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Vinila von Bismark o el estribillo burlesque de Johnny Cash

Nada de miradas hostiles…ni expresividad…al principio actúas como una buena chica, pero después de matar al hombre que encontráis en la cabaña, te vuelves mala…¿Sí? La primera mitad, buena chica…la segunda mitad, mala…Jacques Tourneur a Jane Greer sobre su interpretación en Retorno al Pasado…

…Estamos grabando Vinila, ahora eres mala, una femme fatale, eres la chica de los videos clips que rueda tu hermano…¿Ok? ¿Estás cómoda? Olvida esa foto de tu anterior visita a la Sala Aftasí…ahora eres mala…en el camerino se ha quedado Irene…esa chica de Granada que salió escopeteada…buscando ser el estribillo de Johnny Cash en un vodevil de sueños…¿Sí?…olvida lo que pasó hace horas…ahora eres Vinila Von Bismark y tienes menos años que la chica de ayer…eres burlesque…eres parafina de Rock’n’Roll… necesitas surfear en la frontera de tus tatuajes…necesitas esconder el cuerpo del delito en el maletero de Tarantino…colocarte la gafas de la Dietrich para la entrevista…pintarte los labios pin-up…necesitas vender tu corazón con Yaila de fondo…reservar tus rulos rubios entre mantillas de mujer piadosa…Vinila, antes buena…después de darle al rec de mi grabadora, chica mala…¿Ok?

Ahora estamos con Vinila von Bismark, ¿Quién es esa tipa?

Vinila es la que hace el trabajo sucio, la que acude a las entrevistas, la que se sube a los escenarios, un personaje creado…detrás está Irene, una chica un poco más tímida, una trabajadora constante…Vinila está aquí básicamente para realizar los sueños de Irene (ríe)

El título del disco es una buena metáfora para describir un álbum difícil de encasillar. En “A place with no name” hay atmósferas de elegante y densa oscuridad, ritmos hipnóticos cargados de exotismo, magia y sensualidad; también canciones vibrantes donde Vinila demuestra el amor por su tierra natal con ritmos y melodías de reminiscencias árabes y mediterráneas, y donde por supuesto, no falta el Rock’n’Roll.

Teatro, rock, burlesque, freak show…¿Qué ofreces en tu último espectáculos?

Exotic Rock´n´Roll Live Show…así de sencillo (ríe)…lo que llevo en mis últimos espectáculos es una evolución de mi vida, empecé en Krakovia (Krakovia fue una banda de rock formada por la Vinila, y el cantante italo-hispano-alemán Petra Flurr, que procedía de grupos de punk underground de Berlin, eran las voces de esta formación. Llevaban batería, contrabajo, dos guitarras, moogs, dos coristas orientales …) luego con los Lucky Dados, ahora mi disco en solitario para mí es una evolución , unas ganas enormes de poner mi corazón encima de la mesa y quizás este disco tiene mucho más de Irene que de Vinila, he vuelto a mis raíces granadinas, donde dentro del rock´n´roll he dado paso a ese tipo de melodías más morunas, un punto flamenco con esencia árabe…es lo que mamado desde chica, de hecho mi padre es musulmán, ya no es que quiera homenajear Granada sino también a la familia.

“Vinila está aquí básicamente para realizar los sueños de Irene”

Entonces, después de luchar tanto por salir con éxito de tu tierra vuelves en cierta manera con este “A place with no name”…

(Ríe) …mis inicios en la farándula nocturna, en espectáculos y performance me daban mucha fuerza, aunque mi vuelta a Madrid fue un claro retroceso, donde tuve que subirme a los pódium de las discotecas, eso me hizo aprender mucho y darle valor a lo que dejé en mi tierra.

Eres, por mucho que te empeñes, muy joven pero ¿Cuándo decides realmente ser Vinila von Bismark, subir al escenario a esa mujer tan potente?

Ese día surge cuando cojo mis maletas con 18 años y le digo a mi madre que me voy a Madrid, surge de rodearme de gente muy especial y de estar con discos de vinilo desde muy chiquitilla.

¿Cuáles son tus influencias que te han servido para atrezzar tu estilo?

Me nutro de las mujeres fatales, de las femme fatale del cine de oro americano como Marlene Dietrich , mujeres con carácter, con personalidad fuertes con ese punto andrógino. Y mis influencias musicales son muy eclécticas, me gusta el funky, el soul, la electrónica, el rock´n´roll, el ska…de todo un poco.

Quizá ese sea uno de tus rasgos que te hace aún más atractiva, aunque realmente está mal visto por la crítica en España, el no poder encasillarte molesta mucho en este país…

…es difícil cuando sobre todo con discos anteriores, por el mero hecho de hacer un disco rockabilly por ejemplo, un género muy purista por otro lado, quieres cambiar de géneros y hacer lo que me apetece. Este país no está acostumbrado a eso, yo tengo amigos en Estados Unidos, verdaderos musicazos que tienen una carrera de la leche y hay meses que tiene que trabajar de camarero y nadie les juzga…en este país se vive de la crítica…(ríe)

“Me nutro de las mujeres fatales, de las femme fatale de la época dorada del cine americano como Marlene Dietrich”

…y siendo crítica contigo misma…¿Con qué etapa te quedas de tu carrera?

