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  • Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Más allá del palmarés, el 32º Festival Ibérico de Cine ha vuelto a demostrar que su identidad va mucho más allá de la competición. La apuesta por la formación de nuevos espectadores, el reconocimiento al cortometraje como una de las expresiones más libres y creativas del lenguaje cinematográfico y el protagonismo de la música de cine conforman tres de los pilares que distinguen al certamen.

    El crecimiento del Festival dos Miúdos es el mejor ejemplo de esa mirada hacia el futuro. La sección infantil no solo amplía cada año su presencia territorial, sino que acerca el cine a cientos de niños y niñas de ambos lados de la frontera, despertando en ellos la curiosidad por el séptimo arte y fomentando una educación audiovisual basada en la emoción, la imaginación y el pensamiento crítico. El cine deja así de ser únicamente un entretenimiento para convertirse también en una herramienta cultural y educativa. El festival continúa reivindicando igualmente el enorme valor creativo del cortometraje. Lejos de ser un formato menor, el corto se consolida como un espacio de libertad artística donde nacen nuevas voces, se experimenta con los lenguajes cinematográficos y se cuentan historias capaces de emocionar en apenas unos minutos. Cada edición confirma que muchas de las miradas más innovadoras del cine contemporáneo encuentran en este formato su primera gran oportunidad.

    A ello se suma una de las señas de identidad más reconocibles del Festival Ibérico de Cine: su estrecha relación con la música para el cine. Los conciertos dedicados a las bandas sonoras han vuelto a ocupar un lugar destacado dentro de la programación, convirtiéndose en una experiencia única que trasciende la pantalla y acerca al público el trabajo de los compositores. Una apuesta que mantiene vivo el legado de Alejandro Pachón, histórico director del festival, cuya pasión por la música cinematográfica dejó una huella imborrable en el certamen. Cada nueva edición renueva ese homenaje, recordando que una banda sonora no solo acompaña las imágenes, sino que también es capaz de construir emociones, memoria e identidad.

    Un palmarés con hitos históricos

    El máximo reconocimiento del certamen fue para Homing, dirigido por Hansel Rodrigues y Elizabeth Atherton, que obtuvo el Onofre al Mejor Cortometraje, además de la candidatura directa a los Premios Goya y a los Premios Fugaz.

    La edición también quedará marcada por un hecho sin precedentes. In Memoriam, de Teresa Bellón y César F. Calvillo, se convirtió en el primer cortometraje en los 32 años de historia del festival capaz de conquistar simultáneamente los Premios del Público de Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, un respaldo unánime que refleja la extraordinaria conexión de la obra con los espectadores.

    También creció el Premio del Público Infantil, cuya dotación económica se duplicó hasta alcanzar los 1.000 euros gracias a la ampliación del Festival dos Miúdos. El reconocimiento recayó en el cortometraje portugués Rui Carlos, elegido por los propios niños participantes. De forma casi simbólica, la historia narra cómo un grupo de jóvenes vive con intensidad un partido de fútbol en un barrio portugués, un guiño perfecto para una edición marcada por el ambiente mundialista.

    La música de cine, una seña de identidad

    Otro de los grandes atractivos del festival volvió a ser su apuesta por las bandas sonoras, una propuesta prácticamente única entre los festivales especializados en cortometrajes.

    El público pudo disfrutar de los conciertos ofrecidos por Pablo Cervantes y Roque Baños, dos de los compositores más destacados del cine español contemporáneo.

    Entre los momentos más especiales figuró el estreno mundial en formato sinfónico de la partitura de Torrente, presidente, interpretada por la Orquesta de Extremadura bajo la dirección de Roberto Forés, un acontecimiento que reforzó el compromiso del Festival Ibérico con la difusión de la música cinematográfica.

  • Tan cerca, tan lejos

    Tan cerca, tan lejos

    Tan Cerca tan lejos…pulsando en este enlace se puede acceder a todos los artículos publicados en la edición de este libro; Tan cerca, tan lejos

    Cuando pisamos el barrio. Tan cerca tan lejos

    Cuando pisamos el barrio…los barrios…la vía del tren tenía un paso a nivel con barrera que resquebrajaba la ciudad en dos. No, no era el Guadiana, el que hacía de frontera natural…era nuestra forma de percibir estas calles, unos recuerdos creados de oídas, de noticias de papel amarillo y de prejuicios malnacidos.

    Cuando pisamos estas calles,  aún sonaban los vagones a rancios y la locomotora iba a carbón. Tampoco esto ha cambiado mucho…Cuando llegamos Félix y yo sentimos que estábamos cerca pero también muy lejos. Cuando llegamos, Ramón aún colocaba los cubiertos en el comedor social, Lolo era el párroco de la Asunción y Juan ejercía de cicerón en este instituto.

    Cuando llegamos al barrio, Antonia tenía la misma fuerza que ahora a pesar de sufrir el palo de su vida…Ricardo era el mejor jefe scout… y dos murgueros locos estaban metiendo la vena del carnaval desde la base, desde los más pequeños. Cuando pisamos tierra norte de la ciudad de Badajoz, había un estercolero que un tal Julio supo convertir en parque. Cuando cruzamos la avenida, la Farmacia de Sara aún tenía el decorado de su padre, su espagueti western del que ha hecho un fortín a base de cariño y lazo rosa. Por entonces Paco, el Aspirino, era el Sheriff.

    Cuando pisamos el barrio conocimos a chicos y chicas con ganas de reorientar su vida. Vimos a gente motivada, motivando al futuro de los barrios…Cuando llegamos, Estefanía tenía los ojos azules, ahora son transparentes, más azules aun, enormes como un faro…! En esta costa no puede encallar ningún niño ¡…nos decía.

    Cuando llegamos aquí, Marta, no quería estar a la deriva, quería llegar a buen puerto y ser alguien, lo está consiguiendo. Zeus le daba bien al balón, sabía el destino de su vida, pero antes no renunció a intentarlo. Zoraida jugaba en dos ligas, en su casa y en la del fútbol femenino. Le quedan muchos penaltis que tirar. Sara e Ismael eran amigos, luego pareja y más tarde padres. Han sabido navegar.

    Cuando entramos en el barrio, Gloria nos acogió…los huérfanos, los desvalijados, los perdidos éramos nosotros. Gloria nos acurrucó y nos mandó a paseo, nos habló, y habló y habló y nos dejó hablar, un rato, pero nos dejó. Nos marcó y nos sacó el pasaporte del barrio. Cuando osamos meternos en las casas, en los colegios, en las aulas, en los negocios, en el centro de salud, únicamente nos dedicamos a escuchar…a sentir…a observar. Ellos eran los protas, vosotros sois los protagonistas. Gente luchadora, vecinos conectados, personas cercanas que visto desde la distancia, nunca estuvieron lejos. Gracias.

    Tan Cerca, tan lejos…

    Willy López / Félix Méndez

  • Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.

    La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.

    La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.

    Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.

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    Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero. De esa España Oculta, borrachos, taxistas, camioneros, niños, curas, alcaldes, camareros, ricachones y mendigos pasamos a una «Tierra de sueños» de la Fundación “La Caixa”, una muestra sin complejos de la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, en las comunidades de Anantapur, con especial atención al rol que ocupan las mujeres.

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    Repite su mantra antes de mostrarnos su trabajo, fotografiar es querer ver, querer ver con sentimiento. Ahí arranca su viaje, otra aventura fotográfica a la que agradecer a uno/a de las/los mejores profesionales de la fotografía de España.

    El paso del analógico al digital no pesa a García Rodero…con la cámara muy bien con lo demás nada de nada, la revolución digital me ha dejado una isla con mi objetivo…comenta mientras ríe…El ordenador me sirve para abrir etiquetas y tirar a la papelera aquello que no vale. Y de ahí no salgo…dice humilde. Subraya que con la nueva era digital existen una infinidad de recursos que antes eran largos y muchas veces poco fructíferos…Puedes cambiar el color en una zona pequeñita, el contraste, la densidad, recortarlo, dibujar perfectamente el cuadro, mientras que antes, con el blanco y negro, por ejemplo, te tenías que hacer plantillas para que el cielo se oscureciera algo más, para hacer una copia buena necesitabas muchas veces, siete copias malas antes. Enfrentarse al laboratorio, aunque tuvieras apuntado todos los datos de lo que requería cada foto, era un proceso nuevo.

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    La mascarilla de García Rodero empaña sus gafas, pero sigue viendo, por la inercia de los años, por repetitivo trabajo de encuadrar a las personas desde hace más de 50 años. Nos mira, nos sigue contando emocionada su labor como testigo de historias vivas. Nos dice que la beca de la Fundación Juan March fue la culpable de dejarlo todo por la fotografía. Año 1973 y Franco aún seguía haciendo la España muy negra y oculta. Ahí comienza el viaje de Cristina García Rodero…La vida es así, mis estudios de Bellas artes me ayudó mucho, hacía fotos, pero en plan artístico, yo era muy muy artista… ríe, reímos ante esa declaración de amor por el arte.

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    Enganchada por el trabajo que comenzaba a realizar, para la fotógrafa, la primera mujer española de la Agencia Magnum, sello del que se siente algo cansada, consistía en conocer la vida de la gente, no saber lo que se iba a encontrar y luchar para sacar su trabajo lo más digno posible, la convirtió en una mujer casada con su cámara de fotos… Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla.  

