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  • Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Hay protagonistas de la cultura a la que sólo podemos rendir pleitesía, por su grandeza, por su sabiduría y sobre todo, y no suele fallar, por su generosa humildad. La bailaora Cristina Hoyos, como no podía ser de otra manera está en esa lista. Su sola presencia merece parte de nuestra profesión. Nos toca escuchar, ver cómo trabaja, deleitarse en sus movimientos que llevan cosidos en su piel. Cristina nos dice con franqueza el estado anímico de la cultura, las suturas que hay que solapar para apoyar a los artistas en estos tiempos tan sangrantes, pero sobre todo nos manda un mensaje de esperanza, el mismo que utilizó cuando sufrió cáncer de mama…Me ha tocado, pensé, pero no tuve miedo. Pensé en mis hermanas, en la mayor, Dolores, que murió, pero enseguida me dije: ha habido suerte de que me haya tocado a mí, que soy la más fuerte de todas ellas. Así que al momento, dejé a un lado todas las lamentaciones y dije: vamos p’alante, a solucionarlo

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    Cristina Hoyos tiene algo de extremeña en la sangre, las raíces de Extremadura se nutren del manto andaluz, la tierra que riega con cariño, artistas y empresarias del flamenco como ella. Amistades, colaboraciones como el La Ciudad Encendida de Turismo de Badajoz y homenajes, como el recibido en la segunda edición del Aula de Flamenco de la Diputación de Badajoz.

    Raza, baile, danza, mujer y flamenco. La combinación que hace de Cristina Hoyos una de las más grandes artistas del panorama nacional.

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    Antes de nada Cristina ¿Cómo estás?

    Estoy bien, he pasado el confinamiento bien, la familia bien.

    ¿Cómo ha caído este duro panorama de futuro con la pandemia en tu entorno laboral?

    Mal. Tenemos el Museo de Baile Flamenco en Sevilla, y los gastos se siguen generando, pero no hemos podido hacer nada y cuando se han reactivado las actividades ha tenido que ser a medio gas. Los compañeros, que conocemos desde hace mucho tiempo, bailaoras, bailaores, guitarristas, cantaoras, cantaores, pues de la noche a la mañana que vivían al día, se han quedado sin nada. Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel.  En el flamenco está todo muy mal. Nos hemos unidos algunos empresarios del sector para pedir ayudas.

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    Habéis abierto la puerta de la impronta internacional a muchos artistas de todos tipos de disciplinas…

    Llevamos la marca España por todo el mundo, yo por ejemplo desde muy jovencita, llevo viajando por muchos países defendiendo nuestra cultura. Nuestra generación ha abierto muchas puertas y muchos teatros.

    Y lo habéis logrado con la danza flamenca, el baile…

    …Efectivamente, internacionalmente es conocida por el baile. Los espectáculos desde el inicio son de baile, el añadido de grandes cantaores y guitarristas han potenciado aún más ese conocimiento en medio mundo.

    Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel

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    Y en medio mundo se conoce tu especie de talismán, la Habanera de Carmen…

    Mi relación con “Carmen” se remonta a mis inicios, desde casi que empecé a bailar. Yo empecé con clásico español, el piano siempre presente, y bailamos con música de Falla pero también con la Habanera de Carmen, y yo salía en el teatro San Fernando en Sevilla enamorando al público con todas mis fuerzas. Fue un presentimiento de que la iba a hacer muchas veces. Y así fue, con Antonio Gades, estuve muchos años con esta pieza en el teatro, hicimos la película con Carlos Saura, muchas coreografías con la ópera, hasta hacerla en esta tierra extremeña, en Badajoz. La “Carmen” me ha perseguido durante mucho tiempo…o yo a ella…[Ríe].

    Tu relación con Extremadura es constante…

    Desde hace muchos años, por mi trabajo y mis amistades. Jesús Ortega tiene mucha culpa de ello, vengo casi todos los meses. Yo le animé a montar una escuela de flamenco de baile en Badajoz, se le da muy bien la enseñanza, y es un gran profesional. También acudo a las aulas de flamenco que se están organizando en la región y a recibir halagos, eso gusta a todo el mundo… [Ríe]

    Halagos y gran repercusión con la toma artística en París hace muchos años, casi los pioneros…

    Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev, que sólo quería programación clásica, pero luego estaba otro técnico, un programador que me había visto bailar con Gades que fue el que verdaderamente se empeñó en que saliese adelante nuestro espectáculo. Fue un éxito, y sobre todo un logro que pusiéramos de pie a un público que sólo apreciaba la danza clásica.

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    Vuestra profesión, de bailaores, la lleváis en la piel, como una capa que no se puede quitar…

    …nosotros tenemos el mismo lenguaje del baile pero sobre todo tenemos amor por el baile. Es muy sacrificado, muy duro, muy repetitivo para conseguir lograr que todo salga bien, es ahí donde sale nuestra verdadera piel, nuestra pasión por el baile. Yo se lo digo a todos los alumnos, tenéis que tener la necesidad de bailar, sino no bailes.

    Cristina ¿Cómo fueron tus primeros pasos?

    Mis inicios no te los puedo contar alegremente, porque he pasado fatigas de todo tipo. No tenía dinero para ir a una escuela, no tener ni para hacerme vestidos y zapatos. Mi hermana mayor empezó a trabajar muy pequeña y me ayudó mucho, veníamos de una familia muy humilde. Pero yo lo tenía muy claro, llegaba de la calle, del colegio, ponía la radio y me ponía a bailar. Con trece años ya bailaba por los pueblos, y antes de cumplir los dieciséis, como profesional ya estaba en un tablao en Sevilla. Antes la bailaoras eran hijas de guitarristas y cantaores y estaba mal visto o no se entendía que sin tener antecedentes o raíces flamencas, yo pudiera trabajar de bailaora…recuerdo que mi madre tenía que acompañarme a casa para evitar malas lengua…otros tiempos.

     Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev

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    ¿Hay pasión por la cultura flamenca en esta ciudad?

    Badajoz ha crecido culturalmente, cuando yo llegué de Madrid hace muchos años, sólo teníamos la referencia de todos los buenos artistas que estaban en la capital, Porrina de Badajoz que lo escuchaba mucho en el Corral de la Morería, pero no había tanta gente interesada y profesionalmente preparada como ahora. La programación en la ciudad es muy variada, me gusta mucho su gente. Animo a todos que venga a Extremadura.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Emilio Vázquez «rigor, cultura y memoria como película infinita»

    Emilio Vázquez «rigor, cultura y memoria como película infinita»

    Un oasis en medio de la ciudad

    No es la primera vez que me siento con Emilio Vázquez Guerrero. Nos conocimos hace muchos años, cuando gané el concurso de fotografía de la Residencia Universitaria Hernán Cortés. Presenté una imagen de dos manos: las de un anciano de Baños de Montemayor que había pasado por un campo de concentración en Francia, logró escapar a Estados Unidos y allí, en Pittsburgh, conoció a su esposa, heredera de una gran industria del acero. Esa fotografía, todavía lo recuerdo, fue para Emilio algo más que un premio: fue una historia en sí misma, un destello de memoria. “Esa foto me impresionó profundamente —me dijo entonces—. Contaba sin palabras el dolor, la resistencia y el azar de la vida.”

    Desde ese momento, la complicidad entre ambos fue creciendo. Coincidimos en instituciones culturales, en charlas y proyectos. Y hoy, en esta casa cargada de recuerdos donde creció junto a toda su familia, retomamos la conversación.

    La entrevista no se desarrolla en un despacho ni en una sala institucional, sino en un lugar mucho más íntimo y simbólico: la casa donde Emilio Vázquez Guerrero creció junto a toda su numerosa familia. Una casa acogedora, rodeada de pisos y nuevas construcciones que han ido levantándose con la modernidad de Badajoz, pero que aún guarda su jardín amplio, lleno de vida, y rincones repletos de recuerdos.

    Allí, entre fotografías, muebles antiguos y aromas de infancia, se percibe un aire de oasis en medio de la ciudad. Un refugio de sueños y memorias, un espacio que resiste, como resistió la propia ciudad marcada por la Guerra Civil y la posguerra. Desde las ventanas se adivina la transformación urbana: al fondo, el Guadiana separa barrios, pero la vida ciudadana lo vuelve a unir, con el talante abierto y hospitalario que caracteriza a los pacenses.

    Es en este escenario donde comienza la conversación con Emilio Vázquez: entre la nostalgia que destila la casa, la vitalidad de una ciudad que no deja de reinventarse y el humor chispeante de un hombre que sabe convertir cada recuerdo en relato.

    La ciudad herida

    Hablar de Emilio es hablar de Badajoz. Una ciudad que, en sus palabras, “sufrió como pocas”. La Guerra Civil dejó cicatrices visibles y otras más silenciosas: miedo heredado, familias quebradas, barrios empobrecidos.

    “Crecimos entre silencios. Mis padres habían pasado miedo, y ese miedo se transmitía como el aire: no hacía falta hablarlo, se notaba en las miradas, en las radios bajitas.”

    Ese silencio recuerda a la atmósfera de La lista de Schindler: el miedo como paisaje cotidiano. O a La lengua de las mariposas, con su inocencia interrumpida y maestros traicionados. “Esa era nuestra realidad: la desconfianza, la fragilidad, la infancia marcada por la sombra de lo que había ocurrido.”

    La ciudad que despierta

    Hoy Badajoz es otra. “La plaza Alta recuperada, San Francisco lleno de niños, conciertos, exposiciones… Aún queda mucho por hacer, pero la ciudad respira.” Vázquez la mira como en El violinista en el tejado: un lugar que conserva sus tradiciones y al mismo tiempo se ve empujado a cambiar. “La cultura ha tenido mucho que ver en ese renacer. Las ciudades respiran a través de la cultura.”

    Fútbol: la pasión de la calle

    En la Badajoz de la posguerra, donde había poco pero la gente se inventaba todo, el fútbol era más que un juego: era un lenguaje común, una forma de comunidad.