¿Sabes qué? Aunque sea más dura, me quedo con la de ahora, a pesar de la crisis, de la política cultural que se está haciendo, del 21%, aun siendo jodido, eso te da más ganas de tirar para adelante yo sola.

Vinila, lo pones todo como una película de terror…hablemos de cine y música….¿A qué director le pondrías una canción tuya?

Me encantaría ponerle música a una peli de Tarantino…daría un tatuaje por ello…(ríe)

Tus videos, tu estilismo, tu decorado diario está muy trabajado… ¿Qué te aporta en tu trabajo?

Mi hermano es la persona que me acompaña siempre en el tema visual, la portada de mis discos, mis videos…es una pasada.

El personaje de Vinila ¿Se nutre de tatuajes y burlesque o necesita más vitaminas para pegar fuerte en el escenario?

Yo creo que me da autenticidad, que aun siguiendo una estética de los años 50´, sigue siendo muy potente en la actualidad, la verdadera vitamina es el mensaje de los tatuajes y no el dibujo en sí…y sobre todo tener la libertad de decir lo que piensas aunque la cagues, me da mucha energía para seguir siendo quien soy. Intentar no dejarte embaucar por los mainstream y mantener tu línea. Ese es mi personaje.

“Me encantaría ponerle música a una peli de Tarantino…daría un tatuaje por ello”

Fuera del personaje ¿Qué escuchas en tu día a día?

Escucho todo tipo de música, entre Lole y Manuel hasta Yma Sumac, pasando por Guadalupe Plata y terminado con mis colegas de los Lori Meyers. Tengo un abanico bastante amplio, además me gusta escuchar las novedades o a gente que va a sacar disco como la Bebe.

Ya has estado en Badajoz…hace dos o tres años…¿Cómo ha cambiado Vinila?

Tenía menos tatuajes…(ríe)…sobre todo he ganado experiencia y mucha gente buena…ahora toca prender mucho para llegar hasta donde quiero llegar…

¿Y hasta dónde quieres llegar?

Hasta la fecha, estoy llegando a donde quiero…ver a la gente divertirse, verla bailar y reírse…eso ya es mucho

Te da tiempo a crear tu propia ropa vintage , a pinchar, a sacar discos…!incluso a hacer gira por California!

(Ríe)…si es curioso nos vamos a tocar el 14 de junio a California con Peter Murphy, Gary Neuman, Wanda Jackson…en un festival brutal… es algo que me motiva muchísimo…lo que no entiendo es como no estoy en ningún cartel español y si tengo concierto en festivales en Estados Unidos…

Redactor. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

3 de marzo de 2021
Robe Iniesta «Un suspiro acompasado»

Un rato, un suspiro, una presencia distaste pero acompasada, en el espacio más bestia y genuino de su gira teatrera, el romano de Mérida, un enclave jadeado por miles de seguidores emocionados, un acierto del Stone & Music Festival como regalo musical. Robe Iniesta gira sentado con su falda revolera, vestigios de Extremoduro, más onírico, más pausado, más crítico, voz hecha jirones, puro Robe, toca la guitarra, sabemos de su paradero, desde lo lejos, escuchamos un suspiro, habla, sueña con su voz, la banda hace el resto, el público corea, el teatro disfruta en silencio, en un suspiro acompasado.

He notado una brisa pasajera
Que me ha dicho que tal vez, si quisiera…
Respira y noto su respiración,
habla y sueño con su voz,
Y con ella.

Aunque ya no esté, tengo mis razones
para ver que hay ocultas conexiones,
Si ella baila yo encuentro una canción que habla de nosotros dos.
Quédate en silencio y oye el ruido de mis tripas soñadoras,
Que sueñan con comerte a todas horas,
Ruge el deseo contenido.

Gira, y yo la espero,
se va y a la vida le pierdo el apego,
Y el juicio, y ayayay recupero
si encuentro un indicio de su paradero.

Robe Iniesta y su banda en el Stone Music Festival de Mérida. Canción “Un suspiro acompasado” del disco Lo que aletea en nuestras cabezas | Texto. Willy López |Fotografía. Félix Méndez

8 de febrero de 2021
Christina Rosenvinge «La necesidad de contar todo lo que ocurre hasta que una canción se graba»

Christina es mucho más que hacer chas y aparecer a nuestro lado, Rosenvinge no sólo conduce hasta Chicago para enamorarse una vez más, no conduce siempre en camionetas de amigos hasta pisar Nueva York, la hispano danesa no es la señorita que rima contigo, no es la favorita que te ronda siempre alrededor, la madrileña mantiene la distancia adecuada en época de pandemia, la cantante no es Alex, no es Subterránea, es mucho más que mil pedazos de un corazón con alas en una habitación, la escritora supera el lado salvaje de la vida, espera la llamada de Lou Reed que se pasea tranquilo con traje de chaqueta, Christina Rosenvinge ya tiene olvidado que fue la princesa de la autopista, la chica a la que hasta los polis le besaban los pies. Christina Rosenvinge es una desconocida que se permite la temeraria osadía de debutar con más de veinticinco años de canciones. Ya lo dijimos, la autora no es mainstream, no es rock underground no es pop independiente, es una mujer capaz de recorrer los lugares, los relatos y las reflexiones que subyacen a las letras de años y años de trabajo.

