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  • Cáceres 2031 suma el apoyo de AGCEX

    Cáceres 2031 suma el apoyo de AGCEX

    La Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) se ha adherido a la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 con la firma de su manifiesto de adhesión.

    Victoria Paniagua y Ana Aznar, en representación de AGCEX, formalizaron la adhesión junto a Iris Jugo, coordinadora general de Cáceres 2031. Este respaldo abre además una vía de colaboración entre ambas entidades, que ya están trabajando en proyectos comunes vinculados a la candidatura.

    AGCEX desarrolla su actividad en Extremadura desde 1994 y reúne a profesionales de la gestión cultural de los ámbitos público y privado. Entre sus objetivos se encuentran el reconocimiento de la profesión, la formación, la generación de espacios de encuentro y reflexión y la promoción de la cultura a través de proyectos propios y en colaboración con otras entidades.

    La incorporación de AGCEX a la candidatura de Cáceres 2031 a Capital Europea de la Cultura suma la experiencia y el conocimiento de una entidad estrechamente vinculada al tejido cultural extremeño y refuerza el trabajo compartido de cara a la construcción del proyecto cultural de 2031.

  • Trece maneras de subir a escena: Badajoz abre el telón de su 49º Festival Internacional de Teatro

    Trece maneras de subir a escena: Badajoz abre el telón de su 49º Festival Internacional de Teatro

    Del 10 al 23 de octubre, la ciudad reúne teatro, danza, títeres, música y creación contemporánea en una edición con compañías nacionales e internacionales que vuelve a utilizar el escenario para hablar de aquello que sucede fuera de él

    Trece funciones, catorce días y muchas maneras diferentes de contar qué nos está pasando. El Festival Internacional de Teatro de Badajoz alcanza su 49ª edición del 10 al 23 de octubre y lo hace a solo un año de cumplir medio siglo, con una programación que vuelve a cruzar compañías, generaciones y lenguajes escénicos. No habrá una única puerta de entrada. Se podrá llegar desde la danza, el teatro físico, la comedia, los títeres, la música en directo o una escena prácticamente desnuda de palabras. También desde asuntos que permanecen ahí cuando se apagan las luces: el paso del tiempo, el poder, la identidad, la amistad, el miedo, la libertad, las relaciones familiares o esa necesidad tan humana de saber hacia dónde vamos cuando ni siquiera tenemos demasiado claro dónde estamos.

    El primer movimiento llegará desde Portugal. Quorum Dance Company inaugurará el festival con Hashtag#Free, dirigida y coreografiada por Daniel Cardoso, una pieza que elimina las amarras estilísticas para dejar que movimiento, espacio y emoción construyan un espectáculo alrededor de la libertad creativa y la espontaneidad. La compañía portuguesa conoce bien Badajoz: ya pasó por el festival en 2019 con Fado y regresó en 2024 con Dragão. Después llegará el caos, literalmente. Teatre de L’Abast mezcla en Caos amistad, amor y decisiones vitales con conceptos como la relatividad, la entropía o las propias leyes del caos. Tres amigos intentando ordenar sus vidas mientras el universo parece empeñado en recordarles que el orden absoluto quizá nunca existió.

    Desde Uruguay, Coriolis cambia completamente el registro con Manual: teatro visual sin texto construido con cuerpos, objetos y, especialmente, manos. Sin necesidad de palabra, la compañía aborda asuntos como la soledad, el miedo, el machismo, la violencia, el trabajo, el poder o la sobreinformación. Y de repente, una silla. Una silla gigante, para ser exactos. A la fresca, de Anna Confetti, recupera desde el clown y el humor aquella costumbre tan reconocible de sacar las sillas a la calle cuando caía la tarde. Tres personajes convierten ese gesto cotidiano en una reivindicación de algo que parece pequeño pero no lo es: la calle como espacio para encontrarse, hablar, compartir y vivir juntos.

    Reírse también del paso del tiempo

    La comedia atraviesa buena parte de la programación, aunque casi nunca llega sola. María Paz Sayago protagoniza No estoy de frente, dirigida por Chiqui Carabante y Paco León, donde una menopausia prematura abre un recorrido cargado de humor ácido por la madurez, la enfermedad, la familia, el paso del tiempo y las expectativas sociales que acompañan a las mujeres. Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá, de Las Ignífugas, gira después hacia una experiencia mucho más física y sonora. Dramaturgia, interpretación, música y foley en directo construyen un paisaje alrededor de la fragilidad, la rabia y diferentes estructuras de opresión. Y El funeral, de Teatro de las Esquinas/Teatro y Moche, vuelve a cambiar las reglas para reunir música en directo, absurdo y participación del público alrededor de algo aparentemente poco festivo: enterrar al abuelo Dimitri. El resultado, sin embargo, es una celebración de la vida.

    Dos Ionesco y dos generaciones

    El festival reserva además un espacio especial para Eugène Ionesco. Atalaya presenta El rey se muere, con Carmen Gallardo encabezando un reparto de seis intérpretes. Un rey autoritario recibe una noticia bastante difícil de negociar: morirá al terminar la representación. Desde ahí, Ionesco construye una tragicomedia sobre la condición humana, la muerte y la fragilidad del poder. El segundo Ionesco llegará desde Extremadura. El Taller de Fin de Estudios de Interpretación de la ESAD de Extremadura llevará a escena Rinoceronte, una fábula sobre la fuerza del pensamiento uniforme, el conformismo y la pérdida de identidad. Dos textos del mismo autor, dos montajes y dos generaciones distintas mirando hacia problemas que, muchas décadas después de ser escritos, continúan teniendo bastante que decir.

    Del miedo a Halley

    También habrá teatro para entrar al festival desde pequeño. Camuñas, de Katua & Galea Teatro, recupera las historias del coco, el hombre del saco y el tío Camuñas para convertirlas en un espectáculo de títeres sobre el miedo y, sobre todo, sobre la posibilidad de enfrentarse a él. El tramo final vuelve a mirar directamente al presente. Dysphoria, escrita y dirigida por María Goiricelaya y protagonizada por Gema Matarranz, plantea desde la ficción documental cuestiones relacionadas con la identidad de género y las consecuencias familiares y sociales que acompañan a sus protagonistas. El montaje llega además respaldado por el Premio Lorca 2026 al Mejor Espectáculo y a la Mejor Intérprete Femenina y el Premio del Público de la Feria de Teatro de Castilla y León 2025. Después aparecerá Halley. La compañía navarra Led Silhouette, Premio Ojo Crítico de Danza 2025, toma como referencia el cometa para hablar mediante danza contemporánea de aquello que regresa, de los ciclos históricos, el tiempo, la identidad y la esperanza.

    Y para terminar, Color. Animasur cerrará el festival el 23 de octubre poniendo el foco sobre las relaciones entre amo y siervo, poder y sometimiento. Una compañía con más de 26 años de trayectoria y un Premio Max al Mejor Espectáculo de Calle que lleva hasta Badajoz una propuesta que conecta esas relaciones de dominación con la desigualdad, las guerras o la crisis climática.

    El festival fuera del escenario

    La edición amplía además su mirada más allá de las trece funciones. Habrá presentación de APEDEX, Asociación de Profesionales de la Danza de Extremadura; un workshop de danza contemporánea con Daniel Cardoso; un taller infantil de teatro de sombras de Katua & Galea en Fundación CB y las III Jornadas de UAPEX, que pondrán sobre la mesa las oportunidades laborales y la situación profesional de actores y actrices dentro del tejido cultural extremeño.
    Las entradas costarán 15 euros, con precio reducido de 10 euros para carné joven, pensionistas, desempleados y profesionales del sector. El abono completo para las trece funciones tendrá un precio de 85 euros, mientras que Camuñas contará con entrada infantil de 6 euros. Los abonados podrán además votar el Premio del Público, que volverá a decidir qué espectáculo ha conseguido conectar mejor con las butacas.

    49 antes de 50

    Hay un número que inevitablemente acompañará esta edición aunque todavía no le corresponda: 50. Porque cuarenta y nueve festivales significan varias generaciones entrando y saliendo de un teatro, cientos de compañías pasando por Badajoz y una ciudad que cada octubre reserva durante unos días un espacio importante para las artes escénicas. Pero el aniversario llegará después. Ahora toca el 49. Del 10 al 23 de octubre, Badajoz vuelve a apagar las luces de la sala para intentar ver un poco mejor lo que sucede fuera de ella.

  • Contempopránea «Treinta años del festival que cambió el indie español desde Extremadura»

    Contempopránea «Treinta años del festival que cambió el indie español desde Extremadura»

    Contempopránea, treinta años en diez capítulos

    Capítulo 1. La carretera que llevaba hasta las canciones

    Hay festivales que se recuerdan por un cabeza de cartel, otros por una cifra de asistentes, algunos por el escenario sobre el que se levantan o por el impacto económico que generan. Contempopránea pertenece a otra categoría. La de aquellos acontecimientos culturales que terminan formando parte de la biografía sentimental de quienes los viven. Durante tres décadas, miles de personas emprendieron cada verano un viaje hacia el suroeste de España sin perseguir la espectacularidad de los grandes recintos ni la comodidad de los macroeventos. Lo hacían guiados por una intuición: en un pequeño municipio extremeño ocurría algo diferente. Allí, entre las murallas medievales del Castillo de Luna y las calles de Alburquerque, la música independiente encontraba un hogar.

    La carretera que conducía hasta el festival era también un recorrido hacia otra forma de entender la cultura. Conforme el paisaje de dehesas sustituía a las autovías y los móviles perdían cobertura, los asistentes comenzaban a desprenderse del ruido cotidiano. Al llegar, no encontraban una ciudad efímera de patrocinadores, pantallas gigantes o zonas VIP. Encontraban un pueblo. Vecinos que abrían sus casas, bares llenos de conversaciones sobre discos, músicos mezclados con el público y una sensación cada vez más difícil de encontrar: la de pertenecer a una comunidad. Y quizá esa decisión explique por qué treinta años después continúa despertando un afecto que trasciende la música.

    Una anomalía llamada Contempopránea

    Cuando el festival nació, en 1996, el mapa de los grandes eventos musicales españoles apenas estaba dibujado. El fenómeno de los festivales estaba dando sus primeros pasos y el pop independiente seguía ocupando una posición periférica dentro de la industria. Programar un encuentro dedicado casi exclusivamente a bandas nacionales de la escena indie en un pueblo de poco más de cinco mil habitantes parecía una idea destinada al fracaso. Sin embargo, precisamente esa aparente desventaja terminó convirtiéndose en su principal fortaleza. Mientras otros festivales competían por crecer, Contempopránea eligió especializarse. Apostó por descubrir grupos antes de que llenaran pabellones, por cuidar la experiencia del público antes que las cifras de asistencia y por construir un cartel coherente antes que perseguir tendencias pasajeras. Con el tiempo, aquella decisión acabaría convirtiendo al festival en uno de los grandes prescriptores del pop independiente español. Muchas de las bandas que hoy forman parte del canon del indie pasaron primero por sus escenarios cuando todavía eran promesas. Allí crecieron, encontraron un público fiel y comenzaron a construir una relación de complicidad que, en numerosos casos, continúa vigente.

    Mucho más que un festival

    Hablar de Contempopránea únicamente como un evento musical sería reducir su verdadera dimensión. Fue también un laboratorio cultural, un escaparate para nuevos creadores y un espacio donde varias generaciones aprendieron que la independencia no era una etiqueta comercial, sino una actitud. Durante treinta años, el festival sobrevivió a cambios políticos, crisis económicas, transformaciones tecnológicas y profundas mutaciones en la industria musical. Vio desaparecer los fanzines y nacer las plataformas digitales; convivió con la caída del CD, la revolución del streaming y la multiplicación de festivales por toda España. Sin embargo, nunca perdió aquello que lo hacía reconocible: una identidad propia. El propio Agustín Fuentes, creador y director del festival, ha explicado en distintas entrevistas que el proyecto nació «por pura pasión y vocación», sin una finalidad empresarial inicial. «Podía haber montado una banda de pop, pero no se me daba bien la guitarra, así que montamos el festival», recuerda con humor al evocar aquellos primeros años. Esa frase resume mejor que cualquier eslogan la filosofía de Contempopránea. Antes que una empresa, fue el sueño de un aficionado que quiso compartir con otros la música que le emocionaba.

    La memoria de un lugar

    Alburquerque dejó de ser únicamente un escenario para convertirse en parte inseparable del relato del festival. El Castillo de Luna, las laderas donde se instaló el recinto, la piscina municipal, las zonas de acampada o las terrazas donde terminaban las noches forman parte del imaginario colectivo de miles de asistentes. Allí nacieron amistades, proyectos musicales, relaciones sentimentales e incluso familias que hoy regresan con hijos que no habían nacido cuando se celebraron las primeras ediciones. Pocas veces un territorio y un festival han quedado tan estrechamente vinculados.

    Treinta años después

    Este aniversario no representa únicamente una cifra redonda. Supone la confirmación de que un proyecto nacido desde la periferia cultural fue capaz de influir en la historia del pop independiente español sin renunciar a sus principios. La celebración del treinta aniversario mira inevitablemente hacia el futuro, pero también invita a volver la vista atrás para comprender cómo un pequeño festival extremeño consiguió convertirse en una referencia nacional. Treinta años después, Contempopránea sigue demostrando que la mejor forma de permanecer no siempre consiste en crecer. A veces basta con conservar intacta el alma con la que comenzó todo.

    Capítulo II. Cuando todo era imposible

    1996: la aventura de organizar un festival indie en un rincón de Extremadura. En 1996 la palabra festival significaba algo muy distinto a lo que significa hoy. No existían las pulseras inteligentes. Ni los escenarios patrocinados por multinacionales. Ni las aplicaciones móviles con horarios interactivos. Ni las zonas VIP. Ni las retransmisiones en directo por redes sociales. Tampoco había una industria que moviera millones de euros cada verano alrededor de la música en vivo. A mediados de los años noventa, los festivales eran todavía una rareza en España. El fenómeno apenas comenzaba a despuntar y la escena independiente seguía siendo un territorio casi clandestino, alimentado por programas de Radio 3, revistas especializadas, fanzines fotocopiados y pequeñas tiendas de discos donde cada compra suponía un descubrimiento. En ese contexto nació Contempopránea.

    El país que todavía no conocía los festivales

    La España musical de 1996 vivía un momento de transición. El rock urbano seguía dominando buena parte del panorama nacional. El pop comercial copaba las listas de ventas. La música electrónica comenzaba a abrirse paso y el término indie todavía era utilizado por una minoría de aficionados que seguían con devoción a grupos nacionales e internacionales alejados de los grandes circuitos comerciales. Ese mismo año aparecían discos fundamentales de la escena alternativa, mientras bandas como Los Planetas empezaban a redefinir el sonido de una generación. Sin embargo, apenas existían espacios donde reunir a ese público disperso. Festimad, Viña Rock, y el que nacía el mismo año, el Doctor Music Festival, pero el precedente más importante era el Festival Internacional de Benicàssim (FIB), cuya primera edición se celebró en 1995. Aquella experiencia marcó profundamente a muchos aficionados, entre ellos un periodista extremeño apasionado por la música independiente llamado Agustín Fuentes. Fuentes ha contado en diferentes entrevistas que la visita al primer FIB fue decisiva. Aquella concentración de bandas nacionales e internacionales le hizo pensar que un formato similar podía adaptarse a la realidad de Extremadura, aunque desde una escala completamente distinta y con una personalidad propia.