    “El fútbol era la pasión de la calle —recuerda Emilio—. Mi hermano y yo jugábamos en cualquier rincón, con pelotas improvisadas, con la energía inagotable de quienes encontraban en aquel balón un escape, un alivio frente a las dificultades.”

    El fútbol unía barrios y amistades. Era, como en Río Bravo, el instante de camaradería, el momento en el que se borraban las distancias. “Nos peleábamos, nos reíamos, discutíamos jugadas, soñábamos con equipos grandes… pero, sobre todo, el fútbol nos dio la sensación de pertenecer a algo, de formar parte de una ciudad que aún estaba buscando su sitio.”

     

    Oficio y comunidad: de los Hogares Provinciales a la Residencia Universitaria

    Su carrera profesional estuvo marcada por la vocación de servicio. En los Hogares Provinciales comprendió de cerca la necesidad de apoyo a quienes menos oportunidades tenían. Después, al frente de la Residencia Universitaria Hernán Cortés, impulsó no solo alojamiento, sino también cultura, debates y cinefórums.

    “No se trataba solo de dar alojamiento a jóvenes, sino de ofrecerles cultura. Había hambre de futuro y la obligación de hacerlo bien.”

    Allí nació también su complicidad con muchos de los que luego serían referentes culturales en Extremadura. La amistad con Jorge Márquez, Antonio Castro o Emilio Jiménez fue creciendo entre lecturas compartidas, tertulias y proyectos comunes.

    Fundación CB y vida cultural

    En la Fundación CB encontró un terreno fértil para hacer de la cultura un motor de ciudad. Primero como parte del equipo de gestión junto a Emilio Jiménez, después como presidente. “Trabajar con Emilio Jiménez fue una etapa fecunda. Él es energía, yo la pausa. Nos entendemos sin choques, siempre en sintonía.”

    Las esperas administrativas eran, admite, como jugar al ajedrez con la muerte en El séptimo sello: una batalla interminable contra el tiempo. Pero lo que quedó fue la certeza de haber aportado algo a la vida cultural de Badajoz.

    La memoria hecha novela: El practicante

    Emilio Vázquez es el undécimo hijo de Santiago y Dolores, los personajes centrales de su última novela, El practicante. No es una casualidad: de ellos parte una historia que es, a la vez, íntima y colectiva. Santiago, practicante de profesión, recorrió con sus manos y su vocación una época marcada por heridas físicas y emocionales.

    El libro comienza con una frase que resume el sentimiento de toda una generación: “¡El miedo es negro y por detrás!”. Así lo sentía Santiago cuando, de niño, cruzaba los pasillos oscuros de la gran casa donde se crió. Y así lo vuelve a sentir cuando lo conducen a una habitación donde se enfrenta, solo, a su destino.

    El practicante no es, como insiste Vázquez, “otro libro más sobre la Guerra Civil”. No pretende dictar sentencias historiográficas ni ofrecer conclusiones académicas. Lo que cuenta es “mi guerra, vuestra guerra, nuestra guerra”: la vivida por personas corrientes, arrastradas por un vendaval de odios y venganzas en un espacio que todos conocemos y que aún hoy lleva las cicatrices de lo ocurrido.

    “Quería que desde el inicio se sintiera lo que sintieron ellos: el miedo pegado a la piel, la soledad, la incertidumbre. No es una historia más de la Guerra Civil. Es mi guerra, vuestra guerra, nuestra guerra. La de quienes fueron arrastrados por un tiempo cruel y de quienes después heredamos sus consecuencias.”

    El practicante conecta con películas como Tierra y libertad —la guerra vista desde lo íntimo, desde la gente sencilla—, Un tranvía llamado deseo —el grito desgarrador como símbolo de pérdida— y Tierra de penumbras —la necesidad de asumir la fragilidad y el dolor con dignidad—.

    El benefactor anónimo

    En un momento de la conversación, surge un episodio especialmente delicado. En el libro se relata cómo, en plena posguerra, un desconocido ayudó económicamente a sus padres cuando apenas tenían ingresos para sostener a la familia. Le pregunto entonces:

    —¿Ha llegado a investigar quién fue esa persona que tendió la mano en aquel momento decisivo? Porque, si lo piensas, lo que es la vida… sin ese gesto, quizá su historia habría sido otra. Y quizá, incluso, esta entrevista nunca hubiese podido hacerse.

    Emilio Vázquez sonríe y responde en tercera persona:

    —Él nunca llegó a saber con certeza quién fue aquel benefactor. Su madre le habló de ello con el paso de los años, pero lo cierto es que, cuando quiso indagar, ya era demasiado tarde. Prefirió quedarse con la idea de que, en medio de tanto miedo, de tanta dureza y de tanto silencio, existía también un resquicio de humanidad. Ese anónimo que aparece en el libro representa a todos aquellos que, sin dejar su nombre, sostuvieron la vida de otros. Y sí, es cierto, quizá sin él nada de lo que vino después hubiese ocurrido.

    El episodio podría formar parte del guion de Calabuch: una bondad silenciosa, escondida en lo más sencillo de la vida cotidiana, que salva a otros sin pedir nada a cambio. También recuerda a Esta tierra es mía, donde la dignidad se mantiene gracias a decisiones individuales que parecen pequeñas, pero que en realidad sostienen la esperanza colectiva.

    Cónclave y Partenophé: la cultura como espejo

    La conversación deriva hacia sus lecturas y afinidades culturales. Aparece Cónclave, de Robert Harris, esa novela donde el destino de millones se juega en las manos de unos pocos cardenales encerrados en la Capilla Sixtina. “Me interesa esa tensión —reflexiona—, ese recordatorio de que lo más trascendente se decide en el terreno más humano, con miedos, dudas y hasta miserias.”

    De pronto surge también Partenophé, recuperada en el cine por Paolo Sorrentino, con toda la estética barroca, excesiva y profundamente poética del director italiano. Emilio ve en esa obra un paralelismo con la vida misma: “Las máscaras, el artificio, lo grandilocuente que esconde la fragilidad. Y, sin embargo, todo ello nos habla de lo más verdadero”. Esa forma de mirar lo cultural, no como erudición fría, sino como espejo vital, define a Vázquez como un gran conversador: capaz de saltar de la pedagogía al cine, de la historia local a la universal, siempre con un guiño de humor y con la certeza de que “todo, al final, tiene que ver con cómo elegimos vivir”.

    Cine como escuela de vida

    El cine fue su refugio. El recuerdo de un niño apasionado por historias que te hacían evadirte de vida misma, que contaban cosas de la misma vida, era una verdadera bomba emocional. Recoger en una secuencia de pocos segundos el paso de una vida marcó su vida. Aún lo recordamos presentado y debatiendo películas como Nosferatu de Murnau o Perdición de Wilder en el cineclub de la residencia universitaria

    “El cine fue mi ventana al mundo. Para mí, las películas son un descuento de la vida.”

    De Capitanes intrépidos aprendió la dureza del mar; de Raíces profundas, la nobleza del héroe que no presume; de Río Bravo, el valor de la camaradería; de El violinista en el tejado, la dignidad frente al cambio. “Cada película me dio una lección vital. Y todas, de alguna manera, están en mi forma de mirar el mundo y de escribir.”

    Badajoz, amistades y pasiones

    Emilio Vázquez estudió Magisterio, se licenció en Pedagogía en Salamanca y fue director de los Hogares Provinciales y de la Residencia Universitaria Hernán Cortés de la Diputación de Badajoz. También ejerció como profesor en la Universidad de Extremadura y es miembro de la Real Sociedad Económica Extremeña de Amigos del País, de la que fue vicepresidente. Hoy preside la Fundación CB, desde donde impulsa proyectos culturales que conectan pasado y futuro.

    Su vida está ligada a Badajoz, una ciudad que sufrió como pocas la Guerra Civil y la posguerra, pero que hoy respira vida en sus calles, aún con mucho por hacer. Emilio siente sintonía con sus proyectos culturales, con sus cambios, con esa energía vital que late junto al Guadiana.

    En su memoria también están los amigos: Jorge Márquez, Antonio Castro, Emilio Jiménez y una retahíla de gentes, de todos los gremios, clases, barrios y estamentos, una pasión por mantener y cultivar aquello que le rodea desde la honestidad.

    Un conversador con humor y anécdotas

    Hablar con Emilio Vázquez es entrar en un territorio de memoria y rigor, pero también de humor inteligente. Gran conversador, domina el arte de enlazar una reflexión profunda con una anécdota ligera, de recordar con detalle lo que parecía olvidado y de salpicar cada relato con guiños que hacen sonreír.

    “Lo importante es hacer las cosas bien. Sin improvisar, sin concesiones fáciles. La gente, la ciudad, lo merecen.”

    Su repertorio es inagotable: historias de juventud, recuerdos de cine, episodios vividos en la Residencia Universitaria o en la Fundación CB, encuentros con escritores, artistas y amigos. “La vida se cuenta mejor si se cuenta con humor —dice—. Incluso los momentos difíciles, vistos con distancia, tienen su lado de aprendizaje y de ironía.”

    Ese humor no es superficial: es la manera que tiene Emilio de mirar la vida con cierta distancia, de no tomarse demasiado en serio a sí mismo, de relativizar sin perder la profundidad. Como en La Strada, donde la tragedia convive con la risa inocente, o como en Un tranvía llamado deseo, donde incluso en el exceso hay humanidad, Emilio se mueve con la naturalidad de quien entiende que la vida es también teatro y que la conversación, cuando se comparte, se convierte en un arte.

    Hora de descansar

    Emilio Vázquez anuncia que se retirará en breve tras una etapa de intensa actividad cultural al frente de la Fundación.

    ¿Cuándo se hará efectiva tu jubilación?
    Dentro de muy poco. No es porque alguien me lo haya sugerido ni porque me consideren mayor: es una decisión personal.

    ¿Por qué ahora?
    Porque siento que ya he entregado toda la ilusión posible en la Fundación. Hemos hecho lo mejor que podíamos hacer y creo que lo que falta por hacer debe llevarlo adelante otra persona.

    ¿Qué supone para ti dar este paso?
    Reconocer que he cumplido un ciclo. Estoy satisfecho, tranquilo. Me voy con la sensación de haber contribuido a que la Fundación creciera y cumpliera un papel cultural importante en la ciudad.