Una canción nos evoca la época en que la descubrimos. Al que la ha escrito, le devuelve al momento preciso en que la creó. Christina Rosenvinge recoge en este libro las letras de toda una carrera junto con la recreación de los cuadernos que la acompañaron en cada momento. En ellos retrata la intimidad de esos días tranquilos entre gira y gira en los que aparentemente no pasa nada, y en realidad está pasando todo. Sus textos son también testimonios de una carrera musical que ha cruzado décadas, fronteras y estilos con una lucidez insobornable. Son testimonios de la siembra, el empeño y la incertidumbre ante cada proyecto; son también reflexiones sobre el amor, la libertad y el poder femenino; son, en definitiva, reflejo de los momentos que cruzan una vida y que la memoria se empeñaría en borrar si no estuvieran pegados a la chispa eléctrica de una canción. Cruzan este libro las referencias literarias, musicales y artísticas que han influenciado la obra de la cantautora y cierra el volumen «La palabra exacta», un ensayo en el que indaga en el arte de escribir canciones, una reflexión sobre los secretos de hilvanar palabra y melodía en el verso cantado.

Hace pocos años pudimos ver a Rosenvinge en la región de negro, rockera, con mucho ruido y pelos alborotados, ahora la vemos de blanco, crema, con chaqueta gris, con los labios como el único color rojo que resalta la claridad de sus facciones, de su vestimenta, esconde la mirada debajo del sombrero que la protege del calor salvaje del oeste extremeño. Libro en mano conversa, comenta, sonríe y se alegra enormemente de estar en una Feria del Libro, ¡Con la que tenemos encima! Christina confiesa que el origen de su libro tenía como fin ser una apología de sus letras para convertirse con el tiempo en un ensayo para reivindicar las canciones como una forma más de literatura, algo que no está valorado, comenta. Al final todo queda en este libro, donde los textos dialogan con los discos de mi vida. No se trata de memorias o de contar sucesos sino de crear una especie de cuentos de relatos con una intención literaria que conversen con las letras de las canciones. Una experiencia desde dentro, todo lo que ocurre hasta que una canción llega a grabarse.

Eso de ser músico está idealizado, al menos Rosenvinge nos cuenta que aunque las letras de las canciones muestran sencillez, a veces parece que no hay esfuerzo, pero encontrar esa frase sencilla que lo dice todo requiere mucho esfuerzo. Es verdad que las letras de los músicos conectan de una manera más potente que cualquier otra forma de escritura, pero eso no resta la dificultad de crear.

En Debut podemos leer notas de humor, relatos íntimos, superación, familia, fuerza femenina y muchas ganas de registrar momentos claves que han dado luz a letras de canciones y melodías para el imaginario musical. En Debut podemos palpar que las letras vienen después de las melodías, arrastran vivencias crueles, historias de casas de farra internacional en Tetuán, de coches averiados en viaje de novios en un puente trianero, de un Romancero gitano de Lorca con edición argentina en la mesilla de un padre quebrado por la verdadera realidad de un país ciclotímico. Christina detalla un momento suicida pero que le aportó una gran libertad creativa, el salto a Nueva York durante seis años. Fue una decisión de esas que no piensas, ir a Nueva York y compartir ese momento artístico de la ciudad donde ya tenía un pie, pero que realmente por el desarrollo profesional tenía pocas posibilidades de pertenecer. Tuve la suerte de estar acompañada por una comunidad de artista increíble, muy potente, que me alimentó en todos los sentido, fue una suerte de máster profesional.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

3 de marzo de 2020
Pau Donés «Cada suspiro es un soplo de vida robada a la muerte»

En la prueba de sonido una camiseta de Formentera, ojeras del cansancio y un tatuaje con la palabra amor. Juegan con los instrumentos, Ferrán y todo el equipo técnico afinan el arte de los músicos; Jarabe de Palo en versión jazz, con la voz ronca y dulce de Pau. Iluminados, únicamente, los músicos en el escenario y un taburete solitario que espera el culo de Donés. Bambas, vaqueros y una camiseta negra con otro tatuaje, la fecha de su nacimiento, 11-10-1966. Pasamos de hablar del futuro y su mirada nos lo agradece. El disco del fondo sigue girando, sigue soñando…50 palos y sigue soñando, soñando que ahora empezamos de cero, que el tiempo es humo, que el tiempo es incierto…abrázame fuerte amor te lo ruego por si esta fuera la última vez.

50 palos…disco, libro y gira

Son mis 50 años y los 20 de Jarabe de Palo, es un proyecto que tiene tres cosas, un disco, un libro y un espectáculo que es lo que nos traemos ahora entre manos. El disco contiene 21 canciones, nuestras canciones más conocidas instrumentadas y con mi voz, más un tema nuevo escrito en estos último dos años. El libro 50 pequeñas historias está construido de anécdotas, ideas y pensamientos que quería compartir con la gente. Y por último el espectáculo que es lo queremos que todo el público comparta en directo con nosotros.; la salsa y el mecanismo de hacer nuestro trabajo. Somos músicos, desde el primer día, con la crisis, sin ella, con enfermedades y sin ellas…

Como profesionales de la música recorriendo medio mundo para tocar en sitios como éste. El que estéis hoy en Badajoz, en este teatro, ayer en Gijón y mañana en Sevilla, suponemos que es duro pero también un placer…

…¡Lo nuestro es un lujo! Es como un niño que se va a Disneylandia y cada día se puede subir a una atracción diferente. Vamos a hacer más de cien conciertos, venimos de Gijón, Zaragoza, Barcelona, hemos estado ya en Miami, en Arizona, en mogollón de ciudades norteamericanas, vamos a estar en Buenos Aires, en Méjico, Roma, Nápoles…imagínate el placer de viajar con nuestra profesión, un lujo total.

