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Arsuaga y Millás llevan al Teatro Romano de Mérida las grandes preguntas del ser humano

El paleontólogo Juan Luis Arsuaga y el escritor Juan José Millás protagonizarán el 1 de octubre en Mérida una nueva edición de Palabras Mayores, iniciativa del Plan de Fomento de la Lectura de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, con una conversación sobre evolución, muerte y conciencia a partir de la trilogía que ambos han construido entre la ciencia y la literatura.

¿Qué queda de aquel ser humano que comenzó a hacerse preguntas sobre sí mismo? ¿Cuánto de neandertal, cuánto de sapiens y cuánto de incertidumbre seguimos llevando encima? Juan Luis Arsuaga y Juan José Millás llevan varios años recorriendo juntos algunas de esas cuestiones y el próximo 1 de octubre, a las 19:00 horas, trasladarán la conversación al Teatro Romano de Mérida, dentro de una nueva edición de Palabras Mayores, iniciativa del Plan de Fomento de la Lectura de Extremadura.

El encuentro reunirá dos formas aparentemente diferentes de observar al ser humano. Por un lado, la mirada científica de Juan Luis Arsuaga, paleontólogo y uno de los grandes divulgadores españoles sobre evolución humana; por otro, la literatura, el periodismo y esa particular manera de observar lo cotidiano de Juan José Millás. Entre ambos han construido durante los últimos años un territorio común en el que caben fósiles, cuerpos, recuerdos, preguntas, humor y algunas de las grandes incógnitas que acompañan a nuestra especie. La conversación partirá de los tres libros publicados conjuntamente: La vida contada por un sapiens a un neandertal, La muerte contada por un sapiens a un neandertal y La conciencia contada por un sapiens a un neandertal. Una trilogía que mezcla divulgación científica y literatura para acercarse a asuntos enormes sin necesidad de convertirlos en discursos inaccesibles.

Vida, muerte y conciencia forman así una especie de recorrido por nuestra propia existencia. Desde dónde venimos y qué explica millones de años de evolución, pero también por qué sabemos que vamos a morir o qué sucede en nuestro cerebro para que podamos reconocernos, recordar, imaginar, sentir miedo o preguntarnos precisamente quiénes somos. Ese juego entre Arsuaga y Millás funciona también porque cada uno llega desde un lugar distinto. La ciencia aporta datos, evidencias y conocimiento acumulado; la literatura introduce otras preguntas, asociaciones y maneras de contar. El resultado convierte la divulgación en conversación y permite que cuestiones complejas puedan salir de los ámbitos académicos para encontrarse con lectores muy diferentes.

De Atapuerca al Teatro Romano

El escenario añade además otra lectura al encuentro. Hablar sobre evolución humana en el Teatro Romano de Mérida, un espacio levantado hace más de dos mil años y todavía incorporado a la vida cultural contemporánea, conecta distintas capas de nuestra propia historia. Allí, Arsuaga y Millás podrán viajar mucho más atrás que las piedras romanas. Hasta nuestros antepasados, los primeros grupos humanos, la evolución del cerebro, la aparición de la conciencia o esa extraña capacidad de una especie para estudiar su pasado mientras intenta comprender su presente. Palabras Mayores forma parte del Plan de Fomento de la Lectura de Extremadura y plantea precisamente ese encuentro directo entre autores, conocimiento y ciudadanía, utilizando los libros como punto de partida para conversaciones que pueden continuar mucho después de cerrar sus páginas.

En esta ocasión, la fórmula parece especialmente apropiada: un paleontólogo y un escritor sentados frente al público hablando de aquello que conocemos sobre nosotros mismos y, probablemente, también de todo lo que todavía desconocemos. La entrada será libre hasta completar aforo. Tras la conversación, Arsuaga y Millás participarán además en una firma de ejemplares en el peristilo del Teatro Romano.

1 de agosto de 2026
El Brujo y Dios

Todos somos dioses; ¡ojalá todos lo supieran! Reminiscencias de Paramahansa Yogananda y su amante cósmico. En el otro cosmos, en pleno oeste ibérico, Rafael Álvarez, o lo que es lo mismo el Brujo sideral, un Dios encima de un escenario, evoca algo parecido, ¡Todos somos dioses ¡ojalá lo supiera Fernando Simón!

Hasta aquí todo bien, la cosa se tuerce cuando Olga Ayuso, subida en plataformas petrolíferas con forma de zapatos, elude el ingenio de las calzadas romanas, y confunde desde su altozano, al músico con el actor. De eso va la obra le decimos. La suplantación de personalidad en un cuentito de Plauto y un phishing de Dios en toda regla. Javier Alejano hace de Júpiter, el Brujo de Anfitrión, nosotros de un Sosias cualquiera. Esclavos con cámara y grabadora.

Tras las entrevistas con los compañeros es nuestro turno, nos toca charlar con el maestro. Viene de blanco lino y con la mirada de su primera actuación en el San Juan Evangelista. Parece decirnos ¡Niño, a ver si te enteras de lo que estás viendo, que no lo vas a volver a ver en tu vida! Yo con cara de Juncal y Búfalo contando lo del Puerto de San María para refrescar la memoria.

“Pregúntame algo, dime algo, motívame”…nos dice el Brujo cuando se sienta con nosotros…”¿Qué carajo hacemos tú y yo aquí en el peristilo del Teatro romano de Mérida?”…le preguntamos…”¡De eso va la obra!” nos dice riendo…”De preguntarnos qué hacemos en esta vida”…matiza.

Cuando nos ponemos delante de Rafael Álvarez estamos ante muchos dioses, o Dios, como nos corrige el mismo. Lazarillo de Tormes, el Tenorio, Francisco de Asís, los místicos Teresa de Jesús, Juan de la Cruz, Paramahansa, las figuras eternas de Jesús de Nazaret, el Quijote o Mecurio. Cuando hablamos con el Brujo conversamos con Pío Baroja, Alfonso Sastre, José Luis Alonso de Santos, Plauto, Molière, Süskind o Darío Fo.

Nos cuenta lo que quiere contarnos. Aquello que nos hace reflexionar. Al principio no sabemos si pertenece a la obra, al final sabemos que es la obra entera.

Cuando tú tienes la edad que yo tengo y no la edad que tú tienes todo tiene otra perspectiva completamente distinta. Hay gente que ve el mundo igual siempre, pero es porque ellos no cambian, no hay transformación, no hay evolución. La vida así, pienso que debe ser muy aburrida. Pero cuando eres consciente del placer y del dolor, y cuanto más consciente eres más fascinante te parece el mundo. Aunque encierre mucha adversidad, catástrofe y daño. ¡El mundo es acojonante!

Es acojonante pero lo estamos pasando verdaderamente mal, casi sin tiempo para saborear lo poco o muy fascinante que puede ser el mundo.

Y lo que nos queda. Yo lo he pasado muy mal, ha habido días muy angustiosos, pero cuando lo estaba pasando mal yo decía ¿Por qué todo esto? Y es que cuando yo salí de Madrid, dos días antes del cerrojazo total en marzo, destino La Vera, al campo total, y vi la Castellana desierta y el ejército, pensé en ese mundo de ciencia ficción, opresivo, claustrofóbico y sin saber nada de nada. El principio de una tercera Guerra Mundial. La pregunta que me hice y hago desde entonces es ¿Qué hemos hecho mal?

¿Y qué hemos hecho mal, Rafael?

Nada, la naturaleza, una pandemia y muchos enfermos, siempre ha habido pandemias pero yo tenía la conciencia de que habíamos infringido una ley cósmica. La naturaleza se estaba resarciendo, se estaba vengando, y como decían los griegos, la Diké, es decir pecas contra la naturaleza y ella reacciona. Van a pasar cosas muy potentes.

¿Una cosa potente como para elaborar esta obra o ya estaba cocinada antes de la pandemia?

Esta obra surge a partir de la angustia que yo tenía por hacer bolos. Surge de ahí pero de una manera más prosaica. Jesús Cimarro contaba con nosotros y la puesta en escena surge de ahí. Aunque ya hicimos Anfitrión de Plauto en el 1996. Yo ya estaba barruntando la obra y yo ya estaba pensando que si aquí no se estrenaba tenía que ser en otro sitio.

Afortunadamente Los Dioses y Dios estará en el Festival Internacional de Teatro de Mérida…pero ¿Qué cuenta esta obra, qué es Los Dioses y Dios?

Los Dioses y Dios es mi vida. Los dioses del teatro romano y la mitología y Dios que es mi vida, y cómo se conjugan los dioses de la mitología con mi Dios. Dónde están mi Dios en los dioses de la mitología y dónde los dioses de la mitología cuando yo hablo de mi Dios.

