Mi frase preferida es y será «Búscalo en Google». ¿No lo sabe todo ese tipo? Pues que no me molesten a mí para saber algo de mí.
Ilustración. Tito Pantone Merello
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Verano Ilustrado
La contraportada de uno de los libros que recomendamos esta semana reza así; ¿Quieres que sea vacaciones? No te exprimas el cerebro, sonríe…Y lánzate al mar!!!
Lo dicho, haz, haced, que vuestras vacaciones empiecen cuando quieras…o se pueda, sólo necesitas la imaginación, los autores, los ilustradores de estas obras sólo te dan algunas pistas para que construyáis vuestro mar. No se os olvide sonreír. Elemento básico para soñar.
«Cuaderno de Vacaciones» Grassa Toro e Isidro Ferrer 56 págs. 22 x 30 cm. 10 € Libros del Zorro Rojo
«¿A qué habitación de tu casa te llevarías una isla desierta?»
Este no es un cuaderno para hacer en vacaciones, nos explica su autor, Grassa Toro. Es un cuaderno para hacer que sea vacaciones cuando quieras que sea vacaciones. Algunas de sus actividades se hacen con las manos, otras con la cabeza o con los pies; unas pocas solo se pueden hacer una vez, y la mayoría, dos mil cuatrocientas veinticuatro veces.Un cuaderno en el que una nube puede convertirse en la montura perfecta con la que surcar el cielo, en el que compiten ciclistas de cabezas poligonales (el equipo de la Bauhaus) y en el que el orden equivale al aburrimiento.Con juegos en lo que todo es posible, este libro nos invita a crear e interactuar con los mundos inauditos de Isidro Ferrer: mundos de lápiz, gubia y cincel. Una travesía náutica para todo tipo de marineros y marineras, e incluso para adultos con mal genio y gafas.
El autor Grassa Toro Zaragoza, 1963
Su producción abarca géneros y soportes diversos: poesía, ensayo, cómic, periodismo, narrativa, literatura infantil y teatro. Compagina su labor artística con la formación en temas relacionados con la escritura. Ha impartido conferencias, talleres y cursos en: Argentina, Colombia, Cuba, Ecuador, España, Francia, Marruecos y Venezuela. Es fundador y co-director de LA CALA (Chodes, España), centro dedicado al estudio y la creación. Autor de una vÇSeintena de libros, destacamos:
Declinación, Madrid, In pectore, 2014.
Conquistadores en el Nuevo Mundo, Medellín, Tragaluz, 2013.
Fábulas morales de una vez para siempre, Barcelona, A buen paso, 2010.
Este cuerpo es humano, Barcelona, Thule, 2009.
Una casa para el abuelo, Libros del Zorro Rojo, Barcelona, 2014; Ediciones Sins Entido, Madrid, 2007, 2006; SM, México, 2005.
Dirige desde el año 2007 junto a Isidro Ferrer el Curso internacional de Ilustración y Diseño gráfico de Albarracín.
El ilustrador Isidro Ferrer Madrid, 1963
Diseñador, afichista, ilustrador, graduado en arte dramático y escenografía, es uno de los artistas gráficos más reconocidos de la actualidad. En el campo de la ilustración editorial ha publicado, entre otros: El vuelo de la razón (Premio del Ministerio de Cultura de España al libro mejor editado, 1993); Yo me lo guiso, yo me lo como (Premio Laus de Plata de Ilustración, 1996); El verano y sus amigos (Premio Lazarillo de Ilustración, 1996); En cosme i el monstre (Premio Crítica Serra d’Or, 2000); Una casa para el abuelo (Premio Daniel Gil de Ilustración, 2003; Premio Junceda de Ilustración, 2006 y Premio Nacional de Ilustración, 2006); Libro de las preguntas, de Pablo Neruda (Premio de la Asociación Española de Profesionales del Diseño, 2006 y Premio Cálamo al mejor libro, 2006). Su obra ha sido expuesta en numerosos países de Europa, América y Asia. Isidro Ferrer reside en Huesca, donde se dedica al cartelismo, al diseño editorial, a la ilustración y a las series de animación. Sobre sus gustos ha escrito: «Del color azul me gusta el azul. De los perros me gusta que tengan plumas de caballo. Me gusta encontrar las caras escondidas en un taco de madera, las caras reveladas en un sello, en una moneda. De las hojas me gusta el libro. De la pared me quedo con un cartel; aunque de la pared también me gusta el laberinto»
Los críticos…amigos…enemigos…dicen
«Este libro es un estimulante para la creatividad de los niños. Se reinventa en cada página, y se abre como una puerta a la diversión. Las ilustraciones de Isidro Ferrer son reconocidas en todo el mundo por su poética lúcida y alegre, y Carlos Grassa Toro invita a interactuar con ellas de una manera ingeniosa.» Tragaluz Editores
«Todos tuvimos en algún momento, un libro de pasatiempos, lleno de juegos, experimentos y propuestas para divertirse en casa. Grassa Toro e Isidro Ferrer aprovechan esta experiencia compartida para burlarse de este género de libros con sutileza e ironía. Con propuestas descabelladas e ilustraciones juguetonas, esta obra invita a reírse y a imaginar cómo resolver los retos propuestos. Cada página genera una carcajada o al menos una sonrisa en su lector. Las ilustraciones están llenas de originalidad y audacia, hechas a partir de composiciones con objetos, fichas de madera, dibujos, recortes y fotografías. Es este uno de esos libros que se aprovechan en soledad y en compañía.» Canal Lector
Nosotros decimos
«Cuaderno de papel con alma de madera reciclada. Descubrir ballenas doctoradas en capturas de balleneros, tostadas integrales con bombín y pocas similitudes. Vacaciones sin salir de tu habitación, una casa llena de imaginación. Cuaderno que a veces necesita ser consumido por los padres, tres ingestas diarias para los abuelos y de por vida para los que más saben de esto, los pequeños». Cultura Badajoz
«Carnets» Javier Zabala 212 págs. 17 x 24 cm. 35 € Nórdica Libros
«Porque tiene mi amigo Zabala la manía de viajar, siempre, con una caja que hace saltar la alarma en todos los controles, en la que lleva botes de pigmentos y colores cuyo nombre cabal sólo saben decir los poetas: blanco de zinc, ocre, azul sármede… Y un cuaderno, a veces dos, me cuenta, si el primero está a punto de acabarse. Con ellos ha recorrido decenas de ciudades: Milán, Pisa, Sao Paulo, Roma, Jerusalén, Teherán, y de ellas quedan en su interior posavasos, billetes de autobús, etiquetas de cervezas exóticas, entradas de museos y dibujos que pinta en estaciones y aeropuertos, en terrazas y habitaciones de hotel, en esas tardes lentas del viajero que se estiran, indolentes y lacias, solitarias, hasta la noche misma». Del prólogo de Jesús Marchamalo
El propio Zabala define su obra, que surge de un crowdfunding de Verkami y que originalmente se iba a llamar Travelbooks & Sketches. La Editorial Nórdica editaría los 500 primeros ejemplares con el apoyo de Espacio Hueco (colectivo de artistas). Tras superar con creces la financiación se han editado otros 500 libros. Una edición limitada de uno de los mejores ilustradores internacionales. Lo tenemos en nuestro país, ilustra por medio mundo y sueña en su casa estudio de Madrid. Nos toca a nosotros colocarlo en la pole de nuestra biblioteca.