Vivir…¡Es urgente! ¿La factura del cáncer se combate obviando el futuro?

El vivir es urgente es algo que lo tengo claro desde hace mucho tiempo…también hay otra frase que decimos en Jarabe de Palo; a la vida no hay que echarle huevos hay que echarle ganas…como escribo en la web hacer las cosas por cojones no suele funcionar, porque tan importante es el resultado como el camino recorrido. La vida es un regalo y el futuro no existe, vivamos el presente y vivamos el momento de verdad. No pensemos tanto en el futuro. Ni nos apoyemos en el pasado, es decir, lo que verdaderamente mola es el ahora. El cáncer no me ha enseñado nada, no ha cambiado mi vida. Me diagnosticaron el cáncer hace dos años, me han operado tres veces, he hecho dos tratamientos de quimio y mientras, en todo ese tiempo, he hecho un disco, un libro, he preparado una gira, llevo veintitantos conciertos para llegar a cien, o sea que…la vida es urgente.

A la vida no hay que echarle huevos hay que echarle ganas

De esas canciones, Humo, el tema inédito, ¿Supone un legado de tu vida, un tatuaje sellado en una melodía para amar la vida?

Yo siempre he escrito canciones de amor a las mujeres, uno de los éxitos de Jarabe de Palo, la Flaca, Agua y tantas otras pero nunca había escrito una canción de amor a uno de mis grandes amores, que es la vida. Me levanté un día, de estos dos últimos años y pensé que mi gran amor se me escapaba y entonces decidí escribir la canción de Humo. Esta canción contesta un poco, con un tono así durete, a mi amada, que creo que se me va.

Tus conciertos, vuestros directos son potentes y con una base de rock que choca con esta gira, donde los instrumentos hacen nanas dulces y profundas de vuestros éxitos de estos veinte años…

Nosotros hacemos rock latino, y lo que la gente conoce con los arreglos de batería, contrabajo, percusión y demás, no lo van a encontrar en estos conciertos, el aire de las canciones es totalmente distinto. Son las misma canciones, las que hemos seleccionados de nuestra discografía pero suenan con un toque mucho más clásico, más jazzero incluso, sin duda, una forma de tocar más emocionante….

Nunca había escrito una canción de amor a uno de mis grandes amores, que es la vida

…¿Más melancólica?

Si, más melancólica, algo hemos notado en los conciertos que llevamos es el grado de emoción que provoca en la gente, que es lo que buscábamos, volvemos a encontrarnos con la gente en espacios donde estuviéramos cerca y provocar esa emoción, ese sentimiento.

Entre esos conciertos que te quedan, que serán muchísimos, ¿Volverás a contar con los tantos colaboradores compañeros músicos que te han acompañado toda la vida?

Una de las cosas buenas que me ha dado todo esto de la música es precisamente poder compartir escenarios, estudios, letras…en definitiva, compartir música con la gente a la que admiro. Seguro que en el futuro habrá ese encuentro…pero te digo, no pienso mucho en el futuro, no tengo mucho interés en él, tengo mucho interés en el presente, en esta gira, en vivir…

Entrevista. Willy López | Fotografía Félix Méndez

3 de marzo de 2020
Gene García «Pellizco de rock & blues en el delta del Guadiana»

Qué carajo tendrá el río Guadiana que huele a Mississippi. Terruño húmedo de poetas y pintores. Río enmudecido, harto de aguantar jamelgos de frontera y proxenetas de nenúfares. De su lodo se han expoliado de manera continuada, textos firmados por Ibn Marwan, fajines de generales, estrofas de Lencero y cuatreras canciones de tipos como Gene García.

Batiscafo, caña de pescar y anzuelo. Ha picado. Un Gene de algo más de cien kilos, envuelto en escamas de Paramahansa Yogananda, dando buenos coletazos a lo Moby Dick, ¡Por allá resopla uno de los Inlavables!, camisa y voz negra, riñón y corazón de pura trementina, todo vuelve a funcionar. Recogemos el sedal. Es tiempo de meditar, de volver a cocinar después de tener tantos años la nevera vacía. Es hora de comer patatas, qué ricas están fritas, y guisadas, qué sabrosas, en puré son exquisitas, y en tortilla, qué jugosa…Yo, sí… yo, sí… yo sí como patatas…le hacemos los coros mientras pelamos al artista.

Le deseamos lo mejor el día que la Sala Mercantil chapaba sus puertas, le dimos la bienvenida el día que Elvis estuvo de visita por Extremadura. Pero antes lo vimos repartiendo balones de baloncesto, tocando en los garitos de medio país, pinchando discos al estilo del Doctor G, y pintando a los grandes bichos del jazz, ahora del flamenco, sin jindama y como mucho pellizco, ese mismo respingo que destila cada vez que suena alguna de sus armónicas. Disco en solitario, solitario con sus meditaciones, meditando su pasado, un pasado cargado de melancolía rockabilly. Cumpliendo años desde su trasplante, nueva vida al ritmo de una octava de blues, un gruñido de rock, depurando la manera de hacer música, como esa con la que W.C. Handy quedó cautivado por un guitarrista; tocar con un cuchillo y cantar en una estación de tren de Mississippi en 1903.

Me quedé ciego siendo niño, a los siete años más o menos. Mi madrasta me echo lejía a la cara…para vengarse de una paliza que le dio mi madre. Sí, negra suerte. Blind Willie Johnson

Gene García…¿Quién eres?

En los tiempos que corren, alguien se para a pensar eso, ¿Quién coños somos? …[Ríe]…ahora mismo tengo dudas, y surgen cuando uno sabe quién es exactamente todavía. Lo único que hago son cosas, creo cosas de la nada, saco discos, canto, pinto…pero eso creo que no tenga ningún trasfondo para saber quién eres realmente. Yo si me lo cuestiono continuamente, y el hacerme estas preguntas tiene una doble lectura; se intuye una cierta inseguridad en este paso por esta vida y a la vez, plantearme esta cuestión me una seguridad de la leche, aunque la primera parte oculte la segunda. Esa es la duda, algo muy importante, ya que la duda debe estar presente siempre en nuestro existir, te hace pensar, investigar, escuchar…

…y más después de la gran batalla que has vivido…

Después de este varapalo físico y emocional aún me lo planteo con más ahínco…¿Por qué sigo aquí? ¿Por qué sigo tan activo después toda la movida? ¿Quién ha decido que yo siga en este mundo? Soy un afortunado de poder estar aquí contigo y poder plantearme estas dudas…

Nosotros también tenemos enormes dudas…¿Qué movimiento en la ciudad te atrapa para meterte de lleno en la música?

En 1984 hubo una especie de explosión de radios piratas, éramos unos chiquillos, y con catorce y quince años descubrimos que Radio Pardaleras era el crisol de la hornada de los locutores actuales de la ciudad que se dedican a la comunicación, Zarzo, Luki, Lorido…

Me acuerdo de que iba a la radio a las 4 de las tarde con un saco de vinilos con una ilusión tremenda para hacer nuestro programa. En aquella época había grupos potentes, Inlavables entre ellos. Viendo estos directos fue como me enchanché a la música realmente…

La duda debe estar presente siempre en nuestro existir, te hace pensar, investigar, escuchar…

¡Inlavables! Más de treinta años siendo unos de los reyes de rock y el blues de la región

[Ríe] Y unos sinvergüenzas apasionados de la buena música. Hace años que Inlavables arrancó como grupo, y al poco me reenganché…me acabo de acordar de los difícil que era vivir de la música…pero es que ahora está el tema peor…[Ríe]…en los inicios pasamos horas en el Estacha, de 10 de la noche hasta las 6 de la mañana, ¿Motivo? Porque nos llevábamos el 25% de lo que sacaban en la barra…[Ríe]…nos interesaba tocar hasta reventar. Éramos cinco componentes Luis Vera, Alfonso Sáez, ambos salieron en el 93, José Aranda, Tony Cortés y yo. ¡Pero recordemos que antes existía Tony el Mugriento y los Inlavables!…hoy puede ser el día de tu suerte, hoy puede ser el día de tu muerte, una canción punk que se llamaba el Cupón de la ONCE…[Ríe]

Me acuerdo con diez años que iba al estudio de Ángel Pérez Espacio, me sentaba a su lado y me dedicaba a mirar

Recuérdanos la clásica propuesta que os ofrecieron a nivel discográfico

Nos pasó una cosa que a la larga marcó a la banda, teníamos que ir a grabar a Madrid pero la noche antes de partir nos robaron todos los instrumentos del local, pero nos dejaron el material otros compañeros de Badajoz, Oliver y compañía. Tocamos como abducidos por algo y recuerdo que tal fue la grabación que a un tipo de la Warner, el señor Regatero, le encantó la canción del Cupón de la ONCE y nos propuso un precontrato…el día de firmarlo tiene un accidente con el coche y fallece…no pudimos firmar nada y esa historia se acabó. Aunque ya con la nueva directiva me propusieron firmar un contrato, pero no quise hacerlo, quizá me equivoqué porque pude firmar y seguir con los chicos.

Con las letras de Gecko Turner, la dirección de Antonio Gil Aparicio y todo el elenco de Inlavables saca unos de los primeros videos de la región, Hot Box Blues, al que siguieron unos años dorados de la banda, actuando en toda Extremadura y fuera de ella, compartiendo escenario con ilustres como Salif Keïta, Bob Geldof, The Pogues (con Joe Strummer), Siniestro Total o Los Lobos en el primer WOMAD de Cáceres. Van creciendo, con bolos y sonido puro y directo. Entre risas comentamos que ahora se puede tener en un bolsillo toda la música del mundo, pero esa accesibilidad también ha provocado una velocidad de consumo muy perjudicial para paladear los sonidos de una canción.

Tocamos tierra y actualizamos a Gene, nuevos singles para ir avanzando tu Génesis, disco en solitario

Génesis es una huida, un paso hacia adelante, empezar a trabajar con otro tipo de músicos y empezar a trabajar con otro tipo de conceptos, manteniendo a mis músicos de siempre para no cometer el mismo error de hace 30 años…[Ríe]…es algo que necesitaba. Reúno a pedazos de músicos, Víctor Zamora, Cicero lee y Joel Silva, para hacer un pedazo de música. Sólo hay un problema, esta música se aprecia fuera de nuestras fronteras, donde espero que viaje el disco cuando se lance, aquí tenemos un público muy reducido. En Méjico por ejemplo el lanzamiento dl primer single ha tenido mogollón de visitas. Es el momento de sacar mi propio disco como Gene García.

Danos tus referencias, los que desde que pinchabas en radios piratas hasta ahora en tu programa en Canal Extremadura Radio…

…los negros, los afroamericanos, el soul, el jazz, el rock…toda una música que nace del sufrimiento, y aunque yo me considero un tío muy alegre también tengo una cosa muy potente y muy cercana al sufrimiento para luchar por todo, mi trabajo, mi familia, mi música, mi puntura o por mi salud. Toda esa música que emerge del dolor es, por regla general, muy visceral, muy potente, muy buena. El lamento produce arte. Me quedo con toda ella.

En Black Portrait, la exposición de rostros del jazz y el soul ya recoges esa esencia de música de raíces sureñas norteamericanas, de origen afroamericano, algo muy parecido que acabas de presentar con El pellizco sobre el Cante gitano, también de raíces del sur y encanto popular…

Desde que era chico pintaba, nunca he tenido ningún estilo ni tengo estudios sobre ello, pero tampoco me ha interesado profesionalizar mi vida con el arte, con la pintura. Me acuerdo con diez años que iba al estudio de Ángel Pérez Espacio, me sentaba a su lado y me dedicaba a mirar, y cuando me ofreció pintar yo solo daba brochazos rápidos y sin mucha parsimonia, algo que para como decía muy bien Ángel, me condenaba a aburrirme muy rápido de la pintura. Mi padre quiso costearme la carrera de Bellas Artes pero me negué, porque para mí la pintura representa una manera tranquila de expresarme, sin entrar en riesgos profesionales. En estos últimos años, con el lastre de mi estado de salud, asumí que tenía que coger ese peso, como la canción de The Band, y soltar el lastre que mi padre siempre quiso de mí con la pintura. Ahí nace los retratos de jazz y la esta última exposición sobre el cante gitano que ha financiado la Diputación de Badajoz.

Toda esa música que emerge del dolor es, por regla general, muy visceral, muy potente, muy buena. El lamento produce arte

¿Tu primera emoción con una canción?

Pues en el nuevo estudio de Pérez Espacio, ya con doce o trece años, descubrí que tenía una colección de disco brutal. Él fue el que metió todo esto en la cabeza. Tenía vinilos de rock, blues, jazz y de Elvis, muchos de Elvis Presley. Me acuerdo que me preguntaba si podía haber alguna canción que superase a Thriller de Michael Jackson, y gracias a los 50 discos que me llevaba cada tres meses para escuchar descubrí verdaderas joyas, canciones vacilonas de los años 60´70´y 80´. ¡Una locura!

¡Gran vuelta la tuya con el concierto de Elvis con la Orquesta de Extremadura!

Era algo necesario, un proyecto que nació antes del trasplante y que tuvo que esperar, menos mal que se hizo, buena señal…[Ríe]…para darle sentido a todo lo que hemos hablado anteriormente. Cerrar en cierta medida el círculo, más allá del homenaje que rendimos al Elvis. Rendir tributo al rey del rock en el 40 aniversario de su muerte el día en que nací yo, el 18 de mayo. Es un placer tocar con los grandes músicos que tiene la Orquesta de Extremadura y con el director César Guerrero y mis Inlavables.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

22 de octubre de 2019
Músicos en Movimiento «Un sello musical itinerante de raíces extremeñas»

Todo el mundo intentando venderte algo…intentando comprarte…queriendo meterte en su melodrama…su karma, su cama, su salto a la fama…su breve momento de gloria…sus dos megas de memoria…subirte a su nube…como un precio que sube…para luego exhibirte…como un estandarte…no encuentro nada más valioso que darte..nada más elegante…que este instante…de silencio…Silencio / Jorge Drexler

Jimmi Hendrix suspendió la asignatura de música en el colegio…un profesor donde estudiaba Angus Young, guitarrista de AC/DC le dijo que nunca llegaría lejos, su venganza sobre el escenario vestido de colegial…Beethoven solía sumergir su cabeza en agua helada antes de componer su espectacular música…a Madonna cuando tenía 15 años le castigaron todo el verano por escaparse para ir a un concierto de David Bowie… Aretha Franklin tenía miedo a volar, perdió muchos conciertos…y hace poco perdió la vida…Gene en su actuación con la banda The Moonchers…le rindió un merecido homenaje…versión de la gran voz femenina del soul.

Un verano más y otra edición, ya consolidada, de Músicos en Movimiento. El mismo Gene ya lo comentaba en la anterior edición Músicos en Movimiento es una buena opción, una opción que debería de convertirse en una actividad anual. Hay que encajar algunas cosas, como la difusión, las fechas de los conciertos en las localidades para no coincidir con otros eventos y demás. Para los músicos supone dar a conocer sus nuevos temas a su propio público en unos meses de verano donde los conciertos empiezan a escasear. Es muy importante la continuidad del proyecto para que se afiance.

En estos seis conciertos itinerantes del 2018 el proyecto toma fuerza. Para Óscar Elías, el promotor de esta iniciativa patrocinada por la Diputación de Badajoz, Músicos en Movimiento ya es una realidad del panorama cultura extremeño. Este año ha sido la confirmación en casi todos los campos; Organización y respuesta popular, la difusión en streaming ha hecho que lleguemos a alrededor de 15mil personas on line en cada festival. Las bandas han estado a un nivel altísimo y a nivel de reconocimiento; hemos puesto voz y cara a la Fibromialgia con Tächi y en octubre recogemos un galardón a nivel nacional en Málaga (SGAwards) con otra de nuestras producciones.

Seis localidades para seis conciertos. Más de diez bandas, Inlavables, Comado Belushi, Duende Josele, Ivan San Juan Quartet y Mili Vizcaíno, Manolo, el burro y Cia, Aurelio Gallardo, Granero 16, Los Cinco, The Moochers, Chloé Bird, actuando en meses duros como agosto y septiembre para recordar que en la región se hace música de todo tipo.

El FIMM está celebrando su III edición donde las localidades de Valdelacalzada, Fuentes de Cantos, Herrera del Duque, Campanario, Olivenza y Alburquerque han sido las elegidas para disfrutar del festival.

¿Qué es el FIMM?

El FIMM es un festival formado por una red de conciertos en diferentes localidades de la provincia. Los distintos carteles están formados por algunas de las bandas más representativas y también por los grupos más prometedores de la región a los cuales el público podrá votar para elegir a un ganador. La banda que vence cada año obtendrá como premio la producción de un trabajo musical (o el equivalente en su área) y la posterior publicación y promoción en las plataformas digitales de uso habitual (iTunes, Spotify, etc).

¿Quiénes están detrás de este proyecto?

Esta iniciativa se presenta como una propuesta coral, encabezada y promovida por Óscar Elías, donde algunas de las figuras más relevantes de nuestra escena musical se comprometen a difundir sus espectáculos por toda la provincia, además de comprometerse a captar e introducir en los espectáculos nuevos y emergentes talentos, así como, a través de una contratación sostenible y ajustada, destinar fondos a futuras producciones locales e intentarlas colocar en el mercado nacional e internacional, por medio de los tejidos mediáticos necesarios de los que dispone.

Óscar Elías, uno de los fundadores nos describe el origen del FIMM; La raíz del proyecto de músicos en Movimiento es crear una identidad musical propia en nuestra provincia, y creemos básicas las dos ramas del proyecto, los festivales en nuestras poblaciones y las producciones de cara al mercado exterior. Además en ese orden, para que cuando, si tenemos suerte, coloquemos a alguna de nuestras producciones en un mercado más ambicioso, nuestros habitantes ya conozcan de primera mano a esos artistas. Si queremos hacer música desde Badajoz para el mundo, es primordial que en nuestra provincia se nos arrope, se nos dé trabajo, y se esté orgulloso de nuestro talento, en este caso, musical.

La importancia de tener en nuestra provincia un espacio común de creación y producción, es vital para el futuro y la proyección de nuestros músicos y sus trabajos. Quizá, la mejor manera de afrontar trabajos con una proyección de mayor enjundia y dotar a la región de una identidad musical que se merece.

Para Iván San Juan y Mili Vizcaíno tocar sus mis compañeros de siempre y cantar junto a Gene suponen un enorme gran placer. El festival me parece una iniciativa absolutamente positiva que permite acercar la música hecha por artistas extremeños a muchísimos puntos de la provincia y así dar a conocer el potencial artístico que existe en Extremadura. Comenta Iván San Juan.

Tras el gran recital dado por Chloé Bird y su banda, la compositora y música mostró una enorme alegría de formar parte del FIMM. Músicos en Movimiento representa un nuevo circuito para la música en Extremadura. Me parece una forma de retroalimentar el panorama musical de la región, dando la oportunidad a bandas de aquí de tocar en diferentes puntos de la Comunidad y también permitiendo que el público de esos lugares conozca a los músicos de la tierra. Mi concierto fue una bonita forma de darle un cierre al anterior disco y de compartir escenario con otras bandas y músicos a quienes admiro. Volvería a repetir, sin duda.

Duende Josele, no para, volver a la tierra y disco nuevo, actuaciones y mucha poesía en sus letras. Ya lo dijo en la presentación, un placer trabajar en este tipo de iniciativas con gente, profesionales que hacen música desde la región que no sólo se queda en ella con un público que sabe y disfruta de la música.

La banda procedente de Badajoz formada por músicos de dilatada trayectoria, Comando Belushi disfrutaron sobre el escenario. La respuesta fue directa, el público tarareando los temas del grupo. Es una época para actuar, el verano es una buena lanzadera para probar cosas nuevas en el directo y el FIMM ayuda a que sigamos creciendo en este aspecto, comenta el cantante Enrique Martínez.

Pasado, presente y…futuro

Aquí no se queda la cosa, Oscar Elías apuesta por seguir creciendo. Esto no ha hecho más que empezar. Estamos sentando unas bases sólidas para un futuro muy ilusionante, donde nuestro primer objetivo que es crear una identidad musical propia en nuestra tierra, trabajar desde aquí para el resto del mundo, se cumplirá seguro. Lo conseguiremos uniendo los talentos como hacemos hasta ahora, y así haremos justicia a varias generaciones de artistas que se merecen, sin complejos, un espacio en la escena musical global.

