El pasado lunes 13 de enero visitaron la ciudad de Badajoz los recientemente galardonados con el Premio Nacional de Teatro 2022. Dentro del ciclo de conferencias ‘Grandes comunicadores’ charlaron sobre su experiencia y sus peripecias con jóvenes y no tan jóvenes en la Residencia Universitaria Hernán Cortés.
Fotos: Félix Méndez
RICHARD BONA – ALFREDO RODRIGUEZ DUO. Teatro López de Ayala, 11 noviembre 2022
Richard Bona, voz y bajo eléctrico – Alfredo Rodríguez, voz y piano
El Camerunés Richard Bona cautivó a la escena mundial del jazz cuando se trasladó a New York en 1995 y se dio a conocer en innumerables jam sessions junto a grandes como Michael Brecker, Chick Corea, Branford Marsalis o Pat Metheny entre otros muchos. Su dominio del bajo eléctrico es, a menudo, comparado con el del gran Jaco Pastorius máximo exponente del instrumento.
El pianista cubano Alfredo Rodriguez, al igual que Richard Bona, fue un niño prodigio en su Habana natal interpretando a Mozart, Chopin o Stravinsky hasta que a los 12 años descubrió el famoso disco «The Köln Concert» del pianista Keith Jarrett y quedo fascinado por su música, desde ese momento supo que quería aprender y dedicarse al Jazz. Y así fue, tocó en multitud de festivales por todo el mundo hasta que en el Festival de Jazz de Montreux de 2006 fue descubierto por el productor musical Quincy Jones que se convirtió en su mentor hasta nuestros días. En 2009 trasladó su residencia a Estados Unidos.
Con esos antecedentes uno puede esperar lo máximo de esta pareja de virtuosos pero ya en el inicio hicieron su declaración de intenciones. Lo que podría haber sido una sesión de Jazz Afrocubano derivó en una sucesión de melodías tradicionales de Cuba y Africa. Un piano y un bajo que deberían hacernos levitar relegados a mero sostén de la dulce voz de Richard Bona.
Si el Jazz es la música de la sorpresa, este dúo nos sorprendió pero por la escasa presencia de Jazz, tal y como se entiende. Dos grandes instrumentistas enfrascados en la música folclórica popular cubana y camerunesa, cantando todo un arsenal de temas azucarados como “Ay Mama Inés (todos los negros tomamos café)”, “Raíces” o “Alfonsina y el Mar” con la que se despidieron, todo muy bien ejecutado sobre un lecho de plumas y aderezado con un sinfín de chistecitos por parte de Bona, pero sin apenas espacios para alguno de los elementos que definen y han hecho grande al Jazz como el swing, la improvisación, el fraseo o las armonías de blues. Y de eso estamos tratando, de un festival de Jazz.
Todos sabemos que cualquier música o canción, por sencilla que sea, es susceptible de ser jazzeada aplicándole ciertos arreglos y armonías, buenos ejemplos tenemos en «Mack the Knife», de la opera de Kurt Weill, que Louis Armstrong convirtió en estándar jazzistico o «My Favorite Things», del musical de Broadway «The Sound of Music», que John Coltrane inmortalizó para el Jazz. También Dexter Gordon o nuestro Tete Montoliu interpretaron «Bésame Mucho» transformándola en una balada sensual y delicada. Pero parece que Bona y Rodríguez prefieren ir por otro terreno.
Algo parecido ocurrió el pasado año con la actuación del dúo del pianista Gonzalo Rubalcaba y la vocalista Aymee Nuviola que en alguna ocasión, incluso, rozó la chabacanería. Conciertos cuya ubicación ideal es el WOMAD de Cáceres y no este Jazz Festival milagro que disfrutamos en Badajoz que con una trayectoria de más de 35 años y por el que han pasado músicos legendarios, que han escrito páginas gloriosas en la historia del Jazz, como Kenny Burrell, Joe Henderson, Steve Lacy, Nat Adderley, Jimmy Cobb o Ron Carter, se merece y se espera algo más que este tipo de música pseudo étnica, intranscendente, repetitiva y liviana, música para oídos fáciles y poco exigentes, perfecta para personas que pretenden que les gusta el Jazz. También hay que decir que una buena parte del público aplaudió con ganas y lo pasó bien, riendo las gracias de Bona y haciendo coritos con los músicos, pero el Jazz no es esto.
