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Pepe Mujica «El hombre es el único bicho que entierra sus muertos»

El dueño de casa, o de chacra, como buen anfitrión chupa y escupe del mate antes de pasárselo a su visita. Emir Kusturica masca y fuma su habano. Hay también un sillón hecho con tapitas de gaseosas, mientras una gallina roba cámara. El Pepe, una vida suprema es el documental que el director de Underground hizo sobre el ex presidente del Uruguay, José Alberto Mujica Cordano, más conocido como Pepe Mujica, hoy de 89 años. El tono del relato es descontracturado, espontáneo. La cámara rueda y el trabajo de edición del realizador serbio, que escucha desde sus audífonos traducido lo que dice El Pepe, no habrá de ser complicado.

Pablo O. Scholz. El Clarín

Cuando era joven pensaba que la lucha era por el poder. Ahora veo que la historia de los luchadores sociales y políticos es un montón de cristales rotos, de los cuales van quedando pedacitos: las 8 horas, los derechos laborales, la jubilación… me siento hermano de todo eso. Pepe Mujica

Ilustración. Tito Merello

2 de abril de 2018
El Divino en su tierra, Luis de Morales en el MUBA

Divino, el señor Luis de Morales, nos quedamos con la tercera acepción de la RAE; muy excelente, extraordinariamente primoroso. El resto de definiciones, aunque enjaretadas en su trabajo y las que le dieron el sobrenombre, corresponden con la armonía concupiscente, impregnadas en su vida y obra por el contexto social de su siglo.

Para apreciar la obra del autor extremeño necesitamos coger el coche y plantarnos en las iglesias de las localidades donde desarrolló su trabajo, sentarse enfrente de un retablo en Arroyo de la Luz y permanecer en silencio. Dejarse llevar por el sonido atávico de los pinceles sobre la madera de castaño. Luz, luz y luz para dar vida a sus figuras bíblicas.

Si queremos ver la obra de Luis de Morales es necesario volar hasta el Metropolitan de Nueva York, allí una Sagrada Familia desliza el horóscopo de Cristo, atiende a admiraciones en inglés y japonés.

Se puede ir en bici, de ruta senderista, en coche, en avión, en tren es más difícil, pero se puede ir hasta el Louvre de París. Y sí, una Piedad maravillosa, atrapa al visitante del museo, las manos de la Virgen socorren la angustia más humana de un Cristo que languidece. La mirada de ambos, los ojos de esa redención tienen el sello personal del arte de Morales.

Existe una visita más cercana, con más obras del autor pacense, el Museo del Prado de Madrid. Apreciar las mezclas de óleos naturales, el capado del minio, piedras machacadas para dar consistencia moralesca componen un universo único entre tanta obra maestra. Es ahí donde el pacense goza de salud.

El Divino en su ciudad. Luis de Morales en le MUBA. Color nazareno, luz de vela. Así podemos desplazarnos al 1560 sin tener que coger un autobús, volar en avión y tirar de internet para gozar de su obra. Desde su casa, cerca de su taller.

María Teresa Rodríguez Prieto, la directora de la pinacoteca nos habla de una muestra, especial por sus características, organizada en dos ámbitos fundamentales en su planta baja. Por un lado los temas marianos relacionados con la Sagrada Familia y la Virgen con el Niño, mientras en otro encontramos la evocación de la Pasión y Muerte de Cristo.

Se exponen muestras destacadas pertenecientes a retablos como el del Sagrario de la Catedral de Badajoz o el del Monasterio de Santo Domingo de Évora, pero también obras devocionales con modelos que se basaban en los postulados emanados del Concilio de Trento que buscaban la piedad del creyente a través de la representación del dolor de Cristo y el sufrimiento de su madre. Ejemplos como “La adoración de los magos” y “La adoración de los pastores” muestran las diferentes calidades entre las obras directas de Morales y las que presentan la intervención de sus colaboradores más directos, como su hijo Hernando. Generador de modelos que aunaban las influencias flamencas e italianas y que se reproducirán a lo largo de décadas después de su fallecimiento, Luis de Morales estableció su taller en Badajoz recibiendo importantes encargos que abastecían las preferencias de los prelados pacenses, pero también, las iglesias y conventos de las provincias de Badajoz, Cáceres y del país vecino portugués.

María Teresa Rodríguez destaca que uno de los objetivos de los museos es promover la investigación sobre sus colecciones. Por ello, y con motivo de la organización de esta exposición, el Museo de Bellas Artes “decide en octubre de 2017 revisar las obras de su colección permanente relacionadas formalmente con la manera de hacer moralesca”.

Los resultados de ese estudio técnico se pueden ver también en la exposición, algo no habitual en este tipo de proyectos pero que, precisa la directora, “nos ayuda a conocer un trabajo generalmente a la sombra y que, en los últimos años, ha ido mostrándose al público para una mayor comprensión de la labor que se realiza en los museos”.

25 de marzo de 2018
Mili Vizcaíno «La voz del jazz femenino»

Mili Vizcaíno habita en el Savoy Ballroom de este lado del atlántico. Un universo musical neoyorquino del 1926 con filial en la raia hispano lusa. Desde esa sala, Mili flirtea con el swing, se deja seducir por el bossa y se engancha al jazz. Bajo los efectos de esa droga, baila, estudia, viaja y canta cruzando mundos.

Más allá de la avenida Lenox y las calles 140 y 141, la cartografía de Mili está trazada con un sextante genuino, particular, medido con un astrolabio de aromas endémicos, pintarrajeado con timidez sobre un pentagrama saudademente atrevido. Cada destino tatuado con una mota circular más en su rostro. Su primer respiro en Villanueva de la Serena, su primer viaje a Badajoz, plagiando con decoro el camino recorrido por Felipe Trigo. Mucha Extremadura y muchos recuerdos de niña, cinco hermanas y un patio de colegio donde se escondía la más profunda vergüenza de una niña pecosa dispuesta a susurrar una nana en verde blanco y negro. Un piano en casa, un Conservatorio en la ciudad y asaltos a garitos en conciertos clandestinos de público en búsqueda y captura. Salamanca para romper, escapar, sentir. Chet Baker con su trompeta y la señorita Vizcaíno con su guitarra. ¡Let´s get lost! Y al cruzar la frontera, Sarah Vaughan en la radio portuguesa, paradinha en Évora, jazz y fado. Último destino; India y Lisboa, unidos con imperdibles, para comerciar especias y canciones…su vieja figura como una enredadera, sus labios tan cálidos y dulces como el vino, sus mejillas tan suaves y cercanas de la mía, divina…El Savoy de Ella, Louis y Mili.

La primera pregunta es obligada Mili, ¿Cuándo te agarra la música desde sus entrañas?

Desde pequeña era una amante de la música, desde que tengo uso de razón cantaba. También recuerdo que el primer cameo con el canto fue el coro que se creó en la escuela donde estudié. Tenía a mi familia loca…[Ríe]…me pasaba todo el día cantando. El hecho de que mi hermana Maite tocara el piano clásico creo que me ayudó mucho. Fue a través de ella que pude escuchar Debussy, Turina o Chopin y fue una explosión de sensaciones musicales. Me acuerdo que saqué de oído la danza de la seducción de Joaquín Turina y eso fue lo que activó mi parte académica en el Conservatorio, aunque esperé un poco, hasta los doce años, para entrar porque quería experimentar antes de manera autodidacta…[Ríe]

…entraste en el Conservatorio con la fecha límite, ¿Pudiste rascar algo de tu intuición musical en esa época?

Cuando entré en el colegio, formé con dos amigas un grupo, Semper eadem, en referencia a un poema de las flores del mal de Baudelaire. Hacíamos conciertos, cantábamos en la calle, fue nuestra escuela musical, fue allí donde aprendí algo a tocar la guitarra. Por entonces escuchábamos Nirvana, Pearl Jam, Offspring y The Cranberries, me gustaba mucho este grupo, todo lo tocaba por Cranberries…[Ríe].

Al principio sería duro conectar con el público…

…la guitarra me ayudó mucho, a conectar con la gente y a vencer parte de mi timidez, al principio el piano representó una manera de encontrar un equilibrio emocional, una especie de introspección curativa que me abrió un mundo apasionante de música clásica. Más tarde la guitarra me dio la posibilidad de estar en un parque y compartir la música.

La calle te dio seguridad y tablas pero ¿Qué te aportó la parte académica del Conservatorio?

Los estudios del Conservatorio me dieron muchas cosas, lo primero que yo señalaría fue descubrir que existen otro tipo de sociedades, es decir, que te puedes encontrar otro tipo de espacios para aprender con una temprana edad, además del colegio, que no se rigen por las mismas reglas sociales. De repente descubres que hay niños pequeños que tienen una sensibilidad muy diferente.

La guitarra me ayudó mucho, a conectar con la gente y a vencer parte de mi timidez, al principio el piano representó una manera de encontrar un equilibrio emocional

Y creo que no has dejado de estar conectada con los más pequeños…

…es cierto, estoy estudiando un master de educación para niños. Es importantísimo el contacto desde edades tempranas, la conexión con la música y lo que aporta para su desarrollo, incluso desde el embarazo, hay estudios que avalan la relevancia de la música de esa etapa hasta los dieciocho primeros meses de vida. Las conexiones neuronales están es su punto máximo en el momento de nacer, y se estabiliza a los nueve años, de ahí la importancia de trabajar con niños desde muy pequeñitos.

En la Universidad compaginas los estudios de Historia del Arte y tus primeros bolos ¿qué te quedas de esa época?

Pues me dio libertad, mis primeras jam session, mis primeros planes entre actores, músicos y poetas…[Ríe]…pura universidad. Fue allí, sin darme cuenta que la música me absorbió de manera natural. Desde entonces empecé a malvivir de la música

¿Malvivir?

Sí, es duro, es muy inestable. Pero gracias a esa dureza, esos palos por el camino y los que quedan…[Ríe]…he descubierto muchos caminos diferentes, he podido hacer mil cosas para buscarme la vida. Mi base era muy inestable, no tenía la construcción de mi música aún ni imaginada.

¿Fue el jazz ese repunte, ese primer ladrillo de tu edificio musical?

Un amigo, Miguelito, fue el que me dijo que tenía voz cantar jazz, me regaló un disco de Ella Fitzgerald y Louis Armstrong. Desgasté el disco y sí, puede en ese momento aclarase algo mi carrera. Me enteré que había una escuela de jazz muy buena en Peñaranda de Bracamonte en Salamanca con gente muy potente y allí que me fui. Recuerdo que allí grabé mi primer disco con veintitrés años. Estudié armonía moderna y unos años más tarde hice la licenciatura de jazz en Évora y el master de jazz con Maria João en Lisboa. Estudiar el jazz te hace despertar el lado científico de la música.

Entre medias muchos conciertos y pequeñas giras para costear los estudios imaginamos…

…sí, muchos conciertos yo sola, y además conseguí el concurso de INJUVE nacional y latinoamericano del 2005 que me permitió experimentar con la música brasileña y poder hacer gira con Miguel Bosé.

Yo cada vez me siento más ligada a Extremadura y cada vez tengo más necesidad de tocarla, de estar con la familia de saborear todo lo que se hace musicalmente

Por tu polifacética voz y tu estilo ecléctico colaboras continuamente con infinidad de músicos, digamos que forma parte de tu mapa musical…

…me acuerdo mucho de un dúo que tuve con un artista chileno, Jaime Zamora, tocaba la guitarra, la flauta travesera y hacíamos los conciertos a dos voces. Me dio a conocer mucho repertorio latinoamericano, sobre todo de Cuba, Argentina y Chile. También tuve un grupo que se llamaba Ensemble Cañaveral, una formación que hacíamos música colombiana y venezolana, esos recuerdos siempre me vienen como uno de los mejores. Lo mejor en la música es sumergirse en ella, aprender de los demás y sacar las cosas de oídos, ser más orgánico.

Extremeña afincada en la maravillosa Lisboa…¿Cuál es tu conexión con la tierra?

Hace cuatro años que llevo en Lisboa, con un lapso de ocho meses en la India donde pude trabajar en la Universidad como profesora de canto y armonía, todo un reto. Extremadura es como la relación con tus padres, de pequeño los adoras, los mitificas, cuando llegas a la edad de adolescente descartas todo lo que ellos dicen y ya de mayor cuando pasas los treinta y tantos no queda otra que rendirte a la razón que tenían. Con la tierra pasa algo parecido, yo me fui de aquí en cierta medida huyendo un poco porque no me gustaba lo que veía y estando fuera es cuando cobra sentido la perspectiva y dimensión que tiene Extremadura. Los etnomusicólogos dicen que para investigar tu música debes conocer otras antes, con tu tierra pasa igual. Yo cada vez me siento más ligada a Extremadura y cada vez tengo más necesidad de tocarla, de estar con la familia de saborear todo lo que se hace musicalmente. Hay conexiones que no se pierden entre los músicos de Portugal y Extremadura, es algo muy lindo. Es muy bueno sentirse de un lugar y sentir su identidad. Creo que los últimos años ha avanzado mucho en el aspecto cultural, tenemos que valorarnos para seguir creciendo.

¿Qué te traes de la India?

Me sentía capacitada para dar clases de canto. Estuve cerca de Chennai, en medio del campo, con alumnos del país, un par de malayos, un japonés y un estadounidense,…fue toda una experiencia. Es una escuela con mucha reputación y venían de todo el país para aprender. La única en la India, donde podías aprender música occidental con músicos de todo el mundo y también podías aprender música carnática, la propia del sur de la India, y que tiene, la música carnática, una historia de cinco mil años. Me sirvió para cambiar mi tesis, que un principio estaba relacionada con la música callejera, y darle un giro con esta música fascinante.

Lo mejor en la música es sumergirse en ella, aprender de los demás y sacar las cosas de oídos, ser más orgánico

Dulce Pontes nos decía que hay que separar la canción portuguesa del fado, que había que hacer esa distinción previa para cantar bien fado. En España, en cambio, hacemos una mezcla de folklore

Eso es una ventaja que se comenta mucho en Portugal, la música flamenca se entremezcla con el pop o el rock y es un proceso natural, el fado nunca. Quizá sea una ventaja para los músicos españoles a la hora de abordar nuevos mercados internacionales.

¿Proyecto nuevo para unir Extremadura con Portugal?

Siempre proyectos nuevos…[Ríe]…ahora estoy centrada en uno con Rui Filipe, un proyecto que nació tras una pequeña colaboración con el grupo Caixa de Pandora, la idea es acoplar mi voz a ese trio, piano violín y violoncelo. Mezclar el punto cinematográfico y callejero de Caixa de Pandora con nuestras historias transfronterizas. Casi todo en portugués…[Ríe]…Rui es muy rápido y no me da tiempo a escribir a mí. Eso sí, intento y desde hace tiempo llevar el castúo e mis letras, siempre lo vi como algo desfasado, pero cuando vives fuera y percibes la importancia que las personas le dan a su riqueza cultural lingüística, te das cuentas de los cateta que he sido dejando de lado un dialecto tan potente. Hay mucha gente que está luchando para que no desaparezca. Eso es importante, muy importante.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

24 de marzo de 2018
Alfonso Guerra en la Fundación CB «En defensa de la Constitución»

En el año 1978 los españoles aprobaron el referéndum de la Constitución, de lo que estaban muy orgullosos y felices, pero hoy hay menos que apoyan esa Constitución. El Parlamento sólo tuvo seis votos en contra, ahora he contabilizado como noventa diputados a los que no le gusta la Constitución. Alfonso Guerra

Eso me ha llevado a escribir un libro en su defensa, explicando los valores políticos, espirituales, sociales y morales de la Constitución del 78 y desde ahí analizar la realidad actual y explicar cómo alguno no quieren aceptar la España real sin inventarse otras realidades completamente ficticias. Alfonso Guerra

Lo normal en estas selecciones es que los partidos constitucionalistas se apoyen entre sí para pactar. Todos los partidos políticos en España se han agarrado a algo que no han entendido bien o que han entendido demasiado, la imitación de las selecciones norteamericanas. Aquí en España ahora se hacen primarias, pero lamentablemente no saben lo que son primarias. En Estados Unidos la gente vota para elegir delegados a un Congreso, una Convención, ahora se hace un cosa completamente distinta, es decir, la elección directa por los militantes del líder. Alfonso Guerra

19 de marzo de 2018
Turbulence en el MEIAC «De Nueva York a Badajoz»

Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte.

En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sotano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. En la primera planta se cogen las medidas al arte vanguardista de la mano de Manuel Ortiz y Carla Carmona. En la segunda, son las sombras de los arboles las que impregnan y moldean la gran obra de Margarida Lagarto y en la tercera planta, la que está más cercana de la luz, huye de la misma. La oscuridad viste Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web.

Michelle Riel no lo ha dicho en la presentación de la exposición. Se ha limitado a valorar el trabajo desarrollado hasta la era Trump. Su traductora sólo ha traducido palabras dulces y de afecto hacia todos los componentes del proyecto Turbulence.org y ha agradecido la apuesta de los gestores por su presencia en espacios como el MEIAC de Badajoz. La crisis hizo mella a Turbulence y el Gobierno Trump tardó segundos en dejar de financiar el proyecto.

Michelle Riel es artista, investigadora y docente. Perteneció al equipo de creadores del “networked_performance”, el proyecto de Turbulence dedicado a la investigación teórica del arte digital, la performance e Internet. Como diseñadora ha sido galardonada con un premio Emmy. Con ella y Gustavo Romano, el comisario de la obra (También de NETcospio, el archivo de obras digitales del MEIAC), recorrimos esa tercera planta. Gustavo nos ha podido desgranar el significado de este tipo de proyectos. No recordó la dificultad que a simple vista no presenta, de realizar la migración de todo el trabajo digital y el papel tan impórtate que juega su conservación.

¿Una obra digital es una obra efímera? Esta duda surge cuando tratamos de adentrarnos de lleno en Turbulence. La fragilidad que puede trasmitir en un primer momento se convierte en una calidez artística desde que nos sumergimos en la creación, exposición y crítica de las obras representadas. Todo un zumbido de sensaciones emocionales que merecen la pena deglutir a bocados pequeños.

La consejera de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura, Leire Iglesias, destacó la calidad y potencia de exposiciones como Turbulence, un paso muy importante en la estrategia seguida por el museo y que, a lo largo de los últimos años, ha venido identificándole en una posición de referencia en el ámbito que vincula la creación contemporánea con los nuevos medios digitales. Un arte sin censuras, un arte que viaja constantemente y que pretende convertir al MEIAC como “uno de los primeros museos en querer tener un archivo de arte digital”.

¿Qué es TURBULENCE.ORG?

Si queréis descubrirlo por vosotros mismos, una ooción muy atractiva e imaginativa, sólo hay que “viajar” tecleando esta dirección http://meiac.es/turbulence/archive/mram/

Si queréis os lo desgranamos un poco…pero es indispensable navegar en la dirección anterior.

Turbulence.org, con sede en Nueva York, ha desarrollado una incesante tarea de promoción del arte digital, de artistas de todo el mundo, desde sus inicios en 1996 hasta finales de 2016.A día de hoy cuenta con 230 piezas originales y material documental de más de 20 piezas performáticas multimedia. La colección incluye artistas de reconocida trayectoria internacional. Muchas de las obras que la conforman han recibido prestigiosos premios internacionales como el de Ars Electrónica, o han sido exhibidos en museos o eventos internacionales como la Bienal del Whitney. A finales de 2016, la última institución que financiaba el proyecto, The National Endowment for the Arts, dejó de prestar su ayuda, debido a que la propia agencia está en proceso de cierre, tal como fue anunciado por la nueva administración Trump. Ante la situación inevitable del cierre de Turbulence, el MEIAC negoció la posibilidad de acoger este archivo, y como resultado del acuerdo alcanzado, las obras han pasado a ser alojadas en el servidor web del MEIAC, y de esta manera podrán ser visitadas por el público internacional. El archivo Turbulence se presenta oficialmente en las salas del museo a través de esta muestra, en la que se podrá ‘navegar’ por las obras y que estará acompañada de video-proyecciones de navegaciones por algunas de sus obras más destacadas.

Incorporación del archivo digital Turbulence al MEIAC Qué es eso de Memoria RAM?

El archivo Turbulence es presentado oficialmente en las salas del MEIAC a través de esta primera muestra titulada “Memoria RAM”. Este tipo de memoria, indispensable en todo dispositivo digital, es el módulo encargado de almacenar datos e instrucciones de manera temporal, pero que irremediablemente pierde toda la información una vez que el equipo se apaga. Esta metáfora nos sirve para reflexionar acerca de la misión de los archivos y en especial de los archivos digitales, siempre amenazados por los peligros de la obsolescencia tecnológica. La muestra recoge una selección de obras que trabajan con el concepto de lo efímero, de aquello que se puede almacenar y aquello que no, y de la resonancia de estos conceptos en un mundo atravesado por lo digital.

Algunos Artistas y algunas Obras

Data Diaries | Cory Arcangel

Data Diaries (Diario hecho de datos) es un video de once horas de extensión que se generó al engañar al Quicktime para que creyera que la RAM de un ordenador era un vídeo. Esto se hizo una vez por día, cada día de enero de 2003. Los correos electrónicos, cartas, páginas web, datos de DSL, canciones y cualquier otra cosa en la que trabajó Arcangel ese día flotan desordenadamente en este experimento con video de 15 cuadros por segundo.

Channel TWo: NYC | Adam Trowbridge y Jessica Westbrook

«Channel TWo es un canal de medios post-network que, con un enfoque irónico y apocalíptico, genera sus contenidos automáticamente a través de algoritmos en Internet. Estructuralmente, emplea investigación de audiencia y un software personalizado para generar contenido locales, directamente conectada a la comunidad en la que se encuentra. El Canal TWo comienza después de la rendición inevitable de la civilización y presenta una corriente de emisiones interminable, estimulante visualmente y basada en la principal idea de vender productos a sus usuarios.»

iSkyTV | the Institute for Infinitely Small Things

SkyTV es un proyecto de arte en red que detecta la ubicación del usuario y anima el cielo de Google Street View sobre su cabeza. El proyecto es una reinvención de Sky TV, el famoso video de Yoko Ono de 1966, que introdujo el espacio exterior adentro de la galería. En contraste, iSkyTV trae el espacio virtual de la base de datos de Street View e invita a los espectadores a reflexionar sobre un mundo en el que nuestros recursos naturales y paisajes han sido digitalizados, convertidos en datos con derechos de autor y archivados. [Para laptops y dispositivos móviles]

Memorial Project for Jobbers’ Canyon Built with ConAgra Products | Nicholas O’Brien

Proyecto conmemorativo para Jobbers ‘Canyon, construido con productos de ConAgra, rinde homenaje a los tesoros arquitectónicos perdidos. En 1989, ConAgra, el segundo distribuidor agrícola más grande de los Estados Unidos, comenzó a construir su nueva sede corporativa en Omaha, Nebraska. En el proceso, se demolieron veinticuatro edificios en el distrito conocido como Jobbers ‘Canyon, que fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos y es considerado el mayor sitio perdido registrado. Utilizando registros y dibujos arquitectónicos O’Brien ha «reconstruido» diez de los edificios, sustituyendo los materiales de construcción originales por productos distribuidos por ConAgra.

Moments of Inertia | R. Luke DuBois y Todd Reynolds

Momentos de Inercia está basado en un estudio teleológico del gesto en el rendimiento musical y cómo se relaciona con el gesto en la interacción social íntima. Moments consiste en doce estudios de violín escritos para Todd Reynolds, de uno a diez minutos de duración, cada uno de los cuales utiliza un gesto diferente de interpretación de violín como entrada de control para manipular una pieza breve de película de alta velocidad (300 fotogramas por segundo), de objetos y personas en movimiento. Siguiendo el ejemplo de los principios de la física que determinan la resistencia de un objeto al cambio, los gestos del violinista reasignan el tiempo y la velocidad del video clip para explorar las complejidades de la acción realizada.

Nothing You Have Done Deserves Such Praise | Jason Nelson

Nada que hayas hecho merece semejante alabanza es un juego de arte / poesía / aventuras, un campo de juego para explorar nuestro deseo siempre presente de premios constantes y exagerados. Nuestros mundos (digitales y de respiración) están llenos de elogios innecesarios y no ganados, estamos hechos para amar los trofeos en explosión por el quinto lugar. Este juego de arte / poesía satisface tu «adicción al cumplido», al celebrar tu caminar / saltar / caer a través de tierras anatómicas extrañas y maravillosas.

Prototype #44, Net Pirate Number Station | Yoshi Sodeoka

El Prototipo n. ° 44 es una estación de «números» de radio de onda corta que transmite por Internet. Al ingresar, se pueden escuchar secuencias numéricas generadas al azar por la web y leídas en voz alta por presentadores pregrabados en vídeo. Calmo, como en trance, generando un clima vagamente amenazador, el Prototipo # 44 se inspiró en las muchas «Emisoras de Números Espías» que surgieron en las comunidades de inteligencia de todo el mundo en la década de 1960.

Storm King | Amit Pitaru

Storm King (Rey de las tormentas) fue compuesto y realizado con «The Sonic Wire Sculptor», originalmente un instrumento personal creado por Pitaru para componer, grabar y tocar música en tiempo real a partir del dibujo. Pitaru más tarde transformó el software en una instalación pública para permitir que un rango más amplio de usuarios interactuara intuitivamente con el instrumento. Los visitantes entraban en una habitación oscura con un sistema de sonido envolvente, una proyección y una única estación de dibujo. Eran alentados a agregar su trabajo a una colección cada vez mayor de sorprendentes esculturas sonoras. Hoy, esta colección incluye trabajos de ilustradores profesionales, poetas, niños de 9 años y sus padres, y músicos de diversos géneros.

text_ocean | Zannah Marsh

text_ocean (océano textual) es un experimento de lectura de acceso aleatorio y visualización de texto, utilizando como material fuente el texto de Moby Dick, de Herman Melville. Las selecciones del texto se convierten en un mar dinámico de palabras, animadas según la función gramatical. El usuario «lee» el texto “enganchando” y soltando palabras y, en el proceso, las desconecta de sus líneas originales. Por lo tanto, Moby Dick es reescrito de forma lenta y aleatoria por el usuario, palabra por palabra, mientras lee.

Submersible | Yotam Mann y Niv Bavarsky

«Estás al timón de un submarino que navega por las profundidades del océano. En cada estrato, ves y escuchas diferentes organismos. En la zona epipelágica soleada, observa el atún rápido y masivo pasar nadando en bancos. O echa un vistazo al raro cerdo marino en la oscuridad del abismo pelágico. Cada uno de estos organismos contribuye con un motivo espacializado al paisaje sonoro en proceso. «

Willy López | Fotografía MEIAC. Félix Méndez

8 de marzo de 2018
Felipe Trigo «El escritor extremeño en un principio de incertidumbre»

Felipe Trigo autor y Felipe Trigo personaje. Villanovense de parto, pacense de efervescencia intelectual y madrileño de pasión cultural y última bala. Médico, fotógrafo, pintor, político, militar…y literato, o escritor ante todas las cosas, profesión, la de escritor, que llevó como un best sellers de la época. De Trigo conocemos su machetazo en la cara de guerra por las Filipinas, su pasión por la tierra extremeña de terrón seco y aliento noble, su pasión por llegar al erotismo con su pluma, su bipolaridad existencial. De Felipe Trigo conocemos su Jarrapellejos, sus Ingenuas, En la carrera, su Alma en los labios y toda una escalera con millones de palabras escritas para ser consumidas por un público hambriento de historias. Escalones devorados por su propia angustia y bellísimamente puesto en escena por el equipo de Luis Saez con el patrocinio de la Diputación de Badajoz.

Desde esa escalera, que delimita la Sala Vaquero Poblador con el resto de espacios y dependencias de la Diputación pacense, Luis Saez, quien ejerciera como Director del Plan de Fomento de la Lectura y de la Editora Regional de Extremadura hace años, nos hace de cicerón y peldaño a peldaño nos despedaza didácticamente la obra y vida de uno de los mejores escritores que ha dado Extremadura. Nosotros aún no sabemos si quedarnos con el Felipe Trigo autor o el Felipe Trigo personaje…En la época, la gente pobre no se fiaba de un médico que cobraba.

Ni soy, ni puedo ser un artista; sino mucho menos, mucho más: un hombre… hecho para la vida y que se la finge escribiendo, porque no la encuentra; un hombre que escribe… y que daría todas sus escrituras y las de los demás por un poco de felicidad del bello y amplio vivir que aún no hay en la tierra. Felipe Trigo

Felipe Trigo…Principio de incertidumbre…

…Esta exposición es un viaje en el tiempo pero a nuestro tiempo, utilizando el hilo de un personaje conocido como Felipe Trigo, pero es verdad, que oscurecido con el paso del tiempo, porque no es ni mucho menos un autor leído, es sólo un autor reconocido por el centenario y recordado en Villanueva de la Serena por el premio literario. En su época, Felipe Trigo era una especie de Pérez Reverte.

¿Porque se ha difuminado su obra con el tiempo?

Por muchas y varias razones, nosotros con esta exposición no queremos echarle en cara a la gente que se ha olvidado de una manera injusta sino más bien por su manera natural de perdurar en el tiempo. Mostrar la naturaleza de su época, con su vida y con su obra, tres ejes muy relacionados, es muy difícil no entender a Trigo sin pensar en que vive en una época muy parecida a la nuestra, con incertidumbre, una época bisagra donde sabe que ha dejado un tiempo y empieza otra. Felipe Trigo se queda en el borde, se suicida en el 1916 justo cuando el mundo va a cambiar. Él atisba el mundo de la tecnología como los coches, aviones, la revolución social, los cambios políticos, ese mundo donde aparece un imperio austro-húngaro que ocupaba el centro de Europa por ejemplo. Este mapa social y político lo hemos querido reflejar en esta exposición.

En su época, Felipe Trigo era una especie de Pérez Reverte

¿Era Trigo un autor polémico?

Efectivamente, y no lo ocultamos, en estas críticas de Leopoldo Alas “Clarín” o Luis Bello se recogen feroces mensajes, pero no olvidemos; un autor polémico es un autor vivo. A otros autores con menos profundidad literaria los tenemos en una urna, pero es verdad que hoy leer a Trigo es complejo, por su prosa. Pero es importante destacar su temática, muy actual, muy vigente, era un revolucionario, siempre desde su posición en la sociedad del 1900, en muchas ideas que aún ahora no se han superado.

Nos intriga tanto su obra como su persona…

…Esa personalidad tan fuerte nos parece muy atractiva a mucha gente. Casi todos los que han participado en esta exposición de la Diputación de Badajoz, les ha engatusado el personaje de Trigo más que la obra. El personaje no se puede escindir de la obra, va ligado, como debería de ir la ciudad de Badajoz por ejemplo, es una pena que la ciudad esté tan de espaldas a Trigo, es el autor, el novelista que con diferencia, más ha tratado Badajoz y desde una intensidad latente de la vida y la sociedad de la ciudad. Nació en Villanueva de la Serena pero pasa su infancia y adolescencia en Badajoz, donde cursa el bachillerato. Años esenciales.

Esta exposición es muy visual, aparecen vídeos editados como cine de la época, jaulas, microscopios y obras de Felipe Trigo en formato gigante.

Es la manera de hacer más atractiva la vida de este autor. Libros y microscopio como éste, de su profesión como médico, con este microscopio especializado en ver triquinosis, que era lo que más veía en las zonas rurales. La jaula se ve mucho en este exposición, como metáfora de la libertad para los de fuera y celda para los que están dentro aunque te lleven de un lado a otro. Queríamos introducir al ciudadano en la exposición de manera atractiva, didáctica pero visual. A Felipe Trigo no lo conoce casi nadie y el hacer siete libros editados en su época en tamaño gigante es una manera de acercar al autor al público de un solo golpe de vista. Son portadas del cartelista Puyol, que la dan una modernidad y una vanguardia tremenda.

Vemos sus obras como un tejido en la exposición

La etimología de texto es tejido, y hemos tejido muchos de sus textos con multitud de referencias cinematográficas, citas que el escribe en Badajoz, citas de referencia del país francés, o de cualquier consideración política, no olvidemos que Felipe Trigo fundó el partido socialista en Extremadura. Es una muestra de su interés por formar parte de la vida social gracias a su posición como médico.

¿Cuál era su ritmo de edición?

Desde Las ingenuas, que paga él de su bolsillo, que escribe para aislarse en el sótano de su casa y que se imprime en Mérida, y desde ese boom editorial, Trigo publica cada dos años, posteriormente cada año y al final tres o cuatro publicaciones al año. Deja su actividad médica para dedicarse a la escritura.

Se trata del suicidio de una manera muy clara en la prensa de la época…

…A través de recortes de la prensa de la época, se recoge el suicidio con fotos de su casa y textos muy directos del momento en el que pone fin a su vida. Ellos esperaban esa mañana salir para ver la presentación de una de sus obras en la Puerta del Sol, hasta que escuchan el disparo desde su estudio. Es curioso porque Trigo tenía un proyecto que tituló La vida, una revista o periódico, en el que los mejores escritores del país escribiesen y cobrasen. Es algo paradójico con su violenta muerte pero que formaba parte de la forma de ser del autor.

También podemos observar las publicaciones de Felipe Trigo, los libros originales del autor…

…Es curioso porque estos libros tienen una característica particular, mala calidad del papel y gran deterioro. Tienen una gran cantidad de polvo porque los libros de la época tienen la peor calidad de la historia. Si tienes un libro del siglo XVIII, tranquilo, que se los dejarás a tus nietos, pero estos libros eran de trapo. Era la etapa del pulp fiction, libros baratos de material barato debido al aumento de los lectores. Se lee muchísimo pero se lee económico, y en estas ediciones de la obra de Trigo se pueden observar.

¿Qué podemos destacar de estas ediciones?

Trigo se rodeaba de grandes ilustradores, como otro ilustre pacense Antonio Juez, y sobre todo debemos destacar las portadas, ya que buscaba el atractivo con un golpe de vista. Un punto erótico y con rasgos sensuales.

El autor extremeño llega a publicar con la más importante editorial, Renacimiento, pero con la Primera Guerra Mundial se cortan todos los flujos de capital, ya que vendían mucho en Argentina y el mercado con el país sudamericano dejó de abastecerse por el conflicto bélico.

Existe una publicación, En camisa rosa (1916), que trata de todo lo que sucede en Badajoz, habla del Badajoz que se puede ver actualmente.

Trigo se rodeaba de grandes ilustradores, como otro ilustre pacense Antonio Juez, y sobre todo debemos destacar las portadas, ya que buscaba el atractivo con un golpe de vista

Y hablando de actualidad, ¿Qué es lo que más te atrae de la literatura de Felipe Trigo?

Lo que más me gusta de sus obras es la manera que tenía Trigo de plantear problemas sociales y contemporáneos, es decir que el autor se atrevía a plantear asuntos que estaban siendo discutidos en ese momento, temas que estaban en las conversaciones de la gente de la época suscitando una constante polémica.

¿Cuál ha sido la acogida de Principio de incertidumbre de Felipe Trigo en sus localidades más significativas del autor?

Ha sido magnífico, tanto en Villanueva de la Serena (Sala Rufino Mendoza) como en Badajoz (Sala Vaquero Poblador de Diputación de Badajoz), el espacio donde han estado ubicadas ambas permitía una visibilidad y una puesta en escena muy potente.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

6 de marzo de 2018
Tom Waits «Un perro de lluvia»

La expresión perros de la lluvia hace alusión a ese hábito de los caninos de escaparse de casa y perderse cuando llueve, debido a que el agua ha borrado el rastro que inicialmente dejaron para guiarse en la vuelta. Para Tom Waits, se trata de una metáfora para los hombres perdidos, doloridos, sin sentido del rumbo. Gente que duerme en los portales, sin un lugar social o físico al que pertenecer.
«The Rose of Tralee», mencionada en la letra, es una balada irlandesa del siglo XIX sobre una chica llamada Mary.

Subo a un tren desvencijado, le dejo el paraguas a los perros de la lluvia

Ilustración. Tito Merello

2 de marzo de 2018
Día de Extremadura «Pasión por una región única»

Un día especial, sin duda. Reconocimientos a la labor de los extremeños que se dejan la piel por destacar en su profesión. Un buen rato con los músicos de la región. Un himno que emociona y un teatro romano de Mérida como enclave para aglutinar a los paisanos.

La investigadora María Victoria Gil, el periodista Ángel Sastre, la monja Cristina Arana, la Federación Extremeña de Bandas de Música y el Grupo «Manantial Folk», el cacereño Gonzalo Martín Domínguez y el pintor Jaime de Jaraiz -a título póstumo- recibieron la Medalla de Extremadura, el máximo galardón que concede la región.

El presidente de la Junta, Guillermo Fernández Vara, destacó la labor diaria que sor Cristina Arana Astigarraga, de 94 años, viene desarrollando en el comedor social «Virgen de Acogida» de Badajoz. Fernández Vara también remarcó días antes de la entrega, el trabajo periodístico del extremeño Ángel Sastre, que estuvo secuestrado en Siria por una filial de Al Qaeda casi diez meses entre 2015 y 2016.

Asimismo, el presidente extremeño ha puesto en valor el trabajo de la investigadora y presidenta de la Asociación Extremeña de Alérgicos de Alimentos (AEXAAL), María Victoria Gil, natural de Almendralejo. El presidente también tuvo palabras de elogio para Gonzalo Marín Domínguez, presidente de la Casa de Extremadura en Sevilla, por su compromiso con las raíces y cultura de su tierra, raíces que han contribuido a fortalecer los lazos históricos de Extremadura y Sevilla. A título póstumo, el Gobierno regional también entregaró la Medalla de Extremadura al pintor Jaime García Sánchez, Jaime de Jaraiz, natural de Jaraíz de la Vera .

La Federación Extremeña de Bandas de Música, con 62 agrupaciones integradas y más de 3.100 los músicos federados; y el Grupo «Manantial Folk», agrupación de música tradicional fundada en 1981 en Madrigal de la Vera, recogió en la noche de la celebración ex aequo uno de las Medallas.

Después vino el broche, el fin de fiesta cargado de música, duetos, el magnífico y apasionado director de orquesta César Guerrero al frente de la siempre maravilla OEX.

La familia Vargas puso el instinto flamenco, con una falseta de guitarras que emocionó al numeroso público asistente.

Celia Romero, la cantaora que ya nos deleitó con el himno de Extremadura hace tres años, abrió los duetos con el sabor de Acetre.

Le siguieron otros grandes músicos como Mili Vizcaíno, Gecko Turner. Cira, AMA, Gene García, Chloé Bird, Raquel Sandes, Carlos Masegosa, Chocalhos Emeritenses, Pepe Rades, Luis Carlos Gámez y el coro Amadeus IN, Duende Josele y el gran Luis Pastor

26 de febrero de 2018
Antonio Najarro «El Ballet Nacional de España tiene que ser una compañía de referencia en el mundo»

Para ser uno de los mejores en el mundo en cualquier disciplina se tiene que ser muy exigente. A veces equivocamos exigencias profesionales con delirios de grandeza, y en este país, lo trapero, aquello que sale de un cuarto de los cabales sin previa delicadeza artística tiende a diluirse con el tiempo. No vale con cuatro palmas, un taconeo y un lance de furia de un faldón de terciopelo si queremos situar al flamenco en el mapa cultural universal que le debería corresponder. Ese escalafón tiene mimbres, raíces bien aferradas a lo largo de los años que en algunas ocasiones tienden a pedir auxilio, épocas yermas donde de la tierra flamenca no brotan beneficios endémicos. La bohemia debe de zurcirse con arte, bajo la batuta de profesionales con capacidad de liderazgo, con experiencia y visión vanguardistas. La ortodoxia del flamenco debe dejar un resquicio a la heterodoxia que artistas profesionales como Antonio Najarro y todo el cuerpo del Ballet Nacional de España llevan elaborando desde hace un lustro. Es el camino. Es la estrategia. Es la manera de colarnos por las fronteras y esparcir con elegancia el duende genético que tiene nuestra danza. Es cuestión de tiempo, de presupuesto, de voluntad y asepsia administrativa. Para ser referencia en el mundo necesitamos aplaudir cada paso, taconeo, castañeo, desplante, escobilleo, balanceo y braceo. Jalear la pasión del Ballet Nacional De España y dejarse llevar, como dice el propio director, por la potencia que transmite la danza española.

El Festival de Flamenco y Fado de Badajoz pone su granito de arena en esta lucha por llegar alto. Un escenario que recoge año tras año el testigo de dos músicas únicas y universales como son el Fado y el Flamenco. 2017 se abre con danza, un augurio con buenas vibraciones de esa expansión de nuestro arte en una frontera del mundo.

Zaguán y Alento ¿Qué vamos a poder ver bajo estos títulos?

Zaguán y Alento es un espectáculo formado por un programa con flamenco y vanguardia de danza española. Pretendemos que el público vea nuevos lenguajes, las nuevas formas técnicas que existen en la danza española, ese es uno de los motivos por el que traigo Alento, es un poco una combinación de lo que es tradición con el flamenco. Aunque son coreografías vanguardistas disponen de un enfoque puro y sustancial del flamenco tradicional aderezado eso sí, con elementos como el jazz, el blues, movimientos muy contemporáneos y alusiones a coreografías de aire americano

Esa mezcla la aporta Alento, ¿ Zaguán es un espectáculo más puro?

Zaguán es flamenco, son cuatro coreógrafos flamencos, la construcción es una suite flamenca con diferentes palos donde cada coreógrafo ha puesto su personalidad dentro del mundo flamenco. Esto no quiere decir que como son coreógrafos jóvenes los que he elegido, menos Blanca del Rey, no contengan movimientos un poco más moderno, más contemporáneos, pero lo que es el Ballet es más flamenco.

Desde esa perspectiva, donde la vanguardia tiene su espacio en el Ballet Nacional, el espectáculo cobra mucha más fuerza. El espacio escénico, la iluminación, el atrezzo o el vestuario tienen ahora un valor añadido en las obras…

…incluso los estilos de la danza en sí, de la danza española, que muy poca gente conoce. Se creen que el flamenco es la única danza que existe en el país, sin saber que existe un folclore riquísimo, pero hay una escuela bolera y una danza estilizada. Todo eso es lo que llevamos siempre en el programa del Ballet Nacional de España. El flamenco es una de las cuatro ramas de la danza española y aparte de eso, en todas las propuestas de nueva creación, lo que intento es que participen nuevos creadores de diferentes ámbitos, porque eso además de ser enriquecedor para el artista que colabora con nosotros, también abre mucho las puertas al Ballet Nacional a otras disciplinas. En el espectáculo Sorolla, toda la puesta en escena la ha hecho Franco Dragone, uno de los fundadores del Circo del Sol, todas la ideas, la cabeza creativa de Dragone está creado por él. Un artista vinculado con el circo y que no tiene que ver aparentemente nada con la danza española, pero que al final casa perfectamente con el ritmo y estructura del Ballet. Este tipo de colaboraciones proyecta con más fuerza nuestro Ballet Nacional fuera de España. Lo hacemos con todos los sectores artísticos que puedan aportar algo nuevo y atractivo a nuestros espectáculos como con la pintura, el cine o la fotografía.

Me hablas del espectáculo de Sorolla, aquí en el Festival de Flamenco y Fado de Badajoz, no existe espacio escénico para representar esa obra, pero Zaguán y Alento poseen la fuerza necesaria para conectar estas dos culturas ibéricas. Al respecto, ¿Qué percepción se lleva el público de otros países con un espectáculo flamenco como éste?

Para mí es muy importante que se lleven una percepción de que el flamenco también se puede ver en grandes espacios, aunque sea un estilo de baile concebido para desarrollarlo de manera individual o en pareja, actualmente el flamenco se puede coreografiar para un cuerpo de baile como el Ballet Nacional de España con 40 bailarines. Pero también me interesa que el espectador de otras culturas se lleve la visión de lo que ahora se hace en la danza, desgraciadamente los medios de comunicación no la exhiben mucho, y para el público que no es aficionado al flamenco no sabe realmente lo que se está cociendo en la danza española.

¿Y que se está cociendo en la danza española?

Actualmente la danza española está en una evolución increíble, a nivel estético, de energía, a nivel de arte es increíble. De hecho los bailarines del Ballet Nacional de España tienen una técnica arrolladora, te pueden defender cualquier estilo de danza.

“Se creen que el flamenco es la única danza que existe en el país, sin saber que existe un folclore riquísimo, pero hay una escuela bolera y una danza estilizada”

En Extremadura existe una cantera de pequeños bailarines importante. Las escuelas de baile y danza y academias de flamenco copan las actividades de las niñas y niños de la región sin lugar a dudas, fútbol mediante. Pero luego, cuando acceden a una etapa más adulta se disipa la efervescencia de la etapa infantil… ¿Qué falla en la danza flamenca para que no continúe la pasión con edades adultas en nuestro propio país?

Nosotros sentimos que ha aumentado, con nuestras actividades, en las representaciones familiares con padres e hijos, con las visitas a colegios, con la publicación de libros para niños del Ballet Nacional, con el lanzamiento en breve de un videojuego de danza española, un acercamiento del público joven, pero queda mucho realizar para cultivar y educar desde la base.

¿Por qué no sabemos “exportar” nuestra danza como un rasgo propio de nuestra cultura?

No solo de la danza, en términos generales en nuestro país todavía no nos hemos dado cuenta de que la cultura que podemos exportar es una fuente de ingresos muy importante, no tenemos la capacidad de desarrollar y promocionar el arte y la cultura como se hace en otros países. Francia te vende todo y encima lo hace muy bien, vende su danza, su gastronomía, su cine, lo exporta todo, porque le sacan partido a ello y el resto del mundo lo consume. España podría hacer lo mismo con el flamenco y la danza española, sólo con darle un enfoque mucho más amplio del que nosotros, con muchísimo esfuerzo de manera autónoma aunque seamos una compañía estatal, estamos dando con nuestras ideas y proyecciones artísticas. Podríamos ser un exhibidor de cultura mucho más potente y para eso lo principal es la comunicación. Si el propio español no lo sabe, no tiene una referencia de lo que se hace en este ámbito, jamás podremos creer en ello y exportar cultura. No es solo una queja del abandono a la danza, es algo más profundo, necesitamos un eco comunicativo para que el público se interese, acuda al teatro, para el programador o director del teatro se interese en programar danza, se trata de una cadena.

“En nuestro país todavía no nos hemos dado cuenta de que la cultura que podemos exportar es una fuente de ingresos muy importante, no tenemos la capacidad de desarrollar y promocionar el arte y la cultura como se hace en otros países”

El IVA cultural tampoco ha ayudado mucho… Según el último anuario de la SGAE que permite comparar 2012 con 2015, el dato más cercano disponible y el resultado es una reducción en todos los sectores y los apartados… 565 espectáculos de danza menos, de 2.633 a 2.068.

Es una cifra bestial. Debemos revisar este tipo de cosas que tanto pasan factura a la cultura del país. Y sobre todo una disciplina tan frágil como la danza.

Antonio, sabes de primera mano de las dificultades que entraña llevar a cabo un proyecto empresarial, ¿Te ha ayudado para darle más valor a este Ballet Nacional?

Yo comencé en el año 2000 y la compañía estaba compuesta por 28 personas, una compañía grande para ser un proyecto novel, y yo me dejé todo. Me dejé todo el dinero que me había ganado en el Ballet Nacional como bailarín, mi madre hacía de costurera, modista y asesora, yo hacía la prensa, la distribución, viaja para conocer promotores, tuve que aprender idiomas para poder vender a todo el mundo mi compañía y eso fue muy duro. Años que donde no se veía ningún tipo de ganancias pero que hizo que supiera de primera mano cómo funciona la danza. Con el tiempo pude darme a conocer y ser consciente de la dificultad que genera un proyecto empresarial, y esa trayectoria hace que valore con más nitidez la labor de las 90 personas que componen el Ballet Nacional de España como director. Ser director con 35 años es fruto de esta experiencia personal previa.

El año que viene el Ballet Nacional de España cumple 40 años, y seguramente que ya estáis preparando alguna producción para este aniversario ¿Cómo gestionáis los diferentes espectáculos a lo largo de las temporadas?

Cada año hacemos una producción, un espectáculo nuevo que es una movida muy grande, ya que supone vestir a 40 bailarines, preparar música que generalmente son orquestadas, diseñar la coreografía, concepto, ideas…y todo eso hay que compaginarlo con las giras que ya tenemos. Todos estos espectáculos están a la carta para que los programadores y directores de teatros y festivales elijan el espectáculo que mejor encaje para su espacio, público, evento, y cultura.

“Ser director con 35 años es fruto de esta experiencia personal previa”

Llevas cinco años al frente de Ballet Nacional y ahora te han renovado otros tres años, ¿Esa posibilidad de manejar tiempos más dilatados como director favorece una producción más elaborada, pensada a medio plazo y con mayor estabilidad y criterio para hacer esquipo?

Es muy importante contar con esta estabilidad, yo en estos cinco años le he dado la vuelta al Ballet Nacional a base de introducir vanguardias sin perder la esencia flamenca. Han sido cinco años de muchísimo trabajo pero que me ha dado muchísima satisfacción, cumpliendo los objetivos marcados de inicio. Pero aún queda mucho por hacer, el Ballet Nacional de España tiene que ser una compañía de referencia en el mundo. Que sea reconocible en todo el mundo.

“En estos cinco años le he dado la vuelta al Ballet Nacional a base de introducir vanguardias sin perder la esencia flamenca”

El año pasado hube un plante en forma de huelga de los bailarines por las condiciones económicas de sus contratos anuales ¿Ya se ha solucionado este tema?

Fue una decisión muy dura en una época muy dura. Los bailarines del Ballet Nacional son bailarines de élite que se merecen mejores sueldos, recordemos que yo estoy en medio ya que yo no soy quien los contrata ni marcan sus salarios, lo que sí es muy importe es encontrar la forma, una fórmula muy bien elaborada, dialogada y en un momento en el que el país lo pueda asumir. Cuando ellos hicieron la huelga no había ni gobierno y desgraciadamente no dio fruto para nada.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

24 de febrero de 2018
Chloé Bird convierte «Un mundo de niños raros» al sinfónico con la Orquesta de Extremadura

El nuevo espectáculo tiene un formato de concierto en familia, para todos los públicos, y se representará el 8 de febrero en Badajoz y el 9 en Cáceres.

La cantante Chloé Bird vuelve a meterse en la piel de Greta Maleta, la protagonista de «Un mundo de niños raros», el exitoso espectáculo con el que ha ofrecido un gran número de conciertos desde su presentación en 2017. «Un mundo de niños raros» son catorce canciones compuestas por Chloé Bird, editadas también en cd, con letras del reconocido poeta salmantino Raúl Vacas, canciones ahora adaptadas y orquestadas al formato sinfónico por Salvador Rojo.

Todas ellas hablan de pequeños y excéntricos personajes llenos de emociones que en cada canción cuentan su historia: el Niño Zancudo, la Niña Cacto, el Oranguniño, o la Niña Búho, entre otros que Greta Maleta, exploradora sin igual, buscará por el mundo. Este espectáculo familiar está pensado para niños y niñas de 0 a 99 años que no tengan miedo a perderse entre las letras y las melodías mientras cantan y bailan.

«Un mundo de niños raros» va a sonar muy diferente con la Orquesta de Extremadura. Si lo viste antes y te gustó, esta versión te emocionará. Dirigirá Raúl Benavent, un joven director que compagina su labor como solista de percusión de la Orquesta Sinfónica de RTVE con la dirección. En su formación como director de orquesta ha trabajado con los mejores directores del panorama español, destacando Miguel Romea y Andrés Salado en la academia de dirección opus 23. También ha mantenido una estrecha relación de trabajo con directores internacionales como Pinchas Steinberg, Gianandrea Noseda, Walter Weler, Vladímir Yúrovski, entre otros.

Chloé Bird (Cáceres, 1991) es compositora, cantante y actriz.

Licenciada en la especialidad de interpretación en la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura y titulada en el Grado Profesional de piano por el Conservatorio Profesional de Música Hermanos Berzosa de Cáceres. Ha participado en festivales como Europa Sur (2012, 2014), WOMAD (Cáceres, Charlton Park – UK), Contempopránea (Badajoz, 2015) o BIME City Live Bilbao. Ha sido telonera de artistas como Anni B Sweet o Jeanette y ha tocado por salas de toda la geografía nacional. En septiembre de 2016 se trasladó a Colombia para presentar uno de sus trabajos en la Feria del Libro y la Cultura de Medellín.

Compone bandas sonoras para cortometrajes y obras de teatro (La clase de los niños raros, cía Apretacocretas; M.C. Manco y de la Mancha, cía HUMOREAMORE; Ninonita y Cesáreo en el misterio de los juegos perdidos, cía Asceni Theatre; Badidiblú, descubriendo la magia; Entre pañuelos y varitas, cía La Lámpara Mágica; El soldadito de plomo, El astronauta, @LONE, las tres de El Avispero Producciones); La vida de los salmones (Karlik Danza-Teatro). A finales de 2013 es galardonada como “mejor artista extremeña” en los Premios Pop-Eye después de editar su primer EP October Moon. En noviembre de 2015 publica su primer LP, The darkest corners of my soul. En marzo de 2017 publica un disco para público familiar, Un mundo de niños raros, en el que musicaliza poemas de Raúl Vacas.

En septiembre de 2018 lanza su nuevo trabajo, The light in between, un disco que la crítica ha descrito como «maduro en el sonido, con una producción cuidada y unos arreglos de precisión milimétrica, y maduro en lo etéreo, en la forma de contar». Su primer adelanto fue estrenado en la web de la revista MondoSonoro. Ha sonado en televisiones y radios a nivel nacional e internacional (Rtve, Cadena Ser, Onda Cero, Canal Extremadura, Teleantioquia…), siendo “la apuesta del año” 2013 en el programa Disco Grande de radio 3 y teniendo más de un millón de escuchas en Spotify. El videoclip de su canción Fade, recogida en el disco The darkest corners of my soul, dirigido por Ainhoa Rodríguez, ha sido galardonado con multitud de premios a nivel internacional.

Actualmente se encuentra girando con The light in between, Un mundo de niños raros y La vida de los salmones (premio SGAE de teatro infantil), escrita por Itziar Pascual y dirigida por Cristina D. Silveira para Karlik Danza-Teatro.

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2 de febrero de 2018