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Miguel Murillo «El perfume de la memoria teatral»

Miguel Murillo echa cuentas. 67 personas llevan un sueldo a casa gracias a sus obras como autor. El teatro genera. El IVA cultural resta. El dramaturgo y director del Teatro López de Ayala hace de cicerón en el primer evento donde se reúnen las autoras y autores de poner letra al teatro en la región.

El cafetín del teatro se convierte en escenario de la obra, los autores, actores y mecenas de esta profesión los protagonistas. Fuera llueve y hace frío, dentro de la sala llueve pero se está caliente. Isabelle Huppert habla con el rostro de Charo Feria, nos cuenta que el teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero.

El escritor Fulgen Valares paga 20 millones de dólares para dar vida a un relato escrito por el narrador mejicano Francisco Hinojosa…El relato cobra vida más allá de nuestra imaginación y de cierta manera nos convierte en sus protagonistas porque depositamos en los personajes nuestras emociones y nuestros miedos, nuestros anhelos y nuestras frustraciones. Ahí pueden reunirse armónicamente la ficción, la música, la danza, el canto, la poesía, el juego, la magia, los malabares y todos los recursos propios del arte teatral: vestuario, iluminación, escenografía, maquillaje, objetos de utilería. La aportación que hace la herencia cultural –con énfasis en la literatura y el teatro– contribuirá a que el niño ejercite su imaginación y encuentre un sentido a la vida.

Manuel Martínez Mediero está en la primera fila, ahí, en esa pole de autores, lleva muchísimos años, desde al menos el año 1975. Las hermanas de Búfallo Bill apuntan desde el Lejano Oeste extremeño mientras el escritor sostiene un ejemplar de Carlos Santos Silveira, la sonrisa del gato y una última edición de las Páginas Amarillas. El mantenimiento de una independencia insobornable en el teatro trae sus problemas por la cuestión de las familias políticas, estéticas, y si me apuran, hasta la condición del sexo influye. El teatro, el ejercicio del teatro, como la comida china, deja siempre un sabor agridulce. Escribía Martínez Mediero en el prólogo de la publicación por Editorial Fundamentos de una colección de sus obras en el año 1979. Total vigencia.

Concha Rodríguez, la escritora y actriz extremeña, escribe para el aplauso, para que el engranaje de la escritura surta efecto. Las palabras trazadas en actos y guiones cobran vida en la primera interpretación encima de un escenario imaginario. Concha recibe un fuerte aplauso.

El dramaturgo cacereño Pedro Luis López Bellot, reciente VII Premio de Textos Teatrales para autores extremeños por «El señor puta o la degradación del ser” nos hablaba del fracaso, el que le hizo ser consciente de cuál era mi lugar. Un recuerdo atávico al Fracasaste. Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor de Samuel Becckett. Eduardo Moga Bayona, director de la Editora Regional de Extremadura, lo recordaba como un elemento de crecimiento profesional en la literatura.

Federico García Lorca en una charla decía sobre el teatro; Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo; como el teatro que no recoge el latido social, el latido, histórico, el drama de sus gentes y el color genuino de su paisaje y de su espíritu, con risa o con lágrimas, no tiene derecho a llamarse teatro, sino sala de juego o sitio para hacer esa horrible cosa que se llama «matar el tiempo».

Matar el tiempo, un desenlace cruel, Ionesco, shakesperiano, lorquiano. Tres autores con un espejo bien cimentado en Extremadura…recuerda Julio Cesar Quesada…Las tres M del teatro extremeño, Mediero, Márquez y Murillo. Miguel Murillo nos recuerda con su voz pausada y profunda que el teatro es un instrumento de trabajo. No se nos puede olvidar.

Cuando murió mi padre decidí volver a casa después de aquellos años alejado de ella. Dudé hacerlo, porque sinceramente, no logré encontrar en mi interior un impulso de piedad, un rastro de emoción para la persona que definió mi vida. Perfume de mimosas. Miguel Murillo

Miguel, día mundial del Teatro, buen día para reunir a los creadores literarios del mundo escénico…

Es un día formidable para ello, estamos celebrando un día muy interesante. Creo que es la primera vez que se reúnen en Extremadura los autores y las autoras de teatro. Desde que tengo conocimiento es la primera vez que se realizan unas jornadas de en encuentro con los autores de escribir obras de teatro. Puede servir como termómetro a la creación que se está efectuando, lo vamos a ver, se está viendo, por donde van los tiros de la creación teatral. Es una jornada de encuentro pero es verdad, que harían falta unas jornadas técnicas más a fondo de lo que es la profesión. La profesión del autor es muy amplia, no solamente es escribir una obra de teatro, es parte de un equipo de trabajo y suscitan muchos interrogantes como el tema de los derechos de autor, el tema de los encargos, preguntarnos por qué no existen colecciones de versiones del Festival de Teatro Clásico de Mérida o el estatus del profesional de la escritura que hasta ahora no se abordado.

Hablas de futuro de calidad en la región dentro de la profesión

En una jornada como ésta habrá unos cuarenta autores y autoras…yo creo que hay más…hay muchos más, y si ya entramos en el sector audiovisual o en la creación coreográfica que también son autores, podríamos hablar de una cifra muy importante, y de ellos hay toda una profesión que supone puestos de trabajo. Esta profesión es un sector de relevancia que vive, como materia prima, de lo que surge en la mesa de los creadores.

La profesión del autor es muy amplia, no solamente es escribir una obra de teatro, es parte de un equipo de trabajo y suscitan muchos interrogantes

El teatro sin vosotros no existiría, pero sin el resto de ingredientes básicos tampoco…y

Todo el equipo es vital para desarrollar esa creación, compañías, la parte técnica, la parte plástica del teatro, luz, vestuario…que tienen ya la suficiente calidad y profesionalidad en Extremadura como para ser dignos de tener muy en cuanta.

Estamos en uno de los epicentros dramatúrgicos de Extremadura, y desde aquí se está realizando un gran esfuerzo para acercar el teatro a los más pequeños, la cantera del teatro desde la base, desde la educación…

El teatro escolar, el teatro para el público juvenil en el López de Ayala se ha consolidado. El año pasado se programaron una gran cantidad de obras destinadas al consumo de estas edades. Es fundamental dar acceso en colegios al teatro de una manera total, no olvidemos que el teatro es literatura.

Es fundamental dar acceso en colegios al teatro de una manera total, no olvidemos que el teatro es literatura.

El año pasado el Teatro López de Ayala ha sido un hervidero de obras teatrales de todo tipo, con el 39º Festival de teatro como colofón

Podemos decir que ha sido un año muy completo. Con obras que venían del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, funciones durante todos los meses del año, la celebración, como la de este año, del Día Mundial de Teatro y sobre todo el Festival de Teatro de Badajoz. Destacar que clave de esta programación ha sido el público que ha respondido muy bien, llegando a cifras muy altas dentro del aforo de este escenario. Otro punto a destacar, ha sido la reapertura del espacio del sótano, el cual nos abre muchas posibilidades para ofrecer otros años un teatro laboratorio diferente. Este año 2017 nos gustaría incorporar más compañías latinoamericanas, la calidad de compañías como la del Teatro Colectivo La Morena de Uruguay, que estuvieron en el festival con No daré hijos, daré versos, son un ejemplo de ello.

Notamos que las obras de compañías extremeñas ocupan más espacio en la programación teatral.

Damos opción a todo tipo de funciones, no nos encasillamos en un tipo de teatro, el público es muy listo y exige la variedad para poder elegir. Nosotros tenemos una media de ochenta producciones teatrales al año, y si tenemos en cuenta que hay dos meses prácticamente que no se programa teatro, julio y agosto, salimos a una media de ocho y diez funciones mensuales. Son muchas, cerca de dos funciones semanales, el ritmo que tienen los grandes teatros del país.

¿De qué salud goza el teatro en estos momentos?

La salud del género en general está un poco constipado…[Ríe]

Son muchas, cerca de dos funciones semanales, el ritmo que tienen los grandes teatros del país

…¿eso es una respuesta pesimista?

No, en absoluto, todo lo contrario. Yo me suelo leer al año ciento treinta obras para el Premio Fatex, más aquellas obras que llegan a mis manos de manera fortuita, muchas de ellas de nueva escritura teatral…y es impresionante lo que está entrado. Ahora mismo el teatro en España tiene una cantera y una serie de producciones muy importantes. Dramaturgos con enorme calidad, la aportación de las mujeres autoras actualmente en el teatro es muy potente, ya no son sólo las clásicas, Itziar Pascual, Laia Ripoll o Yolanda Pallín que se repetían en las adaptación de sus obras, como pasaba con los hombres, Juan Mayorga, Ernesto Caballero…ahora hay una incorporación de mujeres muy interesante, hay una dramaturgia femenina excelente. Antes te sorprendía cuando salía un texto de una mujer, ahora es la tónica general, forman parte del tejido teatral nacional. Quiero decir con esto que el teatro goza de muy buena salud, y sobre todo cuando mira hacia Europa, cuando mira a lo nuevo que se está haciendo como técnica, y el pública aprecia esas obras desfasadas y las que apuestan por una puesta en escena diferente.

El teatro goza de buena salud pero tiene una enfermedad crónica, que es el 21% del IVA Cultural

Miguel y ¿Por qué me has comentado que el teatro está algo resfriado?

El teatro goza de buena salud pero tiene una enfermedad crónica, que es el 21% del IVA Cultural. Desgraciadamente es un cáncer para la profesión, no sé si se curará. Para el teatro es una barbaridad. La gran mayoría de compañías vienen a taquilla y yo tendría que poner el precio de la entrada muy alto para que la compañía pueda pagar sus gastos, pero el López de Ayala es un teatro público, y no podemos poner el precio de una entrada que discrimine a una mayoría de ciudadanos que sostiene este teatro con sus impuestos. Este teatro lo pagan los que vienen y los que no vienen. Por eso hay muchos espectáculos gratis y precios asequibles. Estamos aquí para responder por ese público, por eso recibimos un sueldo de los ciudadanos. Si el IVA cultural estuviese como tiene que estar, ya no digo el 4%, que estaría perfecto, al 10% por lo menos como están muchos países. Si bajan 11 puntos el IVA, tendríamos un abanico de posibilidades mucho mayor. No se nos olviden que tienen muchos gastos y que son empresas que generan trabajo.

Entrevista. Willy López | Fotografías. Félix Méndez / Pakopí

21 de julio de 2017
«Improvisando con Fred Hersch en un Festival de Jazz»

No solo se improvisa en el jazz. Los acordes y desacordes también se producen en el periodismo y cuando las cosas no salen dadas… ¡Platillo al aire y plas! Artículo improvisado. Un riff del fotógrafo en las pruebas de sonido de Fred Hersch, un «solo» del redactor ante su teclado a lo Lee Konitz y Thelonius Monk en la maquetación de la editorial.

Nuestro trabajo es así. Dependemos de las ganas que tenga Leo Bassi de estallar excremento en su cara, de esperar a que se caliente un teatro de seiscientas noventa butacas con una pavesa del brasero de picón o de improvisar “Valentine” con algo de jamón en el estómago.

Walt Whitman escribía “Si no das conmigo al principio, no te desanimes. / Si no me encuentras en un lugar, busca en otro. / En algún sitio te estaré esperando”. «Hojas de hierba» a las que hace referencia el pianista Fred Hersch, algunas de las palabras más importantes de la literatura americana, comenta el pianista norteamericano, poemas que han inspirado su proyecto «Leaves of Grass» y su experiencia como músico de jazz homosexual y VIH-positivo, el otro poeta del jazz.

El Village Vanguard de Nueva York fue la segunda vida de un acorde rebelde, el momento de volver a tocar tras un coma y la paralización de parte de su cuerpo. Aprender de nuevo y sentir las yemas de los dedos sobre las teclas blancas y negras del piano del legendario club de jazz. Fred destaca un disco entre miles, lo saca al vuelo y dice; Una noche en el Village Vanguard de Sonny Rollins. Una portada del sello Blue Note, Rollins con gafas negras, boca media abierta para soplar el saxo y un virado en violeta. Si quieres saber lo que es jazz debes escuchar este disco.

El trío llega a Badajoz, Eric McPherson a la batería, aplausos, John Hébert al contrabajo, aplausos y Fred Hersch al piano, más aplausos. Ensayan, calientan, solicitan, prueban, conversan, sonido, luces y cena. Todo listo para pasar una noche al estilo Village Vanguard en el 30 Festival Internacional de Jazz de Badajoz. El público, fiel y conocedor del disco de Sonny Rollins, no improvisa y llega puntual. Eso de hacer esperar no es nada elegante.

No había jazz en mi vida hasta que tenía 17 o 18 años. En plena basura tropecé por casualidad con el jazz, con un club de jazz, comenta Fred…improvisando en la vida y en el periodismo.

“En cierta ocasión, terminada la jam session, cuando ya me había retirado a mi casa a dormir, fíjate que oí llamar a mi puerta. Me levanté y fui a abrir con los ojos cargados de sueño, más furioso que un hijoputa [sic.]. Abrí la puerta, y allí estaban plantados J. J. Johnson y Benny Carter, cada uno con lápiz y papel en las manos. Les pregunté: «¿Qué queréis a esta hora de la mañana, hijoputas?»

J. J. dijo «“Confirmation”. Miles, cántame Confirmation. Tararéala.»

Poco antes, J. J. y yo habíamos estado improvisando sobre Confirmation en la jam session. Ahora pretendía oírmela tararear. Pues bien, se la tarareé medio dormido, en clave de fa. Así es cómo estaba escrita. Luego J. J. me dijo: «Pero, Miles, te has saltado una nota. ¿Dónde está la otra nota de la melodía?»” (Davis y Troupe 1991, 63).

Texto. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

10 de junio de 2017
«Je t’aime…moi non plus»

“Puede que sea feo, pero la fealdad es más fuerte que la belleza: al menos, dura para siempre…” Serge Gainsbourg

«Artísticamente hablando, él me fue fiel hasta su muerte» Jane Birkin

5 de junio de 2017
María Barranco «Amantes y dementes en el vodevil tragicómico de Plauto»

Amantes, dementes. Sentencia categórica, casi dogma de fe, frase, consigna y testaferro de aquello que mueve las entrañas del mundo; el amor, esa cosa que hace florecer las mentiras y resucitar las verbenas tragicómicas de Plauto. Virgilio, el machista y poeta romano era más de la vieja escuela, el amor conquista todas las cosas…y punto. Ovidio, algo más palmario y guasón decía que todo amante es un soldado en guerra.

La comedia de las mentiras, la obra que se representa en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, se aproxima más a esa última afirmación. Una guerra, la de los amantes, donde las mentiras, son las minas que cuajan los campos de cada batallón. En esa frontera se dirime el texto de Pep Anton Gómez y Sergi Pompermayer, el fuego alcanza territorio sagrado y se olvida la arena del teatro. Una mudanza de muebles de estilo scandi nordic para decorar las columnas romanas. Es ahí donde el vodevil grecolatino adquiere su aire fresco y se nutre de la plaza de la Cebada.

Pasan delante los protagonistas, dispuestos, simpáticos y cercanos; Pep Anton Gómez, Pepón Nieto, Paco Tous, Angie Fernández, Canco, Raúl Jiménez, Marta Guerras y una de las amantes dementes, la actriz que hace que la obra posea un deje particular y aporte un sabor más allá de un ataque de nervios, María Barranco.

De fondo estridulan las chicharras.

¿Cántara?

Cántara es una mujer que ha sido despechada por un hombre cuando era muy jovencita, se lo toma a la tremenda y decide que no pondrá nunca más un hombre en su vida. Así se pasa cuarenta años, cuarenta años doloridos, de avinagrada y amargada pero por las cosas del destino encuentra a un amor, a un joven, pero dentro de la mentira que rodea a esa sensación, reaparece su amante de cuando joven.

Mentiras y paso del tiempo…

…Claro, y después de tanto tiempo, le dan un cariño y la vida cambia para Cántara, empieza a sonreír, a ser una mujer más divertida, con mucha ironía y un punto ingenuo. Es un personaje para actriz muy goloso porque posee un abanico de sentimientos muy amplio, una mujer dolida pero que necesita liberarse y ser feliz. El amor hace enloquecer a la gente

El amor hace enloquecer a la gente

La comedia de las mentiras…¿Amor?

Este espectáculo habla del amor…de los amores y los desamores, este tan universal…y dime tú a mi quien no ha mentido a nadie, lo que sucede que en esta función se convierte en una bola cada vez más grande. El público se va a divertir mucho porque se van a sentir muy identificados, la mentira aparece como algo que conviene en la obra, sabemos que todos están mintiendo pero lo aceptamos.

Paco Tous nos comentaba que esta obra es para disfrutar más que para darle vueltas al coco.

Esta obra sobre todo es un divertimento, una obra para reírse, que nos hace falta sin duda. Pero en La comedia de las mentiras hay mucha ironía, un poco de mala leche, pero de repente hay pildoritas por ahí esparcidas que hacen pensar al espectador.

Y esas pildoritas, dentro del concepto de teatro clásico de este Festival, ¿Qué ingredientes grecolatinos contiene esta obra?

La vida no ha cambiado tanto, los temas como el amor, son universales. Estamos en Atenas pero podíamos estar en Lavapiés…[Ríe]…habla de una familia que se llevan a matar…algo que lleva ocurriendo desde que existe la humanidad. En general los temas y el recorrido de la sociedad tienen la misma sustancia desde la época de los autores grecolatinos.

Pisas por primera vez este teatro…

…estoy muy feliz, los primeros días tenía un nudo en el estómago que casi no podía ni hablar, con el paso del tiempo ya encuentro más relajada, saboreando este magnífico teatro. Esos primeros nervios siempre los tengo, hasta creo que me castigo demasiado, soy de las que se fustiga, es mi forma de ser. Estar en esta obra es un bombón, y me lo voy a comer aunque engorde, asumiendo la responsabilidad y el lujo de estar varias noches actuando aquí.

Esta obra sobre todo es un divertimento, una obra para reírse, que nos hace falta sin duda

La cosa cambia de estar como espectador a actriz en este Festival…

…he venido a muchas obras y siempre me ha dado mucha envidia, sana, de ver a mis compañeros actuar en el Teatro romano, recuerdo Golfus de Roma, Medea, Antígona, Hécuba…pero nunca pensé que llegaría este día.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

5 de junio de 2017
«Como lágrimas de lluvia»

Algunos de esos diálogos…aquello de “más allá de Orión”..eran míos, excepto por el hecho de que cuando lo leímos por primera vez…cuando nos sentamos y todo el reparto leyó el guión…Rutger leyó ese diálogo y añadió al guión…un par de cosas sobre los recuerdos y la lluvia. Y me miró con cara de niño travieso. A ver, si el guionista se molestaba. No lo demostré. Pero en aquel momento lo estaba…me sentí un poco amenazado por aquellas ideas…luego ves la película y es una aportación genial de Rutger. Es alocadamente precioso…y fue idea de él. David Webb. Coguionista de Blade Runner (Ridley Scott, 1982)

“Yo… he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán… en el tiempo… como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.”

Ilustración. Tito Merello

29 de mayo de 2017
Julián Portillo «…o los versos necesarios para arrimar la poesía a todas las entrañas»

En la Feria del Libro de Badajoz las casetas guarecen a los escritores, entre el laberinto de arriates y sillas de los veladores, el autor es anunciado por megafonía, sus obras saltan de las cajas editoriales y piden la vez en los mostradores de las librerías. Es ahí, en la primera fila, donde los best sellers posan chulos y estoicos como una recién elegida miss mundo, luciendo la cinta que recuerda el premio literario conseguido y el número de ejemplares vendidos. En medio del batallón de publicaciones se esconden los libros de los autores que van a presentar o han presentado su obra en la carpa de conferencias, esperan la firma, el nombre de su pareja y un beso. Al fondo, los que sirven de apoyabrazos para el librero, los olvidados, los libros con ilustraciones raras, los tratados más efervescentes sobre la crianza de los bebés, los manuales clásicos del buen chef y los poemarios, los acariciados por el olvido. Parecen sacar cuello, como un pescador de atún a punto de ahogarse en el mar. Constriñen el pescuezo y susurran versos para ser vistos, escuchados, mimados. Una voz enlatada anuncia un taller infantil en la Casa de las Letrucas y Garabatos, un cambio de hora de una conferencia y una firma de libros.

La gente compra libros, quizá no se lean, pero al menos saldrán de esa soledad del estante que los hace libre. Algún día alguien los pillará del anaquel, de esa Biblioteca de Babel que componía el universo de Borges, algún pequeño lector llegará a la Página veinte de las poesías de las entrañas del mismísimo Panero o simplemente alguien abrirá un cuento de Melville y descubrirá que su Bartleby ya no es un escribiente.

La poesía es la excusa perfecta. Piedra de toque de la Editorial Regional de Extremadura lo avala. 15 poetas emergentes y una canción de amor. Al menos una lectura jadeante y ronca de uno de ellos, Julián Portillo, el poeta que rinde, como reza su presentación, una sonora pleitesía a los elementos vivos del lumpen: asesinos, putas, heroinómanos, fantasmas que no saben que los son…un tipo resistente al fuego.

No se nos olvide que el atractivo de la poesía reside en que el poema no es dueño del que traza los renglones, los versos, la lectura es de todo el que lo recita o masculla en cierta manera…

Julián Portillo es…

Soy oliventino, no sé si soy extremeño o no…[Ríe]…no me gustan las etiquetas, los clichés, no me gusta definirme, definirse es de alguna forma limitarse, y por supuesto no me considero ni poeta ni escritor… me parece algo muy altisonante y pretencioso, eso es una cualidad que el lector tiene que otorgar a los autores. Se dan las circunstancias de que existen poemas excelsamente escritos y que algunas personas no entienden y a las que por ende no llegan, con lo cual no pueden considerarlos como tal.

¿Y qué es un poema para ti?

Un poema es un texto que consigue conectar con el lector, que consigue de alguna forma tocarlo, desgarrarlo, producirle una experiencia estética, o, al menos, no dejarle indiferente. Eso es lo que diferencia un poema de un mero texto escrito en vertical… ese momento íntimo en el que el lector y el poema se encuentran.

El atractivo de la poesía reside en que el poema no es dueño del que traza los renglones, los versos, la lectura es de todo el que lo recita o masculla en cierta manera…

…La forma declamar, el momento, el tono, el clima es importante para darle vida a ese poema.

Un poema es un texto que consigue conectar con el lector, que consigue de alguna forma tocarlo, desgarrarlo, o producirle una experiencia estética o al menos no dejarle indiferente

Desde tu primer libro Ligero como una tumba hasta Resistencia al fuego hay una trayectoria editorial que tiene como reseña recopilatoria la inclusión en Piedra de toque de la Editorial Regional de Extremadura, una selección de 15 poetas emergentes en Extremadura, entre ellos tu colega poeta y de presentación en la Feria del Libro de Badajoz, Fernando de las Heras…

Bueno…emergente no tanto…[Ríe]…llevo tiempo con la poesía…he publicado varios libros hasta la fecha. Comencé publicando en las sesiones del Gran Café Victoria en Badajoz, las plaquettes Los portales del alma y Literatura subterránea, cuando las coordinaban Méndez del Soto y después Antonia Cerrato, y tras ganar el Premio Manuel Pacheco de Poesía y asistir a las jam poéticas que descubrí en Madrid, gracias a mi amigo Juanse Chacón, comenzaron a llegar las publicaciones. Allí conocí a Carlos Salem e Inés Pradilla que regentaban el Bukowski Club, un lugar donde solo tenías que apuntarte y leer, sin ningún tipo de filtro ni criterio. En aquel garito declamaba gente tan dispar como Leo Zelada, Gsús Bonilla, Sara Rosemberg, Torrente Malvido, Batania o Ana Pérez Cañamares. Todo culminó en una antología que sigue siendo para mí una publicación muy importante por estar rodeados de todos estos grandes poetas, que conforman a día de hoy -le pese a quien le pese- la vanguardia literaria de este ignominioso país. Después fundamos un colectivo en extremadura, Per-versos Dehesarios que agrupaba no solo a escritores, si no a músicos y artistas gráficos y editamos con Cuadern@ Maestr@ un libro homónimo. El gusanillo de la publicación y el empuje de los amigos propició que en 2014 publicase Ligero como una tumba, mi primer libro en solitario, también con la editorial Cuadern@ Maestr@, ilustrado por Carmelo Vera. Con estas publicaciones intentamos acercar la poesía a las masas sociales y con un especial interés en los colectivos marginados. Intentamos hacer llegar la poesía como un género minoritario al gran público a través de otros formatos como los audiovisuales, la música, las performance, los microteatros y la ilustración.

Tenéis la necesidad de acercar la poesía a la educación, desde la base…

…como te decía, con el colectivo llevamos trabajando un tiempo, realizando visitas a colegios impartiendo talleres de dinamización de la lectura. Con estas obras hemos conectado con un público que, a priori, no era ni tan siquiera lector: centros penitenciarios, centros de acogida de mujeres maltratadas… que nos escriban desde la cárcel para decirnos que los presos tras las lecturas poéticas han comenzado a reservar libros de Neruda supone una satisfacción enorme.

¿Qué proyectos compartes con la ciudad desde tu obra poética?

He colaborado en una iniciativa muy interesante que ha coordinado Julián Mesa, el fanzine La Estrella de la carreta, en el que diseñadores, fotógrafos, artistas y escritores hemos participado en diferentes números con nuestras obras. Carlos Reymán, Felipe Zapico, José Manuel Díez, Ángela Cayero o Judith Rico son algunos de los que recuerdo. Y también en estos momentos estoy involucrado en un proyecto muy personal junto a la fotógrafa Mai Saki, titulado El lugar donde habito, en el que pretendemos realizar un retrato social del Badajoz más sucio y descuidado. Ese Badajoz que normalmente los viandantes solemos esquivar por las calles aledañas, y que nosotros nos hemos propuesto visibilizar con sus fotografías y mis textos.