    ¿Qué balance haces de tu etapa al frente de la Fundación?
    Muy positivo. Hemos vivido una etapa de enorme creatividad, sobre todo trabajando mano a mano con Emilio Jiménez. La complicidad fue total: yo llevaba el “lápiz azul” y él el “lápiz rojo”. Esa fórmula funcionó a la perfección.

    ¿Y las dificultades?
    Claro que las hubo. Sobre todo la lentitud administrativa: es incomprensible para quien viene del sector privado.

    ¿Con qué te quedas?
    Con la creatividad, con el trabajo en equipo y con la certeza de que Badajoz ha avanzado culturalmente. Para mí ha sido un orgullo contribuir a ese proceso.

     

    Al final, Emilio Vázquez se define en tres palabras: rigor, humor y ciudad. Ha visto a Badajoz herida y la ha visto resucitar. Ha puesto su empeño en que la cultura fuese un camino de dignidad. Ha ejercido la docencia, ha gestionado instituciones, ha cultivado amistades fecundas en la cultura extremeña, ha ocupado responsabilidades en sociedades culturales y hoy preside la Fundación CB con la misma convicción de siempre. Y ha escrito El practicante como quien entrega un legado.

    “Lo importante es hacer las cosas bien. Lo importante es dejar memoria, porque sin memoria no hay futuro. Y lo importante es la ciudad: tener buena sintonía con ella, acompañarla en su despertar.”

    Como en las películas que tanto ama, su relato queda abierto, sin cierre rotundo. Porque la vida —y la historia de una ciudad como Badajoz— siempre guarda una última escena pendiente de rodar.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • «De la tierra al alma» La cultura del vino de la Bodega Santa Marina

    «De la tierra al alma» La cultura del vino de la Bodega Santa Marina

    En un trocito de terruño de Extremadura, en un pequeño local, nació un sueño familiar que con los años se ha convertido en un referente del vino y la cultura que rodea este sector en la región: Bodega Santa Marina. Todo comenzó con la ilusión de Javier, de la trayectoria de su padre, de toda la familia Barrero al completo y su equipo de profesionales, enólogas en su mayoría, las culpables de inocularnos la emoción de descorchar una botella, quienes entendieron desde el primer momento que el vino, como la vida, necesita tiempo, paciencia y dedicación.  Los cuadros que acogen la bodega nacen de una madre, que dibuja un horizonte familiar entre miles de botellas, que algún día se abrirán para simplemente celebrar. Hay que parar, mirar y macerar, observar cada detalle y respetar cada proceso para conseguir un resultado excepcional. Al igual que en la magia del nacimiento de esta bebida, acercar el vino al público —tanto al entendido como al joven curioso— requiere aguante, educación y amor por la cultura del vino

    Los primeros años no fueron fáciles. Empezar una pequeña distribuidora de vinos en una tierra que aún estaba en proceso de descubrir su potencial requería persistencia, ingenio y mucha pasión. Recorrer pueblos y ciudades, dar a conocer variedades locales, aprender a seleccionar y cuidar cada vino: todo era un aprendizaje constante. Extremadura, con sus suelos diversos y su clima desafiante, exigía respeto y conocimiento, y los bodegueros de la región pusieron corazón y esfuerzo para sacar adelante cada cosecha.

    Pero Bodega Santa Marina no nació solo para vender vino; nació para crear experiencias, educar y acercar la cultura del vino al público. Cada botella cuenta la historia de la tierra, del trabajo de los bodegueros y de una familia que decidió transformar su pasión en un proyecto que une tradición, innovación y gastronomía. Aquí, el vino se bebe, se aprende, se degusta y se comparte, convirtiéndose en un puente entre la tierra, quienes la cultivan y quienes desean descubrirla.

    Hoy, aquella pequeña iniciativa familiar se ha consolidado como un espacio donde la educación, la cultura y el disfrute del vino van de la mano. Cada cata, cada maridaje y cada conversación en la bodega refleja la filosofía de Javi y su familia: que el vino no es solo una bebida, sino una experiencia capaz de acercar a las personas, despertar curiosidad y celebrar la riqueza de Extremadura.

    Un proyecto familiar con historia

    ¿Cómo surgió la idea de abrir Bodega Santa Marina?
    Todo comenzó hace unos 15 años, con una pequeña distribuidora familiar de vino. La idea no era solo vender botellas, sino crear un espacio donde la gente pudiera descubrir, probar y aprender sobre vinos. Queríamos que cada visita fuese una experiencia, que cada botella contara su historia.

    “Nuestro objetivo siempre fue que la gente conociera y disfrutara del vino, no solo que lo comprara.”

    La tienda se abrió en un local modesto de Santa Marina, y con el tiempo se consolidó como un espacio de referencia, donde la pasión familiar por el vino se transmite en cada detalle.

    Más que una tienda: educación y experiencia

    ¿Qué hace diferente a vuestra tienda?
    La diferencia está en combinar venta con experiencia. Aquí no solo compras vino; aprendes sobre él. Organizamos catas, maridajes y actividades culturales, mostrando la influencia de la uva, el terruño, los tipos de crianza y cómo servir un vino correctamente. Queremos que tanto novatos como entendidos salgan con una experiencia completa. Las catas son pequeñas, para 20–25 personas, lo que permite un trato cercano y personalizado. Los participantes pueden hacer preguntas, descubrir curiosidades y aprender a diferenciar espumosos, generosos y tintos de larga crianza.

    “Antes hacíamos catas masivas para cien personas en hoteles, pero la cercanía con el cliente ha demostrado ser mucho más enriquecedora”

    Democratización del vino: un público diverso

    ¿Quiénes son vuestros clientes?
    Hoy recibimos un público muy diverso: jóvenes, mujeres, profesionales, músicos, actores y aficionados. El vino ya no es elitista; es accesible y cercano. Muchos empiezan con vinos semidulces y, poco a poco, van explorando blancos secos, espumosos y tintos más complejos.

    Durante la pandemia, la tienda cerró temporalmente, pero se mantuvo el contacto con los clientes a través de asesoramiento telefónico, ventas online y entregas a domicilio. Esto demostró que la cultura del vino puede transmitirse incluso sin contacto físico, siempre que exista dedicación y cercanía.

    Trabajo en Extremadura y colaboración con expertos

    ¿Qué papel juegan los bodegueros y enólogos en todo esto?
    Fundamental. En Extremadura, los bodegueros cuidan la uva desde el viñedo hasta la fermentación, y los enólogos supervisan el porceso para asegurar la calidad del vino. Pero no basta con hacer un buen vino; también es clave vincularlo a la cultura y la gastronomía. Trabajamos con expertos, chefs y otros gremios para crear maridajes que potencien la experiencia, integrando el vino en cenas, eventos sociales y culturales.

    “No solo vendemos vino, queremos que cada botella forme parte de una experiencia social y cultural.”

     

    Tendencias y evolución del mercado

    El mercado del vino ha cambiado mucho en los últimos años ¿Cómo se adapta Bodega Santa Marina a estas tendencias?
    Buscamos mantener la calidad y autenticidad del vino, pero acercándolo a un público amplio y diverso. Las experiencias educativas y los maridajes con gastronomía ayudan a que cualquier persona pueda entender y disfrutar del vino, no solo los expertos.

    “El mercado ha cambiado mucho,” comenta Javi mientras pasa sus dedos por algunas etiquetas de la estantería, como si leyera cada historia que cuentan. “Antes, la mayoría de la gente pedía vinos tradicionales: tintos de larga crianza, blancos muy conocidos… Ahora, cada vez más, los jóvenes buscan frescura, descubrir algo nuevo.”

    “Por eso los blancos y los espumosos están creciendo tanto,” añade. “No es solo una moda; hay algo en esa ligereza y en los aromas que conecta con quienes empiezan a interesarse por el vino. Y no solo ellos: cada vez hay más adultos curiosos que quieren ampliar su paladar.”

    “Hay un interés creciente por vinos locales, de pequeñas bodegas, o variedades internacionales que antes nadie conocía. La gente quiere probar algo diferente, descubrir sabores únicos y, sobre todo, conocer la historia detrás de cada botella.”

    Javi señala una etiqueta más llamativa: “Nos encanta colaborar con bodegas pequeñas e innovadoras, porque así podemos ofrecer vinos que sorprenden, que no vas a encontrar en cualquier sitio. Esa búsqueda de autenticidad y novedad es parte de nuestra filosofía.”

    “Y algo que mucha gente no nota al principio,” dice mientras enseña una botella con diseño cuidado, “es que el packaging y las etiquetas ahora son parte de la experiencia. Cada diseño, cada historia que se cuenta en la etiqueta, ayuda a diferenciar los vinos y a transmitir lo que hay detrás: el terruño, la uva, la pasión del enólogo. No es solo apariencia; es narrativa, es cultura en una botella.”

    Se recuesta sobre la mesa de catas y añade, casi en confidencia: “Al final, lo que queremos es que cada persona que entra aquí se lleve algo más que vino. Que se lleve curiosidad, conocimiento y ganas de seguir explorando. Y eso cambia la forma en que el mercado crece y evoluciona cada día.”

    Filosofía: democratizar y educar

    Bodega Santa Marina no solo vende vino; transmite cultura, curiosidad y disfrute. Cada botella, cada cata y cada maridaje están pensados para que el cliente aprenda, descubra y disfrute. La filosofía es clara: hacer el vino accesible, cercano y cultural, convirtiendo cada experiencia en un viaje memorable que conecta tradición, familia y pasión.

    “Queremos que el vino deje de ser solo una bebida y se convierta en una experiencia memorable.”

    …En Extremadura, los bodegueros trabajan con dedicación para conseguir un buen caldo: cuidan el viñedo, seleccionan las variedades adecuadas y supervisan cada etapa de la producción. Este esfuerzo se combina con la necesidad de vincular el vino a actividades sociales y culturales, generando experiencias donde el vino no solo se bebe, sino que se entiende y se disfruta. La colaboración con enólogos, expertos y otros gremios —especialmente la gastronomía— es fundamental para lograr maridajes que potencien tanto el vino como la comida.

