Será un relato con muchos espacios en blanco, algunas cosas se podrán contar y otras nunca se podrán publicar. 9 de mayo de 2016. Ángel Sastre
La fotografía no cambia el mundo, ni mi fotografía ni la de los demás, pero como un buen libro, puede ser una pequeña llama. Un libro, una obra de arte, un Picasso, una foto, una música sin duda pueden ser un buen vehículo para el crecimiento, pero no pueden cambiar el mundo. Los apetitos de la guerra, el capitalismo y las religiones son tan fuertes que la fotografía y la cultura son parte de la lucha, pero no lo suficiente como para cambiar el mundo. Nada puede cambiar el mundo, sino su propia conciencia. Y luego tratamos de hablar con la conciencia de los demás. Letizia Battaglia
Walter Matthau: «Cásese con un enterrador o con un verdugo; con quien sea, menos con un periodista».
Susan Sarandon: «Pero Hildy va a dejar el periodismo».
Walter Matthau: «No se pueden quitar las manchas a un leopardo ni enganchar un caballo de carreras a un carro de basura».
Primera plana. 1974. Billy Wilder
GERVASIO SÁNCHEZ «LA GUERRA ES LA ACUMULACIÓN DE HISTORIAS INCONCLUSAS»
Estar un rato con Gervasio Sánchez intimida. Una tarde apabulla. Un fin de semana inquieta. Nosotros estuvimos acojonados. Y es que conocer al fotógrafo cordobés supone una jibarización de nuestra zona de confort en cuestión de minutos. Gervasio no pierde el tiempo. ¡Zas! Foto. Samuel Taylor Kamata ha sufrido la amputación de sus manos y su lengua. Freetown (Sierra Leona) 1999. ¡Zas! Foto. Centro de detención, tortura y exterminio Toul Sleng. Phnom Pehn (Camboya) 2007. ¡Zas¡ Nalena Skorupan, Sarajevo, 1993. Tenía dos meses, murió al día siguiente de hacer la foto, esa imagen que para Iñaki Gabilondo simboliza la imagen del horror.
El talante de Gervasio Sánchez domina. El talento está en su trabajo. Sólo hay que pillar el libro, el diario, ir a la hemeroteca o robar el álbum de la librería y admirar su honestidad profesional. El fotoperiodista mira a modo de carrete, habla de Desaparecidos y en un tono blanco y negro revela una secuencia magistralmente esbozada para formar parte en ese momento de la foto. El fotoperiodismo tiene eso, cruzar la dimensión del plano en una batida de parpadeos, visualizar la instantánea, y sentir que puedes hacer algo, socorrer a la niña moribunda de Sarajevo, ser uno más de ese día de octubre de 1993. Las fotos de conflictos explotan en nuestras manos, y deseamos por todos los medios, quitar la maldita mina de la foto de Sierra Leona con tus propios dedos. Es tarde, ya hizo su macabro trabajo años atrás. Entre el instante en que Gervasio hizo click y tu ojo activó la foto se contempla como un pie de foto personal. Los desastres de la guerra, la gran aventura de ser periodista. «Es que trabajo en conflictos bélicos, no esperéis imágenes poéticas», aclara el autor.
Dice Gervasio en uno de esos magníficos documentales de Imprescindibles que la guerra no se puede contar. Da igual lo fina que tengas la capacidad analítica, lo bien que puedas enfocar, encuadrar, lo bien que seas capaz de entender lo que ocurre, es imposible contarla. Porque la guerra no dura un fotograma, no dura una crónica, no dura un párrafo, no dura un travelling, dura 24 horas del día, de muchos días, de muchos meses, de muchos años, a veces, de muchas décadas.
Gervasio vuelve cada tiempo a esos parajes del horror, vuelve pertrechado con algunos libros de fotografías, donde aparecen los anfitriones de esos campos de terror con algunos años menos. Es allí donde intenta buscar respuestas a preguntas que casi nunca tienen respuesta. El fotógrafo sabe la cantidad de muertos que ha habido en esas ciudades, fue testigo de sus muertes, Incluso vio sus cadáveres en la morgue o en los hospitales, o en la calle. Al final, como relata el periodista, sólo pretende buscar ese personaje que simboliza todo el desastre, la tragedia, el magnicidio.