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    Cristina García Rodero nos habla de Koldo Chamorro, otro colega de profesión al que a veces acompañaba en sus viajes, nos habla de las copias perfectas del laboratorio de Castro Prieto. El blanco y negro contrastado, lleno de grano, que no de ruido, expresivo y elegante. Rodero nos habla su profesor de pintura, Antonio López, el que le hizo sentir con el alma todo aquello que se hace en la vida. La fotógrafa de Puertollano nos habla de esas personas anónimas que le dieron alojamiento, un plato de comida y una sonrisa en las situaciones más extremas.

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    Nos da un consejo antes de coger el tren de vuelta, por favor vengan de noche a ver la exposición, están muy contrastadas porque están retroiluminadas, sólo os pido eso. Un paso, dos pasos y vemos desaparecer de entre sus fotos a una grande de la fotografía.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Carolina Yuste  «El primer Goya en interpretación para Extremadura tiene nombre de mujer»

    Carolina Yuste «El primer Goya en interpretación para Extremadura tiene nombre de mujer»

    Fue la última en reconocer su nombre en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla. A juzgar por su cara parecía estar a punto de pedir el VAR: soy un desastre, no había…preparado el discurso. Carolina Yuste (Badajoz, 1991) no se creía lo que le estaba ocurriendo, el primer Goya de la 33 edición había caído de su lado, rompiendo todas las quinielas y otorgando el primer reconocimiento de la noche al filme Carmen y Lola.

    Escuchó “Carolina Yuste” de la boca del intérprete de Campeones Alberto Nieto y se tapó la cara mientras su madre ya le abrazaba. Ante el jaleo de sus compañeros de película que la rodeaban, Carolina permanecía sentada en su butaca, como quien coge aire para lograr juntar todas las palabras que se deben pronunciar en un discurso.

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    Jo, muchísimas gracias a todas las personas de la Academia, alcanzó a decir serena, con una actitud propia de una actriz consagrada, como si fuera su quinto premio Goya, y no el primero, con esa calma en la que asomaban varios años de trabajo constante y duro, en el anonimato, luchando por lograr lo que pretendía cuando llegó a Madrid hace casi diez años.

    Elegí ser actriz para hacer este tipo de cosas, le contó a Cultura Badajoz unos días antes de la entrega de premios. En medio del bullicio de un bar de Lavapiés en Madrid, Carolina se pedía un vino tinto para dar por terminado un largo día de ensayo, grabación y una sesión de fotos. Ha sido un proceso complicado, no eran actores profesionales pero tenían una implicación total, era una peli con bajo presupuesto, pero cuando ves el resultado, ves que todo el curro merece la pena, porque estás contando una historia con un discurso que puede cambiar algunas cosas, explicaba sobre la película.

    Quien se puso en el lugar de Paqui, una trabajadora social que protege a dos jóvenes gitanas que se enamoran y sufren el rechazo de sus familias, no llegaba creerse su nominación y antes de Sevilla ya pedía cautela.

    La nominación fue una sorpresa total, pero también hay que tomárselo con cierta cautela, es importante porque es un reconocimiento de compañeros de profesión pero la vida sigue y hay que seguir currando y hacer lo que una quiere, advertía tras doce horas de trabajo. Y es que Carolina no es una actriz típica. No es una de las actrices que comenzó desde pequeña, en comunidades autónomas con grandes recursos para las artes audiovisuales. No encadenó anuncios, pequeñas apariciones en series, alguna obra de teatro. Carolina llegó a Madrid y suspendió la prueba de acceso a la escuela en la que pretendía entrar, la Real Escuela Superior de Arte Dramático (Resad).

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    Me pusieron un dos –dice sin tapujos- pero ella aguantó el tirón. Se puso a trabajar en una tienda (algo muy común entre los actores y actrices que no pueden vivir de la interpretación) y partió de cero en la escuela del cacereño Carlos Silveira, el Centro de Investigación La Manada. Ahí dejó atrás su idea de especializarse en interpretación gestual y se aventó a las pruebas de textual, de nuevo en la Resad. A la segunda sacó un ocho y no terminó la formación: me empezó a salir trabajo y lo tuve que dejar.

    Una suerte que no todos los actores y mucho menos las actrices de este país, pueden tener de su lado, algo que Carolina sigue teniendo muy claro. El paro en la profesión alcanzaba en 2016 el 91,88% (según datos de la Fundación Aisge), mientras hay escuelas, tiendas de ropa, bares y restaurantes llenos de actrices y actores que no se rinden. Lo más difícil para una actriz o un actor es conseguir representante, es increíble, yo por ejemplo no tuve hasta después de rodar Carmen y Lola. Sin ellos es casi imposible acceder a pruebas y sin las pruebas no hay papeles, reclama.

    Ha sido un proceso complicado, no eran actores profesionales pero tenían una implicación total, era una peli con bajo presupuesto, pero cuando ves el resultado, ves que todo el curro merece la pena, porque estás contando una historia con un discurso que puede cambiar algunas cosas

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    Pero la extremeña es una cabezota empedernida –lo que me propongo, lo hago– que no se muerde la lengua, que sabe que su voz puede tener más eco que la del común de los mortales y reivindica un espacio justo y equitativo para las mujeres de la industria. Es más difícil ser actriz que actor, primero porque es más difícil ser mujer que ser hombre, eso se puede extrapolar a cualquier profesión, y como vivimos en un mundo dominado por hombres, en esta profesión pasa que los personajes son masculinos, los directores suelen ser hombres y las tramas de hombres, analiza Carolina.

    Además se queja de que los pocos personajes femeninos que se ven en las pantallas suelen ser secundarios o muy estereotipados, la santa o la puta, la madre o la hija, la novia… encima siendo mujer socialmente se nos exige más, que sea guapísima, un pivonazo, delgadísima…

    Pese a ello, sabe que la balanza, aunque cueste, se va equilibrando y en los últimos años entraron perfiles distintos, mujeres normales. Está costando y lo tenemos más difícil porque se nos exige más y tenemos menos personajes, menos tramas, somos más, vamos más al teatro y al cine, y pasa ahora que ya no nos comemos cualquier cosa y en las taquillas también se está empezando a notar que queremos más historias protagonizadas por nosotras, advierte.

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    Pide más cultura y más dinero para el cine español, porque hay que educar a la gente de un país pensando en que la cultura es importante y para ello hay que invertir. Y pide más dinero para las mujeres creadoras: queremos dar nuestro punto de vista, porque estamos cansadas de los personajes femeninos escritos por hombres, basados en su propio imaginario.

    Estamos dando un golpe encima de la mesa, diciendo oye que esto también existe, también somos nosotras esto, antes parecía que éramos invisibles, todas las historias eran más testosterona, protagonizadas por hombres, todo es macho, y por suerte lo estamos cambiando, celebra.

    Para seguir sobre ese camino, la pacense cree que todo necesita un Me Too para cambiar las cosas, no solo el cine. Todo el mundo debe tomar un papel reivindicativo y social y lo que se nos exige muchas veces es que no lo hagamos y yo eso no lo entiendo, porque mi profesión es igual que cualquier otra pero tenemos el foco y el micro. Todo el mundo debe tener su posición y decirla, claramente, seas actriz, actor o lo que sea, y también creo que encima si tienes el micro puesto, que vas a llegar a mucha gente que a lo mejor te admira, o que se siente reflejado en ti, creo que por supuesto hay que reivindicar lo que uno cree, en lo que confía, en los cambios que quiere y que necesita, profundiza.

     Educar a la gente de un país pensando en que la cultura es importante y para ello hay que invertir

    Cine pelicula Carmen y Lola de Arantxa Echevarria en la foto con los cascos

    Se ha hecho con el Goya con una película que, igual que sus palabras, no debería dejar a nadie indiferente. Carmen y Lola recibió críticas por parte de algunos colectivos desde su estreno en Pamplona, donde la asociación Gitanas Feministas por la Diversidad la desdeñó por racista, machista y opresora antes incluso de poder verla. Unas críticas cuanto menos curiosas, hacia una película producida con muy pocos recursos que narra una historia de amor entre dos gitanas, pero que ha recibido más pullas por perpetuar estereotipos que grandes producciones como Gigantes, que colocan a una familia gitana como un perfecto clan gánster que controla el mercado de la droga en el centro de Madrid. Aún así, Carolina no quiere entrar en la polémica y asegura que entiende que el filme pueda levantar asperezas: estamos viviendo un momento muy sensible con respecto a muchos temas y es normal que pasen estas cosas porque el pueblo gitano ha sido muy ninguneado y pisoteado y de repente es normal que haya un miedo a que eso siga perpetuándose.

    Tras casi 10 años en Madrid, no se olvida ni un día de su Badajoz natal y se reivindica como una “bellotera total”. Aún conozco gente a diario para los que somos desconocidos, que nunca han pisado Extremadura y no se hacen muy bien una imagen de cómo es, ni cómo es la gente y es curioso porque todos han tenido abuelos que son de allí o abuelos de amigos que son de allí, y Andalucía sí que la conocen, pero lo extremeño no lo tienen muy ubicado, como si solo fuéramos campo, campo y campo, que por cierto a mí encanta también, reflexiona. La gente nos conoce por Puerto Hurraco o por las Hurdes, y también hay una cosa de que si no eres una persona famosa no eres nadie, cosa que no es verdad, porque si nos ponemos a pensar en la cantidad de cosas que abastece Extremadura al resto… pero esas cosas no se tienen en cuenta en esta sociedad que valora otras cosas, pero si las cosas cambiaran verás cómo miraban todos para Badajoz, insiste.

