Arranca la Feria de Badajoz. Este año, diez días de fiesta dentro de un recinto con 70 puestos, 74 atracciones, 56 espacios de comida, y una feria de día con las barras en la calle.
Este viernes arranca San Juan con la inauguración este viernes del tradicional encendido a las 22:30 de laniche. La víspera de San Juan los fuegos artificiales volverán a erigirse como protagonistas, con un espectáculo que comenzará a las 23:30 horas.
Los platos fuertes musicales de esta edición serán los conciertos de Camela, este sábado, y de Melendi el jueves 27 de junio, ambos en el recinto de Caya. Los gigantes y cabezudos y el concierto de la Banda Municipal de Música se presentan como atractivos del Día de San Juan, y el día del Niño en los cacharritos se reserva para el miércoles 26 de junio.
Escritoras que escriben. Escritores que gozan de pluma y descaro. Escritoras que alargan su vida sobre el papel, extienden sus historias en jirones publicados por editoriales de medio mundo. Narraciones sencillas, crudas, asfixiantes, cuerdas, oníricas y poéticas. Narraciones complejas, vivas, ilustradas, llevadas al cine y convertidas, en la franja en la que se hace de noche, en nanas, testaferros de futuras escritoras. Escritores con nombre de mujer y talento en femenino.
Cinco obras seleccionadas para cinco momentos cualquieras de la vida. Cinco escritoras que tener en la biblioteca esencial de nuestras lecturas.
«Apegos feroces» de Vivan Gornick. 224 páginas. 15 x 23 cm.19,90€Sexto PisoEditorial
«Viví en aquel bloque de pisos entre los seis y los veintiún años. En total había veinte apartamentos, cuatro por planta, y lo único que recuerdo es un edifico lleno de mujeres. Apenas recuerdo a ningún hombre.»
Pocas veces en la literatura se ha retratado de manera tan humana, vital y honesta la relación entre una madre y su hija como en Apegos feroces, las memorias de la escritora y activista Vivian Gornick, publicadas ahora por primera vez en español desde que vieran la luz en inglés en 1987.
Gornick, una mujer madura, camina con su madre, ya anciana, por las calles de Manhattan, y en el transcurso de esos paseos llenos de reproches, de recuerdos y complicidades, va desgranando el relato de la lucha de una hija por encontrar su propio lugar en el mundo. Desde muy temprano, Gornick se ve influenciada por dos modelos femeninos muy distintos: uno, el de su madre, una mujer neurótica, terca e inteligente que dedica toda su energía al cuidado de su familia, que coloca el amor en el centro de su existencia y renuncia a cualquier otro ideal; el otro, el de Nettie, la joven vecina apasionada, inexperta y dependiente, viuda y madre de un bebé, que sólo se siente segura frente a los hombres, consciente de que es sensualidad en estado puro. Ambas, figuras protagónicas en el mundo plagado de mujeres que es su entorno, representan modelos que la joven Gornick ansía y detesta encarnar, y que determinarán su relación con los hombres, el trabajo y otras mujeres durante el resto de su vida.
Ésta es la historia de un vínculo delicado y fatigoso, de un nexo que define y limita al mismo tiempo, pero también es el retrato de una sociedad y una época, y una extensa meditación sobre la experiencia de ser mujer.
La autora Vivian Gornick Nueva York, 1935.
Vivian nació y creció en el Bronx. Tras estudiar en la universidad, comenzó a escribir en el Village Voice–donde empezó a darle voz al movimiento feminista hasta convertirse en una de las voces más reconocibles de los Estados Unidos en este campo–, y, posteriormente, en medios como The New York Times o The Nation. Es autora de un buen número de ensayos, textos críticos, periodísticos y memorias, siempre desde una clara perspectiva de género, que ha sido su rasgo clave como periodista y escritora.
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«…su recorrido hasta encarnar, con dudas y quebrantos, el tipo de mujer que desea e intenta ser. En ese itinerario, hecho de esfuerzos y sobresaltos, juega un papel determinante el amor, el cómo vivir y manejar el amor, el amor en sus múltiples caras, el amor que trata de eludir el mandato imperativo -para tantas mujeres de su generación- de casarse y tener hijos. » Manuel Hidalgo. El Cultural
«Cicatriz» de Sara Mesa. 200 páginas.16,90€Anagrama
«Ahí está, dice él. Señala el edificio más alto de la avenida, un bloque de dieciséis plantas viejo y rojizo, con desproporcionados alerones y pequeñas ventanas que espejean bajo el sol.»
Sonia conoce a Knut en un foro literario de internet y, a pesar de los setecientos kilómetros que los separan, establece con él una particular relación marcada por la obsesión y la extrañeza. Entre la atracción y la repulsión, no puede evitar sentirse fascinada por este personaje insólito y perfeccionista, que vive fuera de toda norma social y que la corteja a través de suntuosos regalos robados. «Le gustaba ir siempre bien vestido, incluso para ir a robar una simple lata de conservas. Tan joven y hablando de escritores del XIX. Filosofando. Cuestionándolo todo. Teorizando sobre el individuo y el grupo, y la hipocresía social, y los chivos expiatorios, y Dios y el destino, la virginidad y el sexo. Solía decir que no hay placer comparable a pensar. Y no, no era petulante ni vanidoso. Era simplemente… exhaustivo.» Su necesidad de poner distancia cuando Knut se vuelve demasiado absorbente, pero también su irrefrenable curiosidad y el ansia de vivir experiencias más allá de una existencia excesivamente reglada, llevarán a Sonia a una doble vida secreta en la que quedará atrapada durante años sin posibilidad de exculparse.
En esta inusitada historia, Sara Mesa recupera temas que ya aparecieron en sus primeras obras narrativas, dándoles forma a través de un estilo conciso y eléctrico en un mundo –frío, escasamente comunicativo– cuyas reglas establecen únicamente los propios personajes que lo habitan. Cicatriz no es sólo una inquietante historia de amor descompensado protagonizada por dos seres muy distintos pero a la vez complementarios, es también una reflexión sobre la sociedad de consumo y los robos a gran escala en grandes almacenes, la sumisión y el poder, la anulación del deseo y la carnalidad, el refugio de la infancia, la fantasía como alternativa, la culpa y la expiación, la escritura y la vocación literaria. La autora de la celebrada Cuatro por cuatro (que fue finalista del Premio Herralde de Novela), en vías de publicación al francés, se confirma con Cicatriz como una de las voces más singulares e imprescindibles de su generación.
La autora Sara MesaMadrid, 1976.
Reside en Sevilla desde niña. Publicó los libros de cuentos: La sobriedad del galápago (2008) y No es fácil ser verde (2009). En 2010 apareció su primera novela El trepanador de cerebros (2010), a la que siguió Un incendio invisible (2011) y Cuatro por cuatro (2013), que fue finalista al Premio Herralde de Novela. También ha incursionado en la poesía con Este jilguero agenda (2007), que obtuvo el Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández. Forma también parte de la antología Pequeñas resistencias 5. Nuevas voces del cuento español (2010).
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«En una atmósfera que evoca los laberintos carcelarios de Piranessi y la asfixia del subsuelo dostoievskiano, Sara Mesa nos asoma a un mundo donde anidan la impostura, el acoso que nace del desdén y el desprecio, la provocación implacable, la turbiedad que acabará concretándose en dinero —transacciones—, la sumisión ante el poder, la culpa y su obligada expiación… un mundo que el lector reconoce de inmediato, porque es el nuestro, el de la sociedad de consumo… y del espectáculo.» Ana Rodríguez Fischer. Babelia, el País
«Los niños perdidos» de Valeria Luiselli. 112 páginas. 15 x 23 cm.17€Sexto Piso Editorial
« ¿Por qué viniste a los Estados Unidos? Ésa es la primera pregunta del cuestionario de admisión para los niños indocumentados que cruzan solos la frontera»
…Esa es la primera pregunta del cuestionario de admisión para los niños indocumentados que cruzan solos la frontera». A partir de su trabajo como traductora para la defensa de niños migrantes en la corte migratoria de Nueva York, Valeria Luiselli pudo conocer de primera mano el enredado proceso legal del que, literalmente, depende el futuro de los miles de niños centroamericanos que arriesgan la vida para cruzar las fronteras de México y Estados Unidos con tal de escapar del infierno cotidiano en sus respectivos países de origen.
Los niños perdidos. (Un ensayo en cuarenta preguntas) es un testimonio brutal, íntimo, escrito con una prosa franca, brillante y lúcida, que observa la realidad de los niños migrantes desde una distancia situada entre el deseo de remediar el desamparo existencial en el que se encuentran sumidos y la impotencia que desata la incapacidad para hacerlo. Y es que, como cuestiona con honestidad la propia Luiselli: «¿Cómo se explica que nunca es la inspiración lo que empuja a nadie a contar una historia, sino, más bien, una combinación de rabia y claridad?».
Utilizando como hilo conductor el cuestionario de cuarenta preguntas que sirve de base para el proceso legal que determinará su situación, Luiselli se ha adentrado en la realidad de los niños migrantes para mostrarnos una radiografía tanto de sus vidas pasadas, presentes y futuras, como del laberíntico y despiadado sistema migratorio de Estados Unidos.
La autora Valeria LuiselliMéxico, 1983.
Valeria Luiselli es una escritora mexicana autora del libro de ensayos Papeles Falsos (Sexto Piso, 2010) y de las novelas Los ingrávidos (Sexto Piso, 2011)2 y La historia de mis dientes (Sexto Piso, 2014). Su trabajo más reciente es un ensayo sobre los niños migrantes, Los niños perdidos (Sexto Piso, 2016).
Ha publicado en varios periódicos y revistas como Letras Libres, The New York Times, y Dazed & Confused. La crítica alemana la ha llamado la nueva revelación de las letras latinoamericanas.De 2014 a 2016 escribió la columna «Cartas desde Harlem» en el diario El País.
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Un ensayo a medio camino entre la crónica y el reportaje donde Luiselli da cuenta de la trágica historia de los niños migrantes en Estados Unidos. El libro tiene como punto de partida el cuestionario aplicado por la Corte Federal de Inmigración de Nueva York a los niños migrantes para determinar si serán deportados o no. Cuarenta preguntas bastan (y sobran) para una reflexión que oscila entre la vida íntima y la vida pública; la elegancia de la prosa recuerda a Everyday is for the thief del escritor nigeriano Teju Cole.» Antonio Martínez. The New York Times
«Río revuelto» de Joan Didion. 320 páginas. 20 x 12,5 cm.20.90€Gatopardo Ediciones
«Puedes volver a entrar y jugar a todos los juegos, pero no pienses que no te veo»
En un caluroso verano de 1959, el matrimonio formado por Everett McClellan y su esposa Lily, bisnietos de una larga línea de pioneros californianos, ven cómo se derrumba su vida bajo el peso acumulado de falsas apariencias, errores y traiciones. La historia comienza y termina con un disparo cuya detonación lanza al lector veinte años atrás. Tomando el pretexto de un drama doméstico aparentemente inofensivo, Didion traza, con precisión quirúrgica, un fiel retrato de la clase media californiana de la época y retuerce los clichés románticos para retratar como un visionario la imagen de una América que se halla al final de los sueños y se adentra en una temporada crepuscular de la que parece ya no resurgirá.
La autora Joan Didion Sacramento, California, 1934.
Periodista y escritora. Se graduó en Literatura inglesa por la Universidad de Berkeley y su primer trabajo fue en la revista Vogue, donde acabó siendo editora. En 1964 se casó con el escritor John Gregory Dunne, con quien colaboró en la redacción de guiones cinematográficos.
Ha sido colaboradora habitual de The New York Review of Books. Como escritora, debemos destacar: Según venga el juego (1971), Democracy (1984), Una liturgia común (2007), su obra autobiográfica El año del pensamiento mágico (2006), con la que obtuvo el National Book Award y fue finalista del Premio Pulitzer, y Noches azules (2011), un texto sobre la muerte de su hija. Su obra ensayística es muy extensa; de ella cabe señalar The White Album (1979), Salvador (1983), Miami (1987), After Henry (1992) o Political Fictions (2001). En España se ha publicado una recopilación de sus ensayos, con el título Los que sueñan el sueño dorado (2012).
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Un brutal y asfixiante, un demoledor, clásico, que nunca se ha tenido como tal, quién sabe por qué» Laura Fernández. El País
«Escribir y borrar. Antología esencial 1994-2016» Poesía. de Ada Salas. 207 páginas. 14.50€Fondo Cultural Económica
«Hay libros que se escriben sobre la carne misma. / Son esas cicatrices que nos hablan /y sangran / cuando el tiempo se rinde a su derrota / un puñado de signos que apenas /comprendemos / y eran el beso intacto de la vida»
Arte y memoria del inocente (1988), Variaciones en blanco (1994), La Sed (1997), Lugar de la derrota (2003), Esto no es el silencio (2008), Limbo y otros poemas (2013), Diez mandamientos (2016); largo tiempo de vida y escritura el que traemos a esta Antología esencial, suficiente para que ahora, con la perspectiva que conceden los años y desde nuestra condición suyos, sea posible acercarnos de nuevo a la poesía de Ada Salas (Cáceres, 1965) con la intención de desandar caminos y seguir el rastro que han dejado estos libros, la presencia en ellos de una continua, obstinada voluntad de ahondar en una voz y en una necesidad de decir, de decirse, la profunda coherencia de una trayectoria poética y de una manera de entender el proceso de creación y la dedicación a la escritura. Todas estas huellas que forman una biografía poética y que empezamos a recorrer ahora desde/hasta un presente que es para ella de intensa libertad creativa, y por eso también de fértil madurez.
La autora Ada SalasCáceres, 1965.
Ada Salas estudió Filología Hispánica en la Universidad de Extremadura. Impartió clases durante dos años en Francia, en la Universidad de Angers, y en la actualidad es profesora de literatura en un instituto de bachillerato madrileño. Entre sus poemarios destacan Arte y memoria del inocente (1988), Variaciones en blanco (1994) y La sed (1997) y Lugar de la derrota. Ha recibido los premios Juan Manuel Rozas e Hiperión
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Cada poema es, necesariamente, el resultado de esa aventura emprendida desde la carencia, desde un no saber si el lenguaje podrá decir, descifrar, recordar el sentido oculto de las cosas, pero sabemos que puede acercarse, que puede, al menos, seguir dejándonos rastros de ese viaje» ‘El rastro fulgurante de lo que fuera asombro’- José Luis Rozas Bravo
La cara B de una obra de arte aporta la secuencia del ADN del artista. Esa cadena cromosómica, ejerce de memoria, de recuerdo, de impacto visual, de puñetazo cósmico. La parafernalia anterior, es necesaria. No encontramos otra manera de narrar aquello que lleva a una artista, a un artista, a plasmar con una brocha, un pincel, un cincel, sus manos, sus entrañas, en definitiva, su proceso creativo, hasta alcanzar la punta del iceberg, aquello a lo que se enfrenta de golpe el espectador. Debajo, detrás de esa obra, la cara B, hay mucho más y más y más arte. Ruth Morán mediante, más, y más y más, hasta el infinito negro.
Arteria, ese espacio creativo, cultural parido en pleno centro de la ciudad Badajoz, acoge una muestra de la artista extremeña afincada en Sevilla. “Infinito negro” en la maravillosa iglesia Santa Catalina, ahora espacio de credo cultural. Allí, Ruth Morán nos lleva a su dimensión, esa cara B a la que hacíamos referencia. Allí el arte de Morán no sólo se muestra, antes, se diseña, se proyecta, cose y pega, con meses de antelación. No todo es pintar o moldear. Toca ver la arpillera por el envés, la cerámica arropada en papel de periódico, toca vislumbrar la parte final de una exposición, aquello que confluye en la propia exposición, obras respirando de costado a la espera de ser dadas la vuelta para uso y disfrute del público.
De Felicidad Moreno a Emilio Gañán, en medio, Ruth. Artistas de reconocida trayectoria con ganas de dar luz o negro infinitos, con geometrías prefectas o imperfectas, con materiales sólidos o líquidos a la sala que acoge la primera capa que se escapa de la Alcazaba pacense.
Hay un texto de una galería que define así a la artista extremeña: “Gracias a esta caótica y sensual armonía de líneas, la artista consigue crear una trama que enreda al espectador e hipnotiza su mirada. Contemplándolas, sus obras abstractas en un principio, se hacen cada vez más sugerentes y evocativas y liberan nuestra imaginación creativa”. Exactamente eso. Morán genera diálogo, una charla que la artista, previamente ha generado en su interior.
Telas, negros, dorados, geometrías, horas y horas de trabajo, un deseo irrefrenable de seguir investigando, de alimentarse del proceso, de las capas de creación, el sustento vital de Morán. Un “infinito negro” para una gama eterna de sensaciones. Disfruten del espectáculo.
Ruth Morán es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. A lo largo de la su trayectoria ha obtenido diversas becas y galardones, entre los que destacan la Beca de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en el Colegio de España en París y en la Real Academia de España en Roma del Ministerio de Asuntos Exteriores. Además, ha expuesto individualmente en importantes centros de arte, tales como el MEIAC a Badajoz, el CAAC de Sevilla o el Centro de Arte de Alcobendas en Madrid, el Museo MAS/Casas del Águila (Santander) o a La Parra, Fundación de Aparejadores (Sevilla). Ha participado en destacadas ferias internacionales, com Pinta Art London, Ch.ACO, Los Ángeles, Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Foro Sur, ARTINTERNATIONAL Istambul, Just Madrid, Summa, Swab, Berliner Liste, Arte Santander, Estampa, Contemporary Istambul y Arteba.
Su obra está representada en las colecciones del Banco de España, el Ministerio de Asuntos Exteriores de España, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Junta de Andalucía, el Gobierno de Extremadura, la Consejería de Cultura de Cantabria, la Diputación de Badajoz, la Diputación de Cáceres, el Centro Asturiano, México D.F., la Caja de Ahorros de Badajoz, Institución El Brocense, Fundación ABC-Madrid, Fundación Focus Abengoa de Sevilla, Fundación DKV, Ayuntamiento de Badajoz y Fundación Unicaja, así como colecciones privadas de Europa, Méjico y EEUU.
Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales.
Paco no sabe cantar, no tiene ni puñetera idea de tararear, no entona, no recita, no llora, no mama, no escupe, repito, no sabe cantar. Paco Contreras Molina es el Niño de Elche. El Niño si sabe hacer todo lo anterior, cantar, entonar, recitar, gimotear, chupar, escupir y casi siempre sabe tararear. Al Niño de Elche nadie le conoce, ni su psiquiatra, ni la alcachofa de la ducha, ni su taza de café, ni sus pestañas, nadie sabe nada de él, nadie le ha descubierto, todavía, nadie le conoce, y lo más importante: nada entra en su cuerpo, todo lo cruza.
Al Niño de Elche le conocemos en Madrid, la tierra que se le puso mansa, la ciudad que le deja caer rodando desde cualquier punto y llegar al lugar de la entrevista, siempre, desde cualquier sitio, como un pinball, Gran Vía y el bonus extra es el Círculo de Bellas Artes. Pero es Paco el que se pierde, y ascensor arriba y seguridad tocando los cojones abajo, nos perdemos con él. La terraza muy bonita, hermosa vistas y señoras enlacadas piden paso para su dry Martini. Cedemos el sitio y descubrimos que El niño de Elche espera en la terraza, pero en la principal, a ras de asfalto con vistas al Edificio Metropolis, el edificio que no inspiró a Fritz Lang pero dio para un programa cultural en la 2 de Televisión Española, el más longevo en vida, la carpa audiovisual más escurridiza de la tele.
Niño de Elche está en el escaparate de la cafetería, con café a precio de coltán, con té cotizando en Wall Street y sentado en el butacón de Emmanuelle, olvidando la enea de los patios de los cabales y recuperando la paja dura y sucia del aire alquitranado de la capital. Paco se queda por ahí, flotando, pensando en su vuelo a París para sus actuaciones de la Villette, o pensando en una canción para los obreros de la Seat con los integrantes de Los Planetas en la Sala Riviera, por ejemplo.
Un rato con el Niño de Elche da para ver que Barcelona es el novio de la muerte, que Antonio Escohotado exhala verdades como humo y Santiago Carrillo tenía cositas de comunista, no muchas. Conversar con Paco Contreras se convierte en un desglose de Val del Omar y su Auto sacramental del Reina Sofía, un drogodependiente de la lectura, un maldito heterodoxo con pinta de ortodoxo.
Seguimos en el escaparate de antes, la terraza donde años atrás una señal con aires de far west, indicaba como destino Extremadura y Portugal, años atrás, cuando a la gente le dio por buscar algo de prosperidad en barrios que eran maquetas a lo grande de sus pueblos. Siegas por talleres mecánicos, arados por lamentos y siembras por limpiezas de casas de gente próspera.
Allí surgen de inmediato sirenas, frenazos, atropellos y gritos, un augurio de la pandemia social, seguimos formando parte del cuadro eterno, infinito, silencioso y humilde de Antonio López. El artista desde la azotea limpia los pinceles con trementina, aquí abajo, a ras de del circuito urbano, Paco o el Niño de Elche, limpia la cultura a base de sublimes brochazos de charla y pastitas con precio de hipoteca subprime.
Luego me fui al trueno, y el mundo volvió a ensancharse de sabiduría complementaria, de relación entre culturas, de humanismo más o menos simbólico, de música siempre… Diccionario de música, mitología, magia y religión de Ramón Andrés
Proyecto discográfico. Fuerza Nueva. Pero es difícil de encajarte con los términos clásicos de producción, discos y demás…
Sí, mi carrera no es tanto lineal, la carrera de los músicos se mide mucho por los discos. Para mí un disco pertenece a ese diríamos enjambre de lo que se supone que es un artista indisciplinar, como diría Pedro G. Romero, no multidisciplinar. No me considero un cantante en el sentido absoluto, me considero un músico, pero también escribo, hago películas, participo en performance de danza o teatro. Hago diferentes proyectos que hacen que los discos no tengan la estructura clásica por decirlo de alguna manera. El disco es una buena plataforma para complementar los directos, procesos y resultados que viene dados por otros muchísimos proyectos…
…Proyectos que son tu alimento vital como autor…
…se retroalimenta todo, no sé qué proyecto me lleva a uno anterior o el anterior al siguiente, hay realidades paralelas en las que yo voy trabajando y una se entroncan con otras. En algunos discos hay retazos de otros proyectos y en otros proyectos escénicos o instalaciones museísticas se intoxican de otros.
De esta manera no hay quién te etiquete…
Sí, de esta manera uno siente la liberación de irse quitando etiquetas y no tiene que formalizar un proyecto con unos códigos establecidos, eso me creo problemas en el sentido de la industria, problemas muy relativos comparado con personas que cobran el salario mínimo, pero por otro lado hago lo que quiero. A veces chocan las agendas, los programadores dudan, pero mi forma de trabajar es así, como esas compañías de teatro que tiene cuatro o cinco espectáculos a la vez.
No me considero un cantante en el sentido absoluto, me considero un músico, pero también escribo, hago películas, participo en performance de danza o teatro. Hago diferentes proyectos que hacen que los discos no tengan la estructura clásica por decirlo de alguna manera
De padres granadinos, nacido en Elche y otros orígenes dl flamenco en tu vida…
Mi padre es un aficionado al flamenco, canta flamenco y en las fiestas familiares escuchaba flamenco, pero al principio por un tío mío, me aficioné por la guitarra. Empecé tocando y después vino el cante. Mi hermano mayor también estaba muy metido en este mundo, y con la ayuda de mi vecino que vendía cintas de casetes muy baratas empezamos a escuchar a muchos flamencos.
¿Y cómo has ido virando desde la ortodoxia que exhala el flamenco hacía la música que elaboras, produces y generas ahora?
Poco a poco, es un proceso muy lento, algunas influencias vienen por crisis existenciales pero todo el recorrido profesional es un proceso muy paulatino, siempre acompañado por seres que te muestras a otros seres, otros artistas, y esos te van iluminando. Cuando crees que todo está perdido, que ya te has estancado en tu estética, de repente surge un amigo que te da nombres de autores, escritores, músicos, artistas, que te hacen cambiar de paradigma. La micro revolución puede ser constante, nunca sabes cuándo va a venir, ni por donde, llámalo duende, dios o demonio, como quieras, pero el cambio siempre está ahí, y yo siempre he estado abierto a que eso me suceda. Siempre estoy rodeado de gente, me gusta estar con gente, escuchar que cuenta esa gente, porque nunca sabes cuándo puede saltar la liebre. Ahí está el cambio, aquello que te lleva a territorios inesperados e inexplorados.
¿Y no te da vértigo meterte en esos territorios desconocidos?
No tengo ningún reparo en explorarlos, no tengo ningún tipo de problemas en meterme en cualquier proyecto aunque no tenga conocimientos suficientes para ello porque eso me ayuda a aprender y a concentrarme en esas nuevas vías.
Nuevas vías, muy dispares y atractivas, desde actuar en el Sonar hasta tocar con Los planetas, y de actuar en París, colaborar con C. Tangana, a tener una exposición en el Museo Reina Sofía…
Sí, es mi vida, y depende del contexto, de lo que quiera contar, del espacio, siempre todo bajo un prisma que me genere motivación. Me gustan los extraterrestres y los Ovnis pero en el sentido artístico no me gusta serlo…[Ríe]…me gusta serlo en otros territorios.
Extremadura, en el sentido artístico es dura para salirse de la línea marcada, el flamenco es un apartado donde la heterodoxia aún no se concibe. ¿Has vivido la sensación de sentirte como un patito feo en tu trayectoria profesional? ¿Mal visto por la crítica, el público…?
Yo lo he vivido, yo he estado en Extremadura, en las peñas flamencas, lo heterodoxo siempre ha estado mal visto en este país, ya lo escribía Menéndez Pelayo en la Historia de los heterodoxos españoles. Y será una cosa eterna.
Siempre estoy rodeado de gente, me gusta estar con gente, escuchar que cuenta esa gente, porque nunca sabes cuándo puede saltar la liebre. Ahí está el cambio, aquello que te lleva a territorios inesperados e inexplorados.
Retomamos el periplo musical, de un disco con textos de Miguel Hernández a Fuerza Nueva, lo último con el grupo granadino Los planetas…¿Qué ha cambiado?
He cambiado yo. Cambio yo y todo lo que hago cambia, dentro de tres meses puede que no me guste lo que hago ahora, pero en eso consiste. Como el cambiar de opinión, también muy mal visto en España, pero no hablo de un cambio obligado, una exigencia, no se trata de un proceso natural, poros abiertos para seguir evolucionando.
La cultura como arma social, política, como un elemento a reformar cada segundo de nuestras vidas…
Ese es un gran problema, verlo todo como una cuestión de izquierda o derecha, eso no es nada fructífero para la sociedad y para la cultura. Yo he conocido gente de izquierda super conservadora y gente de derecha nada conservadora en lo cultural. Ahí la paradoja es mucho mayor, hacer guerrillas culturales en ese sentido me parece muy superficial, no se remite a la realidad. En ciudades que han cambiado mucho en el sentido político como Barcelona, Madrid, Sevilla, culturalmente no han cambiado tanto. Y para las personas que somos digamos, indefinidas, no ha cambiado nada.
¿Y estás al día de aquello que está pasando?
Me gusta, sigo las cosas, pero me lo tomo como prensa rosa, sólo veo las noticias cuando desayuno. Se tratan las cosas de manera uniforme y con poca profundidad, antes decías buena la tele no da mucha información pero estaba la prensa escrita para suplementarlo, ahora ni eso. Las líneas editoriales se han visto muy intoxicadas por el clima actual, eso nos ha llevado a crear un mundo de titulares.
¿Existe algún plan general de Cultura a corto, medio o largo plazo en España?
No, pero esa esquizofrenia puede ser bueno a veces. En el desastre está la creatividad para muchos de nosotros, ¿Qué sería de nosotros si el mundo fuese perfecto?…[Ríe]…nuestra belleza renace de ahí, tener que contar lo que no está en ningún plan general. Sí existen algunos proyectos que provienen de las instituciones, pero yo me echo a temblar porque ese proyecto cultural tiene que convivir con una idea partidista con una concepción mediática de lo que supone eso. Lo importante es que haya un caldo de cultivo de gestoría cultural, y que a eso se le dé espacio.
Yo he conocido gente de izquierda super conservadora y gente de derecha nada conservadora en lo cultural. Ahí la paradoja es mucho mayor, hacer guerrillas culturales en ese sentido me parece muy superficial, no se remite a la realidad
¿Existe ese germen cultural que pueda tener calado algún día con proyectos emergentes?
Siempre hay gente que está haciendo cosas interesantes, darle espacio a esos proyectos es lo que habría que matizar.
¿Es más potente el Niño de Elche, Paco Contreras en Barcelona que en Badajoz?
Sí, en Barcelona por ejemplo hay muchos más códigos, existen otros formatos, otros festivales, otras conexiones de la que adolece Badajoz por ejemplo. Simplemente tiene otro tejido cultural, ni mejor ni peor, otro. Pero en estas ciudades están más capacitadas económicamente para poder asistir más a un sitio que a otro. Y he estado en Badajoz, no he actuado en mi segunda fase profesional…[Ríe]…he estado con el escultor Isaías Griñolo para recabar documentación para un trabajo de Juan de Ávalos. También mantengo mucha relación con mi amigo poeta Antonio Orihuela.
Hablas de tu segunda vida…¿Has abandonado el flamenco?
[Ríe]…no, el flamenco no se puede abandonar, el dedicarle la vida a ser cantaor de flamenco sí. Pero no sé si lo abandoné o me abandonó él a mí…[Ríe]…
…hoy leía a Ricardo Pachón que decía que el flamenco se muere…
…uhm…creo que se cree que él es el flamenco, por eso dirá eso. Mucha documentación, muchos archivos, pero mucho desconocimiento del flamenco, es la paradoja.
Hablando de paradojas y escuchando el disco de Fuerza Nueva, la primera canción arranca con los reconocibles acordes de Los Planetas y Jota y tú cantando El novio de la muerte…
…Bien bonita, es una canción que no es de los legionarios, es para los legionarios, esa es la gran diferencia. Se trata de un cuplé, de una canción popular que se interpretó por primera vez en 1921. Es la canción más escuchada del disco y la que la gente canta con más fuerza…[Ríe]…es algo popular y aquí es donde la ideología se mezcla. Es una de las pequeños robos de los regímenes, se apropian de material popular. Es una canción pegadiza y fácil de reconocer, y cuando superas el prejuicio y ves la belleza estética de la canción más que su devenir, que no depende en sí de la canción, por su disfrute por el valor artístico.
En el desastre está la creatividad para muchos de nosotros, ¿Qué sería de nosotros si el mundo fuese perfecto?
Cantas, filmas, compones y escribes…tiempo para todo…pero ahora sale In memorian. Posesiones de un exflamenco…¿una biografía necesaria para quemar llagas?
Sí, aunque estaba desganado para escribir sobre flamenco y con muchísimo retraso sale este libro. Años de infancia y juventud vividos de la mano del padre, la madre y los hermanos, entre concursos, peñas, tablaos, andalucinaciones y noches cada vez más largas. Recuerdos que, como posesiones, al poseído, a unos tiempos en los que anhelaba ser un cantaor reconocido, un flamenco puro, alguien que contara con la bendición de sus congéneres. Desnudarse significa quitarse nudos, pero también portar tus vergüenzas al aire.
Lengua según la RAE. del latín lingua. 1. f. Órgano muscular situado en la cavidad de la boca de los vertebrados y que sirve para gustación, para deglutir y para modular los sonidos que les son propios.
Encendemos la grabadora, acomodamos al invitado o a la entrevistada, calibramos la luz, sacamos algunas notas, nos damos un beso, estrechamos las manos, se quitan las mascarillas se ponen una sonrisa, decidimos color o blanco y negro, preguntamos, responden, nos preguntan y reímos. Respiramos y sonreímos. Escuchamos, entrevistamos, un año más.
SIN EMOCIÓN, SIN ARTE, SIN CULTURA ES MUY DIFÍCIL VIVIR. CASI IMPOSIBLE
Un poeta con nombre de detective busca pistas entre sus poemas. Ben Clark y aplausos en su declamación, Ben Clark y oyentes a la espera de un armisticio, Ben Clark y su amigo Erik, el otro britishibicenco, que se compró un libro gordo de nudos marineros y se ahorcó en la escalera. Ahora toca silencio, para rastrear al más puro estilo Sherlock Holmes, el próximo poema que borre las lágrimas del público.
En otro rincón de la Feria, el libro espera ansioso a ser firmado, bien aprisionado entre los dedos sudorosos, ninguna palabra se escapa, queda menos, cincuenta lectoras delante, queda poco. Martina D´Antiochia o Mercedes Ron reciben abrazos ficticios, besos ficticios y palabras de elogios filtradas por la censura vital de la mascarilla. Ficción de youtubers, wattpaderias y trilogías de amor en tiempos de virus. Hay chicos y chicas que leen, algo queda.
Julián Quintanilla a lo suyo. Atiende amablemente a su ejército de seguidores sentado en la zona de firmas. Dos sillones blancos y un cristal templado separan al lector y escritor. Una firma, un gracias, un te quiero y una hipoteca aceptada. Legajos de la pandemia y una vida entera en treinta minutos de rodaje.
Fernando Ortiz, José Manuel Vivas, Luis Aleixandre, Carmen Castillo, Antonio Rivero, Justo Vila, Ana Bermejo y Juan Ramón Santos. Menacho, lunas congeladas, pocas flores, magia literaria, trasposiciones, la calle del medio, 112 formas de protegerse de la lluvia, cuatro emes y la calle del medio. Autores y autoras componiendo el puzle de un sábado de feria.
Carlos del Amor toca de nuevo suelo extremeño. Tres años después, treinta y seis visitas al Prado, veintidós al Thyssen y dieciocho al Reina Sofía, una liga del Barça, del Real y del Atlético Madrid y un viernes negro periodístico por medio, deja la ficción por pellizcos de su día a día, y como él nos comenta, antes periodista que escritor, Emocionarte, un libro que permanece en ese limbo laboral.
Mientras que Carlos habla del perro de Goya, un abuelo acompaña en el silencio de un banco a su nieto, un chico que pasa hojas ajeno a la mirada de ese animal asustado que como relata el periodista murciano, es un reflejo de nosotros, todos somos ese perro buscando aire, levantando el cuello, mirando con ojos como platos en un paisaje indefinido que puede ser cualquier lugar.
Mientras que del Amor remarca que hemos aprendido a vernos únicamente los ojos, a identificar las miradas, obviando las bocas, la Reina de Corazones trabaja duro para captar la atención de esos ojos infantiles que pululan por el parque ajeno al cuadro de Edward Hopper que inspiraría la casa de Norman Bates.
Mientras que Carlos del Amor recuerda las luces apagadas, el silencio de los museos en tiempo de confinamiento, la traductora de lenguaje de signos pasa un dedo desde el lagrimal del ojo hasta la comisura de la boca. Ella entiende mejor que nadie esa falta de ruido, el autor pone música al abrazo de Juan Genovés, la traductora toca la guitarra de María Blanchard.
Mientras que Carlos habla del pasaporte de los cuadros, las traseras de los cuadros, sus etiquetas, sus censuras, sus dueños por un tiempo, las manos por las que han pasado, los altillos donde han dormido años y años, alguien descubre que el Caravaggio de su casa no vale un duro, que todo es cuestión de emociones, de momentos, de la capacidad que tenga cada uno de soportar las perrerías de la vida, de evadirnos con un libro, de escaparnos del lienzo de Van Gogh aprovechado una ronda de presos, de brindar con absenta de frente a un cuadro de Degas, de celebrar que estamos vivos, que sin emoción, sin arte, sin cultura es muy difícil vivir. Casi imposible.
CARMINHO «DECONSTRUYENDO AL FADO DESDE LA MEMORIA DEL FADO»
Carminho es Maria. Carminho es Maria do Carmo do Carvalho. Carminho es el eco que aún resuena en el Beco dos Cortumes. Carminho es la niña que se balanceaba del brazo oscilante de Teresa Siquiera al cantar. Carminho es la mujer del viento, ella es la que canta el viento, la que viene en forma de lamento, la que escribe tu nombre en el viento. Carminho escucha los sonidos de los barrios, atrapa sus melodías de cada ráfaga de melancolía de la calle, del vértice más hondo de una saudade ajena a la tristeza. Carminho sigue soñando que juega en el Algarve, que canta en una casa de fados con apenas un palmo de altura, la lisboeta sueña con exhalar melodías en medio mundo, sueña despierta y con una saia rodada, abre los ojos y descubre que le bastan siete faldas y un caballo de varios colores para ser feliz.
En las noches de fados en casa tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo, es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música
PEPA BUENO «VIDAS ARREBATADAS. LOS HUÉRFANOS DE ETA»
06.13 horas del 11 de diciembre de 1987
… ¡Bum! Sentí una enorme sacudida. Abrí los ojos y solo veía una nube de polvo, estaba oscuro, llovía en mi cara y había un olor muy intenso, muy penetrante, que entraba hasta los pulmones. Luego supe que era el olor del amonal, ese olor tan intenso a azufre y amoníaco, que se te queda pegado para toda la vida.
8.00 horas del 20 de octubre de 2011
Anuncio del cese definitivo de la actividad armada de ETA. A esa hora, las 8 de la mañana, recibir un teletipo en las redacciones de España, ponía el cuerpo del revés a los periodistas. Era la hora en la que la banda terrorista solían causar el pánico apretando gatillos de pistolas, accionando bombas a distancia o ejecutando víctimas de toda índole social en zulos perdidos en el monte. La historia desde este momento ya tenía víctimas en vida, los vivos del terrorismo, que recuerda Manuel Jabois. José Mari y Víctor ya llevaban años recordando ese teletipo en sus cabezas día tras día.
13.04 horas del 5 de junio de 2021
…¡Zas! Una pandemia y media después la autora aterriza en el set de prensa de la Feria del Libro de Badajoz. Pepa Bueno y un libro de vidas arrebatas por la banda terrorista ETA. De vidas cercenadas y de los vivos que han padecido actos terroristas. De eso trata el libro. Esos nos narra, desde ese 11 de diciembre, años antes, con Dictadura agonizando, y después con una democracia agónica de respuestas. La periodista extremeña remarca con especial este último apunte. Escribo la historia de dos huérfanos, dos en concreto, José Mari y Víctor, que pierden a su padre, a su madre y a su hermana. No hablo en memoria de las víctimas, desgraciadamente grande, del colectivo, ETA mató, secuestró y extorsionó durante mucho tiempo. Las vidas de los supervivientes de los atentados son muchas y lo que he aprendido de ellos dos es que no se puede hablar de las víctimas y ponerles una etiqueta en la frente como si todas fueran iguales. Pepa Bueno está convencida de que la distancia temporal hará aflorar muchas más historias. Recuerda que la memoria es traicionera, en los homenajes que se ha llevado a cabo desde el Gobierno, Silvia, la hermana pequeña de los dos, no apareció. Un olvido que supone una nueva detonación en los hermanos Pino, un golpe de olvido que duele y huele a anestesia social.
Estábamos tan habituados a la violencia de ETA, tan acostumbrados a que hubiese atentados que no fui capaz de rescatar un recuerdo personal. Eso me convenció mucho de que había que escribir esta historia
EL FABULOSO MUNDO DEL CIRCO EN TIEMPOS DE PANDEMIA
El circo suena a viaje y carromatos, a montaje y desmontaje de carpas de localidad en localidad, a forzudos venidos del Cáucaso y hombres bala de bigote daliniano. El circo asume la carretera como destino y atrapa payasos para alimentar las risas de un público expectante. El circo es ¡Tachán y et voilà!, es trapecista con cara de funambulista y alma de acróbata. El circo es una canción de Nino Rota, un plano (e mezzo) de Fellini o una opereta de Ruggero Leoncavallo. El circo es domadores sin animales, malabaristas sin malabares, mimos dando gritos y tragafuegos sin mecheros.
El circo es todo lo anterior y mucho más. El carácter nómada se reinterpreta en espacios fijos, en compañías dedicadas a realizar de esta profesión una actividad que ya tiene cada vez más espacio en el panorama cultural de las artes escénicas. El circo está en el teatro, en los actos musicales, en el cine, en la calle y aunque sea a cuenta gotas, en las escuelas. Educar con valores, formación y aprendizaje. Adaptarse o morir.
Es duro, mi profesión es la de payaso pero el palo ha sido, es y será duro para artistas como nosotros. Pepín León.
PARDO, BENAVENT Y TINO DI GERALDO «LA LEYENDA DEL JAZZ EN EL TIEMPO»
Cuando parió “La leyenda del tiempo”, nadie reconocía al niño, nadie sabía si se parecía a la madre al padre o a los abuelos, pero el caso es que nació y al cabo del tiempo se le vio la cara, y no era nada fea…Así define Jorge Pardo el caótico proceso de creación y digestión del disco que marcó un antes y después en el flamenco de la mano de Camarón y todos los que entraron y salieron de ese momento mágico. El cambio era necesario, era y es inevitable, es saludable para la música y necesita de una revisión diagnóstica en perpetua vigilia.
Ortodoxos y heterodoxos del flamenco y puristas e innovadores de jazz. Amantes del flamenco jazz, negacionistas del jazz flamenco. Flamenco Leaks para todos, Jazz para algunos en la “leyenda del Trío; Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino di Geraldo. Vientos para una soleá, percusión india para un tema de Coltrane y un bajo para un arreglo del Chet Baker más cíngaro conocido.
Si nosotros estamos con ganas, al público se le ve con más alegría aún, y eso que van con máscaras pero se percibe muchas ganas de pasarlo bien. Una emoción volver a sentir esto en los conciertos. Tras más de veinte años con el trío tocar cada noche, improvisar supone el mayor gozo. Jorge Pardo
JESÚS CARRASCO «RARA VEZ SE HABLA DE LA RESPONSABILIDAD DE SER HIJOS»
“I would prefer not to”… o lo que es lo mismo…”Preferiría no hacerlo”…palabras del señor Bartleby, ese escribiente outsider del universo literario de Melville. De Nueva a York a Torrijos. Mismas palabras, diferentes lenguas, mismas dudas y certezas. Del autor de Moby Dick al autor de Intemperie. De la muerte por inanición a la muerte del olvido, de Wall Street a un pueblo de España, un viaje cuajado de aristas de silencios y responsabilidades atávicas. Estamos ante una nueva novela del extremeño Jesús Carrasco, y estamos ante otra pequeña joya de la narrativa actual. Llévame a casa (Seix Barral)
La tierra en la obra del autor oliventino siempre está presente, el imán del terruño como punto de partida, la familia como desenlace, un polvorín con colores en blanco y negro y algo de Technicolor. Podría haber estado junto a su padre la noche en que murió pero, en cierto modo, Juan Álvarez prefirió no hacerlo. Así arranca lo último de Carrasco.
De todas las responsabilidades que asume el ser humano, la de tener hijos es, probablemente, la mayor y más decisiva. Darle a alguien la vida y hacer que esta prospere es algo que involucra al ser humano en su totalidad. En cambio, rara vez se habla de la responsabilidad de ser hijos. Llévame a casa trata de esa responsabilidad y de las consecuencias de asumirla
EMILIO GAÑÁN «DE SANTOS Y TEXTURA
Hagiografía.f. Historia de las vidas de los santos.f. Biografía excesivamente elogiosa. Exposición sita en el Espacio Cultural Santa Catalina por Emilio Gañán.
Emilio Gañán. Artista. m. y f. Persona nacida en Plasencia que cultiva alguna de las bellas artes. Persona dotada de la capacidad o habilidad necesarias para alguna de las bellas artes, en especial la “geometría sensible”.
Geometría sensible. Geometría, donde el rigor matemático cede ante la acción del subconsciente y la sensual presencia de la materia y el gesto.
Gesto. Movimiento del rostro, de las manos o de otras partes del cuerpo, con que se expresan afectos o se transmiten mensajes. En ocasiones esos mensajes pueden contener colores. Rojos, ambarinos o azules. Ojo, no confundir con un azul cualquiera de encofrados y astilleros del país. Nos referimos a los azules de ultramar o azul Klein.
Klein. Yves Klein: el hombre que inventó un color. Paul Klee: Artista que se volvía loco con los colores y su composición. Emilio Gañán dixit: “La composición se organiza en forma de construcción o recorrido espacial. Como Paul Klee, saco a pasear las líneas y ellas siguen su propia voluntad”.
Voluntad. f. Acto con que la potencia volitiva admite o rehúye una cosa, queriéndola, o aborreciéndola y repugnándola. El artista sufre, se quiere, se aborrece y se repugna para llegar a generar una obra. Emilio Gañán; ¿El artista sufre pintando? Sí. Si no lo hace se aburre, esta profesión es dura y esa pelea conforma al artista. Es indispensable, como les digo a mis alumnos de la Universidad, si se quiere dedicar uno a esto, que tenga una absoluta y verdadera pasión.
Pasión. Lo contrario a la acción. Estado pasivo en el sujeto. Perturbación o afecto desordenado del ánimo. Rasgo a que las obras de Gañán están sometidas a base de texturas.
Textura. Estructura, disposición de las partes de un cuerpo, de una obra. Momento clave, durante una visita al museo, galería de arte o espacio expositivo, donde el visitante, público, coleccionista, comisario o guardia jurado desatan unas ganas irrefrenables de tocar la obra, de manosear la piel de la pieza expuesta. Para el artista extremeño “el espacio y las texturas mandan mucho y la necesidad de resaltar la pintura, que se despegase, no sólo los objetos sino que también hablase el interior y el exterior de la obra”.
Obra. f. Cualquier producto intelectual en ciencias, letras o artes, y con particularidad el que es de alguna importancia. f. Medio, virtud o poder. Por obra del Espíritu Santo.
Santo. adj. Perfecto y libre de toda culpa. Sellado en la obra de Emilio Gañán. Santa Catalina. Hasta el 8 de enero. Recogido en Hagiografía.
EL BRUJO Y DIOS
Todos somos dioses; ¡ojalá todos lo supieran! Reminiscencias de Paramahansa Yogananda y su amante cósmico. En el otro cosmos, en pleno oeste ibérico, Rafael Álvarez, o lo que es lo mismo el Brujo sideral, un Dios encima de un escenario, evoca algo parecido, ¡Todos somos dioses ¡ojalá lo supiera Fernando Simón!
Hasta aquí todo bien, la cosa se tuerce cuando Olga Ayuso, subida en plataformas petrolíferas con forma de zapatos, elude el ingenio de las calzadas romanas, y confunde desde su altozano, al músico con el actor. De eso va la obra le decimos. La suplantación de personalidad en un cuentito de Plauto y un phishing de Dios en toda regla. Javier Alejano hace de Júpiter, el Brujo de Anfitrión, nosotros de un Sosias cualquiera. Esclavos con cámara y grabadora.
Tras las entrevistas con los compañeros es nuestro turno, nos toca charlar con el maestro. Viene de blanco lino y con la mirada de su primera actuación en el San Juan Evangelista. Parece decirnos ¡Niño, a ver si te enteras de lo que estás viendo, que no lo vas a volver a ver en tu vida! Yo con cara de Juncal y Búfalo contando lo del Puerto de San María para refrescar la memoria.
“Pregúntame algo, dime algo, motívame”…nos dice el Brujo cuando se sienta con nosotros…”¿Qué carajo hacemos tú y yo aquí en el peristilo del Teatro romano de Mérida?”…le preguntamos…”¡De eso va la obra!” nos dice riendo…”De preguntarnos qué hacemos en esta vida”…matiza.
CRISTINA GARCÍA RODERO «UNA CÁMARA FOTOGRÁFICA PUEDE SER UN ESCUDO O UN INSTRUMENTO PARA ACARICIAR»
La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.
La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.
La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.
Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.
Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero.
Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla
TAN CERCA, TAN LEJOS
Cuando pisamos el barrio. Tan cerca tan lejos
Cuando pisamos el barrio…los barrios…la vía del tren tenía un paso a nivel con barrera que resquebrajaba la ciudad en dos. No, no era el Guadiana, el que hacía de frontera natural…era nuestra forma de percibir estas calles, unos recuerdos creados de oídas, de noticias de papel amarillo y de prejuicios malnacidos.
Cuando pisamos estas calles, aún sonaban los vagones a rancios y la locomotora iba a carbón. Tampoco esto ha cambiado mucho…Cuando llegamos Félix y yo sentimos que estábamos cerca pero también muy lejos. Cuando llegamos, Ramón aún colocaba los cubiertos en el comedor social, Lolo era el párroco de la Asunción y Juan ejercía de cicerón en este instituto.
Cuando llegamos al barrio, Antonia tenía la misma fuerza que ahora a pesar de sufrir el palo de su vida…Ricardo era el mejor jefe scout… y dos murgueros locos estaban metiendo la vena del carnaval desde la base, desde los más pequeños. Cuando pisamos tierra norte de la ciudad de Badajoz, había un estercolero que un tal Julio supo convertir en parque. Cuando cruzamos la avenida, la Farmacia de Sara aún tenía el decorado de su padre, su espagueti western del que ha hecho un fortín a base de cariño y lazo rosa. Por entonces Paco, el Aspirino, era el Sheriff.
Cuando pisamos el barrio conocimos a chicos y chicas con ganas de reorientar su vida. Vimos a gente motivada, motivando al futuro de los barrios…Cuando llegamos, Estefanía tenía los ojos azules, ahora son transparentes, más azules aun, enormes como un faro…! En esta costa no puede encallar ningún niño ¡…nos decía.
Cuando llegamos aquí, Marta, no quería estar a la deriva, quería llegar a buen puerto y ser alguien, lo está consiguiendo. Zeus le daba bien al balón, sabía el destino de su vida, pero antes no renunció a intentarlo. Zoraida jugaba en dos ligas, en su casa y en la del fútbol femenino. Le quedan muchos penaltis que tirar. Sara e Ismael eran amigos, luego pareja y más tarde padres. Han sabido navegar.
Cuando entramos en el barrio, Gloria nos acogió…los huérfanos, los desvalijados, los perdidos éramos nosotros. Gloria nos acurrucó y nos mandó a paseo, nos habló, y habló y habló y nos dejó hablar, un rato, pero nos dejó. Nos marcó y nos sacó el pasaporte del barrio. Cuando osamos meternos en las casas, en los colegios, en las aulas, en los negocios, en el centro de salud, únicamente nos dedicamos a escuchar…a sentir…a observar. Ellos eran los protas, vosotros sois los protagonistas. Gente luchadora, vecinos conectados, personas cercanas que visto desde la distancia, nunca estuvieron lejos. Gracias.
LUIS COSTILLO «VIAJANDO CON SU FAHRENHEIT POR LISBOA»
El maestro Costillo viaja. Siempre lo ha hecho. El artista Luis Costillo viaja por el interior del alma, recorre su propia crítica a través de la imagen, con el arte en cada pintada, collage, texto o pieza, y lo más importante, siempre nos hace viajar con él. El camino puede ser corto, largo o eterno, depende de las ganas de compartir vuelo con el autor fallecido en 2019. Generador de una obra extensa y epicentro de un arte punzante, mordaz y definido. ¡Esa obra es de Luis Costillo! Reconocible aquí, en su tierra, y allí (donde sea), en este caso Lisboa, el Instituto Cervantes, en la Mostra Espanha, festival bienal de cultura española.
RIKI BLANCO «LA POESÍA QUE NOS MERECEMOS»
Riki Blanco es ese tipo de persona que te hace crecer las dimensiones de las pupilas en cuestión de segundos, un impacto visual, una hostia virtual, un puño en lo más encaramado del coco y ¡Pum!, dientes rotos, gafas partidas y mentón al bies. Y todo lo anterior provocado por la presentación de una imagen, de unos de esos artefactos poéticos con los que trabaja, nada de manos, nada de guantes de boxeo, la imaginación desbordante de una ilustración con límites físicos pero con un infinito universo de interpretaciones mentales. Nada de sangre. Mucho de Riki Blanco.
Riki Blanco es uno de esos creadores que te hace reflexionar, sonreír, vacilar, rodar, sudar, gimotear, emborrachar, acariciar, toda una métrica visual que, sin duda, nos merecemos. El autor catalán es capaz de plantear el tema más crudo del momento con una elegante y directa ilustración con, detrás o delante, muchos pliegues de enormes interpretaciones.
No diría que se trata únicamente de la poesía visual. La imagen, como tal, tiene esa habilidad. Un corte de mangas, por ejemplo, lo entiende todo el mundo. Si el gesto en sí, por lo que sea, no se entiende, sí lo hace el contexto y la intención.
CELESTE GARRIDO «TUS OJOS DICEN LO QUE TU BOCA CALLA»
La artista gallega Celeste Garrido tiene una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. En esta muestra se incluye una cuidada selección de obras en distintos formatos —en su mayoría de nueva producción— que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo. Su proyecto Nupcial, desarrollado a través de numerosas obras, hace referencia al vestido de novia como símbolo del matrimonio, dentro de un sistema patriarcal subyacente en nuestra cultura y que todavía hoy ejerce un claro dominio sobre la mujer, condicionando su libertad y su autonomía.
Es un aspecto que se trata muy poco y que muchas veces ocurre en el círculo de confianza del menor y por tanto, tarda mucho en detectarlo. De ahí como educadora me interesa que los niñas sepan que existe esta cruda realidad y pueden contarlo.
MANTENIENDO EL TEATRO EN VILO A TRAVÉS DE NOEMÍ RODRÍGUEZ
La entrevista con Noemí Rodríguez, dramaturga, actriz, autora, escritora, profesora y entrevistada se dividió en tres actos. Ninguno de ellos carente de clima, diálogos y acotaciones. Noemí posee el 50% de Teatro en Vilo, o lo que es lo mismo, mantiene en vilo el 50% de su compañía.
Entran en el patio de butacas la jefa de prensa del teatro, fotógrafo y redactor ataviado con retales de una corresponsalía de guerra y la dramaturga. El equipo técnico del festival prepara el sonido, las luces y el escenario de la obra que se representara ese día.
Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro
ANA ROCHA DE SOUSA «EL CINE COMO UN ARMA PARA MOSTRAR EL LADO OSCURO DE LA SOCIEDAD»
Tenía que hacer la película tras descubrir que familias portuguesas estaban pasando por adopciones forzadas en Reino Unido. Tras su paso por delante de las cámaras como actriz, la directora de la contundente “Listen”, Ana Rocha de Sousa, realizó estas declaraciones antes de conseguir el premio del festival de Venecia a la mejor ópera prima.
Escuché hablar de algunas familias portuguesas que estaban pasando por adopciones forzadas en el Reino Unido, así que empecé a investigar, con la esperanza de entender qué estaba pasando y por qué. Lo que descubrí me resultó muy perturbador. Fue entonces cuando supe que quería hacer una película al respecto, porque sentía que era algo realmente importante. Más adelante, junto a los productores y coguionistas Paula Vaccaro y Aaron Brookner, recopilamos todo lo que pudimos sobre el tema. Al principio, la investigación se realizó principalmente online, y posteriormente logramos contactar con algunas asociaciones.
HEISER «UN “FUTURO IMPERFECTO” PARA UNA BANDA CON MUCHO TALENTO»
Cantaba Ian Curtis que él existía en los mejores términos que podía, que el pasado era ahora parte de su futuro, que el presente estaba bien fuera de control. Ronroneaba el británico con el micro, a golpe de espasmos con los Joy Division. Fuera de control. Y a sacudidas, con algo más de control, suena un grupo con un futuro imperfecto labrado en horas y horas de ensayos y conciertos, una banda que en el pasado emergió escupiendo vapor de música, una erupción, ocho sacudidas sin etiquetar y cinco músicos para rato. Heiser
Una de las cosas buenas que tiene el grupo a nivel de criterio musical, es que somos muy dispares, muy variados, que va desde el rock hasta el pop, pero se enriquece mucho con los arreglos, hace que se todos aportemos y eso hace que crezcan mucho las canciones
LUIS LANDERO «ES UN GUSTO ESCRIBIR. UNO SE SIENTE COMO NIÑO CON CUADERNO NUEVO. UN GUSTO Y UN VÉRTIGO»
Escribir es agregar un cuarto a la casa de la vida, lo decía Adolfo Bioy Casares, me lo recordaba Luis Landero durante nuestra charla. Y es que escuchar a Landero es sentir el eco de sus personajes, las pausas de nuestra conversación, el interludio de los capítulos de sus novelas, el ritmo oscilante de sus entonaciones, la sensación de habitar por un rato en ese cuarto destinado única y exclusivamente a la escritura.
Al escritor extremeño le han hecho entrevistas en infinidad de espacios, en el Hotel Wellington, en el Café Comercial, en el Bar Maracaná o en la magnífica biblioteca del Casino de Madrid, pero en esta ocasión toca tener una cita desde el terruño, desde este maravilloso fango del oeste ibérico. Como dos novios en una cabina telefónica, a la espera de la hora acordada, con un único y amoroso tema a abordar, el huerto de Emerson, un tema que será del que menos se hable.
En el día a día, en las noticias están las historias, la mentira, la ficción forma parte del interior del escritor, el que le dará forma a la novela, todas parte de algo que ha sucedido.
OUSMAN UMAR «EL TALENTO NO TIENE COLOR»
Nacer un martes es común. Ser tu único dato para celebrar un cumpleaños ya no tanto. Cruzar el Sahara en busca del trabajo con nueve años es dantesco. Tardar cinco años en cruzar el estrecho una locura. Sentirse más sólo en Barcelona que una barca de maderos podridos en medio del mar una paradoja con común denominador; Esclavitud del siglo XXI.
“Es indiferente, no hay año, da igual que sea quince, veinte o trescientos años, lo más importante es el día de la semana”. Nos dice Ousman Umar con una sonrisa inmensa, y nos da el primer hachazo. “Aquí viene la diferencia de culturas, que a veces, pensamos que nuestra forma de entender y ver el mundo es la única manera para que funcione. Hay multitud e culturas”. Kwabena, martes en lengua ghanesa, nos los escribe en un papel, mientras nos recuerda que Kofi Annan, quien fuera secretario general de las Naciones Unidas, significa el cuarto hijo nacido en viernes.
Lo que llega a Europa es la punta del iceberg, la gran mayoría morimos antes. La peor tortura lo vivimos antes de llegar a las costas europeas
EL EXILIO POÉTICO DEL PINTOR TIMOTEO PÉREZ RUBIO
Sabemos de la relevancia del pintor extremeño Timoteo Pérez Rubio, de su dimensión como defensor del arte y la cultura de nuestro país. De Timoteo sabemos su recorrido artístico, convirtiéndose en una figura crucial y renovadora del panorama plástico extremeño de principios de siglo. Conocemos su pasado de su Oliva de la Frontera natal, de su paso por la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, de sus estudios en el Bellas Artes de San Fernando de Madrid, de su estancia en Roma y su exilio a Buenos Aires y finalmente en Brasil. De Timoteo sabemos su vida con la gran escritora Rosa Chacel, la salvaguarda de su arte, como “Timo” lo fue del patrimonio artístico español durante la Guerra Civil, en su papel de presidente de la Junta Central del Tesoro Artístico. Timoteo fue el encargado de organizar el traslado de los fondos del Prado desde Madrid a Valencia para pasar finalmente a Ginebra. Lo que desconocíamos del extremeño era su labor de poeta, esa que el pintor desarrolla durante un cuarto de siglo. La poesía, como esa “otra biografía” del pintor, como llegó a definir Chacel.
He sentido sorpresa al leer los textos de mi padre porque no me esperaba, realmente me revela a la figura que yo conocía, era muy identificativa, el hecho en sí es lo sorprendente, no el contenido.Carlos Pérez Chacel, hijo de Timoteo
ANNA R. COSTA «LA MIRADA FEMENINA DE LA FICCIÓN ESPAÑOLA QUE NO PIDE PERMISO PARA OCUPAR EL LUGAR QUE ES SUYO»
Antes de que Anna Costa comience su infusión, un perro de 50 kilos, de nombre Manchego, hace las delicias de los insensatos que seguimos refugiándonos y citando a amigos en los bares. Cuando arribe al Café Pavón de Madrid, se fijará en Manchego y en una pegajosa y extraña risa que a lo lejos detendrá en más de una ocasión esta conversación. Tras pasar el Covid hace ya unos meses y aún con la resaca del éxito de Arde Madrid, la guionista, dramaturga y creadora recibe a Cultura OVERdose/ Badajoz para dar un largo repaso a la industria audiovisual pero sobre todo al papel de la mujer en él, sobre las que dice que han venido para quedarse: “no hay marcha atrás”.
Habría que tener más empatía con el arte y lo que significa ser artistas, tienes que estar mucho tiempo haciendo un trabajo que nadie te paga, es tremendo porque todo el mundo tira de la ilusión hasta que te plantas en los 40 y dices ¿ahora qué? ¿sigo con la ilusión?
HUSMEANDO EL ARTE DE DANIEL MUÑOZ CON SU GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE
Extremadura tiene territorio, extenso y formidable. Esta esquina del mundo está dotada de guías únicas, personales, íntimas, colaborativas, fronterizas, rayanas y reversibles. En esta tierra el velcro de sus localidades se acomodan a la piel del territorio, una piel que muda y puede adquirir infinidad de hitos genuinos. Esa guía es endémica, exportable y aunque suene cansino, es reversible. En ese mapa, en esa frágil guía, estamos todos, están todos, y el artista Daniel Muñoz nos ha editado su imaginario atlas en una obra dentro y fuera de un museo, el MEIAC. El arte para todos y en todos lados.
Una de las funciones del artista es oler, perseguir, estudiar, husmear las obras, encontrar las pistas que proyecten su arte, Muñoz lo hace, lo recuerda y nos lo muestras en esta especie de obra-juego-guía. El artista extremeño, pinta, cose, corta con la radial y se asoma a una piedra milenaria para marcar unas coordenadas. El resto es mejor que lo averigüe el público, el turista, el paisano, que ha visto ligeramente modificado su paisaje, tres acciones y un único y lacerante proyecto. Puede que reversible. O no.
De eso habla la exposición, de todo ese proceso de gestación de todo el proyecto pero con añadidos como el fracaso, la problemática o todas las cosas que suceden ahí “fuera” del museo
MIGUEL ZENÓN «EL JAZZ SIEMPRE ESTÁ CAMBIANDO, ES UNA MÚSICA QUE ESTÁ MUTANDO CONSTANTEMENTE»
La RUCAB con aroma, al ya cerrado, Colegio Mayor San Juan Evangelista. El “Johnny” fue la punta de lanza cultural en el ambiente universitario de Madrid, un epicentro donde el Jazz se hizo prisionero. Y la RUCAB de la Fundación CB toma en cierta medida ese testigo, un espacio de jóvenes universitarios que comparten la pasión de esta música universal con el resto de aficionados. A muchos kilómetros de la capital y con la frontera con Portugal como raya imaginaria, la primera noche del Festival Internacional de Jazz de Badajoz en su 34 edición (ojo, analicen tranquilamente ese número, pocos festivales en la península ibérica poseen la longevidad y calidad de este que preside Badajoz), retumbó en el salón de actos de la residencia con un maravilloso, potente y elegante concierto de Miguel Zenón y su magnífico cuarteto.
Con la camiseta de Puerto Rico en el ensayo, Zenón nos recibe saxo en mano. Charlamos de estos tiempos convulsos, de las calles de Nueva York, de comida, de béisbol y baloncesto, de la apasionante labor de Javi y Pablo como cicerones del festival y también hablamos un poco de jazz. Lo justo para sentirnos más humanos por un rato, lo necesario para recomendar el Kind of Blue de Miles Davis a todos los pequeños de este mundo. Una escucha necesaria para seguir viviendo entre tanta tragedia.
La intención es básicamente la misma, tratar la música como se merece, presentar el jazz de una manera honesta
ALBERTO DE LOS RÍOS «POTENCIA, ALMA Y ARTISTA EN TRAZOS DE FRONTERA»
Si una obra se refleja en los ojos del que mira un cuadro, la historia viaja, recorre todo el cuerpo y exhala toda su potencia, su alma, la carne vivida del artista. Alberto de los Ríos se convierte en ese paradigma. El autor extremeño cataliza su creatividad en rasgos que lo hacen reconocible nada más doblar la esquina de su cuadro. Trazando mapas visuales únicos, de los Ríos, convive, conversa y esboza arte desde sus entrañas, acaricia el paisaje, conversa con sus personajes, medita, suspira y cincela sus fábulas a golpe de trazo icónico y original.
Mesas, sillas, un silencio hondo y una puerta que deja entrar un hálito de vida en ese estudio inquebrantable, oscilante y colorido. Los ingredientes básicos que nutren a Alberto de los Ríos.
RUTH MORÁN «INFINITO NEGRO EN UN ETERNO DIÁLOGO CON EL ARTE»
La cara B de una obra de arte aporta la secuencia del ADN del artista. Esa cadena cromosómica, ejerce de memoria, de recuerdo, de impacto visual, de puñetazo cósmico. La parafernalia anterior, es necesaria. No encontramos otra manera de narrar aquello que lleva a una artista, a un artista, a plasmar con una brocha, un pincel, un cincel, sus manos, sus entrañas, en definitiva, su proceso creativo, hasta alcanzar la punta del iceberg, aquello a lo que se enfrenta de golpe el espectador. Debajo, detrás de esa obra, la cara B, hay mucho más y más y más arte. Ruth Morán mediante, más, y más y más, hasta el infinito negro.
Gracias a esta caótica y sensual armonía de líneas, la artista consigue crear una trama que enreda al espectador e hipnotiza su mirada. Contemplándolas, sus obras abstractas en un principio, se hacen cada vez más sugerentes y evocativas y liberan nuestra imaginación creativa
ANTONIO PAMPLIEGA «HUÉRFANOS DE UN AFGANISTÁN RESQUEBRAJADO»
El reportero reconstruía el solar de las Torres Gemelas con ingredientes huérfanos de un Afganistán resquebrajado. Y de un Antonio a otro Antonio, tomaba el testigo de las conferencias Muñoz Molina. Y sin pacto entre ellos, se ligaban las historias, la ficción recreada del escritor teñida con la realidad de tintes de pura ciencia ficción del periodista, un salto crudo y certero, un escupitajo a la moral humana universal. Pampliega soltaba lastre desde los aviones que destrozarían el sur de Manhattan y Muñoz Molina recogía las cenizas del downtown como testigo directo.
Pero hay un momento en el que los talibanes entran en nuestras casas, en el 2001, estaban en el poder desde el 1996, pero la destrucción de los budas gigantes de Bamiyan con 1500 años de historia, nos dieron un toque de atención. El pasotismo de los Estados Unidos ante esa situación, dio un vuelco aterrador, el 11-S en Nueva York. El resto es historia y la historia se repite
LA NEW EUROPEAN BAUHAUS PARA SEGUIR CRECIENDO DESDE LA CULTURA DEL TERRITORIO
Este es un espacio único, que muestra el compromiso del municipio con el desarrollo de infraestructura para proyectos emprendedores y creativos. Fábrica da Criatividade es un espacio multidisciplinar, con talleres, ateliers y ‘coworking’, que tiene como objetivo apoyar proyectos creativos en un mismo espacio físico y flexible, destinado a la producción en diferentes áreas artísticas, performativas y plásticas, como el teatro, la danza, la música. , cine, video, diseño, diseño de moda, artes gráficas y fotografía. Carlos Matos. Director de la Fábrica da Criatividade
Desde sus inicios, Ras de Terra ha contado con la asesoría y el trabajo de los profesionales de la zona, tanto para la restauración arquitectónica de los espacios, como para la construcción, desarrollo y cultivo de la huerta.
1080 Líneas en Islandia 2017
CARLOS PÉREZ Y 1080 WILDLIFE «UNA MARCA INTERNACIONAL DESDE EXTREMADURA QUE HA CONSEGUIDO CONQUISTAR EL MUNDO ENTERO CON DOCUMENTALES DE NATURALEZA»
Los inicios en el cine, el mundo de los largometrajes, cortos y documentales son duros. La ilusión vence en muchos casos los escasos presupuestos, y tras luchar y creer ciegamente en los proyectos audiovisuales, se alcanza la cima de la excelencia profesional. Estamos hablando de soñadores como Carlos Pérez y todo el equipo que compone 1080 Wildlife. Esta aventura cinematográfica consigue producciones premiadas en medio mundo, surgen de un paraíso natural como es Extremadura, y el golpe de suerte para que pueda llegar a muchas pantallas depende muchas veces de elementos ajenos a las propias obras, pero la calidad, alcance su visibilidad o no, siempre queda. De hombre orquesta, como nos cuenta Carlos Pérez, a gestionar un equipo humano digno de los mejores documentales de naturaleza del mundo. Nada que envidiar con el resto de grandes producciones. Es hora de elogiar el trabajo bien hecho y volver a creer en rodajes made in Extremadura.
Al pisar la mina de La Jayona en el sur de Extremadura, se siente un extraño ruido cristalino en los pies, el destello metálico tiñe la mirada del visitante, y de repente cien años de minería en ese enclave maravilloso, te absorben y te trasladan a lo más profundo de las cuevas y niveles que conforman el recorrido de la mina. Pero más allá del pasado minero, de la intervención del hombre en la naturaleza, cobra vida una nueva dimensión, la capacidad natural de repoblar con vida animal y flora un espacio abandonado por la economía del vertiginoso tiempo en que vivimos. Aquí es cuando documentales como el rodado por el equipo de 1080 Wildlife, merecen una mención especial, un sello único que los hace paradigma cinematográfico a base de pico y pala documental.
Casi 2 años nos costó realizar el documental de la Jayona, desde que creamos la idea su director Javier Ortega que también hace labores de guionista lo tenía claro: teníamos que contar qué tiene La Jayona que hace de ese lugar algo único en el mundo.
LORENZO SILVA «UNA NOVELA CON FORMA DE LIBRO DE VIAJES Y NOSTALGIA DE IDENTIDAD»
Una búsqueda personal de la identidad castellana. De ahí parte la documentación, idea y proyecto llevada a un libro del autor de Castellano. Lorenzo Silva abandona por un rato a sus Bevilacqua y Chamorro y rastrea por la Castilla del 1520, un momento clave y muy olvidada para la historia de España.
Tres momentos marcan la vida de Silva, crecer en un barrio habitado por múltiples acentos del país, una bomba de péndulo que hizo borrar del mundo a su vecino por parte de ETA y su estancia en Cataluña entre el 2008 y 2015. Tres identidades imborrable es su ideario social que hizo buscar la identidad personal, el origen de nuestra forma de ser, el legado de una lengua que hablan 500 millones de personal en el mundo. Una revolución identitaria gestada por comuneros desde una revolución integra y noble antes un Carlos V a miles de kilómetros de ese espacio y esa forma de entender una vida mejor para el pueblo.
Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser
JUAN CEACERO «EL MAYOR PREMIO ES QUE UNA OBRA DE TEATRO PUEDA LLEGAR A MUCHA GENTE»
Los Remedios es un barrio de Sevilla, una obra de teatro y sobre todo una manera de extender la vacunación para los adictos de la dramaturgia. Premios Max aparte, la obra se concibe desde la humildad que destila toda la troupe. El texto, firmado por Fernando Delgado-Hierro, intoxica el espacio escénico de fuerza, potencia, ironía y crítica. Vinculados, inoculados por el relato, Juan Ceacero asume la dirección desde el sur de las sensaciones vividas. Una historia que surge desde la co-creación de sus protagonistas, del inmutable esfuerzo por contar lo mundano, al filo del desarraigo, al límite de lo que impregna la cultura que cada uno de nosotros absorbe, mama y escupe con el paso del tiempo. En ese recoveco explota Los Remedios, al levantar el limo del escenario, Pablo Chaves, Fernando Delgado-Hierro y el director Juan Ceacero, narran, muestran, iluminan, oscurecen y recrean una obra que vislumbra una forma de hacer teatro entre lo analógico y el digital, un pegamento perfecto para encolar el patio de butacas con un mismo escenario.
Utilizamos un lenguaje con distintos códigos teatrales, con ritmos vertiginosos y otros más sutiles, pero una de las cosas que puede estimular mucho al público para que vaya a ver Los Remedios es que es un espectáculo que te ríes y te emocionas
ADRIÁN ROLO «MARAVILLOSAS MANERAS DE VOLAR PINTANDO»
Para volar no se necesitan alas, al menos para alzar el vuelo al ras del suelo, la dureza de un paisaje crudo, rudo y palpitante, desde el cielo se convierte en alimento concupiscente del artista. Rolo. Anoten ese nombre. Este tipo vuela. Lo hace planeando, surfeando por las costras que levantan sus trazos. Llagas en carne viva que supuran mapamundis en color. Pecios de obras en blanco y negro esperando a ser rescatados del fondo marino del arte. La pintora Remedios Varo pensaba que para un creador lo importantes es el crear y que el devenir de su obra era cuestión secundaria y que fama, admiración, curiosidad de la gente, eran más bien inevitables que cosas deseadas. En esas anda Adrián. Creando, disfrutando, perseverando en danzar como los cíngaros de Battiato, volando como un milagro milanés de Vittorio De Sica, nauseando la fama como el Pollock menos ebrio de su borracha vida. Rolo. Apunten su nombre. Es hora de volar.
Siento que internet es un escaparate enorme que, en mi caso, me ayuda mucho a seguir progresando y me permite mostrar mi trabajo
MARIO DO ROSÁRIO «LA PASIÓN DE UNA MUJER POR LA LITERATURA DE SU PAÍS»
La pausa es una característica que predomina en el reloj vital de Portugal, asomarse al precipicio de la velocidad es un ejercicio contaminante para el dialogo entre lusos. En esas agujas horarias nos apoyamos con una de las protagonistas de las letras portuguesas. Con Maria do Rosário rellenamos los frascos vacíos del anaquel de Pessoa. Con ella dilatamos la literatura, saboreamos su trabajo editorial, desplegamos su nutritiva poesía, acunamos los versos afables, tranquilos, parsimoniosos, escritos a manos, transcritos con el alma. Portugal está empeñada en crecer sin perder un ápice de su esencia cultural y bajo el paraguas de la escritura, el Aula Díez Canedo de Badajoz nos invita a viajar sin movernos de la tierra. La Asociación de Escritores Extremeños recibe a los autores más representativos del panorama nacional y del país vecino, desarrollando una lectura en un instituto de enseñanza secundaria de la ciudad en cuestión y una segunda lectura abierta al público. El Instituto Bárbara de Braganza se acoge al primer punto y el MEIAC se hace fuerte en el segundo. Poesía, saudade y arte formando versos. Maria do Rosário en estado puro
Empecé a escribir porque me gustaba decir cosas y nadie me escuchaba
«EL TEATRO YA NO ES SOLO TEATRO» LA ACTUAL PUESTA EN ESCENA DE JUAN VÁZQUEZ
No podemos hacer spoiler porque no hems visto la obra que abre el Festival Internacional de Teatro de Badajoz. Lo que sí podemos certificar son cinco cosas acerca del autor y director de la puesta en escena de “Los que nos debemos”; Juan Vázquez Corrales. Por un lado que escribe, mucho y bien. Que es germen de la dramaturgia del terruño extremeño. Que tiene la inmensa fortuna de estar acompañado de gente como Fernando Nieto, Guadalupe Fernández, Camila Almeda, Pablo Mejías, Luis Prieto o Chloé Bird. Que es “Cómico Crónico y que es el encargado de devolvernos el precio de la entrada si no nos gusta la obra. Esto último pude ser un fallo de raccord o una licencia bertoltbrechiana de la emoción, de la seguridad o simplemente del pánico de un estreno en el Teatro López de Ayala.
David Mamet dijo en su momento, quizá ahora no lo piense, que el teatro consiste en representar figuraciones vivas de acontecimientos humanos ocurridos o inventados, con el fin de divertir. Esa es la clave de Juan Vázquez, divertir, remover las entrañas, generar debate, o como sencillamente el propio autor dice, contar una historia.
ATRIO «UN MARAVILLOSO ESPACIO DE CULTURA GASTRONÓMICA»
La comida se convierte en cultura desde el momento en que un plato recibe todos los ingredientes endémicos de un barrio, de una localidad, de un paraje escondido en el mundo. La cultura gastronómica roza un ADN social que impregna de características populares y que transita desde el simple gesto de capturar comida con una cuchara e inclinar el brazo hasta llevarlo a la boca, rozar el producto, olerlo y tamizarlo de sabores atávicos, con una explosión de recuerdos, una amalgama de sensaciones gustativas a la que digerir con destreza. Somos lo que comemos.
El historiador boloñés Massimo Montanari escribía en una de sus obras sobre la historia de la alimentación que la comida es cultura cuando se produce, porque el hombre no utiliza solo lo que se encuentra en la naturaleza (como lo hacen todas las demás especies animales) sino que ambiciona crear su propia comida, superponiendo la actividad de producción a la de captura. La comida es cultura cuando se prepara, porque una vez adquiridos los productos básicos de su alimentación, el hombre los transforma mediante el uso del fuego y una elaborada tecnología que se expresa en la práctica de la cocina. La comida es cultura cuando se consume, porque el hombre, aun pudiendo comer de todo, o quizás justo por ese motivo, en realidad no come de todo, sino que elige su propia comida con criterios ligados ya sea a la dimensión económica y nutritiva del gesto, ya sea a valores simbólicos de la misma comida.
ANDRÉS SUÁREZ «DESCIFRANDO A UN AUTOR A TRAVÉS DE LOS OJOS»
Dice, escribe y canta Andrés Suárez que ¿Qué me depara la vida? Si no la muerte ¿Qué hago de frente si pierdes la ropa y aún sigues vistiendo presente? Repite y susurra el gallego que ¿Quién quiere Dios, si tu pecho lo habita todo? Salgo del modo avión si a tus piernas les da por abrirse y quererme.
Suarez, intenso, activo, alegre, optimista, culturamente seguro y escritor, rechaza ser poeta mientras que se pregunta ¿Quién tiene miedo a la suerte? Cuando me aciertas del todo préstale al cielo tu rostro y amanece en él, amanécenos.
El teclado suena, el lápiz se anima y el cantautor decide ponerle música a lo que en sus inicios fue pandemia, miedo, soledad y sólo ojos. Háblame a través de los ojos, vuélvete la luna que llenas, mira que otra noche nos llega, dejando pendiente, pedirnos perdón.
Escribía Rosalía de Castro que la miseria seca el alma y los ojos además. Andrés Suárez resucita a su paisana, y saca de la miseria el miedo con letras potentes, directas al alma y relatos capaces de dar vida a los ojos, esa única parte de la cara que ahora podemos vislumbrar. Pasamos un rato con el escritor y cantautor.
ALICIA CHAMORRO «CUÉNTAME ALGO QUE ME RECONFORTE»
Es algo que no te puedo explicar. La vida que nos ha dado es indescriptible. Tenemos un recuerdo, no bueno, muy, muy, muy bueno, especial al máximo. Gracias al cuento, mi hija se fue soñando, se fue viva. Todos los días se lo leíamos, se sentía importante, era la protagonista, le encantaba saber que era el centro de atención, la guerrera que quería ser. Nos ha dado un soporte y alivio que no sé cómo agradecerte.
EDUARDO NARANJO «EL LUGAR DE LA FIGURA»
“Pocos como yo pueden presumir de ser profetas en su tierra”
JUANMA SALGADO «LA GASTRONOMÍA DESDE EL ALMA DE DROMO»
La vida de Juanma está ligada indisolublemente a los fogones. Con 16 años abandona su Badajoz natal para estudiar en la Escuela de Hostelería de Cádiz, uno de los centros formativos más destacados de la gastronomía nacional. Durante este periodo compagina la formación con la experiencia, trabajando en diversos locales de la capital gaditana.
Al finalizar sus estudios recorre las mejores cocinas del país, Aldebarán (1* Michelin), Calima (2* Michelín), Martin Berasategui (3* Michelin), Quique Dacosta (3* Michelin), Dos Cielos (2* Michelin) y Dani García (3* Michelín) en donde trabaja durante 3 años. De Marbella se traslada a Barcelona donde ejerce como jefe de cocina en el Hotel Olha (5*) durante dos años. En 2017 Caelis (1*) traslada su cocina al hotel y JuanMa se convierte en su jefe de cocina, junto al Chef Director Romain Fornell.
Durante su estancia en Caelis JuanMa ha desarrollado una cocina fundamentada en la reinterpretación de la tradición y la vanguardia. Una cocina contemporánea en la que predominan los productos del mar. En febrero de 2019 nace Dromo en Badajoz. Una apuesta personal fundamentada en su concepto de la cocina: una cocina clásica pero desenfadada, en la que destacan la mezcla de elaboraciones clásicas y modernas con el objetivo fundamental de sorprender al comensal. Competir es, junto con viajar, su otra gran pasión. Representó a España en las dos últimas ediciones del Bocuse D’Or, el campeonato de cocina más importante del mundo. “Representar a mi país ha sido para mí uno de mis grandes retos y una gran responsabilidad”
“El reto personal es dar a conocer un concepto de gastronomía diferente a los habitantes de Badajoz a través de la presentación de mi experiencia gastronómica en los platos”
GABI MARTÍNEZ «EXTREMADURA, LA GRAN DESCONOCIDA»
El escritor Gabi Martínez, y alma mater del festival, presentó “Un cambio de verdad”, el libro que escribió en Tamurejo, el pueblo de su abuela, tras su experiencia durante meses entre pastores de La Siberia. Alejandro López Andrada, todo un referente de la liternatura española, que presentó “La dehesa iluminada”, reeditada a los 30 años de publicarse
«Extremadura es una gran desconocida», dice Gabi Martínez, y entonces se lanza a hablarnos con pasión de la Dehesa, ese espacio híbrido y armónico entre lo humano y lo natural que ha construido durante siglos el saber hacer del pueblo extremeño.
IÑAKI GABILONDO «PERIODISMO CON LETRAS MAYÚSCULAS»
Crecer en una redacción entre teletipos, discos de vinilo, olivettis y ceniceros llenos de colillas de tabaco, ayuda. A pesar de no existir ahora ninguno de esos atrezos periodísticos, el analógico nos ayuda a entender las entrañas de la profesión, desembarazase de contenidos, en ocasiones tóxicos, y nos proporciona el plasma necesario para sobrevivir algunas batallas profesionales. Un recuerdo en blanco y negro que nos concede el alimento preciso para descifrar los códigos necesarios para tener siempre a mano un botiquín de primeros auxilios completo. Gasas, agua oxigenada, tiritas, vendas, suero, pinza, tijeras, un paquete de 24 horas al día de trabajo, un par de oídos, un par de ojos, una cajita completa de dedos para teclear, una botella de honestidad y un blíster de humildad.
El periodismo en el interior de un país que no tiene nada que ver con lo que tiene ahora no solo se puede responder bajo el prisma de un solo oficio
Quedamos en ningún sitio, a la hora de siempre, bajo un pretexto sellado a sangre un siglo atrás. Ella no aparece, yo no llego, Hernán Zin saluda. Un portátil lleno de trabajo y la cocina como despacho. Libros y guitarras acompañan a los desgarrados marcos que sostienen las lluvias monzónicas de Calcuta. Hoy ni ha llovido ni ha hecho sol, pero los piececitos de Candela bailan en la planta de arriba. Desde la escalera saluda con sus dos coletas post rodaje y una sonrisa rompecorazones.
Sin rastro de la cantante, sin noticias mías. De vuelta a la M-30. Google maps; Local de ensayo. Google sabe dónde vamos. Nosotros no. Derecha, derecha de nuevo, gire a la izquierda, a 200 metros suelte el volante y tome oxígeno para respirar la ausencia.
Sonamos un timbre, subimos muchos peldaños en silencio, con el ruido del estómago en off y la luz que desprende la pantalla del móvil. No estamos lejos, nos dice la artista, tan cerca que sólo hay que abrir una puerta blindada y preguntar con qué zapatos de tacones te has quedado y qué discos no has tirado.
Me presento en su local de ensayo sin traje de buzo y sin apnea. Es decir, sin escuchar entero y en orden el disco. Importante eso del orden del disco. Los vinilos requieren dos caras y muchas líneas registradas en riguroso orden. Bebe, con su Cambio de piel, su último disco, casi lo exige. Marca el orden cronológico de su vida con una banda sonora compuesta bajo prescripción de ser escuchada del tirón, sólo descansando entre canción y canción para tomar aire. Inhalar el aire justo para darnos cuenta del peso de nuestros hijos, de comprobar lo fácil que es pintarse las uñas sin manchar la grabadora, de lo que pesan las lágrimas de los maleducados amigos que nos abandonan sin decirnos adiós, de reír recordando garitos perdidos de Badajoz, de olvidar olas maoríes huecas y sin sal, de rodar cine sin gritar acción.
Bebe es la misma tipa. Sólo ha mudado la piel, se ha deshecho de las escamas muertas que no le dejaban evolucionar. Un cambio de piel y un emotivo rato en ningún sitio. A la hora de siempre.
«Si un hijo se diese cuenta que ha nacido entre miles de oportunidades…entendería todos los sueños que la vida da…con cuanta alegría viviría todas la ilusiones…» De la canción “Energía” de Franco Battiato
Bebe, nuevo disco, el segundo de la era “Candela”…notamos que tiene un peso importante tu hija en este álbum…
Evidentemente mi hija sí tiene un componente muy importante, y eso está, tanto en la manera de escribir como en la manera de cantar, como en que haya en este disco canciones más alegres que en ningún otro disco, porque en el otro disco había canciones gamberras, canciones potentes, pero nunca tan alegres. Supone unos de los discos más luminosos de todos lo que he hecho. Y se debe sencillamente a que he sido mamá.
Este disco también tiene canciones más duras…
…claro, la vida tiene luces y sombras y eso también lo hace interesante. También desde estos últimos cuatro años, desde el tercer disco, yo he cerrado una etapa de diez años tanto a nivel personal como a nivel profesional. El disco cuenta una historia, empezando por el final de una y terminando con el principio de otra…
…¿de ahí “Cambio de piel”?
En un primer momento pensé en algo básico, como “Final y principio”, porque así empieza el orden de las canciones además. Pero luego hablando con Hernán, me decía que era muy claro y directo, y me sugirió que estaba cambiando la piel, me gustó mucho ese título.
¿Tienen las canciones de este álbum un orden cronológico?
Sí. Respirar es la primera y la más antigua de todo cronológicamente…Borrones…La cuenta…Que llueva…y así hasta que va contando toda la historia de mi última etapa de vida.
¿El cambio realmente ha sido tan brusco?
Yo sigo siendo la misma persona, cambiar la piel es evolucionar, lo hacemos todos, cada año pelechamos… [Ríe]…nos cambia la piel…pero sí es cierto que he tenido cambio muy radicales…he cortado con todo, he empezado de cero literalmente en todos los aspectos, hasta económicamente. Ese cambio me ha dado plenitud, me siento muy feliz y mucho más consciente de todo, por primera vez tengo las riendas de mi vida personal y profesional y lo estoy disfrutando muchísimo. Y no olvido el pasado, al contrario, lo tengo presente para saborear las cosas mucho mejor y saber lo que no quiero en mi día a día.
Hablando de creaciones maravillosas como es tu hija Candela… ¿Cómo construyes el mapa de tus canciones?
Para empezar hay que tener una rutina y una disciplina…La gente cree que los músicos no hacen nada…y es que a mí me faltan una seis horas al día…[Ríe]…estaría muy bien que el día tuviese 30 horas…cuando me pongo a componer, casi siempre voy escribiendo a la vez…para este último disco por ejemplo, he conseguido crear un espacio muy especial en mi nueva casa, tengo a los míos cerca y eso no me impide tener mi zona para trabajar todos los días y mantener la cabeza en el ritmo que necesito para crear…
…dentro de esa creación ¿Cómo se gestan las canciones, cuándo paren?
Hay canciones que salen del tirón como “Todo lo que deseaba” que surge en un trayecto en coche a raíz de dos notas…llevo siempre una grabadora para registrar frases y para melodías. Después hay un trabajo de selección, vuelvo al leer material de discos anteriores para recopilar ideas y luego paso todo a limpio…y de mi puño y letra… [Ríe]…de esa manera también lo guardo en mi memoria fotográfica. Hay temas que ya tienen melodías y surgen en el local de ensayo mientras tocan los músicos como “Borrones”. Otras canciones sin embargo llevan mucho más tiempo elaborarlas, otras se escriben en un hotel de Milán y terminan dos años después en la cocina de tu casa. La disciplina es muy importante, y más cuando tienes hijos… [Ríe]…que te pones a currar por la noche para evitar que me molesten, en plena faena, con mucha adrenalina, haciendo de todo, hasta poner lavadoras…[Ríe]…para no perder la motivación, a las cinco de la mañana…pero es ahí cuando tengo que pensar en acostarme para dormir algo y poder llevar a Candela al colegio.
“Cambio de piel es unos de los discos más luminosos de todos lo que he hecho”
Esas letras, esas composiciones ¿Las pones a disposición de alguien antes de encorsetar el tema?
No. Para mí es un proceso muy íntimo. Me las grabo y las escucho para familiarizarme con el tema o para encontrar defectos. El siguiente en oírlo es Carlos Jean. Al principio sí, dejaba que sonaran cerca, sobre todo se las cantaba a mi madre. Y es que mi madre me adora ¡Pero cuidado!, es muy crítica, y cuando no le gusta algo me lo dice sin miramientos, sin pelos en la lengua.
Has hablado de Carlos Jean…suponemos que parte vital de la Bebe actual…
Sin duda…y seguimos trabajando igual…le sigo tarareando las canciones con mucha vergüenza para que me dé su opinión y él sigue descojonándose de mí… [Ríe]…es vital para mí y la música de este país.
¿Vergüenza?…tú imagen para mucha gente demuestra todo lo contrario…quizá ese carácter se reflejaba más en tus inicios en Badajoz…tú con tu guitarra por el Bocoy y la Cabeza del Toro…
…El concierto la Cabeza del Toro no se me olvidará en la vida, mi primer concierto yo sola, bueno, y con Javi Caldito…y fue una maravilla, nos compenetramos muy bien, yo no manejaba muy bien la guitarra… tampoco es que ahora controle mucho más… [Ríe]…yo era una niña literalmente y allí estaban todos los “míticos” de Badajoz…Gecko y sus Animal Crackers, Gene…y yo cantando mis cositas ante ellos…fue muy emocionante.
…emocionante y duros…
Sí, a los conciertos venían mis amigos y familiares… ¡Y mis padres por si venía la policía! porque la mayoría de los bares por entonces no tenían licencia.
Supongo que esa etapa la recuerdas cada vez que sacas un disco, que la tienes en la mochila de tu memoria para construir tu futuro profesional y personal…
Tanto que aún seguimos en el local de ensayo de mis inicios…cambias de piel no de persona…eso es lo bonito de la vida…vivir las etapas y yo estoy en una etapa que me apetece mucho disfrutar.
“He cortado con todo, he empezado de cero”
Retomamos la parte musical… ¿Qué supone Carlos Jean en tu sangre productiva?
Maravilloso, espectacular, me siento orgullosísima de estar a su lado en mis proyectos…hacía tiempo que no nos juntábamos, desde el segundo disco, y él hacía tres años que no hacían producción musical, entonces nos hemos cogido con más ganas. Es un disco que sólo lo podía haber hecho con él por el nivel de intimidad que tiene y por el proceso de producción, donde teníamos hasta horarios escolares por nuestros niños… [Ríe]….Carlos Jean te lleva a lugares que tú no llegas sola, te lleva a lugares que tú puedes soñar, y te traduce lo que tú intentas expresar de manera tosca. Al principio me gustaba ver como trabajaba con el ordenador y mola mucho ver el dibujo de la canción, las piezas, los colores, los ritmos, pero esta vez me he aislado para que trabajase a su aire, aunque estuviese a su lado.
¿Qué chispa podemos ver de su trabajo en este disco?
Existe un punto de inflexión del sonido de “Cambio de piel” con la canción “Tan lejos, tan cerca”, en que Carlos de repente le dio a una teclita y se puso a investigar unos sonidos espectaculares, con esas tubas y demás que han hecho que el disco brille mucho más.
…El disco tiene un brillo especial y mucho piano…
El piano es el protagonista absoluto, cuando empecé a hacer el primer disco con Carlos, le negué siempre que metiera piano en las canciones…el piano para cuando sea mayor le decía… [Ríe]…y creo que me hecho mayor… [Ríe]
También has crecido, has mudado la piel con la parte visual, tu primer videoclip del disco, “Respirar”, es muy potente…
La parte visual es muy importante, pone imagen a lo que yo estoy diciendo. Me encanta el cine y todo lo relacionado con la imagen y Hernán Zin que es el director, de ese y del segundo videoclip recién rodado “Que llueva”, y yo decidimos la idea y parte del estilo visual. Los videos son importantes y necesarios, estamos en la época digital y necesitamos la inmediatez de todo.
También es necesaria que exista la interpretación en tu trabajo ¿no?
Ni aparco ni abandono el cine, pero las circunstancias son así. El año pasado no pude rodar una peli en Nueva York, un papel interesante…pero justamente en esa fecha lanzábamos el disco. Cuando Cambio de piel esté más rodado entonces podré pensar en la interpretación.
Banda nueva, presentaciones, giras…
Sí cambié toda la banda. Todos los componentes son nuevos, incluso he vuelto a pedirle a mi antiguo batería, Carlos Sánchez, que lo adoro, que me acompañase en esta nueva aventura. Estamos preparando bien los shows, que creemos que son súper importantes para que suene bien el directo y se pueda transmitir el sonido que hemos creado con el nuevo disco. Quiero que también haya una evolución en este aspecto.
“Los conciertos en Extremadura son durísimos para mí, quiero hacerlo tremendamente bien y quizá por eso lo paso bastante mal”
Luis Pastor, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama, Los Aldeanos…muchas colaboraciones pero ¿Vas a componer algún día para otros artistas?
Sí…me apetece mucho meterme a trabajar en la composición para otros artistas, no hablo de colaborar, que lo hago, si no escribir para otros, no me apetece pasarme la vida sólo haciendo conciertos, me gusta, pero necesito componer…es con lo que más disfruto de esta profesión.
…qué pasa con Extremadura… ¿Cuál es tu relación actual con la tierra?
Mi familia vive en Extremadura, es mi tierra, y suelo viajar mucho para estar con los míos…me gusta pasear con mi gente…
…Bebe, mi pregunta va más va encaminada a la parte profesional… ¿Te supone un esfuerzo extra actuar en tu “casa”?
Siempre he estado presente, me han llamado para cantar en Extremadura, sobre todos los primeros años …soy yo la que prefiero no ir…porque simplemente me gusta estar en casa…me cuesta mucho trabajo tocar allí…no quiero que se tome como un menosprecio…al contrario, pero en casa siempre es mucho más difícil y me gusta mucho poder llegar a Badajoz, a mi casa, y estar con mi madre…los conciertos en Extremadura son durísimos para mí, quiero hacerlo tremendamente bien y quizá por eso lo paso bastante mal…y mira que el público, la gente de mi tierra son excepcionales.
Has producido un documental de Hernán Zin que tocó la fibra sensible de la sociedad y rozó los premios Goya… ¿Por qué te embarcaste en esta aventura?
Pues simplemente para reforzar un proyecto tan humano y potente como el de Hernán y sentía la necesidad de darle difusión, creo “Nacido en Gaza” que debería de proyectarse en todos los colegios del mundo. Con “La Guerra contra mujeres”, que fue cuando yo lo conocí, no tuvo el alcance que debería. La nominación en los Goya, al menos, supone mayor difusión para que se pueda extender el magnífico trabajo de Hernán, yo hice un trabajo de mera conexión. Ahora está en plena elaboración de “Nacido en Siria”.
La vida nos hace reír…y llorar…palos de la vida que debemos sobrellevar…
…todavía no puedo hablar mucho de ella…[Largo silencio y lágrimas] …la muerte de Puri (Purificación Mora, amiga íntima y mánager) ha sido un golpe demasiado fuerte…además nosotras los últimos tiempos nos habíamos visto muy poco porque habíamos dejado de trabajar juntas…pensaba que nos podíamos reír de los peces de colores…[Largo silencio y con voz entrecortada]…pensaba que nos íbamos hacer viajas juntas…pero ha dejado cosas maravillosas y lo mejor de todo es que hemos vivido unos años increíbles…[Largo silencio .Apagamos la grabadora]
Rosina Gómez Baeza es toda una institución del arte contemporáneo internacional. Tenerla cerca del MEIAC, desde su faro de intangible dimensión, 20 años directora de ARCO, aporta una pátina de excelencia a un museo concebido para aportar vida cultural.
Gómez Baeza es diplomada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en la Escuela Politécnica de Londres e Historia del Arte y Civilización Francesa en la Universidad Católica de París. Socia Fundadora de YGBART, sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural constituida junto a Lucía Ybarra en enero de 2012. Presidenta Fundadora de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas.
Directora de Investigación y Desarrollo de IFEMA, Institución Ferial de Madrid, desde su creación en 1980 hasta ser nombrada Directora de ARCO en 1986 ejerciendo el cargo hasta 2006. Fundadora de la Colección Fundación ARCO así como de los numerosos programas educativos y de difusión organizados durante este tiempo. Directora Fundadora de la 1ª. Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006), Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008). Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias, dedicado al estudio, investigación, producción y presentación de la obra de artistas y creadores que trabajan en el ámbito del arte, la ciencia, la tecnología y la sociedad (2006-2011). Vocal de la Junta del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), 2015-2019. Miembro del Leadership Group, European Creative Hubs Network, 2015-2017. Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en su edición de 2009 y distinguida con varias condecoraciones, entre ellas, la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana; la Distinción a la Excelencia Europea de la UE; Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa; Premio a la Proyección Internacional del Ayuntamiento de Madrid, Comendadora de la Estrella de la Solidaridad Italiana, Premio MAV a la Gestión Cultural y Medalla de Oro del FAD entre otros reconocimientos.
Rosina, ¿Qué reto, qué importancia tiene la evolución que debe asumir un museo como el MEIAC en estos momentos?
Lo más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto, un museo como el MEIAC, tanto otros, tiene que dar otros servicios. Es baladí recordar que estamos en el siglo XXI pero es que es cierto, no podemos, no debemos de pensar en el museo solamente como un espacio para la conservación y exposición, ni siquiera investigación y estudio. Es insuficiente. Se deben mirar los nuevos horizontes culturales y Extremadura con su magnífico MEIAC están preparados para ello. Ya lo vienen haciendo con NETcospio, con NETarte, una apuesta muy arriesgada en su momento pero tremendamente vanguardista.
Hablas de poder cambiar el arte desde un espacio de arte, un edificio de cultura…
…La cultura es trasformadora, la cultura ayuda a transformar una sociedad, en el sentido del conocimiento, de la pluralidad, de la diversidad, de la inclusión y del desarrollo económico de los pueblos.
Lo más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto
La que ha dado pie a la creación de muchos museos de arte actual…
…a partir de los 80´se ha tejido una red de museos muy interesantes, algunos de ellos con arquitecturas importantísimas, como el Guggenheim, pero también hemos visto que a lo largo de los años iba disminuyendo, reduciéndose los presupuestos sin aportaciones privadas que pudiesen mantener el programa.
El arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte
Antes de que se inaugurase el MEIAC, previamente se presenta en ARCO y con usted como directora.
Se hizo notar, la primera presentación oficial fue en ARCO. Apostamos ambos por el arte latinoamericano, en el 92 era clave crear ese nexo de unión, y ya tuvimos una gran presencia de galería de América Latina, pero mantuvimos el ritmo en Arco. El Reina Sofía por ejemplo no mantuvo ese vínculo, pero era una decisión lógica, pero el MEIAC si tuvo continuidad. Y el arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte. Se adelantó a muchos museos en ese aspecto.