    Una pasión antes que un negocio

    La historia de Contempopránea no comenzó con un plan empresarial. Mucho antes de organizar el festival, Agustín Fuentes ya llevaba años promoviendo conciertos en Alburquerque. Durante los años ochenta habían pasado por la localidad grupos como Gabinete Caligari, Glutamato Ye-Yé, Siniestro Total o Los Enemigos, experiencias que demostraban que incluso un municipio alejado de los grandes circuitos podía convertirse en escenario de la música contemporánea. Aquellas iniciativas fueron el verdadero laboratorio de Contempopránea. En una entrevista concedida años después, Fuentes resumía aquel momento con una sinceridad desarmante: «Emprendimos un proyecto por pura pasión y vocación y no tenía inicialmente miras empresariales. Podía haber montado una banda de pop, pero no se me daba bien la guitarra, así que montamos el festival.»

    ¿Por qué Alburquerque?

    La pregunta parecía inevitable. ¿Por qué organizar un festival de pop independiente en una localidad situada lejos de Madrid, Barcelona o Valencia? La respuesta nunca tuvo que ver con estrategias de mercado. Tenía que ver con el territorio. Agustín Fuentes siempre ha defendido que aquellas laderas junto al Castillo de Luna ya habían acogido conciertos mucho antes de la creación del festival. Era un espacio conocido, cargado de simbolismo para quienes habían organizado actividades culturales en el municipio durante los años anteriores. Además, Alburquerque era su casa, el lugar donde había echado raíces y donde creía que era posible construir algo diferente. Mientras otros certámenes levantaban escenarios sobre explanadas anónimas, Contempopránea encontraba un marco casi cinematográfico: un castillo medieval, un bosque mediterráneo de encinas y alcornoques y un pueblo que, durante unos días al año, cambiaba completamente de ritmo.

    La primera edición

    Hoy resulta difícil imaginarlo. Pero la primera edición estuvo muy lejos de la perfección. Todo era improvisación. Todo era aprendizaje. En una conversación con Mondosonoro, Agustín Fuentes recordaba aquellos comienzos como una experiencia profundamente amateur: «unos comienzos muy punk, ‘hazlo tú mismo’, con entrada gratuita». El festival se hacía únicamente con los recursos disponibles y cada mejora dependía de la confianza que poco a poco fueron depositando instituciones y patrocinadores. «Siempre hicimos un festival a la medida del presupuesto real con el que se contaba», explicaba.

    Una apuesta por el pop español

    Mientras muchos festivales buscaban legitimarse mediante grandes nombres internacionales, Contempopránea tomó una decisión que marcaría su personalidad para siempre. Confiar en las bandas nacionales…salvo una visita utópica de Morrisssey…era una elección casi ideológica. Fuentes ha explicado en numerosas ocasiones que el objetivo consistía en dar visibilidad al pop independiente español y servir como escaparate para grupos que apenas comenzaban su trayectoria. Aquella apuesta permitió que numerosas formaciones actuaran en Alburquerque antes de convertirse en referentes del género. Con los años, nombres como Lori Meyers, Sidonie, La Habitación Roja, La Casa Azul o Tachenko formarían parte de esa historia compartida entre el festival y la evolución del indie español. «Yo también sé la fórmula para llenar el festival. Lo difícil es hacerlo con criterio.»

    Capítulo III. El castillo que escuchaba guitarras

    Alburquerque, el escenario que convirtió un festival en una experiencia

    Durante casi tres décadas, el Castillo de Luna no fue únicamente la silueta que presidía el cartel de Contempopránea. Fue un personaje más del festival. Un testigo silencioso que contempló cómo miles de personas llegaban cada verano hasta Alburquerque para demostrar que la música independiente también podía escribirse lejos de las grandes capitales.

    La llegada

    El viaje hasta Alburquerque siempre formó parte del festival. No existía una estación de tren abarrotada de mochilas ni interminables caravanas de vehículos de producción. El camino obligaba a abandonar las grandes vías de comunicación y adentrarse en una Extremadura de dehesas, encinas y pueblos blancos donde el tiempo parecía transcurrir con otro ritmo. Muchos asistentes recuerdan todavía la emoción de divisar, a lo lejos, la silueta del Castillo de Luna recortándose sobre el horizonte. Era la señal inequívoca de que el viaje había terminado. En ese instante comenzaba Contempopránea.

    Un festival integrado en un pueblo

    Uno de los grandes aciertos de Contempopránea fue no aislarse del municipio que lo acogía. Muchos festivales funcionan como ciudades provisionales donde el visitante apenas mantiene contacto con el entorno. El público entra al recinto y sale días después sin haber conocido realmente el lugar. En Alburquerque sucedía exactamente lo contrario. El festival se mezclaba con la vida cotidiana. Las cafeterías se convertían en improvisados puntos de encuentro entre periodistas y músicos. Las plazas acogían conversaciones sobre discos recién publicados. Las tiendas ampliaban horarios. Los bares cambiaban su banda sonora. Los hostales colgaban el cartel de completo. Los vecinos aprendían a convivir con miles de visitantes que, lejos de alterar la identidad del pueblo, terminaban integrándose en ella. Era frecuente cruzarse con los propios artistas paseando por las calles, desayunando en cualquier terraza o visitando el castillo antes de actuar aquella misma noche. La distancia entre escenario y público prácticamente desaparecía. Y eso marcaba una diferencia enorme.

    Dormir bajo las estrellas

    La experiencia Contempopránea no terminaba con el último concierto, durante años, el camping fue una prolongación natural del festival. Allí se compartían, desayunos improvisados, intercambios de hielos, recomendaciones musicales y conversaciones que se alargaban hasta bien entrada la mañana. Muchos asistentes regresaban cada verano al mismo lugar del camping, ocupaban prácticamente la misma parcela y reencontraban a personas conocidas durante ediciones anteriores.

    El lujo de la cercanía

    En los grandes festivales actuales resulta habitual que los artistas permanezcan aislados en zonas restringidas. En Contempopránea ocurría justo lo contrario. Era posible encontrarse a miembros de Los Planetas tomando un café. Compartir conversación con músicos de La Habitación Roja. Coincidir con periodistas musicales de referencia. Pedir un autógrafo sin colas interminables. Esa cercanía nunca fue una estrategia de comunicación. Era simplemente la consecuencia de un festival pensado a escala humana. Agustín Fuentes siempre defendió esa filosofía. En diversas entrevistas ha explicado que uno de los mayores valores del festival residía precisamente en mantener una relación directa entre artistas y público, huyendo del modelo de macrofestival donde ambos mundos apenas llegan a cruzarse.

    El castillo también escuchaba

    Con el paso de los años comenzó a suceder algo curioso. Cuando alguien pensaba en el Castillo de Luna ya no lo asociaba únicamente a la historia medieval de Extremadura. También recordaba conciertos. Canciones. Noches de agosto. Los Planetas. Maga. La Habitación Roja. Nosoträsh. Cooper. Lori Meyers. Aquellas piedras centenarias comenzaron a acumular otra clase de memoria. Una memoria sonora. Y durante treinta años el castillo escuchó miles de guitarras.

    Capitulo VI. Agustín Fuentes. El hombre que soñó un festival imposible

    «Fuimos pioneros. Treinta años después volvemos al origen para recordar por qué empezamos.»

    En el año 1996 unos cuantos grupos de la región, apasionados por la música, pusieron banda sonora al impertérrito Castillo de Alburquerque, un decorado que se convertiría en un remake permanente, un premio goya sin fallo al mejor festival de la escena indie. La Real Academia de Agustín Fuentes, el fundador y el único cabeza de cartel fijo de cada edición define a este género de música, el indie, como aquello que le dijo a su novia tras escuchar una canción de The Smiths; cariño, he escuchado un grupo de Manchester que marcará una época en el panorama musical. De eso hace 30 años, y tras meter toda su pasión en un escenario sin pretensiones, y tras desdobles en Badajoz o Don Benito, aún siguen los muros del castillos rezumando pop.

    Cuando en 1996 Agustín Fuentes decidió organizar un festival de pop independiente en Alburquerque, apenas existían referencias similares en España. Tres décadas después, Contempopránea forma parte de la historia de la música independiente y continúa defendiendo la misma filosofía: priorizar las canciones, cuidar al público y demostrar que la identidad vale más que cualquier moda.

    ¿Imaginaste hace 30 años que un festival como Contempopránea seguiría dando «batalla»?  
    Sinceramente, no. En 1996 nadie podía imaginar que un festival de música independiente nacido en un pueblo de Extremadura cumpliría treinta años. Nosotros solo queríamos hacer las cosas como nos gustaban. Quizá por eso seguimos aquí. Nunca perseguimos las modas; perseguimos las canciones. Y cuando uno es fiel a una idea durante tanto tiempo, la batalla casi se libra sola

    Capítulo V. Los conciertos que hicieron historia

    Treinta años de noches irrepetibles

    Un festival no se mide únicamente por el número de artistas que pasan por su escenario. Tampoco por las entradas vendidas o por los nombres que aparecen en un cartel. Los grandes festivales construyen su historia a partir de momentos. Un acorde inesperado. Una canción cantada por miles de personas. Una banda que todavía era desconocida y que, años después, acabaría llenando pabellones. Contempopránea ha vivido cientos de conciertos memorables. Elegir unos pocos siempre será injusto, pero algunos permanecen grabados en la memoria colectiva porque simbolizan mejor que ningún otro la esencia del festival.

    Los Planetas. El grupo que dio prestigio a una generación

    Hablar de Contempopránea sin hablar de Los Planetas resulta imposible. La banda granadina acompañó al festival durante buena parte de su crecimiento y terminó convirtiéndose en uno de sus grandes emblemas. Su presencia suponía mucho más que un concierto: era la confirmación de que el pop independiente español tenía ya un lenguaje propio. Cada actuación de Los Planetas era recibida como un acontecimiento. No solo por la calidad de su repertorio, sino porque representaban el espíritu de una escena que estaba cambiando la música española. Su relación con Contempopránea ayudó a consolidar el prestigio del festival dentro del circuito indie nacional.

    Maga. La emoción hecha canción

    Si existe un grupo que representa la sensibilidad de Contempopránea, probablemente sea Maga. Las canciones de Miguel Rivera y los suyos parecían escritas para sonar en las noches de Alburquerque. La delicadeza de sus letras, la elegancia de sus melodías y la conexión emocional con el público hicieron de cada visita una experiencia difícil de olvidar. No es casualidad que el 30 aniversario vuelva a contar con Miguel Rivera revisitando el repertorio de Maga. Es una forma de cerrar el círculo entre una banda y un festival que crecieron prácticamente de la mano.

    La Habitación Roja. La fidelidad convertida en tradición

    Pocas bandas han mantenido una relación tan constante con Contempopránea como La Habitación Roja. Su historia discurre en paralelo a la del propio festival. Ambos nacieron a mediados de los noventa y ambos han demostrado que la coherencia puede ser una forma de resistencia cultural. Cada regreso de los valencianos suponía un reencuentro con un público que ha crecido junto a sus canciones durante tres décadas.

    Lori Meyers. Cuando dejaron de ser una promesa

    Hubo un tiempo en el que Lori Meyers aún no llenaban grandes recintos. Contempopránea fue uno de los festivales que apostó por ellos cuando todavía eran una banda emergente. Años después, convertidos en uno de los nombres imprescindibles del indie español, su presencia adquirió un significado especial: demostraba la capacidad del festival para descubrir talento antes que nadie.

    Sidonie. El directo como celebración

    Los conciertos de Sidonie siempre aportaron una energía distinta. Su mezcla de psicodelia, pop y actitud festiva encajó perfectamente con el ambiente cercano del festival. La complicidad entre la banda barcelonesa y el público convirtió cada actuación en una celebración colectiva donde era imposible permanecer inmóvil.

    Love of Lesbian. El crecimiento de una generación

    Cuando Love of Lesbian comenzaron a actuar en Contempopránea todavía estaban construyendo el fenómeno en el que terminarían convirtiéndose. El festival acompañó esa evolución. Verlos regresar años después como una de las bandas más importantes del país simbolizaba también el crecimiento de toda una escena musical.

    La Casa Azul. El pop sin complejos

    La aparición de Guille Milkyway aportó un color diferente al festival. Sus conciertos demostraron que el pop más luminoso también tenía espacio dentro del universo independiente. Canciones convertidas en himnos y un espectáculo lleno de referencias visuales ampliaron los horizontes musicales de Contempopránea.

    Nosoträsh. Una historia de justicia musical

    Durante años fueron una de las bandas más queridas por el público del festival. Lejos de grandes cifras comerciales, Nosoträsh encontraron en Contempopránea un lugar donde sus canciones eran comprendidas y celebradas. Su participación en la Fiesta CPOP 30 supone también un reconocimiento a una formación imprescindible para entender el indie español de finales de los noventa y comienzos del nuevo siglo.

    Australian Blonde. Los pioneros

    Cuando el indie español todavía estaba escribiendo sus primeras páginas, Australian Blonde ya ocupaban un lugar privilegiado. Su presencia en Contempopránea ayudó a conectar el festival con la primera gran generación del pop alternativo nacional y confirmó la voluntad de Agustín Fuentes de reunir en Alburquerque a los nombres fundamentales del movimiento.

    Vetusta Morla. El futuro llegó al castillo

    Pocas trayectorias simbolizan mejor la evolución del pop español en el siglo XXI. Cuando Vetusta Morla comenzaron a abrirse camino, Contempopránea ya había demostrado durante años su capacidad para detectar talento. Su paso por el festival confirmó que una nueva generación estaba preparada para tomar el relevo de los grupos históricos.

    Mucho más que un cartel

    Sería injusto reducir la historia de Contempopránea a una decena de nombres. Por sus escenarios también pasaron Mercromina, Cooper, Sexy Sadie, Los Enemigos, The Sunday Drivers, Nacho Vegas, Niños Mutantes, Second, Dorian, Russian Red, Zahara, Supersubmarina, Tachenko, Pauline en la Playa, Nadadora, La Buena Vida, Señor Chinarro y decenas de bandas que encontraron en Alburquerque un público dispuesto a escuchar sin prejuicios. No programar únicamente a los artistas más populares. Sino ayudar a construir la historia del pop independiente español desde el escenario de un pequeño pueblo extremeño. Porque muchos grupos tocaron en Contempopránea. Solo unos pocos consiguieron que Contempopránea también formara parte de su propia historia.

    Capítulo VI. Cuando Extremadura subió al escenario

    El compromiso de Contempopránea con la música extremeña

    Contempopránea nunca quiso ser un festival que llegara a Extremadura de espaldas a Extremadura. Desde su nacimiento, el proyecto dirigido por Agustín Fuentes entendió que un festival no debía limitarse a contratar artistas consagrados. También tenía la responsabilidad de descubrir, impulsar y dar visibilidad a los músicos que nacían en la tierra que lo acogía. Si Contempopránea pretendía convertirse en una referencia cultural, debía hacerlo también desde el compromiso con la creación local. Durante treinta años, decenas de bandas extremeñas encontraron en sus escenarios una oportunidad que difícilmente habrían tenido en otros festivales nacionales.

    Mucho más que una cuota regional

    Nunca existió una «cuota extremeña». Los grupos de la región no actuaban por su lugar de procedencia. Lo hacían porque compartían una manera de entender la música. Agustín Fuentes siempre defendió que la calidad artística era el único criterio posible. Pero también entendía que un festival construido en Extremadura debía convertirse en un escaparate para quienes intentaban abrirse camino desde una comunidad tradicionalmente alejada de los grandes focos de la industria musical. Aquella filosofía terminó convirtiéndose en una de las señas de identidad de Contempopránea.