Me llamo Javier Zabala y desde hace más de 25 años ilustro libros para niños y adultos, aunque últimamente me gusta pensar que todos ellos son para personas de uno a cien años. Creo que donde verdaderamente se aprecia la esencia de los artistas es en sus bocetos, en sus cuadernos de viaje, incluso en sus descartes, en sus cambios de opinión, en todo eso que queda muchas veces oculto. Todo este trabajo a veces lo hacemos con un propósito profesional, pero otras muchas solo por el placer y la necesidad de dibujar, también de crecer. Es seguramente en estos bocetos, hechos sin presiones ni plazos, con total libertad, donde se ve lo que no hemos sido, pero también lo que seremos.
Este libro tendrá unas 200 páginas y estará editado con mucho cariño y cuidado. La primera edición será de 500 ejemplares firmados y personalizados. Será una selección de mis bocetos preparatorios, ilustraciones finalmente no usadas, cuadernos de viajes, búsquedas técnicas, ideas gráficas… en fin, mis procesos de trabajo. Dibujos que duermen en cientos de cajas y cajones y cerca de 60 cuadernos de viaje, ahora podrán ver la luz. De mis colegas, siempre he preferido sus bocetos. Por eso me gustaría editar este libro, que espero que sea, casi, como si estuvieseis en mi estudio, curioseando en los cajones.
El autor ilustrador Javier Zabala León, 1962
Estudió Ilustración y Diseño Gráfico en las Escuelas de Artes de Oviedo y Madrid, a donde se trasladó en 1984. Comenzó a trabajar en distintos campos: revistas, publicidad, dibujos animados…Desde entonces, trabaja como ilustrador para las más importantes editoriales españolas y algunas de las más prestigiosas de Europa, Latino América y Asia. Ha ilustrado más de 80 libros, de algunos de los cuales también es el autor del texto. Sus libros han sido traducidos a 16 idiomas. Ha ilustrado textos de Cervantes, Shakespeare, García Lorca, Rodari, Melville, Chejov, Van Gogh… En la actualidad, una parte importante de su actividad profesional se desarrolla como profesor, impartiendo cursos de ilustración y conferencias en Universidades, Bibliotecas y Escuelas de Arte en España y en países tan diversos como Italia, Colombia, Ecuador, Mexico, Irán, Cuba. Brasil, Venezuela, Israel…En 2005 recibe la Mención de Honor de los Premios de la Feria Internacional del libro infantil y juvenil de Bolonia por su libro D. Quijote. El Ministerio de Cultura español le otorga el Premio Nacional de Ilustración 2005 por El Soldadito Salomón.
Los críticos…amigos…enemigos…dicen
«Durante su brillante carrera como ilustrador, Javier Zabala ha afrontado, sin duda, trabajos de gran complejidad; desde las ilustraciones de D Quijote, a las de Santiago de Federico García Lorca (libros por los que obtuvo sendas Menciones de Honor de los Premios de la Feria de Bolonia), o las de Hamlet de Shakespeare para adultos. Entre otros, ha ilustrado también historias de Melville y Rodari. Digamos que se ha asegurado de cubrir casi todas las experiencias posibles. Seguramente nunca duda cuando le llega el momento de enfrentarse a nuevos retos; ésta es una actitud que yo agradezco enormemente, porque es sintomática de una férrea voluntad de querer seguir evolucionando, investigando, y estudiando, algo que un profesional, en mi humilde opinión, nunca debería abandonar. Aunque unidos por un hilo conductor, que radica en su sensibilidad, su visión personal del mundo, y en la habilidad con la que consigue transformar todo eso en imágenes, adaptando su lenguaje gráfico a la audiencia a la que se dirige en cada ocasión, todos sus libros son diferentes.» Cristina Clerici. Especialista italiana en álbumes ilustrados.
«Aunque debería estar prohibido, si pudiéramos pedirle algo a un artista, a un ilustrador para ser más concretos, o más bien si nos atreviéramos a pedirle algo a un dibujante que ha iluminado más de setenta libros, le pediríamos seguramente versatilidad, al menos la que tienen los libros» Inés Plasencia. Blog El País
Nosotros decimos
«Carnets supone fisgonear entre los cuadernos de viaje de un artista. Pedir a un escritor que te deje leer sus legajos escritos a lápiz, solicitar los negativos guardados a un fotógrafo de guerra, robar la primera edición a un montador de cine. Carnets supone volar a Bologna en un trazo, utilizar un borrón para bailar como un derviche ante la torre Eiffel, apretar el corsé a las mujeres chilenas sin rozar su seda, construir casas de colores y creerte el vecino del ático de una de ellas. Carnet es simplemente maravilloso, un trabajo voyerista que regala nuestra imaginación y riega con bocetos todo universo imaginativo que posee Javier Zabala. Imprescindible». Cultura Badajoz
«Zanardi» Andrea Pazienza 152 págs. 23 x 29 cm. Color/ Blanco y negro 24 € Fulgencio Pimentel
“Al dibujar las narices grandes, en forma de pera, quiero advertir a la gente de que se trata de una historia blanda, sin embargo cuando comienzo a hacer narices picudas cuento historias duras” Andrea Pazienza
Andrea Pazienza es uno de los mayores narradores gráficos de todos los tiempos y Zanardi una de sus obras más conocidas e influyentes. En ella, Pazienza retrata a toda una generación de jóvenes altivos, hedonistas y amorales, sofocados por un entorno entumecido y asfixiante que sentimos muy cercano al actual.
Más de un cuarto de siglo después de su muerte, el culto alrededor de la figura de Andrea Pazienza sigue extendiéndose de manera constante en el arte, la música, el cine y la literatura de su Italia natal, mientras su nombre empieza a sonar cada vez más insistentemente fuera de sus fronteras. Prolífico hasta lo inverosímil, Pazienza dejó tras de sí un legado que aún hoy impacta por su versatilidad, su brutalidad y su lirismo.
Este primer volumen de los dos de que se compone la serie contiene las historias Día, Un thriller escolar, El palo, Verde matemático, La propiedad transitiva de la semejanza 1 y 2, Noche de carnaval, Zanardi el inexistente y la historia más extensa de la saga, La primera de las tres, ambientada en la Florencia de los crímenes del Monstruo de Scandicci. El tomo incluye notas bobliográficas y un extenso prólogo de Emanuele Trevi. La traducción corre a cargo de César Palma, Premio a la Traducción 1996 del Ministerio Italiano de Asuntos Exteriores.
El autor ilustrador Andrea Pazienza San Benedetto del Tronto (Italia) 1956
Andrea Pazienza es uno de los dibujantes italianos más importantes de todos los tiempos y su legado es comparable al de otros colegas de profesión como Hugo Pratt, Guido Crepax o Milo Manara, mientras su popularidad y consideración supera incluso a la de los citados dentro de Italia. Fue uno de los miembros fundadores de la revista mensual Frigidaire en 1980, donde publicó su serie Zanardi, y también colaboró en otras revistas como alter alter, Linus o Comic Art, todas ellas reconocidas como fundamentales en la evolución del cómic europeo. Extraordinariamente prolífico y con un enorme talento tanto para el dibujo como para el retrato de la juventud de su tiempo a través de diálogos incisivos y naturalistas, Pazienza es sin duda el autor de cómic más influyente de las cuatro últimas décadas en su país natal. Destaca también la concepción artística y exigente con el lector que aplicó Pazienza a su trabajo, donde elementos como la composición de página o la elipsis jugaban un papel fundamental en la percepción de los relatos y en la profundidad argumental y emocional de las historias. Pazienza no se limitó al ámbito del cómic, y fue requerido a menudo por artistas de otros ámbitos que reconocieron una sensibilidad compartida y quisieron enriquecer sus trabajos con las aportaciones del dibujante. Así, Pazienza realizó pósteres para películas (La ciudad de las mujeres, dirigida por Federico Fellini), cubiertas para LPs (principalmente para Roberto Vecchioni) y diseñó los decorados para Soy el pequeño diablo, de Roberto Benigni y Dai colli, de Giorgio Rossi. También fue un extraordinario pintor y su obra se expuso en centros como el Palazzo delle Esposizioni di Roma.
