Plataformas de todo el mundo. Ahora mismo nos encontramos en pleno cambio, siempre con la idea de crecer y ampliar nuestra audiencia. 1080 es ya una marca de ámbito internacional que, además de documentales de naturaleza, abordamos documentales de viajes, etnográficos, turismo, e incluso algo de ficción. Lo que no ha cambiado mucho es el equipo humano. Seguimos siendo los que hicimos el segundo documental, Venidos del Cielo, con alguna incorporación sobre todo para reforzar la parte científica y de filmación. Y ya llevamos 15 documentales y a punto de estrenar un largometraje.
¿Cuál es tu trabajo en 1080, cómo se lleva a cabo, cómo planificáis los rodajes?
Mi labor en los primeros documentales era sobre todo el de “hombre orquesta”. Afortunadamente hoy cuento con un equipo humano súper especializado, así que, dependiendo de cada producción, ejerzo de director, realizador, montador, cámara o simplemente productor. Esta es la suerte que tenemos ahora. En el año 2020, 1080 estrenó 5 documentales con 3 directores diferentes. Hemos conseguido crear una marca internacional en la que las funciones están repartidas y eso hace que podamos producir un número importante de películas de naturaleza al año.
En el campo de los documentales de naturaleza, o Wildlife, nos enfrentamos en cada documental a momentos muy complicados y no siempre conseguimos nuestro objetivo. Mientras que para cualquier documental puedes emplear días, semanas o meses, en nuestro caso la mayoría pasa del año y es que los animales no entienden de horarios. Cuando estamos en plena producción de un determinado documental los que nos dedicamos a la filmación nunca contamos el número de horas. Por ejemplo, en los rodajes de grullas en Extremadura montamos un hide o escondite días antes para que las grullas se acostumbrasen a su presencia. Durante varios días realizamos un seguimiento a distancia y cuando vimos que se habían familiarizado con él comenzamos la grabación. Siempre entramos de noche para que no te vean ni noten tu presencia (aunque no siempre funciona). Al final, para hacer una secuencia de grullas has empleado casi un mes; muchísimo tiempo para un minuto o dos de película, pero es lo necesario para poder contar su comportamiento. En nuestros documentales los animales son verdaderos protagonistas porque hacen cosas, no son meros figurantes que no hacen nada, esa es la gran diferencia. En otros casos los rodajes pueden ser más arriesgados por lo que requieren mucha preparación sobre todo en cuestiones de seguridad. En Guinea Bissau durante la grabación de nuestro documental La isla de los hipopótamos necesitábamos planos del grupo de hipopótamos con alguna cría y no lo conseguíamos. No nos quedó más remedio que montar tiendas de campaña al lado de ellos, pero a una altura de 2 metros a fin de evitar su ataque. Al final lo conseguimos, pero a costa de pasar 12 horas sin dormir, que son las horas de oscuridad en el trópico, acompañados de mosquitos y serpientes venenosas mientras tratábamos de oír y ver a la luz de la luna a una inmensa mole comiendo a tan solo 3 metros de la tienda. Fue un momento muy emocionante.
En aquel momento vi que tenía delante la posibilidad de cumplir uno de mis sueños: producir contenidos de naturaleza salvaje como ya hiciera el gran Félix Rodríguez de la Fuente. Decidí darle forma al proyecto, crear la productora y elegir un equipo técnico y humano con el que competir en toda Europa. Y, por suerte, hoy día creo que lo estamos consiguiendo: nuestros documentales se emiten en más de 40 canales de TV y Plataformas de todo el mundo
¿Extremadura, paraíso natural, qué os aporta esta tierra para llevar a cabo vuestro trabajo?
Es una suerte para los que nos dedicamos a la filmación de documentales de naturaleza tener el cuartel general en Extremadura. Si bien cada rincón de la Península Ibérica es un prodigio de vida natural, en Extremadura tenemos la suerte de la abundancia y facilidad para ver animales en su entorno natural que posee. Eso hace que podamos grabar documentales en casi cualquier escenario: ríos, llanuras, estepas, bosques, montañas… Es una suerte porque gracias a estar en Extremadura podemos decir que nunca antes se ha visto nuestra naturaleza fuera de España como ahora y basta con citar algunos de nuestros títulos: Venidos del cielo, rodado en las ZEPAS urbanas de Extremadura; Dehesa, casi en su totalidad localizado en Extremadura; Jerte vida salvaje en el valle de los cerezos con más de 2 millones de espectadores en TVE; Un invierno en el sur, explorando los inviernos extremeños; Salvajes, que cuenta una peculiaridad única en el mundo: la manada de caballos salvajes pottokas que vive en plena sierra de Piornal, Hijos de Saliega, centrado en la llegada de los linces ibéricos a Extremadura después de su extinción; Las aves del frío, con un papel protagonista de Extremadura en tanto que es el lugar de más grullas en invernada de Europa; La Jayona, un nuevo mundo enterrado, que ha sido nuestro último documental en Extremadura, un trabajo del que estamos muy satisfechos contando cómo la naturaleza ha conquistado un espacio yermo fruto de la acción humana. O el actual que estamos filmando en el Parque Nacional de Monfragüe, titulado Mons Fragorum.
Fuera de España la repercusión de nuestros documentales es brutal. Hoy día somos mucho más conocidos fuera que dentro de España. Por ejemplo, el estreno de Dehesa se pudo ver en Prime Time Europeo en más de 15 países como Francia, Alemania, Bélgica, Italia… Ojalá algún día esa estadística suba mucho más en España y nuestros otros documentales sigan la estela de, por ejemplo, el documental que se pudo ver en TVE “Jerte…”, y que, como te decía, registró una audiencia de 2 millones de espectadores y hoy está disponible para todo el mundo en plataformas como Prime Video de Amazon y Filmin. Mirando un poco hacia atrás estamos muy orgullosos de lo que estamos haciendo. Por supuesto que estamos agradecidos a las instituciones públicas que nos ayudan, como la Dirección General de Cultura de la Junta de Extremadura, Consejerías o Diputaciones, así como la ayuda a la internacionalización que nos aporta Avante. Creemos que estamos devolviendo con creces esta confianza en nuestro trabajo sobre todo porque, gracias a él, la marca Extremadura se está viendo en los 5 continentes. Hoy podemos presumir de que espectadores de Europa, Asia, África, América o Oceanía verán esta semana alguno de nuestros documentales.
Estamos enamorados de un espacio único como es La Jayona, ¿Cuéntanos cómo fue el rodaje del documental?
Casi 2 años nos costó realizar el documental de la Jayona, desde que creamos la idea su director Javier Ortega que también hace labores de guionista lo tenía claro: teníamos que contar qué tiene La Jayona que hace de ese lugar algo único en el mundo. Una especie de pequeño planeta dentro del planeta Tierra donde se volvió a producir el milagro de la vida. Y es, como le ocurrió a nuestro planeta hace miles y miles de años, la Jayona se transformó de un puñado de rocas desnudas tras su explotación minera en una explosión de vida salvaje. De nuevo la Naturaleza triunfaba. Para contar esta historia fueron semanas y meses de rodaje en algunos momentos con larguísimas esperas en los rincones más recónditos de la Jayona para poder filmar por ejemplo al Cárabo.
1080 Líneas en Islandia 2017
En nada dará luz el largometraje, Extremadura el paraíso natural de Europa ¿Qué nos puedes contar?
Tras muchos documentales en formato TV de 50 minutos nos surgió la idea de realizar nuestro primer largometraje, enfocado más para salas de cine y festivales. Este largo, titulado Extremadura el paraíso natural de Europa y en el que llevamos trabajando casi 3 años, llegará a las pantallas en la primavera de 2022 y contiene imágenes que no habíamos filmado nunca y que será la primera vez que se pueda ver en pantalla. Queremos sobre todo que sea un espectáculo para todo aquél que lo vea. Ahora estamos en pleno proceso de montaje y la verdad es que está superando todas nuestras expectativas.
Desde hace 2 años, hemos cambiado nuestro estándar de calidad para grabar en la máxima calidad disponible. Esto hace que por ejemplo los brutos del largometraje lleguen casi a los 40 Teras. Se puede imaginar el trabajo de selección que hay ahí.
Con este nuestro primer largometraje queremos demostrar que ya estamos preparados para este tipo de trabajos. De hecho, ya estamos preparando un segundo largometraje para dentro de 4 años. Como ves en los proyectos de naturaleza los rodajes abarcan un amplio periodo de tiempo, de ahí que cada ver que terminamos uno acabamos exhaustos, pero rápidamente cogemos aire para comenzar otro. Con este largo volveremos a poner a la naturaleza extremeña en el panorama internacional en festivales y televisiones de todo el mundo. En esta ocasión yo asumiré la dirección con el equipo de siempre: con Javier Ortega en el guion y el extremeño Miguel Ángel Gragera en la banda sonora, además de todos los demás compañeros: cámaras, biólogos…
No deberían influir, pero los premios en Festivales alaban vuestro trabajo y os animan a seguir trabajando en proyectos de este calibre…
….El objetivo principal de nuestros trabajos es que no acaben como se dice vulgarmente, en una estantería. Todos los documentales que hacemos nacen con la vocación de tener un largo y extenso recorrido. Para lograrlo tienen gran importancia los festivales. Además del ánimo que nos aporta ver que tu trabajo gusta y es premiado, ayuda indudablemente a las ventas pues nos dan muchísima visibilidad.
