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Kiko Veneno «El «yoísmo» es la nueva religión. Y nos está llevando a la estupidez colectiva»

Hay artistas que esquivan el barro. Kiko Veneno no. Se mete hasta las rodillas. Habla sin red, sin nostalgia impostada y sin diplomacia cultural. Habla de guerra, de capitalismo, de una izquierda desactivada, del miedo como atmósfera y de una música que —según él— ha perdido el alma. Pero también habla del teatro, del silencio compartido y de tocar en grupo como acto de resistencia.

Kiko volverá pronto a Extremadura, al Teatro López de Ayala. Y la visita tiene memoria. Ya estuvo en Badajoz hace más de diez años, cuando lo entrevistamos en la mítica Sala Mercantil —hoy convertida en La Santa— y nos confesó, casi con sorpresa, que era la primera vez que actuaba en la ciudad. Aquella frase quedó flotando como una anomalía histórica: uno de los nombres esenciales de la música española pisando por primera vez la capital pacense en pleno siglo XXI. Ahora regresa con más carga reflexiva que nunca. Y con un nuevo capítulo musical bajo el brazo. Con esa mezcla de sabiduría callejera y mirada larga que siempre ha tenido. La conversación arranca en el presente —ese presente acelerado que parece mutar cada mañana— y acaba atravesando la historia, la cultura y el ego humano como si fueran el mismo problema con distintos disfraces.

“Te levantas, lees el periódico y da miedo”

Kiko, comentabas recientemente sobre esa sensación de acostarte y despertarte con la impresión de que el mundo ha cambiado de repente.

Sí. Vivimos una sensación constante de aceleración. Todo parece ir en contra de la naturaleza humana: a favor del dinero, de la crueldad, de lo peor del ser humano. Estamos en un valle muy bajo de la onda. Y lo peor es que no es casualidad: estamos recogiendo lo que hemos sembrado durante siglos. No es que antes existiera una solución clara, pero ahora te levantas, lees el periódico y da miedo. Da miedo leerlo.

“No creo que la historia sea cíclica”

Hay quien dice que la historia se repite.

Yo no lo creo. Para mí la historia no es cíclica. No estamos simplemente repitiendo una fase anterior. En los años sesenta, por ejemplo, había esperanza. John Lennon representaba, con todas sus contradicciones, una idea de convivencia, de humanidad, de un mundo sin guerras. Hoy estamos en otra cosa. Estamos en el videojuego de la guerra y en la guerra real. En las opiniones generadas por robots, en campañas de odio automatizadas, en la deshumanización del otro. Se difunden mentiras, se alimenta la homofobia, el racismo, el desprecio al inmigrante. Una crueldad sin razón se ha apoderado de una parte de la raza humana.

“La izquierda dejó de dar respuestas”

¿Dónde sitúas el origen de este deterioro?

En gran parte en el fracaso histórico de la izquierda. Durante los últimos sesenta o cien años no ha sabido dar respuestas reales a la inquietud de la gente por cambiar las cosas. Después de Hitler, de la Segunda Guerra Mundial, y con el miedo a Estados Unidos, la izquierda eligió aceptar el capitalismo e intentar suavizarlo. Pero cuando abrazas el capital, te conviertes en capitalista. Dejas de representar a la clase trabajadora y pierdes la posibilidad de ofrecer una salida distinta. Hoy la única salida verdaderamente humana pasa por la cooperación, por lo social, por volver a una idea de socialismo basada en colaborar. El camino individualista solo ha conseguido que triunfen los más crueles, los más despiadados, los más egoístas.

“La historia de la guerra se ha contado mal”

También cuestionas el relato histórico dominante.

Claro. La Segunda Guerra Mundial la ganaron los rusos, y eso se ha ocultado. Estados Unidos llegó a Europa cuando la guerra estaba prácticamente ganada. Y, sin embargo, se construyó un relato que les colocaba como salvadores. Si estudiamos un poco la historia, vemos que Estados Unidos vendió el acero que Hitler necesitaba en los años treinta para prepararse para la guerra. Desde ahí se construye un mundo dirigido por ellos, y la izquierda entra en un proceso de aceptación, de corrupción, de puertas giratorias. Eso pasó en España y en todo el mundo. Hoy no existen medios de comunicación de izquierda fuertes, ni partidos que representen de verdad una alternativa. El abanico ideológico ha desaparecido.

Cultura, salas y dinero

En 2014 ya hablabas de la falta de salas para tocar.

Y sigue igual o peor. No hay una política cultural real. En los años setenta se pensaba que habría una política social y cultural que haría las ciudades más habitables. Pero eso no ocurrió. Hoy todo gira en torno al dinero. Al capital no le interesan las pequeñas culturas, ni los espacios donde se crea comunidad. Le interesan los grandes conciertos, los estadios, el fútbol, los videojuegos. Eso es lo que genera beneficio, y lo demás se abandona. El tejido pequeño se desangra, el silencio del público es la base del respeto. Ahí empieza todo.”

Y lo dices sin retórica alguna: tocar sentado, escuchar respiraciones, sentir la atención.

Claro que sí, eso es cultura de verdad.

El teatro como resistencia

Ahora vuelves al teatro con un formato más íntimo.

El teatro genera una complicidad única. El silencio del público es la base del respeto y de la creatividad. Es un diálogo muy limpio. Ellos están sentados, nosotros también. Escuchamos. Me gusta esa cercanía, incluso reducir el espacio, hacerlo más humano. Repito, eso es cultura de verdad: el encuentro entre personas.

“La música ha perdido alma”

Raimundo Amador nos decía en una entrevista que la música actual es menos auténtica.

Estoy de acuerdo. Hay buenos músicos y grandes profesionales, pero falta entrega. Falta alma. Hoy se usa el autotune para disimular carencias. Es una música formalmente infantil y artísticamente pobre. Ya no hay canciones que cuenten la vida. Antes el pop hablaba de historias, de personajes, de emociones colectivas. Ahora todo es “yo, yo, yo”. Ese yoísmo no lleva a la plenitud, lleva a la miseria y a la estupidez.

“No aprendimos nada de la pandemia”

¿La pandemia marcó algún cambio?

No. Se utilizó para esperar a que pasara y volver exactamente a lo mismo. No hemos aprendido nada. Seguimos reaccionando con estupidez incluso ante nuestra propia supervivencia.

El valor del grupo

Para terminar, ¿sigues creyendo en el trabajo colectivo?

Absolutamente. Los grupos son difíciles, pero son lo más bonito. Yo vengo de Veneno y sigo defendiendo esa idea: un conjunto de iguales, una asociación creativa. Eso es resistencia. Cuando varias personas crean algo que no podrían hacer solas, ahí hay verdad. En tiempos de hiperindividualismo, tocar en banda es casi una postura ideológica.

“La música compartida es resistencia”

Nuevo trabajo, nueva etapa

El regreso a Extremadura coincide con un momento creativo clave. Su último trabajo destacado es la grabación en directo Kiko Veneno en La Carbonería, un miniálbum publicado a finales de 2025 que recoge siete canciones inéditas registradas en formato acústico.cEl proyecto funciona como adelanto de lo que viene: un nuevo álbum de estudio previsto para 2026, ya bajo el paraguas de Subterfuge Records, sello histórico del indie nacional. El fichaje marca una nueva etapa en su carrera, demostrando que Kiko no vive de aniversarios ni de homenajes, sino de movimiento. La grabación en La Carbonería no es un gesto nostálgico: es una declaración de intenciones. Canciones desnudas. Sin artificio. Sin armadura tecnológica. Solo voz, guitarra y verdad.

Regreso con memoria

Cuando vuelva a Badajoz, no será la primera vez. Pero sí será otro capítulo en una relación curiosa con la ciudad que tardó décadas en estrenarse. Aquella vez, en la vieja Sala Mercantil, decía sorprendido que era su debut en la capital pacense. Hoy regresa con más historia encima, más desencanto político, más claridad crítica… y nuevas canciones. No viene a celebrar nada. Viene a tocar. Y quizá, entre canción y canción, a recordarnos que el problema no es solo económico o ideológico. Quizá el problema —insiste— es que hemos confundido libertad con ego. Y mientras discutimos quién grita más fuerte, el mundo sigue girando hacia un lugar donde el silencio —el verdadero silencio— se ha convertido en un lujo. Por eso el teatro importa. Por eso la canción importa. Porque durante una hora y media, al menos, dejamos de decir “yo” y empezamos a escuchar.

Willy López / Félix Méndez

18 de enero de 2025
Club Conciertos Badajoz “vuelve al cole” con CAPSULA

Club Conciertos Badajoz “vuelve al cole”, desde la Terraza del López con CAPSULA.

Sera el próximo sábado 13 de septiembre a partir de las 21 horas.

