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  • Antonio Sáez «Pensar el mundo» desde el Guadiana en el Festival de Literaturas Afro-Iberoamericanas

    Antonio Sáez «Pensar el mundo» desde el Guadiana en el Festival de Literaturas Afro-Iberoamericanas

    Los países de lengua portuguesa y española tienen «un potencial cultural, social e incluso económico fundamental» en un mundo «cada vez más anglosajón», defiende António Sáez Delgado, director y comisario de Guadiana – Festival de Literaturas Afro-Iberoamericanas, que se celebra en Évora del 9 al 11 de octubre.

    En términos internacionales, «podemos comprobar, sin demasiado esfuerzo, que el mundo de los países de lengua portuguesa y española, en ocasiones, se siente relegado frente al mundo anglosajón», admite el director del nuevo festival, escritor español, profesor y vicerrector de la Universidad de Évora. El responsable, que ejerce también como comisario del certamen, señala que los países afro-iberoamericanos «se sienten relegados porque tampoco trabajan en red», a diferencia de «los anglosajones, liderados por Estados Unidos, [que] inventaron una palabra llamada lobby, que funciona muy bien y con la que no tienen ningún tipo de dificultad». Sin embargo, para marcar la diferencia es necesario tener la «capacidad de trabajar en red, de hacerlo con horizontes abiertos y siempre con la mentalidad de conocer a quienes son diferentes de nosotros, pero con los que también tenemos muchos puntos en común», defiende.

    Precisamente para potenciar y poner en valor el espacio afro-iberoamericano nace este nuevo festival, con el nombre simbólico del río Guadiana, destaca Sáez Delgado, quien explica que se trata de un foro que pretende «pensar el mundo» desde estos países, unidos por puentes relacionados con la identidad, la lengua y la cultura. «El Guadiana es un símbolo, en primer lugar, de frontera. Atraviesa los dos países ibéricos, España y Portugal, y es un río que discurre por la superficie, pero que también, en ocasiones, desaparece; tiene kilómetros y kilómetros sumergidos, como si la frontera desapareciera», afirma Sáez Delgado, quien señala que ese es «el espíritu que el festival quiere reivindicar», convirtiéndose en un «punto de encuentro entre personas que escriben en dos lenguas muy próximas, que viven en países que afrontan una serie de desafíos muy similares en el mundo actual».

    «El Guadiana es un símbolo, en primer lugar, de frontera. Atraviesa los dos países ibéricos, España y Portugal, y es un río que discurre por la superficie, pero que también, en ocasiones, desaparece; tiene kilómetros y kilómetros sumergidos, como si la frontera desapareciera»

    «Cualquier ciudadano de la Península Ibérica puede leer, sin demasiado esfuerzo, tres o cuatro lenguas, como mínimo, teniendo en cuenta el castellano, el gallego, el portugués y el catalán», lo que supone «poder estar en contacto con culturas simultáneamente próximas, pero completamente diferentes, dentro de un espacio marcado por la pluralidad», argumenta. Si a esa pluralidad se suma «la creación de puentes con el continente americano de lengua española y con los países de lengua portuguesa en África, estamos ante un potencial cultural de una dimensión extraordinaria», concluye el director de Guadiana – Festival de Literaturas Afro-Iberoamericanas, integrado en la programación de Évora_27 – Capital Europea de la Cultura.

     

    Artículo del medio de comunicación portugués Alentejo Ilustrado. (Colaboración mutua para conectar la frontera desde el Territorio, la Sociedad y la Cultura). 

    Texto original:  https://alentejoilustrado.pt/saez-delgado-quer-festival-para-pensar-o-mundo-a-partir-do-guadiana/

  • Sucede Extremadura

    Sucede Extremadura

    El Teatro Romano de Mérida abre este 7 de septiembre la celebración institucional del Día de Extremadura con la entrega de las Medallas de Extremadura, la música de la OEX, Pilar Jurado y Sanguijuelas del Guadiana, y un lema que mira a Robe Iniesta para reivindicar una región que quiere hablar de sí misma desde el presente

    Extremadura celebra su día y este año ha elegido hacerlo conjugándose en presente. Sucede Extremadura es el lema del 8 de septiembre de 2026, dos palabras con las que la comunidad quiere apartarse por un momento de los lugares comunes que tantas veces han acompañado su relato para poner el foco en aquello que está ocurriendo ahora mismo: en su cultura, su patrimonio, el deporte, la creación, la igualdad, el mundo rural y una generación que continúa saliendo fuera sin necesidad de desprenderse de su procedencia.

    La celebración comenzará institucionalmente este 7 de septiembre, a las 21:30 horas, en el Teatro Romano de Mérida, con el acto de entrega de las Medallas de Extremadura, la máxima distinción de la comunidad autónoma. Sobre uno de los escenarios que mejor explican la profundidad histórica de esta tierra se reunirán este año nombres, instituciones y trayectorias muy diferentes entre sí, pero conectadas por Extremadura.

    El nadador cacereño Guillermo Gracia, el activista y presidente de Fundación Triángulo José María Núñez y el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida recibirán las tres Medallas que se entregarán durante la ceremonia. A ellas se suma la concedida al futbolista Pedro Porro, que no podrá recogerla durante el acto debido a sus compromisos deportivos en Inglaterra. Hay deporte y superación en Guillermo Gracia; defensa de derechos, igualdad y libertad en la trayectoria de José María Núñez; conservación, investigación y divulgación de un patrimonio excepcional en el Museo Nacional de Arte Romano; y una carrera deportiva internacional en Pedro Porro. Cuatro reconocimientos que permiten recorrer ámbitos muy diferentes de una misma sociedad.

    Las personas detrás de las medallas

    También habrá un componente personal en la manera de entregar los reconocimientos. La Medalla de Guillermo Gracia será entregada por Carlos Corcho, uno de los entrenadores que durante años ha acompañado al nadador y director técnico del Club Natación Cáceres Los Delfines. La del Museo Nacional de Arte Romano la recogerá su directora, Trinidad Nogales, de manos de Chelo López, recientemente jubilada después de desarrollar durante años su trabajo como Portera Mayor del museo. La presidenta de la Junta de Extremadura, María Guardiola, será la encargada de entregar la Medalla a José María Núñez, un reconocimiento concedido por iniciativa de la propia Presidencia a una trayectoria vinculada a la defensa de los derechos de las personas LGTBI y a la lucha contra la discriminación. El acto estará conducido por la periodista placentina Raquel Sánchez Silva, mientras que otra extremeña de una generación completamente distinta tendrá la responsabilidad de poner voz a la ciudadanía. Será Inma Rubiales, escritora de Almendralejo de 24 años y convertida en uno de los fenómenos editoriales entre los lectores jóvenes. Comenzó a escribir con ocho años y, con apenas diecisiete, publicó en papel su primera novela, Un amigo gratis. Su presencia introduce otro elemento en el relato de este año: una generación criada entre Extremadura, las redes sociales, las plataformas digitales y un mercado cultural sin fronteras geográficas.

    De Agila a “Sucede”

    Pero buena parte de la identidad de esta edición se encuentra en una ausencia. Robe Iniesta, fallecido en 2025 y Medalla de Extremadura en 2014, aparece de manera indirecta en la imagen y en el propio lema elegido para la celebración. Sucede Extremadura remite a “Sucede”, tercera canción de Agila, el disco publicado por Extremoduro en 1996 que terminó de situar a la banda ante el gran público. La conexión continúa en la gráfica de este año, cuyos fucsias, amarillos y naranjas toman como referencia los colores de aquella portada. No se trata de convertir el Día de Extremadura en un homenaje a Extremoduro, sino de introducir dentro de la imagen institucional una referencia reconocible de la cultura popular extremeña. Robe llevó durante décadas el nombre de Plasencia y de Extremadura por escenarios de todo el país sin convertir su procedencia en decoración. Estaba allí porque formaba parte de él. Treinta años después de Agila, aquellos colores reaparecen alrededor de una joven con gorro de montehermoseña, en una composición que mezcla tradición y tratamiento gráfico contemporáneo. La imagen busca precisamente esa convivencia: una Extremadura que no necesita elegir entre raíz y modernidad.

    Del Teatro Romano a Casas de Don Pedro

    Y si Robe permanece como referencia, Sanguijuelas del Guadiana representa quizá una de las expresiones musicales más visibles de ese presente. El grupo de Casas de Don Pedro participará esta noche en el cierre del acto institucional y regresará mañana, 8 de septiembre, al Teatro Romano para ofrecer un concierto gratuito.

    Su presencia encaja especialmente bien con el lema de este año. Tres jóvenes procedentes del medio rural extremeño que han conseguido trasladar su acento, sus códigos, sus referencias y su manera de contar el territorio a un público situado mucho más allá de la región. No han tenido que borrar Casas de Don Pedro del mapa para avanzar; han hecho justamente lo contrario: colocarlo dentro de sus canciones.

    Esa circunstancia conecta con una Extremadura cultural que durante los últimos años ha comenzado a relacionarse de otra manera con su propia identidad. El pueblo deja de aparecer exclusivamente como escenario de nostalgia y puede convertirse también en punto de partida para una propuesta musical, artística, literaria o empresarial contemporánea.

    La música para abrir el 8 de septiembre

    La ceremonia contará igualmente con la Orquesta de Extremadura, que interpretará el himno regional junto a la soprano, compositora y directora de orquesta Pilar Jurado. Ambas ofrecerán además dos piezas clásicas breves y dos arias dentro de la parte institucional. Después llegará Sanguijuelas del Guadiana.

    La secuencia tiene algo de fotografía generacional: un Teatro Romano con dos mil años de historia, una orquesta sinfónica, una soprano, tres chavales de Casas de Don Pedro, una escritora de 24 años pronunciando el discurso ciudadano, un deportista cacereño, un activista por los derechos civiles y uno de los grandes museos arqueológicos españoles. No hace falta que todos representen la misma Extremadura. Precisamente representan Extremaduras diferentes que suceden al mismo tiempo.

    Extremadura, 8 de septiembre de 2026

    El Día de Extremadura conserva inevitablemente su dimensión institucional, su himno, sus medallas y sus símbolos. Pero detrás de ese protocolo existe otra lectura posible. Extremadura continúa siendo campo y ciudad, patrimonio y universidad, pueblos pequeños y conexiones internacionales, emigración y regreso, creación cultural, deporte, turismo, investigación, música, literatura y una frontera con Portugal que cada vez puede entenderse menos como final y más como espacio compartido. Quedan problemas estructurales, desequilibrios y muchas conversaciones pendientes. Celebrar una tierra no exige ocultarlos. Tampoco obliga a convertir cada 8 de septiembre en un ejercicio de melancolía. Quizá ahí funcione especialmente bien el verbo elegido este año. Suceder significa ocurrir, acontecer, pasar. Y durante mucho tiempo Extremadura ha tenido que escuchar su historia narrada desde lo que ocurrió, desde lo que pudo haber ocurrido o desde aquello que todavía debería ocurrir. Este 8 de septiembre la propuesta cambia el tiempo verbal.