En fin, es solo la opinión del que suscribe.
Texto: Lorenzo Martínez | Fotos: Félix Méndez
El pasado jueves tuvo lugar el segundo concierto del ciclo de jazz que se celebra hasta el mes de abril en la Biblioteca de Extremadura en Badajoz. Un recital que dejó encantado al público que asistió a este espectáculo musical que tiene lugar entre libros. Nuestro resumen con imágenes.
Salón de actos de la RUCAB, 9 noviembre 2022
Immanuel Wilkins, saxo alto – Micah Thomas, piano – Rick Rosato, contrabajo – Kweku Sumbry, batería
Con 24 años de edad, este nativo de Filadelfia y neoyorquino de adopción, es una de las nuevas estrellas del firmamento jazz que ha dejado su brillo en el Festival de Badajoz.
El mítico sello discográfico Blue Note nunca se equivoca a la hora de fichar músicos ya sean noveles o consagrados. Artistas como Miles Davis, Thelonious Monk, Sonny Rollins o John Coltrane grabaron obras maestras en sus inicios para este sello. Ahora le ha tocado el turno al joven saxofonista y compositor Immanuel Wilkins con dos discos aclamados por la crítica mundial: Omega (2020) y The 7th Hand (2022), ambos de escritura propia. También la prestigiosa revista Down Beat lo ha bendecido este 2022 como «estrella en progreso» del saxo alto.
El cuarteto inauguró el XXXV Festival de Jazz de Badajoz presentándonos las composiciones de su último disco a modo de suite con 7 movimientos entrelazados. En la música que nos ofreció se podían oír reminiscencias de Ornette Coleman y sus innovaciones revolucionarias en el ámbito del Free Jazz y, sobre todo, de John Coltrane en su periodo de vanguardia y espiritualidad, se nota que este chico, pese a su juventud, tiene bien asimilado el lenguaje de sus ancestros saxofonistas a través del Gospel de iglesia con el que se inició en la adolescencia en su Filadelfia natal, donde también nació Coltrane.
Un grupo muy bien ensamblado, joven como el líder pero con una madurez musical que se sale de lo habitual, en el que destaca el pianista Micah Thomas, 25 añitos y álter ego de Wilkins, que aunque aparentaba estar en la sombra tuvo sus momentos de gloria creando atmósferas explosivas y haciendo de catalizador del cuarteto, con una fluidez e independencia de manos que, a veces, parecía el gran McCoy Tyner el que estaba en las teclas.
En el tema «Lighthouse», por ejemplo, las notas del saxo eran lanzadas en cascada entrelazando frases a una velocidad vertiginosa, con un fuego interpretativo que nos quedó sin aliento. Después baladas como «Shadow» o «Witness», auténticas poesías sonoras cargadas de belleza y sensibilidad para descanso de nuestras mentes y disfrute de los oídos. Para finalizar el concierto vuelta a lo visceral con el tema «Lift», más de treinta minutos de discurso denso, profundo, emocional y libre, solo había que cerrar los ojos para sentir el espíritu de John Coltrane sobrevolando la sala y atravesando nuestros cuerpos, como en una ceremonia ritual y mística.
Wilkins concibe una música rotunda y sin concesiones que para una parte del público fue demasiado cerebral y vanguardista y no supo digerirla en su totalidad, pero para los amantes del jazz fue un soplo de aire fresco frente a la vulgaridad musical que nos rodea, música para desatascar los oídos. Jazz moderno en su máxima expresión, tanto a nivel compositivo como de ejecución. Tradición en transición, al fin y al cabo de eso ha tratado siempre el Jazz.
Con intérpretes de este calibre el Jazz se perpetúa y, además, sirve de alivio y esperanza a los enamorados de esta música que hemos asistido a una gran cantidad de desapariciones de leyendas en los últimos años, como si de una maldición se tratara.
Texto: Lorenzo Martínez
‘Jazz en la Biex’ Entre estanterías llenas de libros se metían los músicos en la tarde – noche de ayer. Ayer fue la ocasión para el Cuarteto de Iván San Juan, pero habrá cita todos los jueves hasta el 30 de marzo. En la Biblioteca de Extremadura en Badajoz.
El cartel de la cita:
📷 Félix Méndez
Teatro López de Ayala, 10 noviembre 2022
Kenny Garrett, saxo alto, teclados y voz – Vernell Brown, piano – Corcoran Holt, contrabajo – Ronald Bruner, batería – Rudy Bird, percusión y voz.
Nueva visita del saxofonista de Detroit, uno de los grandes del jazz moderno, al Festival pacense para presentar su último trabajo «Sounds from the Ancestors», un álbum que ha recibido las más altas calificaciones de la crítica internacional y considerado uno de los mejores discos de 2021.
Una carrera de mas de 40 años cargada de éxitos, compartiendo escenario con algunas de las leyendas del Jazz como Art Blakey, Miles Davis, Freddie Hubbard, Chick Corea, Joe Henderson, Herbie Hancock o la Duke Ellington Orchestra donde comenzó su andadura musical a los 18 años. Con semejante currículum y su trayectoria como líder Garrett se ha convertido en uno de los saxos altos más admirados e influyentes de la actualidad.
Breve y buen concierto del quinteto en Badajoz, como ya ocurrió en el Festival de 2009, ofreciendo una música de estructura sencilla, vanguardista y ácida. Homenajeando a dos de los baterías mas grandes que ha dado el Jazz: Art Blakey, uno de sus primeros jefes, en «For Art’s Sake» y Roy Haynes, su patrón en los años 90, en «Haynes Here». Rindiendo tributo, mediante citas, a los grandes músicos que más le han marcado como los saxos Sonny Rollins y John Coltrane, también al «príncipe de las tinieblas» Miles Davis.
En el tema «Sounds from the Ancestor» fue todavía más lejos en el tiempo, comenzó como una balada en las manos del pianista pero en segundos se transformó en una travesía rítmica por el continente africano, el origen de todo el Jazz.
Torrentes de notas fluían de su saxo, impulsados por los ritmos del percusionista Rudy Bird y el batería Ronald Bruner, que creaban una intensidad que hacia elevar el escenario a orbitas estratosféricas. Uno se siente pequeño en su butaca ante semejante apasionamiento. El resto del grupo al mismo nivel, destacando el magistral pianista Vernell Brown tejiendo una alfombra musical para que Garrett vuele en sus meteóricas improvisaciones. Un quinteto rotundo y muy bien ensamblado, curtido en el tiempo que llevan juntos grabando y tocando por todos los festivales y auditorios del mundo, haciendo feliz a sus oyentes.
Jazz, Soul e insinuaciones a Coltrane evolucionando sobre el escenario, todo mezclado con naturalidad y energía. Un auténtico homenaje a los ancestros que le trasmitieron sus ideas, y que él ha transformado en sabiduría musical. Más que a un concierto, Garrett nos invitó a un emocionante viaje sonoro por Detroit, su ciudad natal y cuna de grandes jazzmen.
El colofón del concierto fue un auténtico desparrame musical, Garrett rapeando e incitando al público para que cantáramos con él, todo el teatro en pie y algunos incluso bailando. Y el López de Ayala en combustión…
PD: finalizado el concierto, ya en la calle, algunos corros de aficionados al jazz manifestaban su rechazo a ese final cantarín y bailongo.
Texto: Lorenzo Martinez Fotos: Félix Méndez
Formada como historiadora del arte en la Universidad de Salamanca y como fotógrafa en la Escuela de Arte de Huesca. Hasta ahora, sus trabajos han estado muy relacionados con la narración del viaje en primera persona. De ahí trabajos como “Portugal. Porto de chegada, porto de saída” (2003) o “Grecia”(2005). En sus últimos trabajos también se ha mezclado con la narración literaria, como en “París no se acaba nunca” (2007), un trabajo para la red de Bibliotecas de Barcelona y Fotointerpreta sobre la obra de Enrique Vila-Matas; o “Italia vs. Italia” (2007), que parte de un diario de viaje escrito por su bisabuelo Adelardo Covarsí; o “Compañeros de viaje. 25 escritores extremeños” (2008), que habla del proceso creativo de 25 escritores nacidos en Extremadura. En “La Humedad” (2009) el viaje parte de lo más cercano, la familia. [Extraído de: https://www.cccb.org/es/participantes/ficha/laura-covarsi/47428 ]
¿A qué te dedicas exactamente?
