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  • Faemino y Cansado «Caricatos, excéntricos y charlistas…El orgullo del tercer humor»

    Faemino y Cansado «Caricatos, excéntricos y charlistas…El orgullo del tercer humor»

    La vida en el interior de la Sala Galileo Galilei se detuvo hace tiempo, el antiguo pequeño teatro retiene horas de música, poemas punzantes, sangrantes, revolucionarios de cantautores, aplausos del público emocionado y neblina de un humo, que antaño formaba parte natural del decorado, de este emblemático local. En los años 90, tocar el interruptor de nuestras telefunken para descolocar el dial en la 2 de televisión española, suponía toparte de golpe con dos tipos,  vestidos de negro, a veces con camisas de colores y chaquetilla blanca, un sol y sombra, y camisa con chorreras, dos tipos que nos daban humor para hacernos reír, dos cómicos que tenían a Kierkegard como salvoconducto para evitar censuras, dos tipos que añadían carcajadas al atrezzo natural de la Galilei, y mientras en la noche, una generación sonreía en la ignominia del silencio, para no despertar a un país que añoraba el humor de Gila y Tip y Coll.

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    Es la hora. Fuera hiela las caras del público y congela el letrero de neón. Faemino entra con dos plátanos, plátanos helados por el frío, me dan fuerza para hacer mi gag de corredor de bolsa, nos dice nada más llegar, saluda a todo el equipo de camareros, a Domingo, el encargado de colocar milimétricamente a todo el público en sus asientos. Cansado llega con una maleta y con ganas de empezar. Prueba de sonido, prueba de luces, mesa de mármol y pie de hierro, sillones con solera y todo un orgullo para la sátira de este país, la generación del tercer mundo, toda una prueba de humildad y genialidad humorística y endémica; Faemino y Cansado.

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    En breve pisáis nuestra tierra, actuáis en Extremadura…y además Javier, tú tienes un nexo de unión con Badajoz…

    Cansado- ¡Cierto! Mi ex mujer que era química trabajó allí en una fábrica de tomates, pasé un mes muy divertido ese verano en Badajoz. Badajoz tiene  no tiene fama pero es una ciudad que tiene mucho rollo, la gente es estupenda. Además el Carnaval de Badajoz es espectacular

    Faemino- Yo no he estado… pero es espectacular…[Ríe]

    Cansado- Yo sólo he estado solo una vez pero es una fiesta de cojones. Sino vas disfrazado te dan la murga, es muy divertido

    Faemino- Espero que entendáis este mensaje pero hay ciudades en la que no se debería decir que se vive bien. ¡Imaginaros que se desplazan a Badajoz diez millones de personas! Mejor que vayan un millón y se conoce con más clase y menos aglomeraciones…[Ríen]. Yo he vivido en la carretera de Extremadura mucho tiempo, eso me acerca a vuestra tierra…[ríen]

     

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     Badajoz tiene  no tiene fama pero es una ciudad que tiene mucho rollo, la gente es estupenda. Además el Carnaval de Badajoz es espectacular

    ¡Quien tuvo retuvo!…muchos años reteniendo el humor ¿no?

    Cansado- Como profesionales, ganándonos la vida con el humor, 32 años, y otros 3 o 4 de trabajar en la calle sin ganar dinero…[Ríen]…¡35 añazos!

    Faemino- Hemos retenido experiencia, y de todo tipo, es difícil sintetizarlo todo en el espectáculo, pero viene a decir algo así como qué nos vas a contar. Todo ese cúmulo de experiencias hace que seamos un poco menos correctos, ese escalón, la corrección, la autocensura, tan difícil de saltar en la carrera humorística.  La edad y la experiencia nos da esto…

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    …pero en vuestra trayectoria, y si por algo os diferenciáis del resto, pocas  veces habéis caído en la autocensura

    Cansado- Estoy relativamente de acuerdo contigo y con Carlos, nosotros hemos hecho siempre lo que hemos querido.  Nosotros carecemos de una línea política determinada ni nada por el estilo, la edad te hace tener desapego por las cosas, pero siempre hemos actuado bajo nuestra propia dosis de censura, ninguna.

    ¿Ni en los inicios de vuestra carrera?

    Cansado- Ni cuando empezábamos, de hecho, tuvimos algún problemita con un periódico que se metió con nosotros pero siempre todo ha sido muy light. Comparado con el humor que se hace en España hoy en día nosotros absolutamente blancos, somos una personas encantadoras, naifs, pero que si es cierto es que la edad nos hace que nos importe poco lo que digan de nuestro show, más que la censura nos ha preocupado que el público fuese feliz, y siendo egoístas, pensando en ser felices nosotros, creo que hemos conseguido que el público lo sea.

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    Pero una cosa es el escenario y otra vivir al margen del espectáculo

    Cansado- Sin duda, una cosa es vivir al margen del escenario y otra subirte al él. Existe una responsabilidad grande, y eso te apabulla pero esa sensación llega un momento en la que se acaba.

     

    Nosotros carecemos de una línea política determinada ni nada por el estilo, la edad te hace tener desapego por las cosas, pero siempre hemos actuado bajo nuestra propia dosis de censura, ninguna

    Para mucha gente vuestro humor no tiene preproducción, que se realiza sin guión y bajo la improvisación y el absurdo como única base

    Cansado- Detrás de todo eso hay un guión férreo, sin este trabajo elaborado no podríamos, os sí…[ríe]…salir al escenario. Nosotros somos la generación puente entre los cómicos antiguos y la generación nueva que es la que está rompiendo, que tiene un nivel impresionante, el mayor nivel que jamás se ha llegado con el humor en España, muy cercano al humor anglosajón que tienen más tradición y tal, pero quizá de los mejores del mundo. Yo siempre digo que el humor no tiene principio, no es prescriptor, no tiene prestigio, te da dinero, cariño como decía Carlos, pero no prestigio, sin embargo eso está cambiando, poco a poco la gente se da cuenta que el nivel de preparación, intelectual, es alto. Encontrar hace años a humoristas con formación académica universitaria era muy difícil. David Broncano tiene dos carreras, Ignatius, Miguel Noguera…el nivel ha subido de manera exponencial. Eso hace que el nivel de provocación, de criterio humorístico es espectacular.

     

    Faemino- Nosotros hemos vivimos esa falta de prestigio, no se nos otorgaba intelectualidad, y  nosotros pretendíamos hacer nuestro espectáculo en teatros y nos fue tremendamente difícil romper ese tabú de la fragilidad profesional del humor.

     

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    Quizá el hecho de salir en un programa de 30 minutos en la 2 cadena os hizo partícipe de esa generación, que sí entendía vuestro trabajo como humor creativo, elaborado, espontáneo y único, el orgullo del tercer mundo (El programa llegó a emitirse en Nueva Zelanda) …pero ¿El elementos como el 21% del IVA cultural y demás trabas administrativas puede que os pasen factura para seguir desarrollando esta profesión?

    Cansado- ¿Estamos a favor de los impuestos o estamos en contra? Hay que tenerlo en cuenta. Si estamos  a favor de que los ricos tienen que pagar sus impuestos, porque los impuestos hay que pagarlos, luego Carlos si ya no quiere hacerlo no es cosa mía…[ríe]…la traba jamás debe ser el dinero. Con la cantidad de plataformas que hay hoy en día para trabajar el dinero no debe ser importante, si quieres hacer una serie muy currada y tal claro, pero puedes hacer una web serie, si quieres trabajar en teatros puede que cueste un poco más pero hay un montón de salas y espacios. En definitiva, el poder no te puede cuartar, es mentira…yo que soy conservador, cuanto más dinero ganes mejor ¿no?…[Ríen]…más impuestos pago por conservador.

    Faemino–  Y si reivindicamos que no se pague el 21% de IVA por el espectáculo debemos reivindicar que se baje todo, no sólo el cultural. No se debe marginar el IVA cultural del resto. ¡Hay que ser patriota y pagar impuestos!…[Rién]

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    Es cierto, incluso ya no estáis marginados en epígrafes tan extraños como artistas y toreros…

    Cansado- [Rién]…Bueno, bueno, todavía existe un epígrafe donde podemos elegir entre ser actor, torero y demás…pero tenemos la opción de Humoristas, caricatos, excéntricos, charlistas, recitadores, etc…[Ríen], era la gente del circo, de las variedades, del teatro que no hacían nada en concreto.

    Faemino- Es maravilloso, suena genial. Por cierto, no sé cuándo va a salir esta entrevista pero no apaguen la luz a la siete de la tarde, no la apaguéis, se acaba de demostrar que ganan más dinero si la apagamos todo de golpe, porque al volverla a encender a la media hora, la demanda es tan grande que dicen para sus adentros ojalá la apaguen todas las tardes. Utilicen velas, eso les duele…[Ríen]

    Hablando de dolor, en este caso profesional, no sabemos si es cierto que en vuestra primera actuación, actualmente se agotan las entradas, acudieron cuatro personas

    Cansado- ¡Hombre! Cuatro quizás no pero quince o dieciséis sí. Pero escúchame, aquí no empezamos, en el retiro hacías un corro y mínimo había veinticinco personas, pero en locales como el Rincón del Arte Nuevo hemos actuado para dos personas.

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    Nosotros somos la generación puente entre los cómicos antiguos y la generación nueva que es la que está rompiendo, que tiene un nivel impresionante, el mayor nivel que jamás se ha llegado con el humor en España

     

    ¿Cuál fue vuestra primera actuación realmente?