Bob Dylan decía que las canciones son justamente pensamientos. Por un momento paran el tiempo. Escuchar una canción es escuchar algunos pensamientos. Parar el tiempo para degustar cultura extremeña, sentir los pensamientos de los artistas locales y escuchar su arte en nuestras propias localidades.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

30 de enero de 2018
Sala Mercantil «El sitio de nuestro recreo»

Solemos hacer memoria cuando al olvido le ponemos etiqueta de rescate. Desde la azotea del recuerdo nos vienen buenos momentos, ratos de farra y besos. Se suprimen como es lógico, las calabazas dadas, los bolos de relleno, los bailes zigzagueantes del alcohol y sus zarandeos metabólicos, las radiografías para abrir puertas y corazones de llaves perdidas, las colas incandescentes de baños de segunda división B, la guitarra repasada por calgonit, se pierden en los huecos perdidos de nuestra cabeza las noches de humo y blanco satén, reseteamos al chico que nos miró entre los acordes agonizantes de Antonio Vega, olvidamos a la chica que nos miró desde el sitio de nuestro recreo.

El sitio de mi recreo. Y el de muchos. La Sala Mercantil más de 20 años siendo nuestra alacena musical donde pudimos divisar infinitos conciertos. Una referencia del panorama nacional y Fernando Utrera en el backstage de todos sus conciertos.

La memoria, ese trozo puñetero de nuestra discografía, rescata las mejores canciones. El sillón que necesitaba Buddy Miles para actuar, tres veces en el escenario de la sala para repasar lo tocado con Jimi Hendrix. El local de ensayos de muchos, la toma de la alternativa de otros tantos, los que no conocen ni dios y años después venden millones de vinilos hasta con Itaca Discos cerrado. La cueva del blues, peones de la sala y músicos de Inlavables.

En ese espacio la barra de bar se convierte en vertedero de amor que cantaba el Último de la fila. Esa era la frontera, la aduana para pasar el Tijuana de la ciudad y es que cuando ya no sirven las palabras, cuando se ha rajado la ilusión, nos emborrachamos con whisky barato, para ver si nos escuece el corazón, que gritaba Fito y los Fitipaldis.

Muchos de los que subieron no están, se fueron, se esfumaron, ataques al perineo, al corazón, ataques de gota severos y ataques de heroína mal cortada. Sobredosis que nos dieron los mejores momentos de música del panorama extremeño.

También dejaremos de ver a su equipo durante años, los que mantenían día a día la sala, birra tras birra desde el lado oeste de la barra. Porteros con paciencia por sangre, listos para abrir la manivela robada de un submarino de la Segunda Guerra Mundial, siempre nobles para desalojar con la mirada. Los que ponían guapo el escenario a base de focos, luces y sombras, blancos y negros para Félix Méndez, los que enchufaban el mejor equipo de sonido para disfrutar de grupos, bandas, solistas, poetas, cómicos, monologuistas, cantantes, bailarines, guitarristas, vocalistas, saxofonistas, raperos, poperos, rockeras, metaleros, bluseros, jazzeros, salseros, trompetistas, rastafaris, pianistas, ventrílocuos, pinchadiscos, djs y la voz ronca de Utrera.

Cada uno en su espacio de la sala, una reserva sin necesidad de cartel, respetada por todos y reconocible por todos. Los del fondo, los que no tenían piedad al estilo Elefantes, cerquita de la máquina de 25 centavos, diana y futbolín-mesa. Los del medio, enjaretados y absorbidos por la gran campana, con vistas vip al palco. Los del principio, los que saludaban como un plebiscito de recepción de embajadores, los que no te dejaban llegar a tu destino en una hora, las primeras caras que sonreír. Los últimos que rozabas al salir del Mercantil.

Último capítulo de la sala, y aquí la memoria es la de Borges; la memoria es individual, nosotros estamos hechos, en buena parte, de nuestra memoria. Esta memoria está hecha, en buena parte, de olvido. Las generaciones han spotifadeado la música, la parafina con la que se nutren los derechos de autor resbala hasta las tragaderas de la SGAE, una especie de parque Castelar con cocodrilos a cambio de patos. Cosas de negocios. Nos lamentamos cuando se pone el cartel de cerrado por defunción, cuando el cine proyecta su última película por falta de espectadores, cuando el concierto 3001 de la sala es el directo póstumo, ahí, solamente en ese momento, nos vienen los mejores hitos, esos que se guardan en el sitio de nuestro recreo.

No quiero bailar tango, tampoco quiero bailar mambo, no toques más cha cha chás, que son un muermo total, Sigue así tocando el contrabajo porque me quiero divertir…Quiero bailar rock and roll…toda la noche hasta que salga el sol. Hasta siempre querido Mercantil.

Willy López. | Fotografía. Félix Méndez

10 de enero de 2018
Nick Cave «¿Me amas?»

Mi frase preferida es y será «Búscalo en Google». ¿No lo sabe todo ese tipo? Pues que no me molesten a mí para saber algo de mí.

Ilustración. Tito Pantone Merello

23 de mayo de 2017
Smells like teen spirit

«Cada vez que leía un poema, rompía el papel, o agarraba una silla y la tiraba contra la pared. Era fantástica» Joey Ramone

30 de abril de 2017
Cuando la rutina aprieta…Joy Division

Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales.

Así es Tito, así es su rutina de quemazón, muy fácil, proceso artístico destripado en pocas palabras para deleite del plagiador. Disfruten de lo vulgar de sus trabajos. Cuando la rutina aprieta no queda más remedio.

17 de febrero de 2017