En los últimos años he trabajado con patrimonio fotográfico, esto quiere decir que he trabajado sobre todo en la conservación y restauración de patrimonio fotográfico y trabajando en la restauración y conservación de los objetos físicos. Durante un tiempo, también digitalizando colecciones fotográficas y últimamente comisariando exposiciones de fotografía. Luego, también realizo investigaciones sobre la historia de la fotografía y los procedimientos fotográficos.
¿Cómo descubriste este oficio y te diste cuenta que te querías dedicar a él?
Mi padre era fotógrafo (Antonio Covarsí), por lo que en mi casa siempre viví mucho la fotografía. Lo primero que estudié fue historia del arte y cuando la terminé, quise continuar estudiando algo más, y estuve decidiendo entre conservación y restauración o fotografía. Ese año, tuve un problema físico que quizás me interfería a la hora de estudiar restauración y conservación por lo que me decanté por la fotografía. Lo que pasa es que siempre tuve en mente la conservación y restauración, por lo que en un momento caí en que podría unir las dos cosas. Me costó trabajo encontrar un sitio donde estudiarlo, hasta que me fui a vivir a Portugal en 2011 y a trabajar como fotógrafa, donde descubrí que había un máster de conservación y restauración de patrimonio fotográfico y lo estudié. Allí estaba Luis Pavao como profesor, un profesional muy reconocido en este oficio. Desde entonces, trabajo más en conservación y restauración, que en fotografía.
En resumen, ¿cómo es el proceso de restaurar una fotografía?
Curiosamente, la especialidad de fotografía no se parece tanto a las otras especialidades porque los fotógrafos en general producen muchísimo. Trabajamos en conservación preventiva, que es tratar de que los deterioros no avancen, es como congelar el estado de conservación en el que está y mejorarlo si es posible a través de las condiciones ambientales del sitio donde van a estar. Cuando hay problemas a nivel físico en el que el objeto está deteriorado lo primero que hacemos es limpieza muy mecánica y estabilizar los soportes, que es una ayuda para que la imagen no continúe deteriorándose y pueda seguir viviendo el mayor tiempo posible.
¿Qué crees que hay de arte en esta restauración de obras?
Si consideramos arte como un proceso creativo, en la conservación y restauración no debe de haber un proceso creativo, porque como profesionales en esta materia, no debemos intervenir de esa manera, no debemos aportar nada creativo. En el sentido de cómo ser creativo en el proceso de conservar y restaurar, debemos ser ingeniosos porque hay que buscar soluciones a una problemática que tiene un objeto y esas soluciones se las damos a través de los materiales que conocemos que pueden venirle bien o pensar en maneras de estabilizar el objeto a través del montaje físico. Luego hay una parte que es la que más disfruto de este trabajo y es la parte en la que investigo al autor, el procedimiento que ha seguido, su historia, el contexto, contextualizar su obra dentro de un período histórico y ofrecer todos esos datos a la historiografía de la fotografía.
Actualmente, ¿hay mucha gente que se dedique a la conservación y restauración de obras?
Empieza a ser requerida. Todavía no hay mucha fotografía a la que no se le da la importancia que puede tener incluso en los archivos. Hay veces que en los archivos hay muchísimos tipos de documentos y todavía la fotografía, como parece que es algo reciente, a veces no se le da mucha importancia, se le considera como mero documento y es un error, porque aporta muchísima información a muchos niveles que se puede aplicar de manera transversal a la investigación que se puede hacer en nuestro mundo contemporáneo.
Empieza a haber trabajo sobre esto y va unido a la valorización que se empieza a hacer sobre el patrimonio fotográfico. Cuanto más valor se le de, más reconocimiento se le de a esa expresión visual, más necesidad se reconocerá.
Siendo hija de un fotógrafo, ¿crees que ha podido influir en que acabes dedicándote a algo relacionado con ello?
No solo porque mi padre era fotógrafo, sino porque en mi familia, mi bisabuelo por ejemplo, Adelardo Covarsí, fue Director de Patrimonio en Badajoz. Yo no lo conocí pero supongo que eso hizo que en mi familia hubiese un respeto hacia el patrimonio cultural y eso son cosas que se van quedando a través de las diferentes generaciones, y al estar rodeada en casa de objetos que son patrimoniales, aprendimos a tener un respeto por la cultura. Me gusta investigar y aprender que es lo que había en el pasado y conservarlo para un futuro. Unidas esas dos cosas, la fotografía que he aprendido con mi padre más esa tradición familiar, han tenido que ver mucho con mis años profesionales.