    Una cantera para el indie extremeño

    A lo largo de tres décadas pasaron por el festival algunos de los nombres más representativos de la escena alternativa extremeña. Bandas que encontraron en Alburquerque un escenario desde el que proyectarse hacia el resto del país. Entre ellas destacan Cajón de Sastre, Bloomington, Galáctica, Nóbel, Psichotic Foster’s, Los Autonautas o Digital 21, proyectos que ayudaron a consolidar una escena regional con personalidad propia y que encontraron en Contempopránea un escaparate privilegiado ante prensa especializada, programadores y público llegado de toda España. Bandas con la que arrancó el festival y con el que sigue generando nuevas agrupaciones: Los Ganglios, Hombre Tigre, Bolsa de moscas, Primos DJ, Patronato, Subterráneos, Left Brothers, Violent Popes, No Fishing, The Wichards, Lich, Julien Elsie, Gecko Turner, Chloé Bird o Balarrasa

    Capítulo VII. El festival sale de excursión

    Cuando Contempopránea decidió viajar sin dejar de ser él mismo

    Durante muchos años hubo una frase que parecía incuestionable. Contempopránea era Alburquerque. No era una simple ubicación geográfica. Era una identidad. Una forma de entender el festival. Un vínculo emocional construido edición tras edición entre el público, el pueblo y el Castillo de Luna. Pero la historia de Contempopránea también es la historia de un proyecto que supo adaptarse a los cambios sin perder su esencia. Y esa capacidad de evolución llevó al festival, en distintos momentos de su trayectoria, a salir de casa. No para marcharse. Sino para ampliar horizontes.

    La primera aventura. Badajoz, la ciudad que abrazó el indie

    Entre todas esas paradas, Badajoz ocupó un lugar destacado. La capital pacense llevaba años consolidando una programación cultural cada vez más amplia y ofrecía infraestructuras capaces de acoger propuestas de mayor formato. Contempopránea encontró allí un público que ya lo sentía como propio. Las ediciones celebradas en la ciudad acercaron el festival a nuevos espectadores que quizá nunca habían viajado hasta Alburquerque, pero que compartían la misma pasión por la música independiente. Mercury Rev, The Horrors, Izal, Pet Shop Boys, Vitalic, Vetusta Morla, Dorian, Xoél López, Dover, Lori Meyers, The Charlatans, Sidonie, Dorian, León Benavente, Zahara o Christina Rosenvinge formaron parte del cartel de esos años en Badajoz.

    Otra mudanza. Pandemia, frontera rayana y una reconstrucción.

    En 2021, todavía bajo las limitaciones derivadas de la pandemia, Olivenza acogió una edición especial que sirvió como banco de pruebas para el futuro del festival. La experiencia fue positiva y abrió la puerta a un nuevo horizonte. Al año siguiente, el Ayuntamiento oliventino anunció la llegada definitiva de Contempopránea, definiendo el momento como «histórico» y apostando por convertir la ciudad en un referente del pop independiente. Pero Agustín Fuentes insistió desde el primer momento en una idea fundamental: Contempopránea no era únicamente un lugar físico. Era una manera de programar música y de relacionarse con el público.

    El cambio más difícil

    Ninguna decisión en la historia del festival generó tanta conversación como el traslado de su sede principal a Don Benito. Después de casi tres décadas en Alburquerque, el cambio suponía cerrar una etapa profundamente ligada a la memoria sentimental de varias generaciones. No fue una decisión sencilla. Agustín Fuentes ha explicado en diferentes entrevistas que la continuidad del festival exigía encontrar un modelo que garantizara su viabilidad a largo plazo. Las dificultades económicas acumuladas durante los últimos años, junto a la necesidad de disponer de mejores infraestructuras, llevaron a iniciar una nueva etapa. «No fue una decisión deseada, fue una decisión necesaria», ha venido a resumir el director del festival al explicar un proceso en el que pesaron tanto la realidad económica como el futuro del proyecto.

    El regreso al origen

    La respuesta llegó con motivo del treinta aniversario. En lugar de elegir entre pasado y futuro, Contempopránea decidió abrazar ambos. La Fiesta CPOP 30, celebrada en agosto de 2026 en las laderas del Castillo de Luna, representa mucho más que un evento previo al festival de octubre. Es un homenaje. Un regreso consciente al lugar donde nació todo.

    Capítulo VIII. La otra mitad del escenario

    El público que convirtió un festival en una familia

    Existe una frase muy repetida en el mundo de la música que dice que un concierto no termina de existir hasta que alguien lo escucha. Si eso es cierto, Contempopránea nunca habría cumplido treinta años sin su público. Porque la verdadera historia del festival no puede contarse únicamente a través de los carteles, los artistas o los escenarios. Hay otra historia, menos visible, que discurre paralela desde 1996. La de miles de personas que decidieron convertir una escapada musical en una tradición de vida. Ellos son la otra mitad del festival.

    El público más respetuoso

    Uno de los mayores orgullos de la organización siempre fue el comportamiento de sus asistentes. En una época en la que muchos festivales comenzaron a convivir con problemas derivados del consumo excesivo de alcohol o las drogas, el deterioro de espacios públicos o los conflictos vecinales, Contempopránea mantuvo un ambiente sorprendentemente tranquilo. El público entendía que el pueblo no era un simple escenario alquilado durante un fin de semana. Era la casa que acogía el festival.

    La memoria sentimental

    Preguntar a un asistente habitual cuál fue el mejor concierto de Contempopránea suele producir una respuesta inesperada. Muchos no hablan de un artista. Hablan de un momento. La primera vez que fueron. La noche que conocieron a quien hoy es su pareja. Una conversación en el camping. Una madrugada viendo amanecer después del último DJ. Una fotografía junto al Castillo de Luna. Eso explica mejor que cualquier estadística lo que ha significado este festival. Las canciones eran importantes. Pero casi siempre terminaban convirtiéndose en el telón de fondo de algo mucho más grande.

    Capítulo IX. Mucho más que un festival

    El impacto cultural y económico de Contempopránea en Extremadura

    Cuando Contempopránea nació en 1996, pocos podían imaginar que un festival de pop independiente acabaría convirtiéndose en uno de los proyectos culturales más importantes surgidos en Extremadura durante las últimas décadas. Su éxito no puede medirse únicamente por el número de conciertos celebrados, los artistas que pasaron por sus escenarios o las entradas vendidas. Su verdadera dimensión reside en haber demostrado que la cultura también podía convertirse en una herramienta de desarrollo territorial, de promoción turística y de construcción de identidad. Treinta años después, Contempopránea forma parte de la historia musical de España, pero también de la historia contemporánea de Extremadura.

    Poner a Extremadura en el mapa del pop

    Durante los años noventa, la imagen exterior de Extremadura estaba ligada principalmente a su patrimonio histórico, sus espacios naturales y su riqueza gastronómica. Pocos relacionaban la región con la música contemporánea. Contempopránea cambió esa percepción. Cada verano, periodistas especializados, fotógrafos, músicos y miles de asistentes llegaban desde distintos puntos del país para participar en un festival que aparecía regularmente en las páginas de revistas como Rockdelux, Mondosonoro, Ruta 66, Rolling Stone o en programas de Radio 3. De repente, Alburquerque dejaba de ser únicamente una localidad monumental para convertirse en una referencia imprescindible dentro del calendario musical español. El festival proyectó una imagen diferente de Extremadura: joven, creativa, moderna y capaz de generar iniciativas culturales de primer nivel sin renunciar a su identidad.

    La cultura como motor económico

    El impacto económico de Contempopránea nunca respondió al modelo de los grandes macrofestivales. Su aportación fue más silenciosa, pero igualmente significativa. Durante los días de celebración, hoteles, hostales, casas rurales y apartamentos turísticos colgaban el cartel de completo. Restaurantes, bares, comercios y pequeños negocios experimentaban uno de los momentos de mayor actividad del año. La ocupación no se limitaba únicamente a Alburquerque. Municipios cercanos e incluso la ciudad de Badajoz recibían a numerosos asistentes que aprovechaban el festival para conocer la comarca, prolongar su estancia o descubrir otros recursos turísticos de la región. Cada entrada vendida generaba un efecto multiplicador que beneficiaba a numerosos sectores económicos.

    Una inversión en imagen

    Existen impactos imposibles de cuantificar.¿Cuánto vale que miles de personas asocien Extremadura con un festival de referencia? ¿Cuánto cuesta construir una marca cultural capaz de atraer visitantes durante treinta años? Contempopránea consiguió algo que ninguna campaña publicitaria puede garantizar por sí sola: generar prescriptores.

    El orgullo de pertenencia

    Pero el impacto del festival también se sintió dentro de Extremadura. Para varias generaciones de extremeños, Contempopránea representó la demostración de que era posible desarrollar grandes proyectos culturales sin abandonar la región. Muchos jóvenes descubrieron allí nuevas músicas, conocieron artistas que hasta entonces solo habían escuchado en la radio y comprobaron que Extremadura también podía ocupar un lugar protagonista dentro del panorama musical nacional. El festival contribuyó a romper un viejo complejo. El de pensar que las grandes iniciativas culturales solo podían nacer lejos de aquí.

    Del patrimonio histórico al patrimonio cultural

    El Castillo de Luna, las calles de Alburquerque y el paisaje de la comarca forman parte del patrimonio monumental de Extremadura. Contempopránea añadió una nueva dimensión a ese patrimonio. La emocional. Durante treinta años, el festival construyó una memoria colectiva que hoy forma parte del relato contemporáneo de la región.

    Capítulo X. Los próximos treinta años

    El futuro también suena a Contempopránea

    Cumplir treinta años nunca ha sido una meta. Es un punto de partida. En una industria donde los festivales nacen y desaparecen con la misma rapidez con la que cambian las modas, alcanzar tres décadas de historia supone un logro extraordinario. Pero también plantea una pregunta inevitable.

    ¿Cómo será Contempopránea dentro de otros treinta años?

    La respuesta no depende únicamente de la organización. Depende de la música, del público, de las instituciones, de los artistas y, sobre todo, de la capacidad del festival para seguir haciendo lo mismo que hizo en 1996: emocionar.

    El reto de seguir siendo diferente

    Nunca ha sido tan difícil ser un festival independiente. El sector vive una profunda transformación. Los grandes grupos empresariales concentran buena parte de los eventos musicales, los cachés de los artistas aumentan cada temporada y muchos carteles terminan pareciéndose entre sí. La competencia ya no es únicamente nacional; es internacional.

    Descubrir antes que seguir tendencias

    Si algo ha distinguido históricamente al festival ha sido su capacidad para descubrir artistas antes de que se convirtieran en fenómenos de masas. Muchas bandas encontraron en Contempopránea uno de los primeros escenarios donde presentar su música ante un público atento y curioso. Esa función de prescriptor cultural continúa siendo imprescindible. En una época dominada por algoritmos y listas de reproducción, festivales como Contempopránea siguen demostrando que el descubrimiento también puede producirse delante de un escenario. El futuro pasa por mantener viva esa capacidad para sorprender.

    Mientras haya canciones…

    En 1996 nadie podía asegurar que aquel pequeño festival celebrado en Alburquerque llegaría a cumplir treinta años. Hoy tampoco nadie puede garantizar cómo será dentro de otras tres décadas. Pero quizá esa incertidumbre forme parte de su encanto. Los festivales nacen para organizar conciertos. Muy pocos consiguen convertirse en patrimonio sentimental. Contempopránea ya lo ha logrado. Por eso, cuando se apaguen las luces de la edición del treinta aniversario y el último acorde se pierda en la noche extremeña, no terminará únicamente un festival. Porque mientras existan músicos con ganas de contar historias, público dispuesto a escucharlas y personas capaces de creer que la cultura merece la pena incluso cuando parece imposible, Contempopránea seguirá teniendo sentido. Mientras haya canciones, siempre habrá un lugar para Contempopránea.

    Willy López / Félix Méndez / Pakopí

  • Del 875 a 2026: Al-Mossassa devuelve Batalyaws al corazón de Badajoz

    Del 875 a 2026: Al-Mossassa devuelve Batalyaws al corazón de Badajoz

    Del 21 al 27 de septiembre, la ciudad recupera la historia de Batalyaws con una programación que se extiende por la Alcazaba, la Plaza Alta y el Casco Antiguo entre mercado, teatro, música, cetrería, gastronomía, talleres y un ciclo dedicado a Alfonso IX

    Badajoz cumple 1.151 años y vuelve a buscar una parte fundamental de su historia allí donde todavía resulta posible tocarla. En las murallas de la Alcazaba, en el trazado del Casco Antiguo, en la Plaza Alta y en ese conjunto patrimonial que permite comprender que la ciudad actual se ha construido sobre muchas ciudades anteriores. Al-Mossassa Batalyaws 2026, Fiesta de Interés Turístico Regional, se celebra del 21 al 27 de septiembre con una programación que convierte durante una semana el pasado de Badajoz en argumento para ocupar nuevamente sus calles.

    La celebración recuerda la fundación de Batalyaws en el año 875 y lo hace en una edición que amplía espacios y combina la vertiente festiva con otra histórica, patrimonial y cultural. El mercado árabe volverá a ser uno de sus grandes centros de actividad, extendiéndose este año por la Plaza Alta, Plaza de San José y Alcazaba, acompañado por pasacalles, campamentos, talleres, espectáculos, gastronomía, música, poesía, teatro y actividades infantiles.  Antes de que el zoco despliegue toda esa actividad, Al-Mossassa abre una puerta diferente hacia la historia. Desde el lunes 21 hasta el jueves 24, las Antiguas Casas Consistoriales de la Plaza Alta acogen, a las 20:00 horas, un ciclo de conferencias dedicado especialmente a Alfonso IX, con Francisco La Moneda Díaz, José Manuel Rubio Gómez-Caminero, Hermenegildo López González y Margarita Torres Sevilla. Las ponencias recorrerán desde su dimensión como legislador y el Fuero de Badajoz hasta el contexto de 1230 y algunos aspectos menos conocidos de la figura del monarca.

    La Alcazaba vuelve a convertirse en escenario

    El viernes 25 marca el cambio de ritmo. A las 11:30 horas, la explanada de la Alcazaba acogerá la inauguración oficial y comenzará el gran fin de semana de Al-Mossassa. El mercado permanecerá abierto el viernes y el sábado desde las 11:00 hasta la 1:30 de la madrugada y el domingo hasta las 23:00 horas. Durante las tres jornadas, la Alcazaba albergará además una exposición de talleres de artesanía y manualidades.

    La programación recupera también algunos de los ingredientes que han construido la identidad popular de la fiesta. Habrá cetrería, cuentacuentos, danza árabe, pasacalles, talleres infantiles, gastronomía andalusí, exposiciones y veladas poéticas, repartidos principalmente entre los Jardines y la explanada de la Alcazaba y el perímetro del mercado. Una de las propuestas del viernes será el Gran Vestidor de la Taifa del Batalyaws, dedicado a la creación de indumentaria taifa, con turbantes, maquillaje y accesorios. Ya por la tarde llegarán la cetrería, los cuentacuentos y la velada poética, antes de que el teatro tome la explanada.

    A las 21:30 horas se representará Crónicas de un reino, obra escrita y dirigida por Miguel Ángel Latorre e interpretada por José Palacio, Rocío Montero, Miguel Pérez, Raquel Bejarano, Máximo Leal y Pablo Mejías. Una propuesta que incorpora las artes escénicas a un lugar en el que el propio patrimonio funciona como parte natural de la representación.

    Del Batalyaws histórico al Badajoz que ocupa la calle

    El sábado 26 concentra buena parte de la actividad. A los pasacalles, la exposición árabe y las exhibiciones de cetrería se suma la visita guiada “La Fundación”, incluida en el programa 12 Meses, 12 Acontecimientos, que partirá a las 11:00 horas del Museo Luis de Morales. Los más pequeños podrán acercarse a la cultura andalusí mediante “Geómetras de Al-Ándalus”, un taller para crear azulejos inspirados en su geometría. También habrá danza árabe y propuestas de cocina y maridaje andalusí.

    La música tendrá igualmente un espacio propio. A las 20:00 horas, la Banda Municipal de Música de Badajoz ofrecerá en la explanada de la Alcazaba el concierto “Música a ritmo de marchas y pasodobles”, dirigido por Vicente Soler Solano, con un repertorio en el que aparecen pasodobles, marchas moras y música festera. Una hora después, el mercado cambiará nuevamente de aspecto con el pasacalles nocturno “Danza de Luz”.  El domingo 27 servirá para prolongar la fiesta hasta las 23:00 horas. Los Jardines de la Alcazaba acogerán “Sabores de Al-Ándalus”, dirigido a niños y niñas de 7 a 12 años, además de danza árabe y talleres de cocina andalusí. Regresarán la cetrería y los cuentacuentos, mientras que a las 13:30 horas el escenario de la explanada recibirá el concierto “Sonidos de Al-Andalus”.

    El patrimonio también abre sus puertas

    Al-Mossassa permite además que la celebración se extienda más allá del propio mercado. Coincidiendo con el Día Mundial del Turismo, diferentes monumentos de Badajoz ampliarán su apertura durante estos días. El programa incluye el Fuerte de San Cristóbal, Puerta de Palmas, Torre de Espantaperros, Torre de Santa María, Torre de los Acevedo, Edificio de la Galera, Galería de Fusileros y el yacimiento arqueológico del Alpéndiz. Y quizá ahí se encuentre una de las dimensiones más interesantes de Al-Mossassa. La fiesta funciona como entretenimiento y como reclamo turístico, pero también devuelve la atención hacia una parte de Badajoz que explica buena parte de lo que la ciudad fue y de lo que continúa siendo. Durante unos días, miles de personas atraviesan nuevamente la Alcazaba, suben hacia la Plaza Alta, recorren San José y entran en monumentos que forman parte de un patrimonio que no siempre ocupa el centro de la vida cotidiana. Del 875 al 2026 han pasado 1.151 años. Al-Mossassa vuelve a colocar esa distancia histórica sobre las calles de Badajoz, no para reconstruir literalmente una ciudad desaparecida, sino para recordar que Batalyaws permanece incorporada a la ciudad contemporánea: en su patrimonio, en su paisaje urbano y en una Alcazaba que durante esta semana vuelve a ejercer como uno de sus principales espacios de encuentro.

  • Amaneciendo con Al-Mossassa

    Amaneciendo con Al-Mossassa

    Hay una hora de Al-Mossassa que probablemente sea la menos fotografiada y, sin embargo, tiene algo especial. Uno se asea, se viste, se calza y sale a la calle dirección el promontorio que vigila la ciudad de Badajoz. Es esa primera hora de la mañana en la que la ciudad todavía no se ha llenado de gente, los puestos del mercado árabe comienzan a abrir y por las calles alrededor de la Alcazaba se escucha más a los comerciantes que a los visitantes. Llegamos pronto. Lo suficiente para ver cómo se levanta la fiesta. Por el camino quedan esquinas aún por digerir, farolas ambarinas iluminando lo que arrastra la noche. Pero allí arriba, antes de subir, algunos colocan pulseras y piezas de artesanía, otros terminan de ordenar telas, lámparas, cuero, especias o dulces. Alguien arrastra una caja, otro pregunta dónde va una mesa, las primeras planchas empiezan a calentarse y desde los bares y locales de la zona llega ese café que a estas horas todavía puede competir con todos los aromas que unas horas después ocuparán las calles. Bosteza la ciudad.

    Tiene gracia pensar que, salvando más de mil años de distancia, una mañana cualquiera del Batalyaws que comenzaba a crecer por aquí tampoco debía de ser únicamente una sucesión de grandes acontecimientos históricos. Habría gente abriendo negocios, preparando comida, llevando mercancías de un sitio a otro, hablando, negociando, trabajando y buscando la manera de ganarse la vida. Una ciudad empieza también así, con personas haciendo cosas. Quizá por eso esta primera hora de Al-Mossassa tiene algo diferente. Todavía podemos caminar sin esquivar demasiado a nadie, detenernos delante de los puestos, mirar hacia arriba y encontrarnos con la Alcazaba sin que todo alrededor reclame nuestra atención. El mercado aún se está desperezando y durante un rato la fiesta parece pertenecer más a quienes la están montando que a quienes venimos a disfrutarla.

    En un rato, llegarán las familias, los grupos de amigos, los niños, la música, los olores de las cocinas trabajando a pleno rendimiento y ese pequeño atasco humano que forma parte inevitable de Al-Mossassa. Habrá que decidir si seguimos andando o nos detenemos delante de un puesto que juramos que solo íbamos a mirar. Y seguramente terminaremos comiendo algo que tampoco estaba previsto.

    Porque estamos celebrando que aquí, en el año 875, Ibn Marwan fundó Batalyaws. Y aunque resulta imposible saber cómo sonaba exactamente una mañana de aquella ciudad que comenzaba a construirse junto al Guadiana, por un momento apetece imaginarla así: gente llegando, mercancías cambiando de manos, conversaciones atravesando las calles, comida preparándose y una ciudad que empieza otro día sin saber, por supuesto, todo lo que vendrá después. Más de mil años han pasado y aquí seguimos. Badajoz abre los ojos, Al-Mossassa comienza a llenarse y nosotros tenemos la suerte de haber llegado un poco antes, cuando todavía se puede ver cómo una fiesta enorme empieza con algo tan sencillo como levantar la persiana, colocar un puesto y echar a andar.

     

    Badajoz, nunca te olvidaré, sea cual sea la ausencia, que de ti me tenga alejado. ¡Qué admirables son los árboles que te rodean! El valle de tu hermoso río abre su camino como si partiera de un tajo una túnica rayada.

                                                                               Ibn-Al-Fayas. Poeta

     

  • Cáceres 2031 «Cultura, Territorio y una manera de conectar con Europa»

    Cáceres 2031 «Cultura, Territorio y una manera de conectar con Europa»

    Cáceres aspira a convertirse en Capital Europea de la Cultura en 2031 desde un patrimonio histórico excepcional, pero también desde una realidad cultural que se extiende por Extremadura, mantiene una relación directa con el mundo rural y encuentra en Portugal su conexión natural con Europa. Bajo el concepto de Transcultura, la candidatura propone relacionar patrimonio, naturaleza, creación contemporánea, conocimiento y generaciones, utilizando la cultura como elemento vertebrador de un territorio que tiene mucho más que enseñar que su extraordinaria monumentalidad.

    Cáceres posee una imagen reconocible mucho más allá de Extremadura: el Arco de la Estrella, Santa María, San Jorge, las torres, los palacios y esa sucesión de piedra que permite comprender por qué su Ciudad Vieja fue declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1986. Ese patrimonio constituye uno de los grandes argumentos de Cáceres 2031, aunque explica solamente una parte de la candidatura. La otra aparece al observar la ciudad contemporánea y ampliar el mapa hacia Extremadura, un territorio marcado por la ruralidad, la baja densidad de población, la relación entre actividad humana y naturaleza, la proximidad con Portugal y una diversidad cultural que adopta formas muy diferentes.

    A pocos kilómetros del recinto monumental comienza otro patrimonio: dehesas, espacios protegidos, explotaciones agrícolas y ganaderas, pequeños municipios, vías pecuarias, sierras y ríos, junto a comunidades que han construido durante generaciones una determinada manera de relacionarse con el paisaje, el trabajo, la alimentación, las fiestas y la memoria. Ahí encuentra Cáceres 2031 buena parte de su singularidad.

    TRANSCULTURA: CONECTAR LO QUE YA EXISTE

    La candidatura reúne estas relaciones bajo un concepto central: Transcultura, una idea vinculada a la trashumancia y al movimiento histórico de personas, animales y conocimientos por el territorio que, trasladada al presente, propone generar intercambios entre disciplinas, generaciones, municipios, instituciones, creadores y países. La cultura entendida menos como acumulación de acontecimientos y más como una red. Cáceres dispone ya de una importante estructura sobre la que trabajar. El Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear ha situado una colección internacional en diálogo directo con una ciudad conocida por su patrimonio histórico; el Festival de Teatro Clásico utiliza plazas y espacios monumentales como escenarios para las artes escénicas contemporáneas, mientras WOMAD Cáceres lleva décadas reuniendo músicas, culturas y públicos procedentes de distintos lugares del mundo.

    La Universidad de Extremadura, el Gran Teatro, el Museo de Cáceres, San Jorge, la programación musical, las artes visuales, la literatura, el cine, la gastronomía, las compañías y los proyectos independientes completan una actividad cultural que supera ampliamente los límites de la Ciudad Monumental. El reto no consiste únicamente en añadir programación, sino en conseguir que estas realidades se relacionen entre ellas y con el territorio.

    UNA CAPITALIDAD QUE MIRA HACIA LOS PUEBLOS

    La dimensión de Cáceres cambia al ampliar el mapa. Las Hurdes, Sierra de Gata, el Valle del Ambroz, el Jerte, La Vera, Monfragüe o Villuercas-Ibores-Jara forman un territorio donde patrimonio, naturaleza y actividad humana mantienen una relación especialmente estrecha. Algunas de las manifestaciones culturales más reconocibles de Extremadura nacen precisamente en estos espacios. El Cerezo en Flor relaciona agricultura, paisaje y celebración colectiva; el Otoño Mágico del Valle del Ambroz incorpora patrimonio, gastronomía y naturaleza; Jarramplas, en Piornal, continúa transmitiéndose de generación en generación, mientras A Fala, en Sierra de Gata, representa un patrimonio lingüístico excepcional estrechamente relacionado con la identidad de sus comunidades.

    Todo ello amplía considerablemente la definición de cultura. La cultura está en los monumentos, pero también en las lenguas, fiestas, conocimientos agrícolas, gastronomía, artesanía, arquitectura popular, música, memoria y formas de convivencia. La ruralidad puede convertirse así en uno de los principales argumentos de Cáceres 2031, especialmente si los pueblos participan como productores culturales y no exclusivamente como lugares a los que desplazar actividades diseñadas desde las ciudades. Proyectos como Rural Labs comienzan a trabajar precisamente en esa dirección, relacionando creación contemporánea y entornos rurales mediante procesos desarrollados en contacto con los propios municipios.

    NATURALEZA TAMBIÉN ES CULTURA

    El Parque Nacional de Monfragüe, el Geoparque Mundial UNESCO Villuercas-Ibores-Jara, los Llanos de Cáceres y Sierra de Fuentes, el Jerte, La Vera, Sierra de Gata o las grandes extensiones de dehesa constituyen un patrimonio natural excepcional, aunque su importancia cultural reside también en cómo estos paisajes han condicionado durante siglos la actividad humana. La dehesa representa uno de los ejemplos más evidentes. A su alrededor se han desarrollado ganadería, oficios, gastronomía, caminos, conocimientos y formas de organización económica y social. Algo similar ocurre con el cerezo, el olivar, la apicultura, el corcho o los sistemas tradicionales de aprovechamiento del agua. La relación entre cultura y naturaleza permite incorporar a 2031 debates sobre sostenibilidad, biodiversidad, alimentación, cambio climático y futuro del mundo rural, poniendo en contacto conocimiento tradicional e investigación contemporánea.

    PORTUGAL, LA CONEXIÓN NATURAL

    La frontera constituye otra de las grandes oportunidades. Extremadura y Alentejo mantienen relaciones históricas, familiares, económicas y culturales que permiten abordar Portugal desde una realidad compartida y no como un complemento internacional de la candidatura. La proximidad de Évora, Capital Europea de la Cultura en 2027, amplía esas posibilidades. Ambas ciudades y sus territorios comparten cuestiones relacionadas con ruralidad, despoblación, patrimonio, sostenibilidad y acceso a la cultura, además de una posición periférica respecto a los grandes centros urbanos europeos. La Raya puede convertirse así en un espacio de cooperación cultural donde circulen artistas, proyectos, profesionales y públicos, reforzando una relación que existe desde mucho antes de cualquier candidatura.

    LAS PERSONAS, LA PRINCIPAL INFRAESTRUCTURA

    Por encima de edificios, museos y grandes acontecimientos se encuentra la infraestructura más importante: las personas. Artistas, músicos, escritores, compañías, técnicos, gestores, asociaciones, profesores, investigadores, artesanos, agricultores, productores y ciudadanos sostienen buena parte de la actividad cultural del territorio, muchas veces mediante estructuras pequeñas y recursos limitados.

    También existe un conocimiento difícil de almacenar porque reside en quienes trabajan la madera, el barro, el corcho o la lana; conocen el comportamiento del ganado y los cultivos; conservan una receta, una técnica artesanal, una palabra o una canción transmitida durante generaciones. Poner ese patrimonio en contacto con artistas, diseñadores, investigadores, universidad y nuevas tecnologías puede permitir su transmisión sin convertirlo en una representación nostálgica del pasado. La misma relación puede establecerse entre generaciones. Una Extremadura rural envejecida conserva una enorme memoria, mientras los jóvenes aportan nuevos lenguajes y herramientas. Conectar ambas realidades constituye también una forma de Transcultura.

    CÁCERES COMO LUGAR DE ENCUENTRO

    Cáceres también ha demostrado su capacidad para funcionar como lugar de encuentro. Las Noches del Patrimonio, celebración compartida por las ciudades españolas reconocidas como Patrimonio Mundial por la UNESCO, volvieron a llenar el conjunto histórico de música, creación contemporánea, propuestas participativas y actividades culturales que permitieron utilizar plazas, edificios y espacios patrimoniales desde una perspectiva diferente. Una programación amplia que reunió a ciudadanos, visitantes, artistas y proyectos y mostró las posibilidades de una ciudad capaz de combinar patrimonio histórico y cultura contemporánea.

    Dentro de esa programación tuvo especial relevancia la presencia de Évora 2027, próxima Capital Europea de la Cultura, que presentó en Cáceres su proyecto y el concepto “Vagar”, una propuesta que reivindica otra relación con el tiempo, el territorio y las personas frente a la velocidad de la sociedad actual. El encuentro permitió además reforzar una conexión natural entre Extremadura y Alentejo, dos territorios que comparten ruralidad, patrimonio, naturaleza y numerosos retos culturales y sociales. La proximidad de Évora 2027 ofrece así a Cáceres una oportunidad para aprender de su experiencia y continuar construyendo proyectos conjuntos a ambos lados de La Raya.

    CÁCERES, EXTREMADURA, EUROPA

    Cáceres y Extremadura no necesitan esperar a 2031 para disponer de cultura. WOMAD, el Festival de Teatro Clásico, Helga de Alvear, la Universidad de Extremadura, San Jorge, Jarramplas, el Cerezo en Flor, A Fala, la trashumancia, Monfragüe, la gastronomía, los creadores y cientos de iniciativas locales conforman ya un mapa amplio y diverso. El desafío consiste en conectarlo mejor. Una Capital Europea de la Cultura puede generar nuevos acontecimientos, pero su legado debería medirse también por las relaciones que permanezcan después: mayor cooperación entre ciudad y pueblos, conexiones europeas para los creadores, proyectos estables con Portugal, oportunidades para los jóvenes, participación del mundo rural y mejores herramientas para conservar y transmitir el patrimonio.

    Ahí adquiere sentido la cultura como elemento vertebrador. Educación, turismo, medio ambiente, agricultura, universidad, tecnología, empleo o despoblación mantienen conexiones directas con ella y permiten construir un proyecto que vaya más allá de una programación concentrada en un único año.

    Transcultura resume precisamente esa posibilidad de relacionar realidades que ya forman parte del territorio y conseguir que su encuentro genere nuevas ideas, proyectos y oportunidades.

    Cáceres tiene patrimonio, instituciones culturales, universidad, festivales, naturaleza, mundo rural, una relación directa con Portugal y, sobre todo, una importante red humana que mantiene vivo todo ese ecosistema. 2031 ofrece la oportunidad de organizar esa diversidad, proyectarla hacia Europa y reforzar las conexiones entre sus diferentes partes. Cáceres no necesita inventarse para ser Capital Europea de la Cultura. Necesita conseguir que Europa conozca todo lo que ya cabe dentro de ella.

  • Periferias 2026 «El cine vuelve a unir dos países desde el corazón de La Raya»

    Periferias 2026 «El cine vuelve a unir dos países desde el corazón de La Raya»

    El Festival Internacional de Cine(ma) de Marvão e/y Valencia de Alcántara celebra su XIV edición con más de 30 películas de una decena de países, nuevas sedes, encuentros profesionales y una firme apuesta por el patrimonio y la cooperación cultural transfronteriza

    Del 7 al 15 de agosto, la frontera entre España y Portugal volverá a desaparecer simbólicamente bajo la luz de un proyector. El Festival Internacional de Cine(ma) de Marvão e/y Valencia de Alcántara Periferias celebra su XIV edición consolidado como uno de los proyectos culturales más singulares de la Península Ibérica, donde el cine se convierte en un vehículo para conectar territorios, dinamizar el medio rural y poner en valor el patrimonio histórico y natural de La Raya. Desde su nacimiento en 2013, Periferias ha construido una identidad propia basada en un concepto poco habitual dentro del panorama de los festivales cinematográficos. No se limita a exhibir películas, sino que plantea una experiencia cultural que integra cine, paisaje, historia, música, patrimonio y cooperación institucional entre España y Portugal. Su programación itinerante transforma castillos, plazas, antiguas estaciones ferroviarias, yacimientos arqueológicos y pequeños municipios en salas de cine al aire libre, acercando producciones internacionales a un territorio tradicionalmente alejado de los grandes circuitos de exhibición.

    Una inauguración en el Castillo de Marvão

    La XIV edición arranca este viernes en uno de sus escenarios más emblemáticos: el Castillo de Marvão, donde tendrá lugar la gala inaugural con la presencia de la directora del festival, Paula Duque; el presidente de la Câmara Municipal de Marvão, Luís Vitorino; y el alcalde de Valencia de Alcántara, Alberto Piris, además de representantes institucionales de ambos lados de la frontera. La sesión inaugural incluirá la proyección de 18 Buracos para o Paraíso, del director portugués João Nuno Pinto, que acompañará al público durante la presentación de una película centrada en la memoria del territorio, la transformación del paisaje y la realidad del mundo rural. La jornada concluirá con un concierto del músico portugués Toni Ferrino.

    Más de treinta películas procedentes de diez países

    La programación de este año reúne más de treinta largometrajes y documentales procedentes de España, Portugal, Colombia, Bolivia, Marruecos, Francia, Alemania, Suecia, Italia, Argentina y Brasil. El festival mantiene su apuesta por combinar cine de autor, documental, animación y producciones premiadas en los principales certámenes internacionales. Entre los títulos más destacados figura Un Poeta, del colombiano Simón Mesa Soto, distinguida con el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes; Decorado, de Alberto Vázquez, coproducida por el estudio extremeño The Glow Animation Studio y reconocida con el Premio Goya, el Premio Quirino y el Premio Paul Grimault del Festival de Annecy; A Memória do Cheiro das Coisas, de António Ferreira; o Los Domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. La programación incorpora además documentales como My Way. La historia de una canción, narrado por Jane Fonda; Homo Plastic y Un huerto de ilusiones: Un bancal de vida, del director extremeño Javi Sardinero.

    Un festival itinerante

    Uno de los rasgos que distinguen a Periferias es su carácter itinerante. Las proyecciones se desarrollarán en algunos de los espacios patrimoniales más representativos del territorio transfronterizo. El Castillo de Marvão, la antigua estación ferroviaria de Marvão-Beirã, la Plaza de España de Valencia de Alcántara, la ciudad romana de Ammaia, Castelo de Vide, Portagem, La Fontañera, Membrío, Santo António das Areias, Galegos y Salorino volverán a convertirse en escenarios cinematográficos al aire libre. Especial relevancia tendrá nuevamente La Fontañera, uno de los espacios más simbólicos del festival, donde la pantalla se instala en un lado de la frontera mientras el público sigue la proyección desde el otro, representando visualmente el carácter integrador del certamen.

    La colaboración con la Filmoteca de Extremadura

    Entre las novedades de esta edición destaca la colaboración con la Filmoteca de Extremadura, que permitirá ampliar la programación y acercar nuevas proyecciones a distintos municipios. Dentro de este acuerdo, el 13 de agosto se proyectará en Salorino la película Calle Málaga, de Maryam Touzani, protagonizada por Carmen Maura y Marta Etura. Asimismo, Castelo de Vide acogerá el preestreno en Portugal de Yellow Letters, coproducción franco-alemana dirigida por Ilker Çatak. El festival mantiene igualmente su colaboración con el Museo Helga de Alvear, que este año presentará los proyectos audiovisuales Apuntes para una poesía en chapurriau y Apuntes para una poesía en carabineiru, desarrollados por el artista Roberto Herrero junto a la cineasta Marina Palacio a partir de una investigación sobre las lenguas campesinas de Extremadura.

    El cine como herramienta de cooperación

    Más allá de la programación cinematográfica, Periferias continúa reforzando su dimensión como espacio de reflexión sobre el papel de la cultura en los territorios rurales. El 8 de agosto se celebrará el IV Encuentro de la Red de Festivales y Gestores Culturales del Tajo Internacional, organizado junto al programa Cultura y Ruralidades del Ministerio de Cultura de España y la Câmara Municipal de Marvão. La jornada reunirá a responsables de festivales, gestores culturales y representantes institucionales de ambos lados de la frontera para intercambiar experiencias y fortalecer las redes de cooperación cultural. Además, servirá para presentar algunas de las líneas de trabajo del IX Foro Cultura y Ruralidades, previsto para este otoño en Zafra.

    Una apuesta consolidada por el territorio

    Lejos de limitarse a un ciclo de proyecciones, Periferias ha consolidado un modelo de festival que integra el patrimonio cultural, el paisaje y la identidad de La Raya como elementos inseparables de su programación. Las actividades se desarrollan en un entorno que abarca la Reserva de la Biosfera Tajo Internacional, el Parque Natural de la Serra de São Mamede y el Parque Natural de Alqueva, reforzando el vínculo entre cultura, naturaleza y desarrollo sostenible. Esta dimensión territorial ha convertido al festival en un referente dentro de las iniciativas de cooperación cultural entre España y Portugal, favoreciendo la participación de instituciones, asociaciones y municipios de ambos países.

    Clausura con Pedro Almodóvar

    La XIV edición concluirá el 15 de agosto en Salorino, donde se proyectará Amarga Navidad, la última película de Pedro Almodóvar, en una gala en la que también se entregará el Premio Tajo/Tejo Internacional. Con una programación que combina cine de autor, patrimonio, actividades paralelas y cooperación institucional, Periferias afronta una nueva edición reafirmando un modelo cultural que ha encontrado en la frontera un espacio de encuentro y en el cine una herramienta para fortalecer la identidad compartida de un territorio que, durante nueve días, volverá a situarse en el mapa internacional de la cultura.

  • Negativo Foto «Extremadura vuelve a mirar a través del objetivo»

    Negativo Foto «Extremadura vuelve a mirar a través del objetivo»

    La quinta edición del festival fotográfico impulsado por Fundación Caja Badajoz despliega 17 exposiciones, diez charlas, talleres, visionados de porfolios y nombres como Gervasio Sánchez, Alex Llovet, José Luis Carrillo, Ignacio Navas, Silvia Ayerra o Carmenchu Alemán. Badajoz vuelve a ser el centro de una programación que se extiende por Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena y que conecta la creación contemporánea con la memoria fotográfica extremeña.

    Hay fotografías que nacen para durar una fracción de segundo y otras que necesitan cincuenta años para terminar de contarnos lo que tenían delante. Algunas salen de una cámara digital, otras esperan dentro de un carrete; unas acaban colgadas en la pared de un museo y otras permanecen durante décadas guardadas en una caja, en un archivo familiar o en un fondo documental hasta que alguien vuelve a mirarlas. Entre todas esas posibilidades se mueve NEGATIVO FOTO.

    El festival de fotografía promovido por Fundación Caja Badajoz alcanza en 2026 su quinta edición y lo hace ampliando considerablemente el mapa. Ya no se trata únicamente de reunir exposiciones alrededor de unos días concretos. NEGATIVO se extiende desde octubre hasta enero, entra en museos, galerías, centros culturales, una facultad, archivos y espacios de Fundación Caja Badajoz; sale de Badajoz y viaja hacia otras localidades de la región; reúne a fotógrafos consagrados con autores extremeños, estudiantes y aficionados, y coloca frente a frente dos cuestiones que recorren buena parte de su programación: qué hacemos hoy con la fotografía y qué hacemos con todas aquellas fotografías que nos precedieron.

    Son 17 exposiciones, diez charlas —una de ellas específicamente dirigida a estudiantes con Gervasio Sánchez—, tres talleres, dos visionados de porfolios con premios para las categorías analógica y digital, fotografía minutera y un espacio dedicado a fotografía y fotolibros. La primera apertura llegará el 16 de octubre y las muestras continuarán escalonadamente durante octubre, noviembre y diciembre; algunas permanecerán abiertas hasta enero.

    Aunque el núcleo continúa estando en Badajoz, el festival llegará también a Olivenza, Mérida, Zafra, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena, esta última mediante la colaboración con el Festival de Fotografía Analógica Ricardo Martín.

    Cinco ediciones después

    NEGATIVO nació a finales de 2022 alrededor de una apuesta que Fundación Caja Badajoz venía desarrollando paralelamente: la creación del Centro de la Documentación y de la Imagen de Extremadura, CDIEX. Cinco ediciones después, ambos proyectos empiezan a entenderse también como partes de una misma conversación. Uno mira hacia la fotografía que se está haciendo; el otro protege, estudia y devuelve al presente la fotografía que ya se hizo.

    El CDIEX trabaja en la preservación, estudio y difusión de la memoria visual extremeña desde su sede en el Casco Antiguo de Badajoz, mientras NEGATIVO incorpora esa memoria al circuito de la creación fotográfica actual. La propia organización establece entre sus objetivos la conservación y difusión del patrimonio fotográfico regional junto a la divulgación de las tendencias contemporáneas, la formación y la visibilidad de autores locales y regionales.

    Emilio Jiménez, patrono de Fundación Caja Badajoz, insistió precisamente durante la presentación del programa en esa relación entre NEGATIVO y el CDIEX, dos iniciativas que avanzan conjuntamente en la puesta en valor de la memoria fotográfica extremeña. Y esa conexión no se queda este año en una declaración de intenciones. Dos de las exposiciones de la programación están comisariadas por el CDIEX y permiten regresar a un Badajoz que permanece detenido dentro de sus imágenes.

    El Badajoz que estaba guardado

    Una de ellas será El Badajoz de los cincuenta en el fondo de Ricardo Martínez Teodoro, que podrá verse en Montesinos 22 entre el 5 y el 30 de noviembre. Muy cerca, pero utilizando otra forma de mirar, Badajoz, otra mirada. Fotografía estereoscópica en el legado de José Rebollo López ocupará Espacio Casa Alba desde el 5 de noviembre hasta el 10 de enero. El título ya anticipa una de las particularidades de la propuesta: la fotografía estereoscópica y la posibilidad de reencontrarse con la ciudad a través del Fondo Vidarte Rebollo. A ello se suma, desde el 6 de noviembre en Foto Estudio Museo E. Vidarte, La punta del iceberg: cuatro archivos del Fondo Vidarte-Rebollo.

    Tres aproximaciones que convierten el archivo en algo más que un almacén de imágenes antiguas. Calles que cambiaron, edificios desaparecidos o transformados, personas anónimas que atravesaron el encuadre, celebraciones, escaparates, automóviles, ropa, gestos cotidianos. La fotografía adquiere con el tiempo información que probablemente su autor ni siquiera sabía que estaba guardando. Y NEGATIVO coloca esas imágenes históricas a pocos metros de otras fotografías realizadas desde códigos completamente contemporáneos. Ahí está una de las posibilidades más interesantes de esta edición: caminar entre tiempos distintos de la fotografía sin abandonar la ciudad.

     

     

     

     

     

     

     

    Diecisiete exposiciones y muchas maneras de mirar

    El mapa del festival es revelador. NEGATIVO utiliza buena parte del centro y el Casco Antiguo de Badajoz como una pequeña cartografía fotográfica. Montesinos 22, VS22, Espacio Casa Alba, el MUBA, MEIAC, El Hospital Centro Vivo, la Facultad de Ciencias de la Documentación y la Comunicación, Sala ARTEX, Galería Arte Joven, la nueva sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña, la Plaza de la Soledad o Foto Estudio Museo E. Vidarte forman parte del recorrido.

    Fuera de Badajoz se incorporan espacios en Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena.

    El primer movimiento llegará incluso antes de la inauguración oficial del grueso del festival. José Luis Carrillo presenta Los hijos del ciervo en Villanueva de la Serena desde el 9 de octubre. El 16 llegará a la Sala Vaquero Poblador de El Hospital Centro Vivo Énfasis en la forma, de la Agrupación Fotográfica Extremeña, exposición que posteriormente viajará al Museo Etnográfico Extremeño González Santana de Olivenza.

    La Facultad de Ciencias de la Documentación y la Comunicación acogerá Imágenes iniciáticas 26, realizada por alumnado del taller de Aulas Culturales de la UEx; Miguel Ángel Naharro presentará Paraísos costeros: Costa portuguesa en Galería Arte Joven antes de llevar el proyecto a Zafra; Marta Areces llegará al MUBA con Antes del glamour; e Ignacio Navas ocupará el MEIAC con Kickflip. Montesinos 22 recibirá además una segunda presentación de Los hijos del ciervo y Carmenchu Alemán mostrará allí Hispania Sacra.

    La programación continúa con Silvia Ayerra y Diente de leche, José Miguel Cerezo y California Island, y, ya en diciembre, 40 formas de ver las formas, con las obras finalistas del concurso FORMAS de Miguel Ángel Rodríguez Plaza. Algunas de estas exposiciones volverán a viajar: California Island llegará a Villafranca de los Barros y Paraísos costeros tendrá una nueva parada en el espacio de Fundación Caja Badajoz en Zafra. La exposición deja así de ser necesariamente el final del proyecto. Una misma serie puede desplazarse, encontrar otro público y cambiar incluso su lectura dependiendo del espacio donde se presenta.

    Gervasio Sánchez: fotografiar sin convertir la guerra en espectáculo

    Dentro de una programación tan extensa hay un nombre que inevitablemente concentra buena parte de la atención: Gervasio Sánchez. El fotoperiodista participará en NEGATIVO desde diferentes posiciones. No llega solamente para enseñar fotografías o hablar de su trayectoria. Impartirá durante los días 6, 7 y 8 de noviembre el taller La dignidad es lo que importa, en VS22, y ofrecerá el día 6, a las 19:30 horas en Montesinos 22, la charla Maldita la guerra. El lunes 9 cambiará además de interlocutores. A las once de la mañana protagonizará La guerra no es un espectáculo, un encuentro específicamente destinado a estudiantes.

    Los propios títulos trazan prácticamente una declaración sobre su manera de entender el oficio: guerra, dignidad y responsabilidad ante las personas fotografiadas. En un festival que quiere hablar también de formación, lenguaje y cultura visual, su presencia abre inevitablemente otro terreno: qué significa mirar cuando al otro lado de la cámara hay dolor, violencia o víctimas; dónde acaba el documento y dónde comienza el espectáculo; y qué responsabilidad adquiere quien decide apretar el disparador y publicar después esa imagen.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    Del carrete al fotolibro

    Pero NEGATIVO 2026 no se instala únicamente en la pared. Una parte importante del programa se dedica al proceso: editar, seleccionar, secuenciar, imprimir, fabricar un libro, revisar un proyecto o regresar incluso a procedimientos fotográficos que obligan a relacionarse con la imagen de otra manera.

    El 7 de noviembre habrá dos visionados de porfolios simultáneos. Alex Llovet trabajará con los proyectos digitales y José Luis Carrillo con los analógicos. Al día siguiente se conocerá el fallo de ambos visionados. El fotolibro tendrá también un peso considerable. Juan Pedro Font de Mora, de la Librería Railowsky, ofrecerá la charla Hablemos de fotolibros y mantendrá durante el fin de semana un stand especializado. Alex Llovet impartirá el taller Fotolibros y narrativa visual: del concepto al objeto; Cristina Armendáriz presentará junto a él Paralïpsis, mientras Miguel Ángel Esteban, de Gráficas Palermo, abordará el paso del archivo al libro, incluyendo producción, color y control en su fabricación.

    Es una parte menos espectacular que una gran exposición, pero fundamental para entender hacia dónde ha evolucionado la fotografía de autor: ya no basta necesariamente con conseguir una buena imagen. Importan la selección, el orden, la relación entre fotografías, el soporte, la edición y la manera en que un proyecto termina convertido en relato.

    Y una cámara en mitad de la Plaza de la Soledad

    En el extremo contrario de la velocidad contemporánea aparecerá La Platera. Alba García Fijo instalará su propuesta de fotografía minutera en la Plaza Virgen de la Soledad durante el fin de semana central del festival: el sábado 7, entre las 10:00 y las 18:00 horas, y el domingo 8, de 10:00 a 14:00. En tiempos de teléfonos capaces de producir centenares de fotografías en una mañana, NEGATIVO recupera así una relación casi física con la imagen: cámara, papel, proceso y espera.

    También Chechu, de Disparafilm, trabajará desde lo analógico con el taller Positivo directo en papel fotográfico blanco y negro, en la nueva sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña. No parece casual que en una misma edición convivan fotografía estereoscópica histórica, archivos del siglo XX, fotografía minutera, procesos analógicos, creación digital, narrativa interactiva y fotolibro. NEGATIVO no plantea una única fotografía posible. Las coloca juntas.

    Tres días para hablar de fotografía

    El 6, 7 y 8 de noviembre será el momento en el que todas esas líneas prácticamente se cruzarán. Exposiciones, talleres, conversaciones, porfolios, fotografía minutera, fotolibros y encuentros convertirán esos tres días en el verdadero epicentro de la quinta edición. Todas las actividades son gratuitas hasta completar aforo, salvo aquellas que requieren inscripción o selección previa.

    El sábado 7, por ejemplo, Silvia Ayerra hablará de Diente de leche, una historia de cuidados y alianzas; José Miguel Cerezo presentará Mapa antes de inaugurar California Island; Ignacio Navas abordará la construcción de una narrativa interactiva y posteriormente se inaugurará Diente de leche en la sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña.

    El domingo Alex Llovet hablará sobre El niño y la imagen del niño y Miguel Ángel Esteban explicará la cocina técnica que existe detrás de la fabricación de un fotolibro. Habrá además fallo de los visionados, sorteo de fotolibros y fotografía minutera. El festival propone así algo más parecido a una conversación prolongada que a una sucesión de inauguraciones. Autores que enseñan obra. Fotógrafos que revisan la de otros. Editores que explican cómo convertir fotografías en libros. Profesionales que hablan de procesos. Estudiantes que comienzan a enseñar sus primeras imágenes. Aficionados que pueden entrar y escuchar.

     

     

     

     

     

     

     

    De Badajoz al resto del mapa

    Hay además una decisión territorial importante en esta quinta edición. Badajoz continúa concentrando buena parte de NEGATIVO, pero el festival rompe sus propios límites urbanos. Olivenza recibirá Énfasis en la forma; Mérida, 40 formas de ver las formas; Zafra, Paraísos costeros: Costa portuguesa; Villafranca de los Barros, California Island; y Villanueva de la Serena abre el recorrido con Los hijos del ciervo.

    La fotografía empieza así a dibujar su propio itinerario por Extremadura. Ahí está una de las claves del crecimiento de NEGATIVO después de cinco ediciones: no construir únicamente un festival al que haya que acudir, sino conseguir que parte del festival vaya también en busca de su público. La lista de espacios participantes ayuda a entender la dimensión alcanzada: museos públicos, salas de exposiciones, una universidad, asociaciones fotográficas, galerías privadas, centros culturales y espacios de Fundación Caja Badajoz forman una red que desborda el concepto convencional de sede única.

    Durante la presentación celebrada en Montesinos 22 participaron Emilio Jiménez, patrono de Fundación Caja Badajoz; José Antonio Casablanca, concejal de Cultura del Ayuntamiento de Badajoz; Manuel Candalija, director de Cultura de la Diputación de Badajoz, y Pepe Calero, coordinador de NEGATIVO. Casablanca y Candalija expresaron el interés de ambas instituciones por la continuidad de una propuesta que, después de cinco ediciones, consideran ya un acontecimiento cultural tanto para Badajoz como para las localidades participantes.

    Una región dentro de millones de fotografías

    Nunca hemos hecho tantas fotografías. Las hacemos para recordar dónde estuvimos, qué comimos, con quién viajamos. Fotografías de conciertos, manifestaciones, cumpleaños, hijos, padres, calles, guerras, escaparates, amaneceres y espejos. Algunas llegan a miles de personas en cuestión de segundos y desaparecen de nuestra atención casi a la misma velocidad.

    NEGATIVO FOTO propone durante tres meses exactamente lo contrario: detenerse delante de ellas. Mirar el Badajoz de los cincuenta y después entrar en el MEIAC para encontrarse con Ignacio Navas. Pasar de un archivo del Fondo Vidarte-Rebollo a una cámara minutera instalada en la Plaza de la Soledad. Escuchar a Gervasio Sánchez hablar de guerra y dignidad, sentarse después ante un porfolio, descubrir cómo se fabrica un fotolibro o encontrarse con los primeros trabajos de estudiantes de la Universidad de Extremadura.

    Desde octubre y hasta que las últimas exposiciones cierren sus puertas en enero, NEGATIVO FOTO 2026 convierte Badajoz y diferentes puntos de Extremadura en un mapa de imágenes, autores, archivos y conversaciones. Cinco ediciones después, el festival ya tiene algo sobre lo que volver a enfocar, su propia historia.

  • Patty Bonet «La verdadera inclusión llegará cuando la discapacidad deje de ser el conflicto de los personajes»

    Patty Bonet «La verdadera inclusión llegará cuando la discapacidad deje de ser el conflicto de los personajes»

    Hay películas que cambian una historia. Otras consiguen algo mucho más difícil: cambiar la mirada.

    El cine vive de la luz. De cómo ilumina un rostro, de aquello que decide enfocar y también de todo lo que permanece fuera del encuadre. Durante demasiado tiempo, la industria audiovisual ha dejado fuera de plano a muchas personas que forman parte de la vida cotidiana. No porque faltaran talento o historias que contar, sino porque alguien decidió que no respondían a una supuesta normalidad. Patty Bonet lleva años desmontando ese plano. Lo hace delante de una cámara, sobre un escenario o detrás de un micrófono, demostrando que la inclusión no consiste en ocupar un espacio reservado, sino en dejar de necesitarlo. Su albinismo nunca ha sido el argumento de su carrera; apenas una característica más de una profesional que ha construido su camino como periodista, actriz, presentadora y una de las voces más comprometidas con un audiovisual verdaderamente diverso.

    La encargada de conducir la gala de clausura del Festival Ibérico de Cinema. Y quizá exista cierta poesía en ello. Un festival dedicado al cortometraje, ese territorio donde nacen las historias más valientes, confía su escenario principal a una mujer que lleva años reclamando exactamente eso: personajes escritos sin prejuicios, oportunidades sin etiquetas y un cine capaz de reflejar la sociedad tal y como es, no como durante décadas se ha querido representar. Patty Bonet no quiere ser la excepción que confirma una regla. Aspira a algo mucho más revolucionario: que algún día deje de ser noticia que una actriz con albinismo presente una gala de cine, protagonice una serie o interprete un personaje cuya historia no tenga absolutamente nada que ver con su discapacidad. Ese día, dice, la inclusión habrá dejado de ser un discurso para convertirse, por fin, en una costumbre.

    Mientras tanto, sigue haciendo lo que mejor sabe hacer: subirse al escenario, encender las luces y demostrar que el talento nunca ha entendido de etiquetas.

    .…Festival Ibérico de Cinema. ¿Qué tiene que tener una gala para que no sea solo una entrega de premios y se convierta en un espectáculo con personalidad?

    Creo que, para que una entrega de premios se convierta en un espectáculo con personalidad, lo más importante es que mantenga la emoción propia de una gala, porque eso solo puede vivirse en el momento. En esta ocasión, además, el guion que ha escrito Paco, el director del festival, está muy completo y hace alusión a muchas cosas, incluida esa parte de comicidad.

    Creo que eso consigue que no sea simplemente una entrega de premios, donde se anuncia al ganador, se entrega el galardón y ya está. También tiene su parte de humor y, al final, el objetivo es que la gente se lo pase bien, mientras los participantes de la sección oficial viven esa emoción de descubrir si han sido premiados. Esa incertidumbre, ese «a ver si hay suerte y puedo subir a recoger el galardón», es lo que hace especiales estas noches. La emoción que se respira cuando se conocen los ganadores es única.

    Lo ideal sería que hubiera personajes con discapacidad interpretados por actores con discapacidad y que sus conflictos fueran los mismos que los de cualquier otra persona: no llegar a fin de mes, haber roto con la pareja… Que la discapacidad no fuera el conflicto principal del personaje.
    Eres periodista y actriz. Conoces cómo se cuentan las historias desde fuera y desde dentro. ¿Cuál de los dos mundos te parece hoy más difícil: informar o emocionar?

    La verdad es que tanto informar como emocionar es muy complicado. Las dos cosas tienen algo en común: la verdad. Hay que informar desde la verdad y emocionar también desde la verdad. Al final, son esas historias las que llegan a la gente. Tanto contar una historia desde fuera como interpretarla desde dentro tiene su dificultad, pero en ambos casos la verdad es imprescindible. Y muchas veces, todo hay que decirlo, es precisamente eso lo que más escasea.

    Durante años se ha hablado de inclusión en el cine. ¿Crees que la industria está cambiando de verdad o seguimos viendo demasiada inclusión de escaparate?

    Creo que se están dando pasos, pero siguen siendo pequeños. Al menos ahora, cuando quieren contar un personaje con albinismo, empiezan a plantearse contar con un actor o una actriz con albinismo, en lugar de poner una peluca blanca o decolorar el pelo, las cejas y las pestañas a otra persona. Pero siguen siendo personajes muy estereotipados y, casi siempre, secundarios. La industria audiovisual de este país continúa teniendo una mirada bastante cerrada y todavía existe mucha inclusión de escaparate. Hay proyectos que se venden como inclusivos, pero luego ves la película y piensas que supone un paso atrás respecto a todo el trabajo que llevan años haciendo muchas personas. El objetivo es normalizar la discapacidad, pero para llegar ahí primero hay que visibilizarla e incluirla. Y en España todavía estamos prácticamente en esa primera fase.

    Lo ideal sería que hubiera personajes con discapacidad interpretados por actores con discapacidad y que sus conflictos fueran los mismos que los de cualquier otra persona: no llegar a fin de mes, haber roto con la pareja… Que la discapacidad no fuera el conflicto principal del personaje. Aún estamos lejos de eso, pero empiezan a aparecer ejemplos como Buffalo Kids o Sorda, películas que van abriendo poco a poco ese camino. Detrás de esos proyectos hay personas que conocen la discapacidad y eso se nota en la forma de contar esas historias. Por eso animo a directores, productores y guionistas a tratar estos temas, pero siempre bien informados. Que acudan a la Academia de Cine, que cuenta con un departamento especializado y con coordinadores de acceso. Si vamos a contar estas historias, hagámoslo bien y no demos pasos atrás.

    En ocasiones parece que una persona con discapacidad tiene que demostrar el doble para obtener la mitad de oportunidades. ¿Has sentido esa presión en tu carrera?

    Sí. Creo que muchas veces a los actores y actrices con discapacidad se nos sigue etiquetando como intérpretes de segunda, cuando simplemente somos actores y actrices. Tenemos nuestra formación; la única diferencia es que, en algunos casos, la discapacidad es visible y, en otros, no. En mi caso tengo un físico considerado fuera de lo normativo, pero ¿qué ocurre? Que si nunca apareces en la pantalla, la gente seguirá viéndolo como algo poco habitual. Llevo ya casi cuatro años presentando los sorteos de la ONCE y entiendo que al principio llamara la atención ver a una persona albina en televisión. Pero cuando apareces cada noche en la pantalla, al final la gente lo normaliza. Ahí está la clave. Si hubiera más presencia de personas con discapacidad en los medios de comunicación y en la industria audiovisual, esa normalización llegaría también a la sociedad. Vivimos en una sociedad diversa y creo que el público también quiere conocer las historias de las personas que le rodean.

    Más que sentir presión, lo que he notado es que existen muchas menos oportunidades. A mí, por ejemplo, me han dicho que, por ser albina, no puedo trabajar en una serie diaria ambientada en otra época porque consideran que «no pega». Y eso resulta sorprendente, porque el albinismo es una condición genética que ha existido siempre. Esa idea hace que me cierren muchas puertas antes incluso de hacer una prueba. Al final solo puedo optar a personajes escritos pensando en alguien albino, cuando lo que yo quiero es presentarme a cualquier personaje. Si después consideran que soy la actriz adecuada, perfecto; y si no, no pasa nada. Pero quiero tener la oportunidad de optar a cualquier papel, no únicamente a aquellos en los que alguien haya decidido previamente que el personaje debe ser albino.

    ¿Qué te molesta más: que te definan antes por tu discapacidad que por tu trabajo o que todavía haya quien considere excepcional que una profesional como tú presente una gala de cine?

    Todavía hay personas que asocian discapacidad con falta de profesionalidad, con alguien amateur o sin formación. De hecho, hace apenas unos días un actor muy conocido hizo unas declaraciones en esa línea. Es verdad que muchas veces tienes que estar reafirmándote constantemente y diciendo: «No, es que yo soy profesional y me dedico a esto». Ahora, al aparecer en televisión presentando los sorteos de la ONCE, la gente ya sabe cuál es mi trabajo y no le resulta extraño que presente un evento como este.

    Pero mi ideal sería que me contrataran porque he hecho un buen casting como actriz y punto. No para cumplir una cuota. Estoy muy agradecida porque me llaman para presentar muchos actos relacionados con la discapacidad, pero todavía me hace más ilusión cuando me llaman para eventos que no tienen nada que ver con ella, como el Festival Ibérico de Cinema. Quiero pensar que me han elegido porque conocen mi forma de trabajar y quieren contar conmigo, no para ponerse una medalla diciendo que han contratado a una persona con discapacidad. Es verdad que durante la gala se habla de inclusión porque es importante hacerlo, pero no hace falta convertir mi presencia en el centro del discurso. La normalidad consiste precisamente en eso: en que yo presente una gala como cualquier otro presentador o presentadora. Por eso me hace tanta ilusión participar en esta clausura. Siento que estoy aquí por mi profesionalidad y por mi trabajo, no por mi discapacidad. Ojalá llegue el día en que eso deje de ser algo excepcional y pase a ser lo habitual.

    También debemos prestar atención a las pequeñas historias porque, muchas veces, emocionan muchísimo más que una gran producción comercial.
    El cortometraje suele ser el lugar donde nacen las ideas más arriesgadas, pero también el formato más olvidado. ¿El cine español cuida realmente a sus nuevos creadores o solo los aplaude cuando triunfan fuera?

    Creo que el cine español debería cuidar mucho más a sus cortometrajistas. Recuerdo una gala de los Goya en la que los premios al cortometraje se entregaban durante la publicidad y me pareció una falta de respeto. Es muy difícil emocionar y contar una buena historia en tan poco tiempo. Muchas veces un corto consigue llegar mucho más que una película. Además, hay cortometrajes que después se convierten en largometrajes y, personalmente, en ocasiones me ha emocionado mucho más el corto original que la película posterior. Creo que hay que darles mucho más valor. Muchas veces solo se les presta atención cuando un corto llega a los Oscar o consigue un reconocimiento internacional. Entonces todo el mundo dice: «Ah, pues debe de ser bueno». El cortometraje merece espacio por sí mismo. Es una plataforma extraordinaria para que muchos directores den el salto a otros proyectos y, además, en España tenemos una cantera magnífica. Creo que la industria todavía podría valorarlos mucho más.

    Como periodista, ¿crees que los medios siguen dedicando demasiado espacio al cine comercial y muy poco a los festivales que sostienen la creación independiente?

    Sí, porque al final el cine comercial es el que llena las salas y el que vende. Hacia ahí suelen dirigirse los medios y los periodistas. Muchas veces se dice que los festivales deberían reforzar más su comunicación o tener departamentos de prensa más combativos, pero la realidad es que, por mucho esfuerzo que hagan, lo que termina ocupando más espacio es aquello que resulta más comercial. Y es una pena, porque festivales como el Ibérico de Cinema tienen una calidad enorme en su sección oficial y, además, son preselección para los Premios Goya. Creo que deberían tener mucha más presencia en los medios. Eso también ayudaría a que el público viera más cortometrajes, los valorara mejor y, en consecuencia, la propia industria también les concediera la importancia que merecen. Todavía queda mucho por hacer. También debemos prestar atención a las pequeñas historias porque, muchas veces, emocionan muchísimo más que una gran producción comercial.

    El Festival Ibérico une a España y Portugal a través del cine. ¿Crees que compartimos una identidad cultural que todavía no sabemos aprovechar suficientemente?

    España y Portugal están muy cerca y creo que desde Badajoz esa relación se vive de una manera muy natural. Sin embargo, para muchas personas del resto de España, Portugal sigue siendo un gran desconocido, a pesar de estar al lado y de compartir tantas cosas. Creo que esa es una asignatura pendiente: estrechar mucho más la relación entre ambos países, no solo desde las zonas fronterizas, sino desde toda España. Hay que seguir fomentando esos vínculos culturales y, en ese sentido, el cine y los cortometrajes hacen un trabajo magnífico porque consiguen unir ambos territorios. Como dice el guion de la gala, el cine sirve para tender puentes en lugar de levantar fronteras. Ojalá esa idea pudiera trasladarse también al conjunto de la relación entre España y Portugal.

    ¿Qué historia echas de menos en el cine actual? Esa película que nadie parece dispuesto a producir.

    Se pueden contar tantísimas historias… Cada uno tenemos nuestros gustos. A mí, por ejemplo, me encantan las comedias románticas y creo que en España hay muy pocas realmente bien hechas. Es un género con el que nos atrevemos poco. Y, si pienso en una gran producción, me encantaría ver una película de superhéroes en la que el protagonista o la protagonista fuera una persona con discapacidad, pero que eso no se mencionara en ningún momento. O una comedia romántica en la que uno de los protagonistas tuviera una discapacidad y tampoco fuera el centro de la historia. Esa sería la verdadera normalización. Hay muchísimas historias por contar dentro de géneros que además atraen al público a las salas de cine, pero todavía existe mucho miedo y mucha ignorancia. Al final, yo también hablo desde mi experiencia. Me gustaría ver historias en las que hubiera personajes con discapacidad, pero en las que su conflicto no fuera precisamente la discapacidad.

    Cuando termine la gala y se apaguen las luces, ¿qué te gustaría que el público recordara de Patty Bonet: la presentadora, la actriz, la periodista o simplemente una mujer que ha hecho bien su trabajo?

    Me gustaría que, cuando termine la gala, la gente se marche contenta, haya ganado o no, y que disfrute de haber formado parte de la sección oficial del festival. Para mí eso es lo más satisfactorio de mi trabajo. Disfruto muchísimo presentando eventos porque, al final, estoy sobre un escenario y ahí también aflora esa parte de actriz que llevo dentro. El escenario es uno de los lugares donde más feliz soy; siento que es mi hábitat. Lo más gratificante es conseguir que alguien sentado en una butaca sonría, se olvide durante un rato de sus problemas y disfrute. La vida ya es bastante complicada. Si durante una hora y media conseguimos desconectar, reírnos y salir con una sonrisa, para mí esa es la mayor satisfacción. Ese sería mi objetivo esta noche. Si la gente se va sonriendo, sentiré que he cumplido.

    El objetivo es normalizar la discapacidad, pero para llegar ahí primero hay que visibilizarla e incluirla. Y en España todavía estamos prácticamente en esa primera fase.
    Si pudieras darle un consejo a un productor o director antes de escribir un personaje con discapacidad, ¿cuál sería?

    El primer consejo sería que se documentara. Le diría que se pusiera en contacto con la Academia de Cine y hablara con Inés Enciso, coordinadora de desarrollo, que conoce muy bien el ámbito de la discapacidad. Además, la Academia ha incorporado la figura del coordinador de acceso, una persona que se encarga de que, cuando trabaja alguien con discapacidad delante o detrás de la cámara, se cumplan todos los protocolos necesarios. Es una herramienta muy útil para documentarse, contactar con personas y colectivos, resolver dudas y saber cuál es el enfoque adecuado para un guion, independientemente del género. Sobre todo, ofrece tranquilidad al productor, al director o al guionista porque sabe que está contando esa historia de la manera correcta.

    Ha habido proyectos en los que se ha ofrecido esa ayuda y la han rechazado. Después, el resultado ha sido el que ha sido, precisamente porque no se habían documentado. Entiendo que exista miedo a la hora de abordar historias relacionadas con la discapacidad, porque siempre piensas que puedes ofender a alguien o que recibirás críticas. Pero cuando un proyecto está bien documentado y realizado de la mano de profesionales, el resultado cambia completamente. Por eso les animaría a dedicar tiempo a documentarse y a aprovechar todas las herramientas que ofrece la Academia de Cine. Es la principal institución audiovisual de nuestro país y puede ayudar muchísimo a contar estas historias de forma rigurosa. Y, sobre todo, les animo a escribirlas.

    Patty…banda sonora de tu vida…

    Me quedo con todas las bandas sonoras de cine, porque me encantan. Soy una auténtica friki de este tipo de música. He ido a conciertos de Ennio Morricone cuando aún vivía, de Danny Elfman o de Fernando Velázquez. Me dio mucha pena no poder llegar ayer al concierto de Roque Baños porque, cuando tengo que elegir qué escuchar, casi siempre termino poniendo bandas sonoras. El cine me ha acompañado durante toda mi vida y sé que seguirá haciéndolo.

    Radio, televisión, teatro o cine… ¿con qué te quedas?

    La verdad es que el escenario es lo que más viva me hace sentir. Lo siento como mi hábitat natural. También es cierto que, cuando llegas a un rodaje, la energía que se respira en el set es mágica. Esa adrenalina es casi como una droga: cuando pasa un tiempo sin vivirla, la echas de menos. Me siento muy afortunada por poder compaginar la radio, la presentación de eventos y de televisión con los trabajos que van surgiendo como actriz, tanto en el audiovisual como en el teatro. Hubo una época en la que pensaba: «Yo soy actriz y lo de presentar es algo secundario». Con el tiempo he descubierto que disfruto muchísimo de ambas facetas y que una no resta valor a la otra. No eres más actriz ni menos presentadora, ni al revés. Las personas tenemos muchas capas y yo disfruto enormemente de todas ellas.

    ¿En qué andas liada ahora mismo?

    Ahora mismo estoy participando con un pequeño papel en una serie que se está rodando y de la que, por el momento, no puedo contar mucho más. A principios del próximo año estaré en el Teatro Clásico de Madrid con una obra dirigida por el director portugués Marco Paiva. Es una coproducción con Terra Amarela y, si todo va según lo previsto, realizaremos una pequeña gira por Portugal. Además, acabo de poner en marcha una conferencia de carácter inspiracional en la que comparto mi trayectoria, los obstáculos que me he encontrado para abrirme camino como actriz y presentadora y la forma en la que he conseguido superarlos. Porque, aunque haya días difíciles y se reciban muchos «noes», cuando un sueño pesa más que los obstáculos merece la pena seguir adelante.

    Y una última. Si hoy pudieras conceder un premio honorífico a alguien del cine español por romper barreras, ¿a quién se lo entregarías y por qué?

    Se lo daría a Pedro Solís, director de Buffalo Kids. Fui a verla al cine con mi sobrina cuando tenía cuatro años y la película está inspirada en la historia de su hijo, Nico, que tiene parálisis cerebral. Lo más bonito es que, todavía hoy, seguimos hablando de esa película y seguimos hablando de Nico. Creo que la educación está en la base de todo porque ahí está nuestro futuro. Cuando un niño crece viendo películas como esta, con personajes diferentes completamente normalizados, adquiere otros referentes que en mi infancia no existían. Confío en que mi sobrina, al verla con cuatro años, empezara ya a normalizar la discapacidad, en este caso la discapacidad motriz, con total naturalidad. Por eso le daría ese reconocimiento a Pedro Solís. Me parece una película maravillosa y un ejemplo de cómo sembrar esa pequeña semilla en el público infantil para que las generaciones que vienen crezcan entendiendo la diversidad como algo completamente normal.

    ¡Que continúe el espectáculo!

    Las películas terminan cuando aparecen los créditos. Las historias capaces de transformar una sociedad empiezan, precisamente, cuando el público abandona la sala. Patty Bonet habla de cine, pero también de algo mucho más profundo: de quién merece ocupar el centro del plano. Sus respuestas no reclaman privilegios, sino la oportunidad de competir en igualdad de condiciones; no piden personajes escritos para la discapacidad, sino personajes escritos para las personas. Quizá esa sea la mejor definición de inclusión. Que un día nadie tenga que explicar por qué una actriz con albinismo presenta una gala, protagoniza una película o interpreta una heroína romántica. Que el único debate sea si emocionó, convenció o hizo bien su trabajo. Cuando ese día llegue, el cine habrá aprendido a mirar. Y, probablemente, la sociedad también.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Gema Matarranz: «Dysphoria» o cómo llevar las contradicciones de una sociedad al escenario

    Gema Matarranz: «Dysphoria» o cómo llevar las contradicciones de una sociedad al escenario

    La actriz llega al 49.º Festival Internacional de Teatro de Badajoz con «Dysphoria», un intenso monólogo de Histrión Teatro dirigido por María Goiricelaya que aborda la identidad de género, la maternidad y los conflictos sociales y legales que rodean a las personas trans. A sus 63 años, después de tres décadas sobre los escenarios, Matarranz reivindica su pasión por el oficio, el teatro como espacio para hacerse preguntas y las ganas de seguir explorando nuevos territorios interpretativos.

    Gema Matarranz tiene 63 años, lleva treinta subida a los escenarios con Histrión Teatro y asegura que todavía le quedan muchas cosas por hacer. Entre ellas, volver a la comedia, un territorio que también conoce, aunque reconoce que la profesión parece empeñada en reservarle los personajes más dramáticos. Habla con cercanía, se ríe de sí misma y confiesa, antes de comenzar nuestra conversación, que se defiende bastante mejor sobre las tablas que delante de una entrevista. Cuesta creerla. Enseguida aparecen el oficio, las ganas de contar y una relación con el teatro que, pese a los inevitables altibajos de la vida, sigue ocupando un lugar fundamental en su día a día. «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá», recuerda que le dijo a su compañera y socia Nines Carrascal. La oportunidad llegó de la mano de María Goiricelaya, dramaturga y directora con la que Histrión Teatro ya había trabajado en Nevenka. El resultado es Dysphoria, una propuesta que exige a Matarranz interpretar a varios personajes, desplazarse entre distintos tiempos narrativos y sostener prácticamente en solitario una historia que transita por la maternidad, la adolescencia, la identidad de género y los conflictos que surgen cuando la realidad familiar termina enfrentándose también a la justicia.

    La protagonista es una madre que descubre que su hija adolescente se identifica como un chico y quiere ser reconocido como Alex. A la dificultad inicial para comprender y aceptar esta nueva realidad se suma una acusación de abuso sexual contra el joven, que introduce a la familia en un complejo proceso judicial. El texto combina ficción y documentación, y evita ofrecer al espectador una respuesta cerrada. La escenografía parece sencilla: una plataforma circular giratoria y una silla. Sobre ese espacio se suceden habitaciones, conversaciones familiares, consultas y tribunales. Matarranz cambia de personajes con pequeños gestos, registros vocales y movimientos corporales. La iluminación y el sonido acompañan una narración que avanza y retrocede en el tiempo.

    La actriz llega ahora al 49 Festival Internacional de Teatro de Badajoz con una obra que ha encontrado una acogida que ella misma reconoce no haber imaginado. Durante nuestra conversación hablamos de Dysphoria, pero también de la adolescencia, de las nuevas dramaturgias, de las dificultades de mantener una compañía durante treinta años y de ese público que, algunas noches, se acerca al escenario para contarle que algo ha cambiado después de asistir a una representación.

    «Nosotros contamos. El público tiene que decidir dónde se emociona, dónde se incomoda y con qué no está de acuerdo»

    —Gema, comencemos por el principio. ¿Qué es Dysphoria y qué nos proponéis con esta obra?

    —En este caso hablamos de disforia de género. Disforia es lo contrario de euforia. La disforia de género es esa sensación de angustia, de ansiedad, que pueden experimentar determinadas personas desde pequeñas porque sienten que su identidad no se corresponde con el género que la sociedad les ha asignado. Hay muchos tipos de disforia, pero nosotros abordamos concretamente la de género.

    —La propuesta escénica resulta especialmente interesante. Una plataforma circular, una silla y una actriz que interpreta a varios personajes. ¿Cómo construís todos esos espacios y situaciones con tan pocos elementos?

    —El espacio escénico es una plataforma giratoria con una silla. Esa plataforma nos permite representar también todas las vueltas que damos a lo que está sucediendo durante la obra. A medida que gira, vamos creando distintos espacios: la casa, la cocina, una ventana, el juicio… Hay que jugar con la imaginación, pero de una manera muy cercana y sencilla. Además, tenemos un segundo círculo que permanece fijo y que es un espacio muy especial, sobre todo para el adolescente, y una zona frontal que utilizamos especialmente durante las escenas judiciales. Todo está planteado para que el público pueda seguir perfectamente la historia. De hecho, estamos haciendo funciones para adolescentes y no tienen ningún problema para comprenderla.

    —Interpretas a una madre, a su hijo, a profesionales del ámbito judicial y sanitario… ¿Cómo preparas tantos personajes y consigues pasar de uno a otro prácticamente sin cambiar de vestuario?

    —Desde el principio, María Goiricelaya y yo hablamos de utilizar la menor cantidad posible de elementos. No hay prácticamente cambios de vestuario. Solamente llevo una sudadera con capucha, que utilizo para determinados personajes. He trabajado muchísimo la voz, los registros y también el cuerpo. El propio texto está escrito de manera que cada personaje tiene un lenguaje muy particular. Para construir al adolescente, por ejemplo, me he fijado en cómo hablan los chicos de quince años, en esas pocas palabras que a veces utilizan, en los tonos que van hacia abajo, en esa dificultad para expresar lo que quieren decir. La madre, para mí, es el público. La he construido desde esa cercanía, como si yo misma fuera quien está sentado en el patio de butacas.

    Después están los personajes del juicio. El fiscal y la abogada tienen un lenguaje tan específico que prácticamente te obliga a adoptar otra disposición corporal. En un juicio, muchas veces, resulta difícil comprender lo que están contando. Entran en una discusión que parece casi ajena al niño y a su madre. Y está la psicóloga o psiquiatra, que es un personaje muy importante. Es probablemente el que más se parece a mí. Quería que fuera cercano, cálido, que acompañara todo lo que sucede. Es quien va aportando información sobre los procesos de transición, sobre la legislación y sobre muchas cuestiones que María ha documentado extraordinariamente bien.

    —La historia plantea un conflicto familiar, pero también judicial y social. ¿Buscáis que el espectador tome partido o preferís dejar abiertas las preguntas?

    —Nosotros no juzgamos. Nosotros contamos. El público tiene que decidir qué separa, qué une, con qué se emociona, con qué no está de acuerdo, dónde se incomoda, dónde quiere marcharse o dónde está deseando darme un abrazo al terminar. La historia, además, no está contada cronológicamente. Vamos hacia atrás y hacia adelante. Puedes estar en el momento en que el adolescente le cuenta a su madre lo que siente y, de repente, encontrarte en el juicio o regresar a una situación anterior. Eso permite un juego escénico maravilloso, apoyado por la iluminación, el sonido y la música. Para una actriz es un ejercicio extraordinario porque tienes que estar permanentemente situada en el momento emocional de cada personaje. Y también tiene algo de thriller. El público quiere saber qué va a pasar al final.

    —Cuando trabajamos sobre una realidad que desconocemos, a veces descubrimos que nuestras propias ideas necesitan una revisión. ¿Te ha cambiado personalmente la mirada durante este proceso?

    —Los procesos teatrales siempre te cambian. Siempre. Eso no significa que el cambio tenga que ser drástico. A veces es solamente una pequeña pincelada, pero cambia algo porque estás investigando, conociendo otras realidades y hablando mucho sobre ellas. María y yo hemos pasado muchísimas horas juntas durante los ensayos. Ella tiene una hija pequeña. Yo no tengo hijos, pero tengo muy cerca al hijo de mi compañera Nines, que tiene quince años y que me ha inspirado muchísimo para esta historia. No soy madre y, sin embargo, me he sentido madre interpretando este personaje. Supongo que en mi cabeza están mi propia madre y todas las madres que me han rodeado a lo largo de la vida.

    El conocimiento te ayuda a cambiar o, al menos, a decidir de otra manera. Y eso también le sucede al público. Recuerdo una experiencia que me emocionó muchísimo. Después de una función, mientras estábamos recogiendo el escenario, se acercó un hombre que tendría setenta y tantos años. Me dijo que quería hablar conmigo. Empezó a emocionarse y me contó que había llegado al teatro con unas ideas muy claras, muy firmes. Pero que ahora tenía que regresar a casa y pensar en todo lo que había escuchado. Me dijo que a veces había que cambiar, darle una vuelta a las cosas. Nos emocionó a todos los que estábamos allí. Me abrazó, me dio la mano y me dijo: «Menos mal que he venido al teatro».

    —También estáis representando Dysphoria ante adolescentes, precisamente en edades en las que aparecen muchas de estas preguntas. ¿Cómo reaccionan los chicos y las chicas ante la obra?

    —Hay inquietud y también cierto desasosiego porque se aborda el acoso escolar y no puedes separar unas cosas de otras. Trabajamos con adolescentes de quince, dieciséis y diecisiete años, y hay diferencias importantes entre esas edades, incluso desde el punto de vista legal. Hay jóvenes que tienen muy claro lo que sienten y que necesitan que se les permita ser como son. Otros están en un proceso de descubrimiento, intentando comprender lo que les sucede. También interviene todo lo que reciben de su entorno, de las redes sociales y de la información que tienen a su alcance. Ellos saben muchísimas cosas. Otra cuestión es cómo las filtran y de dónde procede esa información. Ahí tenemos un trabajo muy importante los adultos. Ellos no tienen la mochila de experiencias que tenemos nosotros y necesitan que los ayudemos. Pero también tienen sus derechos y hay que respetarlos. En eso soy tajante.

    —Histrión Teatro cumple treinta años y tú llevas todo ese tiempo vinculada a la compañía. ¿Qué tiene de particular este personaje dentro de tu trayectoria?

    —Tiene algo diferente porque, aunque no era completamente ajena al tema, sí lo desconocía bastante. Para mí ha sido un descubrimiento desde el punto de vista de la investigación y también de la interpretación. Histrión siempre ha tenido una tendencia hacia el teatro social, hacia un teatro de piel, comprometido con lo que sucede. Pero, además, personalmente estaba en un momento en el que le decía a Nines Carrascal: «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá». Tengo 63 años y sentía que era el momento. Me encontraba fuerte, tenía ganas y este trabajo me ha ayudado muchísimo. Tener que interpretar cinco o seis personajes, cambiar continuamente de registro y hacerlo de la mano de María ha sido una experiencia maravillosa.

    —Después de treinta años de profesión, ¿en qué momento personal y artístico se encuentra Gema Matarranz? ¿Sigue siendo el teatro el amor de tu vida?

    —Ahora mismo, aquí y ahora, sí. Sigue siendo el amor de mi vida. Ha habido altibajos, naturalmente, porque pasan muchas cosas y también tengo una vida personal. Pero quiero seguir. Quiero seguir investigando, creando, que nos dejen hablar y que el teatro sea ese altavoz que considero que tiene que ser para exponer determinadas cuestiones. Todo el mundo dice que soy una actriz trágica, pero también soy cómica. Lo que ocurre es que no tengo tantas oportunidades para demostrarlo. Me encantaría volver a trabajar desde el humor, desde la ironía, desde la ternura, y poner otros asuntos sobre la mesa. Cuando pienso en todas las cosas que me gustaría hacer, ahí tengo la respuesta. Sí, quiero continuar. Me siento fuerte y, además, con Dysphoria la profesión me está devolviendo muchas cosas. Está siendo muy amable, muy cariñosa y muy generosa con mi trabajo.

    —Precisamente hablas de la comedia y del humor como herramientas para abordar asuntos complejos. ¿Podría haberse contado Dysphoria desde una perspectiva más cómica o necesitaba este tratamiento dramático?

    —Yo creo que Dysphoria, no. Al menos, no desde mi manera de entenderla ahora mismo. Hay determinados asuntos, como la violencia de género y otras realidades muy dolorosas, que personalmente necesito abordar desde otro lugar. Eso no quiere decir que no se puedan tratar desde el humor. Seguramente alguien podría hacerlo y funcionaría estupendamente. Pero yo, aquí y ahora, prefiero hablar de estas cuestiones desde la documentación y con la intensidad que considero necesaria. Están pasando muchas cosas. Hay situaciones muy preocupantes relacionadas con la adolescencia y la salud mental. Me parece que la manera en la que estamos contando esta historia es muy oportuna. Quizá en otro momento alguien encuentre una forma de abordarla desde la comedia, quitándole hierro sin perder lo importante, pero ahora mismo yo no lo veo así.

    —Hablamos de treinta años de compañía, pero también de treinta años atravesando las dificultades del sector. ¿Cómo ves actualmente la salud del teatro español? ¿Seguimos instalados en esa eterna crisis?

    —La palabra crisis siempre ha estado asociada al teatro y seguramente continuará estándolo porque es una realidad. Otra cuestión es cómo se gestionan esas crisis, dependiendo de las administraciones, las comunidades autónomas y los gobiernos. Pero hay una parte que me alegra muchísimo. Con Dysphoria, por ejemplo, estamos teniendo bastante público. Yo pensaba que quizá el tema podía resultar poco atractivo para alguien que decide ir al teatro un domingo por la tarde. Y, sin embargo, la respuesta está siendo muy buena. Además, están apareciendo nuevas dramaturgias, dramaturgas, directoras, autoras… Hay una cantidad de gente joven extraordinaria. Tenemos una cantera de actores y actrices estupenda y también intérpretes de mi generación que nos hemos formado trabajando sobre los escenarios, junto al público. Se están haciendo espectáculos maravillosos. Todo eso ha generado una red creativa muy potente. Luego está la otra parte, la de las dificultades, que por supuesto existe. Pero el teatro es un instrumento tan fuerte, tan válido y tan potente que, si lo cuidamos, puede ser una auténtica maravilla.

    —Llegas por primera vez al Festival Internacional de Teatro de Badajoz, que celebra su 49.ª edición. ¿Qué supone para vosotros formar parte de un certamen con casi medio siglo de historia?

    —Me llevé una sorpresa enorme. Nosotros trabajamos en Extremadura con Marta, de Proyecto Cultura, que es una mujer de teatro maravillosa. Quiero nombrarla porque hace un trabajo extraordinario. Cuando me dijo que íbamos a estar en Badajoz, no me lo podía creer. Estoy feliz. Ojalá el público también salga contento, descubra a esta compañía que quizá no había visto nunca y tenga curiosidad por seguir nuestros pasos. Con eso ya vamos muy bien. Estoy muy agradecida al festival por confiar en nosotros y también a Marta por su trabajo.

    —Los festivales también pueden ser espacios para prolongar las conversaciones más allá de la representación. ¿Crees que obras como Dysphoria necesitan ese encuentro posterior con los espectadores?

    —Es muy interesante. En algunos festivales y funciones hacemos encuentros con el público. A veces alguien de la compañía participa en charlas, clases o actividades paralelas. Hay muchas posibilidades. Pero también hay que tener en cuenta cómo trabajamos las compañías. Yo llevo una gira muy apretada. Voy de Badajoz a Palencia, de Palencia a Bolaños… Y estoy encantada, pero hay jornadas en las que empezamos a montar a las nueve de la mañana. Yo participo en el montaje porque es mi compañía y también llevo la producción en gira. Montamos, me preparo, hago la función y después desmontamos. Si a todo eso le añades coloquios y actividades, a veces resulta complicado. Dicho esto, cuando hacemos campañas escolares me encanta hablar con los chavales después de la función. Pueden salirte por lugares absolutamente maravillosos. Es otra manera de conocerlos y de conocer también cómo reciben nuestro trabajo. Con Dysphoria he participado en algunos coloquios muy interesantes. Hay conversaciones que realmente merecen la pena.

    —Detrás de una actriz sola sobre el escenario hay muchas personas trabajando para que esa función pueda llegar a Badajoz y seguir recorriendo teatros. Háblame de ese equipo que sostiene Histrión Teatro.

    —Hay muchísima gente detrás. En la producción estamos Sonia Espinosa, Nines Carrascal y yo. Nines es mi socia y llevamos treinta años juntas con Histrión. Es una productora maravillosa y también está vinculada a Mercartes. Después tenemos un equipo con personas que llevan muchos años trabajando con nosotras. Está Juan Felipe, «Tomatierra», que se encarga del diseño de iluminación y del trabajo técnico. Está Álvaro Gómez Candela, mi pareja desde hace treinta y cinco años, que es un escenógrafo maravilloso. También contamos con el equipo técnico que nos acompaña en las giras. Y, por supuesto, está María Goiricelaya, que es el alma de esta propuesta.

    —¿Cómo nace vuestra relación con María Goiricelaya y qué ha significado trabajar con ella?

    —Nos conocíamos del circuito teatral, especialmente de las ferias y de nuestra relación con el País Vasco, donde trabajamos bastante. Nines ya la conocía y me animaron a leer sus textos. Empecé a leerla, fui a ver una de sus obras y pensamos que teníamos que trabajar juntas. Le propusimos hacer algo con nosotras, pero queríamos encontrar un proyecto que realmente le apeteciera, que nos acercara a su universo y en el que todas nos sintiéramos cómodas. Así surgió primero Nevenka y después Dysphoria. ¿Qué puedo decir de María? Es maravillosa. Es inteligente, alegre, cercana, tiene una capacidad extraordinaria para trabajar y para comprender lo que quiere contar. Para mí, María es una hermana.

    —Dysphoria también está recibiendo reconocimientos. ¿Cómo estáis viviendo ese recorrido?

    —Estrenamos en la Feria de Teatro de Castilla y León, en Ciudad Rodrigo, donde recibimos un premio. Después llegaron también reconocimientos en los premios del teatro andaluz. Todo eso hace mucha ilusión, naturalmente. Los premios son otra cuestión. Hay espectáculos impresionantes que nunca han recibido ninguno. Pero está bien que se reconozca el trabajo. También he sido finalista en otros premios y me hizo muchísima ilusión compartir nominación con compañeras extraordinarias. Al final, lo importante es seguir trabajando y encontrarse con el público, pero cuando la profesión reconoce lo que haces, claro que emociona.

    Al despedirnos, Gema Matarranz continúa hablando del teatro con la misma energía con la que ha recorrido sus treinta años de profesión. La gira no concede demasiadas treguas. Cada función implica desplazamientos, horas de montaje, pruebas técnicas, interpretación y desmontaje antes de volver a cargar el equipo y emprender camino hacia otra ciudad. En Badajoz la espera el escenario del López de Ayala, un teatro que visitará por primera vez como intérprete y donde presentará una obra que le ha permitido asumir uno de los retos más exigentes de su carrera. También encontrarse con un público nuevo, al que no pretende convencer de nada, sino ofrecerle una historia para que cada espectador decida qué hacer con ella.

    Willy López / Imagen Histrión Teatro