    Lo que hace única a Bodega Santa Marina

    “Lo que hace diferente a nuestra bodega es que no queremos que la gente solo venga a comprar vino,” empieza Javi mientras señala las estanterías repletas de botellas. “Aquí se aprende mientras compras. Cada botella tiene su historia, cada cata es una oportunidad para descubrir algo nuevo, desde la uva hasta el terruño, pasando por cómo se ha criado cada vino.”

    Se ríe y añade: “Y las catas… bueno, olvídate de las masivas de cien personas en hoteles. Aquí hacemos grupos pequeños, de 20 a 25, para que cada uno pueda preguntar, tocar, oler, probar. Que la experiencia sea cercana e interactiva, nada de sentirse perdido.” “Lo bonito,” continúa, “es la diversidad de público que tenemos. Vienen jóvenes curiosos, mujeres que disfrutan aprendiendo, aficionados que quieren profundizar, y expertos buscando vinos raros. Cada cata se adapta al grupo; todos tienen cabida y todos se van con algo aprendido.”

    Se detiene un momento, como pensando, y dice: “Además, no todo el mundo puede venir hasta aquí, así que hemos trabajado mucho en la venta online y la entrega a domicilio. Queremos que el vino, y la experiencia que lo rodea, llegue a cualquier sitio.”

    “También buscamos sorprender,” comenta mientras muestra algunas botellas poco comunes. “Trabajamos con bodegas pequeñas, traemos vinos que no conocías, y siempre buscamos algo diferente. Pero lo más importante para nosotros es la filosofía inclusiva: democratizar el vino, que cualquiera pueda disfrutarlo, entenderlo y sentirse parte de esta cultura.”

    Por último, Javi se anima con un gesto amplio: “Y claro, no puede faltar el maridaje. Colaboramos con enólogos, chefs y expertos para que cada evento sea completo: sabor, historia, cultura… todo en una experiencia única. Para nosotros, el vino no es solo beber; es vivirlo y compartirlo.”

     

    Tierra, uva, botella, tienda, copa y vino…

    Bodega Santa Marina demuestra que el vino puede ser cercano, educativo y cultural. Cada botella refleja el trabajo de los bodegueros extremeños, la pasión familiar y la dedicación de quienes quieren acercar la cultura del vino al público joven y al entendido. Aquí, el vino deja de ser solo una bebida: es una historia, una experiencia y un vínculo con la sociedad y la cultura.

  • «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    “El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

    Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

    Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

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    De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

    En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

     La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

    Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

    …La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

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    ¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

    La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

    ¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

    Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

    Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

    El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

     

    El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

    Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante  blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

     La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

    La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

    Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

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  • Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    LO MEJOR DEL AÑO EN EXTREMADURA EN 2024

    El Festival de Mérida representa en solitario a Extremadura en el ranking nacional. El Festival de Teatro Clásico de Mérida consolida el primer lugar, seguido de El Hospital Centro Vivo (sube 11), Museo Helga de Alvear, Festival de Teatro Clásico de Cáceres y D’Rule (sube 10). El Festival de Mérida y el Museo Helga de Alvear representan a Extremadura en el ranking nacional.

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    Fundación Contemporánea

    Fundación Contemporánea presenta el informe anual sobre lo mejor de nuestra cultura en 2024, basado en la opinión de los profesionales del sector cultural. El Observatorio de la Cultura elabora desde 2009 una serie de rankings e indicadores recurrentes relativos a la actividad cultural de nuestras ciudades y comunidades y a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año, lo que facilita analizar su evolución. Asimismo, en cada edición de la consulta se plantean otras cuestiones de interés para el sector. En esta ocasión, se ha planteado: elaborar una relación de lo más valioso del patrimonio histórico y natural de cada comunidad, tan importante pero habitualmente ajeno a los rankings sobre programación anual; identificar los medios de comunicación más valorados por el sector en su imprescindible labor de difundir la oferta cultural; y analizar la distribución de los ingresos de las organizaciones culturales entre fondos públicos, privados y aportación de los usuarios; y analizar el recurso del sector a financiarse con entidades de crédito. El objetivo principal del Observatorio de la Cultura es dar visibilidad a una oferta cultural muy amplia, de gran calidad y en constante renovación a lo largo de toda la geografía española, aportando el aval de los profesionales más destacados del sector. Así, en este informe figuran destacadas más de 700 propuestas culturales de toda España, señaladas por los panelistas como las mejores en las diferentes categorías propuestas. Para llevar a cabo esta consulta, se ha enviado un cuestionario a un panel formado por 1021 profesionales de primer nivel de nuestra cultura: responsables de fundaciones, directores de museos, teatros, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, directores de festivales, gestores culturales, artistas y creadores de todos los campos y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de las administraciones públicas central y local. Los responsables de los proyectos reflejados en los distintos rankings de este informe son invitados a formar parte del panel en años posteriores.

    En esta nueva edición del Observatorio de la Cultura el cuestionario ha sido contestado, durante los meses de noviembre y diciembre de 2024, por 461 miembros del panel, de los que un 43,7% trabajan en una organización cultural pública, un 34,7% en una organización cultural privada y el 21,6% restante como profesionales independientes del sector. El presente informe del Observatorio de la Cultura ha sido elaborado por Fundación Contemporánea con el apoyo de CREA SGR.

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    LO MEJOR DEL AÑO EN ESPAÑA

    Cada panelista ha propuesto hasta diez instituciones y acontecimientos culturales de su propia comunidad y otros tantos del resto de España como los más destacados en el año 2024, en una pregunta abierta sin sugerir ninguna respuesta. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para algunas actividades concretas de una institución, estas figuran entre paréntesis tras el nombre de esta. De nuevo el primer puesto es para el Museo del Prado (Arte y transformaciones sociales, Darse la mano, El taller de Rubens), seguido por el Museo Reina Sofía (En el aire conmovido, Tapiès, Soledad Sevilla), el Festival de San Sebastián (sube un puesto), el Museo Guggenheim (Hilma af Klint, Yoshitomo Nara) que también sube un puesto y el Museo Thyssen – Bornemisza (Isabel Quintanilla, La memoria colonial). El CCCB (Agnès Varda, Suburbia), que sube cinco puestos, CaixaForum (sube cuatro), el Teatro Real, la Fundación Juan March (Museo de Arte Abstracto, Steinberg) que sube cuatro y ARCO, igualado con el Festival de Málaga (sube cuatro) completan los diez primeros puestos. La relación se completa con hasta 108 instituciones y actividades de toda España.

    Entre las entradas más destacadas este año en el ranking, destacan Manifesta 15 (40), el nuevo Festival de las Ideas (44), el Any Tàpies en el Museu Tàpies (55), el festival Concéntrico (59), Fundación Telefónica (59) y los Encuentros de Pamplona (66). Destaca la progresión de Chillida Leku (+64 puestos) de la mano del centenario Chillida, MUSAC (+49), The MOP Foundation (+47), Dansa València (+37), FETEN (+32), el Centro Dramático Nacional (+21), el Festival de Granada (+19) y Sónar+D (+19).

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    EXTREMADUDURA

    1. Festival de Teatro Clásico de Mérida

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    2. Hospital Centro Vivo

    3. Fundación Helga de Alvear

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    3. Festival de Teatro Clásico de Cáceres

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    3. D´Rule: artistas en el Territorio

    6. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

    6. Festival Internacional de Jazz de Badajoz 

    8. Orquesta de Extremadura

    8. Museo Nacional de Arte Romano

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    8. Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    8. Contepopránea

    8. BAdeCirco

    8. Festival Ibérico de Cinema

    8. Emerita Lvdica

    Presupuestos de la cultura 2025

    Se ha preguntado a los panelistas por la variación prevista en los presupuestos de su organización o actividad profesional para 2025 respecto al cierre del año 2024, en una pregunta repetida de forma idéntica desde 2009. El sector cifra su previsión de crecimiento en un ajustado 1,59%, por debajo de la inflación. La previsión es mejor para los panelistas del sector privado (3,13%) que para los del sector público (0,37%) y los profesionales independientes (1,61%).

    ¿Quién paga la cultura?

    Se ha preguntado a los miembros del panel por el origen de los ingresos de su organización, proyecto o actividad profesional, distribuyéndolos porcentualmente entre los provenientes de administraciones y organizaciones públicas, de empresas y organizaciones privadas y los aportados por el público consumidor de la cultura. Con carácter general, un 64,8% del presupuesto de la cultura proviene de fondos públicos y un 19,8% de empresas y organizaciones privadas, mientras el público aporta apenas un 15,4% de los recursos. Este porcentaje varía sensiblemente según se trate de organizaciones públicas (82,5% dinero público, 7,9% privado y 9,6% usuarios) o privadas (46,35% público, 32,9% privado y 20,8% usuarios)

  • José Vicente Moirón «Teatro desde las entrañas: potencia y elegancia en un escenario»

    José Vicente Moirón «Teatro desde las entrañas: potencia y elegancia en un escenario»

    Los emigrantes tocan tierra firme, y desde el Quirinale los gritos engullen el tráfico romano. La chepa de Giulio Andreotti se estira desde tu tumba, Salvini hace inteligente a Berlusconi y a Bettino Craxi le han quitado su retrato del Senado. El Papa mira de reojo, a 1184 kilómetros del Vaticano rebosan los cuerpos salitrados muy cerca de una islita mediterránea. Mientras, las madres, al sur del Lazio siguen mandando desde la cocina, cocinan, a fuego lento, pasta e fagioli, cocinan y ordenan. Mandan coger limones para hacer licor, ejecutan con un chasquido de lengua el calendario a seguir. Un banquete de amantes amputados, barcos repletos de textos de Horacio, Ovidio y lanchas recogiendo obras de Shakespeare. Una aún no se ahogado, un paquebote que ha salido del puerto del Noctámbulo rescata a Tito Andrónico.