Hace tan solo unos años en ningún momento pensábamos que podríamos llegar a ganar algún premio fuera de nuestras fronteras sobre todo porque fuera no nos conocían y no sabíamos cómo iban a recibir nuestras películas. En España hemos recibido bastantes premios, como el Batefuegos de Oro por una serie a la que le tenemos mucho cariño y que hicimos para Canal Extremadura. Después llegarían los premios Adenex, Avuelapluma… y hasta un premio donde nací, en Montijo.
Nuestras películas empezaban a ser reconocidas y llegaron otros más en España, como los dos años seguidos ganando los premios Extrecine, y muchos más repartidos por toda la geografía española. Hace menos de un mes ganamos también el Primer Premio en el Festival Internacional de Cine del Aire 2021 con el documental La Jayona… en la categoría de mejor película de naturaleza y al de mejor formato de TV con Naturaleza oculta, grabado en las islas Bijagos, en la XXX Bienal Internacional de Cine de Ronda. Se trata de una serie que aún no se hemos puesto en distribución. Con los primeros galardones fuera de nuestro país es cuando empezamos a sentir que nuestro trabajo está cumpliendo para lo que fue concebido. Solo por citar algunos: Mejor película rodada en África en el Wildlife Conservation Film festival de Estados Unidos en New York, ciudad en la que ya ganamos el primer premio con el documental Salvajes en el festival de películas equinas más importantes del mundo, el Equus Film Festival; Mejor Director en La India en el Kolkata International Wildlife festival y así hasta los casi 30 premios y reconocimientos recibidos por documentales de 1080 en estos últimos años, lo que no deja de ser un logro, creemos, teniendo en cuenta que tu producción participa en estos festivales en los que incluso se presentan más de 5000 películas. En nuestra web www.1080web.es se pueden ver todas las Selecciones Oficiales que son una especie de reconocimiento de estar entre los mejores y ya llevamos 119.
1080 Líneas en Islandia 2017
¿Cómo os ha afectado la pandemia?
La naturaleza ha hablado y nos ha puesto en nuestro sitio. Es el momento de cambiar nuestros hábitos de vida. No podemos seguir masacrando el planeta porque nos pasa factura. Tenemos que seguir luchando contra esto y nosotros aportamos nuestro granito de arena con nuestros documentales convencidos de que “Para proteger hay que conocer”. La pandemia ha sido un frenazo en seco para nuestros proyectos porque estamos embarcados en nuestra próxima producción en África y hemos tenido que posponer todo y reinventarnos. Recuerdo cuando había confinamiento pleno que el campo en esos primeros días de primavera del año pasado me recibió de manera salvaje. Estaba precioso, frondoso e incluso primitivo. De esta manera nos recibió la Jayona también. En ese sentido hemos tenido suerte pensando en la filmación porque no se hacían visitas y había bastante fauna por toda la mina. Se notaba que ningún visitante pisaba por allí hacía tiempo.
Afortunadamente tiene que llegar el equilibrio porque ahora hay una corriente de personas que están ayudando a esa naturaleza a levantarse y es importante que todo vuelva a la normalidad. Para nosotros ha significado un cambio, nuevos aires, nuevas producciones. Incluso hemos cambiado de nombre: ahora somos 1080 a secas. Queremos simbolizar con ello que hemos ampliado las temáticas que abordamos: documentales de viajes, turismo o etnográficos, sin olvidar aquello que tantas alegrías nos ha dado fuera de España: los documentales de fauna salvaje o Wildlife.
Casi 2 años nos costó realizar el documental de la Jayona, desde que creamos la idea su director Javier Ortega que también hace labores de guionista lo tenía claro: teníamos que contar qué tiene La Jayona que hace de ese lugar algo único en el mundo.
Y Carlos para finalizar, cuéntanos proyectos de futuro.
Como te decía en la anterior pregunta hemos crecido y ampliado metas y horizontes. En este mismo otoño vamos a empezar dos series internacionales en paralelo con otras 8 de toda España. Llevamos trabajando meses en este proyecto y estamos deseando que llegue el momento de empezar. Nuestras metas en estas nuevas series son las de ofrecer nuevas técnicas cinematográficas para que el espectador disfrute viendo esos contenidos ya sea en TV o en Plataformas, sobre todo hemos conseguido la unión de un grupo de profesionales de toda España que nos ayudará desde su propia región a que la serie sea un éxito internacional porque ese es el gran objetivo: que una vez terminada la entreguemos a nuestra distribuidora en Alemania, 3Boxmedia, y de ahí llegue a todo el mundo, incluida España porque al menos una de ellas la podremos ver en España.
Y por supuesto seguiremos investigando en la naturaleza extremeña para producir un nuevo documental el año que viene, tras el estreno de Mons Fragorum y el largometraje Extremadura el paraíso natural de Europa.
La entrevista con Noemí Rodríguez, dramaturga, actriz, autora, escritora, profesora y entrevistada se dividió en tres actos. Ninguno de ellos carente de clima, diálogos y acotaciones. Noemí posee el 50% de Teatro en Vilo, o lo que es lo mismo, mantiene en vilo el 50% de su compañía.
Acto primero
Entran en el patio de butacas la jefa de prensa del teatro, fotógrafo y redactor ataviado con retales de una corresponsalía de guerra y la dramaturga. El equipo técnico del festival prepara el sonido, las luces y el escenario de la obra que se representara ese día.
(Se sientan entrevistada y entrevistador. Se retiran las mascarillas. Buscan sus perfiles buenos)
¿Primera vez en Badajoz?
[Pausa]…sí, es la primera, tenía ganas.
Antes de hablar de la obra que subirá al escenario de este teatro, Hoy puede ser mi gran noche, cuéntame ¿Qué tiempo te ha llevado para que tu trayectoria y la de tu compañía, aún joven, teatral tenga tanto impulso?
Es muy curioso, y tras una reflexión con una pandemia por delante de dos años, nos hemos dado cuenta de que llevamos diez años de Teatro en Vilo. Todo pasa muy rápido, desde ese 2012 que creamos la compañía. Me ha he provocado la necesidad de realizar una reflexión, donde han pasado volando, hemos trabajado mucho, y sin darnos cuento hemos creado nueve espectáculos…
…Es un número importante para sólo diez años, pero ¿Cómo os ha castigado la pandemia en esa producción?
Nosotros en vez de disminuir la actividad, incrementamos la producción, porque justo cuando estábamos en el confinamiento nos llamó Alfredo Sanzol, el director del Centro Dramático Nacional, y nos propuso que hiciéramos, aún con los teatros cerrados, un montaje para teatro en streaming…y montamos una obra en plena pandemia, todo un privilegio. Tuvimos además el lujo, de montar nuestros textos y el de dos grandes dramaturgos, Juan Mayorga y Pau Miró.
Acto segundo
Desplazados a otro escenario por la prueba de luces y sonido, la entrevista se emplaza en el Bar que hace esquina con el teatro. Es octubre, corre algo de aire y tres cafés jalonan la mesa que servirá de atrezo.
El proceso de creación se convierte en un elemento de vital importancia para vuestra forma de entender el teatro y para el futuro a corto plazo de la dramaturgia…liberar al teatro de ese encorsetamiento rígido…
Muy acertada esa observación, y es que nosotros, como autoras, no partimos de un texto escrito, normalmente partimos de preguntas imposibles de responder, y entramos en creación, en sala haciendo investigación, no para dar una respuesta si no para abrir posibilidades. No se trata de actuar como espectáculos pedagógicos, en absoluto, sólo reflexionamos para generar nuestras propias inquietudes. Comenzamos un nuevo espectáculo en el CDN y la premisa es ¿Cómo vamos a cambiar el mundo? Eso es enorme, imposible…además lo vamos hacer con personas entre 16 y 26 años, es decir, personas que están más cercanas a la infancia y que sean ellos y ellas las que intenten dar respuestas a una pregunta tan complicada nos parece fundamental. Ese punto de inocencia, tan naif, de esperanza, nos hace ver que posibilidades se pueden abrir.
¿Cómo elaboráis ese proceso de creación?
Todo parte de una escucha muy personal, ¿Qué ideas me preocupan a mí? ¿Qué me molesta a mí? ¿De qué me es difícil hablar? ¿Qué no entiendo?…si en mí se produce esa dificultad de entender algo o algo me molesta, posiblemente ese mismo movimiento de incomodidad esté sucediendo en mi entorno. Trabajamos desde la voluntad de escucharnos, desde el individuo a lo global. Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro, un espacio de conversación.
Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro
Es duro, y quizá invasivo, pero muchas veces no paramos y los que no reflexionamos o no nos escuchamos somos nosotros…¿Has parado a reflexionar si lo pasas bien durante ese proceso teatral?
Nuestra voluntad en esos procesos, es que efectivamente sea un juego, haya un disfrute, y eso es algo fundamental para la creatividad. Nosotras sin esa creatividad no podemos hacer los espectáculos que hacemos, no podemos abrir esos grandes melones de los que hablamos. Es la única manera de llegar lo más lejos posible dentro de esta profesión, de esta manera también te puedes atrever a fallar, y que el fallo no sea algo horrible, el fracaso y el miedo no son buenos compañeros de viajes. Se deben tener en cuenta para aceptarlos como una invitación para seguir creciendo, en el accidente, lo inesperado está la innovación, la oportunidad y la apertura de espacios e ideas nuevas. El teatro debería de ser el espacio de mayor posible porque te puedes crear un mundo que no existe en absoluto.
Hablas de espacios teatrales como parte de dramaturgia pero también está el espacio físico, que muchas veces no es capaz de romper, de traspasar, como a veces sucede con museos y otros espacios que asumen una rigidez desfasada. ¿Vosotras rompéis esa línea fina y divisoria de esos espacios escénicos en vuestra estructura, en vuestra forma de hacer teatro?
¿Qué es el teatro? El teatro es, entre otras muchas cosas, un ritual, una comunión de los cuerpos, el hecho social de juntarse para formar parte activa de un espectáculo. Después de la pandemia el teatro tiene otro peso…¡De repente es un evento!…cobra otra dimensión tanto, como espectadora como de actriz. Integrar al espectador antes de estrenar la obra a través de cuestiones o contactos nos hace salirnos de lo estático del teatro. Lo hicimos con Man up, por ejemplo, ya que no fuimos nada convencionales en el proceso, y eso nos permitió romper lo regio del teatro.
El teatro debería de ser el espacio de mayor posible porque te puedes crear un mundo que no existe en absoluto
Teatro en Vilo sois dos mujeres, Noemí Rodríguez y Andrea Jiménez, pero vosotras revindicáis en vuestros textos y obras, temas sin tener que identificaros con el género, procedencia o clase social…simplemente hacéis teatro, independientemente que en el contexto sí surja la crítica…
…me gusta mucho que me hagas esta pregunta, porque ya no tanto ahora, que tenemos un recorrido más largo, pero tanto en la programación como en las críticas, y porque tendemos a marcarlo todo, solían identificarnos con teatro de mujeres simplemente porque somos mujeres, una cosa que nos resultaba dolorosa. La protagonista, la dramaturga y autora son mujeres pero al final no se hablaba de la obra… ¡Hacemos teatro!…y eso de las mujeres hablan de mujeres y los hombres hablan de lo universal no es correcto. Yo hablo de lo universal, de lo humano, y sí, soy mujer y también gallega…
…Noemí, tu tierra natal, sí que aparece en la obra que presentas en el 44 Festival de teatro de Badajoz, Hoy puede ser mi gran noche…
…esa parte es fundamental. La historia está basada en el contexto que nos criamos mi hermana y yo, Darlene, que también está en escena, y nosotras solemos decir que es una historia que está basada en hechos reales como las películas de los domingos de Antena 3. El show es muy vintage, y es un espectáculo de cómo reajustamos nuestras expectativas. Una historia muy cercana donde dos personas se crían en los años 90 y donde parecía que no había techo con un horizonte infinito de posibilidades que después hemos tenido que reajustar…nos preguntamos por qué hemos vivido esta trola durante tanto tiempo.
Trabajas con talleres teatrales, como el que se imparte en el festival, explícame cómo se desarrollan, qué pregunta se hace el alumno, qué percibes de esta actividad tan integral…
Son espacios de investigación, de encuentros entre muchas realidades, y es curioso porque cuando arranqué el curso, con una espacie de programa para impartir, descubrí tras preguntarles qué venían buscando con este taller, tuve que restructurarlo todo. Me resultó muy bonito, muy conmovedor, descubrir que muchas personas venían para ver cómo volver a empezar, para ver cómo arrancaban otra vez…dejé esas herramientas dramatúrgicas para centrarme en la creencia y la ilusión que tiene el teatro. Dentro de esa oscuridad que estamos arrastrando tenemos que seguir viva esa luz que da el teatro.
Acto tercero
Antes de recoger los bártulos, la entrevistada responde a una pregunta clave que engancha con la obra y se pagan los cafés educadamente.
Hablas de la gente, de los alumnos del taller, pero después de diez años de compañía, ¿Cómo está tú?
[Respira, largo silencio y voz entrecortada] …las personas que nos dedicamos a esto es porque sentimos una pasión muy fuerte, y yo siento que con los años, tu pasión se va transformado, tu pasión cambia, ya no sientes ese fuego, es otra sensación. Pienso que he conseguido mucho de mis sueños, vivo del teatro, hago las cosas que me gustan, seguimos produciendo, tengo todo lo que soñaba…pero tras ese desgaste para llegar ahí y mantener la misma ilusión me surge la idea de nuestra etapa de niños. De pequeños sentimos curiosidad, después esa curiosidad se transforma en pasión y esa pasión en una edad más adulta, tras un camino recorrido en tu carrera, se convierte en propósito, con la vocación de servicio, lo hago por mí pero sobre todo para los demás.
Cantaba Ian Curtis que él existía en los mejores términos que podía, que el pasado era ahora parte de su futuro, que el presente estaba bien fuera de control. Ronroneaba el británico con el micro, a golpe de espasmos con los Joy Division. Fuera de control. Y a sacudidas, con algo más de control, suena un grupo con unfuturo imperfecto labrado en horas y horas de ensayos y conciertos, una banda que en el pasado emergió escupiendo vapor de música, una erupción, ocho sacudidas sin etiquetar y cinco músicos para rato. Heiser
José Peña, Emilio Vázquez, Javier Reyes, Armando Mazuecos y Rubén García son Heiser, y tras un parón en su local de ensayo nos aventuramos a desgranar las entrañas de la banda. Potentes, directos y decididos. Lo tienen claro, saben que esto de la música no es un juego, un divertimento, que las escalas y las melodías sirven para arrugar la piel, para activar el talón contra el suelo a cada zumbido de sus notas. Ponemos nombres e instrumentos a esta banda extremeña, damos una pregunta y responden en un orden desordenado, como su primer lanzamiento, una especia de caja de herramientas donde cada segundo del disco sirve para algo, al menos para saber, que la música nos puede regalar una sutil disfonía de acordes acompasados.
Erupción de Heiser
Emilio Vázquez pone la fecha de nacimiento de Heiser, una banda que sale del materno en el 2019, y como añade el guitarrista: “una etapa donde hacíamos canciones pero que andábamos algo decaídos”. Tras un parto musical limpio, Heiser, y después de un largo recorrido de los componentes por otras bandas extremeñas como Simple Coincidencia, Overlook o Blame The Dog, la aparición del cantante, José Peña, forjó los cimientos de la nueva estructura. “José entro con mucha fuerza, posee mucha resonancia, carisma y fuerza y esa es la línea que queríamos plasmar con Heiser” detalla Emilio.
Una de las cosas buenas que tiene el grupo a nivel de criterio musical, es que somos muy dispares, muy variados, que va desde el rock hasta el pop, pero se enriquece mucho con los arreglos, hace que se todos aportemos y eso hace que crezcan mucho las canciones
Energía. …del inglés al español.
Sí hay algo que se palpa en esta banda es la energía, todos la transmiten, y eso no se ve todos los días, tocan con fuerza, bajo una misma pátina musical. El bajista Rubén García aclara que “antes formaban parte de bandas también muy interesantes, pero las letras eran en inglés, el público de esta manera se reduce por el propio mensaje, la energía es otra”. Para el batería Armando Mazuecos, ese cambio con el idioma fue un punto de inflexión: “Temas propios donde aquello que se cantase tuviera un público dispuesto a saborear las historias de las letras. Componer en inglés es complicado porque no podemos controlar los giros lingüísticos que sí manejamos con el español”. Peña narra el momento de recibir las letras de los temas que se estaban elaborando y coincide con el punto iniciático que planteaba toda la banda: “Yo en inglés no canto más, dice el cantante entre risas, es una lengua que no domino y eso generaba cansancio, me parece que era momento de cantar con nuestra lengua, más fácil de expresarme y aportar la fuerza que demandaba esta formación”.
La fonética del inglés tiene un atractivo para cualquier voz universal, llega a más público, genera más apego al entender la música con esa base, el mercado musical es más accesible pero la ambición de cantar en español les lleva hasta el punto de trasgredir el origen del nombre de la banda. “No hay pretensiones, más allá de nuestros gustos, la idea es hacer canciones que nos guste a nosotros”, comenta Peña, “es más compacto, llegamos,» y añade humildemente el guitarrista Javier Reyes, «a un público más cercano, ya habrá tiempo para otras cosas”.
Criterio melódico
Heiser arma su melodía en base a una línea marcada por sus guitarristas, con una idea más o menos elaborada, que tras un trabajo de todo el equipo en un brainstorming, solapan el grueso de las canciones. Esa base se nota desde el primer trallazo de guitarras de “Catedrales”, ese primer uppercut nos invita, en un juego premonitorio, a empaparnos de todo el disco. “A nivel competitivo todos aportamos mucho”, comenta Emilio, “porque una de las cosas buenas que tiene el grupo a nivel de criterio musical, es que somos muy dispares, muy variados, que va desde el rock hasta el pop, pero se enriquece mucho con los arreglos, hace que todos aportemos y eso hace que crezcan mucho las canciones”.
Local de ensayo. Vacuna musical para la pandemia
Javi y Emilio dan esa amalgama a las canciones, son completamente distintas y entran directamente como un rayo en el local de ensayo. Canciones que contienen muchos matices y que hacen de su escucha una montaña rusa de buenos temas. “Lo que hace Heiser todo los días es no parar, el local de ensayo ha servido de refugio en la pandemia, y necesitamos sacar toda ese trabajo fuera de aquí”, cita el cantante con un brillo potente en sus ojos.
“Todos los grupos sureños no hacen más que cantar sobre el Sur, pero desde un costado completamente limitado. A mí, en cambio, lo que me gusta del sur son las luciérnagas en el cielo, la buena onda, la simplicidad, el hecho de que se puede vivir en cueros bajo un árbol durante semanas” (Caleb Followill. Kings of Leon)
¿A qué suena Heiser?
Heiser suena a banda, a grupo, que a pesar de lanzar su primer disco se permite el lujo que coquetear con nuevas canciones para un segundo. Letras pandémicas, donde los parones obligados han dado a sus composiciones un corolario musical muy digno.
“Esta parte suena a Pink Floyd, esta canción es más indie, ¡uy! este estribillo a U2”…no tener etiquetas o muchas infiere a Heiser un grupo con muchas aristas. “Con este primer disco, el que tras escuchar las canciones una segunda vez, puedas sentir más matices es un enorme elogio para nosotros”, explica el vocalista. Hay una cosa en Heiser que intentamos trabajar concienzudamente que son los coros, generalmente no se le da importancia en la grabación, pero entendemos que las voces de todos impregnadas en las canciones hace el resultado muy personal” añade Armando.
¿Qué significa Heiser?
Ríen todos ante la sencilla pregunta. Pero detrás hay mucha miga: “El concepto parte” nos explica Emilio Vázquez, “de Geiser, pero nos parecía soso, y dándoles vueltas le metimos la h, aspirando con nuestro acento extremeño la g. Además y ahí lo curioso del nombre, investigando, averiguamos que heiser en alemán significaba, afónico, sin voz.
Diccionario alemán. Heiser. Por frío o por mucho hablar, cantar, gritar u. Ä. ejemplos ásperos y casi sin tono en una risa ronca, una voz ronca.
Disco…para contar historias, trozos de vida
Fue un proceso rápido, los componentes del grupo, destacan la celeridad del proceso de producción del disco, donde tras pocos meses con todos los miembros se decide grabar en estudio. Quizá de una forma casual han gestado un disco temático: miedos, dudas, incertidumbres, inseguridades…Historias, pedazos de vida. Javi lo deja claro: “Tengo mucha imaginación, muchas tonterías en la cabeza, son canciones que nacen de plantearme dudas…¿Qué pasaría si?…y a raíz de esas ideas surgen las letras”. Emilio agrega que escribir canciones no es una tarea sencilla, que no son escritores de novelas, pero sí de relatos compactos, impactos cortos donde se dicen muchas cosas: “escribir canciones tiene dificultad, no sólo por el mensaje, también por la sonoridad, el acento, la virulencia o la fragilidad de la cosas que queremos narrar”.
…qué bien suena esa melodía, ojala que no sea un plagio…
…Heiser se alimenta de todo pero respiran su propia esencia. Componen por impulso, a uno le gusta el indie, a otro el heavy, a otro el cantautor norteamericano de los 70, a otro, el rock canalla, a otro el pop rock, saltan, bailan, ríen, lloran, poco pero lloran, juegan, tocan, abrazan y transmiten. Talento para rato.
Sobran los motivos para recorrer Extremadura y saborear las endémicas características que dona la región. El espacio natural, el enclave paisajístico cobra mayor fuerza cuando el valor añadido es cultura. La literatura como arte y disciplina para ocupar enclaves extremeños únicos. Libros, autores, lectores, turistas, naturaleza y pasión por hacer del territorio una fiesta de las letras. Muchos de los festivales y ferias que se presentan son de reciente creación.
FESTIVAL GATA NEGRA DE LITERATURA
El Festival Gata Negra se estrenó con primeras figuras como los escritores extremeños Susana Martín Gijón y Javier Cercas, Lorenzo Silva y periodistas como Cruz Morcillo, especialista en sucesos, Marta Robles y Juan Ramón Lucas. Estos autores y autoras fueron algunos de los participantes de la primera cita con la literatura negra que se lleva a cabo en agosto entre Moraleja, Sierra de Gata y Portugal.
Moraleja, Sierra de Gata y Portugal
El parque fluvial Feliciano Vegas de Moraleja se convierte en el epicentro de Gata Negra, pero hay otras sedes que recorren la comarca y la frontera expandiendo la literatura por toda la sierra extremeña. Gata, Villamiel, Trevejo, Monsanto e Idanha a Nova son algunos de esas localidades donde se desarrollan eventos literarios y rutas turísticas tan atractivas como la nocturna al castillo de Trevejo o las que se programan por Gata e Idanha a Nova.
Encuentros con escritores, presentaciones de libros, mesas redondas, exposiciones, proyecciones como la del corto La chica a la que no supiste amar, de Marta Robles o la del documental Palabras para el fin del mundo de Manuel Manchón, fueron base de la programación de esta primera iniciativa.
Literatura para los más pequeños, cuentacuentos, música y gastronomía Los niños tienen su espacio en este festival con actividades como cuentacuentos, música y gastronomía.
Valle del Alagón, Gata y Hurdes
Comarcas de agua y monte. Estas comarcas están salpicadas por un sinfín de piscinas naturales de aguas cristalinas que invitan al baño. Al norte de la región y lindando con las comarcas de Sierra de Gata y Las Hurdes descubrirás el Valle del Alagón, con Coria. Pero sin duda, este valle destaca por su orografía, que lo convierte en un destino muy apreciado por los amantes de las aves y la flora. La miel, los ajopeces y el polen son productos típicos del Valle del Alagón. Aquí podrás, además, practicar deportes acuáticos, disfrutando a la vez de unos paisajes inolvidables, salpicados de piscinas naturales. Igual que en la comarca vecina de Sierra de Gata, en la que los ríos y las piscinas naturales invitan a darse un baño en verano.
En esta área también es fácil observar gran cantidad de aves, aunque el animal protagonista es el lince ibérico. En sus bosques brota cada otoño miles de setas que luego se transforman en suculentos platos. Pero en Sierra de Gata no faltan tampoco los buenos embutidos, jamones ni el cabrito. Los aceites son una maravilla, así como los quesos y los dulces caseros. En esta comarca el agua cobra especial protagonismo, adornando el paisaje hurdano bajo múltiples formas. Puedes recorrer sus sierras en busca de aves que avistar, y los productos de sus matanzas. Son famosos los cabritos, las castañas, los quesos de cabra, el aceite, que cuenta con la Denominación de Origen Gata-Hurdes. Y por supuesto la miel. La arquitectura hurdana se conserva especialmente en sus alquerías, pequeños núcleos urbanos que salpican la comarca. Y no olvides visitar el famoso Meandro del Melero.
LITERNATURA EN TAMUREJO, FESTIVAL DE LITERATURA Y NATURALEZA EN LA SIBERIA
Liternatura es un festival de literatura en la naturaleza que se desarrolla en Tamurejo, en plena Reserva de la Biosfera de La Siberia, a finales de julio. Liternatura es una cita para reforzar vínculos entre personas, naturaleza y literatura a través de exposiciones de expertos, presentaciones literarias y talleres infantiles.
«Extremadura es una gran desconocida», dice Gabi Martínez, y entonces se lanza a hablarnos con pasión de la Dehesa, ese espacio híbrido y armónico entre lo humano y lo natural que ha construido durante siglos el saber hacer del pueblo extremeño.
El hijo de Miguel Delibes, ponente de honor
La primera edición en 2020 contó con Miguel Delibes Castro como anfitrión. Bajo el título Con Delibes en la dehesa, coincidiendo con el año Delibes que se celebraba en 2020 en el que el escritor vallisoletano habría cumplido cien años. Su hijo, el biólogo Miguel Delibes de Castro, fue uno de los ponentes de esta cita y habló de La tierra herida ¿Qué mundo heredarán nuestros hijos?, título que firmó junto a su padre.
El escritor Gabi Martínez, y alma mater del festival, presentó “Un cambio de verdad”, el libro que escribió en Tamurejo, el pueblo de su abuela, tras su experiencia durante meses entre pastores de La Siberia. Alejandro López Andrada, todo un referente de la liternatura española, que presentó “La dehesa iluminada”, reeditada a los 30 años de publicarse. Este evento está organizado por el Ayuntamiento de Tamurejo y Literantura con la colaboración de la Diputación de Badajoz, Junta de Extremadura, Ceder La Siberia y La Reserva de la Biosfera de La Siberia.
LA SIBERIA – RESERVA DE LA BIOSFERA
Esta comarca de Badajoz, declarada Reserva de la Biosfera el 19 de junio de 2019, ofrece naturaleza, patrimonio, cinco grandes pantanos para bañarse y practicar deportes náuticos, y una gastronomía auténtica. La Siberia da la bienvenida al visitante con sus dehesas, llanuras, sierras y grandes embalses en los ríos Guadiana y Zújar. Se trata de un territorio con una destacada biodiversidad, un verdadero paraíso para los amantes de la naturaleza, la pesca, la caza, los deportes acuáticos, el senderismo y la bicicleta de montaña (BTT). Su serranía forma parte de las estribaciones de los Montes de Toledo. Limita al este con las provincias de Córdoba y Ciudad Real, y al norte con la de Cáceres y, más concretamente, con un territorio que tiene otro reconocimiento de la Unesco: el Geoparque Mundial Villuercas-Ibores-Jara.
La Reserva de la Biosfera de La Siberia abarca once municipios y es la primera de la provincia de Badajoz y la tercera de Extremadura, después de Monfragüe (declaración obtenida en 2003) y Tajo Internacional. Aquí se encuentra la Reserva Regional del Cíjara, un área de 25.000 hectáreas donde viven ciervos, jabalíes, corzos y gamos, además de especies de aves protegidas, como águilas reales, buitres negros, alimoches y cigüeñas negras. Sorprende este espacio agreste, montañoso y verde que en tiempos de Alfonso X El Sabio ya era lugar de caza. El patrimonio histórico y cultural de La Siberia no se queda atrás. Encontramos desde yacimientos prehistóricos y pinturas rupestres hasta la impronta de Roma en la antigua ciudad de Lacimurga, pasando por iglesias, castillos y el abundante legado de las Órdenes del Temple y Alcántara.
FERIA AMBULANTE DEL LIBRO «DE CORDEL»
En abril de 2021, el Plan de Fomento de la Lectura de Extremadura, con la colaboración de Ediciones Liliputienses, puso en marcha un proyecto que trata de que los libros salgan al encuentro de potenciales lectores de la región, a los que además se invita a conocer un patrimonio que también es suyo: el que generan las editoriales extremeñas.
Ese proyecto se denomina De cordel. Feria del libro ambulante y consiste en la creación de un circuito en el que distintas editoriales (en principio, extremeñas, aunque esporádicamente podría invitarse a alguna de fuera) participen en una feria del libro ambulante que, durante una mañana o una tarde, lleve una muestra de la producción bibliográfica generada en Extremadura a los pueblos de la región en los que no se celebra de forma regular una muestra de estas características. De esa manera cualquier extremeño contaría con la oportunidad de conocer y adquirir parte del fondo editorial que se está generando en nuestra comunidad, que, dicho sea de paso, jamás ha sido tan abundante y diverso.
La Editora Regional de Extremadura participó en la primera edición de la Feria Ambulante del Libro ‘De Cordel’, una iniciativa propia de las editoriales independientes extremeñas odnde pudieron mostrar sus títulos y colecciones en el Museo Vostell-Malpartida, en Malpartida de Cáceres. El director de la Editora Regional, Luis Sáez Delgado y la coordinadora del Plan de Fomento de la Lectura en Extremadura, Virginia Aizkorbe Vivas, visitaron los diferentes estands de las editoriales participantes y participaron en las actividades de la muestra.
La feria ‘De Cordel’ ha nacido con el propósito de establecer un circuito para visibilizar la producción editorial extremeña y, a la vez, acercarla a las lectoras y lectores extremeños en localidades en las que resulta más difícil acceder a esta interesante producción. En su primera edición estuvieron presentes siete editoriales independientes (Javier Martín Santos, Libros Ilustrados’; La Moderna; Ediciones Liliputienses; ‘Maldita cultura’; ‘Letras cascabeleras’; ‘Tau Editores’; y ‘De la Luna Libros’) y la Editora Regional, haciendo evidente la diversidad y calidad de las editoriales extremeñas de hoy.
LOS BARRUECOS
En mitad de la penillanura cacereña se encuentra el monumento natural de Los Barruecos, una espectacular creación natural a la que también el ser humano ha contribuido. Un espacio de relieve aplanado, salpicado de charcas y enormes domos graníticos que conforman este paisaje sugerente y único. Declarado Monumento Natural por su belleza, la originalidad del paisaje de Los Barruecos se debe a sus formaciones graníticas que el agua y otros agentes erosivos se han encargado de modelar. Las caprichosas formas de estos domos te invitan a dejar volar la imaginación para vislumbrar la figura de animales, objetos o incluso personas.
Por su parte, el agua es imprescindible para la creación de su particular hábitat natural. Sus charcas son fuente de vida para numerosas especies animales, como la cigüeña blanca o la garza real, que hallan aquí un lugar ideal para sus colonias. Como demuestran los abundantes restos arqueológicos, también el hombre encontró este hábitat idóneo para su asentamiento. Aquí podrás admirar vestigios que datan desde el neolítico hasta el s. XIX, incluyendo la etapa romana.
Existen algunas rutas que te descubrirán este vasto paraje, cada una con un recorrido y duración diferentes. La ruta de las Peñas del Tesoro arranca en el Museo Vostell-Malpartida y recorre el espacio entre éste y las Peñas del Tesoro, rodeando la Charca del Barrueco de Abajo. Este itinerario dura sólo 30 minutos y es el más frecuentado. Algo más larga es la Ruta del Barrueco de Arriba. 1 hora por todo el perímetro de la charca que le da nombre. Si te atreves a caminar algo más, encontrarás también otros itinerarios cuya duración es de 2 y 3 horas. De visita obligada si te acercas a Los Barruecos, es el Museo Vostell-Malpartida que alberga una singular colección, formada en su mayoría por la obra del artista alemán Wolf Vostell. En el mismo conjunto está el antiguo lavadero de lanas, reconvertido en el Centro de Interpretación de las Vías Pecuarias.
El fotógrafo Roberto Palomo presenta en julio “Relato de una Pandemia”, un fotolibro sobre la pandemia en Badajoz. El día 5 de Julio se presenta el libro Relato de una Pandemia del fotoperiodista Roberto Palomo en el que ha recopilado en imágenes los momentos más duros de la tercera ola de la pandemia en Badajoz.
«Sentí la obligación de documentar lo que estaba sucediendo en mi ciudad y me lancé a ello sin saber muy bien qué haría con todo el material. Poco a poco entendí que lo mejor era editar un fotolibro pues este relato forma parte de la memoria histórica de la ciudad.» Roberto Palomo.
El fotolibro recoge más de cien fotografías documentando momentos como la construcción del hospital para pacientes Covid de IFEBA, el cierre de los comercios y la hostelería, las primeras campañas de vacunación o la crisis social derivada de la pandemia.
Una mirada comprometida y sensible que también da visibilidad a historias que normalmente pasan desapercibidas como la de Paqui y su hijo Víctor que sufre una parálisis cerebral y las restricciones les causaron muchas dificultades.
La presentación del libro irá acompañada de una exposición en el Espacio CB Arte de La Fundación CB situada en la Avenida Santa Marina 25 y podrá visitarse hasta el 30 de Julio.
Un militar descarga el colchón de una cama para el nuevo hospital que va a levantarse en la Institución Ferial de Badajoz debido al aumento dramático de infectados por COVID-19.
Roberto Palomo es de Badajoz, tiene 31 años y es reportero independiente sobre temas sociales, derechos humanos y medio ambiente. Ha publicado reportajes desde Perú, México, Cuba y España en la revista Planeta Futuro de El País, el Salto diario, revista El Estornudo y Hildebrandt en sus Trece. Ha colaborado en labores de gestión y como autor en el Archivo COVID
Arranca esta semana su nueva temporada, la primera firmada por Andrés Salado como responsable artístico de la programación con un primer concierto en el que, precisamente, debuta como titular de la OEX.
La nueva OEX de Andrés Salado estrena indumentaria oficial, creada por la diseñadora Marina Conde, La Condesa.
La violonchelista Anastasia Kobekina, quien también debuta con la OEX, es la primera solista invitada.
El título de «Se abre el telón» para el primer concierto de la temporada de la Orquesta de Extremadura no puede ser más acertado. Se abre el telón a toda una nueva etapa en la trayectoria de la OEX, ya que los conciertos de esta semana en Badajoz y Villanueva de la Serena, jueves 7 y viernes 8 respectivamente, inauguran el periodo con Andrés Salado como director titular y artístico. Su nombramiento se anunció en junio de 2020, pero esta semana sucederá efectivamente su debut como titular de la OEX. Sin embargo, Andrés Salado ya ha empleado meses de trabajo y planificación para diseñar la programación que ahora, aunque ya fue presentada al público el pasado junio, se estrena a partir de este mes.
No solo en la programación, con la impronta de un nuevo director artístico, se renueva la imagen. También la Orquesta de Extremadura estrena uniforme oficial, diseñado expresamente por Marina Conde, La Condesa. El trabajo de la diseñadora extremeña transmitirá ese carácter de moderna artesanía y clasicismo desenfadado que bien puede representar a una orquesta sinfónica en el s.XXI, además de ser un modo inmejorable de afianzar el cambio de imagen de la OEX hacia este futuro.
El programa para este primer concierto de la temporada e iniciático en la era Salado es toda una declaración de intenciones de la dirección artística. Ese bautismo será la obertura de la ópera La novia vendida, de Bedřich Smetana, una pieza que supone un reto para los profesores de la Orquesta de Extremadura por el alto virtuosismo y dificultad que requiere su interpretación y una delicia para el público por su alegría y vivacidad contagiosa, que lleva al entusiasmo desde el primer segundo.
Continuará la senda bohemia de este programa la Sinfonía nº 8 en sol mayor, op.88, de Antonín Dvořák, una de sus obras más célebres y carismáticas. Es justamente eso, uno de sus mayores exponentes de bellísima música tradicional bohemia.
Pero antes escucharemos una pieza capital en los repertorios de toda orquesta, el Concierto para violonchelo de Edward Elgar, sobrecogedora melancolía traducida en una partitura de belleza sublime. Casi toda esa responsabilidad recae en la parte solista, en esa tesitura conoceremos a Anastasia Kobekina en su debut con la Orquesta de Extremadura. Kobekina es una artista de 27 años ya habitual en los circuitos más relevantes. Con solo 22 se alzó con el segundo premio en la Enescu International Competition de Bucarest, tras deslumbrar en la final con, precisamente, la obra que va a interpretar aquí. Ya pueden adquirirse las entradas en la taquilla digital de la Orquesta de Extremadura o en la física los días de concierto en las horas previas a los conciertos que comenzarán, esta es otra novedad, a las 20:00. Pueden adquirirse también en la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Villanueva de la Serena de lunes a viernes de 9:00 a 14:00.
Andrés Salado. Director titular y artístico de la Orquesta de Extremadura
Andrés Salado es uno de los directores de orquesta españoles más sobresalientes de su generación. Nacido en Madrid en 1983, inició su formación musical estudiando piano, violín y flauta barroca, optando finalmente por especializarse en la percusión, cuyo título obtuvo en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Posteriormente, atraído por el sonido orquestal que escuchaba en sus numerosas intervenciones bien como colaborador o como miembro titular de orquestas como la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Joven Orquesta Nacional de España o la Orquesta de la Comunidad de Madrid, entre otras, comenzó sus estudios de dirección orquestal. Se ha formado con los maestros Miguel Romea, Peter Rundell, Jorma Panula, Sandro Gorli, Peter Gülke, Peter Eötvös y Antoni Ros Marbà.