    Cansado- Nuestra primera actuación fue en el salón de una casa de unos amigos…¡Qué me hablen a mí de microteatro a estas alturas!…[Ríen]…la primera en un local fue en el Bar Café Lavapiés, que no existe ya, con algo más de público.

     

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    ¿Y cuándo volvíais al camerino que os pasaba por la cabeza?

    Cansado- Yo soy el negativo, y decía hay quince y decía Carlos es que ayer había trece, hemos mejorado Javier…

    Faemino– Yo soy el positivo exponencial…[Rién]

    Cansado– Nuestra carrera, y es una cosa que me encanta, cuando pasas de la calle a los bares, fíjate que salto cualitativo, toda la gente decía que no iba a funcionar, nosotros hacíamos teatro de arena, una cosa menor, y en los bares hacía falta una atención especial. Vale, empezamos en los bares y funcionó. Empezamos a hacer actuaciones en centros culturales, y nos decían que en los bares la gente está alegre tomando copas y tal pero en estos espacios más serios….pues funcionamos. Empezamos a salir de Madrid y  nos decían, en la ciudad sí pero fuera y toma. Y con la tele tres cuartos de lo mismo…

    Faemino– Menos mal que había directores de programas que apostaron fuerte por este tipo de espectáculo, habíamos hecho cositas para Cajón Desastre y tal pero nada como el programa de El orgullo del tercer mundo.

     

    ¡En Cajón Desastre sale el sketch de Capitán Badajoz!

    Cansado- [Ríen]…Capitán Badajoz, posiblemente el mejor superhéroe de Extremadura, y posiblemente ese sketch lo escribí ese verano que estuve Badajoz. Era un pedazo de homenaje a vuestra tierra.

     

     

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    Entrevista Willy López | Fotografía Félix Méndez

  • Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    Dramaturgia con sello de calidad en el Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    La 42 edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz,  se celebrará del 18 al 30 de octubre en el teatro López de Ayala.

    Durante  13 días habrá 15 espectáculos de compañías extremeñas, españolas y extranjeras. Las enfermedades mentales, la niñez, el paso del tiempo, las relaciones familiares, la inmigración, las nuevas tecnologías o el desamor forman parte de la temática de la programación de esta edición que cuenta con dos funciones fuera del escenario principal del López de Ayala: en el Paseo de San Francisco y el sótano del teatro.

    En el apartado internacional, desde Bolivia llega Un buen morir, en el que se entregan a una exploración humana del amor, la muerte, los encuentros y desencuentros de una pareja (21 de octubre).

    Desde Portugal nos llega una visión nueva del Fado a través de la danza y de la música Correr o Fado, una forma de desmitificar la archiconocida música portuguesa con una puesta en escena para ballet novedosa. (23 de octubre)

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                                                                                                                                                                                                                                                     Foto. Russ Rowland

    Destaca la presencia del artista estadounidense Richard Saudek, que representa la obra Beep boop, donde nos muestra a través el clown una preocupación de actualidad como es la obsesión por las pantallas y las nuevas tecnologías. Será su única actuación en España después de pasar por el Festival de Edimburgo.( 24 de octubre)

    La última de las compañías extranjeras que pisa el festival proviene de Chile, Tryo Teatro, representa el (27 de octubre) Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa, una visión a través de la música, teatro e historia de las hazañas del conquistador español.

    De las compañías extremeñas destaca  la presencia de la dramaturga y actriz Concha Rodríguez que el (20 de octubre) representa una obra escrita por ella que trata sobre la vorágine empresarial y las relaciones de poder en Homenaje inesperado.

    La difícil situación de una mujer perseguida, basada en la vida de Camille Claudel, es el tema que De Amarillo Producciones propone en La vida secreta de Petra Leduc, pero también es el reflejo de artistas perseguidas por su condición de mujer. (22 de octubre)

    La danza extremeña llega de la mano de Karlik Danza Teatro con La vida de los salmones, una obra que muestra sueños que desafían monstruos (28 de octubre). Ese mismo día, en el sótano del teatro, la actriz extremeña Esther Gala representa Fantasmas de agua  sobre la tragedia de la inmigración.

    Por último, la presencia extremeña llega de la mano de Asaco Producciones y los Hermanos Saquetti que representan en el Paseo de San Francisco el sábado (26 de octubre) a las 18 h.  Custodios. Una divertida y loca historia protagonizada por ángeles payasos.

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    En el apartado nacional abre el turno de representaciones el primer día del festival El silencio de Elvis, (18 de octubre), protagonizado por Pepe Viyuela y el actor extremeño Elías González que aborda el tema de la esquizofrenia y sus implicaciones en la sociedad. Sobre las relaciones familiares y sus dificultades trata La boda de tus muertos (19 de octubre). Un intenso drama sobre una fiesta que se convierte en una tenebrosa tormenta.

    Una delicada visión sobre la infancia y su laberinto emocional con actores con máscaras es el tema que aborda la compañía vasca Marie de Jongh que obtuvieron el Premio Nacional de Artes Escénica para la Infancia y la Juventud en 2018. Ponen en escena el viernes (25 de octubre) Estrella,que la compañía define como Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos, recomendada para niños a partir de 6 años. Destaca su especial lenguaje y la sensibilidad a través de montajes con un incuestionable valor artístico y técnico.

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    La compañía andaluza GL Producciones pone en escena El nombre,dirigida por el argentino Daniel Veronese, protagonizada por la actriz y productora May Pascual. Una obra divertidísima, en la que el espectador se ríe mucho y en la que se saca punta y se profundiza en las situaciones cotidianas con un punto emotivo.

    El martes (29 de octubre), la actriz Mercedes Reyes protagoniza La buscona, una comedia con tono trágico. La compañía de nueva creación Trastero 203, realiza un trabajo que pasa por matices del clown, a la vez que viaja por el melodrama, teatro de objetos, títeres, y música.

    Cerrará el festival la compañía valenciana Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales What is love, Baby don´t hurt me. Una reflexión sobre el amor, la neurosis y su vacío con el que la compañía pretende poner en escena versiones libres de todas las obras de Antón Chéjov.

    Durante el festival se desarrollará un taller destinado a actores impartido por Víctor Sánchez Rodríguez, director de ‘Cuzco’, programada por el Festival Internacional de Teatro de Badajoz el pasado año, y What is love, Baby don´t hurt me que clausura la presente edición del Festival. Conducirá un taller de interpretación dramaturgia y dirección dirigido a actores, directores y autores, El personaje en las piernas. Se celebrará el martes 29 y miércoles 30 de octubre, en el teatro López de Ayala de 10:00 a 14:00 horas. Plaza limitadas.

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    Viernes 18 de octubre 21:00 h. El silencio de Elvis
    Compañía: El Vodevil (Madrid)

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    Sábado 19 de octubre 21:00 h. La boda de tus muertos
    Compañía: Sieteatro Producciones (Madrid)

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    Domingo 20 de octubre 21:00 h. Homenaje inesperado
    Compañía: La Estampa Teatro (Extremadura)

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    Lunes 21 de octubre 21:00 h. Un buen morir
    Compañía: Teatro de los Andes (Bolivia)

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    Martes 22 de octubre 21:00 h. La vida secreta de Petra Leduc
    Compañía: De Amarillo Producciones (Extremadura)

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    Miércoles 23 de octubre 21:00 h. Correr o Fado
    Compañía: Quorum Ballet (Portugal)

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    Jueves 24 de octubre 21:00 h. Beep boop
    Compañía: Richard Saudek (Estados Unidos)

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    Viernes 25 de octubre 21:00 h. Teatro de adultos para niños y teatro
    infantil para adultos (a partir de 6 años). Estrella
    Compañía: Marie de Jongh (País Vasco)

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    Sábado 26 de octubre 18:00 h. Teatro de Calle. Custodios
    Compañía: Asaco Producciones/ Hermanos Saquetti (Extremadura)

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    Sábado 26 de octubre 21:00 h. El nombre
    Compañía: GL Producciones (Andalucía)

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    Domingo 27 de octubre 21:00 h. Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa
    Compañía: Tryo Teatro (Chile)

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    Lunes 28 de octubre 21:00 h. La vida de los salmones
    Compañía: Karlik Danza Teatro (Extremadura)

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    Lunes 28 de octubre 23:00 h. Sótano. Fantasmas de agua
    Compañía: Gala Teatro (Extremadura)

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    Martes 29 de octubre 21:00 h. La buscona
    Compañía: Trastero 203 (Andalucía)

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    Miércoles 30 de octubre 21:00 h. What is love, Baby don´t hurt me
    Compañía: Wichita Co. & a+ Soluciones Culturales (Valencia)

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    Precios de entradas y abonos. Entrada general

    Butaca de patio: 15 €  Anfiteatro: 12 €

    Descuentos con el carnet joven, para pensionistas, desempleados y miembros de FATEX

    Butaca de patio: 9 €   Anfiteatro: 6 €

    Abono para 13 funciones

    70 €. A la venta desde el 19 de septiembre hasta el 3 de octubre

    Funciones fuera de abono

    Lunes 28 de octubre 23:00 h. (Sótano) ‘Fantasmas de agua’
    Precio único: 12 € (Aforo máximo 60 personas)
    Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

    Sábado 26 de octubre 18:00 h. ‘Custodios’
    Teatro de calle
    Paseo de San Francisco
    Gratuito

    Foto portada. Pkp

  • The rumble in the Jungle

    The rumble in the Jungle

    «Soy fuerte, profesional. He talado árboles, he vencido a un cocodrilo, he peleado con una ballena. He esposado a un rayo, he metido en la cárcel a un relámpago. He asesinado a una piedra. He llevado un ladrillo a un hospital. Soy tan malo que hago enfermar a las medicinas.»