    Nando López fiel a la versión, elegante y cercana a la mirada del espectador de este siglo, Antonio Castro Guijosa al mando del timón, rescatando un elenco potente de actores que nadan día a día entre olas de dramaturgias a precio de coste y tiburones de la industria. De entre ellos sobresale nuestro Tito, un tipo capaz de meterte en vena dosis de buen teatro desde el primer segundo. José Vicente Moirón. Su primera obra como actor Tito Andrónico, haciendo de Quirón, la última, la misma de Shakespeare pero al mando del papel con mayores aristas de la obra.

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    Cuatro Titos Andrónicos han desfilado por la arena del Teatro romano de Mérida, cuatro puestas en escena arriesgadas y dotadas de un contexto social muy diverso. 1957, la versión de José Tamayo con Adolfo Marsillach, en 1983 el fabuloso destilado de Manuel Martínez Mediero, en 2009 la animalada de Animalario, con Alberto San Juan en traje de chaqueta y Andrés Lima tarantineando salvajemente la obra, y diez años después, el extremeño José Vicente Moirón engullendo una pura y poderosa  escenificación en este mundo artístico de contar historias sobre un escenario.

    El escritor Leonardo Sciascia, pocos días antes de su muerte le entregó a su esposa, Maria Andrónico, un trocito de papel con la frase escrita a mano, explicándole que deseaba que dicha frase se escribiera sobre su tumba, pero rogándole al mismo tiempo que la aprendiese de memoria y que después quemase el papel… Nos acordaremos, de este planeta…Una tumba desfile para sus enemigos mafiosos, un epitafio misterioso cincelado a muy pocas millas de Lampedusa. Una conexión sibilina entre el poder, la familia, la traición y el olvido. Ingredientes elementales para continuar esta marcha fúnebre real que supera cualquier obra de teatro. De momento nos acordaremos del Tito Andrónico, del maravilloso Jose Vicente Moirón de este planeta.

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    Quién tengo delante, ¿A José Vicente Moirón o Tito Andrónico?

    [Ríe]…estás ante José Vicente Moirón…yo dejo el personaje colgado en la burra del camerino cuando termino el ensayo. Me olvido, aunque siempre está muy presente en mí. Llevo mucho tiempo focalizado en este personaje, pero en el estudio del personaje, no en el texto de Tito Andrónico. En ese tiempo sí que me interesa saber dónde nace, dónde viene, qué mochila trae, qué le quiero aportar de nuevo al personaje, qué le tengo que dar con certeza…

    …¿Tener que dar de manera obligatoria?

    Tenemos que ser fiel a lo que ha escrito Shakespeare y sobre todo fiel al arco del personaje que representa Tito.

    De Quirón a Tito Andrónico…un gran salto y círculo teatral que se cierra…

    …[Ríe]…debuté profesionalmente con ese montaje, la primera vez que me pagaban por hacer teatro, estamos hablando de hace 33 años. En aquel momento yo me sometí a un rigurosísimo espectáculo que yo desconocía por la profesionalidad, con actores extremeños extraordinarios, y que tenían una trayectoria y experiencia que yo no tenía ni por asomo. Me encontré con una disciplina que no conocía, con mucha exigencia por parte de la dirección y producción y yo hice la mili en esa obra…[Ríe]…por entonces unos de los príncipes malos hijo de Tamora, que destroza a Lavinia y ahora ponerme delante de Tito me ha traído muchos miedos, porque tenía muchos recuerdos de aquel montaje. Por lo que significó aquel montaje y por la repercusión que tuvo. Pero asumir el personaje de Tito era cerrar una etapa…esperando que este no sea el final…[Ríe].

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    33 años luchando, actuando, buscando, con muescas en tu cuerpo y alma…

    …Un viaje de mi carrera, una trayectoria que reúne una de las profesiones más hermosas pero de las más complejas, sobre todo de mantener. Yo he pasado por todos los estadios, de estar en lo más alto, en el Centro Dramático Nacional o en las producciones con Siracusa, a estar en el paro más absoluto, en la miseria más absoluta. He tenido que reflotar mi empresa porque el teatro que me ofrecían no me gustaba o simplemente porque tenía que vomitar otro teatro que quería desarrollar y no me ofrecían. Y de toda esa trayectoria si tengo que destacar algo es por la permanencia y la consolidación de la compañía. Teatro del Noctámbulo solo estuvo inactiva tres años por mi trabajo en proyectos en Madrid pero la compañía ha sido el verdadero acicate para agarrarme al teatro de textos comprometidos que estoy seguro que no hubiese hecho con otras compañías.

    Este Tito Andrónico tiene mucha carga de ese teatro comprometido al que haces mención…una obra con aristas críticas, con sabores sociales y cargado de contenido.

    Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer. Si nosotros nos quedamos solamente con lo brutal de las noticias fijaremos la mirada en ese momento exclusivo, pero los teatreros debemos mostrar esa realidad de una manera dura y directa, pero en clave de esperanza, buscando el trasfondo del teatro. Hasta el teatro menos político es irreverente y nosotros representamos obras ácidas y críticas, menos comerciales que adolece de grandes ventas pero tras ese teatro, está nuestro sello social y de trabajo dramatúrgico. No me apetece hacer otra cosa. Este Tito de Shakespeare trató mucho la lucha de poder y de la ambición que lleva a la decadencia política. Hoy estamos viendo continuamente a Shakespeare en las noticias, conflictos entre hermanos para arrebatar el poder. Ese es el conflicto de la obra.

    Una obra del siglo XV, sobre el ocaso del Imperio romano e interpretada en pleno siglo XXI…una obra cargada de contemporaneidad pero fiel a la época del texto…de vigencia perenne…  

    …No es una obra que hemos querido acercar a lo contemporáneo de manera directa, donde conviven gestos de finales del Imperio romano con una pistola del 2019, y sin embargo no existe ningún anacronismo. Queremos que el espectador ni entre en una época no salga de la otra…[Ríe] La obra transita por un espacio que debe ser reconocible por el espectador.

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    Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer

    No existen Titos Andrónicos en la política actual, y sin hacer spoiler ¿Qué lo hace diferente?  

    En el caso de Tito existe una característica irreductible y que es la idea del mal, uno de los temas principales de esta obra. No existen Titos Andrónicos como dices…[Ríe]…Tito se debe a la ley, es fiel a su pueblo y le otorga el poder al déspota, no sabe cómo han crecido Saturnino y Bassiano, ahí está su error, pero la idea del mal está vigente a lo largo de todos los siglos, Aarón, interpretado magníficamente por Guillermo Serrano, es el pergeñador de ese mal que nos hará reflexionar.

    Dentro de esa crueldad, de lo volcánico del sus elementos, lejos de lo gore que puede resultar el final, ¿Qué detalles tiene esta obra que la hace diferente?

    Nosotros no nos centramos en el canibalismo, en la dureza de las acciones, y no se trata de una obra inofensiva, es una obra de impacto, pero nosotros potenciamos el protagonismo de la poética y genialidad de la obra en sí. El texto asume todo el protagonismo, priorizando esa parte, donde el reparto de esta obra, con actores jóvenes pero muy preparados se apoderan de las palabras de Shakespeare como si fueran suyas. Perturbar la genialidad de esta obra con otros ingredientes carece de lógica. La obra es ambigua y misteriosa y eso la hace muy diferente.

    Festival de Teatro Clásico de Mérida
    El corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único

     

    De comer bifanas en Lisboa a poder pedirte un bocadillo de jamón, muchos años en la senda del Teatro del Noctámbulo…

    [Ríe]…puede resultarte un tópico pero Leandro Rey y yo en Portugal pasamos mucha hambre, y es un claro ejemplo de cómo creció el Noctámbulo, de la nada, de lo más bajo, poco a poco, con muchas ilusiones y en un estado del que no éramos conscientes de lo que queríamos hacer. Sí teníamos claro lo que queríamos reflejar, pero no el camino para llegar. Leandro y yo teníamos un lenguaje común…y muy poco dinero…[Ríe]…pedimos prestado dinero a los amigos de aquí para mantenernos allí. Con el primer montaje no conseguimos lo que queríamos pero con el segundo sí, conseguimos con Pedro y el Capitán de Mario Benedetti, con la dirección de Paco Carrillo, el Premio Honra 1998 en el Festival Internacional de Teatro de Almada. Un verdadero espaldarazo para a pesar de no ver un duro seguir creyendo en nuestro trabajo teatral.

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    Existe mucho trabajo previo para ponerte la máscara de Tito Andrónico, Áyax o Edipo Rey…cuéntanos lo que cuesta llegar ahí.

    Hay mucho trabajo detrás. Además esta obra es larga, donde hay mucho texto, mucha acción, y eso exige muchos meses de trabajo sin descanso. Hay un estudio muy profundo del texto y del personaje, donde todos los días de ensayos se han optimizado al máximo para plantarnos en el escenario del romano en las mejores condiciones. Antonio Castro, premio Max este año, y con el que ya he trabajado en Contra la democracia ha currado día y noche para dirigir su primera obra en el Festival de Teatro de Mérida. Pero no sólo el director, el reparto, el equipo técnico y artístico se está dejando la piel. El tópico de llegar, ensayar un poco y representar la obra es un mito que carece de validez. Aquí no se ha escatimado en horas y esfuerzo.

    Segundos antes de empezar la obra, y ya has actuado catorce  veces en el Festival de Teatro Clásico de Merida, ¿Qué es lo experimentas?

    Yo le llamo el embudo…[Ríe]…cuando salgo por la valva regia y ves esa especie de embudo humano, el público que se hace más amplio conforme miras hacia arriba…el corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único. Una vez que arrancas, que hablas y consigues poco a poco aclimatarte al espacio, a la luz, al espectador, al silencio, el actor comienza a emerger de una manera tan particular que la hace diferente a otros escenarios del mundo.

    Festival de Teatro Clásico de Mérida 2025
    Los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público

    Tú te mueves por todos lados, mantienes relación con otras ciudades, otros países y muchos actores y gente del gremio, ¿Qué eco tiene este Festival de teatro clásico de Mérida fuera de nuestros límites?

    Es uno de los festivales más importantes del mundo y su obligación es mantenerse, mantener la calidad obra tras obra y luego por otro lado hay que reconocer que este festival traspasa fronteras, se oye mucho en todos los circuitos culturales y yo como actor y extremeño me siento muy contento de que así sea.

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    ¿Cómo está la salud del teatro?

    Está como un toro, todos tenemos  ganas hacer teatro, ganas de trabajar, con buenos proyectos, y la proliferación de nuevos espacios para el desarrollo teatral crea una competencia que te hace reciclar y buscar nuevas fórmulas para seguir creciendo. Las nuevas hornadas de actores y actrices vienen preparadísimos, la  gran pega es que no contamos con los medios necesarios para sacar todo ese trabajo. Los actores y todo el equipo que genera una obra de teatro deben de cobrar, y cobrar dignamente. La programación también anda un poco resfriada, yo entiendo que un empresario quiera tener su teatro lleno, dentro del mundo privado pueden hacer los que quieran pero los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público. Tienen que generar la necesidad de que otros estilos convivan para ser sociales y plurales ante el espectador.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Luis Pastor «¿Qué fue de los cantautores?»

    Luis Pastor «¿Qué fue de los cantautores?»

    Extremadura colonizaba tierras en época de hambre. Madrid era una calle más del mapa. Barcelona un barrio donde levantar familias. Bilbao un parque gris donde machacar la nostalgia soleada de Tornavacas para abajo.

    En ese nuevo callejero octosílabo. Berzocana, sin conexión AVE pero con un caminito desgastado entre las jaras, escupe a un niño larguilucho dirección Vallecas. En ese suspiro de alta velocidad una ilusión agridulce, una maleta de transición y un petate protestón.

    En los 70 voz engolada a lo Paco Ibáñez. En los 80 voz para adentro, estilo brasileño, Caetano Veloso, Milton Nascimnento o Djavan. En los 90 voz poética, recuerdos de su tierra y su amada Portugal. Ahora, en la actualidad, asegura cantar afónico si hace falta. Luis Pastor utiliza la escritura como un espejo donde reflejar las emociones, los estados de ánimo, donde buscarse y donde encontrarse. Es en esa búsqueda, y a las dos de la madrugada, esperando el barco destino la isla de Troia con Javier Ruibal, Pablo Guerrero y la voz de Dulce Pontes donde llegan las lluvias de mayo que mojan el cuerpo pero su alma no.

    Seis de la tarde y Luis Pastor y Lourdes Guerra preparan sus voces desde el barco de la cultura que la Fundación CB mantiene viva en la sede de la Residencia Universitaria RUCAB. Espacio mágico para gente tocada por la varita del virtuosismo como el cantautor extremeño.

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    Luis Pastor y tres minutos para resumir sus cuarenta años de vida. Tres folios escritos con callos y acento lanzatremeño…Qué fue de los cantautores preguntan con aires extraños cada cuatro o cinco años despistados periodistas que perdieron nuestra posta y enterraron nuestra voz. Y así van más de treinta con la pregunta de marras tocándome los bemoles, tomen nota señores que no lo repito más.Luis Pastor7

    Luis, disculpa… ¿Qué fue de los cantautores?

    …[Sonríe]…Cuando vuelvo al escenario en el 81, todos aquellos que me ensalzaban, una vez muerto Franco, decidieron que nuestra música ya no tenía razón de ser. Nos pone una etiqueta de tíos aburridos, barbudos con una simple guitarra. Y eso queda para que mucha gente no se acerque a oír a los cantautores en los años 90. Es verdad que esa sensación se ha ido diluyendo, primero por la aparición en décadas diferentes de jóvenes creadores y porque alguno de nosotros no nos hemos rendido. Yo he sido capaz de cantar cuarenta años de historia de este país en tres folios, ¿Por qué no escribir mi vida en verso? Yo he aprendido a escribir de mayor, yo no sabía escribir, musicaba los poemas, y fruto de mis lecturas poéticas y de saber encontrar mi voz en la palabra.

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    Poesía desde tus canciones, ahora al papel del libro…

    …Cierto es que mis libros discos sacaba treinta poemas en cada disco pero no era como tal un disco de poesía. Es la primera vez que yo me meto a hacer libros, por un lado el de poesía con Jose Manuel Díez  “Josele” y ahora este ¿Qué fue de los cantautores?.

    ¿Por qué en octosílabos?

    Yo creo que por Martín Fierro, ese emblemático poemario argentino que cuenta la historia del pueblo gaucho de final del siglo XIX. Me acuerdo de haberle comprado una edición de lujo a tres euros para mi hijo de Martín Fierro. Al volver a releerlo influyó en mi estructura en octosílabo en sexteto. Después de cuarenta estrofas, fue también mi hijo quien me dijo ¿Padre, cuenta las sílabas? Apenas sabía las reglas. Sonaba bien, pero había que corregir.

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    ¿Cuándo surge?

    La verdad es que fue una especie de broma, cuando en el homenaje al 40 aniversario de mi disco Vallecas, y dije que estaba harto de homenajear a los compañeros muertos, Hilario Camacho, Tintín Cabrera, Imanol, Labordeta y pensé que molaba más auto homenajearse…[Risas]…y voy a editar tres libros. Uno de poesía, otro de letras de canciones que saldrá con Akal y uno de memorias que iba a hacer con un periodista pero antes las editoriales Capitán Swing y Nórdica Libros me persiguieron hasta sacar este libro tan fabuloso. Algo tienen los hermanos (directores de ambas editoriales) para estar detrás de mí todo un año. Ellos no sabían que iba a escribir en verso, se esperaban para otra biografía con el periodista. Lo sorprendente es que dedican este libro a sus padres.

    En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso

    Memorias en verso, pero hasta el año 79…

    …hasta mi primer desencanto político, donde vivimos la desilusión de sentir que nada es como nos creíamos. Que las grandes verdades se diluían, que la izquierda se dividía, que la revolución que creíamos y soñábamos no llegaba, que las utopías se desvanecían, ahí hubo un momento de duda de la canción política, de su utilidad, y de duda personal de saber si nuestro éxito, mi éxito era debido a mí o a un movimiento social y político que nos empujaba. En ese momento me retiré de cantar dos años, y en ese tiempo aprendí a cantar…[Ríe]…durante ese tiempo fui a clases de canto, hice expresión corporal, compuse para obras de teatro. Me metí en el Gallo Vallecano, allí estuve seis meses de obrero, con los focos, butacas, escenarios con Fermín Cabal, Matilla y Juan Margallo entre otros. Allí me abrí a otro mundo, llegué a componer música para una obra de Alfonso Sastre y para dos obras infantiles de Luis Matilla.

    Época complicada pero a la vez emocionante…

    …en esa época cuando se hace tabla rasa y se dice que llegó la democracia en las primeras elecciones es mentira. En el 79 la extrema derecha aún mataba y pintaba en las paredes Franco resucita. Cuando yo me retiro en enero de ese año sale una nota en El País donde yo aparezco como amenazado. Ahí acaban las memorias y ahí acaba una etapa, posiblemente de un movimiento de cantantes que no se ha repetido, que tenía una presencia real en lo que sucedía en la sociedad. La reivindicación a través de la música. Un fenómeno que se estaba dando en todo el mundo. Latinoamérica y hasta en Estados unidos con Joan Baez y el Dylan de la primera etapa. Apostábamos por una canción diferente, con letras comprometidas  y algo de amor.

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    Siento algo de frustración en tu discurso.

    No, yo sigo creyendo en muchas cosas desde mi ingenuidad de niño, sigo creyendo en muchas cosas buenas del ser humano, por tanto creo que siempre hay una esperanza en mi propuesta, no hay una negatividad absoluta. En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso.

    Cuéntanos esa etapa canaria, que te ha dado las islas, ese contacto con Saramago…

    Hay un antes y un después que viene del año 93 cuando conozco a Pedro Guerra de manera más directa. Un día le invité a cantar en el bar del teatro María Guerrero y me cantó Peten Pan y yo aluciné. Cuando la trayectoria de uno es tan larga hay momentos en la que no sabes que contar, la creatividad se agota y musicalmente parece que has agotado todo. Es ese el momento que pilla con Pedro, donde él me aporta unas armonías en mis letras que me abren mi voz. En Diario de a bordo se puede ver esa etapa creativa, en Soy o en Piedra de sol grabada en Mérida que es una revisión de los temas de los 70 con poetas que vuelvo a rescatar. Vuelvo a disfrutar, vuelvo a embelesar en los conciertos. Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta.

    Tu conexión con Extremadura ¿Cómo anda?

    Es buena. La he recuperado, a nivel de vivencias, de memoria, es decir, que soy de un tiempo de cerezas, con Berzocana como cuartel, con mis hijos cuando eran pequeños. Es ahí donde he escrito mis memorias, mis añoranzas, mi infancia y mis paisajes. Cuando hablo de Extremadura, de las Villuercas en cualquier sitio parezco un embajador, sólo puedo recomendar maravillas de nuestra tierra. Yo siempre he estado conectado con la tierra, desde Pablo Guerrero, mi hermano, donde hemos tocado en miles de sitios, pasando por la cooperativa de músicos Jammin donde estaba Perroflauta por ejemplo hasta Bebe la conozco estando aún en Vanagloria. Siempre he estado abierto a voces nuevas y a gente que yo sé que están ahí y a veces no tienen un altavoz donde poder llegar. Me acuerdo como pudimos conectar nuestros proyectos con Dulce Chacón antes de fallecer, manteniendo una bella conexión la tierra.

    Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta

    Luis Pastor3

    ¿Tenemos relevo generacional con tu hijo Pedro?

    Las cosas han cambiado, quizá hemos retrocedido en algunas luchas pero Pedro es un ser valiente que se plata en Latinoamérica con su mochila parta recorrerla durante tres meses para recolectar sonidos, escuchar a la gente y cantar con ellos.  Tiene un gran talento escribiendo y su capacidad desde los 16 años para hablar de cosas que yo muchas veces me he preguntado cómo las ha podido vivir. Jamás pensé que se dedicara a esto, primero porque no le gustaban los cantautores…[Ríe]…de pequeño estaba con Estopa, el rap y el flamenquito facilón…recuerdo con trece años que le regalé la colección de poesía que editaba el País y desde entonces se lo ha guiado todo él solito. Abrió su mundo con la lectura y ahora está desarrollando un gran trabajo musical.

    poema-luis-pasotr-culturabadajozEntrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Riki Blanco «La poesía que nos merecemos»

    Riki Blanco «La poesía que nos merecemos»

    Riki Blanco es ese tipo de persona que te hace crecer las dimensiones de las pupilas en cuestión de segundos, un impacto visual, una hostia virtual, un puño en lo más encaramado del coco y ¡Pum!, dientes rotos, gafas partidas y mentón al bies. Y todo lo anterior provocado por la presentación de una imagen, de unos de esos artefactos poéticos con los que trabaja, nada de manos, nada de guantes de boxeo, la imaginación desbordante de una ilustración con límites físicos pero con un infinito universo de interpretaciones mentales. Nada de sangre. Mucho de Riki Blanco.

    Riki Blanco es uno de esos creadores que te hace reflexionar, sonreír, vacilar, rodar, sudar, gimotear, emborrachar, acariciar, toda una métrica visual que, sin duda, nos merecemos. El autor catalán es capaz de plantear el tema más crudo del momento con una elegante y directa ilustración con, detrás o delante, muchos pliegues de enormes interpretaciones.

    LA POESIA QUE NOS MERECEMOS.indd

    Riki hace muchas cosas y todas bien, incluso la de contestar un cuestionario burdo, una suerte de elegir tu propia pregunta a golpe de buen humor. Desarrolla su trabajo como ilustrador, tanto en el ámbito editorial, como en prensa, pintura, animación, escenografía, cartelismo y publicidad. Ha colaborado con editoriales tanto estatales como internacionales y ha ilustrado cerca de treinta libros. Colabora con numerosos medios nacionales (El País, El diario, El Mundo, etc.) e internacionales (New Yorker, Liberation, Variety). Entre los premios otorgados destacan el 2º premio nacional de ilustración 2007 y la selección The White Ravens 2007. Compagina sus trabajos con la docencia, la autoedición y proyectos creativos independientes.

    Nosotros seguimos sin encontrar esos libros escondidos de La poesía que nos merecemos, su última joya publicada, que una vez hallados, debes pagar igualmente…pero tenemos el placer de contar con Riki Blanco por un rato para nosotros.  A continuación te realizamos el famoso test del doctor Carlo Luigi Pompini, 20 preguntas que darán como resultado lo que tenga que dar y punto.

    RETRATO_RIKI_PENGUIN

    1. Háblanos de La poesía que nos merecemos..…o no. (Si no quieres responder a esta pregunta pasa directamente a la pregunta 4) (Si crees que debes hablar de lo bien que va la cultura en este país y fronteras vete a la última pregunta)

    Primero de todo, buenos días. (pausa) Siempre es difícil hablar de algo, así en general. En una primera cita la parte más difícil es cuando la otra persona te pide que le hables de ti. Por ese motivo a las citas me llevo siempre a mis padres, porque yo no tengo objetividad y además estoy demasiado nervioso. Con un libro sucede justo lo contrario: La mejor forma de hablar de una obra es leyendo la obra. Hablar sobre ella es anularla, es un ‘mansplaining’ como una casa. Por ese motivo, en la contra del libro -dono se suele alabar el libro mientras se le trata como a un niño tonto- decidí escribir lo siguiente: Lo más sensato es que abras el libro por cualquier página, da igual la que sea, y si lo que ves te hace gracia, te ofrece una nueva perspectiva, te escuece o te pone triste, tal vez este sea el libro que te mereces.

    2. ¿Por qué libros, porque seguimos editando libros? …recuerdo los anteriores, uno lo pude ver formato digital y otro crowdfounding (El camino más largo) me llego a la oficina sin saber qué carajo venía dentro (Como cuando ibas al videoclub y pillabas las pelis por la caratula fotocopiada), parece que lo digital es más efímero, hasta que no se edita da la sensación de ser un boceto…

    …El devenir de la historia cambió drásticamente cuando en 1441, Johannes Gutenberg tomó con sus alambicados dedos un trocito de alambre, lo retorció en forma de ‘U’ y exclamó “Ahora las hojas ya no volarán cuando se abra una ventana”. Gutenberg acababa de inventar la grapa, y con ese pequeño utensilio para compactar las hojas sueltas, dio forma a lo que ahora llamamos ‘libro’. Ahora los libros llevan dos grapas (en ocasiones hasta tres) pero cabe recordar la importancia de la hazaña de Gutenberg, quien, por cierto, había inventado la imprenta un año antes. Hecho que muchas veces se pasa por alto y que no es baladí.

    3. Tiempo, trabajo, maquetación, que implica la edición de un libro como La Poesía que nos merecemos.

    Bueno, en esta ocasión he tenido una editorial detrás (Penguin Random House) que me ha echado una mano. Pero de todas formas, me gusta llevar el control de todo el proceso de edición. Aquí una foto de cuando estaba haciendo puzzles con las hojas sueltas.

    puzzle

    4. Tus ilustradores más odiados. (Si NO tienes, aquí termina la entrevista, si por el contrario quieres tenerlos y acabar antes el cuestionario para a la siguiente pregunta)

    Los ilustradores que menos me gustan tienen el denominador común que son todos unas excelentes personas así que prefiero no hablar mal de esos ineptos.

    5. No sólo de la…cultura vive hombr@…portadas de libros, de dominicales, videoclip, tele… ¿cómo se lleva esta labor de estar presente en mil frentes para pagar el alquiler a fin de mes?

    Utilizo las diferentes partes de mi cerebro para cada una de esas actividades. Esto es una ventaja pero también un inconveniente, ya que hay regiones -por ejemplo ‘Publicidad’ que no están neuronalmente conectadas con el habla y en ese caso no tengo más remedio que comunicarme con el cliente con gruñidos. O por ejemplo ‘Videoarte’, que lo tengo alojado en el lóbulo temporal, lo que hace que cree, una y otra vez, la misma puta videocreación. Las ventajas son evidentes: está todo organizado y no me lio.

    LA POESIA QUE NOS MERECEMOS.indd6. Riki, se nos había olvidado, tus inicios, en qué momento decides dedicarte a esto…¿Qué tipo de comida en mal estado te provocó volcarte en el arte, la ilustración, el diseño, viajar de Barcelona a Madrid…?

    Preferiría no hablar de mi infancia. No lo pasé bien en el orfanato ‘Francisco Ibáñez’.

    7. Una portada de prensa de la que te sientas orgulloso. Imagen por favor

    Esta, sobre pensamiento crítico, de La Vanguardia.

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    8. Una portada de libro de la que te sientas algo orgulloso. Una imagen por favor.

    Esta es de las últimas que he hecho. Todavía no ha salido, así que solo enseñaré la imagen.

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    9. Una poesía visual de la que te sientas orgullo. ¡Imagen ya!

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    10. Un cartel de cine.

    el muerto

    11. La bio de tu página web está en inglés, ese idioma aún no ha llegado a estas tierras, pero creemos entender entre líneas que trabajas para medio mundo, ¿Tiene la poesía visual, la fuerza de ser entendida en todo el planeta sin tener que poner una sola letra?

    No diría que se trata únicamente de la poesía visual. La imagen, como tal, tiene esa habilidad. Un corte de mangas, por ejemplo, lo entiende todo el mundo. Si el gesto en sí, por lo que sea, no se entiende, sí lo hace el contexto y la intención.

    12. En casa apareció La calle del fantasma, libro que ilustraste con Enric González, cuéntanos, la dificultad de dibujar, trazas líneas para otras edades como la infantil y que supone colaborar con gente como Enric, Solano, José Ramón Alonso, Olivares…?

    Sí. Trabajé mucho en literatura infantil cuando era más joven. Debo recordar que pasé 14 años en el orfanato ‘Francisco Ibáñez’ donde nos obligaban a esa actividad. Del estilo ‘Mortadelo’ pasé al estilo ‘Filemón’ y cuando acabé mi formación/condena me pasé al álbum infantil ilustrado. Es una actividad a la que le he dado un descanso. No siento que esté preparado ahora mismo.

    13. Descansito. No hay preguntas.

    Sí.

    14. Recortes de otras entrevistas…¿Humor triste?

    Sí. Muy triste y muy gracioso y a la vez muy triste. Mira:

    LA POESIA QUE NOS MERECEMOS.indd

    15. Recortes de otras entrevistas…¿Tus potentes imágenes no son lo más importante?

    Lo más importante es vivir.

    16. Recortes de otras entrevistas?…¿Qué NO puedes aportar en tus ilustraciones?

    Sonidos, secuencias, literalidad..

    LA POESIA QUE NOS MERECEMOS.indd

    17. OVERdose, sobredosis de todo, no hay tranquilidad para entrevistar, todo vale, todo rápido, pero intentamos hacer las cosas con pausa, con media copa de vino, con risas largas y sobre todo escuchando a todos…¿Dónde nos llevará esta celeridad en todo, en los medios de comunicación, relaciones personales, cultura…?

    Me da un poco de esperanza que hables en futuro, porque para mí el déficit de atención, la impaciencia, la cultura del clickbait, la falta de comprensión lectora, la inmediatez, la mediocridad, y la infantilización de todos los ámbitos, está sucediendo desde hace un tiempo. ‘La poesía que nos merecemos’ mi último libro de autor, en el que el humor gráfico y la poesía hacen cucharita, habla mucho de eso. De hecho, el título hace referencia a una suerte de revancha. La poesía que propone es una respuesta natural a un mundo sensiblero e insensible, a un momento de sobreexcitación y agotamiento. No sé por qué antes no hablé del libro…

    LA POESIA QUE NOS MERECEMOS.indd

    Pensé que habría más ocasiones para hacerlo, pero veo que se acaba ya la entrevista y no he dicho nada. Justo ahora que estamos al final y que muy poca gente habrá llegado a leer hasta aquí. ¿Ves? La gente ya no aguanta una entrevista entera. Espero que hayas usado imágenes del libro para facilitar la lectura. Lo edita Reservoir Books. ¿Lo había dicho ya? Creo que sí. El libro está francamente bien. Propone ideas aparentemente sencillas pero que esconden un hilo de pensamiento más profundo. Se puede comprar en librerías o en internet. Es muy de reír y de pensar.