    Robe ya forma parte de nuestra memoria. El Museo Romano conserva una historia de siglos. Guillermo Gracia sigue rompiendo límites. Inma Rubiales escribe para una generación que lee también desde una pantalla. Pedro Porro juega a miles de kilómetros de su tierra. José María Núñez continúa defendiendo derechos. Y tres músicos de Casas de Don Pedro pueden plantarse en el Teatro Romano y hacer cantar sus canciones a miles de personas. Están pasando cosas. Sucede Extremadura.

    Willy López / Félix Méndez

  • El Brujo «Un santo triste es un triste santo…¡Qué sería yo sin el humor!»

    El Brujo «Un santo triste es un triste santo…¡Qué sería yo sin el humor!»

    Se respira tranquilidad en los instantes previos a la obra de Teresa o el sol por dentro que Rafael Álvarez “El Brujo” interpretará en lo que otra época fue el huerto del Convento de San Benito. Alcántara es una localidad que ya posee versos del maestro entre sus muros, un pueblo que acoge al dramaturgo como un paisano más, le da cobijo y lo fija con pegamento en la maqueta imaginaria donde emergen en alzados majestuosos las dos bestias arquitectónicas, el puente romano y la presa. La otra bestia, el animal del teatro, El Brujo, nos concede una entrevista, nos cede el único hueco del que dispone, llega con muy poco tiempo para actuar, llega con ropa cómoda, de lino blanco, como un yogui made in Spain, con su anahata chakra en forma de teatro, una cajita de polvo de maquillaje, un cepillo, un peine y una foto de dos de sus hijos, los más pequeños, los que le exigen verbena a cada instante. Extremadura le ofrece un terreno donde descansar, una cercanía que le permite meditar, escribir para no fregar muchos platos, un lugar donde hacer reír como propósito, un sitio escondido lleno de magia para sus textos y sus interpretaciones llenas de soledad y rebosantes de personajes que pululan por las esquinas del escenario. Una foto, la última, tras la parsimoniosa e hipnótica voz del artista, una foto con el cúbito y el radio como trípode natural, una foto de uno que fue cómico a otro que lo sigue siendo. La luz descubre que no está solo con la carmelita, la luz, como aquella que sentía en el corazón Teresa, irradia un público con lágrimas en los ojos y agujetas en el abdomen, espectadores emocionados que acompañan en un aplauso místico la verdadera esencia del teatro.

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    ¿Es Teresa o el sol por dentro la continuidad de La luz oscura de la fe?

    La obra de San Juan de la Cruz vino cuando yo ya estaba trabajando el espectáculo sobre Teresa. Entonces fue como una ampliación del tema de investigación, porque la conexión entre los dos místicos, como se sabe es muy fuerte y los dos intervienen en la misma etapa histórica en la orden del Carmelo. Esta obra vino porque me propusieron en Úbeda, que fue donde murió San Juan de la Cruz, realizar una obra sobre él para conmemorar el aniversario de su muerte. Y ya que estaba con lo de Santa Teresa, amplié el tema y me metí en la vida del Santo. Las dos las tengo en repertorio.

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    Teresa o el Sol por dentro, ¿De dónde sale este título?

    La frase es de un buen biógrafo de la Santa, pero no es exactamente así, un invierno concreto en la vida de Teresa, relata el biógrafo, que le nació un sol por dentro. Me gusto la frase y la utilice para mi obra y le hice un homenaje que es la forma elegante de plagiar a alguien….[Ríe]…además sin que se mosqué.

     

    Obra sobre una mística, sobre una mujer impregnada de meditación, quizá, y me refiero a la meditación, un apartado espiritual muy importante en tu propia vida… 

    …Evidentemente , tiene una importancia decisiva el hecho de que la meditación tal y como yo la conozco a través de las técnicas que vienen del oriente, de la India, del yoga, la tradición yóguica de la india milenaria y la oración contemplativa de la mística carmelita realmente tienen mucho que ver. Son dos caminos muy similares que persiguen el mismo objetivo: la comunión con la divinidad a través del silencio de la mente. Utilizando la supramente o la mente cósmica como diría un yogui o con Dios que te diría una mística carmelita del siglo XVI o incluso de este siglo.

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    Es posible que el lenguaje en estos países donde la meditación forma fundamental de la vida diaria esté más desprovisto de ese dogmatismo moral…

    Sin duda, es más importante la sabiduría del místico, que la moral…se llega a la  moral porque se es sabio no se llega a la sabiduría por la moralidad. En este aspecto la moralidad deja al hombre en un estado intermedio, que hace el bien y evita el mal, pero en algunos momentos, cuando se cabrea y le gusta hacer el mal, y quiere desquitarse se pregunta ¿Por qué cojones tengo que ser tan gilipollas? Ya la sabiduría no está ahí para darle una respuesta. Se queda estreñido y viene el cura y le dice que si no es así, de otra manera irá al infierno…!Pues seguiré siendo gilipollas para no ir al infierno!…[Ríe]… Conflicto interno que demuestran un lenguaje más higiénico en la sabiduría y la espiritualidad.

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    Comentas que para ti la risa debe ser un propósito… ¿Misticismo y humor están reñidos?

    [Ríe]…qué sería yo sin el humor…y un santo triste es un triste santo…esto lo dijo uno de los más grandes maestros yogui de la India, Paramahansa Yogananda…sin duda la mejor manera de demostrar que ambos aspectos, humor y meditación, se dan la mano. El sol que lleva Santa Teresa en la obra por dentro es en el lenguaje sanscrito; el anahata chakra, el chakra del corazón que es un sol, un corazón no herido, corazón que no teme a amar sin condiciones y corazón invulnerable …el sol que lleva Santa Teresa por dentro es el corazón que no tiene miedo amar.

    “El sol que lleva Santa Teresa por dentro es el corazón que no tiene miedo amar”

    Rafael, ¿Puede resultar algo complejo el llevar al público estos elementos tan espirituales en tu obra?

    No, sencillamente porque yo trabajo para la gente y vivo de esto. Ya me cuido yo de que mis obras no sean para una minoría, porque si mi trabajo no fuera para estos mil espectadores, durante estos veinte años, y fuera para quinientos, tú no vendrías.

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    ¿Se queja la gente de que siempre viene El Brujo a festivales como este de Alcántara? ¿Crees que no miran con buenos ojos que una persona esté durante dos horas, sola subida en el escenario sin parar de hablar y sin casi ningún decorado que deleitarse?

    Para que yo esté aquí hoy tengo que ser la rehostia, otro puede venir y no necesita llenar, yo cada vez que actúo tengo que superarme porque esperan mucho de mí. Es la manera de justificar mi presencia, aunque siempre habrá gente que exija otros nombres. Yo también lo diría. Los que vienen a verme hoy están aquí porque ya vieron a un hombre solo haciendo teatro encima de un escenario otros años.

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    ¿Qué supone Alcántara, Extremadura, actuar en esta tierra amante del teatro?

    Siempre que vengo aquí a Extremadura tengo muy buena onda con el público. Cáceres, Mérida y Alcántara son un lujo. Tengo muy buena conexión con estos tres festivales, con mucho público, se convierten en noches mágicas, noches que yo vivo con deleite y con sentimiento de que es un momento único.

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    “Los que vienen a verme hoy están aquí porque ya vieron a un hombre solo haciendo teatro encima de un escenario otros años”

    Del “juego de los insectos” a “Teresa o el sol por dentro” han pasado muchos años, Rafael ¿Con qué momento te quedas?

    De todas las obras que he hecho, de la última etapa me siento muy orgulloso del Evangelio de San Juan y de Teresa o el sol por dentro, del texto, de su elaboración y resultado…y en El juego de los insectos de un texto de los hermanos Kappeck y que dirigió Luis Alonso de Santos, yo hacía un papel, un protagonista dentro de esa obra, y de ahí hasta yo poder escribir e interpretar mis propios textos  ha habido mucho aprendizaje, muchas horas de teatro y mucho estudio. Si lo miras así, yo soy duro, un alumno torpe pero que le ha dedicado una enorme cantidad de horas para poder llegar a donde estoy ahora.

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    “Soy un alumno torpe pero que le ha dedicado una enorme cantidad de horas para poder llegar a donde estoy ahora”

    ¿Puede ser fruto de este esfuerzo teatral, la capacidad de evolucionar dentro de tu obra?

    Es una de las características fundamentales de lo que yo entiendo por teatro: la evolución. Hay una opinión generalizada que dice que yo me repito, y es cierto, pero me repito como en la música minimalista, que se repite siempre la melodía pero con ligeras variantes. Eso es lo que yo hago con mis obras pero al mismo tiempo también yo nunca he hecho lo mismo. Si yo hubiera hecho la Taberna fantástica y el Avaro de Moliere y me hubiera conformado con llegar a ser el protagonista, quizá sólo me tocaba esperar para hacer el Rey Lear, al año siguiente Antígona, al otro con José Carlos Plaza y al otro con Mario Gas, y así otra obra y otro personaje y vas envejeciendo y los papeles de prota son para otros, sería el abuelo del protagonista, el padre de Antígona y así hasta que un día te dicen: ¡Uy! has hecho muchos papeles…no disculpa, has hecho siempre el mismo papel: el de esperar al que le llame el director…[Ríe] …

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    …de esta manera has construido un futuro dramatúrgico a tu medida…

    Efectivamente. Cada vez que he dado un paso, el siguiente ha sido distinto.

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    ¿Y cuál será tu siguiente paso tras Teresa?

    El paso siguiente que quiero dar es escribir una obra en la que yo no haga ni de Santa Teresa, ni de San Juan, quiero hacer un texto totalmente original, sin base de personajes históricos, sin mujeres de Shakespeare, sin Homero…sino directamente un texto, ya tengo un espectáculo así que se llama Cómico, pero es solamente un show de un triste cómico que hace reír al público nada más…[Ríe]…quiero hacer lo mismo pero con un tema…

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    Entrevista. Willy López / Fotografía. Félix Méndez

  • Fernando Bonete «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros»

    Fernando Bonete «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros»

    Más apuestas que libros: una comparación incómoda

    Antes de meternos en faena con nuestro entrevistado, y sin hacer spoiler, hacemos scroll con datos a modo de trailer de la entrevista. Todo con jerga anglófona para intentar alejarnos de la semántica castellana de algo que ocurre, como una invasión silenciosa, en España.