    «¡Sí, estoy en África, sí, África es mi hogar, maldita América y sus ideas, vivo en América, pero África es el hogar del hombre negro, hace 400 años fui un esclavo y ahora vuelvo a mi casa, a luchar junto a mis hermanos. Sí!»

      Combate Muhammad Ali y George Foreman. Kinshasa, (Zaire) República Democrática del Congo, 30 de octubre de 1974   Ilustración. Tito Merello    Countdown...culba02

  • Secindi «Luces, cámara…y corazón»

    Luces, cámara…y corazón…mucho corazón y esfuerzo se ha invertido para preparar la segunda edición del Secindi Film Festival. El festival gestado por la Fundación CB y el director del festival Antonio Gil Aparicio. Una semana de cine inclusivo y discapacidad que del 14 al 19 de octubre se celebrará en Mérida con dos sesiones diarias de largometrajes que se proyectarán durante en el Centro Cultural “Santo Domingo” y donde los talleres y la presencia de actores y directores complementarán un festival con visos de futuro.

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    Esta edición contará con una sesión matinal para los centros educativos y una sesión abierta al público a las 20:00 horas. La inauguración será el lunes 14 de octubre a las 19:30 horas; “Jóvenes invisibles”, un documental realizado por la Fundación Isabel Gemio, la película que abrirá el festival.

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    Una de las principales novedades de esta semana de cine y discapacidad es la Sección Oficial de Cortometrajes que recoge los 10 cortos seleccionados del Certamen de Cortometrajes cuya convocatoria se abrió el pasado mes de abril; y que ha recibido un centenar de cortos de todas partes del mundo han sido presentados.

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    Los cortos seleccionados son: “Robarte una noche” (España) “Le Mot” (Corea del Sur) “L´Âge d´Or” (Francia) “Fundido a negro” (España) “My name is Petya” (Rusia) “El ascensor de Romeo” (España) “The lost ones” (Francia) “Ferides” (España) “La intérprete” (España) “María” (España)

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    Otra de las novedades este año es que se realizarán dos talleres: Taller de sensibilización lengua de signos española: miércoles 16 a las 11:00 horas y el Taller de Audiodescripción “Sentimos el cine”: viernes 18 a las 11:00 horas.

    La película encargada de cerrar el festival el sábado 19 de octubre será el documental protagonizado por Dani Rovira “Todos los caminos”; una película que pretende dar a conocer el síndrome de Rett. La gala de clausura comenzará ese mismo día a las 21:30 horas con la entrega de premios del Certamen de Cortometrajes.

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    Este proyecto nace del esfuerzo de Fundación CB por integrar a las personas con discapacidad haciendo posible un cine accesible mediante subtítulos y audio-descripción y ofreciendo la oportunidad de acercar películas donde la diversidad funcional cobra protagonismo.

    El Centro Cultural “Santo Domingo” ha sido adaptado para las necesidades de personas con discapacidad física y personas con dificultades auditivas, quienes podrán disfrutar de todas las proyecciones a través del bucle de inducción magnética (sistema de comunicación para personas con audífono), audio-descripción y lenguaje de signos. Todo ello con el objetivo de adaptar el cine a aquellas personas con dificultades para acceder a él y, al mismo tiempo, concienciar y dar a conocer un cine donde la diversidad funcional juega un papel importante.

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    El cine es una fábrica de sueños, en la que podemos entrar cuando queramos y trasladarnos a otros mundos e historias que durante hora y media, nos van a hacer sentir que las estamos viviendo nosotros. Para las personas que no tienen la opción de disfrutarlo en una sala de cine en pantalla grande por su discapacidad, esta es la oportunidad de poder hacerlo. Es una herramienta idónea que debería ser obligatoria en el sistema educativo, porque los jóvenes son los mayores consumidores audiovisuales, pero el problema es que no les estamos enseñando como utilizarlos para su propio beneficio. Antonio Gil Aparacio
  • 40 años de Annie Hall

    40 años de Annie Hall

    Woody Allen ganó sus dos primeros Oscars (de Mejor Director y Mejor Guión Original) por 1977 Annie Hall, que cambió las reglas de la comedia romántica. Pero no todo el mundo era un fanático de esta mejor película, incluyendo el propio Allen. Para celebrar su 40 aniversario, aquí hay algunas cosas que tal vez no conozcas sobre su historia detrás de escena.

    1. LA IDEA ORIGINAL DE ALLEN PARA LA PELÍCULA ERA TOTALMENTE DIFERENTE.

    Aunque Annie Hall es ahora anunciada como una de las comedias románticas más influyentes e inventivas de todos los tiempos, la misión original del director y co-escritor Woody Allen no era hacer una imagen de relación. Allen y su compañero de escritura, Marshall Brickman, en su lugar concebido de la historia como una exploración general de la vida del personaje principal y la psique, que iba a ser llenado de romántico, misterioso y fantástico subtramas en partes iguales. El proyecto, que refleja el persistente malestar del protagonista Alvy Singer, fue titulado Anhedonia, un término psiquiátrico algo arcaico que se refiere a la incapacidad de sentir alegría. El primer corte de la película duró unos 140 minutos, casi 50 minutos más que la versión final.

    2. PRIMEROS DIBUJOS CONTENIDOS CON ELEMENTOS DE FANTASÍA.

    Entre las escenas de fantasía del guión original y las secuencias de sueños se encontraban las visitas de Alvy y Annie al Jardín del Edén, la Resistencia francesa y la Alemania nazi, las parodias de las películas Angel on My Shoulder y Invasion of the Body Snatchers, una visita guiada Del Infierno (con Richard Nixon), y un juego de baloncesto entre los Knicks de Nueva York y filósofos como Friedrich Nietzsche y Søren Kierkegaard.

    3. UNA SUBTRAMA DE ANNIE HALL DE LA QUE SE HIZO OTRO PELÍCULA…MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN.

    La escena del cine de (Face to Face de Ingmar Bergman)  Annie Hall donde Woddy Allen  toma la decisión de salir de la narrativa formal de la película fue inicialmente significativa para comenzar una secuencia en la cual la pareja testifica e investiga un asesinato. La historia sería reciclada más adelante como premisa del misterio del asesinato de Manhattan de 1993, otra vez Allen y Keaton como pareja.

    4. EL ESTUDIO INVESTIGÓ UNA AGENCIA  PARA HACER QUE EL TÍTULO DE ALLEN TUVIERA MÁS MERCADO.

    United Artists, el distribuidor de las cuatro películas anteriores de Allen (Bananas, Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero tenía miedo de preguntar, Dormilón y La última noche de Boris Grushenko) reconoció la dificultad inherente en la comercialización de una película llamada Anhedonia. En un esfuerzo por hacer más aceptable el título deseado de Allen, el estudio contrató una agencia de publicidad para llenar los periódicos locales de todo el país con titulares que decían «Anhedonia Strikes __________!» (Rellenar el espacio en blanco con el nombre de la ciudad en la que el anuncio publicar). Sin embargo, la campaña de millones de dólares fue desechada antes de la ejecución, ya que United Artists convenció con éxito a Allen de cambiar el título de la película.

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    5. FINALMENTE, LA PELÍCULA SE LLAMÓ ANNIE HALL POR EL NOMBRE DE SU ACTRIZ PROTAGONISTA.

    Después de algunas sugerencias de títulos tan lamentables como Una montaña rusa llamada deseo, Tenía que ser judío o Yo y mi nación judía o las que propuso Allen como; Ansiedad y Alvy y yo, la película terminó heredando el nombre de su heroína: Annie Hall, un personaje que lleva el nombre de la actriz que la retrató. El nombre de nacimiento de Diane Keaton era Diane Hall, y ella pasó por «Annie».

    6. ALLEN ODIÓ UNA ESCENA TANTO QUE LANZO PARTE DEL METRAJE AL EAST RIVER DE NUEVA YORK.

    Aunque Allen lamentó la pérdida de la mayor parte del material que no llegó a la pantalla, hubo una secuencia de la que se alegró de ser liberado: Un fragmento fantasioso del  final de la película en el que un semáforo inteligente convence a Alvy para volar por todo el país. Allen pensó que la escena era tan repugnantemente cutre que presuntamente lanzó las impresiones en el East River de la ciudad de Nueva York.

    7. LOS VESTIDOS DE ANNIE HALL CAUSARON TENDENCIA DE MODA EN TODDA NORTEAMERICA.

    La propia Keaton suministraba la mayor parte del vestuario de Annie: la actriz normalmente vestida de esta manera. Según Allen, la diseñadora de vestuario de Annie Hall, Ruth Morley, habría intentado disuadir a la actriz de un traje tan poco ortodoxo, calificando la apariencia de «loca», pero finalmente perdió esa batalla.

    8. LA PELÍCULA EMPLEÓ UNA VERSIÓN BARATA DE LA PANTALLA DIVIDIDA.

    Annie Hall se recuerda por su innovadora utilización de pantallas divididas, específicamente en una escena en la que tanto Alvy como Annie se encuentran con sus respectivos pensamientos personales, pero el proceso de montaje del dispositivo fue particularmente «anticuado» (casi pre-tecnológico). El director de fotografía Gordon Willis instaló una pared muy fina entre conjuntos adyacentes para rodar ambas mitades de la escena dividida en tándem.