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    18. ¿Cuándo vas a colaborar con nosotros?

    Sí.

    19. Gracias por…

    Por?

    20. …todo.

    Ah! nada, a ti! Un abrazo.

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    Entrevista. Willy López | Ilustraciones. Riki Blanco

  • Javier Cercas «La mitad de un libro la pone el autor, la otra mitad el lector»

    Javier Cercas «La mitad de un libro la pone el autor, la otra mitad el lector»

    Seguir a Javier Cercas es bucear en cualquier cuento de Borges. Acoplar las piezas del puzle de la obra del escritor extremeño es más sencillo que hacer de agrimensor para Kafka. Hablar con aquel niño que exiliaron con cuatro años de Ibahernando es un ejercicio de obligado cumplimiento para todo lector enganchando al cocido universal que en su día cocinó Cervantes con un tal Don Quijote.

    Los pregones literarios suelen abarcar un universo infinito de citas sobre esa extraña droga que supone leer o escribir un libro. Benito Pérez Galdós y un texto robado de su Fortunata y Jacinta pueden resumir la batería imaginaria de divisas literarias; Vivir es relacionarse, gozar y padecer, desear, aborrecer y amar. La lectura es vida artificial y prestada, el usufructo, mediante una función cerebral, de las ideas y sensaciones ajenas, la adquisición de los tesoros de la verdad humana por compra o por estafa, no por el trabajo. Los pregones sirven para hacer de Unamuno y su San Manuel Bueno, mártir, el motivo de una profesión, una literatura como encuentro de certezas y dudas.

    Los libros nos han acompañado en tiempos de pandemia, un título de por sí, que puede servir para un best seller pero que en realidad, se ha convertido en una afirmación agridulce, una maldita errata que nos ha marcado en la ficción de nuestras vidas. Una tabla de salvación que recordaba, la cultura en definitiva, esa herramienta universal que nos ha servido de medicina natural para salvarnos por momentos. El escritor un personaje siempre confinado siempre listo para narrar historias, una forma de leer de manera más encarnizada.

    En esa línea, se trazan los pregones literarios, en acomodar nuestras lecturas en futuras ventas para los libreros, nuevas historias, nuevas compras, nuevos lectores. Ese círculo tan maravilloso que van enganchando al personal. Pero ya hemos dicho que seguir a Javier Cercas es seguir a la literatura, inabarcable. El escritor chileno Roberto Bolaño rescató a Cercas del olvido editorial, lo pescó de ese limbo de autores, para bien de la literatura española. Soldados de Salamina fue para el Premio Planeta la carta de identidad que corroboró con creces la apuesta de Bolaño.

    El placer de la literatura

    La literatura es un placer, un placer que da conocimiento, lo mismo que el placer sexual. La literatura es una forma de vivir más, de vivir de una manera más compleja, más rica y más intensa. Cuando alguien me dice que no le gusta leer…lo único que se me ocurre es darle el pésame.

    Feria del Libro. Mitades de un libro

    Este tipo de eventos sirve para acercar los libros a los lectores, ver a los escritores extremeños en los carteles que decoran la feria, y a la que la inmensa mayoría no conozco, aquí en la calle como si fueran futbolistas, me parece fantástico.  También la feria del libro sirve para acercar los lectores a los escritores, no hay literatura sin lectores. En Terra Alta, mi última novela, hay un personaje que dice la mitad de un libro la pone el autor, la otra mitad el lector, y eso es así, ya que un libro es una partitura y es el lector el que interpreta esa partitura y cada lector la interpreta a su manera.

    Un libro es una partitura y es el lector el que interpreta esa partitura y cada lector la interpreta a su manera

    No se puede obligar a leer

    Aquello de que la literatura es una obligación no es correcto. Aquel que no quiera leer que no lo haga. La literatura obligatoria es un oxímoron, las lecturas obligadas se convierten en una contradicción cultural. Quien no quiera comer jamón extremeño o no quiera practicar sexo no sabe lo que se pierde, pero sería un error obligar a hacerlo.

    Cada lector es un mundo

    Ahora se está rodando una película de una novela mía, Las leyes de la frontera, con el director Daniel Monzón, y cuando, me preguntan si vamos a ver en la pantalla aquello que han leído, siempre les digo que eso es imposible, porque lo que usted ha leído solo lo ha leído usted. Cada lector crea su propio libro, esta es la magia de la literatura. Lo peor que puede hacer un escritor a mi edad es repetirse o convertirse en imitador de sí mismo.

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    Soy un caníbal, devorador de libros, un animal carroñero

    Nostalgia de la tierra

    Soy un escritor porque soy un desarraigado. Si no me hubiese marchado, en esa diáspora de los 50 y 60, no sería lo que soy ahora. Lo he dicho y lo diré siempre, si lo dice mi madre es que es así. Algún presidente de la Comunidad extremeña me ha recriminado por ello, diciéndome que hubiese sido escritor en la tierra igualmente. Creo que no. Sufrí entre comillas una emigración privilegiada, por mi edad y por la situación familiar, nosotros podamos comer algo, la gran mayoría no tenía para llevarse nada a la boca. Fue mi madre la víctima, la que hizo de jefa del consulado de Ibahernando en Cataluña, la que se llevó todos los recuerdos en una maleta. Me siento muy querido en Extremadura, la gente me quiere mucho porque no me conoce, de cerca soy otra persona [Ríe]…pierdo mucho.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • La 3ª edición del Festival Fotográfico Negativo «Punto de referencia de la imagen en España»

    Llevar a cabo un Festival, del tipo que sea, se convierte en una tarea ardua. Sabemos de lo que hablamos. Si a esto le añadimos la complejidad de dar cabida a todo tipo de espacios, estilos, públicos y espacios, se convierte en una locura (bendita) donde el trabajo de producción se deja la piel para mostrar lo mejor, en este caso, de la fotografía en el panorama nacional. Gran trabajo en este caso.

    En esta 3ª edición de Negativo Foto, el festival de fotografía más positivo, destacamos la gran presencia de mujeres profesionales de la fotografía, un programa donde se ha cuidado la labor femenina en este mundo de la imagen. Un espacio que se ha implantado de manera natural y eso nos da esperanza para seguir amando este tipo de eventos. La presencia de fotógrafos y fotógrafas de la región que ya forman parte del paisaje nacional o internacional refuerza esta labor. Su presencia y la del resto de artistas nacionales aportan la valía de un festival que nació desde la entrañas y amor por la fotografía y donde la Fundación CB pone el foco; la creación del Centro de la Imagen como un espacio de Memoria de Extremadura. Hitos que poco a poco se van consiguiendo, y que damos fe del esfuerzo que en este apartado se está haciendo, para convertir Badajoz en un lugar de encuentro y archivo del recuerdo en forma de imagen. ¡Larga vida a este Festival

    3ª Edición del Festival Negativo

    La fotografía ha comenzado a tener identidad y protagonismo en Fundación CB, donde se trabaja de forma constante e intensa en la creación y alimentación del futuro Centro de Documentación y de la Imagen de Extremadura, un proyecto que pretende trabajar sobre la memoria de los extremeños y que esta sea un referente desde su enclave en el corazón del Casco Antiguo de Badajoz.

    Como parte de este proyecto nació a finales de 2022 el festival de fotografía NEGATIVO  y en esta 3ª edición, que arranca a mediados de octubre de 2024 y que estará hasta finales de noviembre, FUNDACIÓN CB considerada la “fundación de la gente”, se vuelve a volcar con este evento dotándolo de un amplio programa de charlas, exposiciones, visionado de porfolios y talleres, situando al festival entre uno de los imprescindibles a nivel nacional manteniendo el objetivo principal con que el nació: acercar a fotógrafos y amantes de la cultura a reconocidos fotógrafos a nivel nacional e internacional, pero sin olvidarse de nuestros artistas locales y regionales.

    NEGATIVO tendrá el núcleo principal en la ciudad de Badajoz con actividades en diferentes salas de la ciudad, pero además, el festival continúa expandiéndose por la provincia llegando en esta edición a ciudades como Olivenza, Mérida, Zafra, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena, colaborando con ésta última en el “Festival de fotografía analógica Ricardo Martín”.

    La primera fecha clave será el 17 de octubre con la inauguración de la primera exposición y después, de forma escalonada, se irán inaugurando el resto de exposiciones  hasta un total de 17 en diferentes salas y zonas geográficas de nuestra región, y que podrán visitar hasta finales de noviembre.

    Otra fecha importante será el fin de semana del 8, 9 y 10 de noviembre, dónde se concentrará el mayor número de actividades y que podrás disfrutar de forma gratuita.

    Con esta propuesta los promotores, organizadores y colaboradores del festival quieren seguir apostando para que el MES DE NOVIEMBRE sea el MES FOTOGRÁFICO en nuestra región.

    El festival está organizado y promovido por Fundación CB, y cuenta con la colaboración de diferentes empresas e instituciones.

    Objetivos del Festival

    • Difundir la fotografía como medio de expresión, comunicación y participación cultural.
    • Establecer colaboraciones con asociaciones, instituciones, organismos y otros colectivos con el fin de generar una programación abierta y dinámica que sea capaz de conectar de manera eficaz con el entorno.
    • Facilitar el acceso público a la obra de artistas actuales de reconocido prestigio a nivel nacional e internacional pero sin olvidarnos de los artistas locales y regionales.
    • Formación para profesionales y aficionados a través de talleres y conferencias… dando cabida tanto a los modelos tradicionales como a los nuevos modelos de desarrollo fotográfico.
    • Ampliar los conocimientos sobre fotografía actual y saber lo que se está haciendo en cuanto a proyectos fotográficos y fotografía de autor.
    • Reconocimiento de artistas locales a través de su obra.
    • Acercar la fotografía a nuestra región beneficiándose así del trasiego cultural generado.