Y en esa búsqueda Rafael, ¿Cuáles son tus dioses?

Mis dioses son las cualidades de mi único Dios, la fortaleza, la paciencia, la generosidad, el heroísmo, el temple, el valor, pero todos esos dioses son los radios que vienen de lo único que sustenta la vida, que es Dios. No voy a entrar en si soy católico, en si soy creyente o ateo, ese Dios se puede llamar como tú quieras. Decía el profeta Isaías ¿El que ha hecho el oído no te va a oír?

El antropólogo Joseph Campbell habla de ese héroe, ese Dios, de las mil caras ¿Ese el vórtice de la obra?

Tiene mucho que ver…aunque ya podemos ver poco aquí. Me has dado mucha cuerda y nos quedan más entrevistas para la tele…

…Queda poca luz en las piedras del romano, la justa para cortar la entrevista, la mínima para encender los focos del Teatro y abandonarnos en la bendita locura de su dramaturgia, hemos oído al Brujo, hemos escuchado su divina verborrea, ahora toca peregrinar hasta su obra, sentarnos entre el oráculo de las cáveas y dejarse llevar por lo humano y lo celestial. El Brujo y Dios.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

1 de noviembre de 2021
Instrucciones para tocar piezas de Bach y Radiohead en un teatro romano extremeño sin sorpresas

Un corazón que está tan lleno como un vertedero. Un trabajo que lentamente te mata, heridas que no sanarán. Así arranca la canción de Radiohead. En inglés claro, y con Thom Yorke, el cantante del grupo, intentando ahogarse en una urna de cristal mientras acierta a seguir la letra. Ahora toca apnea musical en el Teatro Romano de Mérida. Con otro acorde, otro arreglo, una joya sinfónica que el maestro Padilla ha macerado entre violines, violas, violones y guitarras flamencas. No surprises se convierte en una brutal sorpresa que descarna la piel a jirones con una orquesta, la de Extremadura en este caso, florando entre las partituras de algo mágico con forma de música.

Desde Bach hasta Radiohead pasando por Iron Maiden, la tarantella napolitana de Rossini y la hyperbalada de Björk. De actuar para dos centenares de personas en un pabellón con capacidad para siete mil personas a actuar cerca de los dioses romanos. Le recordamos a Michael Thomas, director y violín solista, José Manuel Zapata, tenor, Rubén Rubio, guitarra y viola de gamba y a Juan Francisco Padilla, guitarra y arreglos musicales que Apolo anda muy atento entre las columnas del teatro. Nunca falla a una cita musical de este calibre. Padilla nos dice con los ojos emocionados que probablemente van a tocar en uno de los sitios más bonitos de sus vidas, “sólo pienso en disfrutarlo, sólo pienso en que nada estropee ese momento, al final sólo queda el recuerdo”. “Tocar en un sitio con tanta historia es maravilloso” retoma Zapata, a quien su profesión como tenor y con la ópera a cuestas le ha llevado a lugares particulares, difíciles y después a espacios únicos como el teatro romano de Mérida. “El Sferisterio de Macerata tiene ese encanto que se asemeja a esta joya de Extremadura”

Te ves tan cansado e infeliz. Derroca al gobierno, ellos no hablan por nosotros. La canción sigue y Zapata ensaya antes de la entrevista, aprovecha que los músicos de la Orquesta hacen una parada para descansar. Fuera del Palacio hay músicos de la Orquesta de Extremadura y paisanos de la generación del 80 chutándose una vacuna contra el maldito COVID. Este es mi último espasmo, mi último dolor de estómago.

“Es una oportunidad de decir bien claro que la música es la música, que todo es música, que la gente va a escuchar música pura, y esa sensación es la que trasladamos al público, al que hacemos partícipe desde la primera nota de Bach”. Así nos define Michel Thomas el proyecto From Bach to Radiohead. Padilla aclara que tiene dudas acerca de definir este proyecto como un concierto para acercar la música a la gente, pero tiene claro una cosa “Como decía una vez Goyo Jiménez, le damos liebre por gato, es decir, el público que está ahí tiene que escuchar una pieza de Michael Thomas, Harold in Islington, o una pieza de diez minutos de Arvo Pärt, piezas que jamás escucharían si no vienen a este concierto, y entre medias No Surprises de Radiohead, un tema que un público de sinfónico no se esperaría nunca ”

Los cuatro artistas hablan de apropiarse de la música, de las canciones de un grupo de rock, de sentir que estuvieron escritas para la orquesta. Una oportunidad a autores contemporáneos, que hacen música contemporánea de la buena, a que sean interpretados por el mejor instrumento del mundo, la orquesta, detalla José Manuel Zapata.

Llevaré una vida tranquila. Un apretón de manos de monóxido de carbono. Sigue la canción, se ha quedado incrustada en el techo del Palacio, entre las butacas y los pasillos que circundan el edificio. La magia de llevar la música al público joven. El arreglista Juan Francisco Padilla lo tiene claro; “Se dice continuamente que cada vez hay menos público, menos gente joven que escucha clásica, quizá aprovechando esta veta de hacer nuestras las músicas actuales, podamos aprovechar el potencial que tiene para este sector de la población.”

Existe la creencia de infravalorar el trabajo de descomponer un tema de rock y llevarlo a un concierto de orquesta sinfónica. Michael Thomas sólo tiene halagos para los arreglos de Padilla y Rubén Rubio lo aclara. “Hay que matizar una cosa y que creo que le da relevancia a este proyecto, somos melómanos, de música clásica y de música que no lo es, el motor que nos empuja realmente a realizar este proyecto. Esos arreglos necesitan un conocimiento amplio de la música original, sentirla con emoción, la clásica y la moderna. Esa dificultad se suple con la pasión”.

La conexión para tocar ciertos temas con las orquestas que trabajan en From Bach to Radiohead se antoja complicado. Los primeros minutos, a la media hora, durante el ensayo parece que han hecho la gira desde hace lustros. Hay risas, alguno silba cómicamente, se miran entre sí, y al final el maestro, el director Michael Thomas, nos comenta que para algunos músicos es un choque con su día a día, un trabajo con una música concreta, pero tras ese primer contacto con el proyecto, todos terminan 100% tocando de lujo. “La Orquesta de Extremadura desde el primer momento se ha metido en el repertorio”. “Hay bastantes prejuicios en esta sociedad, estamos llenos de prejuicios, pasar de Mahler, Chopin, Shostakóvich o Beethoven a Radiohead es complicado, pero al final estos prejuicios se vencen con calidad y talento” matiza Zapata.

Todo preparado, los instrumentos descansan afinados para repartir Bach y Radiohead sin sorpresas, sin alarmas, para tocar y rozar el alma de esas canciones, una orquesta, los dioses y diosas empadronadas en nuestra región y un público sin prejuicios… Sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, por favor.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

26 de junio de 2021
El futuro de los museos: recuperar, reimaginar sus fronteras

Cualquier museo de mundo, por pequeño o grande que sea, por lo extravagante o abandonado que se encuentre, por la falta de visitantes o por la colas que genere para su complacencia, por lo deslucido, bonito, interesante, vetusto, futurista o simplemente porque el portal de tu casa comparte código postal con su puerta principal, debe ser visitado al menos una vez en la vida, para buscar ese centro de gravedad permanente que nos mantenga en vilo, pisar suelo de museo que nos haga sentir vivos.

Un museo debe aborta la inanición creativa, lo museísticamente fascinante es aquello que al verlo, sin saber por qué nos pellizca el alma, nos hace poner de cara de estúpidos o nos provoca la risa y el llanto, una furtiva lágrima por lo menos.

Los espacios reservados para acoger y exponer obras, tienen que orear sus estructuras, limpiar ese aroma de daguerrotipo, que repele al público y atrae el silencio. El museo debe escuchar al visitante que disfruta más de sus exteriores, para la práctica del parkour, yoga o danza, y replantearse una exportación del contenido de su interior, conectar la placa de cobre recubierta de yoduro de plata con la realidad que vivimos.

En 1682, el señor Elias Ashmole donó su colección de arte a la Universidad de Oxford. De eso hace más de 300 años y el Museo Ashmolean no está entre las prioridades de un turista a la hora de planificar el viaje. Entramos por que toca, porque es el museo más viejo del mundo, da igual si tiene dibujos de Leonardo da Vinci, acuarelas de Turner o lienzos de Rembrandt, Picasso o Manet. Toca resetear, preguntar a nuestros hijos, sobrinos o hermanos y escucharles, oírles, quizá no tengan razón, no sepan definirnos qué es un museo, es posible que no hayan visitado ninguno. Pero una cosa sí es segura, ellos pueden replantear con mayor claridad, el futuro de los museos, recuperar, reimaginar sus fronteras.

Willy López

¿Qué es el Día Internacional de los Museos?

Desde el año 1977, el 18 de mayo o en torno a esa fecha, la comunidad museística mundial viene celebrando el Día Internacional de los Museos, un evento creado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) con el objetivo de potencializar el papel cultural y humanístico de estos centros como instituciones al servicio de la sociedad y de su desarrollo.

Cada año, se plantea desde el ICOM un tema, que haga reflexionar sobre los objetivos y las actividades de los museos en su trabajo cotidiano.

Este año 2021, el tema del Día Internacional de los Museos es: Parte de la premisa de que, en un mundo cada vez más globalizado, en el que todo está interrelacionado, resulta imposible entender el papel de los museos sin tener en cuenta todos los hechos que afectan de una manera global y los resultados que a nivel mundial estos establecen. En este año 2021, no podemos dejar de citar “la Covid 19”, siendo un antes y un después en la estructura social y cultural que teníamos establecida. Por ello, pensando en el futuro, tenemos que Recuperar y Reimaginar, como queremos que sea un mundo que de momento está sorprendido.

Los Museos son parte inherente de las comunidades locales, de su paisaje cultural y de su entorno natural. La tecnología, como se ha podido comprobar en este último año, nos permite acceder a los museos, al hecho cultural, llegando más allá de su público habitual a través de algo tan sencillo como un hashtag. Algunos museos ni siquiera necesitan la tecnología para crear nuevas conexiones; para ellos, presentar su colección de una forma diferente e innovadora resulta es suficiente para atraer a un público totalmente nuevo.

MUSEO HELGA DE ALVEAR

FLAMENCO Y DANZA

Flamenco, afro-contemporáneo, clásico, folclore, contemporáneo o urbano para obras de Ai Weiwei, Larry Bell, Olafur Eliasson, Juan Muñoz, Thomas Hirschhorn, Carol Bove, Richard Long y Katharina Grosse.

Danza en el Museo de la mano de Jesús Ortega, Juan Carlos Guajardo, Jesús Custodio, Libertad Pozo, Cristina Rosa, María Lama, Chyntia González y el Ballet Folclórico de Extremadura llenan de danza el Museo con la colaboración especial de Cristina Hoyos.

ESCUCHANDO EL MUSEO

¿Qué canción le pondrías a la lámpara de Ai Weiwei, a los Caprichos de Goya o al olivo de Rondinone? Con motivo del Día de los Museos vamos a crear una lista de canciones que acompañe las obras. ¡Necesitamos tu ayuda para crear la banda sonora del Museo! ¿Nos envías tu canción y a qué obra la asociarías?

¿TIENES UN CHICLE?

A partir del artista chino Zhang Peili, te proponemos realizar una acción breve, sencilla y con un alto contenido simbólico: grabar un primer plano de tu rostro realizando una pompa de chicle hasta hacerla estallar.

UN JARDÍN ENTRE AMIGOS

Como no podía ser de otra manera, la Asociación de Amigos del Museo Helga de Alvear formará parte del Día de los Museos con una visita guiada el 19 de mayo, donde conoceremos las obras instaladas en el exterior, disfrutando de una primavera cargada de arte.

MEIAC

EM PERSPETIVA. Colección portuguesa del MEIAC

La inauguración del MEIAC en mayo de 1995 supuso la apertura de un espacio nuevo para impulsar las relaciones culturales entre Extremadura y Portugal, un lugar de encuentro y colaboración transfronteriza en el campo de las artes visuales contemporáneas. Esta exposición es una primera aproximación, una mirada en perspectiva, a la colección portuguesa del MEIAC, en un recorrido por obras y artistas de obligada referencia en el arte portugués contemporáneo.

Artistas en exposición: Antonio Dacosta, Nikias Skapinakis, Helena Almeida, João Vieira, Armando Alves, Manuel Baptista, Alberto Carneiro, Ángelo de Sousa, José de Guimarães, Alvaro Lapa, Jorge Martins, Eduardo Batarda, Jorge Molder, Leonel Moura, Julião Sarmento, Michael Biberstein, Albuquerque Mendes, Gerardo Burmester, Pedro Calapez, Manuel Rosa, Rui Sanches, Pedro Cabrita Reis, Jose Pedro Croft, Ângela Ferreira, Daniel Blaufuks, Rui Chafes.

PLP. 15 PROPUESTAS /1 ESPACIO. Proyectos de producción propia

Exposición enmarcada en el 25 aniversario del MEIAC, una necesaria mirada sobre estos veinticinco años de trabajo, así como una puesta al día de proyectos con continuidad en el futuro. Se plantea un recorrido de carácter documental por los proyectos de producción propia, específicamente creados para el MEIAC, por un nutrido grupo de artistas. Aunque desde sus inicios el MEIAC fue consciente de la importancia de establecer líneas de apoyo para la creación artística, las primeras propuestas en este sentido fueron puntuales, apuntando al entorno artístico más inmediato. La buena acogida a estos proyectos vino a reforzar la idea de un programa específico que, desde 2005, se materializa en la serie de proyectos POST LOCAL PROJECTS, que continúa activa en la actualidad.

Los proyectos incluidos en esta etiqueta se concibieron como intervenciones de carácter específico, creadas desde y para el lugar donde se exponen. El apoyo del MEIAC facilitaba la producción de obras “no convencionales” dentro de la trayectoria de los artistas invitados, por complejidad o formato.

Proyectos: MÁS MUERTAS VIVAS QUE NUNCA. Un proyecto de Marta de Gonzalo y Publio Pérez Comisariado por Juan Antonio Álvarez Reyes (2002) | THE FACE AND THE FACE. Un proyecto de Isabel María. Comisariado por Amparo Lozano (2005) | LA PIEL HABITADA. Un proyecto de Manuel Vilches. Comisariado por Francisco Carpio (2006) | LA NADADORA. Un proyecto de Maite Cajaraville. Comisariado por Fernando Castro Flórez (2006) | LA CELDA GRANDE. Un proyecto de Alonso Gil. Comisariado por Esther Regueira (2007) | EN CIRCUNSTANCIAS NORMALES. Un proyecto de Joana Pimentel. Comisariado por Filipa Oliveira (2007) | RETRATO PROTEICO. Un proyecto de Marta de Menezes. Comisariado por Inés Moreira (2007) | IP POETRY. Un proyecto de Gustavo Romano. Comisariado por Eugeni Bonet (2008) | VACÍO FIGURADO. Un proyecto de Emilio Gañán. Comisariado por Javier Rubio Nomblot (2009) | LOS DESASTRES. Un proyecto de Iván Marino. Comisariado por Claudia Gianetti (2009) | TRASLACIONES. Un proyecto de Ruth Morán. Comisariado por Imma Prieto (2014) | FORMAS LIBRES. Un proyecto de Justo García Rubio. Comisariado por Javier Fernández de Molina (2016) | DI/VIDE. Un proyecto de Carlos Gasparinho. Comisariado por António Pedro Mendes (2017) | O/C. LA MEDIDA. Un proyecto de Carla Carmona y Manuel Ortiz (2018) | GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE. Un proyecto de Daniel Muñoz. Comisariado por Jorge Díez Acón (2020)

ALGORITMIA. Arte en la era de la Inteligencia Artificial

En 1995 abría sus puertas el MEIAC, año en el que también comenzaba a hacerse conocida la WWW. El 25 aniversario del museo nos invita a hacer un balance de los importantes cambios tecnológicos que han ocurrido desde entonces y a reflexiona principalmente sobre el rol preponderante que tomaron los algoritmos, las redes sociales y la inteligencia artificial, y cómo éstos han transformado drásticamente a la sociedad y, por lo tanto, han impactado en el campo del arte.

En esta muestra, comisariada por Gustavo Romano, se exhiben mayoritariamente las nuevas incorporaciones a NETescopio, el archivo de arte digital del MEIAC, realizadas en 2020, con obras de artistas españoles, iberoamericanos y del resto del mundo (entre ellos, Jonas Lund, Constant Dullaart, Michael Borras, André Sier, César Escudero Andaluz). La muestra se completa con otras obras que ya pertenecían al archivo y con obras físicas de la colección del MEIAC (Antoni Muntadas, John F. Simon o Eva y Franco Mattes). NETescopio, convertido en una de las líneas de trabajo del MEIAC, es un archivo en línea destinado a preservar obras artísticas generadas para la red. Lo que incluye obras de net art, arte digital interactivo, ciberpoesía, CD ROMs, acciones con dispositivos tecnológicos y demás formatos que utilizan dispositivos o estrategias digitales.

Artistas en exposición: Alessandro Ludovico, André Sier, Antoni Muntadas, César Escudero Andaluz, Christian Oyarzún, Ciro Museres, Constant Dullaart, Demian Schopf, Disnovation.org, Eva y Franco Mattes, Giselle Beiguelman, Joan Leandre, John F. Simon, Jonas Lund, Kim Yong Hun, Mark Napier, Martin Nadal, Martina Menegon, Matthew Plummer Fernández, Michaël Borras a.k.a SYSTAIME, Paolo Cirio, Scott Draves, Shin Seung Back, Ubermorgen.

GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE

Con esta muestra del trabajo de Daniel Muñoz se da continuación al proyecto concebido específicamente para el MEIAC por el artista extremeño y que se integró en la serie “Post Local Projects”, línea de trabajo iniciada por el MEIAC en 2005.

Una serie de obras en pared y una instalación audiovisual completan la intervención realizada durante el verano de 2020 sobre uno de los muros de los espacios exteriores del museo, en la que se referencian otras cinco localizadas en diferentes enclaves turísticos de Extremadura y que completan el proyecto. Desde el MEIAC se da acceso a esta suerte de mapa que contiene una serie de pistas y coordenadas conceptuales que es necesario descifrar para identificar las ubicaciones de esas otras cinco intervenciones. Las obras presentadas ahora recogen los característicos elementos formales del lenguaje estético de Daniel Muñoz, en el que cohabitan códigos y símbolos cotidianos que se resemantizan a través de su relación con otros campos como la arquitectura, la publicidad o el turismo.

CELESTE GARRIDO. TUS OJOS DICEN LO QUE TU BOCA CALLA.

Proyecto producido por el MARCO de Vigo y que llega al MEIAC como resultado de la suscripción de un convenio de colaboración entre la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura y el museo gallego, para el intercambio de exposiciones con trabajos de creadoras contemporáneas. En el MARCO podrá verse a su vez la producción del MEIAC “Música de las formas”, de la artista cubana Glenda León, expuesta hasta fechas recientes en el museo extremeño. Celeste Garrido es una joven artista gallega con una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. La muestra parte de una cuidada selección de obras en distintos formatos que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo.

Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso. En este contexto surgen algunas de las obras que forman parte de su nuevo proyecto.

VEXTRE. Un proyecto de Maite Cajaraville

Proyecto de Maite Cajaraville incluido en el Acuerdo suscrito en 2019 entre la Junta de Extremadura y la Fundação Eugénio de Almeida (Évora) de colaboración transfronteriza que establece una asociación estratégica con la que dar visibilidad a artistas originarios y/o residentes de las dos regiones rayanas.

VEXTRE, con comisariado de Natalia Piñuel, se presentará en el MEIAC de Badajoz a finales del mes de abril de 2021, para trasladarse en el mes de septiembre al Centro de Arte e Cultura de la Fundação Eugénio de Almeida. El proyecto gira en torno a la producción de una pieza de realidad aumentada, un gran mapa virtual de Extremadura que visualiza datos socio-económicos de cada una de las poblaciones de la región, y que se hace visible a través de la utilización de dispositivos móviles individuales de los espectadores mediante la geolocalización en el espacio libre de la rotonda del edificio del MEIAC.

Basada en la escultura física creada con una impresora 3D en 2017 por Maite Cajaraville durante su intervención en la primera edición del programa de cultura contemporánea de la Junta de Extremadura “Cáceres Abierto”, VEXTRE lleva al espacio del MEIAC una escultura virtual sobre la región, un objeto virtual tridimensional generado con medios tecnológicos en base a más de 20 parámetros y coeficientes positivos y negativos relativos a valores económicos y sociales de Extremadura.

MUSEO DE CÁCERES

18 DE MAYO. DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

Concierto especial organizado en colaboración con el Conservatorio Oficial de música “Hermanos Berzosa” de Cáceres. Jardín del Museo, 20:00 h. Entrada libre hasta completar aforo.

Ensemble CCSax 2.20. Director: Abraham Garzón

Siguientes días de la semana: Recitales fin de enseñanzas profesionales. Conservatorio Oficial de Música de Cáceres. Los recitales se desarrollarán a partir de las 20,00 horas de los días señalados, y la entrada es gratuita y libre hasta completar el aforo disponible

MUSEO VOSTELL MALPARTIDA

EL FUTURO DE LOS MUSEOS

DÍA 18 DE MAYO

Además de la habitual jornada de puertas abiertas y visitas guiadas, a las 19:00 h, se inaugura la exposición de Lucía Beijlsmit “Obras de arte con la naturaleza”, en espacios al aire libre del MVM, que estará seguida de una demostración en vivo de su trabajo con lana. A continuación, actuación del grupo de música silvopastoril “Chulumi” y de la Asociación de Folclore “Virgen de la Soledad” de Malpartida de Cáceres.

DÍA 22 DE MAYO

Taller/happening “Keine Verbindung (Sin conexión)”, a cargo de GESPROEC. Actividad en torno a la expresión corporal que tomará como punto de partida las obras de Vostell relacionadas con los medios de comunicación. Tendrá lugar en espacios al aire libre y salas del museo durante la jornada. Está dirigida a mayores de 15 años.

Estas actividades están promovidas por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres, el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Asociación Amigos del Museo Vostell Malpartida, la artista Lucía Bleijlsmit y la Asociación Laneras-Dehesa Lanas

MUSEO ARQUEOLÓGICO PROVINCIAL DE BADAJOZ

Martes 18. Presentación de la campaña de difusión “Los Museos de Extremadura dan mucho juego” en la que veremos algunos de los principales museos de la región (Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, MEIAC, Museo de Cáceres, Museo Vostell Malpartida, Museo Etnográfico de Olivenza y Museo Helga de Alvear) convertidos en icónicos videojuegos de los años 80 y 90. Presentación del interactivo La línea del tiempo desarrollado por el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz.

MUSEO ETNOGRÁFICO EXTREMEÑO GONZÁLEZ SANTANA DE OLIVENZA

REMINISCENCIA

El día 15 de mayo, Día Internacional de la Familia, retomamos nuestro taller REMINISCENCIA con CASER RESIDENCIAL. Con la exposición Volviendo a tiempos pasados se pretende volver a recuperar la confianza entre familiares, residentes y personal del centro a través de recuerdos que se plasmarán en fotografías y piezas del Museo.

PROGRAMA DE DINAMIZACIÓN CULTURAL.

Desde el 19 de abril, el Museo Etnográfico Extremeño González Santana está llevando a cabo este programa que consiste en acercar el Museo a los 10 pueblos que constituyen la comarca Los llanos de Olivenza. Durante una semana se mueve alguna de nuestras exposiciones propias, solicitadas por los Ayuntamientos de estas 10 localidades; una dinamizadora contratada se encarga de explicarla y realizar los oportunos talleres. El día 18 de mayo, en la sede de la nueva Biblioteca de Barcarrota, se expondrá La mujer en la Raya. Ese día se llevarán a cabo las actividades oportunas con Asociaciones de Mujeres de la localidad y, en días sucesivos, con el colegio.

EXPOSICIÓN BENÉFICA

El artista plástico Kim Soler, que expone en la sala de usos alternativos de nuestro MUSEO, llevará a cabo, ese día, una visita guiada por su exposición El color de la vida.

MUSEO LUIS DE MORALES BADAJOZ

DÍA 18 DE MAYO

10:30, 11:30, 12:30, 17:30 y 18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. La Batalla de la Albuera» Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

20:00 horas. «Museos y territorio, museos y sociedad (es): Panorámica museística en el ámbito de la EUROBEC. Realidad y potencialidades de los museos en el desarrollo de la eurociudad». Ponencia impartida por D. Francisco Tomás Cerezo Vacas. Presentado por Martín Carrasco Pedrero. Aforo limitado.

DÍA 22 DE MAYO

10:30,11:30 y 12:30,17:30 Y18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. Felipe II en Badajoz». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

11:00, 12:30, 18:00 y 19:30 horas. “El enigma de Luis de Morales”.Recorre el museo y descubre el enigma a través de un divertido juego de pistas. Inscripción previa: museoluisdemorales@aytobadajoz.es. Aforo máximo 20 personas.

12:00 horas. «Ballet Clase Concierto». Espectáculo de danza a cargo de los alumnos del Conservatorio Profesional de Danza María Montero de Espinosa. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

19:00 horas. «Cuartetos en el Museo». Intervenciones musicales de los alumnos del Conservatorio Superior de Música Bonifacio Gil. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

19:30 horas. «Zurbarán y sus doce hijos». Proyección del documental de Arantxa Aguirre. V.O.S.