    9. EL ESPASMO INDUCIDO POR COCAÍNA DE ALLEN FUE VERDADERO.

    Una de las risas más grandes de las primeras proyecciones de Annie Hall se produjo al ver el voluminoso estornudo de Alvy extendiendo un contenedor de cocaína alrededor de la sala de estar de sus nerviosos amigos. Es difícil imaginar una mejor manera de coronar tal secuencia, pero de hecho el momento nació en el set: El estornudo fue real e inesperado, y se quedó en la película gracias a probar la alegría resultante de las audiencias.

    10. LAS ESCENAS DE ANNIE HALL DEBIERON DURAR EL DOBLE RESPECTO A LA MEDIA DE LAS PELÍCULAS 1977.

    En términos generales, la duración media de una película está directamente relacionada con la complejidad del material que muestra: escenas más largas permiten conversaciones más intrincadas y mayores oportunidades para la experimentación cinematográfica. El crítico David Bordwell, quien destacó el trabajo de Allen en un estudio de 2002 relacionado con la longitud de la escena de las películas de Hollywood, determinó que la escena promedio de Annie Hall durara aproximadamente 14 segundos, entre dos y tres veces la media típica de los films de 1977.

    11. EL HOMBRE PARECIDO A TRUMAN CAPOTE ES REALMENTE TRUMAN CAPOTE.

    Una escena memorable en la película observa a una muchedumbre de transeúntes de Manhattan mientras que Alvy y Annie intercambian chistes a expensas de los extranjeros. Alvy considera el tema final en este lote: «El ganador del concurso Truman Capote.» El hombre en cuestión es en realidad el propio autor de Desayuno en Tiffany´s.

    12. LA PELÍCULA TIENE UNA EXTRAÑA CONEXIÓN CON OTRA PELÍCULA DE 1977.

    Annie Hall es reconocida como una plataforma de lanzamiento para las carreras de varios actores entonces desconocidos que iban a disfrutar de carreras prósperas en Hollywood. Christopher Walken, Jeff Goldblum (como un partier de Los Ángeles que olvida su mantra espiritual) y Beverly D’Angelo (como actriz en la comedia de risas enlatada protagonizada por Rob, el amigo de Alvy) . Coincidentemente, estos tres actores también aparecieron en la película de terror La centinela de Michael Winner, que fue lanzada en los teatros estadounidenses tres meses antes de Annie Hall.

    13. ALLEN CERRÓ EL FINAL DE LA PELÍCULA EN UN TAXI DE CAMINO AL PRIMER VISIONADO DE LA PELÍCULA.

    Como Annie Hall había cambiado tanto entre su concepción y producción, Allen y Brickman tuvieron problemas para llegar a un final apropiado. La pareja luchó con este dilema hasta el final de las primeras secuencias preliminares de la película, momento en el que se habían asentado en un emocionalmente insatisfactorio final que se cerró en un encuentro incómodo después de la ruptura entre Alvy y Annie. Durante un paseo en taxi a uno de estos previos, Allen tuvo una epifanía: él garabateó algunas notas que rápidamente utilizó en el speech que cierra la película… «Necesitamos los huevos»

    14. ANNIE HALL ES LA PELÍCULA MÁS CARA QUE WODDY ALLEN HA RODADO.

    En 1977, Annie Hall ganó $ 38.251.425 en la taquilla, lo que la convierte en la cuarta película más importante deL director (detrás de Manhattan, Hannah y sus hermanas y Midnight en París). Ajustada por la inflación, las ventas de entradas de Annie Hall equivalen a un enorme valor de $ 139.3 millones en dólares de 2015, superando en 2010 su mejor cuadro ajustado por inflación, Manhattan, por más de $ 10 millones.

    15. ALLEN NO TIENE GUSTO DE ANNIE HALL.

    A pesar de sus cuatro premios de la Academia -para Mejor Película, Director, Guión Original y Actriz- y su legado cultural, Annie Hall aún no se ha ganado el beneplácito Allen. El director insiste en que la película es simplemente una concha de su visión original más grandiosa. «Al final, tuve que reducir la película a sólo yo y Diane Keaton y esa relación…así que me decepcionó bastante al final de esa película, ya que estaba con otras películas mías que eran muy populares». Él también no es particularmente aficionado a su otra gran obra maestra, Manhattan. (Y, sin embargo, de alguna manera, el director neoyorquino nunca ha despreciado Scoop …)

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    Ilustraciones Tito Merello / Culturabadajoz

    Mental Floss. Cultura Badajoz

  • Natalia Rodrigo «Sueños audiovisuales hechos realidad»

    Federico Fellini cumple dentro de un mes cien años. Su cine, senza data di scadenza, sobrevive en una permanente ficción, en el recuerdo del fotograma, en un amarcord analógico que, tanto años después, se añadiría al caudal inconmensurable del digital. Un mundo tecnológico, desde donde pequeñas comunidades como la extremeña, se supo aprovechar la necesidad de volar sin necesidad de tener avión y desde donde las ganas de relucir nuestro terruño ha tenido como medio de transporte un tren intangible de vagones atiborrados de creatividad y sueños hechos realidad.

    El director de cine italiano decía que hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro.

    Hablar con Natalia Rodrigo, directora de Medios Audiovisuales y Filmoteca de Extremadura, supone un ejercicio sano de honestidad, clarividencia y vocación audiovisual. Una mujer que no esconde su sueño de seguir poniendo su granito de arena en el modelo de producción cinematográfica extremeña, un perfil gestado para seguir exportando calidad y promocionando ideas que supongan un germen profesional estable. Natalia, cauriense de nacimiento de poco más de treinta años está orgullosa del origen vital de sus padres, Rincón del Obispo, es una forma reivindicativa de poner en valor el valioso mundo rural, nos comenta. Aprendió del cine el trabajo en equipo y bajo esa premisa marca sus nuevas directrices.

    Nos reunimos con ella y recordamos su presencia en el trabajo de la reciente ganadora de la mejor película de animación europea Buñuel en el laberinto de las tortugas. Recordamos las bonitas fases de elaboración y las etapas duras de todo el proceso de producción, una lucha de supervivencia innata de los extremeños que nos hace resilientes. Un sueño vivido, y como diría el propio Luis Buñuel, me encantan los sueños, incluso cuando son pesadillas, lo cual suele ser lo habitual. Mis sueños están a rebosar con los mismos obstáculos, pero no importa.

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    ¿De la Arquitectura Técnica al mundo del Cine?

    Sacaba buenas notas y parece que todo iba encaminado en esa perspectiva pero yo sabía que tenía que hacer algo relacionado con el mundo del cine. Cuando eres pequeño, que piensas mucho mejor que de mayor, lo tienes bien claro, y a media que vas creciendo esas nubes tan llenas de certezas se van tapando hasta casi olvidar el origen de tus sueños profesionales. Me quedaba muy poco, poquísimo para terminar y fue cuando decidí, por mi propia forma de ser, por mi naturaleza, apostar por lo que quería hacer desde el principio.

    ¿Y decides formarte en el mundo cinematográfico?   

    Eso es. El ciclo de superior de imagen de El Brocense de Cáceres fue el inicio de todo. Tras formarme académicamente en la Universidad también quería poner en valor la parte del oficio, y rodearme de gente que se machacan en lo suyo y de esta manera adquirir los conocimientos por los propios especialistas que dominan una profesión. Es así como acabas aprendiendo muchísimo. Un título formativo muy importante.

    …Y realizas prácticas…

    …Sí, además tengo la fortuna de acceder a una beca para realizarlas en el extranjero, de esta manera pude unir mis dos pasiones, mis dos maneras naturales de comunicar, que son el dibujo y el cine…

    …¡Animación!

    Efectivamente. Y me fui a una productora de animación en Lisboa donde pude aprender muchísimo. Me di cuenta estando allí, lo importante y necesario que es unir pueblos, relacionar fronteras entre Portugal y Extremadura para poder crecer en cualquier profesión.

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    Natalia, para llegar a comprender el mundo de la animación no sólo es necesario dominar el dibujo y el cine, también hay más elementos que hacen que películas como Buñuel en el laberinto de las tortugas, terminen siendo proyectos de mayor envergadura….

    …Totalmente de acuerdo, además yo soy una persona, que no sé si es realmente bueno o malo, que me cuesta mucho acotar únicamente una cosa, para poder entender algo necesito entender el contexto y saber cómo funcionan otros elementos adyacentes.

    Perfil de productora te habrán dicho muchas veces…

    …[Ríe]…a mí me gusta la parte más artística que las labores de producción. Ambas cosas, el conocimiento global de todo el proceso, no están reñidas con sendos trabajos.

    Me fui a una productora de animación en Lisboa donde pude aprender muchísimo. Me di cuenta estando allí, lo importante y necesario que es unir pueblos, relacionar fronteras entre Portugal y Extremadura para poder crecer en cualquier profesión

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    ¿Cuándo arrancan tus primeros trabajos?

    Después de ir a Madrid, Lisboa…tenía muy claro que no quería irme de Extremadura. Estaba cansada de ver que malvivía en otros sitios por hacer algo que podíamos hacer en la región. Es muy enriquecedor conocer otras ciudades, otras culturas, pero creo que establecí que tenía que fomentar mi cultura, mi estilo de vida, disfrutar de mis paisajes, mis olores, y crear mi trabajo desde aquí. Fue cuando empecé a compaginar trabajos de producción cinematográfica con mis proyectos de freelance desde Extremadura. Nuestra generación es así, buscarte la vida y ser como una navaja suiza.