Durante la primera mitad de la década de los 80, Pazienza fue consumidor de heroína, pero se desintoxicó en 1984. A partir de ese momento, profundizó en dos de sus pasiones, la historia y la poesía, alumbrando algunos de sus mejores trabajos: Pompeo, Campofame y Astarté. Pazienza murió en 1988 debido a una sobredosis. Tenía 32 años. Lejos de disminuir su talla como autor, la prematura muerte de Pazienza lo convirtió, justificadamente, en una leyenda. La calidad de su producción, la relevancia de los temas abordados, su amplio rango de registros y un apabullante talento innato configuraron a un artista que definió culturalmente la Italia de los años 80 y, desarrollando su trabajo en un ámbito muchas veces culturalmente denostado como es el cómic, pudo medirse con grandes figuras de otras artes más reconocidas
Los críticos dicen
«Las historias de Zanardi se cruzan por una violencia continua y disturbada, el espejo inquietante de un período vivo y palpitante, pero muy duro lleno de drogas, sexo, violencia y el deseo de vivir una vida extrema.» Slumberland
«Zanardi es la tortuosa, ególatra, cachonda, desmitificadora, inquieta cabeza de Pazienza. No cabe comparar Zanardi con otras obras porque lo importante no es su contexto, sus referentes o sus consecuencias como obra de arte. Lo vital es cómo sus páginas apelotonadas, sus ideas como un regurgitar de viñetas, sus atrevimientos con la forma y con el fondo, son el reflejo fascinante de una persona fascinante » Octavio Beares
Nosotros decimos
«Descubrir a Pazienza en Italia, con este libro, el mismo que publica Fulgencio Pimentel, en una época que rozaba la sequía social de los 80 supone un reencuentro único con la gloria del arte. Editores valientes que se superponen a robos intelectuales y a pensamientos baratos con reediciones de maestros, de gente especial, como Andrea Pazienza y su Zanardi». Cultura Badajoz
«Animalario universal del profesor Revillod» Javier Sáez Castán y Miguel Murugarren 40 págs. 15 € Fondo de Cultura Económica
En la última edición que la Real Academia Cartográfica de Suecia ha publicado de sus afamadas cartas marítimas, a 53 grados y 48 minutos de latitud Sur, y a 44 grados y 26 minutos de longitud Oeste, cerca de los peligrosos escollos Shag, cualquier observador puede leer diez letras que orgullosamente llaman su atención: Revillodia…
El Animalario Universal es un compendio de ciencia rigurosa y edificante diversión. Consiste en la selección de los «souvenirs zoologiques» del profesor académico Revillod, según apuntes del natural recogidos por el sabio a lo largo y ancho de los cinco continentes. La combinación de 21 láminas permite al lector conocer 4096 especies de animales fantásticos, con la descripción zoológica de la criatura. Niños y grandes disfrutarán de este fructífero pasatiempo que contribuirá a la concordia entre las personas que lo compartan. Al pasar las páginas a su antojo, verá muestras de las maravillas que este mundo esconde y que se van revelando a las mentes inquietas gracias al tesón, audacia y conocimiento de personas como el autor.
El ilustrador Javier Sáez Castán Huesca, 1964
Javier Sáez Castán es un ilustrador y escritor español especializado en libros para niños y libro álbum. Estudió Bellas Artes, especialidad de Dibujo por la Universidad Politécnica de Valencia. España. Para después establecerse como ilustrador en la provincia de Alicante. Inició su carrera en el campo de la publicidad y trabajando como ilustrador para la Universidad y el Ayuntamiento de Alicante, entre otras instituciones, y empresas de publicidad. Actualmente también se desempeña como profesor y conferencista.
En 2016 fue galardonado con el Premio Nacional de Ilustración.
Su propuesta gráfica recuerda a los grabados de los libros de Historia Natural del siglo XIX. Su obra se nutre de referente que vienen de arte moderno. En su libro La Merienda del señor verde publicado por Ediciones Ekaré la influencia de René François Ghislain Magritte es innegable, tanto en la indumentaria de los personajes como en el uso de color y composición.
Sus libros incluyen referencias a diversos idiomas no solo en el texto sino también en la ilustración, estas en general no están allí por su interés filológico sino por el potencial gráfico que aportan a la imagen, las palabras son parte de la imagen al igual que cualquier otro objeto.
Los críticos…amigos…enemigos…dicen
«Animalario del profesor Revillod es un álbum sólo apto para viajeros juguetones y soñadores. El Animalario nos lleva lejos, nos hace perder la noción del tiempo y nos abre las puertas de distintas exploraciones, tanto formales como estéticas o históricas. En esas ensoñaciones y viajes, el lector bien puede pasar del recuerdo de un Challenger enfurecido al principio de El mundo perdido, al impulso por conocer más de cerca los entresijos de la historia natural. Ficción y realidad se mezclan en el álbum y posibilitan conexiones en la mente del lector que hacen del Animalario un libro imborrable y que se desborda a sí mismo.» La coleccionista
«Desde el humor y el juego con el lector, este libro propone crear animales imaginarios a partir de especies reales. La obra es aparentemente científica, pero todo en ella (texto, ilustraciones, formato, encuadernación…) está destinado a desorientarnos respecto a lo que es realidad o ficción. Atribuido a un destacado científico, el texto es en realidad del supuesto comentarista de la obra. Los dibujos, divididos en tres, remedan las ilustraciones de los naturalistas, y posibilitan el juego combinatorio del cual surgen los animales más extraordinarios.» Canal Lector
Nosotros decimos
«El libro que nadie se atrevió hacer pero que todos, tras largas ingestas de lisérgicas ensoñaciones, se ha publicado siendo unos de las ediciones más atractivas de estos últimos 15 años. Un almanaque para tener colgado de la pechera y no perderlo de vista. Los animales saben de qué hablamos». Cultura Badajoz
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Javier Olivares «El arte profesional de un extraordinario dibujante»
Vemos a Velázquez sufriendo en su estudio, viñeta con un carrito, muy icónica, muy sencilla, una mano, una llave, unos pies, un candelabro, un primer plano, página doble…
…estas son las notas de Santiago García, el guionista de las últimas obras que ha dibujado Javier Olivares, entre ellas la magnífica Las Meninas, premio Nacional de Cómic.
El modus operandi es particular; Santiago García antes de desarrollar el guion realiza esquemas de las páginas, después lo pasa a guion y finalmente Olivares lo vuelve a convertir en páginas desglosadas en viñetas. Deconstruir para volver a moldear una obra maestra ilustrada con sello español.
Logramos rescatarlo de la ingente actividad de la Feria del Libro pacense y le preparamos un guion breve. Javier Olivares nos responde con viñetas de su día a día, nos rellena los bocadillos de sus historias y firma la portada con humildad y pasión…como el primer día…sin pretensiones pero con mucho arte entre sus premiados dedos.
“El lenguaje es, como saben, el murmullo de todo lo que se pronuncia, y es al mismo tiempo ese sistema transparente que hace que, cuando hablamos, se nos comprenda; en pocas palabras, el lenguaje es a la vez todo el hecho de las hablas acumuladas en la historia y además el sistema mismo de la lengua” Paul-Michel Foucault
Velázquez en la portada, pero…
No se trata de una biografía de Velázquez, sale porque pintó las meninas, si es una biografía es del cuadro que pintó.
Scott McCloud en Entender el cómic, el arte invisible una exploración de amplio espectro de la definición, historia, vocabulario, y métodos del medio del cómic, en sí en la forma del cómic, o en el Arte secuencial de Will Eisner. Tú haces lo mismo en tus presentaciones, desnudas tu trabajo.
Todo en libro cuanta el libro, no sólo la historia, no sólo el guion, todo el dibujo, la composición, el número de viñetas por páginas, la edición, la cubierta, el papel…jugando con esos parámetros, todo lo que concierne a la estructura del libro son elementos que tienen un sentido, no hay nada en el libro que esté hecho de forma azarosa o por un sentido plástico, sino que la historia como está contada y los dibujos no le sobra nada, no tenía grasa en sentido narrativo, cualquier elemento que se quite del libro lo descompone. Tras cuatro años de Santiago García, de documentación y pulido el libro queda en lo esencial, que mantiene la esencia, es decir que no hay nada en Las meninas que sea superfluo. Esa síntesis se nota mucho y el lector se siente atrapado por la importancia de todas las viñetas.
Existe ese enganche con este cómic y muchos otros de tu creación, pero en este caso la elipsis en la narrativa atrapa aún más
Efectivamente, el poner a Foucault en el arranque del libro ya marca una sensación de espacio curiosa. Cuando le pasamos las maquetas a compañeros y amigos, una de las cosas que más les sorprendió fue la presencia del filósofo francés. Pero la respuesta es sencilla, está puesto ahí para intentar buscar la “melodía” del tema, su presencia orquestal nos encarrila la obra. Es una llamada de atención, una test del lector…si eres capaz de pasar por encima de Foucault y seguir leyendo la recompensa será mayor…[Ríe]. Existen viñetas donde Velázquez aparece hablando con su futura mujer y en la viñeta siguiente ya hay hijos por medio, sin necesidad de “bocadillos” ni nada. Asumimos que para nuestra historia lo que pasa entre esa dos viñetas, tres o cuatro años, no es importante.
¿Velázquez no siempre está dibujado igual o es una percepción personal?
Eso es. Juego con el personaje, pasa de caricatura a personaje real, después pasa a color y luego es blanco y negro. Quería darle un toque gráfico, no quería que fuera igual, como en el cine de animación y demás. Me permite eso lujo, no es una limitación como autor, es una liberación, ya que es un dibujo y el lector lo ha asumido. Lo simbólico es muy importante.
Hace 30 años no podías hacer eso…
Claro que no, es importante reflexionar sobre eso, ya que es una convención que se tiene en los inicios, pensaba en hacer todo igual. Tengo que decir en mi favor que mi dibujo es más icónico, no soy tan realista como Moebius, aunque en el Mayor Fatal, en el Garaje Hermético el personaje cambia todo el rato y nunca lo pierdes.
Mi dibujo es más icónico, no soy tan realista como Moebius
El concepto ambiguo de obra de encargo y obra de autor lo desentrañaba Elena Odriozola diciendo que en el momento que aceptas un encargo deja de serlo.
Sí, es un trabajo terapia, es curioso porque todo lo que hecho salvo uno, parten de encargos. Cómics, periódicos, ilustraciones para revistas y demás…es mi trabajo.
Aunque suene muy raro pero ¿Disfrutas con tu trabajo?
Bueno, en parte siempre disfruto, pero es verdad que siempre surge algo de duda, frustración y demás…con las Meninas he estado muy relajado, muy contento con toda la evolución, sin escollos morales. Me pasó lo mismo con El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde que también hice con Santiago…estaban ya hechos, no había más que seguir la corriente. Con Beowulf fue todo lo contrario, el proyecto iba en otra dirección y yo podía con eso.
Hablando de Beowulf, David Rubín realizó otro completamente diferente al que estabas haciendo con Santiago García
Santiago hizo un guion totalmente diferente para Rubín, es otro libro completamente diferente. Sólo me quedan las láminas que termine de ese proyecto para expos y demás. El trabajo de Rubín es maravilloso.
Javier, ¿Podríamos decir que vuestro trabajo ha explotado con la aparición de la novela gráfica?
Siempre hemos tenido difusión, desde los años 60 estamos muy cotizados, nos acompañara o no los políticos, instituciones, editoriales o público, fuera del país siempre hemos tenido nuestro reconocimiento. En España es verdad que en parte la novela gráfica ha roto la barrera del veto de los cómics, ese público más elitista que seguía y sigue ese trabajo, para salir como un medio profesional igual que los demás. Tenemos que reivindicar nuestras obras y no nuestra lucha por ser considerado una profesión más. Normalizar este aspecto ayuda mucho y la eclosión de la novela gráfica ha hecho que la difusión de nuestro trabajo cope un público más amplio.
En España es verdad que en parte la novela gráfica ha roto la barrera del veto de los cómics, ese público más elitista que seguía y sigue ese trabajo, para salir como un medio profesional igual que los demás
Hablando de reconocimiento fuera del país, hace poco estuvisteis en Estados Unidos con la Spanish Fever…cuéntanos un poco
Con motivo de la publicación en EEUU, por la editorial «Fantagraphics», del libro SPANISH FEVER (libro que ya se editó en España, de la mano de Astiberri con el título de PANORAMA) la embajada española en Washington, el organismo «Spain Arts & Culture», el consulado de España en Nueva York y la «Small Press Expo» se unieron para organizar una gira por Estados Unidos de varios de los dibujantes que aparecemos en el libro. Así que el pasado mes de Septiembre, Santiago García (como editor del libro), Ana Galván, David Rubín, José Domingo y yo mismo partimos para los Estados Unidos. El viaje no ha podido ser más interesante.
Nada más llegar, en Washington visitamos la Biblioteca del Congreso, donde Warren Bernard (El director de la SPX) nos había preparado una muestra espectacular: originales de cómic de maestros del siglo XX sacados de los archivos de la propia biblioteca. Encima de unas cuantas mesas había planchas originales de Charles Schulz, de Principe Valiente de Foster, de Will Eisner, de Herriman, de Sterrett… todo un tesoro!!!
Los días siguientes nos dedicamos a presentar el libro en Washington y en Baltimore, donde visitamos el MICA invitados por José Villarrubia, famoso colorista de cómic para EEUU y que es profesor en esta escuela. Allí presentamos el libro en un aula llena de alumnos, lo cual fue muy estimulante para todos.
En Nueva York donde pasamos dos días visitamos la Universidad de Columbia, donde también presentamos el libro acompañados por el cónsul de España en Nueva York y al día siguiente hicimos lo propio en la conocida librería McNally Jacks,
Una gira muy intensa y muy enriquecedora. No solamente para nosotros, sino que también creemos que ha sido muy interesante y útil para la visibilidad y el conocimiento del cómic español en Estados Unidos, más allá de los dibujantes que trabajan para su mercado, a los que ya conocen. Era importante también que se conociese tanto el movimiento de la novela gráfica como el interesante panorama del cómic alternativo en España.
Veo cierto aire a Mingote en alguna obra tuya ¿Realizas homenajes en tus libros?
No conscientemente, nunca lo he hecho, pero en las Meninas me ha obligado a sacar todo lo que sé, mis fuentes de aprendizaje, y el punto Mingote lo estoy notando últimamente. Mis bases de influencia quizá giran más al entorno de Guibert, Jack Kirby, Alex Toht, autores de la que he aprendido cosas y de pronto he visto la manera de poder usarlas. No son homenajes ni copias, simplemente son influencias.
¿Te consideras dibujante o ilustrador?
Me gusta más dibujante, creo que abarca mejor lo que hago y contiene tanto al ilustrador como al dibujante de cómics.
Referencias musicales…una banda sonora de tu vida
Demasiadas…! Escucho desde a Dylan a Radiohead tengo días de Tori Amos, otros de David Sylvian, o de Led Zeppelin y puedo acabar oyendo las variaciones Goldberg tocadas por Glenn Gould.
Para mí, tanto la ilustración como, por supuesto, el cómic son artes narrativas… y todo en ambos medios (la composición, el color, el dibujo…) tiene que servir para ese propósito
¿Qué dibujos veías de pequeño? ¿Tebeos?
Veía muchos dibujos, pero prefería series como Viaje al Fondo del Mar. Tebeos muchos también, desde Mortadelos o Asterix hasta Tintín leía casi todo lo que tuviera viñetas dentro.
…una peli
¿Solo una? El Prisionero de Zenda cuando era más niño… ahora podría ser Sed de Mal de Orson Welles, Blade Runner o El Verdugo
Anécdotas en tu trabajo…
Muchas, pero las que más recuerdas son cuando, por ejemplo, te equivocas de medida en una ilustración y la haces apaisada cuando es vertical. En prensa, con las prisas, suele pasar.
¿Es fácil explicar a lo que te dedicas en casa?
[Ríe]…Ahora ya es más común ser ilustrador, y requiere menos explicaciones.
¿Cuál es el nexo de unión entre la parte literaria, narrativa y visual de la ilustración, del tebeo?
Para mí, tanto la ilustración como, por supuesto, el cómic son artes narrativas… y todo en ambos medios (la composición, el color, el dibujo…) tiene que servir para ese propósito.
¿Se puede vivir de la ilustración?
Se puede vivir de la ilustración, como se puede vivir de la pintura, o del cine. Otra cosa es que, como los anteriores, sea un mercado frágil y que no todo el mundo lo consiga…
Los peques y la ilustración, el tebeo…
Los niños son especialmente receptivos respecto a la ilustración o los tebeos, porque tradicionalmente se les ha considerado medios infantiles o juveniles por los adultos. Afortunadamente, eso está cambiando y ahora son medios más neutros y pueden generar material para adultos también.
¿Manejas las nuevas tecnologías o mantienes el uso del lápiz?
Las dos cosas. Dibujo a lápiz y a partir de ahí a veces uso la tecnología actual (ordenador) o la tradicional…
¿Qué importancia tiene el reconocimiento a través de Premios o la reseñas en el salón Internacional de Barcelona y demás?
No son necesarios, pero son importantes por la visibilidad que le dan a tu trabajo. Y también sienta bien que haya un reconocimiento a tu trabajo por otras personas, claro.
Para acabar Javier ¿Tiene importancia la ilustración en este siglo o sigue siendo una protagonista secundaria?
Creo que el siglo XXI es extremadamente visual y eso nos da un buen campo en el que trabajar… La competencia es dura, pero la imagen dibujada siempre aporta una mirada especial y una elaboración manual, algo de lo que a veces carecen las otras imágenes que nos rodean.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez
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Fernando Arrabal «El milenarismo va a llegar»
Fragmento final del histórico debate sostenido acerca del Apocalipsis en el programa de Fernando Sánchez Dragó con Fernando Arrabal
‘El mundo por montera’ (1989) TVE
Arrabal- Hablamos de milenarismo, ¡cojones ya!
Z- Pues vale, dame la palabra.
Arrabal- Hablamos de mineralismo. Arrabal- Estamos hablando del Apocalipsis y hablemos del milenarismo. El milenarismo va a llegarrrrrrrr.
Y- Siempre va a llegar…
Arrabal- ¡Va a llegar! ¡Déjame hablar! ¡Deja hablar…! miniioría sshsileciosa (ininteligible)…Tú comprenderás que no me dejan hablar…
Fernando Sánchez Dragó. – Fernando, no tienes micrófono.
Arrabal- minini… shileciesa (minoría silenciosa). No se deja hablar. Porque el mineral lo que piensa, es católica, fea y sentimental…
Z- Y sobre todo…
Arrabal- ¡Es judía!
Z- ¡Callada!, ¡callada!
Fernando Sánchez Dragó. – Fernando, permita que te diga amistosamente que hoy te estás repitiendo y no se te entiende nada,
Arrabal- En España… en la…
Fernando Sánchez Dragó – … así que deja hablar a Mario Satz… ¡No te sientes en la mesa!, que la tiene que sujetar Campillo y si no se vence. (jajajajaja, me encanta, jajajajaajaja)…
J- Mario, Mario
Fernando Sánchez Dragó. – Fernando vete para tu sitio.
C- Realmente son los profetas…
Arrabal- No me dejan hablar…
D- Ya lo sé… pero es que estás… siéntate.
E- Siéntate aquí, y sé bueno…
Arrabal- Piensan que estoy borracho…Ilustración. Tito Merello
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Martínez Giraldo «El espectador es el encargado de terminar la obra»
Gaudí decía que la arquitectura es la ordenación de la luz y la escultura el juego de la luz. Jugar con la luz supone dejar pasar materia entre los dedos, calibrar las sombras entre la orden que manda el coco y la marca de la mano que ejecuta la orden. Una muesca compuesta por 99% creatividad y 1% habilidad. Para llegar a ese punto mágico, antes hay que recorrer muchos caminos de carreteras polvorientos y sentir muchas llagas en el bolsillo. Una vez que se llega a ese cruce artístico, se puede desordenar la luz y jugar con ella.
Estamos hablando de escultura. Eso a lo que Fidias se dedicaba hace siglos a base de una máquina de puntos, esa a la que unos locos decidieron sembrar en la isla de Pascua, la que cubrió de belleza Milo con su Venus, la que rebufa en pleno Wall Street con rasgos de toro yuppie, la que ha dejado pensar más de lo normal Rodin, esas a las que Miguel Ángel dotó de excelencia marmolea, un Moisés, un David y una maravillosa Pietá, esas que cubren nuestras dehesas urbanas, las que aportan sentido y belleza a las esquinas de planes urbanísticos y en algunas ocasiones miran escondidas su desangelado protagonismo, muchas vibran y conforman el paisaje como una armadura natural del callejero, esas son las que se mimetizan y gritan sin mover un centímetro la boca en el recorrido de cemento que conforman calles, avenidas y plazas.
Es ahí donde aparece el maestro Luis Martínez Giraldo, que como las grandes piedras, tiene su norte y sur. Un norte marcado por su excelencia escultórica y un sur dominado por su calidad humana. El escultor extremeño nos habla de arte, de cómo se puede morir si se pretender vivir de él exclusivamente. Nos habla de obras desechadas como la página de una novela que se tira a la basura. Nos recuerda que el ganar premios le ha venido bien para fundir sus siguientes obras, que la escultura, el arte en general, es como la cerveza; el primer sorbo siempre nos sabe amargo pero luego está buenísima.
Vectorizamos nuestra grabadora y el maestro Martínez Giraldo nos marca las coordenadas, es hora de remangarse y mancharse de barro. Puede que sea la mejor manera de hablar de arte.
Lo vuestro viene de lejos…
En el Renacimiento existía el oficio, de extraer los puntos a las esculturas, los scarpellino. Como el marmolista, el cantero, el escayolista, el fundidor…alrededor del escultor había un montón de artesanos que ayudaban. No es comprensible que Miguel Ángel en una vida pudiera hacer él sólo todo el volumen de obras que realizó.
¿Cuál es el procedimiento para elegir y extraer la piedra con la que se quiere esculpir?
Es uno de los procesos más importantes de la escultura. Se ha de elegir muy bien la pieza, ver el bloque que sale de la cantera para hacer tu figura, que no tenga ningún pelo, ninguna veta extraña, lo más homogénea posible. Para llegar al resultado final que se desea tiene que dominar todas las fases del oficio…sino has tallado en tu vida, será difícil que todas las piedras tengan su norte y su sur.
Para llegar al resultado final que se desea tiene que dominar todas las fases del oficio…sino has tallado en tu vida, será difícil que todas las piedras tengan su norte y su sur
Hablas de procesos, control y elección de la obra final. En la exposición que recientemente se ha mostrado con gran parte de tu trabajo en el Museo de Bellas Artes de Badajoz se mostraban diferentes obras en diferentes tamaños de figuras y tallas, como un proceso previo a la obra final que tiñen y adornan las ciudades y pueblos de Extremadura y Portugal. Esos bocetos ¿También se pueden considera tan obra como el resultante final?
Efectivamente, la escultura de los poetas (Las tres cabezas) por ejemplo, la que se puede apreciar en la colección del MUBA es una obra más, en menor tamaño, con una escala para un trabajo final más grande. No deja de ser la creación de la obra, la creatividad de todas las obras se la llevan las maquetas. Lo demás es una ampliación de esa obra.
Las grandes dimensiones de las obras, el material y el tiemplo empleado hacen que la escultura sea una de las especialidades más arriesgadas para los artistas…
…La escultura es la cenicienta de las artes. Es costosa, no la creación donde se puede utilizar una materia muy dúctil, maleable, con mucha impronta y espontaneidad como es la arcilla, este material no es caro, la obra eleva su coste cuando pasa a una materia definitiva, mármol, madera, granito o piedra o metal.
El mármol se lleva la palma entre las obras escultóricas por su pureza y belleza, ¿Qué tipo de mármol te parece más atractivo?
Hay una variedad enorme, incluso en Carrara hay montones de zonas donde el mármol no es igual. Esa zona es impresionante, como hemos hablado antes de Miguel Ángel, es inevitable hablar de la pietá y el David como una cosa única tallado bajo un mármol espectacular. Yo tengo dos tallas que se pueden ver en la exposición, Gestación en Carrara, una mujer embarazada una de ellas, donde he utilizado esta piedra fabulosa.
Nos ha sorprendido mucho, y de manera grata, parte de tu obra que no conocíamos, y que estaba gestada desde hace tiempo, las series de Carnaval, Pasarela con modisto o Sedentes cobran vida cuando se ven en su conjunto.
Yo digo que en la exposición hay obras hechas desde unas partituras y obras hechas en libertad. Las de partitura no dejan de ser encargos, donde se establecen unos criterios entre el escultor y su estilo con el motivo encargado, por ejemplo, en el monumento a los tres poetas, se exigía la presencia de Lencero, Pacheco y Valhondo, que estuviera expuesto en una rotonda con la Alcazaba a su abrigo, y esa serie conlleva una serie de condiciones preestablecidas, eso lo llamo yo como obra de partitura, desde esa lectura yo tengo que coger el violín e interpretar esa partitura…[Ríe]. El resto de las obras están hechas desde ese mundo infinito del pensamiento en total libertad con la materia en la mano, esa ahí donde se entabla el diálogo más natural entre artista y obra.
Las obras están hechas desde ese mundo infinito del pensamiento en total libertad con la materia en la mano, esa ahí donde se entabla el diálogo más natural entre artista y obra
Sueles comentar que todas las personas tenemos un perfil artístico, algún filón emocional que expresamos de diferentes maneras…
…Todo el mundo tiene una necesidad, ahora la forma de expresión es muy distinta. Esta necesidad se puede reproducir de distintos idiomas, ya sea con la música, la danza, con la pluma y la palabra, con la fotografía, la pintura…de alguna manera siempre se manifiesta. Quizá yo he escogido una forma de expresarme más dura que otras artes, pero es la que más me llena.
y…¿Cuándo surge esa necesidad de entrar en contacto con la escultura?
En el catálogo que me hace Moisés Bazán de Huerta, que más que un catálogo es una biografía, maravillosamente maquetada por la Diputación de Badajoz, recoge el autor del texto unas tallas en madera de adelfa que las conservaba mi madre, ya sabes como son las madres que guardan todo con mucho cariño, y que la tallé a los nueve años de edad. A partir de esa fecha y yo no sé por qué pero ya me sentí escultor. Ya en los Salesianos hacía figuritas con las tizas a golpe de navajilla….[ríe]. Aquello me llevó a que Juan Prieto “Charlie”, durante esa etapa escolar, me animara para integrarme en la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz.
La Escuela de Artes y Oficios está íntimamente ligada a tu nombre en esta tierra, explícanos que supone para ti
La Escuela de Artes y Oficios ha formado gran parte de mi vida. Desde mi llegada con 16 años a la ciudad hasta hace bien poco he estado vinculado a ella. Ha sido y será siempre mi escuela…mi escuela de alumno, de profesor, de director y mi escuela de vida.
¿Crees qué se debería potenciar más este tipo de centros artísticos?
Yo he vivido del arte, y es una cosa que me emociona decirlo, y es cierto que no a todo el mundo le gusta, pero también es cierto que hay que concienciar a los poderes políticos y los que pueden tomar decisiones desde el mismo mundo del arte, la importancia que tiene la creación artística para nuestra cultura y nuestra civilización. ¿Alguien se ha puesto a pensar el dinero que ha podido entrar y podrá ingresar Gaudí en Barcelona? ¿Cuánto dinero se dejan los turistas en el David de Miguel Ángel en Florencia? ¿Cuánto genera el Museo del Prado? Ya no solo económicamente hablando, sino como complemento cultural de la persona, eso no tiene precio.
Hay que concienciar a los poderes políticos y los que pueden tomar decisiones desde el mismo mundo del arte, la importancia que tiene la creación artística para nuestra cultura y nuestra civilización
Luis, respecto al paso del tiempo, ¿Crees que el arte en España está más al alcance de los ciudadanos que en tus inicios como artista?
Sin lugar a dudas. A mí me ha costado la misma vida conseguir libros de arte. El Summa Artis me costó un dineral por ejemplo. Hoy tenemos a nuestra disposición casi todo a un golpe de teclado. Lo que tardé yo en manejar la resina no se puede comparar con la facilidad que un escultor que se inicia en este mundo, existen miles de videos y tutoriales que te lo explican en muy poco tiempo. Antes el secretismo artesanal era muy importante, yo recuerdo que cuando estuve con el maestro Flores se guardaba del secreto del dorado, dorar los marcos y figuras con pan de oro tenía su propio método bien guardado según el taller.
Aunque ha evolucionado el arte, en cuanto acceso y contenidos, sigue siendo un mercado poco accesible para los propios artistas como profesión.Aquí en este mundo viven todos menos el pintor. El galerista, el crítico, el director del museo, el director de la escuela de arte, los profesores, el conserje de la escuela, los empleados de la seguridad, los periodistas…el que menos pinta es el pintor. Yo he podido vivir del arte, pero de las artes gráficas, como restaurador en el Museo Provincial de Bellas Artes, como profesor y director de las Escuela de Artes y Oficios, pero de la escultura no he vivido. No he podido vivir de la escultura. Yo siempre digo que el quiere vivir del arte o es un inconsciente o es un aventurero, a veces me planteo si yo he sido un cobarde, pero la realidad es otra bien distinta. El mayor pago de hacer arte es poderlo hacer. En esta región hay gente muy buena, maravillosa en su rama artística pero jamás podrá desarrollarla desgraciadamente.
El espacio es importante para crear, pero necesitas algo más que eso, suponemos que intentas solapar tu obra dependiendo de la serie
El ser humano es extraordinario, la capacidad que tenemos de creación, el espacio infinito del pensamiento donde cabe todo, en ese espacio reside toda la potencia creativa. Con la materia en la mano, las series como Cabaret, Carnaval fluyen desde el subconsciente, se comienzan a crear figuras bajo ese parte de la cabeza, que aún no sabemos ni descifrar. Surgen de manera irracional, surge algo mágico dentro de las artes…¿Por qué el arte emociona? Es algo mágico, es una transmisión de sentimientos, del artista al espectador.
Hacía tiempo que no veíamos tanta gente en una inauguración, más que una retrospectiva de tu obra parecía un homenaje de tu labor como artista y persona
Supone una satisfacción enorme que haya un reconocimiento a mi obra, sin ella no somos nadie, Leonardo da Vinci podía llamarse fulanito, pero su obra es lo que queda. Esa obra es un hijo tuyo aunque luego esté arrepentido de algunas maneras de hacer crecer a ese hijo artístico. Si además ese hijo ha crecido rodeado de tus amigos mucho mejor. Le debo mucho a ellos. Que la gente que te quiere esté orgullosa de ti es lo máximo a lo que se puede aspirar. Yo he estado muy arropado, y en el MUBA se pudo ver la entrega de esos amigos.
La escultura supone un sacrificio creativo y físico muy duro…
…Muy duro, recuerdo cuando estuvimos trabajando en la escultura de Los tres poetas, sólo tenía el apoyo de mi colaborador Adrián y ambos tuvimos que bregar con la estructura entera. Trabajar en la fundición en pleno agosto en unas condiciones durísimas.
Pero seguro que también tiene su parte amable
…[ríe] un momento dulce y gracioso fue cuando utilizamos a Juan Prieto Oliva como modelo para una figura. Se trataba de un Cristo y Juan Prieto tenía las características corporales perfectas para representarlo. El problema surgió cuando al tumbarlo en una mesa grande con los brazos abiertos, y tras cubrirlo con un plástico encima para aislarlo de la escayola, tras echarle cinco sacos de escayola y tras su secado, al intentar separar a Juan de la escayola se nos quedó pegado por el efecto del calor. Tuvimos que romper el molde encima. Tuvo su gracia.
La Escuela ha dado muchos ratos de esos ¿no?
Nos lo hemos pasado fenomenal, el espíritu que se respiraba era muy bueno, Entusiasmar a todos los alumnos para que entre todos pudiéramos mover más de 3000 kilos de hierro para un Foro Sur en Cáceres no tiene precio. La respuesta de la gente siempre ha sido genuina. Con los Corredores, la imagen de ver a 90 corredores de hierro de más de dos metros que se instalaron en la mediana de la N-630 entre Badajoz y Cáceres se me ha quedado grabada.
Aquí en este mundo viven todos menos el pintor. El galerista, el crítico, el director del museo, el director de la escuela de arte, los profesores, el conserje de la escuela, los empleados de la seguridad, los periodistas…el que menos pinta es el pintor
Y ya para finalizar Luis y en el ámbito personal de tu trayectoria profesional ¿De qué obra te sientes más orgulloso?
A todas le tienes cariño pero nunca estás satisfecho al 100% de la obra. Cuando terminas asumes que la obras es así, terminar una obra es como jugar a las 7 y media, o no te llegas o te pasas. Yo prefiero no pasarme, así el espectador puede pedir otra carta, él termina la obra. La obra de los poetas si me la encargaran hoy sería otra distinta de la que puede contemplarse actualmente.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez
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Smells like teen spirit
«Cada vez que leía un poema, rompía el papel, o agarraba una silla y la tiraba contra la pared. Era fantástica» Joey Ramone
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Pablo Escobar «Droga…valiente es aquel que no la prueba»
«Valiente es aquel que no la prueba», me decía cuando me hablaba de las drogas. Siempre me educó y me dijo que no la consumiera. Una paradoja tratándose de uno de los narcos más importantes del siglo pasado.»
«Imagínate a Pablo Escobar cantando las canciones del Topo Gigio, con la voz del Topo Gigio. A mí me cantaba y a mi hermana siempre le contó cuentos.»
«Siento un amor por mi padre que es innegociable. Yo admiro a Pablo, mi padre. Pero no a Escobar, el mafioso. Nos ha dejado un legado de enorme violencia.»
«Recuerdo también su olor. Olor a remolacha, porque era lo que más comía. Le gustaba mucho.»
«Fue un viaje largo de 20 días con toda la familia por todo el país. Todo el tiempo recorriendo y gastando. Recuerdo muchos excesos y excentricidades. Un día llegamos a un aeropuerto y había más limusinas que personas.»
Juan Pablo Escobar. Hijo de Pablo Escobar
Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales.
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Plata o Plomo #Week 51
En una semana volamos. Dejamos de tirar tiros con la máquina. De dar por saco con las frasecitas de rigor que complementan la ingente, dulce, punzante, persuasiva, dolorosa y magnífica obra de Pakopí y Oto. En una semana cogeremos carrerilla para seguir vomitando blancos y negros de color y fotos de color con tonos grises en otro formato. No se olviden de una cosa: Disfrutar de estas fotoperiodísticas imágenes, pero algo más importante, disfrutar imaginando que han sido de ellas, no de las instantáneas, nos referimos a las personas, animales y paisajes que salen semanalmente en Plata o Plomo. Buen provecho
«Discúlpeme, estoy haciendo un libro sobre el metro y me gustaría hacerle una fotografía. Le enviaré una copia.” Si dudaban les enseñaba mi portfolio con el trabajo, si decían que “no”, era “no” para siempre». Bruce Davidson
«Me he pasado toda la vida buscando la luz». Francesc Català-Roca
«Creo que el ser humano y el mundo que lo rodea no son bellos…la cámara es una herramienta inadecuada para extraer la visión del mundo o de la belleza». Daidō Moriyama
«Es verdad que me siento escandalizado cada vez que me topo con armas españolas en los olvidados campos de batalla del tercer mundo y que me avergüenzo de mis representantes políticos». Gervasio Sánchez
«Cuando le mostré mis fotos de los gitanos a Cartier-Bresson me dijo que tenía ojo de pintor, pero me advirtió que podía perderlo y que no debía ni tocar el fotoperiodismo». Josef Koudelka
EXCLUSIÓN DE GARANTÍAS Y RESPONSABILIDAD: CULTURA BADAJOZ no se hace responsable, en ningún caso, de los títulos enunciativos y las fotografías publicadas en la sección Plata o Plomo. Los autores de las instantáneas son los propietarios finales de la edición y publicación.
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Ernesto Alterio «La magia de un actor especial para un escenario maravilloso»
El reportaje sobre Mérida para la emisión nacional aprovecha el sabor teatral que el Festival de Teatro Clásico rezuma como potenciador turístico cultural. Informativos que emiten en directo colocan sus cámaras, pruebas de audio y balances de blanco. Último vistazo a las libretas, repletas de datos, preguntas, esbozos de la obra y nombres de dioses y personajes griegos.
El peristilo hace las veces de mesa de redacción y plató improvisado de televisión. En este campo de batalla grecolatino el fuego es amigo y de manera estratégica se cruzan los tiros de cámara, los micrófonos de los redactores y los protagonistas de la obra en una guerra de preguntas y respuestas.
El megáfono del Teatro anuncia que quedan cinco minutos para que los turistas abandonen las instalaciones. Apuran viendo como el ballet de actores y actrices bailan de puesto en puesto, una danza dulce y agradable como precalentamiento del ensayo final. Un preestreno con reivindicación troyana, siria y femenina, un grito escénico de refugiados, expulsados, abandonadas, esclavizados, martirizadas y desposeídas. La dureza de un texto de hace siglos con total vigencia, un mensajero con la orden de sacrificar a una hija, un heraldo con la resignación de realizar un trabajo aqueo, de liquidar y cercenar la integridad de las mujeres, viste traje de chaqueta, consume terror en sus mensajes y honestidad teatral en todos sus poros.
No sé cómo dulcificar la pena que voy a causarte. Taltibio en las Troyanas de Eurípides.
Ernesto, define Troyanas.
La historia de Troya creo que es muy conocida por todos, los griegos meten ese caballo en Troya…[Ríe]…bueno en realidad lo meten los troyanos. La ciudad es devastada por los griegos y los griegos empiezan a repartir el botín, las mujeres formaban parte de este botín, sorteadas como recompensa de la guerra, como esclavas. Las troyanas cuenta esa noche, la última de esa guerra que duró diez años, donde a las mujeres troyanas se les comunica el destino que les han designado los vencedores.
Y bajo ese manto troyano de la obra de Eurípides ¿Qué trasfondo de actualidad podemos percibir?
La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos. Esta versión hecha por Alberto Conejero utiliza un lenguaje muy directo, con mucha potencia, donde aparece Hécuba como personaje central, rodeada de Políxena, que no aparece en Las Troyanas de Eurípides, Helena, Casandra, Andrómaca, y Briseida.
La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos
Aparece Políxena y desaparece Menelao, te quedas como mensajero y única figura masculina de la obra…
…es una apuesta que se hace en esta versión, centrando todo en el personaje de Taltibio, son ellas las protagonistas sin duda. También está el crío, Astianacte, que en esta ocasión sale en la obra y se convierte en uno de los momentos fuertes de la representación porque toca llevármelo para que lo sacrifiquen, lo tiren por la murallas.
Ernesto, tú tienes una hija, e interpretar, recitar, el asesinato de un hijo puede ser duro…
…te prometo que ni lo pienso, el personaje es muy complejo por la posición que tiene que sostener, es decir, ser el encargado de una misión tan funesta como tener que comunicar a estas mujeres el destino tan horrible que les espera. Aparco mi vida personal y me introduzco en este personaje tan fascinante y duro, Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas. Sin dudas un mal lugar para tener humanidad. En esta versión, la obra la abre Taltibio, condenado durante siglos a vagar sin poder morir y obligado a contar noche tras noche lo que sucedió para expiar su culpa. Es un personaje cíclico.
Y para subrayar a este personaje de componente cíclico ¿Cómo te lo has preparado para lanzarlo en este escenario?
A mí me atraía este proyecto porque la veo como una oportunidad única, por estar rodeados de mujeres, de grandes actrices, sentía que era un momento especial de hacer diferente. Me he preparado el personaje intentado armar todo su recorrido en la obra, qué es lo que ha hecho, antes de poner un pie en escena tenía que analizar lo que pasa entre las cuatro apariciones que tiene. Imaginar el recorrido, los lugares, el consejo donde están todos los jefes griegos que mandan ejecutar a las mujeres, ver cómo era eso realmente. Ver las caras de los ejecutores, recorrer el camino desde ahí hasta el campamento donde las tienen recluidas. Ese trabajo lo he realizado desde el lado de Taltibio en la obra y luego me he basado viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra, porque Taltibio es un personaje trastornado después de lo que le ha tocado desempeñar, videos de guerrilleros de las FARC, de los paramilitares colombianos, de ex torturadores de Argentina, gente que les ha tocado hacer cosas horribles. De esta manera quería ver cómo ha evolucionado dentro de ellos después de los años.
Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas
Tanto la versión de Alberto Conejero como la escenografía de Paco Azorín nos muestran una Troya repleta de refugiadas, exiliadas, mutiladas, una Siria visual de texto latino podríamos decir…
…imagínate, somos siete intérpretes y para hacer imaginar la dimensión de lo que estamos narrando se ha ido por un lado a la utilización de un lenguaje muy directo que llega al espectador como casi un puñetazo y por otro lado se ha buscado generar una abstracción en cuanto a la puesta en escena. Se ha trabajo mucho el movimiento escénico, ha habido un coreógrafo en los ensayos y hemos tenido una carga muy importante de ejercicio en cada ensayo para intentar crear un lenguaje escénico para desprender al espectador de lo cotidiano, para poder imaginar la gran dimensión que tiene esta historia.
¿Qué supone plantarte en medio de este maravilloso espacio escénico?
Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años. Es una experiencia única por estar en contacto con la energía que desprenden y que contienen estas piedras, este lugar, estar en contacto con el aire, con las estrellas y con la tierra, con obras que justamente tienen muy presentes los elementos naturales.
Me he preparado en personaje viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra
¿El canguelo es mayor en estas grandes producciones?
…[Ríe]…siempre hay canguelo, el miedo es necesario. Para mí esa sensación, en este sentido, el actor se la juega como un torero, es decir, hay que gestionar el miedo, sino hay miedo es que no te estás jugando nada, y un actor que no arriesga para mí no es interesante.
Familia de actores, una pregunta que no paramos de hacértela, pero ¿Cómo se “compite” con representaciones como las que ha hecho tu padre Héctor Alterio, como Yo Claudio, en el Festival de Teatro Clásico Mérida?
Ni me lo planteo eso de competir con mi padre…[Ríe]…pero entre mi hermana y yo podemos al menos rozarlo…[Ríe]…estoy muy orgulloso del recorrido de mi padre pero cada uno tenemos nuestro trabajo y estilo y recorrido.
Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años
De Animalario hasta aquí un bonito y largo recorrido…cine, series, teatro…
Largo recorrido Willy, pero me siento que esto acaba de empezar. Trabajo como si Las Troyanas fuera lo primero que voy a hacer…[Ríe]…bueno no tanto. Es como un viaje en donde cada experiencia me ayuda abordar la siguiente con más sentido. Cada etapa la voy disfrutando con mucho placer.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez