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    Un desconocimiento que, bajo su punto de vista, nos aporta una forma de ser que rompe con el nadie es profeta en su tierra: somos muy belloteros, muy de nosotros y muy calentitos y cuando uno de los nuestros está haciendo cosas buenas, nos gusta mucho y decimos coño es que Extremadura también es esto. Es algo que creo que tiene que ver con algo de familia, que somos extremeños y somos familia, entonces es que alguien de mi familia está haciendo cosas buenas. Carolina tuvo claro que iba a ser actriz, aunque probablemente no supo con tanta certeza que se alzaría con un Goya en su primera película con un papel importante. Aunque lleva ya varios años pagando las facturas a golpe de interpretación, parte de su trayectoria se ha convertido en realidad por su tozudez.

     La gente nos conoce por Puerto Hurraco o por las Hurdes, y también hay una cosa de que si no eres una persona famosa no eres nadie, cosa que no es verdad, porque si nos ponemos a pensar en la cantidad de cosas que abastece Extremadura al resto… pero esas cosas no se tienen en cuenta en esta sociedad que valora otras cosas

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    Yo he sido muy bruta y siempre he pensado que lo que quieras hacer, hazlo, si te tira y te va a hacer feliz, hazlo, porque a veces el dinero no es lo más importante, ¿vas a estar 40 años de tu vida en un trabajo que te hace infeliz pero tienes pasta? Bueno, es una opción, pero para mí no lo era, yo creo que el mundo iría mucho mejor si cada uno hiciera lo que quiere hacer, si trabajásemos menos y si esta cosa social del dinero no existiera, el mundo iría mucho mejor si cambiase radicalmente, como esto está hecho por quien está hecho es así, pero yo creo que cada uno tiene que al menos intentarlo, y si me apuras no tiene que intentarlo, sino hacerlo, porque si te empeñas lo consigues, dice sonriendo.

    Llegado a cierto punto de la conversación, su mensaje quiere atravesar la grabadora y llegar sobre todo a los miles de jóvenes que nacieron bajo los preceptos de la crisis, con el No tatuado en el horizonte. Vivimos con miedo y como pidiendo permiso, estamos muy enfadadas, muy cansadas, tiene que haber un cambio drástico en la manera de vivir, no puede ser que, por ejemplo en Madrid, haya estos alquileres abusivos en los que hay muchísima gente joven trabajando 40 horas, cobrando 1000 euros, y que no puede vivir sola, gente con cierta edad compartiendo casa, hacinados en casas pequeñas, que hacen que cada uno esté encerrado en sí mismo, el tipo de sociedad que se está creando es horroroso, se indigna.

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    El sábado 2 de febrero en Sevilla, Carolina no llevaba un discurso preparado, aunque tampoco parece que le hiciera falta. Allí, con el primer Goya de la noche, no quiso olvidarse de “todas las Paquis” que le ayudaron a construir el personaje de esta trabajadora social que intercede para proteger a dos jóvenes gitanas que, por amar, sufren el rechazo de sus familias. No se olvidó de las mujeres ni del equipo de Arantxa Echevarría, formado por un 70% de mujeres, en puestos de decisión –porque- cuando se nos da la voz, salen películas como Carmen y Lola, que pueden cambiar conciencias y hacer de este mundo un lugar más sano.

    En el apenas minuto y medio que tomó para agradecer, no pudo dejar de mencionar a su padre, quien le enseño a amar el cine, ni a su acompañante en esa noche, su madre, que con su teléfono grababa a la primera extremeña en recibir un Goya, Carolina Yuste, a quien enseñó la dura pero imprescindible tarea de amar.

    Entrevista. Macarena Soto   Fotografía. Seminci / Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España / Carmen y Lola

  • Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Hay protagonistas de la cultura a la que sólo podemos rendir pleitesía, por su grandeza, por su sabiduría y sobre todo, y no suele fallar, por su generosa humildad. La bailaora Cristina Hoyos, como no podía ser de otra manera está en esa lista. Su sola presencia merece parte de nuestra profesión. Nos toca escuchar, ver cómo trabaja, deleitarse en sus movimientos que llevan cosidos en su piel. Cristina nos dice con franqueza el estado anímico de la cultura, las suturas que hay que solapar para apoyar a los artistas en estos tiempos tan sangrantes, pero sobre todo nos manda un mensaje de esperanza, el mismo que utilizó cuando sufrió cáncer de mama…Me ha tocado, pensé, pero no tuve miedo. Pensé en mis hermanas, en la mayor, Dolores, que murió, pero enseguida me dije: ha habido suerte de que me haya tocado a mí, que soy la más fuerte de todas ellas. Así que al momento, dejé a un lado todas las lamentaciones y dije: vamos p’alante, a solucionarlo

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    Cristina Hoyos tiene algo de extremeña en la sangre, las raíces de Extremadura se nutren del manto andaluz, la tierra que riega con cariño, artistas y empresarias del flamenco como ella. Amistades, colaboraciones como el La Ciudad Encendida de Turismo de Badajoz y homenajes, como el recibido en la segunda edición del Aula de Flamenco de la Diputación de Badajoz.

    Raza, baile, danza, mujer y flamenco. La combinación que hace de Cristina Hoyos una de las más grandes artistas del panorama nacional.

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    Antes de nada Cristina ¿Cómo estás?

    Estoy bien, he pasado el confinamiento bien, la familia bien.

    ¿Cómo ha caído este duro panorama de futuro con la pandemia en tu entorno laboral?

    Mal. Tenemos el Museo de Baile Flamenco en Sevilla, y los gastos se siguen generando, pero no hemos podido hacer nada y cuando se han reactivado las actividades ha tenido que ser a medio gas. Los compañeros, que conocemos desde hace mucho tiempo, bailaoras, bailaores, guitarristas, cantaoras, cantaores, pues de la noche a la mañana que vivían al día, se han quedado sin nada. Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel.  En el flamenco está todo muy mal. Nos hemos unidos algunos empresarios del sector para pedir ayudas.

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    Habéis abierto la puerta de la impronta internacional a muchos artistas de todos tipos de disciplinas…

    Llevamos la marca España por todo el mundo, yo por ejemplo desde muy jovencita, llevo viajando por muchos países defendiendo nuestra cultura. Nuestra generación ha abierto muchas puertas y muchos teatros.

    Y lo habéis logrado con la danza flamenca, el baile…

    …Efectivamente, internacionalmente es conocida por el baile. Los espectáculos desde el inicio son de baile, el añadido de grandes cantaores y guitarristas han potenciado aún más ese conocimiento en medio mundo.

    Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel

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    Y en medio mundo se conoce tu especie de talismán, la Habanera de Carmen…

    Mi relación con “Carmen” se remonta a mis inicios, desde casi que empecé a bailar. Yo empecé con clásico español, el piano siempre presente, y bailamos con música de Falla pero también con la Habanera de Carmen, y yo salía en el teatro San Fernando en Sevilla enamorando al público con todas mis fuerzas. Fue un presentimiento de que la iba a hacer muchas veces. Y así fue, con Antonio Gades, estuve muchos años con esta pieza en el teatro, hicimos la película con Carlos Saura, muchas coreografías con la ópera, hasta hacerla en esta tierra extremeña, en Badajoz. La “Carmen” me ha perseguido durante mucho tiempo…o yo a ella…[Ríe].

    Tu relación con Extremadura es constante…

    Desde hace muchos años, por mi trabajo y mis amistades. Jesús Ortega tiene mucha culpa de ello, vengo casi todos los meses. Yo le animé a montar una escuela de flamenco de baile en Badajoz, se le da muy bien la enseñanza, y es un gran profesional. También acudo a las aulas de flamenco que se están organizando en la región y a recibir halagos, eso gusta a todo el mundo… [Ríe]

    Halagos y gran repercusión con la toma artística en París hace muchos años, casi los pioneros…

    Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev, que sólo quería programación clásica, pero luego estaba otro técnico, un programador que me había visto bailar con Gades que fue el que verdaderamente se empeñó en que saliese adelante nuestro espectáculo. Fue un éxito, y sobre todo un logro que pusiéramos de pie a un público que sólo apreciaba la danza clásica.

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    Vuestra profesión, de bailaores, la lleváis en la piel, como una capa que no se puede quitar…

    …nosotros tenemos el mismo lenguaje del baile pero sobre todo tenemos amor por el baile. Es muy sacrificado, muy duro, muy repetitivo para conseguir lograr que todo salga bien, es ahí donde sale nuestra verdadera piel, nuestra pasión por el baile. Yo se lo digo a todos los alumnos, tenéis que tener la necesidad de bailar, sino no bailes.

    Cristina ¿Cómo fueron tus primeros pasos?

    Mis inicios no te los puedo contar alegremente, porque he pasado fatigas de todo tipo. No tenía dinero para ir a una escuela, no tener ni para hacerme vestidos y zapatos. Mi hermana mayor empezó a trabajar muy pequeña y me ayudó mucho, veníamos de una familia muy humilde. Pero yo lo tenía muy claro, llegaba de la calle, del colegio, ponía la radio y me ponía a bailar. Con trece años ya bailaba por los pueblos, y antes de cumplir los dieciséis, como profesional ya estaba en un tablao en Sevilla. Antes la bailaoras eran hijas de guitarristas y cantaores y estaba mal visto o no se entendía que sin tener antecedentes o raíces flamencas, yo pudiera trabajar de bailaora…recuerdo que mi madre tenía que acompañarme a casa para evitar malas lengua…otros tiempos.

     Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev

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    ¿Hay pasión por la cultura flamenca en esta ciudad?

    Badajoz ha crecido culturalmente, cuando yo llegué de Madrid hace muchos años, sólo teníamos la referencia de todos los buenos artistas que estaban en la capital, Porrina de Badajoz que lo escuchaba mucho en el Corral de la Morería, pero no había tanta gente interesada y profesionalmente preparada como ahora. La programación en la ciudad es muy variada, me gusta mucho su gente. Animo a todos que venga a Extremadura.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Alejandro Pachón «Cine para enseñar»

    Alejandro Pachón «Cine para enseñar»

    El oxidado sonido del molino de viento, repetitivo y acompasado, el sonido del traqueteo del telégrafo, el puntual y nervioso goteo sobre un sombrero vaquero, un perro gimiendo, el crujir de los nudillos de una mano, el estresante sonido de una mosca, el chillido de la locomotora del tren, el jadeo de su caldera al estacionar, el click metálico de la carga de una pistola, la puerta oscilante de un vagón, pasos y espuelas masticando los tablones de madera seca de la estación…el silencio y la melodía de una armónica. La banda sonora de Hasta que llegó su hora, doce minutos de sonidos, de tensión, de silencio, nada de música, sólo el vaivén orgásmico de Ennio Morricone sobre la obra maestra de Sergio Leone.

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    Así arrancábamos la entrevista que le hicimos a Alejandro Pachón hace un par de años. Por entonces ejercía de profesor, le quedaban días para jubilarse y nos comentaba que cuando él estudiaba en la Universidad no existía ninguna asignatura de cine ni nada por el estilo y que la parte autodidacta tenía un gran peso, teniendo que leer muchos libros, ver muchas películas y escuchar muchas bandas sonoras para ampliar conocimientos.

    Y hoy en la presentación de su libro con esencia de despedida académica, Cine para enseñar, (Colección Festival Ibérico de Cine. Diputación de Badajoz, 2018) Apocalypse Now de portada aparte, la mecha de su película preferida volvió a tener su hora.

    Cine para enseñar. Después de muchos años de profesor universitario utilizando el cine como recurso didáctico para la enseñanza de la Historia, la Geografía y la Historia del Arte, Pachón trata de articular estos contenidos en torno a los tres grandes ejes conceptuales de dichas disciplinas: el Tiempo, el Espacio y el Imaginario.

    La interacción entre la memoria cinéfila, las coyunturas históricas y la audiovisualización de los espacios geográficos y artísticos es la guía de una mirada que se pretende entre nostálgica y didáctica y, sobre todo, un recopilatorio comentado de los grandes momentos del cine en relación con dichos tres conceptos. La intención de este libro está más próxima al comentario práctico que al dogmático, tratando de hilvanar los aspectos que han ido conformando el imaginario de la Historia a través de los medios de masas, por lo que también hay referencias al mundo de los videojuegos, que tienen mayor protagonismo que los que tuvieron en nuestra infancia y juventud, los cómics o los álbumes de cromos.

    El texto se dirige a cualquier tipo de lector, fundamentalmente educador o educando, para que le sirva de ayuda o inspiración. Para ello, en el capítulo final se proponen una serie de secuencias y títulos, incluyendo algunos ejemplos extremeños, relacionados con períodos históricos y escenarios geográficos que inciden en el currículum de la Didáctica de las Ciencias Sociales. Se señalan también algunos vacíos en el cine histórico (el capítulo titulado “Niebla de guerra”) y, cómo no, la importante interrelación entre Historia General, Historia del Cine e Historia de la Banda Sonora. En resumen, está dirigido a profesores de Conocimiento del Medio Social y Cultural a los que les guste el cine y a aficionados al cine a los que les gusten la Humanidades.

    Gestación del Cine para enseñar

    La imagen de la portada define perfectamente de que va la cosa. Se ha escrito mucho sobre cine e historia, y yo no quería hacer eso, se ha trabajado y escrito mucho sobre eso. Sabía lo que quería contar pero lo que no tenía era la estructura. La estructura eran esas tres palabras que aparecen debajo del título; Espacio, Tiempo e Imaginario. Los ejes sobre los que se fundamenta el cúmulo en ciencias sociales sobre la enseñanza y los aspectos históricos.

    La portada del libro

    El Imaginario está ahí, todo el mundo que lo ve sabe o intuye que es Apocalypse Now, imitado en infinidad de películas y dentro del archivo popular. El tiempo histórico sobre una película sobre Vietnam, y sobre militarismo antibelicismo, obsesiones y sueños. El espacio físico es la selva. A partir de esa aportada y esos conceptos ya lo tenía todo para estructurar el libro.

    Sustancia del libro y anecdotario

    El libro está dividido en capítulos donde cuento elementos tan entretenidos como el anacronismo en el cine. Recuerdo cuando Howard Hawks rodó Tierra de Faraones con camellos en el Egipto del año 3000 a.C. cuando no existían. Para el director una película del desierto sin camellos  no se podía rodar.

    Videojuegos como método

    Con los videojuegos se aprende mucha historia, aunque no se pueden utilizar en clase. Puede que algún día se puedan aplicar.

    Wéstern a la europea

    En el libro se cuenta cómo se desarrolla el cine del oeste en un espacio geográfico como Almería en el verdadero anonimato. Escenarios, ciudades, actores, actrices y directores sin nombre. Los personajes se llaman el Bueno, el Feo o el Malo u los pueblos no existen, están en una frontera extraña entre el Mediterráneo y México.

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    Geografía económica y humana

    Como la existencia de los cines en las ciudades ha ido cambiando el urbanismo hasta ña fecha actual que ya están fuera del centro. Un acto social totalmente distinto de cómo lo conocimos nosotros en nuestra juventud.

    Películas de la Guerra Civil

    ¡Se han hecho muchas películas sobre la Guerra Civil de España!…No. Hay muy pocas, hay muchas películas de la preguerra, de la postguerra y franquismo, pero bélicas de la Guerra Civil muy poquitas.

    Banda Sonora

    La historia del Cine, la historia de la música y la historia de la música de cine. Clichés y tópicos que han conformado un universo musical del cual a veces es muy difícil huir. En la actualidad cuesta distinguir un estilo de otro, los compositores han creado un mainstream de la que casi no reconocemos la autoría.

    Secuencias para utilizar en clase

    Una película entera en clase ocupa todo el grueso del día, las secuencias permiten examinar trozos de películas con el contexto social de la época. Qué bello es vivir de Capra o Las uvas de la ira de John Ford y el New Deal en Norteamérica.  La comedia costumbrista de Bienvenido, Mister Marshall nos permite ver la sociedad franquista. El cine en Extremadura, como Los Santos Inocentes y la Extremadura rural, Badajoz aparece como Badajoz mientras que Cáceres aparece como una villa medieval del XVI. Ciudadano Kane como origen del fake y El Gatopardo de Visconti como aglutinador de y reconstructor del tiempo histórico a través de lo operístico.

    RELEASED: Oct 17, 1939 - Original Film Title: Mr. Smith Goes to Washington. PICTURED: JAMES STEWART, JEAN ARTHUR, FRANK CAPRA.

    “La única vez que he sentido pánico ha sido en clase, y eso que he estado en la cárcel” Frase de la película Magical Girl. De Carlos Vermut. 

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    ¿Villafranca de los Barros fue tu Amarcord o tu Cinema Paradiso?

    Más bien mi primer Cinema Paradiso. Fue en el pueblo donde realmente empecé a ver películas en los cines y a conocer el ambiente de las cabinas de proyección, mucho más Cinema Paradiso que Amarcord. El retrato de Fellini está visto desde una persona ya adulta, la obra de Tornatore está realizada bajo los ojos de un crío…[Ríe]… desde ese mundo surrealista que vive una historia paralela a la realidad.

     …y en este balance ¿Qué papel ocupa el cine actualmente?

    El cine ocupa un papel absolutamente lúdico. La gente no va al cine como factor formativo, sólo va a evadirse, y el cine no sólo puede ser evasión.

    Personalmente echo de menos las colas que se formaban hace veinte años para sacar una entrada…se ha perdido ese encanto que daba vida a la ciudad…

    Por supuesto, se ha perdido ese valor desde el momento en el que los cines ya no están en las ciudades. Un factor decisivo, uno ahora no va al cine, va al centro comercial y como alternativa acude al cine. El acto social que se da más hoy en día, son los cumpleaños de los niños. Son ellos los que entre hamburguesa y pizza van al cine como invitación…[Ríe]…

    “Es muy difícil hablar de Orson Welles o Berlanga si se desconoce la historia de Estados Unidos o la de España”

    Quizá, tu verdadera pasión sea la música dentro del cine…

    [Ríe]…sin duda, es sobre lo que más he profundizado. Hice la tesis sobre ese aspecto y realicé muchas actividades al respecto, colaborando con el Festival de Música de cine de Sevilla o de Valencia, en una época donde se puso de moda la banda sonora en el cine. Estamos hablando de los años 80, en la última época dorada de música de cine a lo grande, de grandes compositores, de los que ahora sólo queda Ennio Morricone, compositores como Jerry Goldsmith, Alex North o Georges Delerue. Estos compositores se dejaban ver por España, daban conciertos y se comenzaba a publicar discos de las bandas sonoras de las películas. Ahora todo está mucho más industrializado, en la última peli que he visto, Terminator: Génesis, ya ni aparece Hans Zimmer como músico, sino como productor musical…

    Ya no hay quién reconozca a los autores de las bandas sonoras…

    …Tú me pones un fragmento de John  Barry, Michel Legrand o de Mancini y yo te la reconozco aunque no haya visto la película. Tiene un estilo y marcan con su buen hacer, el ritmo musical de la película. Ahora, eso es imposible.

    ¿Qué aporta la banda sonora al cine?

    Hay directores a la que no le gustan las bandas sonoras en las películas, pero sin duda, es un complemento vital para el ritmo del cine. Aportan emotividad, fluidez narrativa y le da sobre todo, una capacidad de cohesión con el resto de los elementos que componen la banda sonora, ruidos y diálogos, que es imprescindible. Es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.

    “La banda sonora es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.”

    Walter Murch, el diseñador de sonido de El Padrino, decía que la banda sonora no sólo es la música, es todo aquello que se necesita para construir un lenguaje propio dentro de la película. Quizá ese concepto sea difícil de entender por el público. 

    Sin duda, todo hasta el silencio, componen el eje de la banda sonora, pero cada vez más la música es un elemento con mayor presencia dentro de la banda sonora, las piezas compuestas para el disco se entremezclan con temas originales.

    Tienes un gran hobby, y que como bien explicaba Scott McCloud  en el  Understanding Comics: The invisible art,  está muy relacionada con el cine, el universo de la viñeta, del cómic…

    [Ríe]…Los cómics forman parte de esa frustración que teníamos desde chicos, una de las pocas diversiones visuales que había antes, en un mundo sin televisión e internet, dentro de un mundo de obras prohibidas que hacían más atractiva su adquisición. La librería que tenía mi abuelo en Villafranca ayudó mucho a fomentar esta afición.

    Alejandro, no sabemos si el cine en Extremadura aún sigue siendo un tebeo para muchos, un sector audiovisual que tiene mucho por hacer todavía ¿Cómo está la salud cinematográfica en la región?

    Como en muchas cosas hemos llegado un poco tarde, creo que un momento dado saldrá gente de calidad, pero el poder rodar aquí con asiduidad y que se forme una industria fuerte de cine lo veo complicado desde el momento que no hay industria de ningún tipo. Si nos resulta difícil ir a Madrid en transporte público, se me antoja muy difícil que la industria audiovisual cobre vida.

    Llevas desde el 1998 como director del Festival Ibérico de Cinema…cuéntame si este festival, al menos, si goza de buena salud.

    He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año. He podido ver casi toda la producción que se lleva haciendo estos últimos 20 años y eso me permite apreciar los cambios, los gustos y las innovaciones que se realizan en este campo. He conocido a gente que en su momento eran poco conocidos y ahora son estrellas. Ese tipo de cosas son muy valiosas para mí. En este festival siempre he trabajado muy a gusto, la gente que compone este evento es maravillosa.

     

    ¿Cuál es el proceso de selección de los cortos?

    Solemos hacer un corte al principio donde seleccionamos la mitad de los cortometrajes recibidos, y tras un par de reuniones nos quedamos con unos 50 cortos más o menos. Y de esos 50, que se podrían proyectar perfectamente sin desmerito ninguno, hacemos una criba para hacer la selección final con 16 ó 17 cortos.

     

    Ha cambiado el cortometraje mucho en todos estos años…no tiene nada que ver un corto actual con lo que se hacía hace quince años…

    Sí, ahora hay mucho virtuosismo, directores que realizan un ejercicio más técnico que narrativo, cuentan menos y buscan más el plano secuencia que el remate en el guión. En este festival podemos ver de todo un poco en ese sentido.

     

    “He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año”

    ¿El paso del analógico al digital ha propiciado este tipo de cine más efectista que narrativo?

    Creo que sí, lo digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo.

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    El Festival Ibérico siempre proyecta cortos del país vecino, es muy poca la producción portuguesa pero poseen una buena calidad…

    …Cierto y lamentablemente hay obras que no podemos poner porque la gente se quedaría un poco perpleja. Son trabajos muy serios, que suelen estar en grandes festivales internacionales como Cannes o Berlín, y que suelen ser mucho más atrevidos de los que se realizan en España.

    El premio del FIC se llama Onofre…¿Quién era este señor?

    Onofre en realidad no existió nunca, o sí. Era el nombre que gritaban en la terraza del Teatro López de Ayala cuando se cortaba la película o se besaban en alguna secuencia, como si Onofre fuera el proyeccionista de la cabina del cine pero parece ser que no se llamaba así. Onofre es el fantasma del López de Ayala y su identidad real es “Ídolo de Rena” una pieza antigua del museo arqueológico de Badajoz.

    Alejandro, llevas muchos años como crítico de cine ¿No te apetece afrontar la otra cara del espectáculo y que seas tú el criticado tras dirigir una película?

    Algún guión he hecho, como el de Jackpot y algún cameo suelo hacer en los cortos extremeños, y en largos como la película que ha estrenado con mucho éxito el festival y que ha dirigido Paco Espada de la novela de Isaac Rosa. Presencias tipo Hitchcok, pero dirigir creo que no, ni películas ni nada…[Ríe]…estuve cuatro años de jefe de departamento de la Universidad y no me gustó nada. Yo soy una persona tranquila y me gusta la puntualidad y eso en el cine no existe.

     

    “El digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo”

     

    Para finalizar, ¿Qué banda sonora te gustaría que pusiera música a tu día a día?

    Depende de la situación, de Morricone me gustan muchas cosas, la parte más desconocida. Pero me gusta muchísimo Joe Hisaishi, el director japonés que tantas obras magníficas ha compuesto para Miyazaki y Takeshi Kitano. El jazz también ocupa un lugar muy importante en mi espacio musical.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Emilio Vázquez «rigor, cultura y memoria como película infinita»

    Emilio Vázquez «rigor, cultura y memoria como película infinita»

    Un oasis en medio de la ciudad

    No es la primera vez que me siento con Emilio Vázquez Guerrero. Nos conocimos hace muchos años, cuando gané el concurso de fotografía de la Residencia Universitaria Hernán Cortés. Presenté una imagen de dos manos: las de un anciano de Baños de Montemayor que había pasado por un campo de concentración en Francia, logró escapar a Estados Unidos y allí, en Pittsburgh, conoció a su esposa, heredera de una gran industria del acero. Esa fotografía, todavía lo recuerdo, fue para Emilio algo más que un premio: fue una historia en sí misma, un destello de memoria. “Esa foto me impresionó profundamente —me dijo entonces—. Contaba sin palabras el dolor, la resistencia y el azar de la vida.”

    Desde ese momento, la complicidad entre ambos fue creciendo. Coincidimos en instituciones culturales, en charlas y proyectos. Y hoy, en esta casa cargada de recuerdos donde creció junto a toda su familia, retomamos la conversación.

    La entrevista no se desarrolla en un despacho ni en una sala institucional, sino en un lugar mucho más íntimo y simbólico: la casa donde Emilio Vázquez Guerrero creció junto a toda su numerosa familia. Una casa acogedora, rodeada de pisos y nuevas construcciones que han ido levantándose con la modernidad de Badajoz, pero que aún guarda su jardín amplio, lleno de vida, y rincones repletos de recuerdos.

    Allí, entre fotografías, muebles antiguos y aromas de infancia, se percibe un aire de oasis en medio de la ciudad. Un refugio de sueños y memorias, un espacio que resiste, como resistió la propia ciudad marcada por la Guerra Civil y la posguerra. Desde las ventanas se adivina la transformación urbana: al fondo, el Guadiana separa barrios, pero la vida ciudadana lo vuelve a unir, con el talante abierto y hospitalario que caracteriza a los pacenses.

    Es en este escenario donde comienza la conversación con Emilio Vázquez: entre la nostalgia que destila la casa, la vitalidad de una ciudad que no deja de reinventarse y el humor chispeante de un hombre que sabe convertir cada recuerdo en relato.

    La ciudad herida

    Hablar de Emilio es hablar de Badajoz. Una ciudad que, en sus palabras, “sufrió como pocas”. La Guerra Civil dejó cicatrices visibles y otras más silenciosas: miedo heredado, familias quebradas, barrios empobrecidos.

    “Crecimos entre silencios. Mis padres habían pasado miedo, y ese miedo se transmitía como el aire: no hacía falta hablarlo, se notaba en las miradas, en las radios bajitas.”

    Ese silencio recuerda a la atmósfera de La lista de Schindler: el miedo como paisaje cotidiano. O a La lengua de las mariposas, con su inocencia interrumpida y maestros traicionados. “Esa era nuestra realidad: la desconfianza, la fragilidad, la infancia marcada por la sombra de lo que había ocurrido.”

    La ciudad que despierta

    Hoy Badajoz es otra. “La plaza Alta recuperada, San Francisco lleno de niños, conciertos, exposiciones… Aún queda mucho por hacer, pero la ciudad respira.” Vázquez la mira como en El violinista en el tejado: un lugar que conserva sus tradiciones y al mismo tiempo se ve empujado a cambiar. “La cultura ha tenido mucho que ver en ese renacer. Las ciudades respiran a través de la cultura.”

    Fútbol: la pasión de la calle

    En la Badajoz de la posguerra, donde había poco pero la gente se inventaba todo, el fútbol era más que un juego: era un lenguaje común, una forma de comunidad.

    “El fútbol era la pasión de la calle —recuerda Emilio—. Mi hermano y yo jugábamos en cualquier rincón, con pelotas improvisadas, con la energía inagotable de quienes encontraban en aquel balón un escape, un alivio frente a las dificultades.”

    El fútbol unía barrios y amistades. Era, como en Río Bravo, el instante de camaradería, el momento en el que se borraban las distancias. “Nos peleábamos, nos reíamos, discutíamos jugadas, soñábamos con equipos grandes… pero, sobre todo, el fútbol nos dio la sensación de pertenecer a algo, de formar parte de una ciudad que aún estaba buscando su sitio.”

     

    Oficio y comunidad: de los Hogares Provinciales a la Residencia Universitaria

    Su carrera profesional estuvo marcada por la vocación de servicio. En los Hogares Provinciales comprendió de cerca la necesidad de apoyo a quienes menos oportunidades tenían. Después, al frente de la Residencia Universitaria Hernán Cortés, impulsó no solo alojamiento, sino también cultura, debates y cinefórums.

    “No se trataba solo de dar alojamiento a jóvenes, sino de ofrecerles cultura. Había hambre de futuro y la obligación de hacerlo bien.”

    Allí nació también su complicidad con muchos de los que luego serían referentes culturales en Extremadura. La amistad con Jorge Márquez, Antonio Castro o Emilio Jiménez fue creciendo entre lecturas compartidas, tertulias y proyectos comunes.

    Fundación CB y vida cultural

    En la Fundación CB encontró un terreno fértil para hacer de la cultura un motor de ciudad. Primero como parte del equipo de gestión junto a Emilio Jiménez, después como presidente. “Trabajar con Emilio Jiménez fue una etapa fecunda. Él es energía, yo la pausa. Nos entendemos sin choques, siempre en sintonía.”

    Las esperas administrativas eran, admite, como jugar al ajedrez con la muerte en El séptimo sello: una batalla interminable contra el tiempo. Pero lo que quedó fue la certeza de haber aportado algo a la vida cultural de Badajoz.

    La memoria hecha novela: El practicante

    Emilio Vázquez es el undécimo hijo de Santiago y Dolores, los personajes centrales de su última novela, El practicante. No es una casualidad: de ellos parte una historia que es, a la vez, íntima y colectiva. Santiago, practicante de profesión, recorrió con sus manos y su vocación una época marcada por heridas físicas y emocionales.

    El libro comienza con una frase que resume el sentimiento de toda una generación: “¡El miedo es negro y por detrás!”. Así lo sentía Santiago cuando, de niño, cruzaba los pasillos oscuros de la gran casa donde se crió. Y así lo vuelve a sentir cuando lo conducen a una habitación donde se enfrenta, solo, a su destino.

    El practicante no es, como insiste Vázquez, “otro libro más sobre la Guerra Civil”. No pretende dictar sentencias historiográficas ni ofrecer conclusiones académicas. Lo que cuenta es “mi guerra, vuestra guerra, nuestra guerra”: la vivida por personas corrientes, arrastradas por un vendaval de odios y venganzas en un espacio que todos conocemos y que aún hoy lleva las cicatrices de lo ocurrido.

    “Quería que desde el inicio se sintiera lo que sintieron ellos: el miedo pegado a la piel, la soledad, la incertidumbre. No es una historia más de la Guerra Civil. Es mi guerra, vuestra guerra, nuestra guerra. La de quienes fueron arrastrados por un tiempo cruel y de quienes después heredamos sus consecuencias.”

    El practicante conecta con películas como Tierra y libertad —la guerra vista desde lo íntimo, desde la gente sencilla—, Un tranvía llamado deseo —el grito desgarrador como símbolo de pérdida— y Tierra de penumbras —la necesidad de asumir la fragilidad y el dolor con dignidad—.

    El benefactor anónimo

    En un momento de la conversación, surge un episodio especialmente delicado. En el libro se relata cómo, en plena posguerra, un desconocido ayudó económicamente a sus padres cuando apenas tenían ingresos para sostener a la familia. Le pregunto entonces:

    —¿Ha llegado a investigar quién fue esa persona que tendió la mano en aquel momento decisivo? Porque, si lo piensas, lo que es la vida… sin ese gesto, quizá su historia habría sido otra. Y quizá, incluso, esta entrevista nunca hubiese podido hacerse.

    Emilio Vázquez sonríe y responde en tercera persona:

    —Él nunca llegó a saber con certeza quién fue aquel benefactor. Su madre le habló de ello con el paso de los años, pero lo cierto es que, cuando quiso indagar, ya era demasiado tarde. Prefirió quedarse con la idea de que, en medio de tanto miedo, de tanta dureza y de tanto silencio, existía también un resquicio de humanidad. Ese anónimo que aparece en el libro representa a todos aquellos que, sin dejar su nombre, sostuvieron la vida de otros. Y sí, es cierto, quizá sin él nada de lo que vino después hubiese ocurrido.

    El episodio podría formar parte del guion de Calabuch: una bondad silenciosa, escondida en lo más sencillo de la vida cotidiana, que salva a otros sin pedir nada a cambio. También recuerda a Esta tierra es mía, donde la dignidad se mantiene gracias a decisiones individuales que parecen pequeñas, pero que en realidad sostienen la esperanza colectiva.

    Cónclave y Partenophé: la cultura como espejo

    La conversación deriva hacia sus lecturas y afinidades culturales. Aparece Cónclave, de Robert Harris, esa novela donde el destino de millones se juega en las manos de unos pocos cardenales encerrados en la Capilla Sixtina. “Me interesa esa tensión —reflexiona—, ese recordatorio de que lo más trascendente se decide en el terreno más humano, con miedos, dudas y hasta miserias.”

    De pronto surge también Partenophé, recuperada en el cine por Paolo Sorrentino, con toda la estética barroca, excesiva y profundamente poética del director italiano. Emilio ve en esa obra un paralelismo con la vida misma: “Las máscaras, el artificio, lo grandilocuente que esconde la fragilidad. Y, sin embargo, todo ello nos habla de lo más verdadero”. Esa forma de mirar lo cultural, no como erudición fría, sino como espejo vital, define a Vázquez como un gran conversador: capaz de saltar de la pedagogía al cine, de la historia local a la universal, siempre con un guiño de humor y con la certeza de que “todo, al final, tiene que ver con cómo elegimos vivir”.

    Cine como escuela de vida

    El cine fue su refugio. El recuerdo de un niño apasionado por historias que te hacían evadirte de vida misma, que contaban cosas de la misma vida, era una verdadera bomba emocional. Recoger en una secuencia de pocos segundos el paso de una vida marcó su vida. Aún lo recordamos presentado y debatiendo películas como Nosferatu de Murnau o Perdición de Wilder en el cineclub de la residencia universitaria

    “El cine fue mi ventana al mundo. Para mí, las películas son un descuento de la vida.”

    De Capitanes intrépidos aprendió la dureza del mar; de Raíces profundas, la nobleza del héroe que no presume; de Río Bravo, el valor de la camaradería; de El violinista en el tejado, la dignidad frente al cambio. “Cada película me dio una lección vital. Y todas, de alguna manera, están en mi forma de mirar el mundo y de escribir.”

    Badajoz, amistades y pasiones

    Emilio Vázquez estudió Magisterio, se licenció en Pedagogía en Salamanca y fue director de los Hogares Provinciales y de la Residencia Universitaria Hernán Cortés de la Diputación de Badajoz. También ejerció como profesor en la Universidad de Extremadura y es miembro de la Real Sociedad Económica Extremeña de Amigos del País, de la que fue vicepresidente. Hoy preside la Fundación CB, desde donde impulsa proyectos culturales que conectan pasado y futuro.

    Su vida está ligada a Badajoz, una ciudad que sufrió como pocas la Guerra Civil y la posguerra, pero que hoy respira vida en sus calles, aún con mucho por hacer. Emilio siente sintonía con sus proyectos culturales, con sus cambios, con esa energía vital que late junto al Guadiana.

    En su memoria también están los amigos: Jorge Márquez, Antonio Castro, Emilio Jiménez y una retahíla de gentes, de todos los gremios, clases, barrios y estamentos, una pasión por mantener y cultivar aquello que le rodea desde la honestidad.

    Un conversador con humor y anécdotas

    Hablar con Emilio Vázquez es entrar en un territorio de memoria y rigor, pero también de humor inteligente. Gran conversador, domina el arte de enlazar una reflexión profunda con una anécdota ligera, de recordar con detalle lo que parecía olvidado y de salpicar cada relato con guiños que hacen sonreír.

    “Lo importante es hacer las cosas bien. Sin improvisar, sin concesiones fáciles. La gente, la ciudad, lo merecen.”

    Su repertorio es inagotable: historias de juventud, recuerdos de cine, episodios vividos en la Residencia Universitaria o en la Fundación CB, encuentros con escritores, artistas y amigos. “La vida se cuenta mejor si se cuenta con humor —dice—. Incluso los momentos difíciles, vistos con distancia, tienen su lado de aprendizaje y de ironía.”

    Ese humor no es superficial: es la manera que tiene Emilio de mirar la vida con cierta distancia, de no tomarse demasiado en serio a sí mismo, de relativizar sin perder la profundidad. Como en La Strada, donde la tragedia convive con la risa inocente, o como en Un tranvía llamado deseo, donde incluso en el exceso hay humanidad, Emilio se mueve con la naturalidad de quien entiende que la vida es también teatro y que la conversación, cuando se comparte, se convierte en un arte.

    Hora de descansar

    Emilio Vázquez anuncia que se retirará en breve tras una etapa de intensa actividad cultural al frente de la Fundación.

    ¿Cuándo se hará efectiva tu jubilación?
    Dentro de muy poco. No es porque alguien me lo haya sugerido ni porque me consideren mayor: es una decisión personal.

    ¿Por qué ahora?
    Porque siento que ya he entregado toda la ilusión posible en la Fundación. Hemos hecho lo mejor que podíamos hacer y creo que lo que falta por hacer debe llevarlo adelante otra persona.

    ¿Qué supone para ti dar este paso?
    Reconocer que he cumplido un ciclo. Estoy satisfecho, tranquilo. Me voy con la sensación de haber contribuido a que la Fundación creciera y cumpliera un papel cultural importante en la ciudad.

    ¿Qué balance haces de tu etapa al frente de la Fundación?
    Muy positivo. Hemos vivido una etapa de enorme creatividad, sobre todo trabajando mano a mano con Emilio Jiménez. La complicidad fue total: yo llevaba el “lápiz azul” y él el “lápiz rojo”. Esa fórmula funcionó a la perfección.

    ¿Y las dificultades?
    Claro que las hubo. Sobre todo la lentitud administrativa: es incomprensible para quien viene del sector privado.

    ¿Con qué te quedas?
    Con la creatividad, con el trabajo en equipo y con la certeza de que Badajoz ha avanzado culturalmente. Para mí ha sido un orgullo contribuir a ese proceso.

     

    Al final, Emilio Vázquez se define en tres palabras: rigor, humor y ciudad. Ha visto a Badajoz herida y la ha visto resucitar. Ha puesto su empeño en que la cultura fuese un camino de dignidad. Ha ejercido la docencia, ha gestionado instituciones, ha cultivado amistades fecundas en la cultura extremeña, ha ocupado responsabilidades en sociedades culturales y hoy preside la Fundación CB con la misma convicción de siempre. Y ha escrito El practicante como quien entrega un legado.

    “Lo importante es hacer las cosas bien. Lo importante es dejar memoria, porque sin memoria no hay futuro. Y lo importante es la ciudad: tener buena sintonía con ella, acompañarla en su despertar.”

    Como en las películas que tanto ama, su relato queda abierto, sin cierre rotundo. Porque la vida —y la historia de una ciudad como Badajoz— siempre guarda una última escena pendiente de rodar.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    “El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

    Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

    Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

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    De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

    En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

     La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

    Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

    …La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

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    ¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

    La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

    ¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

    Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

    Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

    El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

     

    El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

    Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante  blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

     La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

    La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

    Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

    MEIAC-18

  • 10 series que nos gustan en OverDose

    10 series que nos gustan en OverDose

    No vamos a entrar a analizar las obras maestras, The Sopranos, Doctor en Alaska, Friends, True Detective, Wire, The Office, The Knick, Mad men, Twin Peaks o los Ladrones van a la oficina. Nos reseteamos y damos las pistas de 10 series que creemos que deben ser vistas en caso de baja por nacimiento de hijos, aficionado al curling o por estar bajo los efectos del bolígrafo XL con el que Donald Trump firma los decretos.

    The Bear

    Serie yanqui de tres temporadas con un Jeremy Allen White de lujo.

    ¿De qué va?

    De un oso…no y sí. Invernar tu vida para regentar un local de bocadillos en Chicago cuando venías de ser un chef de restaurantes de alta cocina.

    ¿Por qué nos mola?

    Porque rodar capítulos así debería estar tipificado como delito universal. La trama (el mundo de la gastronomía y la salud mental), el ritmo, el color, los diálogos, la puesta en escena, es la vida misma con una factura visual potentísima. Cada capítulo es una búsqueda hacia la excelencia. En ningún otro producto audiovisual vas a encontrar un repertorio como en The Bear…Pearl Jam (Eddie Vedder en solitario, mejor dicho), Durrutti Column, Nine Ich Nails, Weezer, Cocteau Twins, Brian Eno, Beastie Boys, Rolling, Talking Head, Ramones, Pixies…cosas así se hacen pocas veces. Búscala, reserva mesa y disfruta.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    Todo está en la salsa de tomate…que diría cualquier personaje de Scorsese.

    Los años nuevos

    Serie española de diez capítulos dirigida por Sorogoyen

    ¿De qué va?

    Diez capítulos, diez historias de una pareja (a veces amigos), durante diez fines de año.

    ¿Por qué nos mola?

    Porque los que escribimos esta respuesta somos de la generación de la serie. (Ojo con generaciones anteriores o posteriores). Porque parece que no es una serie española. Porque es difícil de rodar una serie con una trama así y hacerla creíble, dura, áspera, completa-incompleta, que cantaban Pau Donés y Antonio Vega. Fíjense bien en el taxista del primer capítulo…¿os suena de algo? Nuestro querido y gran actor José Vicente Moirón.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    Chica besa a chico, chico besa a chica, chica deja a chico, chico deja a chica.

    Separación

    Serie made in USA de dos temporadas con Ben Stiller, dejando Zoolander para hacer cosas de calidad como director, entre otros…y otra, Aiofe McArdle.

    ¿De qué va?

    (Copiamos de Filmaffinity) Mark Scout dirige un equipo en Lumon Industries, cuyos empleados se han sometido a un procedimiento quirúrgico que separa sus recuerdos entre su ámbito laboral y su vida personal. Este atrevido experimento de «equilibrio entre el trabajo y la vida personal» se pone en tela de juicio cuando Mark se encuentra en el centro de un misterio que lo obligará a confrontar la verdadera naturaleza de su trabajo… y de sí mismo

    ¿Por qué nos mola?

    Ver a Christopher Walken, Adam Scott, Patricia Arquette, Britt Lower o John Turturro en una especie de nave industrial trabajando con una especie de Spectrum, un criadero de cabritas o creando regaderas en un departamento de inteligencia y restauración, tiene todo nuestro beneplácito.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    La serie originalmente se llama Severance, es decir ruptura, nada que ver con separación. No es lo mismo romper que separar…cuando vean la serie lo entenderán.

    Shtisel

    Serie israelí de 33 episodios (El número 33 es en esencia dos tres. En hebreo, tres está representado por la letra guimel ג de la raíz gamal גמל que significa “repartir a, dar”. El término “gemilut hasidim”: la práctica de la bondad amorosa hacia los demás, también proviene de esta misma raíz)

    ¿De qué va?

    Barrio ultraortodoxo de Jersulem. Una familia jaredí, la familia Schtisel con las preocupaciones de un guetto así. Hijo que no se casa, problemas de pareja de su hija, hijos artistas en una sociedad tan endogámica.

    ¿Por qué nos mola?

    Ponerte a ver una serie puramente de raíces judías puede que genere el abandono inmediato de esta lectura, pero no. Sí se trata de una serie judía, pero, como diría Ferrán Adrià, deconstruido y actualizado. No se dejen llevar por las apariencias y los estigmas de fe. Es una joya de serie.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    No nos olvidemos de los sefarditas, mucho de lo que sucede en la serie tiene que ver con ello.

    Poquita fe

    12 capítulos de 15 minutos cada uno. No se necesita más para hacer una serie. Con un Raul Cimas (Un Chanante con título) y Esperanza Pedreño formidables.

    ¿De qué va?

    Berta y José Ramón. La historia de dos tipos en una ciudad española. Sencilla a simple vista, pero señores y señoras de poquita fe, piensen que se puede contar mucho con poco. Esta serie lo hace.

    ¿Por qué nos mola?

    De lo más fresco y divertido que hemos visto en estos años…y es más bien poco, pero tengan confianza en nosotros.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    No están tan fuera de juego de la sociedad como aparentan.

     Patrick Melrose

    Serie inglesa de, atención, 5 capítulos, con un Benedict Cumberbatch majestuoso. Mismo dire que Cónclave, Sin novedad en el frente y las series Eden y Your Honor. Alemán de nacimiento.

    ¿De qué va?

    Patrick Melrose es un tipo con pasta, cuajado de demonios internos, traumas infantiles, y bailoteo continuo con las drogas y el alcohol.

    ¿Por qué nos mola?

    Porque sí. A veces no podemos explicar ciertas cosas, esta serie es una de ellas. Con Cumberbatch es un estado inmenso, como casi siempre, podemos ver que una serie sólo necesita poco más de 5 capítulos para contar algo. Casa capítulo un espacio, una ciudad, un campo, un color y una planimetría realizada con mimo, por un modista moderno de Londres.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    Prepárense. Patrick Melrose te hace meterte en su “mono”, borrachera y locura transitoria al mismo tiempo y sin darte cuenta.

    Querer

    Serie española de 4 capítulos, no hace falta más para ser una de las mejores series de este país.

    ¿De qué va?

    Copiamos y pegamos, no queremos cometer errores. Tras 30 años de matrimonio y dos hijos en común, Miren abandona el domicilio conyugal y denuncia a su marido por violación continuada. Esta grave acusación obliga a los hijos a elegir entre creer a su madre o apoyar a un padre que defiende su inocencia. Un viaje familiar que avanza en paralelo al judicial con un mismo objetivo: conocer la verdad

    ¿Por qué nos mola?

    Sin duda una de las mejores producciones que se han realizado en España. Puede ser una película, un documental o una serie. Dura, directa y sin artificios. Puedes verte reflejada en cualquiera de sus aristas, dependiendo de quién sea el telespectador. De obligada proyección casera.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    El final es lo de menos. O quizá lo más importante.

    ZeroZeroZero

    Serie italiana de 8 espectaculares capítulos. De los creadores de Gomorra y Suburra, Stefano Sollima y Leonardo Fasoli con guión del escritor y perseguido por la mafia, Roberto Saviano.

    ¿De qué va?

    Todo el recorrido que hace la droga por el mundo hasta llegar al consumidor. Calabria, México, Nueva Orleans, Senegal y Marruecos. En orden aleatorio.

    ¿Por qué nos mola?

    Nos gusta porque tiene todo, se habla de la droga, pero como siempre hacen Sollima y Fasoli, se centran más en los que mueven, viven y sobreviven de la droga. Y porque sale Gabriel Byrne.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    Al final pillan al…

    Primal

    Serie de animación de Genndy Tartakovsky. Que sepamos y hayamos visto, 2 temporadas.

    ¿De qué va?

    Un cavernícola y un dinosaurio, ambos al borde de la extinción por diversos motivos, unen sus fuerzas en una peculiar alianza con el único propósito de sobrevivir en un mundo violento y hostil.

    ¿Por qué nos mola?

    Una joya de animación con tintes de los años 80, descarnada, brutal, impactante…primal.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    El cavernícola y el dinosaurio se hacen amigos.La Mesías, Vergüenza o Hierro

    Tres series españolas con tres rollos muy diferente. Somos más de Vergüenza, con una Malena Alterio y un Juan Gutiérrez de dulce, pero no podíamos dejar fuera a una serie de los Javis y otra con la presencia de Dario Grandinetti.

    ¿De qué va?

    De sectas, de spanish shame (como dicen a la vergüenza ajena en inglés) y de islas devastadas por el olvido, el viento del Atlántico y por los plátanos, mucho de esto último.

    ¿Por qué nos mola?

    Son series, que cada una en su línea, muestran la calidad de las producciones españolas.

    Beso, spoiler o atrevimiento

    La vida misma, al final nadie muere de vergüenza…

     

    Redacción. OverDose

  • Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    LO MEJOR DEL AÑO EN EXTREMADURA EN 2024

    El Festival de Mérida representa en solitario a Extremadura en el ranking nacional. El Festival de Teatro Clásico de Mérida consolida el primer lugar, seguido de El Hospital Centro Vivo (sube 11), Museo Helga de Alvear, Festival de Teatro Clásico de Cáceres y D’Rule (sube 10). El Festival de Mérida y el Museo Helga de Alvear representan a Extremadura en el ranking nacional.

    Medallas Dia de Extremadura-14

    Fundación Contemporánea

    Fundación Contemporánea presenta el informe anual sobre lo mejor de nuestra cultura en 2024, basado en la opinión de los profesionales del sector cultural. El Observatorio de la Cultura elabora desde 2009 una serie de rankings e indicadores recurrentes relativos a la actividad cultural de nuestras ciudades y comunidades y a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año, lo que facilita analizar su evolución. Asimismo, en cada edición de la consulta se plantean otras cuestiones de interés para el sector. En esta ocasión, se ha planteado: elaborar una relación de lo más valioso del patrimonio histórico y natural de cada comunidad, tan importante pero habitualmente ajeno a los rankings sobre programación anual; identificar los medios de comunicación más valorados por el sector en su imprescindible labor de difundir la oferta cultural; y analizar la distribución de los ingresos de las organizaciones culturales entre fondos públicos, privados y aportación de los usuarios; y analizar el recurso del sector a financiarse con entidades de crédito. El objetivo principal del Observatorio de la Cultura es dar visibilidad a una oferta cultural muy amplia, de gran calidad y en constante renovación a lo largo de toda la geografía española, aportando el aval de los profesionales más destacados del sector. Así, en este informe figuran destacadas más de 700 propuestas culturales de toda España, señaladas por los panelistas como las mejores en las diferentes categorías propuestas. Para llevar a cabo esta consulta, se ha enviado un cuestionario a un panel formado por 1021 profesionales de primer nivel de nuestra cultura: responsables de fundaciones, directores de museos, teatros, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, directores de festivales, gestores culturales, artistas y creadores de todos los campos y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de las administraciones públicas central y local. Los responsables de los proyectos reflejados en los distintos rankings de este informe son invitados a formar parte del panel en años posteriores.

    En esta nueva edición del Observatorio de la Cultura el cuestionario ha sido contestado, durante los meses de noviembre y diciembre de 2024, por 461 miembros del panel, de los que un 43,7% trabajan en una organización cultural pública, un 34,7% en una organización cultural privada y el 21,6% restante como profesionales independientes del sector. El presente informe del Observatorio de la Cultura ha sido elaborado por Fundación Contemporánea con el apoyo de CREA SGR.

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    LO MEJOR DEL AÑO EN ESPAÑA

    Cada panelista ha propuesto hasta diez instituciones y acontecimientos culturales de su propia comunidad y otros tantos del resto de España como los más destacados en el año 2024, en una pregunta abierta sin sugerir ninguna respuesta. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para algunas actividades concretas de una institución, estas figuran entre paréntesis tras el nombre de esta. De nuevo el primer puesto es para el Museo del Prado (Arte y transformaciones sociales, Darse la mano, El taller de Rubens), seguido por el Museo Reina Sofía (En el aire conmovido, Tapiès, Soledad Sevilla), el Festival de San Sebastián (sube un puesto), el Museo Guggenheim (Hilma af Klint, Yoshitomo Nara) que también sube un puesto y el Museo Thyssen – Bornemisza (Isabel Quintanilla, La memoria colonial). El CCCB (Agnès Varda, Suburbia), que sube cinco puestos, CaixaForum (sube cuatro), el Teatro Real, la Fundación Juan March (Museo de Arte Abstracto, Steinberg) que sube cuatro y ARCO, igualado con el Festival de Málaga (sube cuatro) completan los diez primeros puestos. La relación se completa con hasta 108 instituciones y actividades de toda España.

    Entre las entradas más destacadas este año en el ranking, destacan Manifesta 15 (40), el nuevo Festival de las Ideas (44), el Any Tàpies en el Museu Tàpies (55), el festival Concéntrico (59), Fundación Telefónica (59) y los Encuentros de Pamplona (66). Destaca la progresión de Chillida Leku (+64 puestos) de la mano del centenario Chillida, MUSAC (+49), The MOP Foundation (+47), Dansa València (+37), FETEN (+32), el Centro Dramático Nacional (+21), el Festival de Granada (+19) y Sónar+D (+19).

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    EXTREMADUDURA

    1. Festival de Teatro Clásico de Mérida

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    2. Hospital Centro Vivo

    3. Fundación Helga de Alvear

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    3. Festival de Teatro Clásico de Cáceres

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    3. D´Rule: artistas en el Territorio

    6. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

    6. Festival Internacional de Jazz de Badajoz 

    8. Orquesta de Extremadura

    8. Museo Nacional de Arte Romano

    Museo Mérida Turismo-2

    8. Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    8. Contepopránea

    8. BAdeCirco

    8. Festival Ibérico de Cinema

    8. Emerita Lvdica

    Presupuestos de la cultura 2025

    Se ha preguntado a los panelistas por la variación prevista en los presupuestos de su organización o actividad profesional para 2025 respecto al cierre del año 2024, en una pregunta repetida de forma idéntica desde 2009. El sector cifra su previsión de crecimiento en un ajustado 1,59%, por debajo de la inflación. La previsión es mejor para los panelistas del sector privado (3,13%) que para los del sector público (0,37%) y los profesionales independientes (1,61%).

    ¿Quién paga la cultura?

    Se ha preguntado a los miembros del panel por el origen de los ingresos de su organización, proyecto o actividad profesional, distribuyéndolos porcentualmente entre los provenientes de administraciones y organizaciones públicas, de empresas y organizaciones privadas y los aportados por el público consumidor de la cultura. Con carácter general, un 64,8% del presupuesto de la cultura proviene de fondos públicos y un 19,8% de empresas y organizaciones privadas, mientras el público aporta apenas un 15,4% de los recursos. Este porcentaje varía sensiblemente según se trate de organizaciones públicas (82,5% dinero público, 7,9% privado y 9,6% usuarios) o privadas (46,35% público, 32,9% privado y 20,8% usuarios)