Ha dirigido gran parte de las principales orquestas españolas, como la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquestra Simfònica de Barcelona y Nacional de Catalunya, Real Filharmonía de Galicia, Oviedo Filarmonía, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, las orquestas sinfónicas de Madrid, Bilbao, Tenerife, Navarra, Euskadi, Extremadura, Islas Baleares, Valencia; también las jóvenes orquestas de Extremadura, Galicia, Sevilla, Comunidad de Madrid y la Joven Orquesta Nacional de España. A nivel internacional, ha dirigido importantes agrupaciones: Orquesta Sinfónica Nacional de México, Orquesta Sinfónica de Yucatán, Orquesta Sinfónica de Oporto “Casa da Musica”, Divertimento Ensemble, Salzburg Chamber Soloist en la Mozarteum Sommerakademie y la Lucerne Festival Academy Orchestra en el Festival de Lucerna, entre otras. Su incursión en el mundo de la ópera es igualmente brillante, dirigiendo Il barbiere di Siviglia de G. Rossini, Il segreto di Susanna de E. Wolf-Ferrari, The Telephone de G.C. Menotti y Macbeth de G. Verdi.
Ha actuado en auditorios y teatros de prestigio: Auditorio Nacional de Música (Madrid), L’Auditori (Barcelona), Palacio de Bellas Artes (Ciudad de México), Teatre Principal (Palma de Mallorca), Teatro Dal Verme (Milán) o el KKL Luzern (Suiza), entre muchos otros.
Recientes y próximos compromisos incluyen: Norma (Teatre Principal de Palma), El Martirio de San Sebastián con La Fura dels Baus (Teatro Calderón, Valladolid), Festival de Cap Roig con Ainhoa Arteta, conciertos con la Orquesta Nacional de España, Orquestra Simfònica del Vallès, las orquestas sinfónicas de Galicia, Castilla y León, Sevilla, Islas Baleares, Región de Murcia y Extremadura, Mexico City Philharmonic, entre otras; reaparece al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional (México) y hace su debut con la Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi en el Festival MITO (Italia), la Orquesta Filarmónica del Estado de Querétaro (México) y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Palau de les Arts.
Programa 2021-22
La nueva temporada nace bautizada con el nombre de Esfuerzos, como reivindicación de la profesión del músico. Pretende hacer visible cómo su trabajo es riguroso y duro y, sin embargo, produce un resultado estético de la mayor consideración dentro de nuestra cultura.
Constará de veintiséis espectáculos confirmados que cubrirán una amplia oferta de repertorios y públicos, desde grandes obras sinfónicas hasta conciertos para familias, pasando por fusiones con otros estilos como el rock o el jazz para un público más general. En total serán cincuenta conciertos los que tendrán lugar desde septiembre a junio del próximo año, con actuaciones en seis ciudades extremeñas: Badajoz, Cáceres, Plasencia, Villanueva de la Serena, Mérida y Almendralejo.
Por primera vez, la Orquesta de Extremadura ofrecerá en un mismo curso conciertos, integrados en su programación regular, en los auditorios principales de todos los Palacios de Congresos de la región. Además de estas actuaciones, también como novedad, la OEX destinará parte de su programación expresamente a la creación de contenidos digitales, grabando directos de algunos conciertos para su difusión más allá del evento que solo puede disfrutarse en un momento y un lugar. Se trata de una apuesta por acrecentar el patrimonio audiovisual de la orquesta y ponerlo a disposición del público que no siempre puede acceder a una butaca en un auditorio.
Obras, artistas y directores invitados
En esta temporada 2021-2022 se escucharán cerca de 50 obras, 17 de ellas va a interpretarlas la OEX por primera vez, además de 4 estrenos absolutos y un estreno en España. Sin olvidar el repertorio fusionado con otros estilos como el jazz latino, el rock, el estreno de musicales infantiles, como Las ojeras de la Luna, o una adaptación de El Principito.
En la nómina de artistas que harán su debut con la Orquesta de Extremadura contaremos con los violonchelistas Anastasia Kobekina y Guillem Gràcia, las violinistas Ellinor D’Melon y María Dueñas, la flautista Clara Andrada, la mezzosoprano Clara Mouriz, el marimbista Conrado Moya, los pianistas Josu de Solaun y Anna Tsybuleva, el clarinetista extremeño Víctor Díaz Guerra, los directores Daniel Abad, Jorge Yagüe, Daniel Smith y directoras Beatriz Fernández, Jhoanna Sierralta, Joana Carneiro y Marzena Diakun. Otros solistas a los que invitamos nuevamente son la soprano Ruth Iniesta, los pianistas Daahoud Salim y Lucjan Luc y el oboísta Ramón Ortega Quero. Vuelven a recoger la invitación de la OEX los directores Rubén Díez, Salvador Vázquez, Pablo González, Guillermo García Calvo y Charles Olivieri-Munroe.
Álvaro Albiach volverá a dirigir a la OEX —no ya como titular, sino como principal director invitado—, y a la Joven Orquesta Nacional de España, que dentro de su Encuentro de Otoño actuará en Cáceres, Villanueva de la Serena y Badajoz.
En total, 13 directores invitados, 16 solistas y una agrupación vocal, Lux Contemporánea, interpretarán obras de 37 compositores diferentes. Además de las colaboraciones con bandas y artistas como Second, Abraham Cupeiro, Marwán o una leyenda del jazz latino como es Michel Camilo.
España es la capital europea de la prostitución. Es así como arranca la obra que dirige Andrés Lima. Nada de alegatos, un croché directo a los que ocupan las butacas de la sala de teatro, un texto que desconcierta, nos abofetea, nos hace pensar, malpensar, repensar, llorar, encogernos el alma y sonreír, aunque de esto último poco. Es un tema muy serio. Ya lo dice el texto, Nathalie Poza vomita datos al poco de subir el telón, la cruda y hedionda realidad. “El consumo de la prostitución en España solo es superado por Costa Rica y Tailandia, hay 100.000 mujeres ejerciéndola, el triple que dentistas», y de ellas el 90% son extranjeras; están censados 1400 locales de alterne y el gasto medio anual de sus clientes es de 1500 euros, «más que en frutas y verduras».
Quince el francés y 20 el completo, necesito ganar dinero para mantener a mis hijos dice Poza, sin nómina y sin derechos comenta la maravillosa Carolina Yuste ejerciendo de Lucía, la estudiante de derecho…A nadie le gusta la vida de puta, afirma Carmen Machi en su papel de travesti.
Lima-Boronat nos meten de lleno en un texto elaborado a base de dureza narrativa, juego de personajes magníficamente imbuidos por Machi, Poza y Yuste. Todo un lujo en el panorama teatral.
Para sus autores Prostitución es un espectáculo que se basa en un proceso de exploración sobre la prostitución. Un tema que nos hace plantearnos muchas preguntas, y en diferentes planos, sobre nuestra visión como ciudadanos, como seres humanos y como artistas con la voluntad de reflejar nuestra sociedad. Dan voz a sus protagonistas, las prostitutas. Hablan con ellas, entran en sus clubes, las acompañamos en sus calles. Se trata de iniciar una investigación documental de la que beberá un grupo de artistas–actrices, con el propósito de comprender esta realidad y de plasmarla en una obra teatral. El espectáculo nace en la calle y se mueve hasta el escenario. El espectador vive esta experiencia. Deseo, necesidad, secreto, violencia, ternura, dolor, placer, compañía, pagar por sexo, cobrar por sexo. La experiencia de la prostitución, ponerse en su lugar, subirse a sus tacones, correr el riesgo, comprender.
El tema: la Prostitución. El problema: la trata, tráfico y explotación sexual de mujeres y niñas (y todos los que se derivan de ello: inmigración ilegal, drogas, violencia de género, etc). Las bases del problema: la mercantilización del ser humano. La Industria alrededor de la venta de sexo, la industria de placer. Placer, otra palabra en la que detenerse. Y el dinero, siempre el dinero. Tres actrices: Carmen Machi, Nathalie Poza y Carolina Yuste, comprometidas como mujeres y artistas se sumergen en un mundo lleno de controversia. Abolición, legalización, estigmatización, prejuicios morales, culturales, religiosos e intereses económicos y políticos hacen de la prostitución un tema transversal en nuestra sociedad, que a todos nos afecta y que muchos desconocen. Todo nuestro equipo artístico tratará de acercar al público su voz, su emoción. Desde la entrevista a pie de calle hasta la música en directo nuestras prostitutas alzarán esa voz.
Leonor Watling hace de todo y casi siempre bien. En el cine, sin inmutarse nos hizo acariciarle la piel, hablamos con ella desde nuestras butacas, una paciente en coma al que gritábamos en silencio cada vez que se acercaba Javier Cámara. También la vimos de refilón en Farmacia de Guardia, pocos capítulos al mando de Mercero, lo justo para hacerse un hueco y buscar sitio entre Raqueles. A Leonor la tenemos en Spotify, Youtube, Vimeo y en las apps más tradicionales de nuestro panorama musical, una humilde aplicación denominada como Escenarios, Garitos y Salas de este país. A Leonor Watling le da por entrevistar y ejerce de periodista de una manera tan natural que a veces cabrea. Hace bien poco presentó el late night de Buenafuente, y en ese espacio lleno de focos, público expectante y entrevistado indolente, la actriz y cantante no se arruga, pregunta, pregunta, pregunta y luego pum, dispara una sonrisa. Pero si nos remontamos al año 2013, la cantante de Marlango entrevistó a Tom Waits, cosas de la vida, una entrevista telefónica, un “phoner” como nos dice año tras año el manager de su pareja y también cantante Jorge Drexler. En esa entrevista Leonor rescata el motivo del nombre de su banda, una errata de dicción que Alejandro Pelayo, Óscar Ybarra, ausente desde el 2014, y ella llevan con dignidad en sus seis discos paridos. Queda poco para actuar y el frío nos deja arrecíos en el ensayo, bajar a tocar al sur tiene estos errores de cálculo meteorológicos, piano afinado, chelo afinado, voz afinada, mucho de cine negro… «I wish I was in new Orleans» y algún sitio para comprar una prenda con esencia de picón.
La primera pregunta es obligada ¿Cómo habéis venido? En tren no…
[Ríen]…Leonor Watling– Me dio risa, pero de coraje, al ver la imagen del mapa del AVE den España. No hay quien entienda algo así para esta región.
Queremos saber algo de vuestro último “hijo musical”…contadnos algo de “Technicolor”.
Leonor Watling– Pues mira una vez que encontramos nuestro sonido en español como que ya no nos encontramos en inglés. Fue un proceso muy largo, tardamos muchos discos, hicimos versiones pero hasta que yo encontré como letrista mi voz en español y como cantante el sonido de Marlango en español pues tardamos pero una vez que has cambiado ya es como cambiar de instrumento, es muy difícil. “Technicolor” se le ocurre a Alejandro y la idea al principio era hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe, que es lo que pensaban en los 60 que eran los 40, lo que pensaban los 50 que eran los 30, ese color que es como el color de las polaroid. También es como un guiño hacia esta cosa de que nos creemos los más modernos con nuestros filtros Valencia en Instagram y llevamos un siglo haciendo eso. Lo que pasa es que al final como van a las canciones, son diez canciones que no son una historia, son diez canciones que cuentan diez historias distintas y cada una es un género, pero nos gustó mucho esa sensación. Sonoramente también no hay nada previo, es todo viento, cuerda, piano, batería y voz…no hay nada eléctrico.
¿Cómo componéis Alejandro? ¿Cómo unís vuestras letras y sonidos? ¿Cómo llegáis a sacar discos y canciones?
Alejandro Pelayo– Cada uno hace como sus deberes en separado y privado y lo que hacemos cuando nos juntamos es ponerlo como en común, enseñarle al otro y buscar un lugar donde no se sepa muy bien que ha traído cada uno. Cuando se mezclan las palabras con la música entra el inicio y el reto también de escribir alguna canción que no hayamos escrito de ciento y pico que hemos escrito juntos estando como la familia que pertenece cada canción, como las cartas esas de “la familia esquimal” “la familia india” y tenemos como familias de canciones y buscamos .No somos tampoco tan versátiles como para hacer cualquier cosa, entonces lo que nosotros hacemos es que vamos buscando el elemento extraño y a ese le prestamos atención y luego muchas veces tenemos que juntar varios elementos extraños para construir una canción, o sea las canciones acaban siendo trozos de muchas ideas pequeñas que hay que desarrollar y trabajar para convertirlas en una estrofa, en un estribillo o en un puente un poco Frankenstein.
Technicolor” es hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe
Existe la tendencia a creer que la parte creativa de la composición de la música surge sólo escuchando más música ¿Cuál es vuestra influencia y la manera de que os vengan ese tipo de letras y canciones? ¿Cuáles son esas pequeñas influencias que os van nutriendo en este sexto disco?
Alejandro Pelayo– Todo suma, eso está claro, pero yo creo que no hay nada como el escenario, el caldo de cultivo para lo que nosotros hacemos está en el vino, está en los días que está la comida, está en los amigos, está en el paso del tiempo. También acudimos mucho a la música para abrazar al presente pero el escenario te da como una hora y media de un subidón muy íntimo y poderoso que al día siguiente lo pagas como una fiesta, lo pagas cuando estás volviendo y lo pagas ese tiempo entre semana de conciertos, mientras estás esperando a que vuelva a llegar el escenario…eso es un caldo de cultivo para nuestra inspiración musical.
¿Si no tenéis esas sensaciones es muy difícil sentir esa emoción?
Leonor Watling –Esto es como los resfriados, nunca sabes muy bien donde lo has pillado, a veces sí lo tienes muy claro y dices Buah, ayer me descuidé en el tren, pero normalmente lo vas incubando y un día estás con fiebre. Realmente es una mezcla de muchas cosas.
Alejandro Pelayo– También la vida cotidiana es el esfuerzo de acostumbrarse a la vida cotidiana y de no acostumbrarte al escenario y al revés cuando estás de gira echas de menos el otro lado, lo que te falta, eso acaba provocando mucha música. Nuestra añoranza de casa cuando estás lejos y estar harto de casa cuando estás en casa, bueno cada uno lo traduce a su cuaderno con su lenguaje pero es necesario para las canciones.
Es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público
Vuestro estilo de música perfectamente se adapta a un teatro como este pero también a una pequeña sala por vuestro envoltorio musical, por vuestras canciones, por la sonoridad e incluso por la vestimenta, pero ¿Dónde os encontráis más a gusto?
Leonor Watling-En el cambio, las canciones cambian mucho según donde las toques y yo creo que nos alimentamos mucho de eso también. En verano en un escenario enorme al aire libre tocas de una manera, aquí de otra, en una sala más pequeña de otra y eso es lo divertido. También si solo estás en un nicho yo creo que es más aburrido, esto te hace tener que cambiar todo, a mí lo que me divierte es eso si siempre fuera una cosa muy íntima o siempre fuera una cosa muy grande. Creo que al final te acostumbras pero al estar cambiando todo el rato tienes que estar muy atento, estás un día en un sitio pequeño cantando como si estuvieras en la proa del Titanic [Ríen].
Desde que empezasteis ¿Os planteabais estar en el 2019 actuando, cantando y haciendo esta música?
Alejandro Pelayo– No, porque como nunca hubo un plan más allá de lo que iba pasando de una forma inmediata, pero esa inmediatez nos ha ido llevando de un punto a otro y se ha convertido en una forma de estar bien ocupado. No lo hacemos por ninguna otra razón que porque nos hace bien en eso que hablábamos del equilibrio entre la vida cotidiana y la vida profesional que en nuestro caso es otra que no se ve, hoy no es un día de trabajo en nuestra cabeza. Cuando tenemos que ir a tocar no lo asociamos con ir a trabajar porque trabajar es otra cosa. Eso nadie en su sano juicio lo abandona, lo cuidas y lo proteges. Son las canciones las que van tomando decisiones como ejecutivas, decisiones que tiene que ver con el calendario, con los presupuestos, con cosas que en otros trabajos tiene que decidirlo el jefe, aquí lo decide la música y nosotros a lo que si estamos atentos es a esto no lo vamos a poder pagar ¿Cómo lo hacemos para poder estrenarlo? No hay mucha decisión intelectual.
Habláis de recorrido musical, de vuestros seis discos pero ¿Cómo se encuentra la salud de la cultura musical?
Alejandro Pelayo– Yo creo que es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público. Y ahora tengo la sensación de que se está volviendo a dar eso de que hay mucha música distinta de calidad y funcionando y han pasado cosas en 14 años que hacen que aunque los medios no lo estén haciendo muy bien, la gente accede a esa música. Siempre cargo con vosotros pero es que estamos todos en el mismo barco, también es responsabilidad nuestra, de los músicos y como público también al prestar la atención, cuando vas al supermercado no le das a tus hijos de comer cualquier cosa ni todos los días lo mismo. Hay que prestarle atención a la parte que te alimenta el alma, hay mucha música y un público muy activo y responsable de lo que le gusta.
Leonor Watling– Yo sí que veo un público muy activo, bastante responsable de lo que le gusta, gente que cuida su entorno musical y trata de apreciarlo y darle mimo. Eso ha hecho que surjan grupos tan buenos como Vetusta Morla, Izal o Zahara. La industria no les hubiera dejado, era muy fuerte y ahora la cosa está más abierta. No vamos muy rápido pero vamos a mejor.
Tenéis muchos vínculos con el resto de músicos y soléis colaborar con ellos ¿Qué os aportan músicos como Coque Malla?
Leonor Watling-Pues yo creo que cuando escuchas la canción, hay algo que te lleva a la voz de ese intérprete y ese es el caso de Coque en nuestro disco. Es maravilloso, es un sueño, es como ser director de una película y tener al mejor actor porque esa canción nos costó mucho, le dimos muchas vueltas y Coque se la llevo a donde queríamos que estuviera. David Aguilar, que colabora en otra canción, hace que la canción sea mucho más amplia porque si es una voz solo la que está cantando eso es una versión, pero al tener dos voces estas escuchando dos historias que cuentan algo más profundo.
Alejandro Pelayo– El problema es que podríamos hacer una lista muy grande de gente con la que nos gustaría colaborar pero luego no tienes las canciones para estar a la altura del personaje al que te gustaría invitar entonces cuando tienes algo que consideras que puede estar bien pues no dejas pasar la oportunidad. Tenemos pendiente a gente muy buena como Depredo, Cristina Rosenvinge, Iván Ferreiro, Santiago Userón, Jacobo Serra, xoel López, Vetusta…pero falta la canción.
¿Cuándo viajáis os lleváis algo de la región?
Leonor Watling – [Ríe]…productos de la tierra muchísimos, porque forma parte también de ese viaje fin de curso…[Ríen]. De cada sitio en el que tocamos nos llevamos el dulce típico artesano o algún alimento así, aquí en concreto volvemos con buen embutido y mucho vino.
Antes de que Anna Costa comience su infusión, un perro de 50 kilos, de nombre Manchego, hace las delicias de los insensatos que seguimos refugiándonos y citando a amigos en los bares. Cuando arribe al Café Pavón de Madrid, se fijará en Manchego y en una pegajosa y extraña risa que a lo lejos detendrá en más de una ocasión esta conversación. Tras pasar el Covid hace ya unos meses y aún con la resaca del éxito de Arde Madrid, la guionista, dramaturga y creadora recibe a Cultura OVERdose/ Badajoz para dar un largo repaso a la industria audiovisual pero sobre todo al papel de la mujer en él, sobre las que dice que han venido para quedarse: “no hay marcha atrás”.
“Se está abriendo un lenguaje nuevo, donde no se cuestiona que lo haya hecho una mujer, es bueno y punto y ahí es donde tenemos que ir las mujeres, donde está el talento, y que los temas femeninos estén porque es de cajón, es algo que ya no se puede cuestionar”, asegura. Inmersa en la adaptación de una novela de la que aún no puede dar detalles, rememora, con pocos pelos en la lengua, como fue el arranque de Arde Madrid -la “Catedral” de su carrera- y se queja de que las productoras le pusieran problemas para que la protagonista fuera una mujer: Ana Mari.
“Tuve muchísimos problemas con el tema de contenidos, no tanto con desarrollar lo que había que desarrollar, porque yo apostaba por unas cosas, quería contar cosas nuevas o no lo hacía, para mí no era opcional, no era una serie más sino una apuesta personal”, dice sin tapujos. Ana Mari, una integrante de la sección femenina franquista a la que le ofrecen infiltrarse como sirvienta en la casa madrileña de Ava Gardner en los años 60, se escandaliza y envidia a partes iguales la libertad que goza una actriz extranjera en la dictadura española. “No sólo desde el momento político que hay ahora, es que en el año 63 a Ana Mari no le hubiera tocado -infiltrarse- pero ella se atreve. Era una puesta personal porque yo quería ver ese carácter fuera de su tiempo, yo a estas alturas solo puedo ver las historias desde mí y desde mí no me puedo inventar que una mujer se enamore y se case y se deje engañar… era una cuestión casi de vida o muerte, o lo hago así o no lo hago y así fue”, recuerda.
Tuve muchísimos problemas con el tema de contenidos, no tanto con desarrollar lo que había que desarrollar, porque yo apostaba por unas cosas, quería contar cosas nuevas o no lo hacía, para mí no era opcional, no era una serie más sino una apuesta personal
Ana Mari no es ni de lejos la primera mujer de la ficción con la que Anna Costa se obsesiona –“para trabajar necesito tenerlo agarrado porque yo trabajo cuando se me va la pinza, cuando los personajes me hablan”-. Su versión teatral de Emilia Pardo Bazán obtuvo el reconocimiento unánime de crítica y público. “Con Emilia tuve una sorpresa muy grande porque sabía un poco de ella, pero no sabía hasta donde se había atrevido, que fue muchísimo”. Un personaje sobre el que profundizó sobre todo a través de sus cartas, a su juicio, “de lo que más se aprende”.
“De las cartas se aprende lo que más, yo he escrito mucho desde lo íntimo, cosas super íntimas que encuentras en una biografía, y tiras del hilo, la relación con los académicos, los artículos también, aunque los que ella escribió siempre tenían esta reivindicación, que es lo primero que se ve, pero no se la ve a ella. Lo que me gusta es cómo lo vive porque a partir de ahí puedes desarrollar algo artístico, porque su obra la conocemos todos, pero en las cartas se confiesa, otros le contestan… en lo íntimo siempre encuentro los tesoros”, comparte. Con Ava Gardner descubrió a una mujer que huyó de, en principio, el país más libre del mundo para refugiarse en una dictadura y ser realmente libre.
“Me fijé en Ava porque vivió en Madrid, me quedé sorprendida porque no sabía que había vivido tanto aquí, segundo porque era un tío, una tía con vida de tío, elegía a quien quería, se iba de los trabajos que quería… Hice muchas entrevistas con gente que la conoció y fueron unánimes en su carácter arrollador, hacía lo que le daba la gana, era muy autónoma, anormalmente autónoma sobre todo para ser estrella de Hollywood que estaban muy agarradas por la industria”, explica. Una diva que “para liberarse tuvo que venirse a una dictadura”: “¿qué te parece la paradoja? es brutal. Se vino a un sitio donde no había libertad de prensa para que no la siguiesen, un sitio donde los extranjeros no pagaban impuestos, y donde no había producciones audiovisuales entonces así si le apetecía se iba tres meses fuera a rodar algo. Se vino al paraíso, lo que para los españoles era un sitio horrible para ella fue un paraíso”, remata. Una actriz bendecida por una belleza aplastante, que que para Costa se convierte en “tormento” al no poder evitar la tentación de pensar que pudo comportarse como quiso “porque estaba buena”. “Emilia decía en una carta que claro, que si hubiera más agraciada… pensar que las mujeres tendríamos más lugar si fuéramos más guapas es muy triste”, reflexiona esta creadora que ya tiene su lugar más que conquistado en la industria.
Desde ese lugar analiza también la situación de los artistas españoles. Esos que durante los meses de confinamiento nos hicieron la vida un poco más entretenida a través de las múltiples plataformas audiovisuales que copan nuestras televisiones, pero que no reparten sus ganancias de manera muy equitativa. “Es muy difícil ser artistas en este país, porque a lo mejor haces un trabajo que te pagan bien y Hacienda se lleva la mitad y estás tres años esperando al siguiente proyecto, y cuando lo vas a arrancar no te queda un duro”, comparte sin pelos en la lengua. “Habría que tener mas empatía con el arte y lo que significa ser artistas, tienes que estar mucho tiempo haciendo un trabajo que nadie te paga, es tremendo porque todo el mundo tira de la ilusión hasta que te plantas en los 40 y dices ¿ahora qué? ¿sigo con la ilusión?”.
A pesar de ello y de todo lo que nos rodea, espera al futuro con calma y con ganas. Desde la Academia de Cine, donde es mentora, puede ver la generación que viene pisando fuerte y que trae “grandes novedades en cuanto a temáticas, perspectivas y talentos”. “Todo empieza a cambiar, el tema de la pandemia va a ser muy poderoso para dar enfoques nuevos, y para la gente que tiene visión de futuro. Ya ha traído cambios en la industria, las salas no sabemos si sobrevivirán, las plataformas están pidiendo una cantidad de contenido brutal y es momento de ofrecer temas”, asegura. Así, ve el vaso medio lleno y anima a los que comienzan: “tienen una oportunidad maravillosa, buenísima, es una generación muy puteada que les ha tocado momentos durísimos y desgraciadamente esos son los mejores momentos para la creatividad”. “Para el arte la pandemia traerá cosas muy buenas”, augura.
Las mismas que debería traer para las mujeres artistas, para devolverles al sitio que merecen y que a día de hoy, les siguen obstaculizando con demasiada frecuencia. Mujeres españolas que lucharon contra viento y marea y que a pesar de ello siempre propusieron algo nuevo a los espectadores. Mujeres como Pilar Miró, Gracia Querejeta, Iciar Bollaín, Isabel Coixet…según enumera Costa, de las que no se declara “absolutamente fan” pero en las que “siempre” vio “algo que no estaba en las películas masculinas” de su época.
“Ahora lo valoro mucho, decir que estas tías llevan 30 años peleando por pelis femeninas con mucha categoría y en contra de todo el mundo, porque eso si que era durísimo, en ellas siempre me he mirado porque sabiendo como era este país que aguantaran ahí tiene mucho mérito”, dice. Una lucha a veces silenciosa que ha pavimentado el camino de tantas otras mujeres, que aún hoy en día tienen que seguir batallando. Para Costa, el viaje es largo y las estrategias variadas.
Habría que tener mas empatía con el arte y lo que significa ser artistas, tienes que estar mucho tiempo haciendo un trabajo que nadie te paga, es tremendo porque todo el mundo tira de la ilusión hasta que te plantas en los 40 y dices ¿ahora qué? ¿sigo con la ilusión?
“En este país primero machacamos y luego ensalzamos”, dice sobre el caso de la actriz y directora Leticia Dolera, quien hace ya muchos años venía señalando la discriminación y los abusos hacia las mujeres en el mundo del cine y también sufrió represalias por ello. “Ella cogió un camino muy duro, yo no me atrevería porque para ser cabeza de turco tienes que tener mucha energía y a mí ese momento se me ha pasado, pero como se me ha pasado lo cojo desde dentro, yo ya lo tengo, las que vengan detrás de mí y me quieran tomar como ejemplo pues por mí encantada, pero yo ya no reivindico, lo hago”, zanja.
Tras más de una hora de conversación y una infusión sin terminar, el perro Manchego ya no está, ni está la risa escandalosa que se quedará clavada en la grabadora, entre la voz de Anna que no toma licencias, que por debajo de la mesa, sin enseñar los palos de su baraja, nos encandila con personajes que nunca antes habríamos visto en la pantalla. Anna Costa, que ensalza la historia de vida de la grandísima María Teresa León o la pionera Josefina Molina. Que dice que Gloria Fuertes se merece una serie, y quien sabe si será ella quien la escriba o las cientos que vendrán detrás, aupadas por su estela, a las que pide poco, pero sí que hablen “desde ellas siempre”. “Que confíen en que nuestra voz y nuestra mirada está bien, no hay que ser impostoras de otro género, no tenemos que contar otras cosas, hay que tener los ojos abiertos y confiar en esa mirada porque es muy interesante, y contarla, no debemos ocupar el lugar de ellos, ya no hay marcha atrás para eso”.
Entrevista.Macarena Soto Fotografía. Anna Costa / Movistar + / Teresa Arilla (Obra de teatro «Emilia»)
