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  • Anne Carson, la escritora que ha llevado a los clásicos griegos al siglo XXI, gana el Nobel de Literatura 2026

    Anne Carson, la escritora que ha llevado a los clásicos griegos al siglo XXI, gana el Nobel de Literatura 2026

    La poeta, ensayista y traductora canadiense, reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2020, recibe el máximo galardón literario por una trayectoria que ha transformado las fronteras entre poesía, narrativa, filosofía y pensamiento clásico.

    Helena de Troya y Marilyn Monroe tienen más cosas en común de las que podríamos imaginar. Al menos para Anne Carson, que decidió reunirlas en una misma obra y explorar cuanto las separa y las aproxima a pesar de los siglos transcurridos. Tampoco Gerión, aquel monstruo de la mitología griega al que Heracles tuvo que enfrentarse en uno de sus célebres trabajos, habría imaginado que terminaría convertido en un adolescente enamorado, vulnerable y con problemas de identidad. Pero en la literatura de Carson estas cosas suceden con relativa frecuencia. Los personajes de la antigua Grecia abandonan sus escenarios originales, atraviesan siglos de historia y aparecen en situaciones bastante más cercanas a nuestras propias experiencias de lo que cabría esperar.

    La responsable de semejantes encuentros literarios acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura 2026. Anne Carson (Toronto, 1950), poeta, ensayista, traductora y especialista en literatura clásica, incorpora el galardón a una trayectoria que lleva más de cuatro décadas explorando las posibilidades del lenguaje y las relaciones entre géneros literarios que habitualmente permanecen separados. En sus libros conviven la poesía, la filosofía, el teatro, la investigación académica y las experiencias personales, con una libertad creativa que ha terminado convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad.cLa Academia Sueca ha reconocido precisamente esa capacidad para dialogar con la tradición clásica y desarrollar nuevas formas de expresión literaria. Una distinción que llega seis años después de que Carson recibiera el Premio Princesa de Asturias de las Letras y que sitúa nuevamente su obra en el centro de la actualidad cultural internacional.

    Una escritora entre dos mil años de literatura

    La relación de Anne Carson con el mundo clásico comenzó mucho antes de que sus libros alcanzaran reconocimiento internacional. Su formación en lenguas antiguas y su especialización en la cultura griega han determinado buena parte de su universo creativo, aunque su acercamiento a los textos clásicos dista mucho del ejercicio académico tradicional. Para Carson, los personajes de la Antigüedad conservan una extraordinaria capacidad para expresar las emociones humanas. Los celos, la pasión, el abandono, la violencia, la soledad o el miedo aparecen en sus obras trasladados a escenarios y situaciones reconocibles para el lector contemporáneo. Una de las mejores muestras de ese procedimiento es Autobiografía de Rojo, publicada en 1998, una novela en verso que recupera al personaje mitológico de Gerión, el monstruo de alas rojas relacionado con uno de los trabajos de Heracles. Carson transforma aquella figura de la mitología griega en un joven que descubre su identidad y su sexualidad mientras atraviesa una compleja relación amorosa.

    El resultado es una narración donde conviven la tradición clásica, la poesía contemporánea y una sensibilidad muy próxima a la novela de formación. Un libro que contribuyó decisivamente a consolidar su prestigio internacional y que continúa siendo una de las principales puertas de entrada a su literatura. Esa libertad para utilizar materiales procedentes de diferentes épocas y disciplinas también aparece en sus traducciones y reinterpretaciones de autores como Safo y Eurípides. Carson conoce profundamente los textos originales, pero se permite intervenir en ellos, explorar sus silencios y buscar nuevas posibilidades expresivas.

    El amor, la pérdida y las formas de contar

    Aunque la experimentación formal constituye una de las características más reconocibles de su obra, buena parte de los libros de Carson están atravesados por experiencias profundamente humanas. En La belleza del marido, publicado en 2001, la autora construye una historia sobre el matrimonio, el deseo, la infidelidad y la separación mediante una sucesión de veintinueve tangos poéticos. El ritmo, las repeticiones y las variaciones de cada composición permiten reconstruir una relación sentimental desde diferentes perspectivas. Otra de sus obras más singulares es Nox, aparecida en 2010, un libro dedicado a la memoria de su hermano fallecido. Fotografías familiares, cartas, fragmentos de recuerdos y ejercicios de traducción se reúnen en una publicación concebida como un objeto artístico, desplegable, donde la escritura convive con los materiales que forman parte de la memoria personal. En este caso, Carson recurre también a la literatura clásica, concretamente a un poema de Catulo, para aproximarse a la muerte y a la dificultad de reconstruir la vida de una persona ausente.

    La utilización de estos recursos ha permitido que su producción literaria se desarrolle en un territorio propio, donde la poesía puede incorporar elementos teatrales, la narrativa convivir con la investigación académica y los recuerdos personales adoptar estructuras poco habituales.

    Del Premio Princesa de Asturias al Nobel

    El reconocimiento internacional de Anne Carson no comenzó con el Nobel. En 2020 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras, una distinción que destacó la originalidad de su escritura y su capacidad para renovar algunos de los grandes temas de la tradición literaria occidental. Su nombre llevaba años apareciendo entre los candidatos habituales al Premio Nobel, especialmente por la influencia que ha ejercido en la poesía contemporánea y por una producción literaria que ha encontrado lectores en numerosos países. A diferencia de otros autores cuya trayectoria se identifica principalmente con la novela o la poesía, Carson ha desarrollado una obra difícil de clasificar, donde conviven el pensamiento filosófico, la filología, la experimentación visual y la creación literaria.

    Esa amplitud de registros también se manifiesta en sus intereses culturales. La escritora ha mostrado curiosidad por expresiones artísticas contemporáneas que aparentemente se encuentran muy alejadas de sus investigaciones sobre la Grecia antigua. Entre ellas figura la música de Rosalía, sobre cuya experiencia en un concierto llegó a escribir. Una relación entre pasado y presente que ayuda a comprender su manera de aproximarse a la cultura: desde la tragedia griega hasta la música popular, desde los poemas de Safo hasta las nuevas formas de representación artística.

    Helena de Troya y Marilyn Monroe

    Entre los ejemplos más llamativos de esa manera de entender la literatura se encuentra Norma Jeane Baker of Troy, una obra escénica publicada en 2019 en la que Carson establece una inesperada relación entre Helena de Troya y Marilyn Monroe.

    Dos mujeres separadas por siglos de historia y por contextos culturales completamente diferentes aparecen conectadas a través de cuestiones como la belleza, la fama, la representación pública y la manera en que las sociedades construyen determinados modelos femeninos. Carson recupera la tragedia Helena, de Eurípides, y la aproxima al universo de una de las grandes estrellas cinematográficas del siglo XX. El resultado es un ejercicio literario y teatral que combina mitología, cultura popular y reflexión sobre la identidad. No es una excepción dentro de su bibliografía. En Eros dulce y amargo, publicado originalmente en 1986, ya exploraba el deseo amoroso a partir de la literatura griega, mientras que en Decreación, de 2005, abordaba cuestiones relacionadas con la identidad y la desaparición del yo mediante una combinación de poesía, ensayo y otras formas expresivas.

    Un Nobel anunciado mientras escuchaba el viento

    La noticia del Nobel encontró a Anne Carson en Islandia, país del que también posee la nacionalidad. Según trascendió después del anuncio, la escritora se encontraba escuchando el viento cuando recibió la llamada de la Academia Sueca. La imagen resulta especialmente curiosa tratándose de una autora que ha dedicado buena parte de su vida a estudiar las palabras, sus significados y las posibilidades que ofrecen cuando se trasladan de una lengua a otra, de una época a otra o de un género literario a otro.

    Con 76 años, Carson se incorpora a una relación de premiados en la que figuran autores como Samuel Beckett, Gabriel García Márquez, Alice Munro, Tomas Tranströmer o Louise Glück. Sucede al escritor húngaro László Krasznahorkai, galardonado en 2025. La entrega del Premio Nobel de Literatura tendrá lugar el próximo 10 de diciembre en Estocolmo, durante la tradicional ceremonia de entrega de los galardones. Mientras tanto, sus libros volverán a circular por las mesas de novedades, las librerías y las conversaciones de lectores que quizá descubran por primera vez a una escritora que ha hecho de la traducción, la poesía y la experimentación tres maneras diferentes de aproximarse a una misma pregunta: qué pueden seguir contándonos las palabras después de tantos siglos de literatura. Algunos llegarán a Anne Carson a través de un personaje mitológico, otros mediante una historia de amor, un poema de Safo o una inesperada conversación literaria entre Helena de Troya y Marilyn Monroe. Diferentes caminos para adentrarse en una bibliografía que comenzó a publicarse hace cuatro décadas y que todavía conserva la capacidad de sorprender a quienes se acercan a sus páginas.

  • Antoñito Molina pone el broche de oro al STONE & MUSIC Festival

    Antoñito Molina pone el broche de oro al STONE & MUSIC Festival

    Antoñito Molina ha vuelto a demostrar que su relación con Mérida va mucho más allá de una primera cita. El artista gaditano protagonizó su segundo concierto en el Teatro Romano de Mérida, dentro de la programación del STONE & MUSIC Festival, y lo hizo nuevamente con un lleno absoluto, repitiendo el éxito cosechado en su primera visita el pasado mes de junio.

    La de anoche fue una jornada todavía más especial al celebrarse en pleno viernes de Feria de Mérida, en una jornada en la que la ciudad vivía uno de sus momentos de mayor ambiente y celebración. A pesar de coincidir con la programación de las fiestas emeritenses, el público volvió a responder a la llamada de Antoñito Molina, llenando por segunda vez en apenas unos meses las gradas del Teatro Romano. El artista presentó un espectáculo construido sobre un repertorio que recorre sus principales canciones y combina momentos de energía, emoción y cercanía. El concierto arrancó con una introducción enlazada con “Dejemos huellas bonitas”, seguida de “A la aventura”, antes de que Molina se dirigiera por primera vez al público para dar la bienvenida a los asistentes.

    La primera parte del repertorio continuó con “Supongo”, “Hubo un tiempo” y “De qué te vale”, esta última interpretada con Antoñito Molina acompañado de su guitarra. El espectáculo mantuvo su ritmo con “No le digas más a nadie”, “Suéltate el pelo” y “Me subo por las paredes”, hasta llegar a “Mi escondite”, interpretada con una formación reducida de batería y percusión y acompañada por un cambio de vestuario. A partir de ese momento, el concierto entró en su denominada ‘parte canalla’, con todos los músicos reunidos en torno al banco del Club de los Soñadores. En este tramo, Molina interpretó “Lo que surja”, antes de continuar con “El Club de los Soñadores”, “Te comes por dentro” y “Me estoy volviendo loco”.

    «Hoy no me quiero ir de aquí sin hacer algo especial», dijo. Y a partir de ahí introdujo por sorpresa una canción especial para él, «El hombre de la carpeta», para posteriormente presentar en parte tres de sus temas aún inéditos, un momento para el que pidió la complicidad del público y que se abstuviera de grabar.

    El repertorio avanzó hacia una parte más emotiva con “Y te voy a querer”, “Por si mañana” y “Ya no me muero por nadie”, canción que sirvió como despedida y falso final.La última parte del concierto, de carácter más ‘cañero’, comenzó con “Me prometo”, uno de los momentos más esperados de la noche y la canción en la que Antoñito Molina bajó del escenario y se adentró entre el público. El artista abandonó el escenario para recorrer las gradas del Teatro Romano y cantar junto a los espectadores, reforzando la cercanía con sus seguidores que define su actual gira. El tramo final se completó con “Laberinto” e “Imparable”, poniendo el broche de oro a una noche marcada por la complicidad entre el artista y el público emeritense.

  • Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado «cosen La Raya» a través del periodismo y la cultura

    Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado «cosen La Raya» a través del periodismo y la cultura

    Los dos medios de comunicación inician una colaboración transfronteriza para intercambiar reportajes, artículos y contenidos que acerquen Extremadura y el Alentejo, España y Portugal, y construyan un espacio informativo común a ambos lados de la frontera

    Extremadura / Alentejo, septiembre de 2026.–

    Hay fronteras que separan y otras que, con el tiempo, terminan convirtiéndose en lugares de encuentro. Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado han decidido apostar por lo segundo y comenzar, desde este mes de septiembre, una colaboración editorial que pretende coser La Raya a través del periodismo, la cultura y el territorio.

    El acuerdo entre ambos medios permitirá compartir periódicamente reportajes, artículos, entrevistas y otros contenidos periodísticos realizados a uno y otro lado de la frontera, acercando al público extremeño historias procedentes del Alentejo y llevando hasta los lectores portugueses algunas de las realidades culturales, sociales y territoriales que se producen en Extremadura. La iniciativa nace con una premisa sencilla: mirar al otro lado de la frontera y descubrir que, muchas veces, aquello que parece lejano está apenas a unos kilómetros. La cultura será uno de los principales hilos de esta unión. Literatura, música, patrimonio, artes escénicas, fotografía, cine, gastronomía, creación contemporánea, tradiciones o nuevas iniciativas culturales formarán parte de un intercambio editorial que también estará abierto a historias vinculadas con el territorio y la sociedad de ambas regiones.

    Dos medios, un territorio compartido

    La colaboración contempla la publicación de contenidos de Alentejo Ilustrado en Cultura OverDose Extremadura, traducidos al castellano, así como la presencia de trabajos de OverDose en el medio portugués, adaptados al portugués. Los artículos conservarán siempre la referencia a su medio de procedencia y estarán vinculados con su publicación original. De esta manera, ambos proyectos periodísticos quieren generar una pequeña ventana permanente hacia el territorio vecino y favorecer la circulación de historias, protagonistas y proyectos que habitualmente encuentran dificultades para atravesar una frontera que geográficamente está muy cerca pero que todavía continúa demasiado presente en determinados ámbitos informativos. La colaboración tendrá una periodicidad aproximada de dos contenidos mensuales por cada medio, aunque con la flexibilidad necesaria para aprovechar acontecimientos, festivales, exposiciones, encuentros o historias que tengan especial interés para los lectores de ambos territorios.

    Coser La Raya

    Más que borrar una frontera, Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado quieren coserla. Coserla con periodistas, escritores, fotógrafos, artistas, músicos, compañías, asociaciones, proyectos culturales y, sobre todo, con historias. Relatos que permitan conocer mejor qué sucede apenas unos kilómetros más allá de Badajoz, Cáceres, Elvas, Campo Maior, Portalegre, Marvão o cualquiera de las localidades que forman ese enorme territorio humano y cultural construido alrededor de La Raya.

    Porque Extremadura y el Alentejo comparten mucho más que kilómetros de frontera. Comparten patrimonio, paisaje, gastronomía, formas de entender el territorio, relaciones familiares, memoria, música, literatura y una historia de encuentros que no siempre encuentra el mismo reflejo en los medios de comunicación. El objetivo de esta colaboración es precisamente contribuir, desde una escala modesta pero constante, a cambiar esa mirada.

    Que un lector extremeño pueda descubrir una historia publicada originalmente en Portugal y que un lector alentejano pueda acercarse, en su idioma, a un reportaje realizado en Extremadura. Dos medios de comunicación. Dos regiones. Dos idiomas. Y una frontera que, a partir de ahora, también puede convertirse en una página compartida. Cultura OverDose Extremadura y Alentejo Ilustrado comienzan así una nueva etapa de colaboración transfronteriza con una intención clara: contar lo que ocurre a ambos lados, cruzar historias y seguir cosiendo La Raya, reportaje a reportaje.

  • 25 años del 11-S «La oscura memoria de la humanidad»

    25 años del 11-S «La oscura memoria de la humanidad»

    Se cumplen 25 años de 11-S. 7300 días desde que la maldad humana, jamás ficcionada recurrió al pavor, con el desagüe del fundamentalismo por medio, arrancando cerca de 3000 vidas y un ola de pánico en el anverso de la humanidad. Recordar el origen de toda esta masacre supone remontarse a inmemoriales cagadas de caballo de Gengis Kan y Alejandro Magno, esparcidas por tierras insurgentes y colonialismos de supremacía del primer mundo con barras y estrellas. Para ello ya hay miles de documentos, datos, libros, películas, balazos, asesinatos y bombas pegadas a la cintura que corroboran y conforman el albarán de esta apoplejía social.

    Nos centramos en el 11-S, en historias humanas de gente humanamente cercenadas, víctimas a las que ponerles un ramo de flores a través de palabras tecleadas una veintena de años después. El recuerdo de saber dónde estabas, qué estabas haciendo en ese momento, qué era todo aquello que veíamos en la tele espantados, se difumina en el recuerdo del colectivo. Ellos, los fallecidos, los asesinados, son la memoria de ese odio al que sólo pueden llegar desalmados faltos de integridad, yermos de moral y repletos de putrefacción.

    Pakopí, en ese viaje con Plata y Plomo, y con sus versículos fotográficos en esa sección acompañada por Oto Marabel, llegó a tocar la tierra que los holandeses, el 4 de Mayo de 1626, compraron a los indios por 24 dólares, la isla de Manhattan. Memorial del 11-S, Torres  gemelas extintas y las fotos del Nueva York de Pakopí.

    Retratos de inocentes a los que la vida les deparó la muerte. No hay que darles más vueltas, vidas sesgadas por la fatalidad de estar en ese preciso momento, de confiar en la especie humana, y que debemos seguir haciéndolo, a pesar de estar rodeados de escoria. Breves retratos de víctimas que eran pasajeros de los aviones secuestrados, trabajadores que estaban en las Torres del World Trade Center, funcionarios del Pentágono o ciudadanos y turistas que transitaban por ese distrito. Amigas que toman diferentes aviones para ir a Disney World y tener la fatalidad de ser los dos aviones estrellados en ambas torres, bomberos de permiso que fueron a auxiliar y se quedaron en los escombros, esposa que ve salvar la vida de su marido de la planta 78 de laTorre Sur y presenciar la muerte de su hermano que iba en ese mismo avión, trabajadores que sólo soñaban con currar en camiones de helados para niños, personas que querían envejecer juntos pero que su último mensaje fue “dale un beso a las niñas, os quiero, te quiero”.

    Rubén Correa tenía tres hijas. Era bombero.

    El único lugar que le gustaba más a este gran ex marine que su parque de bomberos era su casa. Escatimó y ahorró, e incluso vendió su coche para conseguir el dinero suficiente para mudarse con su mujer, Susan, y sus tres hijas a su propia casa en Staten Island hace dos años. El viaje al Upper West Side era largo, pero las niñas podían dejar sus bicicletas en la entrada. Él dejó su vida aparcada en el la torre sur del World Trade Center.

    Darren C. Bohan. Tocar el banjo
    Como muchos neoyorquinos, Darren Bohan era más de lo que parecía. De día era un trabajador temporal y durante los últimos meses ya trabajaba en la planta 102 del World Trade Center, donde hacía números para Aon Corporation. Pero Bohan hubiera preferido tocar un banjo o rasguear su guitarra, tocando con sus amigos hasta altas horas de la noche.

    Alison Kelley, su novia, dijo que esperaba convertir su talento musical en un trabajo a tiempo completo, quizás como profesor de música en una escuela pública. «La música era muy importante para él», decía. Kelley, que también tocaba el banjo, pasaba muchas horas tocando con Bohan. Su repertorio abarcaba desde baladas irlandesas hasta canciones del grupo de rock Kiss o música de raíz americana del siglo XIX. «Tocábamos casi cualquier cosa», comentaba Kelley. Los dos eran inseparables desde que se conocieron en una improvisación musical en Brooklyn hace siete meses. Bohan, de 34 años, trataba de no quejarse demasiado de su trabajo diario, aunque no le entusiasmaba estar trabajando a 102 plantas del suelo. «No le gustaba estar a una altura tan poco natural, en un lugar en el que ya había ocurrido algo terrible», dijo. «Pero intentaba decir a la gente que era una vista bonita».

    Jeffrey Giordano. Su día libre

    El querido padrastro de su mujer, que se aferraba a la vida en el centro de quemados del Hospital de Nueva York, hizo que Jeffrey Giordano prometiera convertirse en bombero. Y así pasó 14 años en la compañía Ladder 3 del East Village, donde fue condecorado por su valentía una primavera tras rescatar a una mujer de un apartamento en llamas. El bombero Giordano, de 45 años, también se convirtió en un devoto amigo del centro de quemados, al que acuden adultos y niños para curarse y donde trabajaba su mujer, Marie. Llevaba helados a los niños de allí y recaudaba sin cesar dinero para la Fundación del Centro de Quemados de los Bomberos de Nueva York.

    Los fines de semana, Giordano cargaba su furgoneta con camisetas para venderlas en las conferencias de bomberos, y a menudo se llevaba a sus hijos -Victoria, de 12 años; Nick, de 9; y Alexandra, de 6-. Eso también era para la fundación. Él y su mujer se conocieron cuando él tenía 15 años y ella 13. «Echo de menos que me rodee con sus brazos», dijo la señora Giordano. «Pensé que envejeceríamos juntos». El 22 de enero, el hospital abrió una sala de juegos para niños en el centro de quemados. Lleva el nombre Giordano, que acudió al World Trade Center en el coche del jefe del batallón el 11 de septiembre, a pesar de que era su día libre.

    Scott Hazelcorn. Sueño de un camión de helados

    En el funeral de Scott Hazelcorn, su padre se enteró de que había al menos una docena de personas que consideraban a su hijo su mejor amigo. Esto no era el resultado de la duplicidad, dijo Charles Hazelcorn, sino más bien una función del corazón abierto de Scott y su carácter alegre. Cada uno de los panegiristas lo expresó de forma diferente: tu problema era su problema; hacía que cada persona sintiera que era la única en la sala; enseñaba a la gente a abrazarse; era el que hacía que el trabajo fuera divertido. «Nadie disfrutaba más de la vida, desde que se levantaba hasta que se iba a dormir», decía su padre. Y para ello estaban las «Reglas de Haz», que incluían poner la radio del reloj en una emisora en español, que él no entendía, para no tener que empezar el día escuchando malas noticias.

    Hazelcorn, de 29 años, era operador de bonos del tesoro a largo plazo en Cantor Fitzgerald; su novia, Amy Callahan, era profesora de educación especial. La pareja tenía planes para un campamento de verano para niños necesitados. Scott decía a menudo a sus padres que quería comprar un camión de helados, para poder oír los chillidos de los niños todo el día. Cuando Cantor Fitzgerald escindió una empresa llamada eSpeed, que permitía a los clientes hacer sus propias operaciones, el grupo de trabajo de Hazelcorn se redujo de 30 a 4. En unos meses, iba a desaparecer por completo, dijo su padre. Para su hijo, eso era una buena noticia: entre los aumentos anuales, las primas y las opciones sobre acciones en eSpeed, tenía previsto comprar ese camión de helados.

    Paige Farley Hackel y Ruth McCourt. Llevar a la pequeña Juliana a Disneylandia

    Eran las mejores amigas, cercanas como hermanas, y se dirigían a California. Paige Farley-Hackel y Ruth McCourt iban a volar juntas desde Boston en el vuelo 175 de United Airlines, pero cuando Farley-Hackel se dio cuenta de que podía utilizar las millas de viajero frecuente, sacó un billete para el vuelo 11 de American Airlines. McCourt, que volaba con su hija de 4 años, Juliana, y Farley-Hackel se despidieron en las primeras horas de la mañana en el aeropuerto internacional Logan de Boston el 11 de septiembre, y embarcaron en sus aviones.

    Las mujeres habían planeado reunirse en Los Ángeles y llevar a Juliana a Disneylandia. El avión de Farley-Hackel fue secuestrado y se estrelló contra la torre norte del World Trade Center. El vuelo de McCourt y Juliana, también secuestrado, se estrelló contra la torre sur poco después. La madre y la hija habrían sido una pareja llamativa sentadas juntas, dijo la madre de McCourt, Paula Clifford Scott, con el largo pelo rojo de McCourt y los mechones rubios de Juliana. Sólo tenía 4 años, pero Juliana, apodada Miss J, ya mostraba un pequeño sentido del ingenio.

    Willy López / Documentación: Memorial 11-S de NYC, The New York Times, El diario de Nueva York, The Boston Globe, documental 11S: Testigos de la tragedia y Obituarios de los Estados Unidos / Fotografía. Pakopí

     

  • Iris Jugo «Cáceres 2031, la Cultura puede transformar un territorio»

    Iris Jugo «Cáceres 2031, la Cultura puede transformar un territorio»

    «El patrimonio no es la piedra; el patrimonio somos nosotros y lo que hacemos con esa piedra»

    Música, violonchelista, docente, gestora cultural, investigadora, europea convencida y llegada a Cáceres casi por una concatenación de casualidades, Iris Jugo dirige, aunque prefiere hablar de coordinar y, todavía más, de equipo, una candidatura que ha conseguido colarse entre las cuatro finalistas españolas para ser Capital Europea de la Cultura en 2031. Cáceres compite, pero Jugo insiste en cambiar el verbo: esto no va solamente de competir, sino de transformar. De dejar de sobrevivir culturalmente, ganar autoestima, abrir Extremadura a Europa y conseguir que dentro de cinco años la cultura haya dejado de ser algo que sucede en determinados edificios para convertirse en una manera diferente de habitar el territorio.

    Hay personas que llegan a un puesto siguiendo una escalera perfectamente trazada y otras que aparecen allí después de recorrer media Europa con un violonchelo, trabajar con artistas en Latinoamérica y Ghana, entrar en campos de refugiados en Grecia, investigar sobre liderazgo europeo, vivir en Madrid, dar clases en un conservatorio y acabar, casi sin pretenderlo, viendo cómo anidan cigüeñas en  una terraza de la plaza de Santiago de Cáceres mientras escucha las conversaciones de las mesas de alrededor. Iris Jugo pertenece claramente al segundo grupo.

    Cuando aterrizó en Cáceres apenas conocía Extremadura. Había pasado por aquí un par de veces. No tenía familia, amigos, compromisos adquiridos ni esa cartografía invisible de nombres, instituciones, filias y fobias que acompaña inevitablemente a quien lleva toda una vida en un territorio. Llegó prácticamente virgen de prejuicios. Y aquello que podía parecer una desventaja terminó convirtiéndose en una forma bastante particular de mirar.

    En junio de 2025 comenzó a levantar una candidatura que, según cuenta, arrancó con muy poquito y con ciudades competidoras que llevaban años haciendo los deberes. Hoy Cáceres está entre las cuatro finalistas españolas que optan a convertirse en Capital Europea de la Cultura 2031. El apoyo del consistorio cacereño, las diputaciones de la región y la Junta hicieron el resto. Entre medias ha habido reuniones, kilómetros, Europa, pueblos, artistas, instituciones, adolescentes, Beethoven, ovejas, iglesias, Portugal, proyectos rurales, muchas horas sin dormir y una pequeña oficina en la que casi nadie parece tener una única función. Aquí todo el mundo hace muchas cosas. Quizá porque, desde el principio, tampoco se trataba simplemente de organizar una agenda cultural, se trataba de otra cosa…de caminar.

    «Soy música. Y este proyecto europeo tiene mucho que ver con mi propia vida»

    Antes de hablar de Cáceres 2031, ¿Quién es Iris Jugo? ¿Quién llega hasta aquí y por qué termina coordinando una candidatura europea?

    Yo soy música. Soy música profesional y sigo tocando el violonchelo. Estudié en Holanda y en Inglaterra, así que Europa forma parte de mi propia esencia. Siempre he sentido que somos muy afortunados de ser europeos. También soy docente. Cuando terminé mi etapa en Inglaterra sentí que tenía que devolver algo de lo que había recibido y lo hice a través de la enseñanza, trabajando como profesora de conservatorio. Pero muy pronto empecé también con la gestión cultural y la cooperación internacional. Creamos nuestra propia ONG y trabajamos mucho con intercambio de artistas y músicos, fundamentalmente en Latinoamérica. Después estuvimos en Ghana y acabamos trabajando también en campos de refugiados en Grecia. Más adelante fui seleccionada para un programa europeo de investigación y liderazgo que me permitió trabajar en equipos multidisciplinares internacionales sobre algunos de los grandes retos de Europa. Estuvimos en contacto con instituciones, primeros ministros, la OTAN, la Comisión Europea… y ahí empecé a profundizar mucho más en liderazgo artístico y en cómo las artes pueden intervenir en procesos sociales y políticos. Y, de alguna manera bastante extraña, todo aquello acabó llevándome hasta Cáceres.

    ¿Extraña hasta qué punto?

    Bastante. Yo estaba trabajando en un conservatorio, colaborando también con una universidad y metida en investigación. Y por coincidencias de la vida, apareció una persona de Cáceres que empezó a enviarme convocatorias y a presentarme gente de aquí. Un día me llamaron para participar en una ponencia sobre gestión cultural y fue allí donde supe que iban a sacar una convocatoria para coordinar la candidatura y fui ahí donde mi perfil podía encajar. Me presenté. Y mientras preparaba los méritos pensé: «Yo no quiero este puesto». Yo estaba muy bien en Madrid. Mi familia estaba allí, tenía conciertos, mi trabajo, había encontrado un equilibrio bastante bueno… No sentía ninguna necesidad de cambiar de vida…Y entonces gané la convocatoria. Mis dudas se disiparon en una caminata por Roma…fue allí, en una especie de conversación especial, donde decidí dar todo lo que tengo para luchar por esta candidatura.

    …Y el 18 de junio llegas a Cáceres.

    Llego, conozco al alcalde, entro en el Consejo Rector y empiezo. Había muy poquito para empezar, pero esa incipiente fase me animó a desarrollar el proyecto sin fisuras ni miedos. A principios de julio ya estábamos organizando un gran evento de presentación para intentar poner en marcha algo en lo que otras ciudades llevaban tres, cuatro o cinco años trabajando. Además, no conocía a nadie aquí. Eso también ha tenido una parte positiva. No tengo ningún primo en esta tierra ni ningún compromiso con nadie. No vengo de ningún espacio político y desde el principio dejé muy claro que no iba a trabajar para ningún color político. Esa libertad es fundamental. Soy funcionaria en otra administración. Estoy aquí porque he elegido estar y porque creo en el proyecto. Eso también te permite trabajar de una manera determinada. Aunque duermo poco, trabajo prácticamente todos los días de la semana y hay días en los que empiezo a las seis de la mañana. Es todo un reto, una motivación, es mi elección. Y lo importante es que esto ya no depende de una sola persona. Ahora existe un equipo y cada vez empieza a pertenecer a más gente.

    Escuchar Cáceres desde una terraza

    Llegas prácticamente sin conocer la ciudad ni Extremadura. ¿Eso fue un problema o terminó convirtiéndose en una ventaja?

    Creo que me ayudó porque llegué sin una visión parcelada del territorio. Tenía que identificar cuáles eran los retos de Extremadura y no tenía todavía un equipo que pudiera proporcionarme esa información. Evidentemente podía preguntar a determinadas instituciones o responsables políticos, pero sabía que aquello me iba a ofrecer una visión sesgada. Así que hacía una cosa bastante sencilla. Me sentaba sola en una terraza de la plaza de Santiago, me tomaba algo y pasaba horas escuchando lo que decía la gente de las mesas de alrededor. Fue una de mis primeras formas de entender el territorio. Después empezaron a llegar muchísimas personas. Durante los primeros meses también dediqué mucho tiempo a escuchar a artistas y gestores, a conocer sus inquietudes y, sobre todo, a explicar qué significa realmente una Capital Europea de la Cultura. Porque no se trata únicamente de disponer de recursos o de ampliar una programación, sino de construir un proyecto mucho más amplio, con una dimensión europea y una mirada a largo plazo. Creo que todavía estamos aprendiendo entre todos a entender el verdadero alcance de una capitalidad. Y precisamente para eso estamos todos embarcados en este proyecto.

    «La capitalidad no es sólo un concepto material»

    Entonces expliquémoslo para quien todavía vea 2031 como una especie de enorme festival cultural. ¿Qué se está decidiendo realmente?

    Una Capital Europea de la Cultura es un proceso muchísimo más complejo. Tienes que elaborar un bid book, un documento extremadamente preciso en el que Europa te plantea cuestiones muy concretas: por qué quieres ser Capital Europea, cuál es el concepto de tu candidatura, cómo involucras al territorio, cuál es tu dimensión europea, qué aporta la ciudad a Europa, cómo se integra el proyecto dentro de una estrategia cultural a largo plazo…Y nosotros teníamos un problema de partida muy importante: reelaborar una estrategia cultural de Cáceres. Así que hubo que hacerla. La desarrollamos, se trabajó y se aprobó en pleno. Paralelamente tuvimos que realizar el primer bid book. La introducción, por ejemplo, solamente podía ocupar tres páginas y creo que tardé dos meses y medio en escribirla. Llegamos a la versión dieciséis. Todo está extremadamente medido. Y todo se presenta en español y en inglés.

    TRANSCULTURA: EXTREMADURA CAMINA

    ¿Y cómo consigues meter Extremadura dentro de unas páginas?

    Esa era precisamente una de las grandes preguntas. Nosotros empezamos trabajando alrededor del concepto de transcultura, tomando como referencia la transhumancia. La idea es muy sencilla y, a la vez, muy profunda: no existen fronteras rígidas, aprendemos caminando y, cuando caminamos juntos y nos encontramos con otros, regresamos transformados. Queremos caminar desde Extremadura hacia Europa y desde Europa hacia Extremadura. Inicialmente trabajamos con tres dimensiones: tierra, camino y encuentro. Tierra es aquello que tenemos y hemos heredado: nuestro patrimonio material e inmaterial, nuestra identidad, aquello que pertenece al territorio. Camino es lo que necesitamos encontrar, esa diversidad, proyectos para jóvenes, trabajo intergeneracional, cooperación europea…

    Y después está el encuentro. Porque los retos que tenemos en Extremadura no son exclusivamente extremeños. Muchos son problemas compartidos con otros territorios europeos. Ahí aparecen cuestiones como los derechos culturales, la despoblación o cómo ofrecer oportunidades a los territorios rurales y periféricos. Al final, lo casi anecdótico es que haya un programa cultural. Lo verdaderamente importante es la transformación que puede provocar.

    «Tenemos que terminar con el espíritu de supervivencia»

    Hablas mucho de capacitación. ¿Qué has detectado en el ecosistema cultural extremeño?

    Que tenemos muchísimo valor, pero hemos vivido muy fragmentados y muchas veces dentro de una especie de cultura de supervivencia. Tenemos que terminar con ese espíritu. Y para hacerlo necesitamos formación y capacitación. Si el dinero no viene de un lugar tendrá que venir de otro. Tenemos que aprender a buscar recursos, a colaborar, a trabajar con Europa, a generar redes. Y necesitamos dejar espacio a los jóvenes. Eso es fundamental. Una de las líneas en las que estamos trabajando es Generación 31. Los adolescentes que ahora tienen doce o trece años serán quienes tengan veinte en 2031. Yo no puedo programar por ellos. Sería absurdo. Lo que puedo hacer es darles herramientas, capacitarlos, escucharlos y conseguir que sean ellos quienes formen parte de esa programación cuando llegue el momento. También estamos trabajando en diversidad. ¿Quién no aparece normalmente sobre los escenarios? ¿Quién suele ser solamente receptor de cultura, pero casi nunca protagonista? Si queremos hablar realmente de diversidad tenemos que conseguir que esas personas formen parte activa del proyecto. Pero eso requiere tiempo. Por eso necesitamos que el proceso continúe.

    NO VA DE PIEDRAS

    Cáceres tiene un patrimonio monumental evidente. Pero insistes mucho en que la candidatura no puede descansar sobre eso.

    Porque existe un malentendido enorme. Esto no consiste en decidir qué ciudad tiene las piedras más bonitas. Granada es bellísima. Cáceres es bellísima. Mérida es bellísima. Pero una Capital Europea de la Cultura no va de eso. El patrimonio no es la piedra. El patrimonio somos nosotros y lo que hacemos con esa piedra. ¿Qué significado le damos? ¿Cómo la habitamos? ¿Cómo la relacionamos con nuestro presente?

    Y para mí la candidatura de Cáceres tampoco son las instituciones, que son básicas indudablemente. Son las personas que hacen funcionar esas instituciones. Hay algo que he descubierto aquí y que quizá los extremeños no valoráis suficientemente porque estáis acostumbrados a ello: la escala humana. La manera de recibir. La amabilidad. El trato. Cuando has vivido fuera te das cuenta de que determinadas formas de relacionarnos están desapareciendo en Europa. Y eso también es patrimonio. Un artista que venga hasta aquí puede encontrarse con dificultades para llegar, evidentemente, pero cuando llegue va a descubrir silencio, espacio, paz, territorio y una determinada forma de relacionarse con las personas. Eso también tenemos que saber contarlo.

    «Cuando has vivido fuera te das cuenta de que determinadas formas de relacionarnos están desapareciendo en Europa. Y eso también es patrimonio»

    ¿Cuál ha sido la piedra más difícil de apartar durante este proceso?

    La falta de autoestima. Sin duda. Esa sensación permanente de: «Granada es más bonita», «Las Palmas se lo va a llevar» …Antes incluso de saber exactamente qué se está valorando. Tenemos que entender que Europa no está buscando simplemente una ciudad bonita. Y tenemos que empezar a reconocer el valor de lo que tenemos. También existe una distancia psicológica respecto a Europa. Cuanto más rural es un territorio, muchas veces más lejos se siente de las instituciones europeas y, paradójicamente, esos territorios han recibido enormes cantidades de fondos europeos. Ahí existe una contradicción muy interesante.

    EUROPA ANTE SUS PROPIOS RETOS

    Has vivido y trabajado en diferentes países europeos. ¿Notas una Europa más débil que hace unos años? ¿Con fisuras sociales, democráticas, con un nuevo escenario más complejo?

    Sí. Durante mucho tiempo Europa se presentó ante el mundo como la abanderada de determinados valores. Democracia. Libertad. Cultura. Derechos. Y algunos de esos valores empiezan a estar en riesgo. La democracia ya no puede darse por sentada. La cultura está fragmentada y puede ser manipulada. Tenemos artistas en determinados lugares de Europa que encuentran dificultades para expresarse y vemos cómo parte de la juventud empieza incluso a valorar modelos políticos que no representan esos principios democráticos. Si los valores que utilizábamos para definirnos empiezan a diluirse y, al mismo tiempo, Europa pierde peso geopolítico, tenemos que preguntarnos qué significa hoy ser europeos.

    Nos invitaron, a través de la Fundación Yuste, a participar en Soul for Europe, un espacio que precisamente reflexiona sobre cuál es el alma de Europa. Y de repente parece que una parte de esa responsabilidad recae sobre los artistas. Como artista, eso me interpela muchísimo. ¿Somos nosotros quienes tenemos que reconstruir una identidad europea? No lo sé. Pero sí creo que en este momento proyectos como las Capitales Europeas de la Cultura son más necesarios que nunca. No solamente importantes. Necesarios.

     

    CÁCERES, ÉVORA Y UNA FRONTERA QUE DEBERÍA DEJAR DE SERLO

    Para nosotros, desde Badajoz, Portugal forma parte prácticamente de la vida cotidiana. ¿Dónde aparece Portugal dentro de Cáceres 2031?

    Portugal es uno de nuestros grandes aliados. Y Évora especialmente. Desde el principio hemos intentado que aquello que escribimos en la candidatura tenga una experiencia real detrás. No queremos decir en un documento que somos europeos si previamente no hemos trabajado con europeos. Uno de los proyectos que hicimos fue reconstruir la Novena Sinfonía de Beethoven, que contiene el himno europeo. Si estamos diciendo que Europa necesita repensar sus valores, pensamos: reconstruyamos simbólicamente la Novena. Dividimos sus movimientos y uno de ellos se lo entregamos a jóvenes músicos de Évora. A partir de ahí surgió una relación muy bonita. Fuimos a Évora, conocimos al equipo de su Capital Europea de la Cultura y hoy existe una colaboración muy estrecha. Portugal no puede ser un añadido decorativo. Está ahí. Compartimos territorio, problemas, recursos, patrimonio y muchísimas posibilidades. Tenemos que dejar de mirar siempre hacia Madrid y empezar a mirar también hacia aquello que tenemos a unos kilómetros.

    «La cultura es un poder blando»

    Pero esa conexión entre Extremadura y Portugal lleva décadas apareciendo en discursos políticos y, sin embargo, sigue sin desarrollarse plenamente.

    Porque seguimos dejando demasiadas cosas exclusivamente en manos de la política. La cultura funciona de otra manera. La cultura es un poder blando. Y somos nosotros quienes tenemos que generar los movimientos. Después las instituciones pueden acompañarlos. No podemos esperar siempre a que alguien desde arriba decida que ahora toca colaborar. Los proyectos tienen que surgir de artistas, gestores, universidades, medios, asociaciones, ciudadanía… Y después conseguir que las instituciones los hagan posibles.

    A veces desde la cultura nos quejamos de que un concejal no nos escucha. Pero quizá ese concejal tiene quinientas cosas encima, ochocientas llamadas y tú has llegado con un proyecto que consideras maravilloso pero que no has sabido explicar en cinco minutos. Tenemos que sentarnos unos al lado de otros. Entendernos. Los artistas también debemos estar cerca de la política porque, si no, corremos el riesgo de convertirnos únicamente en personas que se quejan de aquello que debería ocurrir. La pregunta entonces es: ¿Qué estás haciendo tú para que ocurra?

     

    UN MERCADO VACÍO PARA VOLVER A LLENARLO DE VIDA

    Frente a otras candidaturas que presentan grandes infraestructuras nuevas, vosotros habláis de regenerar espacios.

    Exactamente. No queremos que todo consista en volver a poner hormigón. Detectamos, por ejemplo, que necesitábamos espacios y localizamos el Mercado de Abastos, que tiene zonas sin uso. Estamos trabajando para que forme parte del proyecto de capitalidad. Eso significa regenerar, reactivar, volver a darle vida a algo que ya existe. Los artesanos y comerciantes que están allí pueden beneficiarse, los artistas pueden disponer de nuevos espacios y la ciudad recupera un edificio. Eso representa mucho mejor nuestra filosofía que construir algo desde cero simplemente para poder decir que tenemos un edificio nuevo.

    UN EQUIPO DONDE SE TRABAJA EN EQUIPO

    Hablas continuamente del equipo y muy poco de ti.

    Porque el proyecto no soy yo. De hecho, una de las cosas particulares de nuestra candidatura es que no tenemos un director artístico. Tenemos una curaduría colectiva. Hay varias personas trabajando y construyendo conjuntamente el concepto y la programación. ¿Es más difícil? Muchísimo. Porque cuando existe una única persona que decide, llega un momento en el que dice: «Esto es lo que hay». Nosotros necesitamos discutir, contrastar, consensuar. Requiere muchísimo más tiempo. Pero creo que al final también genera un proyecto mucho más rico.

    Yo vengo de estudiar y trabajar en lugares donde las estructuras son bastante más horizontales. Cada persona tiene una especialización y tiene que liderar aquello que conoce. Si alguien está llevando un proyecto, esa persona tiene que explicarlo públicamente, salir en la fotografía y asumirlo. No tengo que aparecer yo siempre. Eso también nos ha costado aprenderlo y explicarlo. Pero ahora empieza a suceder.

    CUATRO FINALISTAS. UNA CIUDAD. CINCO AÑOS.

    Cáceres ha llegado hasta aquí. De las ciudades españolas que comenzaron el camino hacia 2031 quedan cuatro candidaturas finalistas. Ahora llegará otro bid book, otra defensa, otra habitación con expertos delante y unos minutos contados para condensar años de trabajo, territorio, cultura y Europa.

    ¿Qué sensación tienes ante la decisión final?

    Que estamos preparados. Después hay muchísimos factores. Está lo que escribes en el bid book, que en nuestro caso creo que es muy honesto. Lo que ves es lo que hay. Después tienes que ser capaz de explicárselo al panel de expertos. Tenemos 45 minutos de intervención y otros 45 de preguntas. Es poquísimo tiempo para contar todo esto. Así que no depende solamente de lo que hayas escrito. Depende también de la capacidad de emocionar, explicar, condensar y conseguir que las personas que tienes delante comprendan lo que quieres hacer. Pero siento que el movimiento existe. Es potente. Y si tenemos la oportunidad de desarrollarlo durante estos cinco años creo que podemos construir una Capital Europea de la Cultura muy especial.

    Porque estamos buscando capilaridad. Que haya proyectos en Cáceres, pero también en otros lugares de Extremadura, que el territorio forme parte, que los jóvenes formen parte, que las personas que normalmente no ocupan los escenarios suban a ellos y que todo esto no termine siendo solamente una programación cultural en 2031. Eso sería lo menos interesante. Lo importante será comprobar qué ha cambiado cuando lleguemos hasta allí.

    LA CULTURA ES EL CAMINO

    En la oficina de Cáceres 2031 todavía faltan cosas. Iris Jugo recuerda que llegaron sin ordenador, sin equipo y casi sin espacio; que han aprendido mientras corrían y que, frente a candidaturas con años de ventaja, aquí muchas veces ha tocado construir mientras ya estaban caminando. Quizá por eso eligieron precisamente ese verbo. Caminar. La transhumancia convertida en transcultura. Salir, atravesar territorios, encontrarse con otros y regresar diferente. Cáceres quiere ser Capital Europea de la Cultura en 2031, pero Iris Jugo parece mucho más interesada en otra pregunta: qué Cáceres, qué Extremadura y qué Europa encontraríamos al final del camino si realmente utilizáramos estos cinco años para cambiar algo.

    Porque la piedra seguirá allí. Las murallas seguirán allí. Las torres, las plazas, los palacios y las iglesias seguirán donde llevan siglos. Lo complicado es conseguir que alrededor de ellas sucedan cosas. Que un adolescente de trece años descubra que en 2031 también puede decidir qué cultura quiere. Que un artista europeo termine trabajando en un pueblo extremeño que no sabía situar en el mapa. Que un mercado vacío vuelva a tener voces. Que Évora deje de parecer otro país cuando está a un paseo de nuestra frontera. Que Badajoz, Cáceres, los pueblos, Portugal y Europa puedan formar parte de una misma conversación sin pedir permiso continuamente a la geografía. Y, sobre todo, que Extremadura deje de mirarse desde abajo.

    Iris Jugo lo resume casi sin pretenderlo cuando identifica la mayor dificultad que ha encontrado desde que llegó: la falta de autoestima. Quizá 2031 empiece precisamente ahí. No el día que un jurado pronuncie el nombre de una ciudad. Mucho antes. En el momento en que un territorio deje de preguntarse si es suficientemente bueno para Europa y empiece a preguntarse qué puede aportar él a Europa. Entonces la piedra deja de ser decorado. La frontera deja de ser raya. Y la cultura, efectivamente, se convierte en camino.

    Willy López / Félix Méndez

  • Fundación CB abre el Espacio Casa Alba con una exposición de Goya, Dalí y Picasso

    Fundación CB abre el Espacio Casa Alba con una exposición de Goya, Dalí y Picasso

    La nueva sala de exposiciones, ubicada en la calle San Juan, abrirá sus puertas el 4 de septiembre con la muestra “Las tres tauromaquias: arte y tragedia”.

    Fundación Caja Badajoz continúa reforzando su compromiso con la dinamización cultural del Casco Antiguo de Badajoz a través de la apertura de un nuevo espacio expositivo en pleno centro histórico de la ciudad. El Espacio Casa Alba, situado en el número 7 de la calle San Juan, abrirá sus puertas el próximo mes de septiembre como un nuevo punto de encuentro con el arte y la cultura. La Fundación recupera con esta iniciativa el nombre histórico del inmueble, antiguo obrador de la conocida pastelería Casa Alba.

    La inauguración del espacio tendrá lugar el 4 de septiembre, a las 20:00 horas, con la apertura de la exposición “Las tres tauromaquias: arte y tragedia”, una muestra que reúne una selección de grabados de Francisco de Goya, Salvador Dalí y Pablo Picasso. La exposición estará comisariada por Federico Fernández, director de la Obra Cultural de FUNIBER y UNEATLÁNTICO, y pertenece a la colección privada de la Obra Cultural de la Fundación Universitaria Iberoamericana (FUNIBER) y de la Universidad Europea del Atlántico (UNEATLANTICO) de Santander.

    Goya, Dalí y Picasso ante la tauromaquia

    La muestra reúne un total de 73 obras, entre las que se encuentran 40 grabados de Goya, 5 litografías de Dalí y 28 grabados de Picasso. La obra de Goya se estructura en tres grandes bloques: una aproximación histórica a las corridas de toros en España desde la Antigüedad, la representación de las faenas protagonizadas por los principales toreros de su época y, finalmente, los episodios más trágicos de la lucha. En el caso de Dalí, su particular visión de la tauromaquia pone el foco en una violencia extrema, provocadora e impactante, mientras que Picasso transforma la tragedia y difumina sus contornos para apostar por una representación marcada por el ritmo, la gracia y la danza. La exposición plantea así un recorrido por la interpretación que estos tres grandes artistas españoles realizaron de un mismo universo, poniendo el acento en sus diferentes formas de representar el arte, la emoción y la tragedia. “Las tres tauromaquias: arte y tragedia” no pretende ser una exaltación de la fiesta taurina, sino una aproximación artística a este fenómeno a través de la mirada de tres de los grandes maestros del arte español. La muestra podrá visitarse hasta el 25 de octubre en el Espacio Casa Alba, en el siguiente horario:

    De martes a viernes: de 18:00 a 21:30 horas.

    Sábados: de 10:00 a 13:30 y de 18:00 a 21:30 horas.

    Domingos: de 10:00 a 13:30 horas.

  • Una isla, dos hermanas y un volcán: el universo de Lana Corujo

    Una isla, dos hermanas y un volcán: el universo de Lana Corujo

    El secreto de los escritores está en rescatar cada rincón enterrado del pasado, banal en muchas ocasiones, casi lúgubre otras, pero emotivas todas, como perfectamente podría definir Luis Landero. Escuchar a Lana Corujo, y esto puede ser spoiler, es aventurarse a una cadencia sinuosa, un deje rítmico, dulce, constante, como una ola en la playa de Famara, como una bofetada de color grafito de cualquier terruño de Guatiza, como una carrera jadeante, sahariana, oceánica, con dos ojos, dos hermanas, dos vidas, dos conexiones obligadas, la escritora y la lectora, y un único y místico volcán.

    Cada frase de Lana es un salmo ilustrativo, un grafiti repleto de desventuras actuales. Una barca despeluchada, con madera podrida, con zarpazos de ida y vuelta, de ínsulas saramagianas y penínsulas con la centrifugadora puesta. Y en un lavado, una colada de vuelta a tierras del pasado. Ahí nace Totoro, ese recuerdo, esas dos hermanas, ese duelo entre la vida y la muerte, ese rincón enterrado del pasado, que nos hace sonreír y llorar al mismo tiempo…han cantado bingo.

    Cada capítulo de la novela está encabezado por una cifra. No es un número cualquiera: es la edad de la protagonista en ese momento de la historia. Una decisión formal que, además de ordenar el relato, funciona como una invitación silenciosa al lector para recorrer junto a ella las distintas etapas de una vida marcada por la familia, la identidad, la memoria y el paisaje. Quizá ahí resida parte de la fuerza de una novela que ha encontrado lectores de manera casi orgánica, impulsada más por el boca a boca que por las campañas de promoción. Hace apenas dos años, Lana Corujo escribía una novela sin expectativas, impulsada únicamente por una imagen que no lograba sacarse de la cabeza: un volcán con ojos y dos niñas jugando a su alrededor. Hoy, aquella historia se ha convertido en uno de los fenómenos literarios más comentados surgidos desde Canarias. Sin embargo, lejos de dejarse arrastrar por el ruido mediático, la escritora e ilustradora lanzaroteña afronta este momento con cautela, acompañada de su familia y amigos. En esta conversación habla del éxito inesperado, de su reconciliación con la isla que le vio nacer, de la escritura como espacio de libertad y del miedo que le produce convertirse en un personaje público.

    Han pasado poco más de un año desde la publicación de la novela. ¿Qué sensación te deja este recorrido?

    Ha sido completamente inesperado. Cuando escribí el libro no tenía ninguna pretensión de que ocurriera nada de esto. Tampoco creo que exista una fórmula mágica para que sucedan ciertas cosas. Como no esperaba nada, todo lo que ha venido después se ha convertido en un regalo. También ha sido una experiencia de aprendizaje. De repente estás muy expuesta y eso no es algo que me resulte natural. Soy una persona bastante temerosa de la exposición pública, así que he tenido que aprender a disfrutarlo y, al mismo tiempo, a cuidarme.

    Disfrutar y cuidarse…¿Cómo se gestiona algo así?

    Lo primero que hice fue volver al psicólogo. Es una persona que me ha acompañado en otros momentos importantes de mi vida. Cuando le llamé le dije que venía por una razón buena, porque parece que siempre se acude al psicólogo cuando las cosas van mal, y no tiene por qué ser así. También las cosas buenas pueden ser difíciles de gestionar. Tener a tanta gente pendiente de lo que haces da vértigo. Por eso intento recordarme constantemente que esto es una etapa, algo que empieza y termina, no una condición permanente.

    ¿Te preocupa especialmente la fama?

    Sí. Lo que más miedo me da es la sobreexposición. Intento cuidar mucho hasta dónde quiero llegar y qué parte de mí estoy dispuesta a mostrar. El libro ya tiene vida propia y eso es inevitable, pero respecto a mi faceta pública intento mantener ciertos límites. No quiero convertirme en un personaje público. Quiero seguir siendo la misma persona que era antes de que todo esto ocurriera.

    Pregunta obligada Lana…¿Cómo nace Han cantado bingo?

    Nace de una imagen muy sencilla: un volcán con ojos y dos niñas jugando con él. No sabía quiénes eran esas niñas ni qué historia había detrás. Lo único que tenía era esa imagen rondándome la cabeza. La escritura fue una excavación. Soy una escritora que rara vez sabe exactamente hacia dónde va. Es el propio proceso el que me va dando pistas. Y eso es precisamente lo que más me gusta de escribir.

    ¿Te sientes orgullosa del resultado?

    Muchísimo. Y me cuesta decirlo porque no suelo hablarme de manera especialmente amable. Estoy orgullosa de la novela, pero sobre todo del proceso. De haberme permitido escribir con absoluta libertad, sin expectativas y sin pensar en cómo iba a ser recibida. Creo que eso se nota en el libro y es, probablemente, lo más honesto que he hecho.

    Una parte importante de la novela parece atravesada por la relación con Lanzarote.

    Sin duda. Creo que muchas veces necesitamos alejarnos de los lugares para poder entenderlos. Cuando me fui a Madrid empecé a echar de menos cosas que antes daba por hechas. También empecé a buscar referentes culturales canarios que no habían formado parte de mi adolescencia. Ahí descubrí a autores como Agustín Espinosa y encontré nuevas maneras de mirar la isla.

    «El libro ya tiene vida propia y eso es inevitable, pero respecto a mi faceta pública intento mantener ciertos límites. No quiero convertirme en un personaje público»

    ¿Hubo una reconciliación con Lanzarote?

    Sí. Durante mucho tiempo intenté responder a una pregunta demasiado simple: si me gustaba o no me gustaba Lanzarote. Con el tiempo entendí que la isla podía ser varias cosas a la vez. Podía ser un límite y también una oportunidad. Esa mirada más compleja fue mi reconciliación con ella.

    …además hubo un momento vital importante: el regreso…

    …Mis padres siempre fueron muy claros. Nos pagaban los estudios a mi hermana y a mí, pero después teníamos que buscarnos la vida. Yo no quería volver a Lanzarote. Trabajé de todo para quedarme fuera. Pasé por distintos empleos hasta terminar en una agencia de publicidad en Madrid. Cuando por fin conseguí cierta estabilidad, me di cuenta de que estaba sobreviviendo, pero no era feliz. Entonces apareció una imagen que no me dejaba en paz: volver a casa de mi madre. Y eso me obligó a replantearme muchas cosas.

    La isla aparece casi como un personaje. ¿Lo sentías así mientras escribías?

    En cierta medida puede ser. Aunque tampoco quería convertirla en una postal ni en una representación idealizada. Me interesaba una Lanzarote contradictoria, compleja, capaz de ser muchas cosas a la vez. La isla condiciona la vida de quienes la habitan. Determina distancias, posibilidades, relaciones e incluso imaginarios. Era inevitable que tuviera una presencia tan fuerte en la novela porque también la ha tenido en mi vida. A veces los lugares muy visitados terminan convertidos en imágenes fijas. Se habla de los paisajes, de la belleza, de los volcanes, pero menos de las personas que viven allí. A mí me interesaba hablar de las contradicciones, de los afectos, de las frustraciones, de las familias, de la sensación de crecer en un territorio concreto. No quería escribir contra la postal. Simplemente quería ampliarla.

    El libro también destaca por una estructura muy singular.

    Me interesa muchísimo la arquitectura de los libros. Utilizaba colores, esquemas y números para controlar ritmos, repeticiones o equilibrios entre capítulos. Hay personas a las que esa parte les resulta tediosa, pero a mí me fascina. Era como ver los cimientos de una casa mientras la construyes.

    Y cada capítulo está identificado con una edad concreta, imaginamos una retahíla de post-it de distintos colores para cada personaje ¿Cómo surgió esa decisión?

    Yo necesitaba una estructura que me ayudara a entender el crecimiento de la protagonista. Como soy una persona muy visual, los números terminaron convirtiéndose en una especie de mapa. Cada edad tenía un peso emocional distinto, una forma diferente de mirar el mundo y de relacionarse con el paisaje, con la familia o con la propia identidad. También me interesaba la idea de que el lector pudiera situarse rápidamente en una etapa vital concreta. Todos hemos tenido siete años, doce, dieciocho o treinta. Hay algo muy universal en esa referencia temporal. Me gustaba pensar que cada cifra podía activar recuerdos propios de quien estuviera leyendo. Además, a nivel formal, me permitía jugar con el ritmo. Ver la novela casi como una arquitectura. Los números, los colores, las distancias entre capítulos… todo eso formaba parte de la construcción del libro.

    «A mí me interesaba hablar de las contradicciones, de los afectos, de las frustraciones, de las familias, de la sensación de crecer en un territorio concreto. No quería escribir contra la postal. Simplemente quería ampliarla.»

    La relación entre hermanas ocupa un lugar central en la historia. ¿Por qué te interesaba explorar ese vínculo?

    Porque me parece una relación muy compleja y muy poco explorada en comparación con otras. Hay una intimidad muy particular entre hermanas. Compartes una infancia, unos códigos, unos recuerdos y una forma de mirar el mundo que a veces no vuelves a encontrar con nadie más.

    En mi caso había una imagen que me acompañaba desde hacía años. Cuando éramos pequeñas, mi hermana y yo dormíamos en la misma habitación y, por las noches, tocábamos las paredes. Era una forma de comprobar que la otra estaba ahí. Cuando recuperé ese recuerdo entendí que la novela tenía que hablar también de ese vínculo. De cómo dos personas pueden crecer juntas y, aun así, vivir experiencias completamente distintas.

    Ya nos dejaba entrever David Uclés, y estaba en el preludio de la eclosión de La Península de las casas vacías, del extraño peso que acarrea una explosión tan vertiginosa en tan poco tiempo ¿Crees que hoy es más difícil ser escritor que escribir?

    A veces sí. La escritura ocupa una parte del trabajo, pero alrededor hay muchas otras cosas: promoción, presencia en redes, entrevistas, visibilidad…Entiendo que forman parte del ecosistema actual, pero también creo que pueden resultar agotadoras. Yo me siento mucho más cómoda trabajando en silencio que exponiéndome constantemente. Por eso intento proteger esos espacios donde todavía puedo crear sin pensar en cómo va a ser recibido lo que estoy haciendo.

    Andrea Abreu, Elena Correa, Aida González Rossi, Lana Corujo ¿Qué está pasando con las escritoras canarias? ¿Estamos ante una nueva generación insular?

    No me atrevería a decirlo así porque me da miedo dejar fuera muchas voces. Creo que toda cultura está viva y responde a su tiempo. Yo me siento una consecuencia de quienes estuvieron antes. Del mismo modo que yo leí a autores anteriores, espero que quienes vengan después encuentren también referentes en nuestra generación.

    Y de las generaciones anteriores, ¿Qué libros te habría gustado leer cuando eras adolescente en Lanzarote?

    Me habría gustado encontrar más voces cercanas. Más historias donde pudiera reconocer paisajes, formas de hablar o experiencias que me resultaran familiares. No porque crea que solo debamos leer lo que se parece a nosotros, sino porque descubrir que tu realidad también merece ser contada es algo muy poderoso cuando eres joven. A veces necesitamos vernos reflejados para entender que nuestra experiencia también tiene valor literario.

    «Creo que toda cultura está viva y responde a su tiempo. Yo me siento una consecuencia de quienes estuvieron antes.»

    Lana, los periodistas somos muy pesados, muy maniqueos en nuestras estructuras, muy de titular potente, pero supongo que es algo necesario para arrimar al lector a tu libro…¿Cómo llevas la relación con los medios y las redes sociales?

    Con la prensa muy bien. Lo más repetido suele ser la pregunta sobre cuánto hay de autobiográfico en la novela, pero forma parte del juego. Lo que peor llevo son las redes sociales. Me cuesta muchísimo esa lógica de exposición constante. Hacer vídeos, reels o estar siempre presente es algo que me genera bastante incomodidad.

     Has trabajado en publicidad. ¿Habrías sabido vender tu propio libro?

    No. Estoy convencida de que si hubiera dependido de mí no habría vendido ni un ejemplar. Además, lo bonito de esta historia es que el éxito llegó por el boca a boca. La editorial tampoco realizó una gran inversión en promoción. De hecho, durante los primeros meses las ventas fueron discretas y me tranquilizaban diciéndome que era normal para una primera novela. Lo que ocurrió después fue una respuesta genuina de los lectores. Y eso tiene algo muy emocionante.

    Ahora te encuentras recorriendo muchos lugares para presentar la novela, como en esta Feria del Libro de Badajoz. Una especie de piroclasto literario que quizás descontrole tu propio universo, tu magma diario… ¿Cómo vives esa parte?

    Con agradecimiento. También con cierto cansancio, porque moverse entre islas no siempre es sencillo, pero siento que estos encuentros son una oportunidad para devolver algo de todo lo que los lectores me han dado. Al final, yo solo escribí una novela. Son ellos quienes han hecho posible que tenga esta vida tan bonita.

    Hablas de un recorrido bello, supongo que el arte hace más fácil esta parte ¿Qué papel juegan otras disciplinas artísticas en tu escritura?

    Fundamental. Escucho música, veo pintura, ilustración, cine… Soy una persona muy visual. Hay canciones que me acompañaron durante la escritura de determinados capítulos porque me ayudaban a entrar en un estado emocional concreto. También creo que es importante dejarse contaminar por otras obras. No copiar, sino permitir que el trabajo de otros artistas te atraviese y te haga nuevas preguntas.

    Studio Ghibi, Premio Primcesa de Asturias de Comunicación y humanidades, sabemos de tu pasión por el cine de Miyazaki…

    …Recuerdo mucho Mi vecino Totoro. La vi en el cine de verano de mi pueblo y me emocionó profundamente. Lo curioso fue que, mientras yo estaba llorando, una señora sentada a mi lado dijo al terminar: “Vaya mierda de película”. Aquello me tranquilizó muchísimo. Entendí que dos personas pueden vivir experiencias completamente distintas frente a una misma obra. Y que eso también es el arte. No existe una respuesta universal ni una creación capaz de conmover a todo el mundo.

     

    Lana Corujo habla del éxito con la misma cautela con la que escribe: sin fórmulas, sin certezas y sin dejarse arrastrar por el ruido. Mientras su novela sigue encontrando lectores, ella insiste en regresar una y otra vez al lugar donde todo empezó: el juego, la curiosidad y la libertad creativa. Quizá por eso su historia conecta con tantas personas. Porque, en medio de una época obsesionada con la visibilidad inmediata, Corujo reivindica algo mucho más raro: la honestidad de quien escribió sin esperar nada y terminó encontrándolo todo.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho es Maria. Carminho es Maria do Carmo do Carvalho. Carminho es el eco que aún resuena en el Beco dos Cortumes. Carminho es la niña que se balanceaba del brazo oscilante de Teresa Siquiera al cantar. Carminho es la mujer del viento, ella es la que canta el viento, la que viene en forma de lamento, la que escribe tu nombre en el viento. Carminho escucha los sonidos de los barrios, atrapa sus melodías de cada ráfaga de melancolía de la calle, del vértice más hondo de una saudade ajena a la tristeza. Carminho sigue soñando que juega en el Algarve, que canta en una casa de fados con apenas un palmo de altura, la lisboeta sueña con exhalar melodías en medio mundo, sueña despierta y con una saia rodada, abre los ojos y descubre que le bastan siete faldas y un caballo de varios colores para ser feliz.

    Carminho empieza a cantar para aquellos que tienen hambre de escuchar la música del viento. Carminho se deja envolver por gasas rojas, por bombillas oscilantes, se encarama en sillas de madera, sube y baja los peldaños de Alfama, amarillos, como sus paredes, o en blanco y negro, como el recuerdo de ese Portugal a la que Amália Rodrigues supo darle color. Carminho se aleja del fado para volver a las entrañas del mismo, para hacer de esta canción, que no siempre fue un gran amante en su tierra, una piel más, una capa relevante de la cultura de fronteras. Carminho es elegante, atractiva, dulce al hablar, rotunda y delicada al cantar. Carminho es Maria, la mujer del viento, la prisionera que canta a través de las grietas, la que desafía al fado desde el alma y la memoria del fado.

    Carminho son cinco discos ya en tu carrera musical, pero este último “Maria”, vemos un trabajo mucho más intimista, más personal…¿Qué dimensión tiene este trabajo para ti?

    Este disco es como una regresión a mi pasado, a mis memorias de niña, con mis padres y hermanos en la casa en el Algarve. Allí no había mucha tradición del canto de fado pero mis padres hacían sus noches de fados en casa y yo tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo. Es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música. Los primeros discos han sido muy instintivos con ese repertorio que escuché desde niña, ese que yo cantaba y me gustaba pero ya con el disco que grabamos con Tom Jobim me hizo salir de mi lenguaje musical habitual empleando unos sonidos distintos, desafiantes. Cuando terminé ese disco tenía la ilusión y la preocupación de regresar al fado pero con otra conciencia, abordándolo de otra manera. Y este es resultado, un trabajo de memoria, de mi pasado. Es aquí donde reflejo la importancia que adquiere una noche de fados, haciendo una recreación a mi manera, de lo que pienso que es importante en el fado. El primer movimiento que hice fue el de la sustracción de ciertos instrumentos clásicos del fado, fuera del tradicional, empleando los de toda la vida pero con algunos cambios. Hice una deconstrucción de estos instrumentos, retirando uno a uno para conocerlos mejor, igual que la voz. De esta manera se puede escuchar mucho mejor toda la energía y toda la cultura del fado. Con la voz o el sonido de una guitarra, no hace falta gente, público o escenario, es la mejor manera de comprender el fado desde dentro.

    Y además Carminho, introduces nuevos instrumentos en ese este disco, el lap steel que nos recuerda al tema de la película de Wim Wenders, París Texas. (El mismo director que rodaría Lisbon Story, donde un técnico de sonido recorre Lisboa buscando sonidos de los barrios, de las canciones populares y del fado.)

    Cierto, el lap steel, una guitarra americana popular en el country que se toca en horizontal. Aquí ese instrumento se toca con arco, con algunos pedales, y con algunas alteraciones del sonido para que se pueda construir no propiamente una instrumentación melódica o armónica pero si con una textura y una energía que me permite a mí a cualquier persona, disfrutar en una casa de fados. Cuando  vas a una casa fados no sólo tienes la música o el cantante o la cantante, tienes toda una energía y una textura sonora que forma parte de la experiencia del fado. Te puede transportar, soñar con aquello que cuentan las canciones. Da igual que no comprendas la letra o no sepas portugués, las emociones son más fuertes que todo eso.

     

     

    En las noches de fados en casa tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo, es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música

    La grabación hace que se pierdan algunos de esos matices emocionales que cuentas…

    …El estudio quita un poco esa emoción, es muy aséptico. De ahí que la producción del disco, que llevé personalmente a cabo, al tratarte de un disco íntimo, de mis recuerdos, lo llevásemos lo más cercano posible a esa experiencia de sentir el fado en vivo. Quería recrear aquello que pasa en una casa de fados y la música fue tocada en directo todos juntos como un concierto.

    Escuchar en una calle un gemido de flamenco, o una señora tarareando un fado emociona y hace de estos dos géneros algo único…

    Estas emociones que hablaba con el fado se pueden compartir con las emociones que también transmite el flamenco, tenemos mucho en común en esta experiencia de canción urbana, de raíz, de sentimiento popular.

     

    ¿Qué significa para ti pisar España, cantar fados en otras latitudes como puede ser Extremadura en el Festival de flamenco y fado?

    Es una experiencia grandiosa, muy interesante porque puedes en un solo escenario expresar lo que tenemos en común dos pueblos separados por una frontera imaginaria, la cultural es mucho más invisible, más cercana. Las dos beben de sus ancestros, de ese carácter de tierra y fiesta popular. El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia. Ambos utilizan un lenguaje corporal muy particular y único. Esos los hace genuinos y universales.

     

    Ambas música tienen la urgencia de narrar historias, en eso también confluyen el fado y el flamenco…

    …los temas de sus canciones hablan de las cosas más comunes, del día a día, elementos muy simples, naturales pero muy poéticas. Las historias de la que escribo y canto son las historias de las personas que conozco, me cruzo o a veces observo.

    El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia

    Actuar en Badajoz y en horas asistir a un concierto de Radiohead en Lisboa. Del fado al pop, del pop al rock y así hasta estar en contacto con muchos géneros musicales. Esa investigación musical que te hace especial.

    Escucho todo tipo de música, creo que un artista puede crecer mucho más escuchando todo tipo de música, enriquece su propio repertorio, y la inspiración viene dada por esos otros artistas.

    Dentro de tu trabajo podemos ver que le das mucho valor a la estética, a la ropa que utilizas para actuar, al diseño de la producción de tus discos y a la imagen visual…

    …Yo creo que todo habla, tanto lo que se escucha como lo que se ve. Es una forma de continuar el proceso de comunicación, de valor de una estética musical. En el caso del “Maria” fue un trabajo muy interesante, que hicimos con Giovanni Bianco, un director creativo brasileño que trabaja mucho en Estados Unidos y que ha hecho una pesquisa muy grande de la iconografía de la mujer portuguesa, que muchas veces se confunde con la española, utilizando mi propia memoria. Hablamos mucho de la casa de fados, de cómo es la mujer en Portugal, de mi madre, y es así como se construyó este personaje, “Maria”, que soy yo pero son también todas las mujeres portuguesas.

    Tú, Ana Moura, Gisela Joao, Cuca Roseta y muchas más fadistas, rostros femeninos en el fado, ¿No sabemos si Amália Rodrigues marco la feminidad en el fado o simplemente las fadistas actuales estáis más cerca del público en este momento?

    Es posible que salgan más mujeres fadistas por el icono que supone Amalia en el fado, como mujer cantante, pero también hay algo de emocional que las mujeres tienen la facilidad de expresar. Es una visión un poco romántica pero me parece que la voz femenina tiene esa sutileza, ese drama expresivo más marcado. Hay grandes fadistas que también son muy potentes como Camané, Ricardo Ribeiro o Zambujo.

     

    Willy López | Fotografía. Mariana Maltoni y Félix Méndez

  • Los Premios Max convierten Mérida en el gran escenario de la cultura

    Los Premios Max convierten Mérida en el gran escenario de la cultura

    El Teatro Romano acogió una gala brillante que reivindicó el valor del teatro, la danza y las artes escénicas como refugio de la memoria y la emoción colectiva.

    Hay lugares que parecen construidos para resistir al tiempo. El Teatro Romano de Mérida es uno de ellos. Dos mil años después de que las primeras voces resonaran entre sus columnas, volvió a convertirse en el corazón de las artes escénicas españolas durante la celebración de los Premios Max 2026. Una noche elegante y emocionante en la que el teatro, la danza, la música y el circo se dieron cita para celebrar el talento, la creatividad y la capacidad del arte para seguir interrogando al mundo.

    Porque los Premios Max son mucho más que una entrega de galardones. Son una fotografía anual del estado de la creación escénica en España. Un termómetro que mide las inquietudes de autores, compañías, intérpretes y creadores. Una ocasión para reivindicar el valor de unas disciplinas que continúan ofreciendo algo que ninguna tecnología ha conseguido sustituir: el encuentro entre seres humanos en un mismo espacio y un mismo tiempo. En una época marcada por la velocidad, las pantallas y la fragmentación de la atención, el teatro sigue proponiendo lo contrario: detenerse, escuchar, compartir emociones y mirar al otro. Lo mismo sucede con la danza, el circo o las nuevas formas híbridas de creación escénica. Todas ellas conforman un patrimonio vivo que alimenta la imaginación colectiva y mantiene encendida una de las llamas esenciales de cualquier sociedad: la cultura. Y si existe un escenario capaz de simbolizar esa continuidad entre pasado y presente, ese lugar es Mérida.

    Una ceremonia que dialogó con los clásicos y con Extremadura

    La gala apostó por una puesta en escena de gran carga simbólica. No se trató únicamente de entregar premios. La ceremonia construyó un relato donde la tradición clásica dialogó con la creación contemporánea, convirtiendo el Teatro Romano en un espacio donde convivieron siglos de historia escénica. Un enorme logro en tiempos de trombosis creativa, que la maravillosa Cristina Silveira supo dirigir de manera extraordinaria.

    Las referencias culturales se sucedieron a lo largo de la noche con una naturalidad sorprendente. Por el escenario desfilaron evocaciones de Esquilo y Sófocles pero también de figuras tan diversas como Margarita Xirgu, María Zambrano, Catalina Clara Ramírez de Guzmán, Sócrates o Diotima. Hubo espacio para la tragedia clásica, para la filosofía, para la literatura, para la memoria femenina y para la reivindicación de las raíces culturales extremeñas. La ceremonia tejió una narrativa donde convivían Medea y Antígona con Robe Iniesta, la danza butoh con las compositoras extremeñas, la escena contemporánea con la tradición grecolatina y las nuevas generaciones con quienes abrieron camino décadas atrás. Lejos de convertirse en una sucesión de números independientes, la gala construyó un discurso coherente sobre la identidad, la memoria y la capacidad transformadora de las artes escénicas.

    La huella extremeña brilló con luz propia

    Más allá del papel de anfitriona, Extremadura tuvo una presencia decisiva en el desarrollo artístico de la ceremonia. Diecisiete bailarines, como Irene Naranjo o Lara Martorán, e intérpretes extremeños participaron activamente en una propuesta escénica que otorgó a la danza un protagonismo inusual dentro de este tipo de galas. Sus intervenciones aportaron fluidez, ritmo y cohesión visual a una ceremonia que evitó la rigidez institucional para apostar por un espectáculo vivo. Pero fueron las recreaciones inspiradas en la tragedia clásica las que ofrecieron algunos de los momentos más intensos de la noche. Y por ahí aparecieron el equipo de danza de la Quijjá, de la coreógrafa extremeña Paloma Muñoz, tres minutos intensos en una super reducción de su espectáculo de danza que evoca un paisaje devastado y busca la poesía en los huesos. Fantásticos.

    María Luisa Borruel dio vida a una Medea desgarradora. José Vicente Moirón encarnó a Edipo con la solvencia de quien conoce profundamente la tragedia griega. Esteban G. Ballesteros se convirtió en Sócrates, mientras que Alberto Amarilla asumió la figura de Prometeo. Pepa Gracia aportó fuerza y humanidad a Antígona e Isabel Ordaz hizo lo propio con Hécuba. Las interpretaciones alcanzaron tal nivel de intensidad que muchos asistentes coincidieron en señalar estos fragmentos como algunos de los instantes más memorables de toda la velada. Fueron pequeñas piezas teatrales insertadas en medio de la gala que recordaron por qué los clásicos siguen hablando con extraordinaria vigencia al espectador contemporáneo.

    La música también tuvo un marcado acento extremeño. La soprano Mar Morán protagonizó una de las actuaciones más celebradas de la noche acompañada por Belén Castillo al piano y por el bailarín pacense Óscar Alonso, cuya trayectoria internacional lo ha convertido en una de las figuras emergentes más interesantes de la danza española. Entre los momentos más emotivos de la ceremonia destacó el homenaje a Robe Iniesta, una de las voces más universales surgidas de Extremadura. La gala conectó con las raíces contemporáneas de la región mediante una delicada y conmovedora versión coral de Puntos suspensivos, interpretada por el Coro Amadeus de Puebla de la Calzada. La pieza, cargada de sensibilidad y simbolismo, tendió un puente entre la música popular y las artes escénicas, demostrando que la creación cultural extremeña trasciende géneros y generaciones. Bajo las bóvedas del Teatro Romano, la canción adquirió una dimensión casi litúrgica, convirtiéndose en uno de esos instantes capaces de detener el tiempo y emocionar a un auditorio entregado.

    Madrid y Cataluña concentran los grandes reconocimientos

    Si algo dejó claro el palmarés de esta edición fue el enorme peso que siguen teniendo Madrid y Cataluña dentro de la producción escénica nacional. El Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya se repartieron buena parte de los principales reconocimientos teatrales, obteniendo cinco galardones cada uno y consolidando su posición como dos de los grandes motores creativos del panorama escénico español.

    La gran vencedora de la noche fue 1936, una ambiciosa producción del Centro Dramático Nacional, CheckIn Producciones y El Terrat, dirigida por Andrés Lima, una obra monumental sobre la Guerra Civil que convirtió la memoria histórica en materia escénica viva. Su frase de la noche podría resumirse así: “El teatro también sirve para nombrar a quienes siguen esperando justicia bajo la tierra.”. Premio al Mejor espectáculo.

    La tercera fuga, del Teatre Nacional de Catalunya, se llevó tres premios: Mejor Autoría Teatral, Mejor Elenco de Teatro y Mejor Actor para Ton Vieira. Su espíritu quedó marcado por una idea poderosa: “El exilio no es solo una herida geográfica; también es una forma de mirar el mundo.”

    Los nuestros, del Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya, obtuvo dos galardones fundamentales: Mejor Dirección de Escena para Lucía Carballal y Mejor Actriz para Mona Martínez. La obra puso sobre la mesa memoria, identidad y pertenencia. Su frase: “Somos también aquello que heredamos sin haberlo vivido.”

    La danza toma la palabra

    La danza fue una de las grandes protagonistas de la noche. No, de La Venidera y Centro Danza Matadero, se alzó como Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía para Irene Tena y Albert Hernández, y Mejor Intérprete Femenina de Danza para Irene Tena. Tres premios para una propuesta de flamenco contemporáneo, física, intensa y emocional. Su frase: “A veces decir no es la forma más luminosa de seguir bailando.”

    Faula, de Roser López Espinosa y el Consorci Mercat de les Flors, recibió el premio a Mejor Elenco de Danza. Su frase: “El cuerpo también sabe contar cuentos antiguos con una lengua nueva.”

    El premio a Mejor Intérprete Masculino de Danza fue para Juan Berlanga, por JUANCABALLO. Su frase: “Bailar es dejar que el cuerpo diga lo que la palabra no alcanza.”

     Jesús Cimarro y toda una vida dedicada a la escena

    Otro de los momentos más significativos de la noche llegó con la entrega del Premio Max de Honor a Jesús Cimarro. La elección poseía una carga simbólica evidente. Pocos nombres están tan vinculados al crecimiento y consolidación de las artes escénicas en España durante las últimas décadas. Productor, gestor cultural y director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cimarro ha desempeñado un papel fundamental en la proyección nacional e internacional de uno de los certámenes teatrales más prestigiosos del país. El premio sirvió para reivindicar una labor muchas veces invisible: la de quienes sostienen la estructura necesaria para que las compañías puedan crear, girar y encontrarse con el público.

    El palmarés completo de una edición diversa

    Los 25 galardones repartidos durante la noche reflejaron la riqueza y diversidad del panorama escénico actual. Desde el teatro histórico de 1936 hasta las exploraciones corporales de No, pasando por la lírica de Hacia ecos de lo sagrado, el teatro de calle representado por Gota, la creación familiar de La Maestra, las propuestas emergentes como Zorra Dorada o los trabajos de investigación escénica reconocidos en categorías técnicas, el palmarés dibujó un mapa donde conviven distintas sensibilidades, lenguajes y generaciones. Una diversidad que constituye precisamente una de las mayores fortalezas de las artes escénicas españolas.

    Mucho más que unos premios

    Al finalizar la ceremonia, cuando los focos comenzaron a apagarse y el público abandonaba lentamente las gradas del Teatro Romano, quedaba la sensación de haber asistido a algo más que una entrega de galardones. Los Premios Max volvieron a recordar que el teatro sigue siendo un lugar donde una sociedad se mira a sí misma. Que la danza continúa explorando territorios que las palabras no alcanzan. Que el circo mantiene intacta su capacidad para desafiar los límites físicos y emocionales. Que la música sigue siendo capaz de unir mundos aparentemente lejanos. Y que la cultura, lejos de ser un lujo accesorio, constituye una necesidad colectiva. Las piedras milenarias de Mérida han contemplado imperios, guerras, celebraciones y silencios. Esta semana fueron testigos de otra victoria menos visible pero igualmente importante: la de las artes escénicas sobre el olvido. Una noche para celebrar premios, sí. Pero sobre todo una noche para celebrar que todavía existen escenarios capaces de reunirnos alrededor de una historia.

    Relación completa de los ganadores de los Premios Max 2026

    Teatro

    • Mejor Espectáculo de Teatro: 1936
    • Mejor Dirección de Escena: Lucía Carballal, por Los nuestros
    • Mejor Autoría Teatral: Victoria Szpunberg y Albert Pijuan, por La tercera fuga
    • Mejor Adaptación o Versión: Xavo Giménez, por Yo soy 451
    • Mejor Actriz: Mona Martínez, por Los nuestros
    • Mejor Actor: Ton Vieira, por La tercera fuga
    • Mejor Elenco de Teatro: La tercera fuga

    Danza

    • Mejor Espectáculo de Danza: No
    • Mejor Coreografía: Irene Tena y Albert Hernández, por No
    • Mejor Intérprete Femenina de Danza: Irene Tena, por No
    • Mejor Intérprete Masculino de Danza: Juan Berlanga, por JUANCABALLO
    • Mejor Elenco de Danza: Faula

    Musicales y lírica

    • Mejor Espectáculo Musical o Lírico: Hacia ecos de lo sagrado

    Calle, infancia y revelación

    • Mejor Espectáculo de Calle: Gota, de Txema Muñoz
    • Mejor Espectáculo Infantil, Juvenil o Familiar: La Maestra
    • Mejor Espectáculo Revelación: Zorra Dorada

    Autoría y creación musical

    • Mejor Autoría Revelación: Iván López-Ortega, por Taxidermia de una alondra
    • Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico: Raquel Molano, Pablo Peña y Darío del Moral, por Fuenteovejuna

    Categorías técnicas

    • Mejor Diseño de Producción: Poeta (perdido) en Nueva York
    • Mejor Diseño de Espacio Escénico: Blanca Añón, por Orlando
    • Mejor Diseño de Vestuario: Agustín Petronio, por Orlando
    • Mejor Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe, por Blaubeeren

    Premios especiales

    • Premio Max de Honor: Jesús Cimarro
    • Premio Max Aficionado o de Carácter Social: Ezezagunok Antzerki Elkartea
    • Premio Max Aplauso del Público: Sara Baras, por Vuela

     

    Willy López / Félix Méndez

  • “Caza Mayor” «La dehesa extremeña como decorado de cine para un thriller rural con alma de wéstern»

    “Caza Mayor” «La dehesa extremeña como decorado de cine para un thriller rural con alma de wéstern»

    “Caza Mayor” no es solo una película sobre un tigre imposible: es una historia sobre lo que una sociedad decide creer, ocultar o enfrentar. Y en ese territorio, la dehesa extremeña se convierte en el escenario perfecto para una caza mucho más profunda: la de las verdades incómodas.

    Extremadura, y sobre todo la localidad de Fregenal de la Sierra, se ha convertido en el epicentro de uno de los rodajes más ambiciosos del cine español reciente: Caza Mayor, la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo, autor de títulos tan reconocidos como Azul oscuro casi negro. Conocido por su capacidad para entrelazar emoción, humor y retrato social en títulos como Azul oscuro casi negro, el cineasta regresa con una propuesta que profundiza en las tensiones invisibles del mundo rural, con una mirada contemporánea pero profundamente arraigada en la tradición narrativa española.

    «Lo que más me gustó al escuchar el podcast fue el realismo y la verdad que aportaba esos actores no profesionales que infundía María Ballesteros y Antonio Pascual. Y enseguida vi que Antonio de la Torre tenía que estar rodeado de gente de la zona para darle ese realismo a la historia.»Daniel Sánchez Arévalo.

    Un origen sonoro que se convierte en cine

    El germen de Caza Mayor se encuentra en el podcast El Tigre, una pieza escrita por la autora extremeña María Ballesteros y narrada por Aitana Sánchez-Gijón. Aquella historia, cargada de atmósferas inquietantes y simbolismo, despertó en Sánchez Arévalo la necesidad de trasladar ese universo al lenguaje cinematográfico. El director ha trabajado en la adaptación ampliando tramas, construyendo nuevos personajes y reforzando el componente coral del relato, sin perder la esencia original: una historia donde lo íntimo y lo social se entrelazan constantemente.

    Más allá de la caza

    Caza Mayor se sitúa en una finca de caza del sur de Extremadura, en plena dehesa. En el centro de la historia encontramos al personaje interpretado por Antonio de la Torre, un porquero que conoce la finca mejor que nadie y que observa, desde una posición aparentemente periférica, los movimientos de quienes ostentan el poder. Su mirada se convierte en uno de los ejes morales del filme. Paralelamente, el personaje de Julián Villagrán introduce un contrapunto complejo: un hombre atrapado entre dos mundos, que encarna las contradicciones de una sociedad que oscila entre la tradición y el cambio.

    A medida que avanza la trama, el relato se transforma en una metáfora sobre la jerarquía social: quién caza y quién es cazado, quién decide y quién obedece. La película despliega así una doble lectura: por un lado, un drama rural cargado de tensión; por otro, una reflexión profunda sobre la lucha de clases, en la línea de obras como Los Santos Inocentes o Jarrapellejos, que también exploraron las desigualdades en entornos similares.

    «Como ciudadano es uno de los temas que más me preocupa. Y sin dar un mitin, creo que vamos en picado a un tecnofeudalismo , y alejándome del campo, centrándome en la economía global, los grandes oligarcas mundiales, están rajando la sociedad. Ayuda que ciertos partidos, uno en concreto, fomentan que esas élites sigan manejando a su antojo todo. Y me preocupa mucho esa desestructuración social, falta de empatía y valores naturales, que en cierta manera, se ven muy reflejados en Caza Mayor. Hay varias capas en la trama.» Antonio de la Torre.

    Un rodaje marcado por la adversidad

    El proceso de rodaje ha sido especialmente exigente. Las intensas borrascas que afectaron a la región durante varias semanas complicaron seriamente el desarrollo de la producción. El propio Sánchez Arévalo ha reconocido que podría tratarse de “la semana más dura” de toda su trayectoria profesional. Las condiciones meteorológicas obligaron a reorganizar jornadas, adaptar escenas y trabajar en situaciones límite.

    Sin embargo, lejos de quebrar el proyecto, estas dificultades reforzaron el espíritu de equipo. El director ha querido destacar la hospitalidad de los habitantes de la zona, así como la implicación y profesionalidad de todo el equipo técnico y artístico. La conexión con el territorio ha sido, en sus propias palabras, “una de las grandes recompensas del rodaje”.

    «En toda mi trayectoria ha sido muy recurrente la presencia de personajes alcohólicos, yonquis, locos y demás, mi especialidad, de hecho tengo un Goya por ello, pero ya afortunadamente, quizá por la edad o vete tú a saber, han descubierto que sé hacer otros papeles, y en esta película está presente ese contrapunto.» Julián Villagrán.

    «En toda mi trayectoria ha sido muy recurrente la presencia de personajes alcohólicos, yonquis, locos y demás, mi especialidad, de hecho tengo un Goya por ello, pero ya afortunadamente, quizá por la edad o vete tú a saber, han descubierto que sé hacer otros papeles, y en esta película está presente ese contrapunto.» Julián Villagrán.

    Interpretaciones y complicidad creativa

    Para Antonio de la Torre, Caza Mayor supone un nuevo capítulo en su fructífera relación con Sánchez Arévalo, con quien suma ya cinco películas. El actor ha subrayado el valor de rodar en un entorno como la dehesa extremeña, que describe como “un lugar donde uno podría quedarse a vivir”. Pero más allá del paisaje, destaca la riqueza del guion y la profundidad de su personaje, que le ha permitido explorar emociones contenidas y silencios cargados de significado.

    Por su parte, Julián Villagrán ha valorado especialmente la complejidad del enfoque narrativo. Tras una carrera en la que ha interpretado numerosos personajes marginales o excéntricos, el actor considera que esta película rompe con los esquemas simplistas y apuesta por una narrativa llena de matices, donde los conflictos no se resuelven de forma evidente y los personajes evolucionan en zonas grises.

    «Daniel tiene una mirada para contar esta historia de una manera creíble, siempre lo ha hecho, desde que comenzamos a trabajar juntos en Azul oscuro casi negro. Es arriesgado, y ese atrevimiento, donde la película tiene hasta un aire documental, me parece algo mágico. En esta profesión siempre hay que aprender, y con equipos como el de esta película, es un lujo ese aprendizaje». Antonio de la Torre.

    «Daniel tiene una mirada para contar esta historia de una manera creíble, siempre lo ha hecho, desde que comenzamos a trabajar juntos en Azul oscuro casi negro. Es arriesgado, y ese atrevimiento, donde la película tiene hasta un aire documental, me parece algo mágico. En esta profesión siempre hay que aprender, y con equipos como el de esta película, es un lujo ese aprendizaje». Antonio de la Torre.

    Un thiller rural con acento extremeño: territorio y autenticidad

    Uno de los rasgos más distintivos de Caza Mayor es su apuesta por integrar a la comunidad local en el proyecto. Gran parte del elenco está formado por habitantes de las localidades cercanas, lo que aporta una autenticidad difícil de replicar. Los acentos, los gestos, las miradas: todo contribuye a construir un universo verosímil, profundamente conectado con la realidad del territorio. Daniel Sánchez Arévalo asegura que han hecho un casting local «exhaustivo» para conseguir a un reparto «de auténticas joyas para luego, con nuestros protagonistas, hacer una inmersión total en ese peculiar y único acento extremeño, que además está muy poco explotado en nuestra cinematografía y que, para mí, sin duda, es otro de los grandes atractivos del proyecto».

    La película ha sido rodada íntegramente en Extremadura, aprovechando los paisajes de la campiña sur, donde la dehesa, con sus encinas, sus claros y la presencia constante del cerdo ibérico, se convierte en un personaje más. Este entorno no solo actúa como telón de fondo, sino que condiciona la narrativa, define las relaciones entre los personajes y refuerza el simbolismo de la historia.

    El humor como resistencia

    A pesar de la dureza de los temas abordados, Sánchez Arévalo no renuncia a uno de los elementos más característicos de su cine: el humor. Un humor sutil, a veces incómodo, que emerge en los momentos menos esperados y que sirve como válvula de escape emocional. Esta combinación de drama y ligereza permite al espectador conectar con la historia desde múltiples niveles, evitando caer en el tono excesivamente solemne.

    «Cuando ruedas en un sitio y narras una historia, tiene que estar justificado. Si ruedas en Galicia será por algo, y si ruedas esta historia tiene que ser Extremadura, primero porque gira entorno al mundo de los cerdos ibéricos, y por la idiosincrasia de los personajes que pueblan la película. Extremadura está muy poco explotada a nivel cinematográfico y es un decorado increíble y ojalá esta peli ayude a que vengan más rodajes a esta tierra.» Daniel Sánchez Arévalo.

    «Cuando ruedas en un sitio y narras una historia, tiene que estar justificado. Si ruedas en Galicia será por algo, y si ruedas esta historia tiene que ser Extremadura, primero porque gira entorno al mundo de los cerdos ibéricos, y por la idiosincrasia de los personajes que pueblan la película. Extremadura está muy poco explotada a nivel cinematográfico y es un decorado increíble y ojalá esta peli ayude a que vengan más rodajes a esta tierra.» Daniel Sánchez Arévalo.

    Producción y apuesta por el cine con raíces

    Caza Mayor cuenta con el respaldo de Movistar Plus+, que continúa consolidando su apuesta por un cine comprometido, con identidad y vocación autoral. Siguiendo la línea de producciones anteriores como Sirat o Los Domingos, la plataforma impulsa aquí un proyecto que combina ambición artística con arraigo territorial. En este sentido, la película no solo representa una obra cinematográfica, sino también una oportunidad para visibilizar el potencial de Extremadura como escenario de rodajes y como fuente de historias universales. Caza Mayor se perfila así como una de las producciones más relevantes surgidas en la región en los últimos años, con la capacidad de trascender lo local y conectar con audiencias amplias.

    Un “wéstern” en el viejo oeste de España

    Con una narrativa compleja, un reparto sólido y un entorno natural de enorme fuerza simbólica, Caza Mayor se presenta como una película que invita a mirar más allá de la superficie. Una historia donde cada silencio pesa, cada gesto cuenta y cada disparo resuena no solo en la dehesa, sino también en las estructuras profundas de la sociedad.

    Willy López / Félix Méndez