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    ¿Y entre esos trabajos te llega el largometraje de animación de Buñuel en el laberinto de las tortugas?

    Sí, tras un curso training pude entrar en la selección que completó el equipo de la película. Un trabajo muy interesante y muy duro…[Ríe]. Yo siempre he defendido a capa y espada que una de las mejores industrias que puede tener Extremadura, y más en estos tiempos, es la audiovisual. Es una industria bien planteada, sostenible, generadora de trabajo para gente joven y que permite la conectividad para trabajar en remoto con el montón de talentazos que posee la región.

    Y otros talentos que tenemos conectados fuera…

    …ir tejiendo esa red es importante para el sector. Poder ir a Los Ángeles o a Berlín y saber que tenemos equipo humano conectado con la región. Bajo el paraguas de Extremadura Audiovisual englobamos como marca a todo el sector, y a todo lo que se genera a través de Medios Audiovisuales y Filmoteca de Extremadura. El desarrollo de las políticas de medios audiovisuales es importante y contar el apoyo de la consejera de Cultura, Turismo y Deporte, Nuria Flores, lo hace todo mucho más fácil, una orgullo trabajar con ella.

    Es una industria bien planteada, sostenible, generadora de trabajo para gente joven y que permite la conectividad para trabajar en remoto con el montón de talentazos que posee la región

    El mundo cambia y las formas de consumir audiovisual también…

    …las maneras están cambiando pero también tenemos que fomentar la parte cultural con la propia experiencia del cine. El poder degustar una película, un documental o un corto en una sala prepara in situ para eso es extraordinario, poder compartir los sentimientos, las sensaciones que eso genera con otras personas desconocidas que están a tu alrededor es muy enriquecedor. Y no se trata de una lucha entre dos formas de consumir audiovisual, al contrario, tenemos que fomentar ambas, tienen que caminar juntas.

    En este sentido ¿Cómo podemos fidelizar con el público?  

    Ya hemos dado un pequeño giro desde octubre, con una programación más diversa, con cine de culto, con documentales en todas las sedes, con producciones dirigidas, producidas o protagonizadas por mujeres, con cortos y evidentemente con producciones extremeñas. También con cine de animación, de hecho el ciclo se llama Anímate, para el consumo de un público más adulto. Es la manera de abrir el abanico de perfiles diversos que puedan venir a la Filmoteca, es decir, mantener al público fiel, y atrapar a nuevos seguidores. Es importante interactuar, escuchar recomendaciones y llegar a las facultades, formaciones y escuelas para que sepan que estamos ahí, que cercan tienen una sede la Filmoteca.

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    ¿La Caravana de Cine por ejemplo?

    La Caravana de Cine lleva el cine a las zonas rurales que tienen difícil acceder a ello, es algo tangible, lleva formación a profesores y alumnos, simboliza el fomento de la cultura y la comunicación audiovisual en estado puro. Formación desde la base. También sirve para localizar espacios de rodajes cinematográficos y turísticos. Todo se canalizará a través de la nueva página web donde vamos a contar con una base de datos de productoras, equipo humano y material y localizaciones para futuros rodajes.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

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  • Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Eugenio Amaya «Una programación teatral arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras»

    Un festival de teatro transcurre con mucha actividad, las compañías montan, desmontan, ensayan, bailan, ríen y lloran en el escenario, se maquillan y visten en los camerinos y atienden a los medios. Nos saltamos las reglas y tiramos de redes sociales para contactar con Eugenio Amaya, cara visible de Aran Dramática y encargados del diseño artístico del 42 Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Tenemos su número de teléfono, su correo, sabemos dónde vive, dónde trabaja, pero también sabemos que responderá más rápido vía messenger. Cambian las formas de comunicarnos, no sabemos si para bien o para mal, y cambian las formas de hacer teatro, se agencian nuevos caminos para explorar el mundo de la dramaturgia también, en esta edición del Festival se apuesta por ello. Propuestas arriesgadas e innovadoras. Nuevas fórmulas para dejarse apasionar por el teatro.

    Dejamos que los profesionales mimen el espacio escénico, todo al ritmo de los técnicos de luces, virtuosos del sonido y artistas del martillo atrezzado. Ahí reside la belleza de las artes escénicas; todo un montaje, un largo recorrido desde su gestación en papel hasta los aplausos finales. Cada obra; un momento único. Pasen y vean.

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    Eugenio, cuéntanos cómo se gesta vuestro trabajo dentro del Festival.

    Aran Dramática colaboró con el Festival del 2000 al 2005 haciéndose cargo de la programación internacional. En aquel entonces, Miguel Murillo, director del Teatro López de Ayala, y el consejero de Cultura, Paco Muñoz, confiaron en nuestra propuesta de espectáculos internacionales, talleres, Jornadas de Debate y actividades paralelas como “El Casco a Escena”. Hubo otros patrocinadores, privados e institucionales, que hicieron del Festival un acontecimiento cultural dinámico y enriquecedor para la ciudad de Badajoz. Hace tres años presentamos un nuevo proyecto de Festival y, en torno a las conclusiones de las Jornadas del 2017, patrocinadas por Acción Cultural Española con asistencia de representantes de festivales europeos y sudamericanos, desde la Consejería de Cultura, el CEMART y la dirección y gerencia del López de Ayala, se nos encomendó la dirección artística. El encargo venía aparejado de directrices muy concretas: que el Festival ofreciera una programación regional, nacional e internacional diferente, arriesgada y capaz de ofrecer al público propuestas artísticamente innovadoras. Nos pusimos manos a la obra y, en perfecta sintonía con los responsables del teatro, aquí estamos.

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    Vemos un festival arriesgado, sin nombres que suene a primera vista, pero cargado de puro teatro… ¿Corremos un pequeño riesgo a la hora de la elección por parte del espectador o estamos ante una manera directa de darle al público un teatro fresco y punzante?

    Tú lo has dicho, un “teatro fresco y punzante”. Todo lo que se ha programado aspira a la calidad, la excelencia y la intención de conectar con el público, tanto en los temas tratados como en el lenguaje escénico empleado. Es “puro teatro” en el sentido más noble del término.

    Apoyo a la dramaturgia extremeña y fuerte apuesta por obras internacionales. Háblanos de este tema.

    En cuanto a la dramaturgia extremeña hay que resaltar la labor que están desarrollando mujeres profesionales-artistas muy creativas y combativas de nuestra comunidad autónoma. Concha Rodríguez  con Homenaje Inesperado, Memé Tabares La vida secreta de Petra Leduc, Cristina D. Silveira La vida de los Salmones y Virginia Campón Fantasmas de agua derrochan talento y compromiso en todo lo que abordan. La compañía Asaco que nos trae Custodios, es asidua de FETEN, el certamen más importante dedicado al teatro infantil de nuestro país. En el apartado extremeño no están todos los que son, pero son todos los que están.

    Respecto a la programación internacional, la “internacionalización” del Festival es uno de los objetivos estratégicos de la Consejería de Cultura y del Teatro López de Ayala. La oferta internacional ha demostrado ser una gran fuente de inspiración, tanto para el público en general como para los profesionales y aficionados a las artes escénicas de nuestra ciudad. Así lo ha sido en las dos últimas ediciones del Festival.

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    Eugenio, sabemos tu posible respuesta pero ¿Qué obras destacarías de este Festival?

    Las destaco todas y dejo en manos del público elegir la que más se adapte a sus prioridades y sentido de la curiosidad. En la web del López de Ayala vienen todas muy bien reseñadas con enlaces a las páginas web de las distintas compañías programadas.

    Dentro de estas compañías hay bastantes espectáculos para los más pequeños…acercar el teatro desde la base…

    …Este año, están Estrella de la compañía vasca Marie de Jongh, La vida de los salmones  de Karlik Danza Teatro y la antes mencionada Custodios. Calidad, poesía, sensibilidad y sentido del juego en todas ellas.

    Que elija el público entonces…tú conoces  perfectamente las entrañas del teatro desde hace muchos años; Acción, dirección, producción y programación ¿Cómo se encuentra la salud del teatro actualmente?

    Es un tópico decir que el teatro está siempre en crisis y su salud sufre grandes vaivenes, pero se mantiene gracias al esfuerzo, inventiva y dedicación de todos y todas las que nos dedicamos a esto. Es vocación pura y la capacidad de resistencia parece ser inextinguible.

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    Al Festival le habéis aportado talleres y charlas para público en general y profesionales del teatro. Acciones que nos sumergen en la realidad teatral desde las múltiples ópticas de este mundo, producción, cooperativismo entre países, talleres de dirección y escritura…¿Qué satisfacción extraes de estos interesantes encuentros?

    La satisfacción del aprendizaje y de acceder a unas fuentes de inspiración que te renuevan y plantean nuevos desafíos. Este año contamos con un taller de dirección, interpretación y dramaturgia de uno de los valores más interesantes en el actual panorama teatral de nuestro país, el valenciano Víctor Sánchez Rodríguez que el pasado año nos dejó una muy grata impresión con su espectáculo Cuzco y que este año cierra el Festival con What is love, baby don’t hurt me, una libérrima versión del Ivanov de Chéjov.

    42 años de Festival, pocos en España son tan longevos…¿Qué significa para la cultura del oeste español este Festival de Badajoz?

    Mantener viva la llama de las artes escénicas contemporáneas. Llevo casi treinta años viviendo en esta ciudad y el Festival, desde la época en que lo dirigía José Manuel Villafaina, pasando por los años de Paco Muñoz y Miguel Murillo, siempre traía a la ciudad el soplo refrescante del teatro contemporáneo, la danza, el teatro-circo. Claro que ha habido sus claros y oscuros, pero ahí se mantiene, ahí están los abonados, los “nuevos públicos”, los estudiantes y, como decía el maestro Peter Brook, es reconfortante comprobar que aún sigue siendo útil a la sociedad.

    Sabemos de tu afición por la lectura, las series y el cine…La evolución de ciertas ramas artísticas ha provocado una nueva forma de ver cine, acceder a la literatura…¿Obras como la de Richard Saudek, Bram Graafland o la maravillosa Finding Joy son esa evolución del teatro, una forma actual de llegar al nuevo público?

    Lo mejor del teatro es que es un arte vivo, que evoluciona, se reinventa, bebe de las fuentes y las tradiciones y se adapta a la sensibilidad de los tiempos que le toca vivir. Como decía un joven espectador de Finding Joy el pasado año: ¡Es mejor que el 3D!

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    Dinos una obra que hay que releer cada año

    Luces de bohemia de Valle Inclán…Shakespeare, Tennessee Williams…y tantas otras.

    El teatro es para ti…

    …Parafraseando a los Monty Python, El sentido de la vida o lo que da sentido a la vida, entre otras cosas, claro.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Pkp

  • El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    El silencio de Elvis «La esquizofrenia en el alma teatral de Elías González»

    Pepe Viyuela, Sandra Ferrús, Concha Delgado, Susana Hernández, Martxelo Rubio y Elías González ponen voz a El silencio de Elvis, una obra redonda con un lenguaje y unas situaciones que llevan de la risa al llanto, como la vida misma, y a la vez, nos enfrenta a un drama social: la enfermedad mental. Sandra Ferrús ha escrito una obra de terciopelo, una obra tan sincera, tan límpida de sentimiento que te emociona sin pretenderlo. No hay carga melodramática. Todo es trágico, tanto que a veces te ríes. Te ríes a tu pesar, pues nada de lo que dice el texto intenta hacer reír, pero la locura bebe el vino de la risa y tiene sentimientos de terciopelo, pero es terrible y cruel. La obra maneja mitos que son los dioses de lo moderno.

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    El silencio de Elvis es un viaje al interior de la mente de Vicente, que sufre esquizofrenia. Vivimos con sus padres la incomprensión, el hartazgo, el miedo, la desesperación. Nos chocamos junto con Sofía, su hermana, contra el muro de la administración, del sistema sanitario, del rechazo. Y conocemos, a través de un quinto personaje, al mismísimo Elvis Presley, a un psiquiatra, una psicóloga, un forense médico, un compañero de la cárcel… todos los personajes que entran y salen de la mente y de la vida de Vicente. Y hacemos todo este viaje desde la impotencia y el amor. El amor primitivo, profundo, incondicional que se dan unos a otros.

    El alma, la piel muda de Elías González nos acerca a esta realidad, nos sube al escenario un argumento tabú en una sociedad sumergida en esa misma enfermedad. Con el actor extremeño, arropado de manera magistral por el resto del reparto, volvemos a rozar la verdad de un personaje que acaricia al espectador, le susurra con el aliento del personaje, nos grita y espabila de nuestras cómodas butaca con su particular interpretación…¡No se me duerman!…nos canta mientras menea el cuerpo al ritmo de Elvis. Con Elías González viajamos en metro, recorremos un sinfín de paradas, momentos de traqueteos mentales donde el cuerdo no sabe que está fuera de juego, y donde al cerrarse las puertas del vagón, en la última estación, aparece su sonrisa… ¡Auambabuluba balambambú!…Pura vida, puro teatro, es hora de apearse y buscar un cobijo, un sitio donde llevarse una buena historia. Pasen, si quieren, y vean.

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    Te dejamos hace unos cuantos años en el Festival de Teatro de Mérida en la piel de Coriolano…y ahora ¡Elvis!…pero ¿Quién es este Elvis?

    Los personajes al final no son lo que parecen, o sí…[Ríe]…En este montaje Elvis es un personaje con gran importancia y mucha presencia. Es la conciencia de Vicent, las voces que él oye, su refugio y también su pesadilla. El compañero de viaje que todos tenemos.

     

    Te vimos en Anomia, una magnífica obra de Arán Dramática, con un reparto coral de interpretaciones duras y certeras, ahora tocas otra vez Extremadura con una obra, también muy personal y con un elenco de altura…satisfacción, pena, dudas, miedo…

    Son todos sentimientos positivos. Una gran alegría por poder contar esta historia, con estos maravillosos compañeros, en mi ciudad. Y la responsabilidad y tranquilidad que da jugar en casa.

    ¿Cómo se prepara un personaje con este mundo interior tan complejo?

    Fundamentalmente siendo consciente de que una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene. Huyendo de estereotipos y poniéndome en las manos de la directora y autora Sandra Ferrús y dejándome llevar. Como todo en la vida, si te dejas llevar es más placentero.

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    Una persona con una enfermedad mental no es distinta de una que no la tiene

    ¿Qué valor tiene para ti actuar en este Festival Internacional de Teatro de Badajoz?

    Actuar en el Festival de Badajoz me lleva a mis comienzos, cuando hicimos Los cañones de Arán Dramática. Creo que hace ya 16 años. Es una ilusión tremenda. Puedo conocer algunos teatros, pocos, solo por el olor desde el escenario, y el López de Ayala es uno de ellos.

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    ¿Y qué supone trabajar con actores como Pepe Viyuela?

    Es un lujo. Pepe Viyuela es una persona muy generosa tanto en el escenario como fuera. Aprendo mucho tanto de él como de mis otros compañeros que son increíbles.

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    Elías, para cerrar ¿Cómo anda la profesión del teatro?

    La cosa anda como siempre. Con mucha gente talentosa haciendo muchas cosas interesantísimas y con gente poniéndolo difícil. La eterna lucha cultural de este país. Yo no me quejo, ahora hago una sustitución en una obra de Alfredo Sanzol y no puedo estar más feliz.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Mehdi Nafti «Fútbol de exilio en una ciudad fronteriza»

    Mehdi Nafti «Fútbol de exilio en una ciudad fronteriza»

    En un campo de fútbol se juegan todos los dramas humanos. Así de rotundo definía el novelista y periodista Albert Camus su pasión por el fútbol. A Camus le gustaba este juego, defendía que la práctica de este deporte unía a compañeros católicos y musulmanes en unos campos de tierra llenos de muchachos barnizados por el crepúsculo argelino, la pasión, el ímpetu, el abrazo puro de la victoria y el poso amargo de cada derrota. El futbol, a fin de cuentas, es eso. Cuando la pelota echa a rodar, todo lo demás es accesorio.

    Allá por el 1992 las destartaladas cabinas de radio retumbaban con las voces infinitas de Ángel Luis López o Fernando Echave. Pasión y alma, los mismos ingredientes que pusieron los jugadores del CD Badajoz para lograr el ascenso. Otra voz, ésta ronca y emocionada, la del entrenador Paco Herrera, dictaba una promoción conseguida por todos los protagonistas de la ciudad, del utillero al vecino del barrio San Roque, pasando por el que cambiaba los carteles del fondo marcador, ese día lo haría seis veces. Del viejo al nuevo Vivero. De un club centenario a una centena de ilusiones puestas en la nueva sociedad. De aquel aficionado de transistor al carrusel de radios ofertada por el teléfono móvil. De pagar la entrada en pesetas a hacerlo en euros. Pero a pesar de la customización del fútbol, de la severa profesionalización de este deporte, la afición, el balón y el grito cuando el esférico roza la redes, es el mismo, pura llanto de alegría, pura droga deportiva.

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    Se ha vagado por divisiones durante muchos años, una cura de humildad  que nunca se debería olvidar. La reorganización de unos cuantos amantes del fútbol ha hecho resurgir de las cenizas a un club que ha visto muy de cerca al forense. Afición apoyando y una directiva joven, con Pablo Blázquez a la cabeza, e ilusionante que han hecho muy bien los deberes. Todo por una droga llamada fútbol y como escribe Enric González, lo otro es metadona o, en el mejor de los casos, heroína al 3 %. Casi placebo. Socialmente menos corrosivo, políticamente menos provocador, menos peligroso para todos nosotros. El fútbol puro, el fútbol que libera toda la energía de las masas, es pura subversión.

    Puro fútbol, ese que lleva en las venas el entrenador del CD Badajoz. Corre sangre magrebí por los vestuarios, Mehdi Nafti, que con cierto aire faraónico asume con muchísima disciplina y arrojo el envite.

    Abuelo gendarme en Argelia y exilio, padre tunecino en plena revolución de Bourguiba y exilio, madre marroquí de origen argelino y exilio. Un amor, un objetivo y una lucha de supervivencia en una oleada generacional de inmigración. Toulouse el vórtice.  Años 70. Exilio y lucha. De aquel aprendizaje social y familiar este modelo de entrenamiento. Esfuerzo en equipo para llevar un plato de goles con el que dar de comer a la afición. Así es Nafti, directo, cercano y duro, como aquellas apañadas espinilleras de papel de periódico con las que jugaba su abuelo en campos de tierra y piedra. Jirones de L´Équipe para jugar en equipo. El exilio del fútbol continúa.