21:00 horas. «Bernini en la galería Borghese». Proyección película. V.O.S.

Museo del Carnaval (Plaza de la Libertad, Edificio La Poterna)

DÍA 18 DE MAYO

10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

DÍA 19 DE MAYO

20:00 horas. «El carnaval está en el arte». Conferencia a cargo de Juan Francisco Castillo Vega. Curabitur. Aforo limitado.

DÍA 22 DE MAYO

10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

De 11:00 a 12:00 h. / De 12:15 a 13:15 h. «Recuperando la alegría del arco iris». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es.

11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

De 17:30 a 18:30 h. / De 18:45 a 19:45 h. «Navegando por la esperanza». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es

18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

MUBA

El Conservatorio Superior participa en el Día Internacional de los Museos

El cuarteto de cuerda del profesor Manuel Camacho ofrecerá dos conciertos en el MUBA y el Luis de Morales. Con motivo del Día Internacional de los Museos, el Conservatorio Superior de Música de Badajoz “Bonifacio Gil” ha sido invitado por dos de los espacios museísticos más representativos de la ciudad, el Bellas Artes y el Luis de Morales. Ambos han cursado invitación al centro musical paras formar parte de su programación con sendos conciertos.

El primero tendrá lugar el próximo día 19 en el patio del MUBA. Con inicio a las 19:30 horas, los alumnos del aula del profesor Manuel Camacho ofrecerán un cuarteto de cuerda donde Mozart y Schubert serán los grandes compositores de esta noche especial. De Mozart se han seleccionado dos de sus geniales cuartetos de cuerda dedicados a Joseph Haydn: el cuarteto en Sol mayor K387 y el cuarteto en Si bemol mayor K458 “La Caza”, así como dos movimientos de su quinteto de cuerda en Do mayor K515. De Schubert interpretarán su magnífico cuarteto Rosamunda en La menor.

Para el sábado, día 22, en el Museo Luis de Morales, a las 19 horas, los miembros del mismo aula presentarán una audición de cuartetos de cuerda de W.A. Mozart, en concreto K 458 en Si bemol “La caza”, K 387 en Sol mayor “Primavera” y el quinteto K 515 en Do mayor.

La entrada es libre hasta completar el aforo permitido.

Presentación del libro «América en Extremadura»

El día 18 a las 20:00 horas, en el salón de plenos de la Diputación pacense, el libro “América en Extremadura. Reflejos y presencias de Iberoamérica en el arte y el patrimonio extremeños” de Francisco Javier Pizarro. Asistirán el diputado delegado del Área de Cultura y Deportes, Francisco Martos, y la directora del MUBA, Mª Teresa Rodríguez, entre otras personalidades. Con aforo limitado a 34 personas, el acto será retransmitido por streaming a través del Facebook de la institución provincial

América en el MUBA

La Colección Rescate del MUBA hace hincapié en la importancia del rigor en la investigación artística. En esta ocasión, resumen la directora del Museo Provincial, “la obra editada se encuentra a cargo de Francisco Javier Pizarro Gómez, catedrático de Historia del Arte Iberoamericano de la Universidad de Extremadura (UEX), y por tanto el mayor conocedor de la realidad americana en la región”. El trabajo cuenta con la valiosa aportación del prefacio a cargo de Jaime Cuadriello Aguilar, prestigioso especialista del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien también ostentó la plaza de director de la Cátedra del Museo del Prado en 2018.

MUSEO NACIONAL DE ARTE ROMANO

Exposición «El tiempo en la antigua Mérida»

En esta muestra, comisariada por los técnicos del Museo Rafael Sabio, Emilio Gamo y Ana Gracia, se presentan las diversas facetas que comportaban el paso del tiempo en la antigua Mérida, con especial atención a la época romana, pero con alusiones a periodos posteriores.

Desde un punto de vista temático, la muestra se divide en cinco partes. Así, la primera se centrará en la dimensión mítica del tiempo; y la segunda referirá las diversas divisiones del tiempo, desde el cómputo de las mínimas fracciones hasta intervalos más amplios que el año, así como los instrumentos empleados en su medición, tal y como informa en una nota de prensa el MNAR de Mérida.

Al mismo tiempo, la tercera parte afrontará el tiempo de la persona, con atención especial a cuestiones como los ciclos vitales o las diferentes edades de fallecimiento; la cuarta parte expondrá las formas de medir el tiempo en otras culturas posteriores a la romanidad; y la quinta y última parte abortará la cuestión del tiempo en arqueología, señalando los diferentes sistemas empleados por los profesionales para fechar todo tipo de realidades del pasado. En la muestra se exhiben un total de 84 fondos museográficos, siete de ellos pertenecientes a depósitos llevados a cabo por la Junta de Extremadura en el Museo Romano, a través del Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida.

29 de mayo de 2021
Pablo López emociona en el Stone&Music Festival

Pablo López se desnuda en un concierto íntimo en su segunda vez sobre la arena del Teatro Romano de Mérida

La V edición del Stone&Music arrancó con un caluroso y emotivo aplauso de más de un minuto de duración a petición de su director, Carlos Lobo, como homenaje a todas las personas que han trabajado y sufrido las consecuencias de la crisis sanitaria. Y sin haber reducido un ápice la emotividad, apareció Pablo López y, como hiciera hace dos años, en el mismo sitio y a la misma hora, revolucionó las caveas del Teatro Romano nada más aparecer en el escenario. Las cuatro zancadas escasas que separaban el frons scaenae del piano, la acción de sentarse frente a este y los primeros sones de ‘Debería’ fueron suficientes para que el malagueño arrancase los primeros aplausos de este nuevo y distinto Stone.

Desde el primer momento hubo alusiones del artista al monumento bimilenario, encandilado por la belleza del mismo y agradecido por estar, de nuevo, en la arena de la escena romana. Fue intercalando sus éxitos más antiguos con los temas que conformarán su último disco. El formato elegido para estos conciertos íntimos, dan título a esta gira tan especial titulada López, piano y voz. No estaba previsto que el de López fuera el primer concierto de esta edición. Ni que el malagueño prescindiera de su banda para enfrentarse, acompañado sólo de su voz y el piano, a su tercer concierto en la capital extremeña. Tampoco que las caveas presentaran sólo medio aforo en un recital que colgó el sold out hace ya meses. Sin embargo, y a pesar de que la COVID19 ha trastocado los planes de todo el mundo, el Teatro Romano volvió a desprender de nuevo calor, color y pasión en un evento musical.

El calor lo puso el público. Desde los primeros compases de ‘Mariposa’, cuando el respetable acompañó la desgarradora voz del malagueño. Animó con el simple sonido de su piano y los asistentes secundaron con aplausos cada intervención, y fueron muchas, con la que López se dirigió a ellos. El color corrió a cargo de la sencilla, pero efectiva y emotiva escenografía que acompaña al cantautor en esta gira especial y de formato reducido. La iluminación reflejaba una distinta tonalidad en cada tema que López interpretó al piano y con el que repasó su carrera musical ‘Te espero aquí’, ‘El camino’, ‘Dos palabras’o ‘La mejor noche de tu vida’, fueron solo alguno de sus temas. Y López. La pasión. El artista consiguió la catarsis en su versión más íntima y profunda. La poesía que trasmitió de una manera especial en cada una de sus conversaciones con el público a quien, después de romper el set list del concierto, se atrevió incluso con un pasodoble carnavalero y dedicó nuevo temas como ‘Tempo’, ‘Colapso’ o su ya exitoso ‘Mariposa’, un tema que habla del deseo de imperfección de alguien que convierte cada cita con Mérida en noches de música perfectas…incluso en tiempos de COVID.

25 de abril de 2020
Ara Malikian por tierras extremeñas

Ara Malikian al violín es capaz de enmudecer al público, pero también lo hace contando sus vivencias y su trayectoria con el instrumento. Enmudecerlo y hacerlo reír por igual. Un espectáculo que consigue enganchar al público desde el inicio debido a la excelencia del artista. El show, de dos horas de duración, comenzó con su piano acompañante desde la escena, Iván ‘Melón’ Lewis, mientras que Malikian hacía su entrada tocando el violín desde la cávea media y descendiendo hasta la escena por la escalera lateral, con su mascarilla puesta.

Precisamente a las medidas de seguridad aplicadas por el festival se refirió el violinista. A eso y a la crisis sanitaria que está viviendo el mundo y la que está sufriendo el sector cultural “pero esta noche queremos que la infección sea de cultura, música y arte”.

Ara Malikian voló anoche sobre el escenario del Teatro Romano de Mérida. Su expresión corporal, al compás de cada tema interpretado, es una de sus cualidades más impresionantes y anoche lució con la escena del monumento bimilenario de fondo.

También destacó por su sentido del humor y su espontaneidad contando historias que enlazaba con cada tema interpretado: sus vivencias en el Líbano, en el garaje de su casa durante la guerra; su trabajo como violinista en bodas judías que dio como resultado ‘Pisando Flores’; la invención respecto del nombre de su primer violín ‘Alfredo Ravioli’, lo que da nombre al trabajo ‘Milongas de Ravioli’; sobre su llegada a España y su devoción por Madrid, entre otras muchas historias. Stone&Music Festival cerró su quinta edición con música de primer nivel y el buen humor que desprendió Ara Malikian entre el público, aunque no faltó hueco para la emoción. En este sentido, uno de los momentos más conmovedores, y que puso fin al concierto, fue la interpretación de ‘Nana arrugada’, compuesta durante la pandemia y dedicada a ese recuerdo de tantos mayores fallecidos en soledad durante la pandemia.

14 de marzo de 2020
Los Secretos «Noche de Patrimonio romano y musical»

La nostalgia más popera llegó anoche al Teatro Romano de Mérida de la mano de los secretos que hicieron un repaso a sus 40 años de carrera musical en un formato de sexteto acústico, con el que repasaron algunos de sus grandes éxitos y en el que también mostraron temas de su nuevo trabajo ‘Mi Paraiso’. En el marco de la gira ‘De Vuelta’, ideada en plena crisis sanitaria para hacer recitales “con los que demostrar al mundo que la cultura puede ser segura”, según palabras del propio Álvaro Urquijo, uno de los grupos más destacados de la movida madrileña se presentó sobre la arena del Teatro con un formato más que acertado: Álvaro Urquijo, Ramón Arroyo y Txtetxu Altube con las guitarras acústicas, Juanjo Ramos en el bajo, Jesús Redondo en el piano y Santi Fernández con un cajón, que han posibilitado además que el grupo recupere “canciones que hace mucho que no nos acompañaban” en conciertos en directo.

La noche comenzó por el principio de los 80 con ‘No me imagino’, que dio paso al tema que da nombre a su nuevo trabajo ‘Mi paraíso’ y una sucesión de históricos como el ‘No vuelvas nunca más’, ‘La calle del olvido’ o la versión de la casi centenaria ‘Échame a mí la culpa’, mezcladas con temas de su último trabajo como ‘Si pudiera parar el tiempo’ ‘Escrito en el corazón’ o Párpados pintados’, y, por supuesto, impregnadas del inconfundible sonido Los Secretos.

Con ‘Aunque tú no lo sepas’ llegó la parte más nostálgica. Temas como ‘Ojos de perdida’, ‘Dejamé’ o ‘Quiero beber’, que Los Secretos han convertido en patrimonio de la música española de todos los tiempos, los sabineros ‘Ojos de Gata’ y ‘El Bulevar de los Sueños Rotos’ y, por supuesto, la siempre presente memoria de Enrique Urquijo con ‘Te he echado de menos’, ‘Agarráte a mí, María’ o la renovadísima y versionada una y mil veces ‘Pero a tu lado’ convertida ya en unos de los himnos nacionales de la crisis sanitaria. Una velada calurosa, nostálgica que con su sobria iluminación Sobre el Teatro se convirtió en perfecta para celebrar la Noche del Patrimonio.

11 de marzo de 2020
Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura

LO MEJOR DE LA CULTURA EN 2019

Extremadura: Festival de Mérida y Fundación Helga de Alvear empatan en cabeza del ranking seguidos de Museo Vostell y Festival de Cáceres. Entre las novedades destaca la película Buñuel en el Laberinto de las Tortugas de The Glow. El ranking se completa con 15 propuestas, dominando los festivales de teatro y música. El Festival de Mérida representa en solitario a Extremadura en el ranking nacional.

España: De nuevo el Prado, el Reina Sofía y el Guggenheim ponen a los museos a la cabeza del ranking anual.

Los panelistas han valorado las instituciones y acontecimientos culturales más importantes del año 2019, en una pregunta abierta sin aportar ningún nombre. Destaca en primer lugar el Museo del Prado impulsado por su bicentenario, seguido del Museo Reina Sofía y el Museo Guggenheim. La lista de los diez primeros la completan el Festival de San Sebastián, el Museo Thyssen-Bornemisza, el Centro Botín, CaixaForum, el Teatro Real, ARCO y los Teatros del Canal.

La relación se completa con hasta 102 instituciones y actividades culturales, 87 de las cuales se concentran en cinco comunidades: Madrid (41), Cataluña (18), Andalucía (11), País Vasco (10) y Castilla y León (7). Destacan los museos y centros de arte (39), teatros (13) y festivales de música (12), teatro (11), cine (5) y arte (5). Entre las novedades más destacadas, la reapertura de Chillida Leku, el V Centenario de la Primera Vuelta al Mundo y el Teatro del Soho.

Las 17 insignias culturales

El Observatorio de la Cultura presenta asimismo rankings con lo mejor del año cultural en cada una de las comunidades autónomas.

Las 17 insignias culturales de este año son, según los profesionales de cada comunidad, el Museo Picasso Málaga (Andalucía), el festival Periferias de Huesca (Aragón), el Museo de Bellas Artes de Asturias en Oviedo (Asturias), el Teatro Principal de Palma (Baleares), el Festival Internacional de Música de Canarias (en varias islas de Canarias), el Centro Botín de Santander (Cantabria), la Semana de Música Religiosa de Cuenca (Castilla-La Mancha), la Seminci de Valladolid (Castilla y León), el CCCB de Barcelona (Cataluña), el IVAM de Valencia (Comunidad Valenciana), el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres (Extremadura), Culturgal en Pontevedra (Galicia), el Museo Würth La Rioja en Agoncillo (La Rioja), el Museo Nacional del Prado (Madrid), La Mar de Músicas de Cartagena (Murcia), 948 Merkatua de Pamplona (Navarra) y el Museo de Bellas Artes de Bilbao y el Museo Guggenheim de Bilbao (País Vasco).

Comunidades y ciudades con mejor programación cultural.

Al valorar las comunidades españolas por la calidad e innovación de su oferta cultural la Comunidad de Madrid afirma su liderazgo seguida del País Vasco, Cataluña, Andalucía y la Comunidad Valenciana. Por lo que respecta a las ciudades, Madrid sigue a la cabeza del ranking, seguida de Barcelona y Bilbao. Málaga consigue este año la cuarta plaza por delante de Valencia.

Campos de la Cultura. La gastronomía cada vez más destacada

La Gastronomía vuelve a ser lo más destacado de nuestra creación con 8,42 puntos, seguida de Literatura y Diseño, por encima de los 7 puntos. Todos los campos superan los 6 puntos y la valoración global se sitúa en 7,00.

Los presupuestos de la cultura: La recuperación económica del sector se ralentiza

Se ha consultado al panel por la variación prevista en el presupuesto de su organización o actividad profesional para el ejercicio 2020 respecto al 2019. Se prevé un crecimiento medio del 2,04%, muy inferior al 3,86% de un año antes, que enlazaría en todo caso cinco años consecutivos de una progresiva recuperación que llegó al sector a partir de 2016.

¿Qué falta en el panorama cultural de nuestras ciudades?

Cada panelista ha señalado las carencias culturales de su ciudad. Entre los aspectos más repetidos, demandan: Un mayor compromiso de las Administraciones Públicas con la cultura, mayores presupuestos y apoyo al sector; más actividades culturales, mejores equipamientos y una mayor coordinación entre instituciones.

El Observatorio de la Cultura de Fundación Contemporánea

Esta nueva edición del Observatorio de la Cultura ha contado con la participación de 336 miembros del panel, que han completado el cuestionario entre los meses de diciembre de 2018 y enero de 2019.

El Observatorio de la Cultura es un instrumento para tomar el pulso a algunas de las cuestiones que más puedan interesar al sector en cada momento, creando unos indicadores para analizar tendencias, promoviendo el debate e identificando carencias y oportunidades de actuación.

Desde 2009, Fundación Contemporánea lleva a cabo una consulta anual, para elaborar una serie de indicadores relativos a las diferentes áreas de la cultura, a la actividad cultural de las diferentes comunidades autónomas y ciudades, a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año y a la evolución anual de los presupuestos de la cultura. Para ello, se envía un cuestionario a un panel de expertos formado por más de mil profesionales de primer nivel de nuestra cultura: escritores, artistas, directores y actores, músicos, arquitectos y creadores de todos los campos; responsables de fundaciones, directores de museos, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, gestores culturales y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de la administración pública central, autonómica y municipal.

1. Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

1. Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear

3. Museo Vostell Malpartida

4. Festival de Teatro Clásico de Cáceres

5. Festival Internacional de Teatro y Danza Contemporáneos de Badajoz

5. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

5. Orquesta de Extremadura

5 .MEIAC

9. Buñuel en el laberinto de las tortugas. The Glow

9. Festival Internacional de Jazz de Badajoz.

9. Stone & Music Festival

12. Festival Contempopránea

12. Womad

14. D´Rule: Artistas en el territorio

14. Museo Nacional de Arte Romano

24 de febrero de 2020
Raphael y Manuel Carrasco «Cátedra musical en el Stone & Music»

Raphael jamás falla

Sin haber terminado de digerir el espectacular y multitudinario concierto ofrecido por Manuel Carrasco en el albergue municipal en la noche del sábado, el Stone&MusicFestival se encaminaba a cerrar un nueva edición con uno de los cantantes más relevantes del panorama musical internacional de los últimos 60 años, Raphael, que arrancó la primera gran ovación de la noche, con el público puesto en pie, nada más pisar la escena del Teatro.

El Raphael más vanguardista, que se inventa y se reinventa en cada uno de sus trabajos, y más seductor que nunca volvió a demostrar su particular carisma, su voz y su energía en un show que estuvo claramente diferenciado en dos partes, mezclando lo mejor de la música orquestal con las tendencias electrónicas más actuales.

El público que abarrotó de nuevo el graderío del Teatro Romano disfrutó de los treinta y dos temas que ofreció el andaluz, entre canción y canción se repitieron varios signos de cariño desde el público, que además, coreando temas como ‘Inmensidad’ o ‘Digan lo que digan’, ‘Mi gran noche’ o ‘Yo soy aquel’, pero tampoco se quedó indiferente a esa parte más latina e íntima que encarnaron ‘Volver’, ‘Malena’ o ‘Adoro’ Dos horas y media de show en el que interpretó temas con piano, bandoneón y guitarra.

Un cantante incansable que a sus 76 primaveras se ha adaptado a los tiempos de la música sin cambiar su estilo. Lo volvió a demostrar en un espectacular final de concierto, con temas como ‘Yo soy aquel’, ‘Escándalo’ y ‘Como yo te amo’, que puso en pie al respetable por enésima vez en la noche con un “Extremadura os amo tanto” y un ‘A mi manera’ cantado a capella.

Hay que resaltar la majestuosidad y buen hacer de la Orquesta de Extremadura en cada uno de los temas que fueron acompañando al cantante que reconoció esa labor sobre el escenario y que incluso se atrevió a dirigir en un momento único.

Esta es la segunda parada de la Orquesta de Extremadura en esta edición 2019 del Festival. En esta ocasión, lo hacía bajó la batuta del asturiano Rubén Diez, quién dirige a todas las orquestas, que desde 2015, acompañan a Raphael en cualquiera de sus conciertos.

La orquesta de Extremadura también protagonizó con su base musical el espectáculo de Disney in Concert que se celebró el pasado 8 de septiembre, día de Extremadura.

Tercera visita de Manuel Carrasco

Manuel Carrasco convocó a casi 20.000 personas en el concierto más multitudinario del siglo en Extremadura. En su tercera vez en el Stone & Music, el onubense reivindicó un ‘tren digno’ para Extremadura. Manuel Carrasco convocó en el Albergue municipal emeritense a casi 20.000 personas, 19.578 según datos de taquillas, en lo que ya se ha convertido en el concierto más multitudinario de Extremadura en lo que va de siglo. Estoy feliz por ser los que más público hemos metido aquí los últimos 20 años aseguró al saludar a todos los asistentes apenas terminados los tres primeros temas del concierto.

Y siguió hablando de Mérida y de Extremadura durante todo el concierto, incluso aprovechando la tradicional bulería que dedica a cada ciudad en la que canta, para hablar de la ciudad, sus monumentos y reivindicar un tren digno. “A ver cuando se enteran que Extremadura es un grito. Tantos años de injusticia. Queremos un tren digno”, sentenció el cantante acompañado sólo por su guitarra y seguido por los aplausos de un público que a esas alturas ya estaba enloquecido y entregado.

Casi dos horas antes, con una absoluta oscuridad, en torno a las diez y cuarto, el onubense había comenzado el espectáculo. Porque anoche en el albergue hubo espectáculo por todos los lados. Un éxito rotundo que superó las expectativas creadas y que hizo vibrar a todos los asistentes desde principio a fin. Desde antes de aparecer Carrasco, las pantallas que acompañaban el gigantesco escenario ya estaban iluminadas con una proyección del artista, pero también del propio Stone&Music invitando a los presentes a vivir la edición del 2020. Y poco a poco se fue calentando el ambiente.

Una nueva proyección sobre un telón que tapaban los 40 metros de escena. Y Carrasco… Manuel Carrasco sentado en la escena a los sones de ‘Me dijeron de pequeño’, y ya todos los asistentes coreando sus letras. Emoción, ilusión, las caras en el público rebosaban felicidad.

Entre carrera y carrera por el escenario, el de Huelva fue invadiendo los corazones del público, manejando cada nota musical de tal forma que convirtió su espectáculo en una experiencia inolvidable para las miles de almas que vibraron, vivieron y no dejaron de interactuar con el cantante al ritmo de sus canciones.

Luces blancas que provenían de miles de teléfonos móviles para ‘No dejes de soñar. Sus manos sobre el piano. Saltos y más saltos, suyos desde el escenario y del público en la pista, por ejemplo ‘Con tan sólo tú’. Un amplio repaso a ‘La Cruz del Mapa’ su último trabajo, pero también a grandes éxitos anteriores. Siempre apoyado por una banda internacional en la que destacó y mucho con el saxo David Carrasco, su director musical desde hace ya varios años.

Un escenario único para todo tipo de género musicales

Se cierra por todo lo alto una nueva edición del Stone & Music Festival donde todo tipo de público ha podido disfrutar de un abanico amplio de géneros musicales, como el pop de Izal, Vetusta Morla, el soul de Gloria Gaynor, el sonido mediterráneo de cantautor de Tozzi o Raphael.

30 de julio de 2019
Turbulence en el MEIAC «De Nueva York a Badajoz»

Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte.

En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sotano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. En la primera planta se cogen las medidas al arte vanguardista de la mano de Manuel Ortiz y Carla Carmona. En la segunda, son las sombras de los arboles las que impregnan y moldean la gran obra de Margarida Lagarto y en la tercera planta, la que está más cercana de la luz, huye de la misma. La oscuridad viste Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web.

Michelle Riel no lo ha dicho en la presentación de la exposición. Se ha limitado a valorar el trabajo desarrollado hasta la era Trump. Su traductora sólo ha traducido palabras dulces y de afecto hacia todos los componentes del proyecto Turbulence.org y ha agradecido la apuesta de los gestores por su presencia en espacios como el MEIAC de Badajoz. La crisis hizo mella a Turbulence y el Gobierno Trump tardó segundos en dejar de financiar el proyecto.

Michelle Riel es artista, investigadora y docente. Perteneció al equipo de creadores del “networked_performance”, el proyecto de Turbulence dedicado a la investigación teórica del arte digital, la performance e Internet. Como diseñadora ha sido galardonada con un premio Emmy. Con ella y Gustavo Romano, el comisario de la obra (También de NETcospio, el archivo de obras digitales del MEIAC), recorrimos esa tercera planta. Gustavo nos ha podido desgranar el significado de este tipo de proyectos. No recordó la dificultad que a simple vista no presenta, de realizar la migración de todo el trabajo digital y el papel tan impórtate que juega su conservación.

¿Una obra digital es una obra efímera? Esta duda surge cuando tratamos de adentrarnos de lleno en Turbulence. La fragilidad que puede trasmitir en un primer momento se convierte en una calidez artística desde que nos sumergimos en la creación, exposición y crítica de las obras representadas. Todo un zumbido de sensaciones emocionales que merecen la pena deglutir a bocados pequeños.

La consejera de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura, Leire Iglesias, destacó la calidad y potencia de exposiciones como Turbulence, un paso muy importante en la estrategia seguida por el museo y que, a lo largo de los últimos años, ha venido identificándole en una posición de referencia en el ámbito que vincula la creación contemporánea con los nuevos medios digitales. Un arte sin censuras, un arte que viaja constantemente y que pretende convertir al MEIAC como “uno de los primeros museos en querer tener un archivo de arte digital”.