    Hay una frase de Fernando Bonete durante la conversación que sirve para poner en perspectiva nuestra relación con la lectura: «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros». Y la comparación, más allá de su contundencia, dibuja una diferencia considerable entre ambos hábitos de consumo. Según los últimos datos de la Dirección General de Ordenación del Juego del Gobierno de España, el gasto relacionado con el juego y las apuestas ronda los 12.000 millones de euros anuales, sumando la actividad presencial y el creciente peso del juego en línea. El gasto real de hogares y usuarios se sitúa cerca del 0,78 % del PIB español. Frente a estas cifras, el desembolso destinado a los libros resulta mucho más modesto. Los datos del Plan Estadístico del Ministerio de Cultura sitúan el gasto medio en torno a los 32,60 euros anuales por habitante, aproximadamente 80 euros por hogar. En conjunto, las familias españolas destinan a la compra de libros más de 1.580 millones de euros al año, mientras que la facturación global del sector editorial se mueve alrededor de los 3.138 millones. Las magnitudes no son directamente equiparables, gasto de los usuarios, gasto de los hogares y facturación editorial responden a indicadores estadísticos diferentes, pero permiten entender la reflexión de Bonete. En un país en el que las pantallas compiten cada día por nuestro tiempo y nuestra atención, el reto de la lectura no consiste únicamente en vender más libros, sino en conseguir que vuelvan a ocupar un espacio cotidiano. Y ahí Bonete regresa a una idea mucho más sencilla que cualquier estadística: si queremos que los más jóvenes lean, quizá lo primero sea que nos vean a los adultos con un libro entre las manos.

    Periodista, profesor, investigador, músico, divulgador literario y ahora también novelista, Fernando Bonete se ha convertido, bajo el nombre de @en_bookle, en una de las voces más reconocibles de la literatura en redes sociales. Lee más de un centenar de libros al año y los recomienda sin levantar fronteras entre la literatura popular y la considerada más exigente. Con La hija del Fénix, su primera novela, cambia de lado: quien lleva años recomendando las historias de otros se enfrenta ahora al juicio de sus propios lectores. Hay algo aparentemente contradictorio en hablar de libros en Instagram. La literatura exige tiempo, silencio y cierta lentitud; las redes sociales reclaman velocidad, impacto y apenas unos segundos de atención. Fernando Bonete ha conseguido encontrar un espacio entre ambos mundos. Detrás de @en_bookle hay un periodista y humanista, pero también un músico formado en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde se licenció en la especialidad de Violín. Profesor e investigador universitario, Bonete ha desarrollado igualmente una intensa actividad académica vinculada a la comunicación, los medios y la cultura. Como escritor ha publicado Cultura de la cancelación. No hables, no preguntes, no pienses; La guerra imaginaria. Desmontando el mito de la inteligencia artificial con Asimov; Malas lenguas. 100 anécdotas de escritores de casi todos los tiempos y Un libro para cada año de tu vida. Ahora da un paso diferente con La hija del Fénix, su primera novela, publicada por Espasa. La literatura sigue siendo el centro, pero esta vez Bonete no recomienda el libro: lo ha escrito él.

    «En redes sociales estamos compartiendo lecturas entre iguales»

    —Has conseguido algo que no parece sencillo: hablar de literatura en redes sociales sin hacerla pesada, pero también sin banalizarla. Recomiendas tanto libros accesibles como obras más complejas. ¿Dónde está el equilibrio?

    —Creo que el equilibrio pasa por saber y reconocer dónde estás y qué haces cuando hablas de libros. Cuando estás en redes sociales hablando de literatura o de cultura no estás, por ejemplo, en una clase universitaria, donde tienes que desentrañar, profundizar, analizar y reflexionar acerca de todos los detalles porque tienes una o dos horas por delante. Tampoco se trata de hacer lo mismo que puede hacer un crítico cultural en un medio más tradicional, reflexionando y analizando profundamente el fondo y lo que aporta una novela. En redes sociales se trata de conectar con la experiencia que te ha proporcionado esa novela o ese libro y con la experiencia de quienes te siguen, que son lectores como tú. No son ni más ni menos que tú: son iguales, gente a la que, como a ti, le encanta leer y que está ahí para compartir lecturas e impresiones.

    Poner la atención en las emociones y en la experiencia que te ha producido una lectura es lo que diferencia el trabajo de divulgación en redes sociales de lo que puede hacerse en medios más tradicionales o en la academia, la investigación y la docencia. Sabiendo esto creo que es más fácil encontrar el equilibrio entre la profundidad, el lenguaje más sesudo y complejo, y lo que haces en redes sociales, sin caer tampoco en la broma o en convertirlo en algo que no es.

    «Nunca utilizaría a mis hijos para conseguir alcance o seguidores»

    —Las redes sociales también desgastan y obligan a exponer una parte de la vida privada. ¿Dónde colocas tú el límite?

    —En cuanto a la relación entre las redes sociales y la familia lo tengo muy claro: no sacar a los niños nunca en redes sociales. Y tampoco aprovechar a los niños, ni nada que tenga que ver con mis hijos, para hacer números, crecer en alcance, engagement o seguidores. Lo considero un uso instrumental de las personas y, en este caso, de mi familia. He trazado una línea muy dura, pero muy clara, entre aquello que pertenece a las redes sociales y aquello que pertenece a mi intimidad.

    Del ensayo a inventar una historia

    —Has recomendado miles de páginas escritas por otros, has escrito ensayo y has investigado la literatura desde un punto de vista académico. ¿En qué momento decides: ahora quiero escribir ficción?

    —El ensayo era el modo más accesible y más fácil para mí de empezar con la escritura porque tiene mucho que ver con un trabajo universitario que es la investigación, algo a lo que estamos acostumbrados los profesores universitarios. Existe una evolución bastante clara desde el paper científico o el capítulo de un libro científico hacia el ensayo más divulgativo. Una vez que probé suerte con el ensayo, funcionó y me sentí cómodo, el siguiente paso natural era atreverme con la ficción. Además, el tema que escogí para esa primera ficción se prestaba a ello. Querer tratar sobre ella te empujaba a la hipótesis, a la invención, a la imaginación. Había que dejarla volar para construir su vida y, especialmente, la relación que mantuvo con su padre. No era suficiente con historizar. No bastaba con desentrañar el lado académico o histórico. Había que dar ese paso hacia la ficción.

    Marcela, la hija escritora de Lope de Vega

    —Y ahí aparece Marcela de San Félix, hija de Lope de Vega. ¿Qué encontraste en ella para convertirla en protagonista de tu primera novela?

    —Marcela es una escritora que no tiene nada que envidiar a otros escritores del Siglo de Oro. Es una gran escritora, pero por su condición de mujer, por su condición de hija ilegítima y por ser hija de quien era, de Lope, que conocía su talento pero no se lo reconoció, terminó quedando en la sombra. Tuvo que encerrarse en un convento para poder liberarse y poder escribir. Lo primero que me sorprendió fue descubrir que Lope de Vega tenía una hija escritora. Entre once y quince hijos, porque las cifras bailan y realmente no sabemos cuántos tuvo debido a las numerosas relaciones que mantuvo, solo una terminó siendo escritora. Que uno de los hijos del gran dramaturgo de la literatura universal fuera también escritor ya me hizo ponerme tras la pista de esta persona. Quería saber cómo escribía, qué hizo y qué relación tuvo con la literatura. Después descubrí la complicada relación con su padre. Durante muchos años Lope la mantuvo apartada de su vida y la rechazó. Y cuando finalmente entró en el hogar paterno tampoco reconoció verdaderamente su talento. Y hay un tercer elemento que me interesa especialmente: cómo, con las herramientas que tenían ella y otras mujeres de aquella época, consiguió encontrar finalmente un lugar desde el que cumplir aquello que anhelaba: escribir. Esos tres acontecimientos son los que me maravillaron de Marcela y los que me animaron a investigar su vida.

    Calderón, Cervantes y las mujeres del Siglo de Oro

    —Y alrededor de ella aparecen además algunos de los grandes nombres de nuestra literatura.

    —Sí. Hay cosas divertidísimas que solamente podían ocurrir en el Siglo de Oro, como que Marcela se enfrentara con Calderón de la Barca dentro del convento. También planteo la posibilidad de que hubiera podido encontrarse con la hija ilegítima de Cervantes y que ambas mantuvieran un diálogo sobre sus padres. Son curiosidades y posibilidades que el lector puede descubrir en la novela.

    «Lope fue un extraordinario dramaturgo, pero una persona terrible con sus allegados»

    —Tú, que además has escrito sobre la cultura de la cancelación: si Lope de Vega viviera hoy, ¿estaría tranquilamente firmando libros en una feria o terminaríamos cancelándolo?

    —Creo que estaría en una feria del libro. Cuando hablamos de cancelación dentro de una democracia liberal no estamos hablando de una cancelación dura como la que se produce en un totalitarismo, como las que hemos vivido durante los grandes terrores del siglo XX. Ahí ni siquiera habría una feria del libro en la que pudiéramos rechazar a un autor. Lope sí estaría en una feria. Otra cosa es que junto a él probablemente hubiera grupos de personas o manifestantes intentando cancelar su presentación o tratando de impedir que se produjera con normalidad. Y hay que reconocerlo: junto al hecho de que fue uno de los grandes dramaturgos de la literatura universal, fue una persona que no trató bien a su familia. No trató nada bien ni a sus esposas ni a sus amantes. Fue una persona terrible con sus allegados porque supeditaba muchas cosas a su propio logro, a su medro personal y a su afán por prosperar en la Corte.

    ¿España lee poco?

    —Hablemos de lectores. Tú manejas libros constantemente y tienes una comunidad enorme alrededor de la lectura. ¿Se lee realmente poco en España?

    —El resultado final es bastante pobre. La mayor parte de los informes muestran que aproximadamente entre un 50 y un 60 % de la población española lee cinco libros o menos al año. Es muy poquito. Somos un país en el que una familia gasta al año más dinero en apuestas que en libros. Y eso, además de duro, es muy triste. También tenemos cifras de préstamo bibliotecario muy bajas, alrededor de 1,3 libros anuales por habitante. Por tanto, si hacemos una lectura absoluta de las cifras, el resultado es pobre. Pero al mismo tiempo podemos hacer una lectura relativa más esperanzadora: durante los últimos años han crecido los índices de lectura y cada vez existe un mayor interés por la cultura y por los libros.

    Para que un niño lea, que primero vea leer

    —Una pregunta que seguramente te harán constantemente: «¿Qué hago para que mi hijo lea?». ¿Qué respondes?

    —Lo primero que pregunto es: «¿Pero tú lees?». Lo digo porque lo más habitual en casa es que nuestros hijos nos vean con el móvil en la mano y no con un libro. Y a mí también me ocurre muchas veces. La primera forma de educar es ejemplificar con nuestro propio comportamiento. El hecho de que nuestros hijos nos vieran más veces con un libro en las manos que con un móvil ya sería algo muy bueno. Al final, cuando un niño ve que tú haces mucho una determinada cosa, presupone que la haces porque es buena y, por tanto, quiere replicarla. Si nos vieran más con un libro, entenderían, y estarían en lo cierto, que leer es algo bueno.

    Cuando el recomendador se convierte en recomendado

    —Durante mucho tiempo has sido tú quien decía a los demás qué libro podía merecer la pena. Ahora recorres ferias y encuentros con lectores que llegan para hablarte de tu propio libro. ¿Qué cambia cuando estás al otro lado?

    —Lo más importante es encontrarte personalmente con los lectores. Que te cuenten qué les ha gustado y también aquello que no les ha convencido de la novela. Porque escribir también es un proceso de aprendizaje y se aprende escribiendo. Es muy ilusionante que alguien te diga: «He conectado con este personaje», «me he emocionado en este momento de la novela» o «he estado atrapado por tu historia». El hecho de que un lector conecte con tu historia es fundamental. Para mí es lo que más me emociona de estos viajes y de estos encuentros.

    Más de cien libros al año

    —Tú estás acostumbrado a leer unas cantidades que para muchos parecen directamente imposibles. ¿Cuántos libros pasan por tus manos cada año?

    —Normalmente más de cien. Hubo años de unos 130, otros de alrededor de 140. Este año, si llego a cien, será casi un milagro porque estoy escribiendo mucho. Y cuanto más escribes, casi menos lees, porque el tiempo que dedicas a una cosa se lo estás quitando a otra. Pero normalmente siempre paso del centenar de libros al año.

    El escritor que ahora recomienda Bonete

    —Con más de cien libros al año resulta complicado elegir. ¿Qué autor has descubierto recientemente y estás recomendando especialmente?

    —Thomas Bernhard. Sigue la estela de los escritores de frase larga, como pueden ser Javier Marías o Virginia Woolf, y tiene también esa complejidad y profundidad en la mezcla de ideas. Es un escritor del que estoy leyendo prácticamente toda su obra. Lo descubrí a finales de 2025 y durante 2026 he seguido leyéndolo. Es uno de esos autores que allá donde voy estoy recomendando mucho.

    De la pantalla al papel

    Fernando Bonete vive en una paradoja particularmente contemporánea: utiliza uno de los territorios asociados a la inmediatez, Instagram, para reivindicar una de las actividades que menos admite las prisas: leer. Quizá por eso su discurso rehúye la división entre lectores cultos y lectores populares. Hay libros más sencillos y libros más exigentes; clásicos y novedades; escritores capaces de cambiar nuestra manera de entender la literatura y novelas que simplemente consiguen acompañarnos durante unos días. Todos pueden encontrar su lector. Durante años, @en_bookle ha intentado precisamente provocar esos encuentros. No dictar qué debe leerse, sino hacer que alguien encuentre el libro que estaba buscando sin saber todavía que lo buscaba. Ahora la dirección de ese viaje se ha invertido. Con La hija del Fénix, Bonete ha dejado durante unas páginas el papel de prescriptor, profesor, investigador y lector para ocupar el lugar más vulnerable de todos: el del escritor que entrega una historia y espera. Y quizá ahí termina cerrándose el círculo del que hablaba al principio de la conversación. Porque después de algoritmos, seguidores, crítica, universidad, investigación y miles de libros recomendados, queda algo bastante más sencillo: un escritor, un libro y un lector que conecta con él.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Escribidores 2026 «Entre páginas y pantallas, el oficio de contar»

    Escribidores 2026 «Entre páginas y pantallas, el oficio de contar»

    Del papel al móvil, de la novela al cine y de las series a las nuevas comunidades de lectores. Cáceres reúne del 23 al 26 de septiembre distintas maneras de escribir, leer y contar historias. Raúl Tola, director de la Cátedra Vargas Llosa, nos abre las puertas de un festival que mira hacia América y Europa y cuestiona algunos viejos tópicos: ni los jóvenes han dejado de leer ni las pantallas han acabado con el papel. Escribidores 2026

    Durante años nos dijeron que las pantallas acabarían con los libros. Llegaron el ordenador, el libro electrónico, el móvil, las plataformas, las redes sociales, el streaming y una sucesión de nuevos formatos que parecían empeñados en reducir el espacio de aquel objeto de papel que llevaba siglos acompañándonos. Sin embargo, aquí seguimos: comprando novelas, llenando ferias del libro, viendo películas nacidas de ellas, devorando series escritas por guionistas y encontrando autores en una pantalla para terminar buscándolos después en una librería. Quizá la historia nunca fue sustituir una cosa por otra.

    Escribidores 2026 ha decidido meterse precisamente ahí. Del 23 al 26 de septiembre, Cáceres acoge una nueva edición del Festival de América y Europa de la Cátedra Vargas Llosa, que tras la VI Bienal impulsada por la Junta de Extremadura, este año coloca bajo el título Pantallas y Literatura a escritores, cineastas, guionistas, periodistas y creadores de distintas generaciones. Por su programación pasarán nombres como David Trueba, Ray Loriga, Ana Belén, Ian Gibson, Imanol Uribe, Ayanta Barilli, Antonio Soler, Benito Zambrano, Jesús Carrasco, Sergio del Molino, Manuel Jabois, Paco Cabezas, Juan del Val, Nativel Preciado o Inma Rubiales, además de Carme Riera, que recibirá el Premio Escribidores a la Trayectoria.

    Cuatro días y muchas maneras de aproximarse a una misma cuestión: cómo estamos contando, leyendo y mirando historias en 2026. Porque una novela termina convertida en película; un guionista construye personajes con herramientas que llevan siglos perteneciendo a la literatura; una escritora reúne a miles de jóvenes lectores a través de las redes sociales; alguien descubre un libro después de ver una serie y otro continúa prefiriendo entrar en una librería, llevárselo a casa y pasar físicamente sus páginas. No parece, por tanto, que uno de esos mundos haya acabado con el otro. Más bien han aprendido a convivir, contaminarse y alimentarse mutuamente.

    El propio programa dibuja ese recorrido. David Trueba y Ray Loriga hablarán de lo que ocurre cuando una historia abandona la página y llega a la pantalla; Ian Gibson y Ana Belén se acercarán a Lorca y La casa de Bernarda Alba; Imanol Uribe y Antonio Soler recorrerán la relación con Hemingway; Benito Zambrano y Jesús Carrasco conectarán literatura, memoria y cine a partir de La voz dormida; y Paco Cabezas, Paloma Rando y Sergio del Molino llevarán la conversación hasta uno de los grandes territorios narrativos de nuestro tiempo: las series.

    A su lado estará también esa literatura juvenil que algunas veces permanece fuera de la conversación cultural adulta pese a estar generando enormes comunidades de lectores. Autoras como Inma Rubiales, Iria G. Parente o Selene M. Pascual forman parte de una programación que quiere acercar generaciones en lugar de separarlas y observar qué está ocurriendo realmente con quienes supuestamente habían dejado de leer. Porque quizá uno de los errores esté precisamente ahí: hemos hablado demasiado de la desaparición de la lectura mientras millones de personas seguían leyendo de otra manera, encontrando autores por otros caminos y formando comunidades alrededor de los libros en lugares que hace veinte años ni siquiera existían.

    Unos días antes de que todo esto comience nos encontramos en Cáceres con Raúl Tola, director de la Cátedra Vargas Llosa y coordinador de Escribidores. Tola conoce bien la maquinaria que existe detrás del festival, pero nuestra conversación pronto se aleja del programa y entra en un territorio bastante más amplio: qué está sucediendo con la literatura.

    Hace años que escuchamos que los jóvenes no leen. También que el libro electrónico acabaría arrinconando al papel, que las pantallas reducirían nuestra capacidad de atención o que las nuevas formas de entretenimiento terminarían dejando la novela en un lugar secundario. Tola introduce algunos datos procedentes de su propia experiencia que complican bastante ese diagnóstico: habla de 5.000 personas asistiendo a un festival de literatura juvenil organizado por la Cátedra en Buenos Aires y de adolescentes de dieciséis o diecisiete años capaces de leer treinta novelas en un año. Ya no estamos hablando solamente de si preferimos leer sobre papel o hacerlo en una pantalla. Estamos hablando de cómo circulan las historias en 2026. De un libro que atraviesa el Atlántico y encuentra lectores a miles de kilómetros. De una novela que termina en una sala de cine. De una serie cuyo origen continúa siendo una página escrita. De escritores que construyen comunidades digitales alrededor de algo tan antiguo como contar historias. De jóvenes que llegan a la literatura desde Wattpad o las redes y después compran libros físicos. Y también de lectores que, rodeados de dispositivos electrónicos, continúan encontrando difícilmente sustituible la experiencia de abrir un libro.

    Es ahí donde Pantallas y Literatura encuentra probablemente su mejor argumento. No se trata de decidir quién gana, sino de comprobar cómo la literatura lleva siglos adaptándose a cada época sin renunciar a la necesidad humana de contar, imaginar y escuchar historias.

    Raúl Tola será nuestro hilo conductor para entrar en ese territorio. Con él hablamos de Escribidores, del legado de Mario Vargas Llosa, de América y Europa, de cine y literatura, de nuevos lectores, del papel, de las pantallas y de algunos prejuicios que quizá convendría empezar a revisar. Cáceres pondrá del 23 al 26 de septiembre los nombres, las conversaciones y los escenarios. Nosotros empezamos un poco antes…¿Qué significa organizar en 2026 un festival llamado Pantallas y Literatura?

    «Escribidores no es solamente un festival de libros y escritores»

    —¿Qué es Escribidores y qué va a suceder en Cáceres?

    —Escribidores es un festival literario que se abre al mundo de las ideas y de la discusión. No es un festival restringido exclusivamente a la literatura, a los libros y a los escritores, sino que también incluye a pensadores y a personas que tengan algo que aportar al debate de la actualidad. Nació en 2021 en Málaga y posteriormente celebró cuatro ediciones en Andalucía, llegando a distintas ciudades. Ese éxito nos llevó a expandir la marca a México, Ecuador y próximamente también a Perú. Este año tendremos tres ediciones: Cáceres, que es la edición española; México, en noviembre; y Ecuador, en diciembre. Es además un festival con una fuerte impronta vargasllosiana. El propio término escribidores está inevitablemente relacionado con La tía Julia y el escribidor y era una palabra que Mario utilizaba con frecuencia.

    —Y desde su origen existe también esa intención de comunicar Europa y América.

    —Sí. Es un festival con alcance internacional que se plantea fundamentalmente como un puente entre América y Europa, estableciendo diálogos permanentes entre ambas culturas. Nos gusta pensar en el Atlántico no como un océano que nos separa, sino como un puente. Hemos tenido participantes franceses, rumanos, norteamericanos, ingleses… pero el español funciona como una gran vía de comunicación. Desde que asumí la dirección de la Cátedra he podido comprobar algo que sigue pareciéndome maravilloso: puedes sentar alrededor de una mesa a veinte personas de veinte nacionalidades diferentes y todos podemos comunicarnos. Es un privilegio que valoramos muchísimo.

    Pantallas y literatura: ¿enemigas o compañeras?

    —Esta edición lleva por título Pantallas y Literatura. Durante mucho tiempo se ha presentado a las pantallas casi como enemigas naturales de la lectura. ¿Queréis discutir precisamente esa idea?

    —Sí. La relación entre las nuevas tecnologías y la literatura aparentemente es muy tensa. Se habla mucho de que las pantallas, los móviles y las nuevas tecnologías pueden hacer desaparecer la lectura tal como la conocemos, especialmente la lectura de un libro físico. Parte del debate consiste precisamente en preguntarnos si realmente va a desaparecer el libro o si, por el contrario, las nuevas tecnologías pueden servir también para reforzar la lectura. Hay fenómenos como Wattpad que demuestran que ambos mundos pueden convivir e incluso potenciarse. Pero también nos interesan las pantallas como formato narrativo. Tenemos las series y las películas, que mantienen una relación directa con la literatura porque muchas de las historias que posteriormente se convierten en contenidos audiovisuales proceden de libros. Y aunque su punto de partida no sea una novela, continúan teniendo un componente literario: existe un guion, unos personajes, una historia.

    —De ahí que el programa mezcle deliberadamente escritores, cineastas, guionistas y diferentes generaciones.

    —Exactamente. Queríamos plantearlo como un debate abierto en el que participasen escritores, directores de cine, creadores y pensadores. Y además queríamos que conviviera lo que podríamos denominar literatura convencional con la literatura juvenil. Que exista diálogo y encuentro entre ambas, que no permanezcan separadas y que los jóvenes puedan comenzar también a experimentar con otro tipo de literatura. Esas serían, de alguna manera, las tres grandes líneas: el audiovisual, la literatura y la literatura juvenil, y la convivencia entre las tres.

    —Si bajamos ya al programa concreto, Escribidores reúne durante cuatro días en Cáceres a escritores, cineastas, guionistas y periodistas de generaciones muy diferentes. Además, el festival se reparte entre dos espacios, el Teatro Capitol y la Filmoteca de Extremadura, que parecen encajar especialmente bien con esa idea de Pantallas y Literatura. ¿Cómo habéis construido el programa y qué destacarías de esta edición?

    —Hemos intentado que el propio programa refleje esa convivencia de la que hablamos. Que no haya por un lado literatura y por otro cine o audiovisual, sino que podamos comprobar continuamente cómo se relacionan. Tenemos escritores, directores de cine, guionistas, periodistas, pensadores y también autores vinculados a la literatura juvenil, porque nos interesaba mucho que distintas generaciones y distintas formas de contar estuvieran presentes en el mismo festival. La inauguración será en el Teatro Capitol, con David Trueba y Ray Loriga, dos personas que conocen perfectamente los dos mundos porque son escritores, pero también han trabajado en el cine y el guion. La conversación se titula precisamente De la página a la pantalla: Adaptar no es traicionar, y creo que resume bastante bien una de las ideas centrales de esta edición.

    Después tenemos nombres y encuentros muy diferentes. Estarán Inma Rubiales, Ian Gibson y Ana Belén, Ramoncín y Lucía Méndez, Juan del Val y Nativel Preciado, Iria G. Parente y Selene M. Pascual, Imanol Uribe y Antonio Soler, Mariana Sipos y Juan Cruz, Manuel Jabois y César Rendueles, Benito Zambrano y Jesús Carrasco o Paco Cabezas, Paloma Rando y Sergio del Molino. Y cerraremos con la entrega del Premio Escribidores a la Trayectoria a Carme Riera.

    También me parece importante que el festival tenga esos dos espacios. El Teatro Capitol concentra buena parte de las conversaciones y los encuentros, mientras que la Filmoteca de Extremadura nos permite llevar de una manera muy natural la literatura hasta la pantalla. Allí tendremos, por ejemplo, la proyección de La casa de Bernarda Alba, de Mario Camus, acompañada por una conversación con Ian Gibson y Ana Belén; Al otro lado del río y entre los árboles, alrededor de Hemingway, con Imanol Uribe y Antonio Soler; o La voz dormida, con Benito Zambrano y Jesús Carrasco. Al final, eso es lo que queríamos conseguir con Pantallas y Literatura: que el programa no se limitara a hablar sobre esa relación, sino que el propio festival la pusiera en práctica, reuniendo libros, películas, escritores, cineastas, guionistas y lectores en distintos espacios de Cáceres.

    «Hay que romper el mito de que los jóvenes no leen»

    —Has mencionado varias veces la literatura juvenil. Existe ese discurso recurrente de que los jóvenes han dejado de leer. ¿Lo que estáis viendo os dice lo contrario?

    —Yo también podía tener ese temor, pero conocer y profundizar un poco más en el fenómeno actual de la literatura juvenil me ha llevado a una conclusión muy distinta. Existen auténticas legiones de lectores, comunidades enormes articuladas alrededor de determinados escritores y escritoras. En Buenos Aires organizamos un festival de literatura juvenil de una manera bastante controlada porque teníamos cierto temor sobre cómo funcionaría y durante aquel fin de semana conseguimos reunir a unas 5.000 personas. He conocido chicas de dieciséis o diecisiete años que habían leído treinta novelas en un año. Es increíble. Fenómenos como Harry Potter, Los juegos del hambre o toda la literatura romántica juvenil han conectado con generaciones enteras. Es un mundo muy complejo y muy amplio, pero precisamente por eso debemos aprovecharlo. ¿Qué mejor herramienta para fomentar la lectura que conseguir que los propios jóvenes quieran leer?

    Recuperar el puente literario entre América y España

    —Hace poco entrevistábamos a Sergio del Molino y nos llamaba la atención encontrar lectores peruanos o argentinos comentando sus libros prácticamente desde su publicación. ¿Sigue existiendo esa conexión literaria entre los dos lados del Atlántico?

    —Eso debería ser lo normal. Creo que, a medida que los mercados editoriales nacionales han ido creciendo, las literaturas se han ido atomizando. En otra época, el boom latinoamericano consiguió que un grupo de escritores latinoamericanos se leyera en toda América Latina, en España y finalmente en buena parte del mundo. Ahora los mercados son mucho más autosuficientes: en Colombia se leen muchos escritores colombianos; en Perú, escritores peruanos; en Chile, chilenos…Eso demuestra un crecimiento y una consolidación del mundo editorial, algo que evidentemente es positivo, pero al mismo tiempo hemos perdido parte de aquel diálogo.

    ¿Cuántos españoles conocen Perú gracias a Vargas Llosa, Bryce Echenique o Ribeyro? ¿Cuántos lectores han conocido Colombia a través de García Márquez o Argentina mediante Cortázar y Borges? Ese intercambio debería volver a ser algo natural. Hay que reactivarlo y fomentarlo porque la literatura constituye un mecanismo de conocimiento extraordinario: nos aproxima, rompe prejuicios y permite conocer otras sociedades.

    El libro físico sigue resistiendo

    —Te hago ahora elegir como lector: ¿pantalla o libro físico?

    —Libro físico. Leo en pantalla fundamentalmente cuando no consigo un libro en papel. Si necesito leer por mi trabajo una obra editada en Perú que todavía no ha llegado a España, evidentemente recurro a la versión digital. Y tiene ventajas: puedes leer de noche sin molestar a nadie, por ejemplo. Pero prefiero el libro físico. Creo que el libro de papel es un formato extraordinariamente perfecto, probablemente difícil de mejorar para la experiencia de la lectura.

    —Durante años se anunció prácticamente la muerte del papel y, sin embargo, las editoriales continúan publicando, las ferias del libro mantienen una enorme actividad y el formato físico permanece.

    —Y la penetración del libro digital continúa siendo relativamente minoritaria. Los audiolibros todavía tienen una presencia menor. Si el libro físico ha resistido será por algo. Incluso muchos jóvenes siguen prefiriendo el papel. Existe también una experiencia táctil, una relación con el objeto, que forma parte del placer de leer. Creo que parte del trabajo que tenemos que hacer desde la Cátedra consiste precisamente en romper mitos y prejuicios: romper con la idea de que los jóvenes no leen o con la idea de que el libro inevitablemente va a morir. No debemos tener miedo a la actualidad. Es verdad que las nuevas tecnologías están haciendo que el mundo cambie muy rápidamente, pero seguimos aquí, seguimos vivos y tenemos una vida por delante. Y qué mejor manera de aprovecharla que leyendo, multiplicando nuestra vida por las miles de vidas que nos permiten vivir la literatura y la ficción.

    Cáceres como punto de encuentro

    La conversación vuelve finalmente al lugar en el que empezó: Cáceres. La ciudad ya acogió por primera vez en Europa la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa y ahora recibe otra de las grandes líneas de trabajo de la Cátedra. Para Tola, durante estos encuentros Cáceres adquiere una posición especialmente significativa dentro del mapa cultural en español, al reunir autores procedentes de diferentes países y generaciones.

    Escribidores continuará después su viaje hacia América, pero durante cuatro días el puente queda anclado aquí. Del 23 al 26 de septiembre, Cáceres hablará de libros mientras mira pantallas, proyectará películas que nacieron de palabras, reunirá escritores con cineastas y sentará en el mismo programa a lectores que llevan cincuenta años pasando páginas y a jóvenes que quizá descubrieron su última novela deslizando primero un dedo por la pantalla de un teléfono. Raúl Tola nos ha servido de guía para recorrer anticipadamente el festival. Ahora queda comprobar qué ocurre cuando todos esos mundos ocupen las mismas salas. Porque quizá Pantallas y Literatura no pretenda resolver si el futuro pertenece al papel o a la pantalla. Quizá la pregunta importante sea otra: qué historias vamos a seguir necesitando contar, leer y mirar cuando ambos ya forman parte de la misma vida.

    «Leer nos permite multiplicar nuestra vida por las miles de vidas que nos ofrece la literatura». Raúl Tola

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Gala Knörr «Suave es la noche, salvaje la pintura»

    Gala Knörr «Suave es la noche, salvaje la pintura»

    La artista vasca aterriza en Arteria, en Badajoz, con «Suave es la noche»: pintura, cultura digital, memoria, cine y música para una generación que dejó de rebobinar.

    Uri Geller dobla cucharas, Ronaldo Nazario de Lima mete goles, Margarita Landi fuma en pipa, María Jesús toca el acordeón y Gala Knörr pinta. Y pinta a saco, y se deja los botes y tubos de acrílicos en pintar, y repinta telas y mucho rage against the machine de su década londinense. Todos ellos en su momento, con su estilo, su mancha, su chute, su tabaco, sus pajaritos, su inherencia con el arte, su compromiso hooligan, alejados de un kale borroka de postureo, en el quinto carajo del gamberrismo, ahuyentados del sustantivo común, masculino y abstracto. Ahí arranca Gala. Un rato Brexit para conseguir visados de arte, una artista en medio de una manifestación legal para una ilegalidad espontánea. Ahí surge la mirada de la artista, y los sudores por vomitar lo que proyectan sus ojos azules, desde Bilbao hasta Ibiza pasando por Amberes, hasta llegar, de a poquito, sorteando el calor y bicheando a sus compis en el Santa Catalina, a Badajoz, donde “Sueve es la noche” promete juerga pictórica, rave visual y una sala con las arterias bombeando sangre a todo quisqui.

    Gala Knörr, dos besos, enhorabuena por la expo y taconeo flamenco en la Plaza Alta

    No se nos olvide que antes había que rebobinar. Las canciones vivían dentro de una cinta TDK, las películas había que devolverlas al videoclub y las fotografías malas terminaban olvidadas en un cajón. Ahora no. Ahora todo permanece en algún sitio. Un videoclip, una captura de pantalla, una escena de una película, una foto subida hace quince años, un GIF, una canción, un rostro desconocido. Internet se ha convertido en el trastero emocional más grande de la historia.

    Y Gala Knörr entra ahí sin guantes. A pelo. Hay algo de Stephan Jenkins en su manera de entender la imagen: ruido, distorsión y belleza cuando aparentemente las cosas empiezan a romperse. Algo de Ewan McGregor cagando leches con el lust for life de Iggy Pop en su mollera, también, en esa generación que aprendió que la cultura podía encontrarse tanto dentro de un museo como en una canción escuchada demasiado fuerte a las cuatro de la mañana. Y algo del Dayday que saquea géneros, músicas e imágenes para construir otra cosa con los restos. Porque quizá llevemos décadas haciendo exactamente eso. Copiar. Cortar. Pegar. Recordar mal. Y llamarlo cultura.

    Knörr trabaja precisamente en ese territorio resbaladizo. Pintura, vídeo, texto, cine, música, cultura digital, memoria, deseo e identidad aparecen y desaparecen en una obra que parece preguntarse constantemente qué demonios hacemos con todas las imágenes que consumimos cada día. No pinta únicamente imágenes, pinta después de ellas. Después del videoclip, después de Instagram, del cine. Después del archivo, de David Hockney, de Barbara Kruger. Después de que millones de fotografías hayan pasado delante de nuestros ojos a la velocidad de un dedo deslizando una pantalla. Y ahí la pintura adquiere algo casi provocadoramente lento. Pararse. Mirar. Volver a mirar. Qué cosa tan extraña en 2026. Gala Knörr pertenece a una generación que ya no necesita pedir permiso para mezclar el museo con YouTube, el óleo con una captura de pantalla o la historia del arte con la cultura pop. Para comprobarlo pasen y vean su obra en ese espacio, tan potente y orgánico, que habita en una placita de un rincón de Extremadura, en Badajoz, en Santa Catalina, en Arteria.

    Willy López / Félix Méndez

  • Cáparra «El lugar donde Extremadura sigue cruzando caminos»

    Cáparra «El lugar donde Extremadura sigue cruzando caminos»

    El arco, la ciudad romana, el Centro de Interpretación, la Vía de la Plata y el teatro conviven en uno de los espacios patrimoniales con mayor capacidad para conectar cultura, turismo y territorio en el norte de Extremadura

    Llegar a Cáparra supone adentrarse en una parte del norte de Extremadura donde el paisaje ayuda a entender la historia antes incluso de alcanzar el yacimiento. Las distancias entre los pueblos, las dehesas, las elevaciones que anticipan las montañas del norte cacereño y los caminos que atraviesan el territorio forman parte de una geografía que durante siglos ha condicionado la manera de viajar, comerciar y relacionarse. En ese entorno, próximo al Valle del Ambroz y a las tierras de Granadilla, aparece el Arco de Cáparra, aislado de cualquier construcción contemporánea y convertido en la referencia inmediata de una ciudad romana que encontró buena parte de su importancia precisamente en el lugar que ocupaba.

    La mirada se dirige inevitablemente hacia sus cuatro pilares y hacia la singular estructura cuadrifronte que ha terminado identificando todo el conjunto arqueológico, aunque para comprender Cáparra hay que ampliar el campo de visión hacia la ciudad que se extendía alrededor y, desde ella, hacia la vía que la atravesaba. La antigua Capara formó parte de uno de los grandes corredores de comunicación de la Hispania romana, en el itinerario que enlazaba Augusta Emerita, la actual Mérida, con Asturica Augusta, Astorga, y esa posición favoreció durante siglos el tránsito de viajeros y mercancías, el intercambio económico y la relación con otros territorios.

    El paso del tiempo ha modificado profundamente las razones y las formas de llegar hasta aquí, pero no ha eliminado esa condición de lugar de encuentro. Hoy Cáparra puede recorrerse como yacimiento arqueológico, comprenderse desde su Centro de Interpretación, atravesarse siguiendo la Vía de la Plata, convertirse durante el verano en escenario teatral y funcionar como punto de entrada a una comarca donde patrimonio, naturaleza, pequeños municipios y paisaje amplían considerablemente las posibilidades de la visita. Son precisamente esos diferentes usos los que permiten mirar Cáparra desde el presente y valorar su importancia dentro de la cultura y el turismo de Extremadura, no únicamente por la excepcionalidad del arco que ha sobrevivido, sino por la capacidad del conjunto para relacionar patrimonio histórico, conocimiento, programación cultural y territorio.

    La ciudad alrededor del arco

    Caminar por el yacimiento permite comprender que estamos ante algo bastante más amplio que un monumento romano acompañado por una serie de restos arqueológicos. Lo que aparece alrededor del arco son las huellas de una ciudad cuya estructura urbana ha podido reconstruirse progresivamente gracias a las investigaciones y excavaciones desarrolladas a lo largo del tiempo. Calles, espacios públicos, foro, termas, edificios religiosos, viviendas y otras estructuras permiten aproximarse a la organización de una comunidad que mantuvo una intensa relación con el territorio circundante y con la vía de comunicación que la atravesaba. La propia Vía de la Plata penetraba en Cáparra y discurría bajo el arco, integrándose dentro de un trazado urbano que respondía a una planificación perfectamente reconocible dentro del mundo romano.

    La singularidad del conjunto reside también en la ausencia de una ciudad contemporánea levantada sobre aquella trama antigua. A diferencia de otros grandes enclaves históricos en los que siglos de ocupación han superpuesto edificios, calles y diferentes niveles urbanos, Cáparra mantiene una relación especialmente directa con el paisaje que la rodea, circunstancia que permite observar las estructuras arqueológicas dentro del territorio que contribuyó a explicar su nacimiento y desarrollo. El paisaje forma así parte de la visita, porque ayuda a entender las razones de aquella ubicación y permite relacionar la arqueología con una geografía que continúa condicionando las comunicaciones del norte extremeño.

    Resulta significativo comprobar que no demasiado lejos discurre actualmente la A-66, convertida en una de las principales arterias contemporáneas de comunicación de Extremadura, mientras la histórica Vía de la Plata continúa recorriendo la región como uno de los grandes itinerarios culturales de la Península. No se trata de establecer una equivalencia entre infraestructuras separadas por siglos de historia y trazados diferentes, sino de comprobar hasta qué punto determinados corredores geográficos han mantenido su importancia en la comunicación entre el norte y el sur peninsular. Cáparra permite observar esa continuidad desde un lugar privilegiado.

    El Centro de Interpretación: reconstruir una ciudad antes de recorrerla

    La experiencia cambia al entrar en el Centro de Interpretación de la Ciudad Romana de Cáparra, un espacio concebido para proporcionar al visitante las herramientas necesarias con las que comprender posteriormente aquello que encontrará en el exterior. El espacio gestado desde la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura abre desde este centro, un universo visual e histórico, a todo el visitante que quiere conocer y descubrir la antigua ciudad, en en un viaje virtual e histórico único.

    Su función resulta especialmente importante en un yacimiento donde buena parte de la ciudad debe reconstruirse mediante el conocimiento y la imaginación. Los restos de un edificio pueden señalar su ubicación y dimensiones, pero necesitan una explicación que permita comprender quiénes lo utilizaban, qué función desempeñaba, cómo se relacionaba con las construcciones próximas o qué lugar ocupaba dentro de la vida cotidiana de la antigua Capara. El Centro de Interpretación permite aproximarse a la evolución del asentamiento, su estructura urbana, la vida de sus habitantes y la importancia que tuvo la Vía de la Plata en su desarrollo, ofreciendo un contexto que modifica posteriormente la manera de recorrer el espacio arqueológico. Después de conocer cómo se organizaba aquella ciudad, las estructuras que permanecen sobre el terreno dejan de presentarse como restos aislados y comienzan a relacionarse entre sí.

    Esa capacidad para trasladar el conocimiento arqueológico a cualquier visitante constituye una parte fundamental de la puesta en valor del patrimonio. La conservación garantiza la protección física de los restos y la investigación permite ampliar lo que sabemos sobre ellos, mientras que la interpretación hace posible que ese conocimiento salga del ámbito especializado y forme parte de una experiencia cultural accesible. En Cáparra las tres dimensiones mantienen una relación especialmente cercana, ya que el Centro de Interpretación sirve de introducción a un yacimiento que continúa ofreciendo nuevas posibilidades para el conocimiento de la antigua ciudad.

    Un espacio arqueológico todavía por conocer

    Las excavaciones desarrolladas en Cáparra durante diferentes etapas han permitido reconstruir progresivamente la organización del núcleo urbano y conocer mejor la sociedad que lo habitó, aunque el yacimiento continúa siendo un espacio de investigación en el que la información acumulada se amplía y revisa a medida que avanzan los trabajos arqueológicos. Esta condición aporta al conjunto un valor que a veces queda en segundo plano frente a la monumentalidad del arco. Cáparra no es únicamente un lugar histórico conservado para recibir visitantes, sino también un espacio de conocimiento en el que arqueología, documentación e investigación permiten seguir reconstruyendo una ciudad desaparecida hace siglos.

    Las estructuras excavadas, los materiales recuperados y la relación de todos ellos con las fuentes históricas ayudan a completar una historia profundamente condicionada por la posición geográfica de la ciudad. Comprender cómo vivían sus habitantes exige conocer sus edificios y espacios públicos, pero también entender las comunicaciones, la economía y las relaciones que mantenían con otros territorios. De nuevo, la Vía de la Plata aparece como uno de los elementos fundamentales para interpretar esa historia.

    La Vía de la Plata y los nuevos viajeros

    La condición de Cáparra como lugar de paso no terminó con la desaparición de la ciudad romana. La antigua vía forma actualmente parte de uno de los grandes itinerarios históricos y culturales que atraviesan Extremadura y continúa siendo recorrida por senderistas, cicloturistas, viajeros y peregrinos que avanzan hacia el norte siguiendo la Vía de la Plata. La presencia de estos nuevos caminantes establece una relación particularmente interesante entre el pasado y el presente. Sus motivaciones y formas de viajar tienen poco que ver con las de quienes utilizaron esta ruta durante la Antigüedad, pero el territorio continúa desempeñando una función similar al facilitar el desplazamiento y conectar lugares situados a muchos kilómetros de distancia.

    Desde el punto de vista turístico, esta continuidad permite integrar Cáparra dentro de un recorrido mucho más amplio que supera los límites físicos del yacimiento. La visita puede formar parte de una ruta vinculada al patrimonio romano, pero también de un viaje relacionado con la Vía de la Plata, el senderismo, los caminos históricos o el conocimiento del norte extremeño. Esta posibilidad resulta especialmente interesante para Extremadura, una comunidad en la que buena parte de los recursos culturales y naturales se encuentran repartidos por un territorio muy extenso y donde el viaje entre unos lugares y otros puede convertirse en parte de la propia experiencia.

    El teatro cambia temporalmente el uso del espacio

    Durante determinadas noches de verano, Cáparra adquiere una dimensión diferente con la llegada del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, cuya extensión en este enclave ha permitido incorporar las artes escénicas a un espacio fundamentalmente arqueológico y turístico.

    El cambio de uso resulta evidente. El visitante que durante el día recorre las antiguas calles y trata de reconstruir la ciudad a través de sus restos deja paso a un público que llega expresamente para asistir a una representación. Aparecen las gradas, la iluminación transforma la percepción del entorno y el arco se integra en un espacio escénico que utiliza la arquitectura histórica sin desvincularla del paisaje. La presencia del Festival permite establecer además una conexión cultural especialmente sugerente entre Mérida y Cáparra. Ambas estuvieron relacionadas durante la Antigüedad a través de la gran vía que recorría este sector occidental de Hispania y, muchos siglos después, vuelven a encontrarse mediante las artes escénicas, extendiendo hacia el norte de la provincia de Cáceres una programación que tiene su centro principal en el Teatro Romano emeritense.

    Este uso cultural incorpora una nueva forma de acercarse al patrimonio y amplía también el perfil de quienes llegan hasta el yacimiento. Hay espectadores que pueden conocer Cáparra por primera vez gracias al teatro y visitantes interesados inicialmente en la arqueología que descubren posteriormente que el lugar forma parte de la programación cultural extremeña. La relación entre patrimonio y creación contemporánea adquiere aquí una dimensión especialmente interesante, porque permite incorporar actividad cultural a un enclave histórico sin alterar la naturaleza que lo define y, al mismo tiempo, favorece que la presencia de público tenga repercusión más allá del propio recinto.

    Una puerta hacia el norte de Extremadura

    La dimensión turística de Cáparra resulta difícil de separar del territorio que la rodea. El yacimiento se encuentra en una comarca donde las posibilidades de continuar el viaje son numerosas y donde patrimonio, paisaje, naturaleza y pequeños municipios pueden formar parte de un mismo recorrido. La proximidad de Plasencia, la entrada hacia el Valle del Ambroz, las tierras de Granadilla y una sucesión de localidades, dehesas, montañas, embalses y caminos permiten ampliar considerablemente la experiencia de quien llega atraído inicialmente por el mundo romano.

    Esta ubicación constituye uno de los principales activos turísticos de Cáparra, especialmente dentro de un modelo de viaje que busca combinar diferentes experiencias y que encuentra en el medio rural extremeño unas condiciones especialmente favorables para hacerlo. Arqueología, senderismo, patrimonio histórico, gastronomía, naturaleza y programación cultural pueden convivir dentro de un radio relativamente próximo y favorecer estancias más largas que una simple visita al yacimiento. El interés reside, por tanto, en entender Cáparra como parte de una red territorial y no como un destino aislado. Quien llega hasta el arco puede continuar hacia otros lugares del norte extremeño y quien recorre la comarca puede encontrar en la antigua ciudad romana uno de sus principales puntos de referencia histórica y cultural. En esa relación se encuentra una parte importante de su potencial turístico, porque el patrimonio adquiere una dimensión diferente cuando consigue generar movimiento hacia el territorio que lo rodea, favoreciendo que los visitantes conozcan otros recursos y que la actividad cultural contribuya también a ampliar el conocimiento de los municipios cercanos.

    Cáparra dentro del mapa cultural de Extremadura

    La convivencia de todos estos usos permite situar Cáparra dentro de una idea de patrimonio que supera la conservación del monumento y amplía su relación con el territorio. El Centro de Interpretación aporta las herramientas necesarias para conocer la antigua ciudad; la investigación arqueológica continúa profundizando en su historia; la Vía de la Plata mantiene su condición de itinerario recorrido por viajeros y peregrinos; el teatro incorpora durante el verano una actividad cultural capaz de atraer nuevos públicos, y el paisaje y los municipios cercanos ofrecen la posibilidad de prolongar la visita por una de las zonas más atractivas del norte extremeño.

    Esa combinación adquiere especial importancia en una región como Extremadura, donde una parte considerable del patrimonio histórico y natural se encuentra repartida por un territorio extenso y estrechamente relacionado con el medio rural. Cáparra puede contribuir a articular esos recursos si se entiende no únicamente como destino final, sino como un punto desde el que continuar hacia otros lugares, favoreciendo recorridos que relacionen arqueología, cultura, naturaleza, gastronomía y patrimonio. Su posición vuelve así a adquirir sentido desde una perspectiva contemporánea. La ciudad romana creció junto a una vía que facilitaba el movimiento entre territorios y hoy el mismo espacio recibe visitantes que llegan por razones muy distintas: conocer el yacimiento, recorrer la Vía de la Plata, asistir a una representación teatral, descubrir el patrimonio romano o incorporarlo a una ruta por el norte de Cáceres.

    El Arco de Cáparra continuará siendo la imagen que identifica el lugar y la fotografía que buena parte de quienes llegan hasta allí querrán llevarse, aunque su importancia cultural y turística se entiende mejor al observar todo lo que sucede alrededor. La antigua ciudad, el Centro de Interpretación, la actividad arqueológica, el teatro, los caminos y una comarca de notable riqueza paisajística y patrimonial conforman un conjunto con capacidad para atraer visitantes y, al mismo tiempo, ayudar a explicar una parte de Extremadura desde su propia historia. Cáparra nació vinculada a una ruta que comunicaba ciudades y territorios separados por cientos de kilómetros. Muchos siglos después, aquel cruce continúa proporcionando una buena manera de entender el lugar: no como un monumento aislado en mitad del campo, sino como un espacio desde el que la cultura, el patrimonio y el turismo pueden seguir conectando Extremadura con quienes la recorren y, sobre todo, con el territorio que los hace posibles.

  • Anne Carson, la escritora que ha llevado a los clásicos griegos al siglo XXI, gana el Nobel de Literatura 2026

    Anne Carson, la escritora que ha llevado a los clásicos griegos al siglo XXI, gana el Nobel de Literatura 2026

    La poeta, ensayista y traductora canadiense, reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2020, recibe el máximo galardón literario por una trayectoria que ha transformado las fronteras entre poesía, narrativa, filosofía y pensamiento clásico.

    Helena de Troya y Marilyn Monroe tienen más cosas en común de las que podríamos imaginar. Al menos para Anne Carson, que decidió reunirlas en una misma obra y explorar cuanto las separa y las aproxima a pesar de los siglos transcurridos. Tampoco Gerión, aquel monstruo de la mitología griega al que Heracles tuvo que enfrentarse en uno de sus célebres trabajos, habría imaginado que terminaría convertido en un adolescente enamorado, vulnerable y con problemas de identidad. Pero en la literatura de Carson estas cosas suceden con relativa frecuencia. Los personajes de la antigua Grecia abandonan sus escenarios originales, atraviesan siglos de historia y aparecen en situaciones bastante más cercanas a nuestras propias experiencias de lo que cabría esperar.

    La responsable de semejantes encuentros literarios acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura 2026. Anne Carson (Toronto, 1950), poeta, ensayista, traductora y especialista en literatura clásica, incorpora el galardón a una trayectoria que lleva más de cuatro décadas explorando las posibilidades del lenguaje y las relaciones entre géneros literarios que habitualmente permanecen separados. En sus libros conviven la poesía, la filosofía, el teatro, la investigación académica y las experiencias personales, con una libertad creativa que ha terminado convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad.cLa Academia Sueca ha reconocido precisamente esa capacidad para dialogar con la tradición clásica y desarrollar nuevas formas de expresión literaria. Una distinción que llega seis años después de que Carson recibiera el Premio Princesa de Asturias de las Letras y que sitúa nuevamente su obra en el centro de la actualidad cultural internacional.

    Una escritora entre dos mil años de literatura

    La relación de Anne Carson con el mundo clásico comenzó mucho antes de que sus libros alcanzaran reconocimiento internacional. Su formación en lenguas antiguas y su especialización en la cultura griega han determinado buena parte de su universo creativo, aunque su acercamiento a los textos clásicos dista mucho del ejercicio académico tradicional. Para Carson, los personajes de la Antigüedad conservan una extraordinaria capacidad para expresar las emociones humanas. Los celos, la pasión, el abandono, la violencia, la soledad o el miedo aparecen en sus obras trasladados a escenarios y situaciones reconocibles para el lector contemporáneo. Una de las mejores muestras de ese procedimiento es Autobiografía de Rojo, publicada en 1998, una novela en verso que recupera al personaje mitológico de Gerión, el monstruo de alas rojas relacionado con uno de los trabajos de Heracles. Carson transforma aquella figura de la mitología griega en un joven que descubre su identidad y su sexualidad mientras atraviesa una compleja relación amorosa.

    El resultado es una narración donde conviven la tradición clásica, la poesía contemporánea y una sensibilidad muy próxima a la novela de formación. Un libro que contribuyó decisivamente a consolidar su prestigio internacional y que continúa siendo una de las principales puertas de entrada a su literatura. Esa libertad para utilizar materiales procedentes de diferentes épocas y disciplinas también aparece en sus traducciones y reinterpretaciones de autores como Safo y Eurípides. Carson conoce profundamente los textos originales, pero se permite intervenir en ellos, explorar sus silencios y buscar nuevas posibilidades expresivas.

    El amor, la pérdida y las formas de contar

    Aunque la experimentación formal constituye una de las características más reconocibles de su obra, buena parte de los libros de Carson están atravesados por experiencias profundamente humanas. En La belleza del marido, publicado en 2001, la autora construye una historia sobre el matrimonio, el deseo, la infidelidad y la separación mediante una sucesión de veintinueve tangos poéticos. El ritmo, las repeticiones y las variaciones de cada composición permiten reconstruir una relación sentimental desde diferentes perspectivas. Otra de sus obras más singulares es Nox, aparecida en 2010, un libro dedicado a la memoria de su hermano fallecido. Fotografías familiares, cartas, fragmentos de recuerdos y ejercicios de traducción se reúnen en una publicación concebida como un objeto artístico, desplegable, donde la escritura convive con los materiales que forman parte de la memoria personal. En este caso, Carson recurre también a la literatura clásica, concretamente a un poema de Catulo, para aproximarse a la muerte y a la dificultad de reconstruir la vida de una persona ausente.

    La utilización de estos recursos ha permitido que su producción literaria se desarrolle en un territorio propio, donde la poesía puede incorporar elementos teatrales, la narrativa convivir con la investigación académica y los recuerdos personales adoptar estructuras poco habituales.

    Del Premio Princesa de Asturias al Nobel

    El reconocimiento internacional de Anne Carson no comenzó con el Nobel. En 2020 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras, una distinción que destacó la originalidad de su escritura y su capacidad para renovar algunos de los grandes temas de la tradición literaria occidental. Su nombre llevaba años apareciendo entre los candidatos habituales al Premio Nobel, especialmente por la influencia que ha ejercido en la poesía contemporánea y por una producción literaria que ha encontrado lectores en numerosos países. A diferencia de otros autores cuya trayectoria se identifica principalmente con la novela o la poesía, Carson ha desarrollado una obra difícil de clasificar, donde conviven el pensamiento filosófico, la filología, la experimentación visual y la creación literaria.

    Esa amplitud de registros también se manifiesta en sus intereses culturales. La escritora ha mostrado curiosidad por expresiones artísticas contemporáneas que aparentemente se encuentran muy alejadas de sus investigaciones sobre la Grecia antigua. Entre ellas figura la música de Rosalía, sobre cuya experiencia en un concierto llegó a escribir. Una relación entre pasado y presente que ayuda a comprender su manera de aproximarse a la cultura: desde la tragedia griega hasta la música popular, desde los poemas de Safo hasta las nuevas formas de representación artística.

    Helena de Troya y Marilyn Monroe

    Entre los ejemplos más llamativos de esa manera de entender la literatura se encuentra Norma Jeane Baker of Troy, una obra escénica publicada en 2019 en la que Carson establece una inesperada relación entre Helena de Troya y Marilyn Monroe.

    Dos mujeres separadas por siglos de historia y por contextos culturales completamente diferentes aparecen conectadas a través de cuestiones como la belleza, la fama, la representación pública y la manera en que las sociedades construyen determinados modelos femeninos. Carson recupera la tragedia Helena, de Eurípides, y la aproxima al universo de una de las grandes estrellas cinematográficas del siglo XX. El resultado es un ejercicio literario y teatral que combina mitología, cultura popular y reflexión sobre la identidad. No es una excepción dentro de su bibliografía. En Eros dulce y amargo, publicado originalmente en 1986, ya exploraba el deseo amoroso a partir de la literatura griega, mientras que en Decreación, de 2005, abordaba cuestiones relacionadas con la identidad y la desaparición del yo mediante una combinación de poesía, ensayo y otras formas expresivas.

    Un Nobel anunciado mientras escuchaba el viento

    La noticia del Nobel encontró a Anne Carson en Islandia, país del que también posee la nacionalidad. Según trascendió después del anuncio, la escritora se encontraba escuchando el viento cuando recibió la llamada de la Academia Sueca. La imagen resulta especialmente curiosa tratándose de una autora que ha dedicado buena parte de su vida a estudiar las palabras, sus significados y las posibilidades que ofrecen cuando se trasladan de una lengua a otra, de una época a otra o de un género literario a otro.

    Con 76 años, Carson se incorpora a una relación de premiados en la que figuran autores como Samuel Beckett, Gabriel García Márquez, Alice Munro, Tomas Tranströmer o Louise Glück. Sucede al escritor húngaro László Krasznahorkai, galardonado en 2025. La entrega del Premio Nobel de Literatura tendrá lugar el próximo 10 de diciembre en Estocolmo, durante la tradicional ceremonia de entrega de los galardones. Mientras tanto, sus libros volverán a circular por las mesas de novedades, las librerías y las conversaciones de lectores que quizá descubran por primera vez a una escritora que ha hecho de la traducción, la poesía y la experimentación tres maneras diferentes de aproximarse a una misma pregunta: qué pueden seguir contándonos las palabras después de tantos siglos de literatura. Algunos llegarán a Anne Carson a través de un personaje mitológico, otros mediante una historia de amor, un poema de Safo o una inesperada conversación literaria entre Helena de Troya y Marilyn Monroe. Diferentes caminos para adentrarse en una bibliografía que comenzó a publicarse hace cuatro décadas y que todavía conserva la capacidad de sorprender a quienes se acercan a sus páginas.

  • Antoñito Molina pone el broche de oro al STONE & MUSIC Festival

    Antoñito Molina pone el broche de oro al STONE & MUSIC Festival

    Antoñito Molina ha vuelto a demostrar que su relación con Mérida va mucho más allá de una primera cita. El artista gaditano protagonizó su segundo concierto en el Teatro Romano de Mérida, dentro de la programación del STONE & MUSIC Festival, y lo hizo nuevamente con un lleno absoluto, repitiendo el éxito cosechado en su primera visita el pasado mes de junio.

    La de anoche fue una jornada todavía más especial al celebrarse en pleno viernes de Feria de Mérida, en una jornada en la que la ciudad vivía uno de sus momentos de mayor ambiente y celebración. A pesar de coincidir con la programación de las fiestas emeritenses, el público volvió a responder a la llamada de Antoñito Molina, llenando por segunda vez en apenas unos meses las gradas del Teatro Romano. El artista presentó un espectáculo construido sobre un repertorio que recorre sus principales canciones y combina momentos de energía, emoción y cercanía. El concierto arrancó con una introducción enlazada con “Dejemos huellas bonitas”, seguida de “A la aventura”, antes de que Molina se dirigiera por primera vez al público para dar la bienvenida a los asistentes.

    La primera parte del repertorio continuó con “Supongo”, “Hubo un tiempo” y “De qué te vale”, esta última interpretada con Antoñito Molina acompañado de su guitarra. El espectáculo mantuvo su ritmo con “No le digas más a nadie”, “Suéltate el pelo” y “Me subo por las paredes”, hasta llegar a “Mi escondite”, interpretada con una formación reducida de batería y percusión y acompañada por un cambio de vestuario. A partir de ese momento, el concierto entró en su denominada ‘parte canalla’, con todos los músicos reunidos en torno al banco del Club de los Soñadores. En este tramo, Molina interpretó “Lo que surja”, antes de continuar con “El Club de los Soñadores”, “Te comes por dentro” y “Me estoy volviendo loco”.

    «Hoy no me quiero ir de aquí sin hacer algo especial», dijo. Y a partir de ahí introdujo por sorpresa una canción especial para él, «El hombre de la carpeta», para posteriormente presentar en parte tres de sus temas aún inéditos, un momento para el que pidió la complicidad del público y que se abstuviera de grabar.

    El repertorio avanzó hacia una parte más emotiva con “Y te voy a querer”, “Por si mañana” y “Ya no me muero por nadie”, canción que sirvió como despedida y falso final.La última parte del concierto, de carácter más ‘cañero’, comenzó con “Me prometo”, uno de los momentos más esperados de la noche y la canción en la que Antoñito Molina bajó del escenario y se adentró entre el público. El artista abandonó el escenario para recorrer las gradas del Teatro Romano y cantar junto a los espectadores, reforzando la cercanía con sus seguidores que define su actual gira. El tramo final se completó con “Laberinto” e “Imparable”, poniendo el broche de oro a una noche marcada por la complicidad entre el artista y el público emeritense.

  • Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado «cosen La Raya» a través del periodismo y la cultura

    Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado «cosen La Raya» a través del periodismo y la cultura

    Los dos medios de comunicación inician una colaboración transfronteriza para intercambiar reportajes, artículos y contenidos que acerquen Extremadura y el Alentejo, España y Portugal, y construyan un espacio informativo común a ambos lados de la frontera

    Extremadura / Alentejo, septiembre de 2026.–

    Hay fronteras que separan y otras que, con el tiempo, terminan convirtiéndose en lugares de encuentro. Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado han decidido apostar por lo segundo y comenzar, desde este mes de septiembre, una colaboración editorial que pretende coser La Raya a través del periodismo, la cultura y el territorio.

    El acuerdo entre ambos medios permitirá compartir periódicamente reportajes, artículos, entrevistas y otros contenidos periodísticos realizados a uno y otro lado de la frontera, acercando al público extremeño historias procedentes del Alentejo y llevando hasta los lectores portugueses algunas de las realidades culturales, sociales y territoriales que se producen en Extremadura. La iniciativa nace con una premisa sencilla: mirar al otro lado de la frontera y descubrir que, muchas veces, aquello que parece lejano está apenas a unos kilómetros. La cultura será uno de los principales hilos de esta unión. Literatura, música, patrimonio, artes escénicas, fotografía, cine, gastronomía, creación contemporánea, tradiciones o nuevas iniciativas culturales formarán parte de un intercambio editorial que también estará abierto a historias vinculadas con el territorio y la sociedad de ambas regiones.

    Dos medios, un territorio compartido

    La colaboración contempla la publicación de contenidos de Alentejo Ilustrado en Cultura OverDose Extremadura, traducidos al castellano, así como la presencia de trabajos de OverDose en el medio portugués, adaptados al portugués. Los artículos conservarán siempre la referencia a su medio de procedencia y estarán vinculados con su publicación original. De esta manera, ambos proyectos periodísticos quieren generar una pequeña ventana permanente hacia el territorio vecino y favorecer la circulación de historias, protagonistas y proyectos que habitualmente encuentran dificultades para atravesar una frontera que geográficamente está muy cerca pero que todavía continúa demasiado presente en determinados ámbitos informativos. La colaboración tendrá una periodicidad aproximada de dos contenidos mensuales por cada medio, aunque con la flexibilidad necesaria para aprovechar acontecimientos, festivales, exposiciones, encuentros o historias que tengan especial interés para los lectores de ambos territorios.

    Coser La Raya

    Más que borrar una frontera, Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado quieren coserla. Coserla con periodistas, escritores, fotógrafos, artistas, músicos, compañías, asociaciones, proyectos culturales y, sobre todo, con historias. Relatos que permitan conocer mejor qué sucede apenas unos kilómetros más allá de Badajoz, Cáceres, Elvas, Campo Maior, Portalegre, Marvão o cualquiera de las localidades que forman ese enorme territorio humano y cultural construido alrededor de La Raya.

    Porque Extremadura y el Alentejo comparten mucho más que kilómetros de frontera. Comparten patrimonio, paisaje, gastronomía, formas de entender el territorio, relaciones familiares, memoria, música, literatura y una historia de encuentros que no siempre encuentra el mismo reflejo en los medios de comunicación. El objetivo de esta colaboración es precisamente contribuir, desde una escala modesta pero constante, a cambiar esa mirada.

    Que un lector extremeño pueda descubrir una historia publicada originalmente en Portugal y que un lector alentejano pueda acercarse, en su idioma, a un reportaje realizado en Extremadura. Dos medios de comunicación. Dos regiones. Dos idiomas. Y una frontera que, a partir de ahora, también puede convertirse en una página compartida. Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado comienzan así una nueva etapa de colaboración transfronteriza con una intención clara: contar lo que ocurre a ambos lados, cruzar historias y seguir cosiendo La Raya, reportaje a reportaje.