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    ¿Cómo fueron esos años recién aterrizados en Francia?

    Era hijo único y vivíamos en un barrio modesto, tenía a mis padres siempre detrás de mí, con el tema de los estudios y el fútbol.

    Suponemos que es importante ese control familiar en barrios así en aquella época…

    …muy importante, fundamental. Donde yo crecí podía haberme ido al lado malo de la manera más fácil del mundo. Con esa educación entré en el circuito, en el esquema estudio-deporte y no salí de ahí. Estaba muy protegido en la edad de adolescente por los padres y el sistema educativo francés que te permitía compaginar bachillerato y universidad con el deporte.

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    ¿Cuándo te planteas que puedes vivir del fútbol?

    Con 19 años salto al primer equipo del Toulouse y tras mi debut. El entrenador en aquella época me dijo o el fútbol y los estudios, el nivel era muy alto, el fútbol una profesión y dejé la carrera de Dirección de empresa y Administración a la mitad. Es ahí cuando decido trabajar como deportista profesional.

    ¿Estamos hablando del…?

    Del 1998, Francia recién campeona del mundo y era una gran oportunidad para debutar en la primera división. Lo hice contra el Mónaco, que tenía los recientes campeones Barthez, Trezeguet y Thierry Henry. Fue un boom para el país, el fútbol al menos, creció bastante.

    ¿Qué recuerdas de aquel debut?

    Lo recuerdo perfectamente. Minuto 70. Cagado de miedo, tu primer partido en tu ciudad, en el club que te ha formado y delante de familia, amigos y afición. Fue muy emotivo

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    Francia, España, Grecia, Inglaterra y Túnez con la selección…recorriendo mundo, recorriendo también culturas…

    Hay que intentar vivir varias vidas en una, aprendes idiomas, culturas, formas de ver la vida diferentes…te abre el cerebro, eso es muy importante. El viajar y trabajar en muchos países te obliga a tener una visión del mundo amplia, puedes opinar o dar información de cosas que otras personas desconocen y te ayuda mucho en tu trabajo. Ahora mismo como entrenador el hecho de tener un jugador francés o inglés, cristiano o musulmán, hace que sepa las necesidades que necesitan para integrarse porque lo viví en mis carnes como jugador.

     

    ¿No crees que hay rincones en el mundo del futbol que deberían desaparecer por el fanatismo que impera en muchos estadios?

    Yo lo he vivido. Dejé el Birminghan por el Aris de Salónica por un contrato importante. La afición en ciertos países en muy delicada, apoya mucho pero también se excede en el control de los equipos. Pasar esa franja es peligroso. La ventaja en países como Grecia también es el problema, es decir, nunca es suficiente, son unos fanáticos, hagas lo que hagas, y te empiezan a llegar amenazas. Ese año además gané el premio al mejor mediocentro de la liga pero para ellos no era suficiente. Es cuando te planteas coger las maletas y buscarse la vida en otros equipos. Fiché por el Valladolid en enero que estaba en puestos de descenso. Cómo tenía que ser la presión que sufrí en Grecia. También hay que decir que tenía muchas ganas de volver a España.

    El viajar y trabajar en muchos países te obliga a tener una visión del mundo amplia, puedes opinar o dar información de cosas que otras personas desconocen y te ayuda mucho en tu trabajo

    Tu imagen es de cercanía, lo primero que pediste al llegar fue cariño…creo que tus valores es clave para llevar al club a una fase de ascenso, tus valores y tu forma de ser se han visto cercanos y directos…

    …[Ríe]…es cierto. Yo soy una persona de corazón, quizá más que de cabeza. Y a veces te llevas una buena leche por ser así pero es mi estigma. Es lo que aprendí de pequeño y lo que intento inculcar a la plantilla, valores. Yo no entiendo las mentiras en el deporte, en la vida de un grupo, no puedo compartir esa actitud. Tenemos que ser una familia, con todo lo bueno y lo malo de una familia. Tú mueres por mí y yo muero por ti. Es mi forma de entender el fútbol y la vida en general.

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    No sé si ahora os encontráis con jugadores más jóvenes en la plantilla que antes donde quizá esos valores al que te haces mención se diluyan algo más…

    Como entrenador, como club, te tienes que adaptar, todo ha cambiado. Por ejemplo las redes sociales, que yo no comparto para nada, y que ahora forman parte de la vida de los jugadores. Las redes sociales es un refugio de los cobardes…¡Cuidado! Que hay cosas buenas pero en general me parece todo muy vacío. En la vida tienes que poner filtros, y la opinión que se vierte en estas redes es a veces sucia y falta de moral. Pero también hay que comprender que tienes a jugadores jóvenes que están pegadas a este tipo de cosas pero no se puede imponer una filosofía entorno a este problema. El futbolista es muy egoísta por naturaleza, siempre piensa que debe jugar cada domingo, y en parte está bien, debe ser competitivo, pero tiene que entender que hay más compañeros que también pueden jugar. Es ahí donde tenemos que intervenir, hacerle reflexionar, explicar bien que si se toman decisiones es para el bien del grupo. Si rindes es para el grupo y se puede rendir dando un buen pase, marcando un gol o dando una palmadita a tu compañero o animando desde el banquillo. Son los valores que los chavales deben aprender ahora. El grupo, la plantilla debe exigirse más entre los propios compañeros, sin que yo como entrenador interactúe, se auto eduquen eso me gusta.

    Esos valores  lo has mamado de tu padre, al que nos han comentado que le haces mucho caso…

    …sin duda. Mi padre ha trabajado mucho en la vida para darme todo. Es un apasionado del fútbol y tiene una visión muy humilde de la vida, su carácter de lucha y de trabajo en equipo lo llevo en mi sangre. Te recuerdo que a los veinte años me separo de ellos para ganarme la vida con el fútbol y les debo todo a ellos. Le escucho casa vez que le pido un consejo. Un respeto natural.

    Yo no entiendo las mentiras en el deporte, en la vida de un grupo, no puedo compartir esa actitud. Tenemos que ser una familia, con todo lo bueno y lo malo de una familia. Tú mueres por mí y yo muero por ti

    Inmigración, paro, economía, educación, cultura…¿Eres una persona interesada por los asuntos sociales y políticos?

    Ahora me arrepiento, pero nunca he sido un hombre político, no me he interesado por los asuntos sociales hasta ahora. Quizá porque soy un hombre que sólo sabe hacer una cosa a la vez…[Ríe]…me he centrado en mi vida de jugador en jugar al fútbol casi exclusivamente. La vida del futbolista es muy corta y hay que dejarse la piel, abandonando ciertos aspectos de la vida también importantes. Antes sólo sentía, respiraba y vivía fútbol. Desde que soy entrenador he recuperado el tiempo perdido en esos temas. Estoy muy interesado en la política, sobre todo la de Francia, aún no puedo opinar de la situación en España pero me estoy informando.

    ¿Te habrás informado de la inclusión en el Gobierno español de partidos políticos como el de Jean-Marie Le Pen en Francia o de la falta de criterio social en políticas sociales como la emigración o salud?   

    En Francia, remontándonos décadas atrás, la generación de mis padres al llegar a Francia se adaptó, se adaptaron sin olvidar nuestras raíces, hablando francés y practicando nuestra fe sin imponer ningún estilo de vida.  Las nuevas generaciones que llegan o los que han nacido en estos últimos años, quieren vivir como norteafricanos en Francia, llegando a odiar al país de acogida, todo un error. No está generalizado esta situación pero es un arma que pueden utilizar algunos franceses para verlo como una falta de respeto, pensarán os hemos acogido, ayudado y nos tratáis así. Ahí pueden surgir los extremismos tan malos para cualquier país. España debe anticiparse a este problema, un tema migratorio que en breve ocurrirá aquí.

    Marcelo Bielsa dice que un entrenador no es mejor por sus resultados ni por su estilo, modelo o identidad. Lo que tiene valor es la hondura del proyecto, los argumentos que lo sostienen, el desarrollo de la idea…¿Cómo está valorada la figura del entrenador en estos momentos Nafti?

    Es fútbol es la vida. Y ahora mismo que estamos jugando los playoff de ascenso soy Brad Pitt, rubio con los ojos azules, pero si perdemos soy un tío malo que viene de entrenar al Mérida. Es la pura realidad. Cuando uno elige este trabajo tiene que saber que es así. En la grada cada domingo hay miles y miles de entrenadores pero la gente sólo ve una parte, el día del partido, no sabe lo que pasa durante la semana. Nunca sabrán si el entrenador se ha enfadado con el jugador por que ha trabajado por debajo de lo exigido, o porque ha llegado tarde al entrenamiento, o porque ha faltado el respeto a otro compañero. Es la vida del entrenador.  Al final es lo que tú dejas atrás, y yo al menos estoy feliz con esa parte. Hablo con la gran mayoría de jugadores que tuve en el Marbella e incluso hay aficionados del Mérida que me dieron la  enhorabuena por la clasificación del Badajoz en los playoff.

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    De tu época de jugador, con la selección te enfrentaste a España en la Copa del Mundo del 2006…¿Qué recuerdos tienes de aquel día?

    Fue una experiencia amarga, salía de una rotura de ligamentos cruzado y me había perdido la temporada entera en Inglaterra, un año en blanco desesperado por poder jugar el Mundial. Apuré los tiempos y llegué pero no en las mejores condiciones físicas. Me hubiera gustado estar a mi mejor nivel, pero no pudo ser. Contra España fue mi primer partido entero después de ocho meses…!España¡ es decir el balón no lo ves nunca…[Ríe]…tenía calambres al descanso. Fuimos por delante en el marcador durante setenta minutos pero nos desgastaron…entró Raúl e hizo dos goles.

    La afición ha ido de menos a más, igual que el equipo. La gente responde, es cariñosa, lo viven mucho pero al final son muy fieles

    Cuando sales cada domingo al campo pisas el césped, pero tu área de movilidad se ha quedado muy pequeñita, fuera de las líneas de juego…¿Qué se siente, que añoras de tu etapa como jugador?

    Esta área es horrorosa, es como estar metido en una jaula. Antes salías al campo pensado en estar lo mejor posible, sólo me fijaba en mí, en mi dieta, en mi descanso para poder pisar el césped y rendir al máximo, como entrenador, tengo a veinticinco tipos que gestionar, veinticinco egos como yo lo tuve en mi etapa de jugador. Ahora mido muchos más parámetros, como porqué levanta los brazos aquel, o porque camina en vez de correr, o porque no anima desde el banquillo a quién mando a calentar. Súmale los aspectos tácticos, el equipo adelantado, las líneas muy juntas…menos mal que tengo asistentes que hacen una labor increíble para centrarme en el partido. Pero aun así existen muchos parámetros que controlar, el árbitro, el linier, el calor, el utillero, el banquillo, todo a la vez, pero ser entrenador es así, como una familia, con cosas buenas y menos buenas…[Ríe].

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    Es fútbol es la vida. Y ahora mismo que estamos jugando los playoff de ascenso soy Brad Pitt, rubio con los ojos azules, pero si perdemos soy un tío malo que viene de entrenar al Mérida

    ¿Qué te quedas de esos que se sientan en las butacas cada domingo?

    Muy buenas sensaciones. Han ido de menos a más, igual que el equipo. La gente responde, es cariñosa, lo viven mucho pero al final son muy fieles, mueve a cuatro mil fijos que sufren a las buenas y a las malas, más los que quieren experimentar esta pasión.

  • Pablo Melara «Pura inspiración para los carteles del FIC»

    Pablo Melara «Pura inspiración para los carteles del FIC»

    El primer cartel creado para el Festival internacional más longevo de la historia ya recogía arte, funcionalidad e impacto publicitario. El Festival de Cine de Venecia de 1932 aparece de la mano de la Biennale de arte, con el león de San Marcos, el lido veneciano de fondo y una bobina de película anunciando cine de Estados Unidos, Francia, Alemania, Polonia, Italia y la U.R.S.S.

    Unos sesenta años después nace un Festival modesto pero gestado para arropar el cine ibérico en formato de corto. Pequeñas joyas que lucían analógicas para portugueses y españoles ansiosos de degustar historias de metraje reducido. Actualmente el digital asoma con maravillas de realizaciones en este 25º Festival Ibérico de Cinema de Badajoz.

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    Para ver todo ese recorrido cinematográfico la sala Espacio CB Arte de la Fundación CB acoge del 16 al 31 de julio la exposición ‘FIConos’, un recorrido por los 25 años del Festival Ibérico de Cine (FIC) a través su imagen iconográfica. La exposición, que conmemora el cuarto de siglo del Festival, reúne carteles y catálogos diseñados a lo largo de estos 25 años, conformando el repertorio iconológico de esta muestra de cine.

    En ‘FIConos’ se puede ver la evolución del diseño, de las modas, del uso de los elementos, de la historia y también de los mensajes. La exposición acoge desde el cartel y el catálogo de la primera edición del FIC, en 1994, diseñado por Antonio Cosme Covarsí, hasta la actualidad.

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    En esos inicios se eligió la imagen del Puente Real como símbolo de modernidad y de la ciudad de Badajoz, sede del festival. En los primeros años también se utilizaron diseños realizados por Luis Costillo, autor de algunos de los carteles y catálogos, en una época en la que se aprecia la influencia de Keith Haring en el recientemente desaparecido artista pacense. Era la época en la que Luis Costillo sacaba en sus diseños a su perro Carvalho, en esta ocasión ladrándole a una especie de Cine Exin.

    El diseño del cartel de Pablo Melara que muestra la península ibérica en forma de claqueta abierta por la frontera entre España y Portugal se adoptó definitivamente como logotipo del Festival Ibérico de Cine, ya que simbolizaba la idea fundacional del FIC: un festival que rompe la frontera e integra producciones lusas y españolas en un mismo contexto.

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    En ‘FIConos’ en los primeros carteles del FIC no faltó el elemento metafórico de la mirada y el ojo como símbolo, como el famoso plano inicial del perro andaluz de Buñuel o los prismáticos  de James Stewart  en ‘La ventana indiscreta’. Otras referencias cinéfilas presentes en los carteles del FIC tienen que ver con William Holden y Kim Novak, una pin up horrorizada/encantada frente a una invasión alienígena e incluso Fred Astaire y Ginger Rogers.

    La cámara de cine, los proyectores y bobinas de 35 milímetros han sido también utilizados como imagen del FIC, que ha recogido también en sus carteles y catálogos una cámara formada por los palos de una baraja española, un levantador de pesas de celuloide o una bicicleta tomavistas.

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    El cartel del FIC de la vigésima edición mostraba dos tijeras que marcaban las dos XX del número, dando lugar a una interpretación semántica que aludía tanto a la censura como a los recortes económicos. Las tiras de celuloide formando una especie de jaula, también hacían alusión a esto.

    En la muestra se puede ver a la Venus del Espejo mirándose en un croma o una lata de cine convertida en bomba de los tebeos de Bruguera cuya mecha nunca acaba de provocar la detonación. También están presentes los animales: el pez que pica una pequeña tira de fotogramas como cebo, la cabra ibérica con cuernos de celuloide o el gato negro con el rabo del mismo material.

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    Hablamos con uno de los creadores de los carteles, el extremeño Pablo Melara, para conocer parte del proceso, la evolución de su trabajo y los gustos cinematográficos que marcan su línea de trabajo.

    FIConos, la expo de los carteles en el 25 aniversario del Festival Ibérico de Cinema. Tu trabajo gráfico, reclamo visual e imagen de un festival de cortos esta vez expuesto como obra de arte. ¿Qué sensaciones tienes al respecto?

    En 2001 me encargaron por primera vez la imagen del Festival Ibérico de Cine, era la séptima edición y me pidieron que evitase usar iconos típicos de cine como rollos de celuloide, cámaras, claquetas, etc. Ese primer año encontré una foto en una revista antigua, unas señoras mirando a través de su mano en plan catalejo, me gustó porque ilustraba el concepto de hacer cine sin caer en los tópicos, como me habían encargado. Después de eso he seguido haciendo el cartel cada año, y ya vamos por la edición veinticinco, es mucho tiempo haciendo la imagen del FIC y se ha convertido en algo familiar que forma parte de mi vida. Es agradable el momento de recibir el encargo cada año porque es como una baliza que me dice «otra vez aquí», y me hace reflexionar sobre lo que ya he hecho y a la vez me pone a buscar ideas y estéticas nuevas. Y que ahora se expongan todos juntos es bonito, cada cartel me recuerda a una primavera de mi vida desde que tenía 25 años, en ellos veo reflejada mi evolución personal y mis altibajos.

    ¿Es complicado sobrevivir de la ilustración, del arte visual?

    Yo no vivo de ello, como ilustrador hago exclusivamente la imagen anual del FIC. Me estuve dedicando profesionalmente al diseño y la ilustración hasta 2010, pero la crisis me obligó a buscar otra forma de ganarme la vida porque el mundo del diseño gráfico se descalabró en cuestión de meses.

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    ¿Cuál es tu inspiración para crear los carteles del festival?

    El proceso de creación empieza cuando Maribel Ruiz me llama en febrero o marzo para que empiece a pensar algo. En ese momento ya me pongo en «modo FIC» y voy especialmente atento a todo lo que veo porque la inspiración me suele visitar de golpe mientras observo algo, una señal de tráfico, el estampado de un vestido en el metro, o cualquier otra cosa. También suelo ir a la biblioteca a sacar algunos libros de cine, los ojeo para encontrar un tema, o escaneo algunas fotos y hago collages con ellas para inspirarme. Este año he sacado libros de Buñuel, Almodóvar, Cine Negro Español… En esta veinticinco edición hemos hecho un guiño a Luis Costillo, un artista irrepetible al que admiro y que ha fallecido en abril, él hizo el cartel de la quinta edición del Festival, y en el cartel de este año hemos integrado un fragmento del suyo.

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    Pablo ¿Qué pelis te han marcado y qué bandas sonoras te acompañan en tu día a día?

    Me gusta mucho Éric Rohmer. También me gusta el cine de ciencia ficción y terror en general: Paul Verhoeven, Darío Argento, David Cronenberg… Una de mis películas españolas favoritas es «Mamá es boba» de Santiago Lorenzo, me parece muy atrevida y personal, tierna y con un sentido del humor muy fino, cuando la ví por primera vez flipé, no había visto nada igual. Sobre las bandas sonoras, me encanta la de Los Paraguas de Cherburgo, me la compré en vinilo y es la única que a veces escucho de principio a fin, porque el formato invita a ello, pincho el disco y me la trago entera.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez