El coreógrafo portugués regresa al Festival Internacional de Teatro de Badajoz con Hashtag#Free, una pieza en la que ocho bailarines buscan la espontaneidad y la libertad de movimiento. Más de veinte años después de fundar Quorum Dance Company, y tras un grave accidente de moto que cambió su manera de mirar la vida y su profesión, Cardoso vuelve a encontrarse con Badajoz, con el escenario y con aquello que continúa siendo su principal lenguaje: el cuerpo.
Home, I feel like home
Though nothing is as was before
No words to say, no place to go
Home, I feel like home
With empty hearts…
Home de Hania Rani
Daniel Cardoso vuelve a Badajoz con kilómetros de escenario en las piernas, más de veinte años levantando su propia compañía y una vida que, hace apenas un año, le obligó a cambiar de ritmo de golpe. Un grave accidente de moto puso el cuerpo, precisamente el cuerpo, en otro sitio. Parar, recuperarse, volver a moverse. Para alguien que lleva media vida contando historias sin necesidad de palabras, no parece un detalle menor.
Cardoso es portugués, de Lisboa, aunque su biografía hace tiempo que dejó de caber dentro de una frontera. Nueva York, Dinamarca, escenarios de numerosos países y, desde 2005, Quorum Dance Company, la compañía con la que decidió regresar a Portugal y construir su propio lenguaje. Badajoz también forma parte de ese recorrido. En 2019 llegó al Festival Internacional de Teatro con Correr o Fado. Entonces había agua sobre el escenario, fado y cuerpos empeñados en llevar esa música portuguesa hacia otros territorios a través de la danza contemporánea.
Ahora vuelve al Teatro López de Ayala con Hashtag#Free. Y esta vez el elemento que se cuela entre los bailarines no es el agua. Es algo bastante más difícil de coreografiar: la libertad. Ocho bailarines, músicas y universos que van de The Cure y Radiohead a Agnes Obel, Ólafur Arnalds o Hania Rani, y un Cardoso que asegura haber salido de su propia zona de confort para encontrarse con una versión más libre de sí mismo como creador. En Hashtag#Free los bailarines también ganan terreno: aportan parte de ellos mismos, interpretan y ocupan espacios que la coreografía no pretende cerrar. Quizá por eso esta conversación podía comenzar hablando del cuerpo. Del suyo. Del que bailó, del que crea, del que sufrió un accidente y tuvo que recuperarse. Y del cuerpo que todavía encuentra en una sala de ensayo uno de sus lugares favoritos. Después de Nueva York, Dinamarca, Portugal, viajes, compañías, bailarines y escenarios, Daniel Cardoso continúa entrando en un estudio para moverse, crear y buscar. Cruzamos la frontera. Empezamos a danzar.
Crear para mantener el equilibrio
Has dicho en alguna ocasión que la danza puede ser terapéutica, incluso una necesidad. Después de tantos años bailando, creando y dirigiendo una compañía, ¿sigue siendo una necesidad para ti?
—Crear sigue siendo casi una terapia para mí. ¡Es lo que me ayuda a mantener el equilibrio como persona! Tengo una suerte increíble. Qué suerte poder crear y compartir con el mundo estas experiencias.
Tu trayectoria te ha llevado desde Lisboa a Nueva York, Dinamarca y escenarios de numerosos países, primero como bailarín y después como coreógrafo. ¿En qué momento personal y creativo se encuentra ahora Daniel Cardoso?
—Este es un momento de muchos cambios en mi vida y en mi trayectoria profesional. Hace un año sufrí un accidente de moto muy grave… eso me hizo ver la vida y el trabajo de una manera muy diferente. ¡Afortunadamente, me estoy recuperando bien!
Un accidente que ye ha hecho más fuerte, más incluso que cuando fundaste Quorum en 2005. Han pasado más de veinte años desde entonces. ¿Qué queda de aquel Daniel Cardoso que regresó a Portugal dispuesto a crear su propia compañía y qué ha cambiado por completo?
—Con la celebración de los 20 años de la Compañía y el documental que acabamos de estrenar, me puse a pensar precisamente en eso y terminé haciéndome esa misma pregunta. Creo que sigo aquí: la esencia es la misma y la fuerza, ¡aún mayor! Esta Compañía es lo que más me ha hecho crecer como artista y como persona; estoy muy agradecido por ello. Ha sido un viaje increíble, estás siendo un viaje increíble.
Y mirando hacia delante, ¿hacia dónde quieres ir ahora? ¿Sigues teniendo territorios artísticos que necesitas explorar?
—En este momento estoy muy centrado en seguir trabajando el cuerpo, el movimiento, nuestro lado más orgánico. En el desafío que supone seguir creando piezas que tengan significado y con las que la gente pueda conectar. Superar el reto de, tras 21 años de creación, seguir siendo honesto y genuino.
Volver a Badajoz. Casi como en casa
Quorum vuelve al Festival Internacional de Teatro de Badajoz, un lugar que ya conocéis. ¿Qué recuerdos conservas de vuestra anterior participación y qué significa regresar ahora para inaugurar esta 49.ª edición?
—Estoy muy feliz de que podamos volver al Festival, ha sido muy enriquecedor. Es un lugar muy especial para mí, por la forma en que siempre nos han recibido la organización del Festival y el público de Badajoz. Esperamos poder volver durante muchos años.
En una de vuestras anteriores visitas vimos una propuesta en la que el agua adquiría una enorme presencia sobre el escenario, casi como un intérprete más. Ahora llegáis con Hashtag#Free. ¿Qué distancia artística existe entre aquel Cardoso y el que firma esta pieza?
—En esta obra logré encontrar mi faceta más libre como creador. Logré salir de mi zona de confort. Hashtag#Free es una obra que lleva al público a un viaje que explora mi lado más auténtico. Es una pieza que no se puede comparar con Correr o Fado. En este trabajo, el “intérprete extra” es la espontaneidad y la libertad de expresión.
Hashtag#Free: bailar la libertad
Hashtag#Free parte de una idea aparentemente sencilla: un escenario, ocho bailarines y un coreógrafo, dejando atrás ideas preconcebidas, estilos y determinadas formas de control. ¿Qué significa realmente ese #Free?
—Esta pieza pretende ser el símbolo de la libertad y de la liberación. En una época en la que esa palabra, “libertad”, tiene un significado muy especial, dado todo lo que está sucediendo en el mundo.
Hablas de libertad y espontaneidad, pero una coreografía necesita estructura, precisión y trabajo. ¿Cómo se consigue que algo muy ensayado conserve sobre el escenario la sensación de estar sucediendo por primera vez?
—La forma que encontré fue saliendo de mi zona de confort. Solo sorprendiéndome a mí mismo lograría sorprender al público. Fue un proceso muy interesante que me hizo crecer.
En la pieza conviven músicas y universos bastante diferentes —The Cure, Radiohead, Agnes Obel, Ólafur Arnalds, Hania Rani—. ¿Cómo construyes un lenguaje coreográfico común a partir de referencias musicales tan distintas?
—Ese fue uno más de los desafíos: lograr crear un trabajo coherente pero, al mismo tiempo, con una gran diversidad. La música llegó para ayudar a traer esa diversidad.
¿Qué quieres que encuentre el espectador de Badajoz en Hashtag#Free? ¿Hay algo que prefieras que simplemente sienta antes que intentar comprenderlo?
—Lo que quiero es que el espectador se deje llevar por este viaje que es Hashtag#Free, y que se deje llevar por las sensaciones y los sentimientos.
El cuerpo y el movimiento
Cuando trabajas una pieza, ¿qué aparece primero: una idea, una música, una imagen o el propio cuerpo del bailarín moviéndose en el espacio?
—En el caso de Hashtag#Free, lo primero fue el desafío de crear algo espontáneo y liberador, tanto para mí como para los bailarines y los espectadores. En el proceso, lo primero es la música, que termina siendo la base de todo lo que viene después. ¡Las imágenes llegan solo más tarde!
Vivimos rodeados de pantallas, imágenes y estímulos constantes. Frente a todo eso, la danza sigue colocando delante del espectador algo muy elemental: un cuerpo que se mueve. ¿Sigue teniendo el cuerpo esa capacidad de comunicar sin necesitar palabras?
—¡Sí, sin duda! El cuerpo tiene una forma única de comunicarse; dice cosas y nos lleva a lugares a los que las palabras no logran llegar. Las palabras son muy objetivas, mientras que el cuerpo deja mucho más espacio para la interpretación. Es, sin duda, la forma más bella de comunicación. La que más amo.
¿Cuánto te interesa la personalidad de cada bailarín? ¿Buscas cuerpos capaces de ejecutar tu lenguaje o personas que puedan transformarlo y llevarlo hacia lugares que tú mismo no habías previsto?
—Normalmente busco bailarines que logren “decir” exactamente lo que pretendo en cuanto a movimiento e interpretación. En el caso de Hashtag#Free es diferente. Los bailarines terminan aportando mucho de sí mismos y cuentan con un gran espacio para su propia interpretación. Esta libertad de la obra también se refleja en la manera en que los bailarines se presentan en escena.
Del escenario al taller
Al día siguiente de la función impartirás junto a Inês Godinho un taller en CEDAM, el centro dirigido por la coreógrafa extremeña María Lama, trabajando precisamente sobre material de Hashtag#Free. ¿Qué puede descubrir un bailarín trabajando desde dentro una coreografía que la noche anterior ha visto sobre un escenario?
—Es muy interesante poder trabajar con estos jóvenes bailarines después de que vean la obra. Al igual que en la vida, en la danza no hay nada como poder ver el espectáculo y luego tener la oportunidad de entrar en contacto con el movimiento. Será muy enriquecedor para los bailarines. Este tipo de proyectos, en los que interactuamos con la comunidad local, son muy importantes. Estamos deseando poder trabajar con CEDAM.
¿Qué importancia tiene para ti que un festival no se limite a programar espectáculos y abra también estos espacios de formación, intercambio y contacto directo con los profesionales?
—Esta faceta del Festival, centrada en la vinculación con la comunidad local, tiene una enorme importancia; logramos llegar más lejos en la conexión con diversos tipos de público y, al mismo tiempo, apostar por la formación. Todo esto aporta un gran valor al Festival.
Una frontera a pocos kilómetros
Badajoz y Portugal están separados por pocos kilómetros, pero culturalmente todavía existen fronteras que a veces parecen mucho mayores. Desde la danza, ¿percibes una verdadera conexión entre creadores portugueses y extremeños?
—Cada vez estoy más convencido de que la danza es un lenguaje universal, una forma de comunicación con el mundo. ¡Sin fronteras, sin límites! La conexión entre creadores siempre dará frutos muy positivos, independientemente de su origen o nacionalidad. Esa es también la belleza de la danza: la capacidad de romper barreras y cruzar fronteras. Creo que esto tiene una importancia enorme en la actualidad y en el mundo en que vivimos hoy en día.
¿Deberíamos aprovechar mucho más esa cercanía entre Extremadura y Portugal para generar proyectos conjuntos, residencias, formación e intercambio de bailarines y coreógrafos?
—Sin duda deberíamos aprovechar más esta cercanía. Estamos más cerca de Badajoz que de Oporto o Faro. Ojalá que sí, que se pueda hacer mucho más entre artistas de ambos países.
La danza ahora, la danza hoy
Desde tu experiencia como creador y director de compañía, ¿cómo describirías el momento que atraviesa actualmente la danza contemporánea en Portugal?
—En mi opinión, la danza en Portugal no está evolucionando como debería. Necesitamos que el gobierno crea más en esta forma de arte. La danza termina siendo la pariente pobre dentro de la cultura portuguesa, la cual ya de por sí está infravalorada. Hace falta más inversión en cultura. Quienes están en el poder deben comprender la importancia que la cultura tiene para las personas y la sociedad. En Portugal todavía nos queda un largo camino por recorrer.
Has trabajado y mostrado tus creaciones internacionalmente durante muchos años. ¿Qué está ocurriendo ahora mismo en la danza fuera de Portugal? ¿Hay lenguajes, países o nuevas generaciones que estén cambiando especialmente la manera de entenderla?
—Siento que la danza tiene cada vez más expresión y fuerza a nivel internacional. Contamos con más jóvenes creadores y es un arte que también ha sido impulsado por las nuevas tecnologías, al permitirnos llegar a otro tipo de públicos. Por otro lado, por mucho que evolucionemos, la danza seguirá siendo única cuando se ve en vivo, ¡en el teatro. No hay nada como ver a un bailarín en el escenario en vivo. No hay nada como ver el trabajo de un creador en los cuerpos de las personas. ¡La danza es, sin duda, el arte más bello y completo.
Y después de tantos escenarios, compañías, bailarines y coreografías, cuando Daniel Cardoso entra hoy en una sala de ensayo vacía, ¿qué continúa buscando?
—Para mí, la sala de ensayo es el lugar donde puedo ser verdaderamente yo mismo; es un espacio de liberación y de conexión con los demás. Me siento la persona más afortunada por poder seguir trabajando y creando. El estudio es, sin duda, el lugar donde soy feliz.
Willy López / Félix Méndez