Como viene siendo costumbre, la asociación cultural pacense retoma temporada con su concierto anual en la Terraza del López de Ayala, en esta ocasión disparan muy arriba y cazan a una de las bandas en activo más míticas del panorama alternativo nacional e internacional, traen a:

Capsula, explosivo grupo nacido en Buenos Aires, radicado hace años en Bilbao, ha trazado un camino único en la escena del rock internacional, su combinación de psicodelia y post-punk ha cautivado a audiencias de todo el mundo. Siguen siendo una banda que pasa por dejado de los radares de la big data, pero la inmensa mayoría que descubre a Capsula, se convierten en fans de su singular sonido y aprovechan cualquier ocasión de disfrutarla en directo. Más de mil conciertos abalan su trayectoria, ya tocaba que el público pacense tuviera la oportunidad de disfrutar en su ciudad de este demoledor power trio formado por Martín: Voz & Guitarra, Coni: Bajo y Álvaro: Batería. Presentan su último disco, grabado en los estudios de su propio sello discográfico “Silver Recordings”, titulado “Primitivo Astral”, trabajo que está causando sensación a nivel internacional, poniendo de acuerdo a prensa y radio especializada:

Rock & Folk (Francia): «Un rock sin equivalente en la actualidad”

Ruta 66 (España): «Es muy difícil asistir a un concierto y no salir abducido.»

Louder Than War (Reino Unido): «Impulsivo, hipnótico y vibrante.»

Turbo 3 (Radio 3, España): «Automatical Soul» entre las mejores canciones del año.

El tema «(In the Garden of) Narcissus» entre las 100 canciones favoritas de Diego RJ en 2024 en El Sótano de Radio 3.

Como previa y post a la velada del próximo sábado, estará pinchando en vinilo, “Toni Love” nombre de batalla de Antonio León, músico y buen melómano de la escena rocanrolera sevillana. Combina sus guitarrazos en “The Smoggers” y otras formaciones, con sus sesiones de pinchadiscos, en las que combina sonido años 50´s con High Energy pasando por el Beat o el Garage.

Inmejorables ingredientes para convertir la cita del sábado en imprescindible para almas melómanas habidas de sonidos originales, difíciles de disfrutar por estas latitudes.

Público (no asociados del Club): Entrada General: 12 € en taquilla o venta online del teatro. Asociadas/os del Club: Acceso nominativo por lista + 1 invitación.

10 de enero de 2025
¡Y venga murgas! …a un paso de la final

A través de los bafles del Teatro López de Ayala, una voz concupiscente anuncia la murga, no sabemos realmente de quién se trata, los aplausos ahogan el gorgojo inusitado de un imitador de famosos. Luces, algunos arrancan en oscuras, buscando el impacto late night show, otros con un punteo de guitarra cabalgan, turuta en ristre, a un pleonasmo murguero, otros y otras en cambio, simplemente se ponen a cantar. Pasodobles, popurrí y Montoyas. ¿Y eso es una murga?… Puede. Pero aquí el personal se pone el último día del carnaval del año pasado a currar, y mucho. Tipo, componentes, excomponetes, expulsadas, arrejuntados, idas, venidas, bombo, guitarra, letristas, artista, canción, quedadas, ensayos, deserciones, emociones, desilusiones, bodas, separaciones, nacimientos, esguinces bucales, fracturas vocales, contorsionismo familiar, decorados, atrezzo, quince tipas, quince tipos, rotaciones como un partido de los Lakers, audífonos, borrachera de estribillos, ensayos en privado, con público, con maniquíes, y se alza el telón. Eso sí puede ser una murga, al menos aquí, en Badajoz y alrededores, gente con ganas de poner un filito de sonrisa entre las comisuras de los labios, agotados de hablar de miserias. Es hora de escuchar, ver y soñar. Murgas del Carnaval.

Para llegar a las semifinales algunos y algunas quedaron atrás, ninguno y ninguna llora, gimen de alegría, pensando en subir a las tablas al año que viene. El humor cambia, como las generaciones y Eugenios, Gilas, Faeminos y Cansados dan paso a Pantomimos Fulleros, Joaquines Reyes y Susis Caramelos. El objetivo es reír y del analógico al digital se necesita un paso, quizá el IA ayude. Estamos a un golpe de la final, doce murgas, en ese rush final…carrera final…maldito chaGPT…pondrán todo lo que tienen para conseguirlo.

Semifinalistas

Los Camballotas

⁠Los Water Closet

⁠Dakipakasa

⁠Marwan Chilliqui

⁠Los Inmortales

⁠De Turuta Madre

Rimas y Leyendas

⁠

Al Maridi

⁠Las Chimixurris

⁠Los Chungos

⁠Los Lingartos

⁠Los Mirinda

27 de noviembre de 2024
Señoras y señores, niños y niñas…con todos ustedes los Finalistas de la Murga del Carnaval de Badajoz

¡Finalistas al escenario! Son seis murgas. Seis candidatos todos ellos a llevarse el premio gordo. Cada uno resaltando su mejor baza. ¡Buenas suerte a todos!

Rimas y Leyendas juegan en otra liga, no estamos diciendo que sean del plural mayestático, ni mucho menos que sufran como en una final el Atlético, todos son vacileos y letras para el menudeo, algo tienen estos murgueros que ni entendiendo algunas letras sofocan al mundo entero.

Water Closet, potentes, como siempre, juegan con el tipo, con las letras y con la ciudad. Un clásico de los que tendrán en el 2056, cuando los nietos de Menacho quieran, una plaquita en el paseo del Carnaval.

Los Chungos al poder y nunca mejor dicho. La realeza española toma la bastilla de su disfraz, no la francesa del regimiento de los Water, y nos acercan a toda una amalgama de personajes con cuplés directos al mentón.

Los Camballotas se tiran al barro, el agua está muy fría. Descarnados, divertidos, ácidos, buenas voces, buen rollo…carnavaleros que darán mucho que cantar a lo largo de los siguientes años. Suicidas a un palmo del Guadiana y de llevarse un galardón.

Marwan, son otro clásico, pero un clásico moderno esta vez. Los que vienen del IA sin tener que tirar del ChatGPT para escribir las letras. Popurrí y pasodobles que juegan con el tipo y la Inteligencia…artificial…de la gente…y el jurado.

Al Maridi. Al compás de una de las mejores orquestas de Europa. Lo tienen todo, cumplen con lo mejor de los requisitos para puntuar en todas las secciones. Desde el violín hasta el trombón. Otro clásico, embadurnados de música clásica, y con partituras reivindicativas, irreverentes y divertidas. Mereció la pena no poder hacer nada por ir a ensayar.

28 de febrero de 2024
47 Festival Internacional de Teatro de Badajoz

Si hay algo que caracteriza la selección de las obras de este Festival es siempre una preocupación porque el teatro se convierta en un espejo de la sociedad. Una mirada crítica, a veces corrosiva, de lo que ocurre a nuestro alrededor, devuelto de forma dramática para que el espectador no salga de la sala sin más. Para que tome conciencia de lo que sucede a nuestro alrededor. El teatro es siempre una llamada a la curiosidad, también a la crítica y cómo no, a la reflexión.

Son 15 días y 15 funciones, desde el 11 hasta el 26 de octubre. Además de las representaciones habrá un Taller infantil de luz negra a cargo de Katua & Galea Teatro; las Jornadas de debate ‘El proceso creativo en el teatro’ en el que esta muestra se convierte también en encuentro para los representantes de las Artes Escénicas de Extremadura, organizado por UAPEX, y una Clase magistral de la mano del autor y director de la obra El brote, Emiliano Dionisi.

En esta edición se estrenarán tres obras extremeñas coproducidas por el festival. All my enemies de El Avispero Producciones con Isabel Martín y Simón Ferrero como autores y protagonistas. Plantean a través de una narrativa contemporánea la manipulación mediática. Un ensayo sobre la confusión social que se desata ante cualquier acontecimiento que enturbia nuestro «estado del bienestar».

Vicky Luengo durante la representación de ‘Prima facie’.

El ocaso de una vieja gloria de danza estará presente en Invisible de la coreógrafa y bailarina María Lama que acompañada de su alter ego, una marioneta, hace vibrar su presente escurridizo.

En la misma línea, sobre el paso del tiempo, se encuentra En la otra vida, escrita por Miguel Murillo Gómez. Aborda el deterioro que el paso de los años va causando en los seres humanos, la pérdida de memoria y la huella ineludible de la vejez. Esta obra está protagonizada por Cándido Gómez.

También de nuestra región llega un texto de un joven autor, Miguel Murillo Fernández, que se atreve en Querido Darío a mostrar la cara más amarga de la exclusión social contra los homosexuales. La reivindicación contra quienes no respetan otra forma de vida, los sentimientos y el amor.

Prima facie aborda el acoso sexual. Su intérprete, Vicky Luengo, ha conseguido poner de acuerdo a crítica y público por la fuerza dramática de su interpretación. Dirigida por el peruano Juan Carlos Fisher, sitúa al público como improvisado jurado. Es una obra que ha multiplicado su fuerza dramática gracias a diversos sucesos de actualidad.

Y si hay una compañía cuyas obras perduran en el tiempo y tiene una cita ineludible en este festival es Kulunka Teatro que ha hecho del lenguaje silente de las máscaras una referencia en el teatro tanto nacional como internacional. En esta ocasión, Forever refleja con humor e ironía las paradojas del amor, la maternidad, la discapacidad y la incomunicación.

También hay un espacio para el teatro con un perfil más familiar. Para ello se ha programado La bruja rechinadientes donde la música y la aventura cobran vida en el escenario en un cautivador espectáculo de títeres cuya trama se desenvuelve en medio de sombras y claroscuros, a través de un viaje emocionante hacia lo desconocido. Mejor espectáculo de títeres en el Festival FETEN 2024.

La otra cita con el teatro para los más pequeños será en el Paseo de San Francisco en un espectáculo con tintes circense en Lullaby, un montaje que logró 11 premios en Panorama Circada 2023. Proyectan el más difícil todavía de una pareja de acróbatas que lo más complicado que tendrán que hacer no serán los mortales y las piruetas, sino la conciliación familiar.

La disección de nuestro pasado más reciente en Nuestros muertos. Una obra que pone sobre la mesa la violencia ejercida por dos fuerzas que marcaron profundamente la historia de nuestro país: ETA y el franquismo.

Varias compañías internacionales recalarán en la 47 edición del Festival. La danza contemporánea de la compañía portuguesa Quórum Dance Company nos plantea un escenario como un lienzo en blanco en Dragón cuyo autor, coreógrafo y director artístico, Daniel Cardoso es una referencia internacional.

Otra de las apuestas llega desde Argentina. Uno de los mayores éxitos de interpretación de la temporada teatral de 2023 en el país austral, El brote de Emiliano Dionisi, interpretada por Roberto Peloni. Trata temas universales y que de muchas maneras nos reflejan a todos: la vocación, la entrega, la frustración extrema, la salud mental, la depresión y todo en un tono de comedia.

La tercera opción internacional, y que además cierra el festival el 26 de octubre, será Mahmud y no solo Mahmud basado en el libro Partir para contar de Mahmud Troré y Bruno le Dantec de la compañía Punto Cero Company de España y Senegal. Cuenta una historia real a través de la palabra, la acrobacia y las canciones en directo. La historia de un joven senegalés que parte de su ciudad natal en busca de trabajo en el país vecino, se convierte en una pesadilla. Todo ello entorno a un talentoso equipo multidisciplinar que incluye a artistas de circo, cantantes y actores.

Cucaracha con paisaje de fondo viene precedida por dos grandes premios de las artes escénicas: Premios Max 2023 al mejor espectáculo y autoría revelación. Un rompecabezas bien hilvanado que utiliza el teatro como espejo para debatir sobre maternidad, la eutanasia o el aborto.

Tablas más tablas y el Teatro Español pusieron en marcha en 2023 la obra Carmen, nada de nadie, un éxito de la cartelera madrileña. Carmen fue la primera y única mujer que ocupó el puesto de jefa de Gabinete de un presidente de Gobierno y fue con Adolfo Suárez. Ahora Francisco M. Justo Tallón y Miguel Pérez García, con dirección Fernando Soto, estrenan una obra inspirada en su vida, casi, afirman, una tragedia griega.

27 de enero de 2024
Festival Internacional de Teatro de Badajoz «16 obras para emocionarse con las artes escénicas»
La edición de 2021 del Festival Internacional de Teatro de Badajoz viene marcada de nuevo por la pandemia pero con una novedad en la programación: el estreno de cuatro obras de teatro de compañías extremeñas que consiguieron las ayudas a la producción de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura. Se celebrará del 14 al 28 de octubre con 16 representaciones, una de ellas de calle.

Los conflictos sociales, familiares, de pareja, la homofobia o la exclusión social forman parte de los temas que abordarán alguna de las 16 funciones programadas para este año en el que no falta la huella que ha dejado en las compañías el confinamiento y la pandemia provocada por la Covid-19.

Las obras seleccionadas y que cuentan con un total de 75.000 euros en ayudas para la producción otorgadas por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura son: ‘Lo que nos debemos’, de Cómicos Crónicos Producciones; ‘El circo de la vida’, de Teatrapo Producciones; la obra teatral ‘La Vaca’, de Samarkanda Teatro, y ‘Tiovivo’, de La Escalera de Tijera y Z teatro/Zircus Animación. En cuanto a los precios, este año se pone a la venta un abono con un importe de 70 euros que permitirá el acceso a 14 funciones y las entradas tienen importes que oscilan entre los 6 y los 12€, con descuentos especiales para pensionistas, desempleados, miembros de FATEX y Carnet Joven.

Los abonos y las entradas para cada espectáculo se pondrán a la venta a partir del día 21 de septiembre.

Jueves 14 de octubre 21:00 h.

Lo que nos debemos

Autor y director: Juan Vázquez

Intérpretes: Camila Almeda, Pablo Mejías, Fernando Nieto, Luis Prieto y Guadalupe Fernández

Música y espacio sonoro: Chloé Bird

Compañía: Cómicos Crónicos (Extremadura)

Duración: 80 minutos

Habla sobre el irremediable paso a la edad adulta, la amistad, la soledad, el devenir del tiempo; y rinde un sincero homenaje a la figura de los maestros de escuela. Cinco pupitres de colegio ocupados por tres chicos y dos chicas. Son adultos, pero quizá no lo suficiente. Es posible que por eso aún estén ahí sentados. Este espacio onírico es un oasis de recuerdos comunes para estos compañeros de colegio que, tras años sin verse, pondrán a prueba su amistad durante el entierro de su maestra de primaria.

Coproducción Teatro López de Ayala y Cómicos Crónicos.

Viernes 15 de octubre 21:00 h.

Oh oh

Autores e intérpretes: Camilla Pessi y Simone Fassari

Directores: Valerio Fassari y Luis Spagna

Compañía: Baccalà (Francia)

Duración: 60 minutos

Oh oh es un fragmento de la vida de un par de actores, un absurdo paso a dos de la compañía de teatro física internacionalmente galardonada, Baccalà. Dos personajes, a la vez seguros de sí mismos y completamente perdidos, se topan en el escenario ante nosotros, como por accidente. Sin palabras, a través del humor, las acrobacias y el lenguaje universal del cuerpo humano, ambos se embarcan en un grotesco viaje de descubrimiento y transformación. El último espectáculo de Baccalà se asienta con firmeza dentro de la larga historia del Clown, actualizando sin distorsionar esa honorable tradición. Humor, acrobacias y música en un impresionante espectáculo de payasos lleno de poesía.

Sábado 16 de octubre 19:00 h. Espectáculo de calle

El gran circo de la vida

Circo-teatro-humor visual

De José F. Delgado

Dirección y dramaturgia: Javier Uriarte & José F. Delgado

Intérpretes: Cuca Cantillo, Javier Rosado, Lola Sánchez Carmona y Roberto Calle

Compañía: Teatrapo (Extremadura)

Duración: 60 minutos

Una fábrica en ruinas, de manera casual, da cobijo a cuatro supervivientes que deambulan en busca de vida y del lugar que les vio nacer: ‘Circus’. Una destartalada carpa en la que heredaron la maestría del viejo circo y el don de hacer felices a los demás. Una historia repleta de guiños al clown y a la comedia del arte con partituras sensibles y destrezas circenses.

Coproducción Teatro López de Ayala y Teatrapo y la colaboración del Ayuntamiento de Villanueva de la Serena.

Sábado 16 de octubre 21:00 h.

La máquina de Turing

De Benoit Solès, inspirada en la obra de Hugh Whitemore

Dirección y adaptación: Claudio Tolcachir

Intérpretes: Daniel Grao y Carlos Serrano

Compañía: Producciones Teatrales Contemporáneas (Madrid)

Duración: 95 minutos

En 1952 el profesor Turing presentó una denuncia por robo en la comisaría de Manchester. Este hecho no escapa a los servicios secretos, pues Alan Turing es el hombre que descifró el código nazi “Enigma” que los alemanes utilizaban durante la guerra para cifrar sus mensajes. El sargento Ross, encargado de la investigación, poco a poco va descubriendo a un hombre atípico y encantador del que se hace amigo. Alan Turing fue condenado por homosexualidad al rehusar defenderse por considerar que no era algo de lo que debiera disculparse. En lugar de cumplir condena en la cárcel, eligió la castración química, lo que le provocó unos efectos devastadores en su salud física y mental. Dos años más tarde se suicidaría.

Domingo 17 de octubre 21:00 h.

#QUEOSCUREZCA

Dirección y dramaturgia: 199 Danza Rodante

Intérpretes/bailarines: Cristina Rosa, Jesús Ortega, Juan Carlo Guajardo y María Lama

Músicos: Iván Sanjuán (percusión), Juan Manuel Moreno (Guitarra), Fefo (Cante) y Aboubacar Syla (Kora, voz y percusión)

Compañía: 199 Danza Rodante (Extremadura)

Duración: 70 minutos

#Queoscurezca (hasta que oscurezca con pronunciación y acento extremeño) es la unión de cuatro bailarines procedentes de diferentes estilos que fusionan sus lenguajes para hablar de la danza como un solo lenguaje universal. A través de diferentes piezas cortas de danza y la unión de ellas se pasa por diferentes emociones: Liberación, transformación, añoranza, búsqueda de identidad, miedo a la incertidumbre. Todo ello acompañado por un elenco de músicos que nos hacen viajar pasando por ambientes sonoros, yendo desde las raíces de la música flamenca hasta lo más profundo de la música africana.

Lunes 18 de octubre 21:00 h. Estreno

Tiovivo

Dirección y dramaturgia: Solo Yoni

Intérpretes: Lola Sánchez, Javier Rosado, Javier Uriarte y Roberto Calle

Músico: Isaac Gutiérrez

Compañía: La escalera de tijera/ Z Teatro (Extremadura)

Duración: 55 minutos

Una compañía de feriantes queda atrapada en mitad de la nada en pleno confinamiento. Ese cambio de rutina les hace plantearse su forma de ganarse la vida. Cuando la vida deja de dar vueltas, somos nosotros los que tenemos que darle una vuelta a la vida. Es entonces cuando toman la iniciativa de salir de su zona de confort y hacer aquello que realmente les hace felices. Coproducción Teatro López de Ayala y La escalera de tijera.

Martes 19 de octubre 21:00 h.

La Vaca

Always coming back

De José Antonio Lucia

Dirección: Eva Redondo

Intérpretes: Rafa Núñez, Juan Carlos Castillejo, José Antonio Lucia,

Compañía: Samarkanda Teatro (Extremadura)

Duración: 70 minutos

Tres Carniceros se esconden en un bosque que está cerca de su pueblo. El pueblo está invadido y ellos quieren liberarlo por medio de un ritual, sacrificando una vaca. Están comprometidos con cambiar la realidad de su pueblo y de su gente. Se enfrentan al estado de sitio. Los buscan. Quieren acabar con estos tres insurrectos. El sacrificio de la vaca es en realidad una búsqueda eterna de los personajes por encontrar el sentido auténtico. El reafirmarse en el “sí, quiero” frente al “sí, debo” de los moralistas. Huyen de eso que les han vendido por medio de la religión, que no del misticismo. Esquivan ese pensamiento inoculado por la educación, que hace que un pueblo se convierta en lo que es. Estos personajes son cuerpos que anhelan por encima de todo llegar a ser lo que son en realidad. Viven en la escena para mostrarnos ese acto sagrado de superarse a sí mismos. Son el garbanzo negro dentro de la olla, tiene su particular visión de todo. Confrontarán el método convencional que los tiraniza y de ahí surgirá el teatro.

Coproducción Teatro López de Ayala y Samarkanda.

Miércoles 20 de octubre 21:00 h.

Puños de harina

Texto, dirección e interpretación: Jesús Torres

Compañía: El Aedo Teatro (Andalucía)

Duración: 90 minutos

Después de otros monólogos como “La vida es sueño: el bululú” o “La Odisea”, Jesús Torres y la compañía El Aedo ponen en escena un nuevo espectáculo unipersonal, fruto de los procesos de investigación y dramaturgia que acompañan siempre a su trabajo. “Puños de harina” es una obra que reflexiona sobre el racismo, la homofobia, la violencia y la masculinidad.

El monólogo presenta dos historias en las que conoceremos, de forma paralela, a dos personajes relacionados con el mundo del boxeo y la cultura gitana: por un lado, la historia real de Rukeli, el boxeador alemán y gitano que desafió al mismísimo Hitler en la época de la Alemania nazi y, por otro, conoceremos a Saúl, un joven gitano que, en la España rural de los años 80, busca su identidad y se enfrenta a su familia.

‘Puños de harina’ es la historia de cómo Rukeli, Saúl y otros gitanos, lucharon, resistieron, murieron y sobrevivieron al Holocausto y a la sociedad, pero también es la historia de cómo algunos hombres se esfuerzan por encajar en el concepto ideal de “ser hombres de verdad”, en un contexto que los rechaza por su raza, su cultura o su orientación sexual.

Premio Teatro 2019 AutorExprés 2019 por la Fundación SGAE y Premio Nazario

2020 a Mejor Espectáculo del Festival Cultura con Orgullo de Sevilla.

Jueves 21 de octubre 21:00 h.

Dreaming Juliet

De Gonçalo Guerreiro

Dirección: María Torres y Gonçalo Guerreiro

Intérpretes: María Torres, Gonçalo Guerreiro, Marta Alonso, Nacho Martín y Miguel Paz

Compañía: Elefante elegante (Galicia)

Duración: 75 minutos

Inspirado en “Romeo y Julieta” de William Shakespeare para abordar la cuestión más esencial de la existencia humana: El Amor. Con un lenguaje visual asentado en el teatro de movimiento, en la música interpretada en directo y en la danza, DREAMING JULIET crea una poética universal de la pasión. En la pieza original, los protagonistas viven un amor prohibido e idealizado, condenado por las familias de ambos. Su intensa relación tiene una corta duración y un funesto final. Ahora imaginemos que Romeo y Julieta no hubiesen muerto y que el principal obstáculo en su relación no fuese la oposición de sus familias si no las adversidades de las rutinas del mundo contemporáneo.

Viernes 22 de octubre 21:00 h.

Hoy puede ser mi gran noche

Dirección y dramaturgia: Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez

Intérpretes: Noemí Rodríguez y Darlene Rodríguez

Compañía: Teatro en vilo (Madrid)

Duración: 70 minutos

Fiesta teatral, un pieza cómica y musical, un ejercicio de auto ficción que cuenta la fascinante historia de un cantante de orquesta en la Galicia de los 90 y sus hijas, cuya máxima aspiración es ser como su padre. En este espectáculo una actriz y su hermana músico en escena se despliegan en múltiples voces para hacer un emocionante viaje al pasado, a un mundo cargado de exotismo con el fin de entender esa extraña amalgama que resulta de lo que un día quisimos ser y lo que somos. Esta es una obra divertida, valiente y profunda, una celebración de lo que ya no está, lo que pudo ser y no fue, un canto a los perdedores, a los que nunca dejan de esperar su momento. Una historia emocionante, un relato desgarrador donde Teatro En Vilo vuelve a desplegar toda la elocuencia de su poética teatral, la irreverencia, la ternura y el humor para acercarnos a la batalla de una mujer que se pelea entre lo extraordinario y lo ordinario, la hazaña y la derrota, el deber ser y la felicidad verdadera.

Sábado 23 de octubre 21:00 h.

Ira

De Julián Ortega

Dirección: Dan Jemmet

Intérpretes: Gloria Muñoz y Julián Ortega

Compañía: La zona (Madrid)

Duración: 90 minutos

En plena noche, Dolores hace una llamada a su hijo Salvador para que vaya a hacerle una visita a casa; tiene algo urgente que contarle. Salvador, que va a ser ascendido al día siguiente, no está para grandes distracciones. Sin embargo, lo que su madre pasa a relatarle va a dar un brusco giro a sus vidas. ¿Era su padre su verdadero padre? Pero lo que más le atormenta a Salvador es: ¿Terminará su madre encerrada en un psiquiátrico o directamente en una cárcel?

Con un suspense salpicado de cierto humor negro, Ira trata sobre la desesperación y la ambición. Es una huida hacia adelante; una casa ya perdida en la que sus protagonistas luchan para no perderse más.

Domingo 24 de octubre 21:00 h.

Solitudes

Dramaturgia: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki Rikarte, Rolando San Martín, Edu Cárcamo

Dirección: Iñaki Rikarte

Intérpretes: Garbiñe Insausti, José Dault y Edu Cárcamo

Composición musical: Luis Miguel Cobo

Compañía: Kulunka Teatro (País Vasco)

Duración: 80 minutos

Una historia emotiva que habla de soledad y solitudes, reúne al mismo equipo creativo, los mismos productores y los mismos actores, creando un nuevo trabajo de teatro de máscaras que sin ni una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo. Un viaje por universos cotidianos que, combinando de forma magistral la gravedad con la sonrisa, conmueve, sorprende y emociona. Un anciano, cuya principal ilusión en la vida era jugar a las cartas con su mujer, enviuda repentinamente. Su familia, hijo y nieta, se hacen cargo de él. Pese a esforzarse de la mejor manera de la que son capaces, le atienden, pero no le acompañan. El abuelo no logra hacerles entender que lo único que necesita es compañía, aunque sea jugando a las cartas tal como lo solía hacer. Se siente tan desvalido que acaba saliendo a la calle a buscar con quien jugar encontrando como única compañera una prostituta primeriza. El descubrimiento por parte del hijo de la prostituta en casa desencadenará una serie de acontecimientos cruciales en la vida de estos tres personajes. Aparentemente una historia sencilla, pero repleta de metáforas y de reflexiones acerca de las relaciones humanas, la necesidad de afecto, la incomunicación y en qué medida nuestros prejuicios son capaces de imposibilitar la felicidad de otras personas y por supuesto la nuestra. Un conmovedor montaje de teatro de máscaras que ahonda en la soledad y la incomunicación familiar. En ella juega un papel imprescindible la música, compuesta por Luis Miguel Cobo, que obtuvo también el Max a la mejor composición original.

Premio Max al mejor espectáculo y mejor música en 2018.

Lunes 25 de octubre 21:00 h.

Superagujero negro

Dirección y dramaturgia: Ana Rosa Alegre

Intérpretes: Ana Rosa Alegre

Compañía: (Extremadura)

Duración: 60 minutos

El espectáculo se desarrollará con los espectadores sentados en el escenario con un aforo limitado de 80 personas. Descarnado monólogo escrito y protagonizado por Ana Rosa Alegre (intérprete de “Los Cañones” que inauguro el Festival de Teatro de Badajoz en 2003 y de “Dicen que es una secta, pero todos tienen tarjeta de compra”, estrenada en el Centro de Ocio Contemporáneo -COC- en 2006). El texto narra en clave de monólogo cómico- dramático las vicisitudes pandémicas de una mujer no tan joven que lucha por mantenerse a flote en la gran ciudad (Madrid). Acompañan sus peripecias unas jocosas e incisivas reflexiones sobre nuestro modo de vida, así como sugerencias para resolver dilemas afectivos y laborales.

Martes 26 de octubre 21:00 h.

Querido capricho

Dirección: Tomás Cabané

Dramaturgia: Tomás Cabané en colaboración con Tomás Pozzi

Intérprete: Tomás Pozzi

Compañía: Coproducción del Centro Dramático Nacional, Pedro Hermosilla y Malala Producciones (Madrid)

Duración: 65 minutos

Enamorarse de un hombre veinte años menor y encerrarse en una habitación a esperar su llamada puede parecer una salvajada. Esto puede convertirse en una vieja estampa de amor o en un punto de partida para empezar a desmitificarlo. Es una historia de ocho encuentros, con mezcla de recuerdos y canciones que se proyectan en una frágil correspondencia. No queremos ni un disfraz, ni una máscara, sino su esencia como mujer. Un salto constante entre el actor y el personaje. Ella se ha cansado de esperar y ya no cree en el amor como lo hacía antes, ahora lo ve como un simple capricho.

Querido Capricho nos habla de la espera, del miedo a que no vuelvan a decirnos te quiero, de un amor no correspondido, de un amor intergeneracional. El mundo de Amanda se ha quedado reducido a una habitación “sin puertas” y un perro que no deja de ladrar, Hércules. Esta espera es similar a la del personaje de Penélope o al de La voz humana de Cocteau. Sin embargo, en esta ocasión quisimos que hablara con sus amigas, las chicas. Que hable, con nuestra propia mujer. Dicen que el amor lo vence todo, pero es el tiempo el que vence al amor.

Premio Mejor Espectáculo Revelación 2020 (Madrid Es Teatro).

Miércoles 27 de octubre 21:00 h.

La cresta de la ola

Dirección y dramaturgia: José Troncoso

Intérpretes: José Bustos, Belén Ponce de León, Alicia Rodríguez y Ana Turpin

Compañía: La Estampida Teatro (Andalucía)

Duración: 80 minutos

Cada vez más acomplejada por el sueño inalcanzable de llegar ser “alguien”, y harta de un presente de fango y servidumbre, Victoria desea con todas sus fuerzas la vida de los demás: La vida de Stella. Es el día de la fiesta contra el hambre de los niños en el mundo. Victoria sirve mientras Stella baila. Es el día en que una “mágica oportunidad” intercambie sus vidas para siempre, haciendo que la una pase a ser la otra y la otra, la una. Para siempre. ¿Es oro todo lo que reluce? Intercambiadas sus vidas, Victoria vivirá en la cresta de la ola mientras Stella probará las mieles del desencanto junto a un marido, al que no conoce y que no entiende sus ínfulas de grandeza. En una casa que se le cae encima como una enorme montaña de tierra. Victoria, por su parte, se adentra en la trastienda del éxito más absoluto. Y no permitirá que nada ni nadie le arrebate lo que por fin ya es suyo. Qué más da. Qué más da todo: La una, la otra y los demás. Una gran ola se acerca. Una ola inmensa, que hará que tomen conciencia quienes la tengan y la pierdan del todo los que nunca la tuvieron.

Jueves 28 de octubre 21:00 h.

Los Remedios

De Fernando Delgado-Hierro

Dirección: Juan Ceacero

Intérpretes: Pablo Chaves y Fernando Delgado-Hierro

Compañía: Exlímite (Madrid)

Duración: 110 minutos

Los Remedios es un barrio de Sevilla construido en los años 50. En Los Remedios, dos amigos de la infancia se juntan para tratar de entenderse a base de representarse: a ellos mismos, a las personas que marcaron su desarrollo, al contexto social que forjó su identidad. Los Remedios es un viaje a lo que queda en el propio cuerpo: los gestos, los tonos, las posturas. Es una auto ficción autodestructiva hecha por dos personas desarraigadas que remueven la tierra buscando algo a lo que agarrarse. Es una genealogía teatral, que indaga en la necesidad de la representación y en su capacidad transformadora. Es una pieza sobre la amistad como respuesta frente al desconcierto. Todo ello aderezado de un humor corrosivo que se nutre de su profundo conocimiento del barrio sevillano y sus peculiaridades.

Finalista Premios Max Mejor Espectáculo Revelación y Mejor autoría Revelación.

TALLER DE CREACIÓN del 19 al 21 de octubre

La dramaturgia actoral y los procesos

de creación colectiva

Teatro en Vilo

Profesoras: Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez

Dirigido a actores, directores y dramaturgos

Este taller dirigido a actores/actrices, directores/as y dramaturgos/as es una oportunidad para acercarse a procesos de creación colectiva dónde el actor o actriz tiene un rol fundamental, ya que ha de generar y organizar el material escénico trabajando desde su individualidad, sus referentes y su visión del mundo. También es esta una oportunidad para que directores/as y dramaturgos/as desarrollen herramientas para provocar y organizar los distintos imaginarios y propuestas de los actores/creadores, al tiempo que vuelcan sus propias ideas en el proceso de creación. En este taller pondremos a disposición de los participantes una amplia gama de recursos físicos, coreográficos, dramatúrgicos y de improvisación que contribuirán a desarrollar el potencial creador de cada uno, así como a articular una visión artística y un lenguaje escénico propio; todo ello en un contexto único de colaboración y encuentro con otros creadores. Profundizaremos en la importancia del cuerpo y el movimiento como fuente de la imaginación del actor/actriz, creador/a y aprenderemos a ordenar la información en el espacio y en el texto dentro de un marco de juego, libertad y colaboración. CONTENIDO – Training físico -Análisis de movimiento en el espacio escénico. – Estudio de principios fundamentales para la construcción de estructuras dramáticas a través de ejercicios de movimiento y escritura. – Composición coreográfica y dramatúrgica. – Disparadores temáticos e improvisaciones guiadas. – Tiempo de ensayo y creación (individual y/o colectivo) – Feedback.

OBJETIVOS
- Redescubrir la relación actriz/actor, dramaturgo/-a, director/-a y replantear los roles en el proceso creativo.
- Implementar la autonomía creativa del grupo y los individuos, su compromiso, responsabilidad y generosidad.
- Desarrollar la capacidad de juego, imaginación e intuición artística.
- Generar disparadores creativos a partir de ejes temáticos y gestionar la información generada por los mismos.
- Integrar nociones de los procesos de creación colectiva y del trabajo en grupo.
- Estudio de la expectativa y tensión dramática como herramientas fundamentales en la construcción de historias.
- Conocer desde el punto de vista del cuerpo en movimiento los principios de construcción dramática.
- Practicar la relación entre movimiento e imaginación y su aplicación en la creación escénica y artística.
- Estudio del tiempo, ritmo y espacio como elementos fundamentales en el texto escrito y la puesta en escena.
- Que el alumno/-na sea capaz de vincular su trabajo con su contexto, a través de la observación precisa del entorno.
- Reconocimiento del cuerpo voz y de la personalidad creadora.
- Desarrollar la capacidad de relacionarse con un público en el “aquí y ahora”.
- Los diferentes modos de relacionarse con el espacio, percibirlo, moverlo y moverse en él.
LA COMPAÑÍA: TEATRO EN VILO

Teatro En Vilo es una compañía internacional de teatro afincada en Madrid y fundada en Londres en 2012. Teatro En Vilo funciona como plataforma para colaboraciones internacionales e interdisciplinares entre creadores de escena, artistas e investigadores provenientes de países de todo el mundo. La compañía persigue un constante diálogo con su entorno social, político y personal, lo que le obliga a constantemente renovar también su lenguaje escénico. Sus espectáculos, performances, eventos y talleres buscan situarse en la delgada línea que separa el teatro de la vida y la ficción de la realidad. Combinando lo improvisado y lo coreográfico, lo grotesco y lo autobiográfico, el humor absurdo y la comedia gestual, la ternura y la irreverencia, Teatro EnVilo se ha lanzado a la apasionante aventura de intentar desentrañar el tiempo en que vivimos. En nuestra voluntad de llevar el teatro fuera de los escenarios hemos desarrollado en los últimos años una batería de talleres y cursos que juegan un papel fundamental en la trayectoria de la compañía, pues sirven como exploración del teatro que queremos hacer y como otra manera de entender el proceso y la finalidad de nuestro trabajo.

PRECIOS

ENTRADA GENERAL

Butaca de patio: 12 €

Anfiteatro: 10 €

DESCUENTO CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX

Butaca de patio: 8 €

Anfiteatro: 6 €

ABONO GENERAL

Precio único: 70 € (14 funciones)

FUERA DE ABONO

– Sábado 16 de octubre Espectáculo de calle

Paseo de San Francisco

El gran circo de la vida

Gratuito

– Lunes 25 de octubre

Superagujero negro*

Precio: 8 €

* El espectáculo se desarrollará con los espectadores sentados en el escenario con un aforo limitado de 80 personas.

Venta de entradas y abonos

Taquilla del Teatro López de Ayala

De 12:00 a 14:00 horas

De 19:00 a 21:30 horas

A partir del día 1 de octubre la taquilla abre por las tardes de 18:00 a 21:00 horas

APERTURA DE PUERTAS

UNA HORA ANTES DEL ESPECTÁCULO
12 de abril de 2021
«Prostitución. Cuando el teatro pone a cada uno en su lugar»

España es la capital europea de la prostitución. Es así como arranca la obra que dirige Andrés Lima. Nada de alegatos, un croché directo a los que ocupan las butacas de la sala de teatro, un texto que desconcierta, nos abofetea, nos hace pensar, malpensar, repensar, llorar, encogernos el alma y sonreír, aunque de esto último poco. Es un tema muy serio. Ya lo dice el texto, Nathalie Poza vomita datos al poco de subir el telón, la cruda y hedionda realidad. “El consumo de la prostitución en España solo es superado por Costa Rica y Tailandia, hay 100.000 mujeres ejerciéndola, el triple que dentistas», y de ellas el 90% son extranjeras; están censados 1400 locales de alterne y el gasto medio anual de sus clientes es de 1500 euros, «más que en frutas y verduras».

Quince el francés y 20 el completo, necesito ganar dinero para mantener a mis hijos dice Poza, sin nómina y sin derechos comenta la maravillosa Carolina Yuste ejerciendo de Lucía, la estudiante de derecho…A nadie le gusta la vida de puta, afirma Carmen Machi en su papel de travesti.

Lima-Boronat nos meten de lleno en un texto elaborado a base de dureza narrativa, juego de personajes magníficamente imbuidos por Machi, Poza y Yuste. Todo un lujo en el panorama teatral.

Para sus autores Prostitución es un espectáculo que se basa en un proceso de exploración sobre la prostitución. Un tema que nos hace plantearnos muchas preguntas, y en diferentes planos, sobre nuestra visión como ciudadanos, como seres humanos y como artistas con la voluntad de reflejar nuestra sociedad. Dan voz a sus protagonistas, las prostitutas. Hablan con ellas, entran en sus clubes, las acompañamos en sus calles. Se trata de iniciar una investigación documental de la que beberá un grupo de artistas–actrices, con el propósito de comprender esta realidad y de plasmarla en una obra teatral. El espectáculo nace en la calle y se mueve hasta el escenario. El espectador vive esta experiencia. Deseo, necesidad, secreto, violencia, ternura, dolor, placer, compañía, pagar por sexo, cobrar por sexo. La experiencia de la prostitución, ponerse en su lugar, subirse a sus tacones, correr el riesgo, comprender.

El tema: la Prostitución. El problema: la trata, tráfico y explotación sexual de mujeres y niñas (y todos los que se derivan de ello: inmigración ilegal, drogas, violencia de género, etc). Las bases del problema: la mercantilización del ser humano. La Industria alrededor de la venta de sexo, la industria de placer. Placer, otra palabra en la que detenerse. Y el dinero, siempre el dinero. Tres actrices: Carmen Machi, Nathalie Poza y Carolina Yuste, comprometidas como mujeres y artistas se sumergen en un mundo lleno de controversia. Abolición, legalización, estigmatización, prejuicios morales, culturales, religiosos e intereses económicos y políticos hacen de la prostitución un tema transversal en nuestra sociedad, que a todos nos afecta y que muchos desconocen. Todo nuestro equipo artístico tratará de acercar al público su voz, su emoción. Desde la entrevista a pie de calle hasta la música en directo nuestras prostitutas alzarán esa voz.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

2 de marzo de 2021
Marlango «La banda sonora de una película que no existe»

Leonor Watling hace de todo y casi siempre bien. En el cine, sin inmutarse nos hizo acariciarle la piel, hablamos con ella desde nuestras butacas, una paciente en coma al que gritábamos en silencio cada vez que se acercaba Javier Cámara. También la vimos de refilón en Farmacia de Guardia, pocos capítulos al mando de Mercero, lo justo para hacerse un hueco y buscar sitio entre Raqueles. A Leonor la tenemos en Spotify, Youtube, Vimeo y en las apps más tradicionales de nuestro panorama musical, una humilde aplicación denominada como Escenarios, Garitos y Salas de este país. A Leonor Watling le da por entrevistar y ejerce de periodista de una manera tan natural que a veces cabrea. Hace bien poco presentó el late night de Buenafuente, y en ese espacio lleno de focos, público expectante y entrevistado indolente, la actriz y cantante no se arruga, pregunta, pregunta, pregunta y luego pum, dispara una sonrisa. Pero si nos remontamos al año 2013, la cantante de Marlango entrevistó a Tom Waits, cosas de la vida, una entrevista telefónica, un “phoner” como nos dice año tras año el manager de su pareja y también cantante Jorge Drexler. En esa entrevista Leonor rescata el motivo del nombre de su banda, una errata de dicción que Alejandro Pelayo, Óscar Ybarra, ausente desde el 2014, y ella llevan con dignidad en sus seis discos paridos. Queda poco para actuar y el frío nos deja arrecíos en el ensayo, bajar a tocar al sur tiene estos errores de cálculo meteorológicos, piano afinado, chelo afinado, voz afinada, mucho de cine negro… «I wish I was in new Orleans» y algún sitio para comprar una prenda con esencia de picón.

La primera pregunta es obligada ¿Cómo habéis venido? En tren no…

[Ríen]…Leonor Watling– Me dio risa, pero de coraje, al ver la imagen del mapa del AVE den España. No hay quien entienda algo así para esta región.

Queremos saber algo de vuestro último “hijo musical”…contadnos algo de “Technicolor”.

Leonor Watling– Pues mira una vez que encontramos nuestro sonido en español como que ya no nos encontramos en inglés. Fue un proceso muy largo, tardamos muchos discos, hicimos versiones pero hasta que yo encontré como letrista mi voz en español y como cantante el sonido de Marlango en español pues tardamos pero una vez que has cambiado ya es como cambiar de instrumento, es muy difícil. “Technicolor” se le ocurre a Alejandro y la idea al principio era hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe, que es lo que pensaban en los 60 que eran los 40, lo que pensaban los 50 que eran los 30, ese color que es como el color de las polaroid. También es como un guiño hacia esta cosa de que nos creemos los más modernos con nuestros filtros Valencia en Instagram y llevamos un siglo haciendo eso. Lo que pasa es que al final como van a las canciones, son diez canciones que no son una historia, son diez canciones que cuentan diez historias distintas y cada una es un género, pero nos gustó mucho esa sensación. Sonoramente también no hay nada previo, es todo viento, cuerda, piano, batería y voz…no hay nada eléctrico.

¿Cómo componéis Alejandro? ¿Cómo unís vuestras letras y sonidos? ¿Cómo llegáis a sacar discos y canciones?

Alejandro Pelayo– Cada uno hace como sus deberes en separado y privado y lo que hacemos cuando nos juntamos es ponerlo como en común, enseñarle al otro y buscar un lugar donde no se sepa muy bien que ha traído cada uno. Cuando se mezclan las palabras con la música entra el inicio y el reto también de escribir alguna canción que no hayamos escrito de ciento y pico que hemos escrito juntos estando como la familia que pertenece cada canción, como las cartas esas de “la familia esquimal” “la familia india” y tenemos como familias de canciones y buscamos .No somos tampoco tan versátiles como para hacer cualquier cosa, entonces lo que nosotros hacemos es que vamos buscando el elemento extraño y a ese le prestamos atención y luego muchas veces tenemos que juntar varios elementos extraños para construir una canción, o sea las canciones acaban siendo trozos de muchas ideas pequeñas que hay que desarrollar y trabajar para convertirlas en una estrofa, en un estribillo o en un puente un poco Frankenstein.

Technicolor” es hacer una banda sonora de una película que no existe. Contar una historia de principio a final con esa premisa de ese cine que en realidad no existe

Existe la tendencia a creer que la parte creativa de la composición de la música surge sólo escuchando más música ¿Cuál es vuestra influencia y la manera de que os vengan ese tipo de letras y canciones? ¿Cuáles son esas pequeñas influencias que os van nutriendo en este sexto disco?

Alejandro Pelayo– Todo suma, eso está claro, pero yo creo que no hay nada como el escenario, el caldo de cultivo para lo que nosotros hacemos está en el vino, está en los días que está la comida, está en los amigos, está en el paso del tiempo. También acudimos mucho a la música para abrazar al presente pero el escenario te da como una hora y media de un subidón muy íntimo y poderoso que al día siguiente lo pagas como una fiesta, lo pagas cuando estás volviendo y lo pagas ese tiempo entre semana de conciertos, mientras estás esperando a que vuelva a llegar el escenario…eso es un caldo de cultivo para nuestra inspiración musical.

¿Si no tenéis esas sensaciones es muy difícil sentir esa emoción?

Leonor Watling –Esto es como los resfriados, nunca sabes muy bien donde lo has pillado, a veces sí lo tienes muy claro y dices Buah, ayer me descuidé en el tren, pero normalmente lo vas incubando y un día estás con fiebre. Realmente es una mezcla de muchas cosas.

Alejandro Pelayo– También la vida cotidiana es el esfuerzo de acostumbrarse a la vida cotidiana y de no acostumbrarte al escenario y al revés cuando estás de gira echas de menos el otro lado, lo que te falta, eso acaba provocando mucha música. Nuestra añoranza de casa cuando estás lejos y estar harto de casa cuando estás en casa, bueno cada uno lo traduce a su cuaderno con su lenguaje pero es necesario para las canciones.

Es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público

Vuestro estilo de música perfectamente se adapta a un teatro como este pero también a una pequeña sala por vuestro envoltorio musical, por vuestras canciones, por la sonoridad e incluso por la vestimenta, pero ¿Dónde os encontráis más a gusto?

Leonor Watling -En el cambio, las canciones cambian mucho según donde las toques y yo creo que nos alimentamos mucho de eso también. En verano en un escenario enorme al aire libre tocas de una manera, aquí de otra, en una sala más pequeña de otra y eso es lo divertido. También si solo estás en un nicho yo creo que es más aburrido, esto te hace tener que cambiar todo, a mí lo que me divierte es eso si siempre fuera una cosa muy íntima o siempre fuera una cosa muy grande. Creo que al final te acostumbras pero al estar cambiando todo el rato tienes que estar muy atento, estás un día en un sitio pequeño cantando como si estuvieras en la proa del Titanic [Ríen].

Desde que empezasteis ¿Os planteabais estar en el 2019 actuando, cantando y haciendo esta música?

Alejandro Pelayo– No, porque como nunca hubo un plan más allá de lo que iba pasando de una forma inmediata, pero esa inmediatez nos ha ido llevando de un punto a otro y se ha convertido en una forma de estar bien ocupado. No lo hacemos por ninguna otra razón que porque nos hace bien en eso que hablábamos del equilibrio entre la vida cotidiana y la vida profesional que en nuestro caso es otra que no se ve, hoy no es un día de trabajo en nuestra cabeza. Cuando tenemos que ir a tocar no lo asociamos con ir a trabajar porque trabajar es otra cosa. Eso nadie en su sano juicio lo abandona, lo cuidas y lo proteges. Son las canciones las que van tomando decisiones como ejecutivas, decisiones que tiene que ver con el calendario, con los presupuestos, con cosas que en otros trabajos tiene que decidirlo el jefe, aquí lo decide la música y nosotros a lo que si estamos atentos es a esto no lo vamos a poder pagar ¿Cómo lo hacemos para poder estrenarlo? No hay mucha decisión intelectual.

Habláis de recorrido musical, de vuestros seis discos pero ¿Cómo se encuentra la salud de la cultura musical?

Alejandro Pelayo– Yo creo que es un momento muy bueno, justo hace 14 años era un momento muy interesante y pasaban muchas cosas pero no fuimos responsables, no estuvimos atentos todos, los músicos, los que se tienen que encargar de transmitir la música al público y el público. Y ahora tengo la sensación de que se está volviendo a dar eso de que hay mucha música distinta de calidad y funcionando y han pasado cosas en 14 años que hacen que aunque los medios no lo estén haciendo muy bien, la gente accede a esa música. Siempre cargo con vosotros pero es que estamos todos en el mismo barco, también es responsabilidad nuestra, de los músicos y como público también al prestar la atención, cuando vas al supermercado no le das a tus hijos de comer cualquier cosa ni todos los días lo mismo. Hay que prestarle atención a la parte que te alimenta el alma, hay mucha música y un público muy activo y responsable de lo que le gusta.

Leonor Watling– Yo sí que veo un público muy activo, bastante responsable de lo que le gusta, gente que cuida su entorno musical y trata de apreciarlo y darle mimo. Eso ha hecho que surjan grupos tan buenos como Vetusta Morla, Izal o Zahara. La industria no les hubiera dejado, era muy fuerte y ahora la cosa está más abierta. No vamos muy rápido pero vamos a mejor.

Tenéis muchos vínculos con el resto de músicos y soléis colaborar con ellos ¿Qué os aportan músicos como Coque Malla?

Leonor Watling -Pues yo creo que cuando escuchas la canción, hay algo que te lleva a la voz de ese intérprete y ese es el caso de Coque en nuestro disco. Es maravilloso, es un sueño, es como ser director de una película y tener al mejor actor porque esa canción nos costó mucho, le dimos muchas vueltas y Coque se la llevo a donde queríamos que estuviera. David Aguilar, que colabora en otra canción, hace que la canción sea mucho más amplia porque si es una voz solo la que está cantando eso es una versión, pero al tener dos voces estas escuchando dos historias que cuentan algo más profundo.

Alejandro Pelayo– El problema es que podríamos hacer una lista muy grande de gente con la que nos gustaría colaborar pero luego no tienes las canciones para estar a la altura del personaje al que te gustaría invitar entonces cuando tienes algo que consideras que puede estar bien pues no dejas pasar la oportunidad. Tenemos pendiente a gente muy buena como Depredo, Cristina Rosenvinge, Iván Ferreiro, Santiago Userón, Jacobo Serra, xoel López, Vetusta…pero falta la canción.

¿Cuándo viajáis os lleváis algo de la región?

Leonor Watling – [Ríe]…productos de la tierra muchísimos, porque forma parte también de ese viaje fin de curso…[Ríen]. De cada sitio en el que tocamos nos llevamos el dulce típico artesano o algún alimento así, aquí en concreto volvemos con buen embutido y mucho vino.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez | Colaboración. Marta Antúnez

1 de marzo de 2021
Programación Primavera del Teatro López de Ayala

El López de Ayala, con la intención de mantener una programación estable, ha programado para los meses de marzo, abril y mayo cerca de 50 espectáculos que abarcan teatro, música, danza o proyecciones cinematográficas. Algunos de los que se realizarán en estos meses están reubicados debido a que la pandemia obligó a aplazarlos de 2020 a 2021 y otros forman parte de la programación habitual del López que va renovándose mes a mes.

En el apartado de teatro, obras como A mi no me regales flores, con motivo del Día de la Mujer, la comedia La isla de los esclavos de la compañía extremeña Las 4 esquinas producciones el 13 de marzo o Mentiras inteligentes protagonizada por María Luisa Merlo, son las funciones que se realizarán en marzo. En abril, nombres de la escena española tan reconocidos como José Sacristán en Señora de rojo sobre fondo gris de Delibes o Pepe Viyuela en Esperando a Godot de Beckett pisarán las tablas del López los días 9 y 17 de abril, respectivamente.

Tito Andrónico de la compañía extremeña Teatro del Noctámbulo completan la agenda en este apartado del próximo mes en el que no falta el Teatro en Familia con Payasos bailarines. Mayo viene cargado de nombres importantes de la escena española como María Galiana y Juan Meseguer, que protagonizan El abrazo, dirigida por Magüi Mira; Proyecto Cultura estrena Conquistadores y Jorge Javier Vázquez protagoniza Desmontando a Séneca.

La música, un apartado tan importante en el López está representado por artistas como Gene el 6 de mayo para presentar su primer disco en solitario GeneSIS o grupos extremeños como Aulaga Folk el próximo 12 de marzo, o Javato y los disfrutones el 30 de abril.

Entre los grupos nacionales que nos visitarán destacan La habitación roja o Los Secretos que ofrecerán conciertos el día 16 y 23 de abril. Por su parte, Antílopez, que finaliza su gira de Dibujo libre este año lo hará el día 22 de mayo o Funambulista, el 29 del mismo mes.

En el apartado de flamenco varios espectáculos muy diferentes: en danza Batalyaws, la historia de Badajoz contada con la mirada del flamenco protagonizada por Antonio Canales y Diego y Pilar Andújar el 26 de marzo; la pianista y cantaora María Toledo vuelve a Badajoz el 10 de abril y el 8 de mayo el cantaor Lin Cortés presenta en Badajoz su último disco titulado Gitanerías.

Otros conciertos serán los organizados por la Sociedad Filarmónica de Badajoz como el Ciclo de Música Actual en marzo o los que integrarán el Festival Ibérico de Música en mayo. Además, habrá un Tributo a Queen el 19 de marzo; Nando Juglar ofrece un espectáculo con artistas cubanos invitados el 8 de abril y también habrá conciertos de la Banda Municipal de Música de Badajoz los días 11, 21 y 28 de marzo, además de los de abril y mayo. En el apartado de cine el ayuntamiento de Badajoz ha retomado la programación del Cine Club con la proyección de 5 películas en los próximos meses.

10 de enero de 2021
Tita Iacobelli y su Chaika «El milagro de animar marionetas»

Un milagro, puro milagro. Así nos saludaba el director del Teatro López de Ayala, Miguel Murillo, en los minutos previos de la primera obra del Festival Internacional de Teatro de Badajoz. En breve se subía el telón a un sinfín de dudas Covid y a una amalgama de sensaciones volátiles. Toma de temperatura, espectadores pares e impares y desbroce de butacas con el cincho puesto, en cierta manera, un vacío homenaje a los que ya nunca podrán ir a disfrutar de una obra en el teatro. Nos quedamos con el milagro, con los nervios de sentir teatro durante muchos días. La cultura, milagrosamente alimenta, el alma de unos cuantos forajidos sedientos de arte escénico, y las obras siguen su curso, dando de comer a los desarrapados hambrientos que viven, vivimos, en las chabolas de la cultura, un milagro, al estilo De Sica, un puro milagro a la extremeña, como acertadamente nos decía Murillo.

El festival no conoce de fronteras, es internacional, los vínculos entre las compañías, dramaturgos, actores y autores es constante y vital. El riesgo de presentar una propuesta de marionetas de origen chileno, ruso y belga en Extremadura no es tal. Es un apéndice obligado para seguir creciendo como teatro. En ello estamos. Y con ellos, ella, hablamos. Tita Iacobelli es todo lo anterior. Chaika lo posterior.

La actriz y directora chilena Tita lacobelli y la marionetista Natacha Belova se conocieron en el año 2012, en Santiago de Chile, en el marco del Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, crearon un laboratorio para investigar en torno al teatro de marionetas contemporáneas en la misma ciudad. Al final de esta experiencia de dos meses, deciden crear un espectáculo juntas. Chaika es el primer espectáculo de la compañía. El proceso de creación duró tres años y cuatro residencias entre Buenos Aires, Santiago de Chile y Bruselas. En esta ocasión tocando suelo español. Iacobelli, nos espera a los pies del escenario, mientras los focos invaden el decorado y el sonido se pone a punto. La cogemos revisando el texto en una mano y con los cabellos oscuros de Salvador, su hijo, en la otra. Dulcemente y con marcado acento chileno, nos saluda, buscamos un espacio abierto y limpio para charlar de todo, menos de teatro por un largo rato. Chejov y su gaviota mediante.

¿Acabas de impartir los talleres que se realizan paralelamente al festival? ¿Cómo ha sido la experiencia?

Ha sido muy buena. Había profesionales y amantes del teatro y de las marionetas y siempre esa mezcla es muy interesante porque en estos talleres uno aprende mucho, de los compañeros siempre se saca algo nuevo. Lo que intenté transmitir en el taller fue pasar y compartir los principios básicos de la animación de marionetas, técnicas simples para poder animar un objeto y que los participantes pudieran ver a través de los ejercicios que hacían sus compañeros, lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros. Realmente es como un doble de uno mismo…

…ya lo hacían en los Pupi sicicilanos o los Bunraku japoneses, dos en uno, hasta que pierdes la noción de la existencia del animador…

Cierto, son dos personajes, ambos forman del papel, a diferencia de la marioneta de dedo o títeres, es que nos permite hablar de la dualidad, nos hace enfrentarnos ambos a la obra, una especie de espejo que provoca preguntas al espectador. Este tipo de marioneta tiene la capacidad de vincular al espectador con lo que le está pasando, en cierta medida está interpretando a ese personaje, al carecer la marioneta de organicidad y ver reflejados en ellas todo lo que le sucede a diferencia de un actor.

¿Cómo se trabaja con un elemento como la marioneta en el escenario? ¿Cómo se traspasa a la actuación el elemento que hay que animar y como se trabaja la doble presencia, tanto de la marioneta como de la actriz en este caso?

La marioneta, en este caso Chaika, es el personaje principal, entonces yo estoy en un segundo plano, a veces intervengo con ella y tenemos diálogos que me permite manejar los dos planos de la actuación.

Lo expresivo que puede llegar a ser, las lecturas que puede llegar abrir, esto de estar animando una marioneta que es del mismo tamaño que nosotros

¿Cómo llegas al teatro de las marionetas? ¿En qué momento traspasas esa barrera de la actuación clásica?

Fue un poco casual mi llegada a este mundo. Tengo la formación de actriz clásica y mi recorrido no estaba relacionado con las marionetas pero tras la separación de una compañía chilena muy famosa, La tropa, una parte de la compañía liderada por Jaime Lorca empezó a gestar una nueva formación que se dedicó al teatro de objetos y marionetas. Y tras entrar directamente en su primera obra, Gulliver, y manipular las marionetas y controlar las voces, sentí una especie de amor a primera vista. Esta fuerte intuición me llevó a proyectar los que yo quería decir a través de la marioneta y quedarme en un segundo plano. Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa.

¿Por qué Chaika, por qué la gaviota de Chejov?

Chaika es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar ella sola en la gaviota de Chejov como función de despedida de su carrera. Natacha Belova, la otra parte de la compañía, es rusa, su padre era actor y director de un teatro en Rusia, la dramaturgia y Chejov lo llevan en la sangre. Necesitábamos esta obra. No sabíamos como montarla, sólo teníamos la certeza de que yo iba a representarla con marionetas. Y tras analizar la obra, el tema de la dualidad es muy fuerte, la actriz joven y la actriz vieja, el éxito y el fracaso, y al hablar de teatro, la ficción y la realidad. Es una obra de teatro y de mujeres en el teatro, de la angustia y el placer de hacer teatro, entonces nos identificaba mucho y al tener ese complemento dual, decidimos crear una marioneta de mí pero anciana. Natacha tomó mi rostro, la creadora de la marioneta, y nació Chaika como protagonista total de la obra.

Si te conectas con tu marioneta tan fuertemente tus vísceras están con ella, te permite alcanzar al público de una manera más rápida y puedes contar infinidad de cosas de manera directa

¿Cómo es el público en los países sudamericanos respecto al espectador belga, francés y del norte de Europa?

Como Chaika nació en Chile, y este personaje de la anciana, aun estando en todas las culturas, la mujer vieja, la abuela, la madre, la matriarca, está en la sociedad sudamericana muy arraigada, muy presente. Chaika está chilenizada y el público engancha muy bien, porque conocen a este personaje muy bien. Se identifican muy rápido con la protagonista, hasta ríen con las desgracias que le pasan. En Bélgica la respuesta es más formal, más contenido. Contemplan más, observan sin interrumpir y guardándose en cierta medida hasta las emociones.

¿Cómo está pasando la factura del Covid a tu profesión, al teatro?

Nosotros decidimos venir a Bélgica para establecernos, en Chile la pandemia llegó más tarde y ahora está todo cerrado, empieza a moverse algo con alguna sala de teatro, pero no hay actividad. En algunos festivales los grupos grandes han tenido que suspender por casos de contagio y están disminuyendo el número de actores para evitar los positivos. Nosotros tenemos poco atrezzo y nos permite movernos de un sitio a otro con un par de maletas, es un teatro que no requiere tanto equipo y eso ayuda para seguir trabajando en nuestra profesión. Acá somos poquitos.

Willy López | Fotografía. Chaika / Compañía Bellova-Altobelli

21 de agosto de 2020