¿Qué es TURBULENCE.ORG?

Si queréis descubrirlo por vosotros mismos, una ooción muy atractiva e imaginativa, sólo hay que “viajar” tecleando esta dirección http://meiac.es/turbulence/archive/mram/

Si queréis os lo desgranamos un poco…pero es indispensable navegar en la dirección anterior.

Turbulence.org, con sede en Nueva York, ha desarrollado una incesante tarea de promoción del arte digital, de artistas de todo el mundo, desde sus inicios en 1996 hasta finales de 2016.A día de hoy cuenta con 230 piezas originales y material documental de más de 20 piezas performáticas multimedia. La colección incluye artistas de reconocida trayectoria internacional. Muchas de las obras que la conforman han recibido prestigiosos premios internacionales como el de Ars Electrónica, o han sido exhibidos en museos o eventos internacionales como la Bienal del Whitney. A finales de 2016, la última institución que financiaba el proyecto, The National Endowment for the Arts, dejó de prestar su ayuda, debido a que la propia agencia está en proceso de cierre, tal como fue anunciado por la nueva administración Trump. Ante la situación inevitable del cierre de Turbulence, el MEIAC negoció la posibilidad de acoger este archivo, y como resultado del acuerdo alcanzado, las obras han pasado a ser alojadas en el servidor web del MEIAC, y de esta manera podrán ser visitadas por el público internacional. El archivo Turbulence se presenta oficialmente en las salas del museo a través de esta muestra, en la que se podrá ‘navegar’ por las obras y que estará acompañada de video-proyecciones de navegaciones por algunas de sus obras más destacadas.

Incorporación del archivo digital Turbulence al MEIAC Qué es eso de Memoria RAM?

El archivo Turbulence es presentado oficialmente en las salas del MEIAC a través de esta primera muestra titulada “Memoria RAM”. Este tipo de memoria, indispensable en todo dispositivo digital, es el módulo encargado de almacenar datos e instrucciones de manera temporal, pero que irremediablemente pierde toda la información una vez que el equipo se apaga. Esta metáfora nos sirve para reflexionar acerca de la misión de los archivos y en especial de los archivos digitales, siempre amenazados por los peligros de la obsolescencia tecnológica. La muestra recoge una selección de obras que trabajan con el concepto de lo efímero, de aquello que se puede almacenar y aquello que no, y de la resonancia de estos conceptos en un mundo atravesado por lo digital.

Algunos Artistas y algunas Obras

Data Diaries | Cory Arcangel

Data Diaries (Diario hecho de datos) es un video de once horas de extensión que se generó al engañar al Quicktime para que creyera que la RAM de un ordenador era un vídeo. Esto se hizo una vez por día, cada día de enero de 2003. Los correos electrónicos, cartas, páginas web, datos de DSL, canciones y cualquier otra cosa en la que trabajó Arcangel ese día flotan desordenadamente en este experimento con video de 15 cuadros por segundo.

Channel TWo: NYC | Adam Trowbridge y Jessica Westbrook

«Channel TWo es un canal de medios post-network que, con un enfoque irónico y apocalíptico, genera sus contenidos automáticamente a través de algoritmos en Internet. Estructuralmente, emplea investigación de audiencia y un software personalizado para generar contenido locales, directamente conectada a la comunidad en la que se encuentra. El Canal TWo comienza después de la rendición inevitable de la civilización y presenta una corriente de emisiones interminable, estimulante visualmente y basada en la principal idea de vender productos a sus usuarios.»

iSkyTV | the Institute for Infinitely Small Things

SkyTV es un proyecto de arte en red que detecta la ubicación del usuario y anima el cielo de Google Street View sobre su cabeza. El proyecto es una reinvención de Sky TV, el famoso video de Yoko Ono de 1966, que introdujo el espacio exterior adentro de la galería. En contraste, iSkyTV trae el espacio virtual de la base de datos de Street View e invita a los espectadores a reflexionar sobre un mundo en el que nuestros recursos naturales y paisajes han sido digitalizados, convertidos en datos con derechos de autor y archivados. [Para laptops y dispositivos móviles]

Memorial Project for Jobbers’ Canyon Built with ConAgra Products | Nicholas O’Brien

Proyecto conmemorativo para Jobbers ‘Canyon, construido con productos de ConAgra, rinde homenaje a los tesoros arquitectónicos perdidos. En 1989, ConAgra, el segundo distribuidor agrícola más grande de los Estados Unidos, comenzó a construir su nueva sede corporativa en Omaha, Nebraska. En el proceso, se demolieron veinticuatro edificios en el distrito conocido como Jobbers ‘Canyon, que fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos y es considerado el mayor sitio perdido registrado. Utilizando registros y dibujos arquitectónicos O’Brien ha «reconstruido» diez de los edificios, sustituyendo los materiales de construcción originales por productos distribuidos por ConAgra.

Moments of Inertia | R. Luke DuBois y Todd Reynolds

Momentos de Inercia está basado en un estudio teleológico del gesto en el rendimiento musical y cómo se relaciona con el gesto en la interacción social íntima. Moments consiste en doce estudios de violín escritos para Todd Reynolds, de uno a diez minutos de duración, cada uno de los cuales utiliza un gesto diferente de interpretación de violín como entrada de control para manipular una pieza breve de película de alta velocidad (300 fotogramas por segundo), de objetos y personas en movimiento. Siguiendo el ejemplo de los principios de la física que determinan la resistencia de un objeto al cambio, los gestos del violinista reasignan el tiempo y la velocidad del video clip para explorar las complejidades de la acción realizada.

Nothing You Have Done Deserves Such Praise | Jason Nelson

Nada que hayas hecho merece semejante alabanza es un juego de arte / poesía / aventuras, un campo de juego para explorar nuestro deseo siempre presente de premios constantes y exagerados. Nuestros mundos (digitales y de respiración) están llenos de elogios innecesarios y no ganados, estamos hechos para amar los trofeos en explosión por el quinto lugar. Este juego de arte / poesía satisface tu «adicción al cumplido», al celebrar tu caminar / saltar / caer a través de tierras anatómicas extrañas y maravillosas.

Prototype #44, Net Pirate Number Station | Yoshi Sodeoka

El Prototipo n. ° 44 es una estación de «números» de radio de onda corta que transmite por Internet. Al ingresar, se pueden escuchar secuencias numéricas generadas al azar por la web y leídas en voz alta por presentadores pregrabados en vídeo. Calmo, como en trance, generando un clima vagamente amenazador, el Prototipo # 44 se inspiró en las muchas «Emisoras de Números Espías» que surgieron en las comunidades de inteligencia de todo el mundo en la década de 1960.

Storm King | Amit Pitaru

Storm King (Rey de las tormentas) fue compuesto y realizado con «The Sonic Wire Sculptor», originalmente un instrumento personal creado por Pitaru para componer, grabar y tocar música en tiempo real a partir del dibujo. Pitaru más tarde transformó el software en una instalación pública para permitir que un rango más amplio de usuarios interactuara intuitivamente con el instrumento. Los visitantes entraban en una habitación oscura con un sistema de sonido envolvente, una proyección y una única estación de dibujo. Eran alentados a agregar su trabajo a una colección cada vez mayor de sorprendentes esculturas sonoras. Hoy, esta colección incluye trabajos de ilustradores profesionales, poetas, niños de 9 años y sus padres, y músicos de diversos géneros.

text_ocean | Zannah Marsh

text_ocean (océano textual) es un experimento de lectura de acceso aleatorio y visualización de texto, utilizando como material fuente el texto de Moby Dick, de Herman Melville. Las selecciones del texto se convierten en un mar dinámico de palabras, animadas según la función gramatical. El usuario «lee» el texto “enganchando” y soltando palabras y, en el proceso, las desconecta de sus líneas originales. Por lo tanto, Moby Dick es reescrito de forma lenta y aleatoria por el usuario, palabra por palabra, mientras lee.

Submersible | Yotam Mann y Niv Bavarsky

«Estás al timón de un submarino que navega por las profundidades del océano. En cada estrato, ves y escuchas diferentes organismos. En la zona epipelágica soleada, observa el atún rápido y masivo pasar nadando en bancos. O echa un vistazo al raro cerdo marino en la oscuridad del abismo pelágico. Cada uno de estos organismos contribuye con un motivo espacializado al paisaje sonoro en proceso. «

Willy López | Fotografía MEIAC. Félix Méndez

8 de marzo de 2018

Etiqueta: romano

De Atapuerca al Teatro Romano