Con estas obras hemos conectado con un público que no eran ni tan siquiera lectores, centros penitenciarios, centros de acogida de mujeres maltratadas

¿Cómo va tú Resistencia al fuego?

Muy contento, precisamente hoy me han anunciado que van a empezar a trabajar en la 2ª Edición y eso que lleva en la calle escasos cinco meses. La editorial Zoográfico apuesta por el libro objetual, o libro de arte, una tendencia editorial muy opuesta a la que estamos acostumbrados los lectores, que es la del libro industrial, y que creo que aporta un valor -sobre todo para los autores que no somos especialmente conocidos en el panorama nacional- que propicia que los lectores se acerquen a nuestras obras. Resistencia al fuego lleva en el epílogo un ensamble, se trata de un libro auto destructible. Detrás lleva una cerilla ensamblada, el lomo del libro funciona como raspador para encenderla…[Ríe]…y esta es una concesión que hacemos para aquellos a quienes no guste el libro.

Y recientemente figuras como poeta emergente extremeño en Piedra de toque…

Llevo diez años en la emergencia…[Ríe]…los poetas, los escritores, los artistas en general necesitamos estar emergiendo constantemente, ¿acaso la vida no consiste exclusivamente en eso? He entendido que se trata de un reconocimiento por parte de las instituciones a toda mi trayectoria poética, y me siento bastante agradecido con que me invitaran a participar en esta obra.

Cuéntame las dificultades que tenéis para llevar adelante vuestro proyecto poético

Las dificultades siempre han sido muchas, aunque de unos años a esta parte, ha habido un resurgir editorial en la región con una cantidad interesante de editoriales extremeñas que llevan tres, cuatro o cinco años, y publican no solo títulos de autores extremeños, si no también hispanoamericanos como es el caso de Ediciones Liliputienses. Hasta hace bien poco sólo existían De la luna libros, la Editora Regional y quizás un par de ellas más, pero muy inaccesibles por herméticas o prácticamente desconocidas. Para poder publicar yo tuve que salir de Extremadura, la región era un páramo cultural para los jóvenes y las nuevas tendencias, para esto que señalan en Piedra de toque como la ruptura de la tradición. Cada cambio generacional lleva implícito una ruptura con el canon estético imperante…sino estaríamos escribiendo todavía como en el siglo de Oro…[Ríe]… está muy bien, yo admiro mucho a los novísimos, a los poetas de la experiencia, a los de la nueva sentimentalidad, pero ¡Señor Luis Antonio de Villena, permítanos escribir usted a los jóvenes!

Para poder publicar yo tuve que salir de Extremadura, convirtiéndose la región en un páramo cultural para los jóvenes y las nuevas tendencias, para esto que señalan en Piedra de toque como la ruptura de la tradición

Bueno, no todo es tan negro, hace poco se le concedió el Premio de Poesía Ciudad de Badajoz a poetas tan potentes y actuales como David Benedicte o Juan Leyva…

Claro, Resistencia al fuego es un libro que rompe pretendidamente con todo artificio literario, está exento de recursos, carece de referencias culturales y citas literarias porque he querido escribir un libro que pudiera entender cualquier persona sin ser necesariamente un erudito o un lector empedernido de poesía. Quería acércame a la gente, como han hecho esos autores que nombras y que, por cierto, me gustan mucho, haciendo una poesía más accesible sin que por ello deje de ser poesía. Para ello me he dejado influenciar por autores de la poesía norteamericana de los 50’ como Raymond Carver, o Charles Simic, y, también por el español Karmelo Iribarren o el inglés Roger Wolfe principalmente.

¿La calle, el testeo con los muros de las ciudades es importante para presentar vuestra obra?

En Madrid y también en Badajoz lo hicimos, planeamos lo que nosotros hemos denominado como “atentados poéticos”, recitar en las plazas a voz en cuello y anunciar el lanzamiento del libro en la Sala Calvario, o en el metro sin previo aviso y sin pedir ningún tipo de gratificación. Son formas de poco convencionales de publicitar nuestras publicaciones de una manera directa con el ciudadano. Son efectivas y divertidas. En Calvario la sala estuvo repleta.

¿La poesía da de comer?

Evidentemente no, tengo más ingresos de las actividades aledañas a la poesía que de la propia poesía. Mis trabajos de traducción, aprovechando mi condición de oliventino bilingüe…[Ríe]… y otras actividades, como la gestión cultural, o los talleres literarios o de fomento de la lectura, son las que me dan de comer.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

26 de mayo de 2017
Reyero «Clint Eastwood y un puñado de suerte en España»

Sergio Corbucci rueda Django, una versión muy parecida a la obra del otro Sergio, Leone. El director romano rueda en ese mismo año su última película de la Trilogía del dólar, El Bueno el Feo y el Malo. Eli Wallach, el feo, Lee Van Cleef, el malo y Clint Eastwood, no tan evidente, el bueno. Los italianos ponían los directores, los españoles la geografía, los caballos y hasta el ejército y los norteamericanos, mercenarios en búsqueda de alivios cinematográficos. De estos últimos sale el actual mito, Clint Eastwood. Dejar una serie de poca monta para, destino y fortuna de la vida, caer en un poblado en Almería, con un poncho y un puro de Beverly Hills para componer la verdadera salsa de la clásica receta de los spaguetti westerns; catenaccio fílmico alla italiana. Más allá de la leyenda, de las fobias por volar, de la falta de agua caliente en el hostal, de las calenturas del director romano, de no haber pisado desde su última escena, allá por el 1966, tierra española, Eastwood. Desde que mi nombre me defiende, de Francisco Reyero, sustenta una historia bien argumentada bajo un guion elaborado muy sólido. Un libro que recorre las aventuras y desventuras de un Quijote norteamericano en pleno desierto franquista. Sin España, Clint Eastwood no existiría.

¿Por qué Clint Eastwood?

Eastwood, su figura, el personaje pero sobre todo su desarrollo profesional tan particular en España, el entorno que más o menos y periodísticamente hablando podemos controlar, mezclado con su proyección norteamericana. Es lo que a mí me interesa, no sólo el personaje, también la propia historia del personaje. No sé si estuviera capacitado para escribir sobre Eastwood de una manera concienzuda pero si rescatar, buscar, ordenar, recrear, limpiar la aventura del actor en aquellos de rodaje en España.

Hablabas del componente periodístico que tiene este libro…pero ¿Cómo podríamos definir Eastwood. Desde que mi nombre me defiende?

Es un libro de reportaje, al estilo americano, un libro de detalles y estructura narrativa lo más ligera posible, con datos y referencias pero que no te cansen al leerlos, que sirvan de orientación. En este libro podemos descubrir muchas cosas, está la base de como el cine español funcionaba en aquella época, como los italianos y españoles trabajan en el golpe de astucia y descaro pudieran hacer determinadas operaciones para poder ganarse la vida. Los “malos” españoles, los actores secundarios, los buscavidas, los técnicos…

…¡hasta le ejército!

Hasta el ejército colaboraba en aquellos rodajes. Recuerdo aquel titular de una revista que decía Spanish Army for rent, se alquila el ejército español, realmente colaboraba pero es verdad que había una misión propagandística por parte del régimen para a través del cine dulcificar la imagen de España. Eso está reflejado en el libro, no sólo el mito en construcción que viene a pelear con los demás para ganarse el asiento delantero del coche de producción. Por entonces Clint Eastwood no era ni tan si quiera un atisbo, una intuición de lo que en estos momentos puede representar ese Eastwood anciano al que venera la gente como el último gran representante del Hollywood clásico.

En este libro podemos descubrir muchas cosas, está la base de como el cine español funcionaba en aquella época, como los italianos y españoles trabajan en el golpe de astucia y descaro pudieran hacer determinadas operaciones para poder ganarse la vida

¿Has encontrado en esa negación de Eastwood de volver a España algún componente de olvido de esa parte profesional más sucia y dura?

El tema de carestía en los rodajes es cierta, pero también hay exageraciones. Gianni Garko comentaba que mientras rodaba una película fabulosa en Almería, Eastwood estaba con Leone con muy pocos recursos, teniendo que prestarles hasta el equipo de efectos especiales. Pero en los permisos de rodaje, de censura que tienen que solicitar en las películas, viene todo detallado en el Archivo General de la Administración de Alcalá de Henares. Ahí viene aquello que quieren introducir y sacar de España, no se trataba de un servicio de adunas tan laxo como el actual. Es ahí donde descubrimos que Eastwood viene de una manera totalmente casual, porque hasta marzo figura en la solicitud de permiso de rodaje, James Coburn. Descubrimos que Clint llega a España rechazado por la Universal. Por aquel entonces tenía una relación extramatrimonial con una actriz y esta estaba a punto de dar a luz cuando llegó la oferta de Leone. Él se vio obligado a aceptarla por la situación complicada en la que se encontraba. Un claro ejemplo de cómo, por accidente, uno toma decisiones que a la postre resultan ser muy acertadas.

¿Cuándo comienzas a trazar las primeras líneas este libro?

Empecé en el 2014 con esa primera toma de contacto con los personajes que a mí interesaban y después estuve en Estados Unidos, entre Los Ángeles y Nueva York, unos dos meses y medio para documentarme. Me acerque a Carmel para comprobar como vivía en aquellos años el personaje, alejado de Los Ángeles, y muy reticente y alejado de la industria hollywoodiense. De esta manera descubres la capacidad de resistencia de Clint, sus defectos, sus pasiones como actor.

Eastwood viene de una manera totalmente casual, porque hasta marzo figura en la solicitud de permiso de rodaje, James Coburn

¿Existen esos elementos mitificados del actor y director norteamericano, como el famoso poncho y demás, en tu obra?

En estas elucubraciones hay un montón de historias, son cuestiones anecdóticas que conforman el universo del cine, él mismo comenta cosas sobre ese poncho en las que se contradice. Sergio Leone cuenta otras y el un vendedor de Níjar otra. Forman parte del mito.

Tus publicaciones suelen rozar personajes de sello americano con su estancia en el país…

Es cierto, Sinatra: Nunca volveré a ese maldito país, tiene mucho de mi último trabajo sobre Eastwood. Trump, el león del circo, también. Estos tres libros tienen personajes que han construido toda su carrera sobre la imagen, cómo han sido avispados en la imagen. Trump, una figura despreciable ha sabido moverse en la sociedad que hemos edificado ahora. Y España no deja de ser un lugar muy particular para todos ellos. Y de Estados Unidos me gusta la manera con la que se ha apropiado de la manera de mirar el mundo, una mirada impuesta y me gusta ver y analizar ver esos estereotipos.

24 de mayo de 2017
Nick Cave «¿Me amas?»

Mi frase preferida es y será «Búscalo en Google». ¿No lo sabe todo ese tipo? Pues que no me molesten a mí para saber algo de mí.

Ilustración. Tito Pantone Merello

23 de mayo de 2017
Verano Ilustrado

La contraportada de uno de los libros que recomendamos esta semana reza así; ¿Quieres que sea vacaciones? No te exprimas el cerebro, sonríe…Y lánzate al mar!!!

Lo dicho, haz, haced, que vuestras vacaciones empiecen cuando quieras…o se pueda, sólo necesitas la imaginación, los autores, los ilustradores de estas obras sólo te dan algunas pistas para que construyáis vuestro mar. No se os olvide sonreír. Elemento básico para soñar.

«Cuaderno de Vacaciones» Grassa Toro e Isidro Ferrer 56 págs. 22 x 30 cm. 10 € Libros del Zorro Rojo

«¿A qué habitación de tu casa te llevarías una isla desierta?»

Este no es un cuaderno para hacer en vacaciones, nos explica su autor, Grassa Toro. Es un cuaderno para hacer que sea vacaciones cuando quieras que sea vacaciones. Algunas de sus actividades se hacen con las manos, otras con la cabeza o con los pies; unas pocas solo se pueden hacer una vez, y la mayoría, dos mil cuatrocientas veinticuatro veces.Un cuaderno en el que una nube puede convertirse en la montura perfecta con la que surcar el cielo, en el que compiten ciclistas de cabezas poligonales (el equipo de la Bauhaus) y en el que el orden equivale al aburrimiento.Con juegos en lo que todo es posible, este libro nos invita a crear e interactuar con los mundos inauditos de Isidro Ferrer: mundos de lápiz, gubia y cincel. Una travesía náutica para todo tipo de marineros y marineras, e incluso para adultos con mal genio y gafas.

El autor    Grassa Toro Zaragoza, 1963

Su producción abarca géneros y soportes diversos: poesía, ensayo, cómic, periodismo, narrativa, literatura infantil y teatro. Compagina su labor artística con la formación en temas relacionados con la escritura. Ha impartido conferencias, talleres y cursos en: Argentina, Colombia, Cuba, Ecuador, España, Francia, Marruecos y Venezuela. Es fundador y co-director de LA CALA (Chodes, España), centro dedicado al estudio y la creación. Autor de una vÇSeintena de libros, destacamos:
Declinación, Madrid, In pectore, 2014.
Conquistadores en el Nuevo Mundo, Medellín, Tragaluz, 2013.
Fábulas morales de una vez para siempre, Barcelona, A buen paso, 2010.
Este cuerpo es humano, Barcelona, Thule, 2009.
Una casa para el abuelo, Libros del Zorro Rojo, Barcelona, 2014; Ediciones Sins Entido, Madrid, 2007, 2006; SM, México, 2005.
Dirige desde el año 2007 junto a Isidro Ferrer el Curso internacional de Ilustración y Diseño gráfico de Albarracín.

El ilustrador    Isidro Ferrer   Madrid, 1963

Diseñador, afichista, ilustrador, graduado en arte dramático y escenografía, es uno de los artistas gráficos más reconocidos de la actualidad. En el campo de la ilustración editorial ha publicado, entre otros: El vuelo de la razón (Premio del Ministerio de Cultura de España al libro mejor editado, 1993); Yo me lo guiso, yo me lo como (Premio Laus de Plata de Ilustración, 1996); El verano y sus amigos (Premio Lazarillo de Ilustración, 1996); En cosme i el monstre (Premio Crítica Serra d’Or, 2000); Una casa para el abuelo (Premio Daniel Gil de Ilustración, 2003; Premio Junceda de Ilustración, 2006 y Premio Nacional de Ilustración, 2006); Libro de las preguntas, de Pablo Neruda (Premio de la Asociación Española de Profesionales del Diseño, 2006 y Premio Cálamo al mejor libro, 2006). Su obra ha sido expuesta en numerosos países de Europa, América y Asia. Isidro Ferrer reside en Huesca, donde se dedica al cartelismo, al diseño editorial, a la ilustración y a las series de animación. Sobre sus gustos ha escrito: «Del color azul me gusta el azul. De los perros me gusta que tengan plumas de caballo. Me gusta encontrar las caras escondidas en un taco de madera, las caras reveladas en un sello, en una moneda. De las hojas me gusta el libro. De la pared me quedo con un cartel; aunque de la pared también me gusta el laberinto»

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Este libro es un estimulante para la creatividad de los niños. Se reinventa en cada página, y se abre como una puerta a la diversión. Las ilustraciones de Isidro Ferrer son reconocidas en todo el mundo por su poética lúcida y alegre, y Carlos Grassa Toro invita a interactuar con ellas de una manera ingeniosa.» Tragaluz Editores

«Todos tuvimos en algún momento, un libro de pasatiempos, lleno de juegos, experimentos y propuestas para divertirse en casa. Grassa Toro e Isidro Ferrer aprovechan esta experiencia compartida para burlarse de este género de libros con sutileza e ironía. Con propuestas descabelladas e ilustraciones juguetonas, esta obra invita a reírse y a imaginar cómo resolver los retos propuestos. Cada página genera una carcajada o al menos una sonrisa en su lector. Las ilustraciones están llenas de originalidad y audacia, hechas a partir de composiciones con objetos, fichas de madera, dibujos, recortes y fotografías. Es este uno de esos libros que se aprovechan en soledad y en compañía.» Canal Lector

Nosotros decimos

«Cuaderno de papel con alma de madera reciclada. Descubrir ballenas doctoradas en capturas de balleneros, tostadas integrales con bombín y pocas similitudes. Vacaciones sin salir de tu habitación, una casa llena de imaginación. Cuaderno que a veces necesita ser consumido por los padres, tres ingestas diarias para los abuelos y de por vida para los que más saben de esto, los pequeños». Cultura Badajoz

«Carnets»   Javier Zabala 212 págs. 17 x 24 cm. 35 € Nórdica Libros

«Porque tiene mi amigo Zabala la manía de viajar, siempre, con una caja que hace saltar la alarma en todos los controles, en la que lleva botes de pigmentos y colores cuyo nombre cabal sólo saben decir los poetas: blanco de zinc, ocre, azul sármede… Y un cuaderno, a veces dos, me cuenta, si el primero está a punto de acabarse. Con ellos ha recorrido decenas de ciudades: Milán, Pisa, Sao Paulo, Roma, Jerusalén, Teherán, y de ellas quedan en su interior posavasos, billetes de autobús, etiquetas de cervezas exóticas, entradas de museos y dibujos que pinta en estaciones y aeropuertos, en terrazas y habitaciones de hotel, en esas tardes lentas del viajero que se estiran, indolentes y lacias, solitarias, hasta la noche misma». Del prólogo de Jesús Marchamalo

El propio Zabala define su obra, que surge de un crowdfunding de Verkami y que originalmente se iba a llamar Travelbooks & Sketches. La Editorial Nórdica editaría los 500 primeros ejemplares con el apoyo de Espacio Hueco (colectivo de artistas). Tras superar con creces la financiación se han editado otros 500 libros. Una edición limitada de uno de los mejores ilustradores internacionales. Lo tenemos en nuestro país, ilustra por medio mundo y sueña en su casa estudio de Madrid. Nos toca a nosotros colocarlo en la pole de nuestra biblioteca.

Me llamo Javier Zabala y desde hace más de 25 años ilustro libros para niños y adultos, aunque últimamente me gusta pensar que todos ellos son para personas de uno a cien años. Creo que donde verdaderamente se aprecia la esencia de los artistas es en sus bocetos, en sus cuadernos de viaje, incluso en sus descartes, en sus cambios de opinión, en todo eso que queda muchas veces oculto. Todo este trabajo a veces lo hacemos con un propósito profesional, pero otras muchas solo por el placer y la necesidad de dibujar, también de crecer. Es seguramente en estos bocetos, hechos sin presiones ni plazos, con total libertad, donde se ve lo que no hemos sido, pero también lo que seremos.

Este libro tendrá unas 200 páginas y estará editado con mucho cariño y cuidado. La primera edición será de 500 ejemplares firmados y personalizados. Será una selección de mis bocetos preparatorios, ilustraciones finalmente no usadas, cuadernos de viajes, búsquedas técnicas, ideas gráficas… en fin, mis procesos de trabajo. Dibujos que duermen en cientos de cajas y cajones y cerca de 60 cuadernos de viaje, ahora podrán ver la luz. De mis colegas, siempre he preferido sus bocetos. Por eso me gustaría editar este libro, que espero que sea, casi, como si estuvieseis en mi estudio, curioseando en los cajones.

El autor ilustrador      Javier Zabala León, 1962

Estudió Ilustración y Diseño Gráfico en las Escuelas de Artes de Oviedo y Madrid, a donde se trasladó en 1984. Comenzó a trabajar en distintos campos: revistas, publicidad, dibujos animados…Desde entonces, trabaja como ilustrador para las más importantes editoriales españolas y algunas de las más prestigiosas de Europa, Latino América y Asia. Ha ilustrado más de 80 libros, de algunos de los cuales también es el autor del texto. Sus libros han sido traducidos a 16 idiomas. Ha ilustrado textos de Cervantes, Shakespeare, García Lorca, Rodari, Melville, Chejov, Van Gogh… En la actualidad, una parte importante de su actividad profesional se desarrolla como profesor, impartiendo cursos de ilustración y conferencias en Universidades, Bibliotecas y Escuelas de Arte en España y en países tan diversos como Italia, Colombia, Ecuador, Mexico, Irán, Cuba. Brasil, Venezuela, Israel…En 2005 recibe la Mención de Honor de los Premios de la Feria Internacional del libro infantil y juvenil de Bolonia por su libro D. Quijote. El Ministerio de Cultura español le otorga el Premio Nacional de Ilustración 2005 por El Soldadito Salomón.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Durante su brillante carrera como ilustrador, Javier Zabala ha afrontado, sin duda, trabajos de gran complejidad; desde las ilustraciones de D Quijote, a las de Santiago de Federico García Lorca (libros por los que obtuvo sendas Menciones de Honor de los Premios de la Feria de Bolonia), o las de Hamlet de Shakespeare para adultos. Entre otros, ha ilustrado también historias de Melville y Rodari. Digamos que se ha asegurado de cubrir casi todas las experiencias posibles. Seguramente nunca duda cuando le llega el momento de enfrentarse a nuevos retos; ésta es una actitud que yo agradezco enormemente, porque es sintomática de una férrea voluntad de querer seguir evolucionando, investigando, y estudiando, algo que un profesional, en mi humilde opinión, nunca debería abandonar. Aunque unidos por un hilo conductor, que radica en su sensibilidad, su visión personal del mundo, y en la habilidad con la que consigue transformar todo eso en imágenes, adaptando su lenguaje gráfico a la audiencia a la que se dirige en cada ocasión, todos sus libros son diferentes.» Cristina Clerici. Especialista italiana en álbumes ilustrados.

«Aunque debería estar prohibido, si pudiéramos pedirle algo a un artista, a un ilustrador para ser más concretos, o más bien si nos atreviéramos a pedirle algo a un dibujante que ha iluminado más de setenta libros, le pediríamos seguramente versatilidad, al menos la que tienen los libros» Inés Plasencia. Blog El País

Nosotros decimos

«Carnets supone fisgonear entre los cuadernos de viaje de un artista. Pedir a un escritor que te deje leer sus legajos escritos a lápiz, solicitar los negativos guardados a un fotógrafo de guerra, robar la primera edición a un montador de cine. Carnets supone volar a Bologna en un trazo, utilizar un borrón para bailar como un derviche ante la torre Eiffel, apretar el corsé a las mujeres chilenas sin rozar su seda, construir casas de colores y creerte el vecino del ático de una de ellas. Carnet es simplemente maravilloso, un trabajo voyerista que regala nuestra imaginación y riega con bocetos todo universo imaginativo que posee Javier Zabala. Imprescindible». Cultura Badajoz

«Zanardi»   Andrea Pazienza 152 págs. 23 x 29 cm. Color/ Blanco y negro 24 € Fulgencio Pimentel

“Al dibujar las narices grandes, en forma de pera, quiero advertir a la gente de que se trata de una historia blanda, sin embargo cuando comienzo a hacer narices picudas cuento historias duras” Andrea Pazienza

Andrea Pazienza es uno de los mayores narradores gráficos de todos los tiempos y Zanardi una de sus obras más conocidas e influyentes. En ella, Pazienza retrata a toda una generación de jóvenes altivos, hedonistas y amorales, sofocados por un entorno entumecido y asfixiante que sentimos muy cercano al actual.

Más de un cuarto de siglo después de su muerte, el culto alrededor de la figura de Andrea Pazienza sigue extendiéndose de manera constante en el arte, la música, el cine y la literatura de su Italia natal, mientras su nombre empieza a sonar cada vez más insistentemente fuera de sus fronteras. Prolífico hasta lo inverosímil, Pazienza dejó tras de sí un legado que aún hoy impacta por su versatilidad, su brutalidad y su lirismo.

Este primer volumen de los dos de que se compone la serie contiene las historias Día, Un thriller escolar, El palo, Verde matemático, La propiedad transitiva de la semejanza 1 y 2, Noche de carnaval, Zanardi el inexistente y la historia más extensa de la saga, La primera de las tres, ambientada en la Florencia de los crímenes del Monstruo de Scandicci. El tomo incluye notas bobliográficas y un extenso prólogo de Emanuele Trevi. La traducción corre a cargo de César Palma, Premio a la Traducción 1996 del Ministerio Italiano de Asuntos Exteriores.

El autor ilustrador Andrea Pazienza   San Benedetto del Tronto (Italia) 1956

Andrea Pazienza es uno de los dibujantes italianos más importantes de todos los tiempos y su legado es comparable al de otros colegas de profesión como Hugo Pratt, Guido Crepax o Milo Manara, mientras su popularidad y consideración supera incluso a la de los citados dentro de Italia. Fue uno de los miembros fundadores de la revista mensual Frigidaire en 1980, donde publicó su serie Zanardi, y también colaboró en otras revistas como alter alter, Linus o Comic Art, todas ellas reconocidas como fundamentales en la evolución del cómic europeo. Extraordinariamente prolífico y con un enorme talento tanto para el dibujo como para el retrato de la juventud de su tiempo a través de diálogos incisivos y naturalistas, Pazienza es sin duda el autor de cómic más influyente de las cuatro últimas décadas en su país natal. Destaca también la concepción artística y exigente con el lector que aplicó Pazienza a su trabajo, donde elementos como la composición de página o la elipsis jugaban un papel fundamental en la percepción de los relatos y en la profundidad argumental y emocional de las historias. Pazienza no se limitó al ámbito del cómic, y fue requerido a menudo por artistas de otros ámbitos que reconocieron una sensibilidad compartida y quisieron enriquecer sus trabajos con las aportaciones del dibujante. Así, Pazienza realizó pósteres para películas (La ciudad de las mujeres, dirigida por Federico Fellini), cubiertas para LPs (principalmente para Roberto Vecchioni) y diseñó los decorados para Soy el pequeño diablo, de Roberto Benigni y Dai colli, de Giorgio Rossi. También fue un extraordinario pintor y su obra se expuso en centros como el Palazzo delle Esposizioni di Roma.

Durante la primera mitad de la década de los 80, Pazienza fue consumidor de heroína, pero se desintoxicó en 1984. A partir de ese momento, profundizó en dos de sus pasiones, la historia y la poesía, alumbrando algunos de sus mejores trabajos: Pompeo, Campofame y Astarté. Pazienza murió en 1988 debido a una sobredosis. Tenía 32 años. Lejos de disminuir su talla como autor, la prematura muerte de Pazienza lo convirtió, justificadamente, en una leyenda. La calidad de su producción, la relevancia de los temas abordados, su amplio rango de registros y un apabullante talento innato configuraron a un artista que definió culturalmente la Italia de los años 80 y, desarrollando su trabajo en un ámbito muchas veces culturalmente denostado como es el cómic, pudo medirse con grandes figuras de otras artes más reconocidas

Los críticos dicen

«Las historias de Zanardi se cruzan por una violencia continua y disturbada, el espejo inquietante de un período vivo y palpitante, pero muy duro lleno de drogas, sexo, violencia y el deseo de vivir una vida extrema.» Slumberland

«Zanardi es la tortuosa, ególatra, cachonda, desmitificadora, inquieta cabeza de Pazienza. No cabe comparar Zanardi con otras obras porque lo importante no es su contexto, sus referentes o sus consecuencias como obra de arte. Lo vital es cómo sus páginas apelotonadas, sus ideas como un regurgitar de viñetas, sus atrevimientos con la forma y con el fondo, son el reflejo fascinante de una persona fascinante » Octavio Beares

Nosotros decimos

«Descubrir a Pazienza en Italia, con este libro, el mismo que publica Fulgencio Pimentel, en una época que rozaba la sequía social de los 80 supone un reencuentro único con la gloria del arte. Editores valientes que se superponen a robos intelectuales y a pensamientos baratos con reediciones de maestros, de gente especial, como Andrea Pazienza y su Zanardi». Cultura Badajoz

«Animalario universal del profesor Revillod» Javier Sáez Castán y Miguel Murugarren 40 págs. 15 € Fondo de Cultura Económica

En la última edición que la Real Academia Cartográfica de Suecia ha publicado de sus afamadas cartas marítimas, a 53 grados y 48 minutos de latitud Sur, y a 44 grados y 26 minutos de longitud Oeste, cerca de los peligrosos escollos Shag, cualquier observador puede leer diez letras que orgullosamente llaman su atención: Revillodia…

El Animalario Universal es un compendio de ciencia rigurosa y edificante diversión. Consiste en la selección de los «souvenirs zoologiques» del profesor académico Revillod, según apuntes del natural recogidos por el sabio a lo largo y ancho de los cinco continentes. La combinación de 21 láminas permite al lector conocer 4096 especies de animales fantásticos, con la descripción zoológica de la criatura. Niños y grandes disfrutarán de este fructífero pasatiempo que contribuirá a la concordia entre las personas que lo compartan. Al pasar las páginas a su antojo, verá muestras de las maravillas que este mundo esconde y que se van revelando a las mentes inquietas gracias al tesón, audacia y conocimiento de personas como el autor.

El ilustrador Javier Sáez Castán   Huesca, 1964

Javier Sáez Castán es un ilustrador y escritor español especializado en libros para niños y libro álbum. Estudió Bellas Artes, especialidad de Dibujo por la Universidad Politécnica de Valencia. España. Para después establecerse como ilustrador en la provincia de Alicante. Inició su carrera en el campo de la publicidad y trabajando como ilustrador para la Universidad y el Ayuntamiento de Alicante, entre otras instituciones, y empresas de publicidad. Actualmente también se desempeña como profesor y conferencista.

En 2016 fue galardonado con el Premio Nacional de Ilustración.

Su propuesta gráfica recuerda a los grabados de los libros de Historia Natural del siglo XIX. Su obra se nutre de referente que vienen de arte moderno. En su libro La Merienda del señor verde publicado por Ediciones Ekaré la influencia de René François Ghislain Magritte es innegable, tanto en la indumentaria de los personajes como en el uso de color y composición.

Sus libros incluyen referencias a diversos idiomas no solo en el texto sino también en la ilustración, estas en general no están allí por su interés filológico sino por el potencial gráfico que aportan a la imagen, las palabras son parte de la imagen al igual que cualquier otro objeto.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Animalario del profesor Revillod es un álbum sólo apto para viajeros juguetones y soñadores. El Animalario nos lleva lejos, nos hace perder la noción del tiempo y nos abre las puertas de distintas exploraciones, tanto formales como estéticas o históricas. En esas ensoñaciones y viajes, el lector bien puede pasar del recuerdo de un Challenger enfurecido al principio de El mundo perdido, al impulso por conocer más de cerca los entresijos de la historia natural. Ficción y realidad se mezclan en el álbum y posibilitan conexiones en la mente del lector que hacen del Animalario un libro imborrable y que se desborda a sí mismo.» La coleccionista

«Desde el humor y el juego con el lector, este libro propone crear animales imaginarios a partir de especies reales. La obra es aparentemente científica, pero todo en ella (texto, ilustraciones, formato, encuadernación…) está destinado a desorientarnos respecto a lo que es realidad o ficción. Atribuido a un destacado científico, el texto es en realidad del supuesto comentarista de la obra. Los dibujos, divididos en tres, remedan las ilustraciones de los naturalistas, y posibilitan el juego combinatorio del cual surgen los animales más extraordinarios.» Canal Lector

Nosotros decimos

«El libro que nadie se atrevió hacer pero que todos, tras largas ingestas de lisérgicas ensoñaciones, se ha publicado siendo unos de las ediciones más atractivas de estos últimos 15 años. Un almanaque para tener colgado de la pechera y no perderlo de vista. Los animales saben de qué hablamos». Cultura Badajoz

22 de mayo de 2017
Javier Olivares «El arte profesional de un extraordinario dibujante»

Vemos a Velázquez sufriendo en su estudio, viñeta con un carrito, muy icónica, muy sencilla, una mano, una llave, unos pies, un candelabro, un primer plano, página doble…

…estas son las notas de Santiago García, el guionista de las últimas obras que ha dibujado Javier Olivares, entre ellas la magnífica Las Meninas, premio Nacional de Cómic.

El modus operandi es particular; Santiago García antes de desarrollar el guion realiza esquemas de las páginas, después lo pasa a guion y finalmente Olivares lo vuelve a convertir en páginas desglosadas en viñetas. Deconstruir para volver a moldear una obra maestra ilustrada con sello español.

Logramos rescatarlo de la ingente actividad de la Feria del Libro pacense y le preparamos un guion breve. Javier Olivares nos responde con viñetas de su día a día, nos rellena los bocadillos de sus historias y firma la portada con humildad y pasión…como el primer día…sin pretensiones pero con mucho arte entre sus premiados dedos.

“El lenguaje es, como saben, el murmullo de todo lo que se pronuncia, y es al mismo tiempo ese sistema transparente que hace que, cuando hablamos, se nos comprenda; en pocas palabras, el lenguaje es a la vez todo el hecho de las hablas acumuladas en la historia y además el sistema mismo de la lengua” Paul-Michel Foucault

Velázquez en la portada, pero…

No se trata de una biografía de Velázquez, sale porque pintó las meninas, si es una biografía es del cuadro que pintó.

Scott McCloud en Entender el cómic, el arte invisible una exploración de amplio espectro de la definición, historia, vocabulario, y métodos del medio del cómic, en sí en la forma del cómic, o en el Arte secuencial de Will Eisner. Tú haces lo mismo en tus presentaciones, desnudas tu trabajo.

Todo en libro cuanta el libro, no sólo la historia, no sólo el guion, todo el dibujo, la composición, el número de viñetas por páginas, la edición, la cubierta, el papel…jugando con esos parámetros, todo lo que concierne a la estructura del libro son elementos que tienen un sentido, no hay nada en el libro que esté hecho de forma azarosa o por un sentido plástico, sino que la historia como está contada y los dibujos no le sobra nada, no tenía grasa en sentido narrativo, cualquier elemento que se quite del libro lo descompone. Tras cuatro años de Santiago García, de documentación y pulido el libro queda en lo esencial, que mantiene la esencia, es decir que no hay nada en Las meninas que sea superfluo. Esa síntesis se nota mucho y el lector se siente atrapado por la importancia de todas las viñetas.

Existe ese enganche con este cómic y muchos otros de tu creación, pero en este caso la elipsis en la narrativa atrapa aún más

Efectivamente, el poner a Foucault en el arranque del libro ya marca una sensación de espacio curiosa. Cuando le pasamos las maquetas a compañeros y amigos, una de las cosas que más les sorprendió fue la presencia del filósofo francés. Pero la respuesta es sencilla, está puesto ahí para intentar buscar la “melodía” del tema, su presencia orquestal nos encarrila la obra. Es una llamada de atención, una test del lector…si eres capaz de pasar por encima de Foucault y seguir leyendo la recompensa será mayor…[Ríe]. Existen viñetas donde Velázquez aparece hablando con su futura mujer y en la viñeta siguiente ya hay hijos por medio, sin necesidad de “bocadillos” ni nada. Asumimos que para nuestra historia lo que pasa entre esa dos viñetas, tres o cuatro años, no es importante.

¿Velázquez no siempre está dibujado igual o es una percepción personal?

Eso es. Juego con el personaje, pasa de caricatura a personaje real, después pasa a color y luego es blanco y negro. Quería darle un toque gráfico, no quería que fuera igual, como en el cine de animación y demás. Me permite eso lujo, no es una limitación como autor, es una liberación, ya que es un dibujo y el lector lo ha asumido. Lo simbólico es muy importante.

Hace 30 años no podías hacer eso…

Claro que no, es importante reflexionar sobre eso, ya que es una convención que se tiene en los inicios, pensaba en hacer todo igual. Tengo que decir en mi favor que mi dibujo es más icónico, no soy tan realista como Moebius, aunque en el Mayor Fatal, en el Garaje Hermético el personaje cambia todo el rato y nunca lo pierdes.

Mi dibujo es más icónico, no soy tan realista como Moebius

El concepto ambiguo de obra de encargo y obra de autor lo desentrañaba Elena Odriozola diciendo que en el momento que aceptas un encargo deja de serlo.

Sí, es un trabajo terapia, es curioso porque todo lo que hecho salvo uno, parten de encargos. Cómics, periódicos, ilustraciones para revistas y demás…es mi trabajo.

Aunque suene muy raro pero ¿Disfrutas con tu trabajo?

Bueno, en parte siempre disfruto, pero es verdad que siempre surge algo de duda, frustración y demás…con las Meninas he estado muy relajado, muy contento con toda la evolución, sin escollos morales. Me pasó lo mismo con El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde que también hice con Santiago…estaban ya hechos, no había más que seguir la corriente. Con Beowulf fue todo lo contrario, el proyecto iba en otra dirección y yo podía con eso.

Hablando de Beowulf, David Rubín realizó otro completamente diferente al que estabas haciendo con Santiago García

Santiago hizo un guion totalmente diferente para Rubín, es otro libro completamente diferente. Sólo me quedan las láminas que termine de ese proyecto para expos y demás. El trabajo de Rubín es maravilloso.

Javier, ¿Podríamos decir que vuestro trabajo ha explotado con la aparición de la novela gráfica?

Siempre hemos tenido difusión, desde los años 60 estamos muy cotizados, nos acompañara o no los políticos, instituciones, editoriales o público, fuera del país siempre hemos tenido nuestro reconocimiento. En España es verdad que en parte la novela gráfica ha roto la barrera del veto de los cómics, ese público más elitista que seguía y sigue ese trabajo, para salir como un medio profesional igual que los demás. Tenemos que reivindicar nuestras obras y no nuestra lucha por ser considerado una profesión más. Normalizar este aspecto ayuda mucho y la eclosión de la novela gráfica ha hecho que la difusión de nuestro trabajo cope un público más amplio.

En España es verdad que en parte la novela gráfica ha roto la barrera del veto de los cómics, ese público más elitista que seguía y sigue ese trabajo, para salir como un medio profesional igual que los demás

Hablando de reconocimiento fuera del país, hace poco estuvisteis en Estados Unidos con la Spanish Fever…cuéntanos un poco

Con motivo de la publicación en EEUU, por la editorial «Fantagraphics», del libro SPANISH FEVER (libro que ya se editó en España, de la mano de Astiberri con el título de PANORAMA) la embajada española en Washington, el organismo «Spain Arts & Culture», el consulado de España en Nueva York y la «Small Press Expo» se unieron para organizar una gira por Estados Unidos de varios de los dibujantes que aparecemos en el libro. Así que el pasado mes de Septiembre, Santiago García (como editor del libro), Ana Galván, David Rubín, José Domingo y yo mismo partimos para los Estados Unidos. El viaje no ha podido ser más interesante.

Nada más llegar, en Washington visitamos la Biblioteca del Congreso, donde Warren Bernard (El director de la SPX) nos había preparado una muestra espectacular: originales de cómic de maestros del siglo XX sacados de los archivos de la propia biblioteca. Encima de unas cuantas mesas había planchas originales de Charles Schulz, de Principe Valiente de Foster, de Will Eisner, de Herriman, de Sterrett… todo un tesoro!!!

Los días siguientes nos dedicamos a presentar el libro en Washington y en Baltimore, donde visitamos el MICA invitados por José Villarrubia, famoso colorista de cómic para EEUU y que es profesor en esta escuela. Allí presentamos el libro en un aula llena de alumnos, lo cual fue muy estimulante para todos.

En Nueva York donde pasamos dos días visitamos la Universidad de Columbia, donde también presentamos el libro acompañados por el cónsul de España en Nueva York y al día siguiente hicimos lo propio en la conocida librería McNally Jacks,

Una gira muy intensa y muy enriquecedora. No solamente para nosotros, sino que también creemos que ha sido muy interesante y útil para la visibilidad y el conocimiento del cómic español en Estados Unidos, más allá de los dibujantes que trabajan para su mercado, a los que ya conocen. Era importante también que se conociese tanto el movimiento de la novela gráfica como el interesante panorama del cómic alternativo en España.

Veo cierto aire a Mingote en alguna obra tuya ¿Realizas homenajes en tus libros?

No conscientemente, nunca lo he hecho, pero en las Meninas me ha obligado a sacar todo lo que sé, mis fuentes de aprendizaje, y el punto Mingote lo estoy notando últimamente. Mis bases de influencia quizá giran más al entorno de Guibert, Jack Kirby, Alex Toht, autores de la que he aprendido cosas y de pronto he visto la manera de poder usarlas. No son homenajes ni copias, simplemente son influencias.

¿Te consideras dibujante o ilustrador?

Me gusta más dibujante, creo que abarca mejor lo que hago y contiene tanto al ilustrador como al dibujante de cómics.

Referencias musicales…una banda sonora de tu vida

Demasiadas…! Escucho desde a Dylan a Radiohead tengo días de Tori Amos, otros de David Sylvian, o de Led Zeppelin y puedo acabar oyendo las variaciones Goldberg tocadas por Glenn Gould.

Para mí, tanto la ilustración como, por supuesto, el cómic son artes narrativas… y todo en ambos medios (la composición, el color, el dibujo…) tiene que servir para ese propósito

¿Qué dibujos veías de pequeño? ¿Tebeos?

Veía muchos dibujos, pero prefería series como Viaje al Fondo del Mar. Tebeos muchos también, desde Mortadelos o Asterix hasta Tintín leía casi todo lo que tuviera viñetas dentro.

…una peli

¿Solo una? El Prisionero de Zenda cuando era más niño… ahora podría ser Sed de Mal de Orson Welles, Blade Runner o El Verdugo

Anécdotas en tu trabajo…

Muchas, pero las que más recuerdas son cuando, por ejemplo, te equivocas de medida en una ilustración y la haces apaisada cuando es vertical. En prensa, con las prisas, suele pasar.

¿Es fácil explicar a lo que te dedicas en casa?

[Ríe]…Ahora ya es más común ser ilustrador, y requiere menos explicaciones.

¿Cuál es el nexo de unión entre la parte literaria, narrativa y visual de la ilustración, del tebeo?

Para mí, tanto la ilustración como, por supuesto, el cómic son artes narrativas… y todo en ambos medios (la composición, el color, el dibujo…) tiene que servir para ese propósito.

¿Se puede vivir de la ilustración?

Se puede vivir de la ilustración, como se puede vivir de la pintura, o del cine. Otra cosa es que, como los anteriores, sea un mercado frágil y que no todo el mundo lo consiga…

Los peques y la ilustración, el tebeo…

Los niños son especialmente receptivos respecto a la ilustración o los tebeos, porque tradicionalmente se les ha considerado medios infantiles o juveniles por los adultos. Afortunadamente, eso está cambiando y ahora son medios más neutros y pueden generar material para adultos también.

¿Manejas las nuevas tecnologías o mantienes el uso del lápiz?

Las dos cosas. Dibujo a lápiz y a partir de ahí a veces uso la tecnología actual (ordenador) o la tradicional…

¿Qué importancia tiene el reconocimiento a través de Premios o la reseñas en el salón Internacional de Barcelona y demás?

No son necesarios, pero son importantes por la visibilidad que le dan a tu trabajo. Y también sienta bien que haya un reconocimiento a tu trabajo por otras personas, claro.

Para acabar Javier ¿Tiene importancia la ilustración en este siglo o sigue siendo una protagonista secundaria?

Creo que el siglo XXI es extremadamente visual y eso nos da un buen campo en el que trabajar… La competencia es dura, pero la imagen dibujada siempre aporta una mirada especial y una elaboración manual, algo de lo que a veces carecen las otras imágenes que nos rodean.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

15 de mayo de 2017