EL PERIODISMO ES TAN IMPORTANTE PARA UNA SOCIEDAD COMO PUEDE SER LA SANIDAD Y LA EDUCACIÓN. UNA SOCIEDAD SIN BUEN PERIODISMO ESTÁ TOTALMENTE CONDENADA AL FRACASO Y A LA MANIPULACIÓN
CAMANÉ «EL PRÍNCIPE DEL FADO»
En Lisboa, en el barrio de Mouraria, hace veinticinco años únicamente se escuchaba el fado en las desvencijadas radios de las casas de dos plantas que sostienen el castillo de San Jorge. Las casas de fados nutrían a turistas y los nuevos artistas anhelaban la nostalgia que exhalaba Amalia Rodrigues, esa voz, hacía tiempo que ya sólo corría entre las estrechas calles a ritmo lento, a golpe de pilas desgastadas. Viola, guitarra y voz. No se necesitaba más para ver crecer a nuevos autores en Portugal. Hijos, nietos y bisnietos de fadistas identificaron el nuevo panorama cultural con un fado que ha sabido solaparse con un público más exigente. El fado pasa de Marceneiro a Camané, de Amalia a Misia a golpe de una saudade algo menos melancólica. Los discos de vinilo recuerdan la memoria del pasado, las tascan con un estilo más actual, mismo vino y buen fado.
Es ahora, tras ese limbo musical fadista, cuando los medios de comunicación dan espacio a la canción lisboeta, vibrando de una coetaneidad inusual; escenarios de fado en Festivales de rock; compartir Enjoy the silence de Depeche Mode con Escrevi tuo nome no vento de Carminho en el mismo cartel; algo así como escuchar a AC/DC y después a Diego el Cigala sin cambiar de luces y público en festivales españoles.
Pessoa escribía «El fado no es alegre ni triste…formó el alma portuguesa cuando no existía y deseaba todo sin tener fuerza para desearlo…el fado es la fatiga del alma fuerte, el mirar de desprecio de Portugal al Dios en que creyó y que también le abandonó».
Un alma fuerte, la de Camané, nos relata su experiencia, una especie de biopic de los últimos treinta años del fado, que con voz triste, mirada alegre y presencia elegante ha luchado por no abandonar el fado, de no dejarlo a la deriva… a pesar de que sopram ventos adversos.
NACE, CRECE Y MUERE EN LISBOA, PERO EL FADO ES UNIVERSAL
PAU DONÉS «CADA SUSPIRO ES UN SOPLO DE VIDA ROBADA A LA MUERTE»
En la prueba de sonido una camiseta de Formentera, ojeras del cansancio y un tatuaje con la palabra amor. Juegan con los instrumentos, Ferrán y todo el equipo técnico afinan el arte de los músicos; Jarabe de Palo en versión jazz, con la voz ronca y dulce de Pau. Iluminados, únicamente, los músicos en el escenario y un taburete solitario que espera el culo de Donés. Bambas, vaqueros y una camiseta negra con otro tatuaje, la fecha de su nacimiento, 11-10-1966. Pasamos de hablar del futuro y su mirada nos lo agradece. El disco del fondo sigue girando, sigue soñando…50 palos y sigue soñando, soñando que ahora empezamos de cero, que el tiempo es humo, que el tiempo es incierto…abrázame fuerte amor te lo ruego por si esta fuera la última vez.
A LA VIDA NO HAY QUE ECHARLE HUEVOS HAY QUE ECHARLE GANAS
OLGA DE DIOS «EL MONSTRUO ROSA DE LA ILUSTRACIÓN»
Tiramos de ceras Manley y trazamos un boceto de Olga de Dios. Pantones de colores como retrato, una obra marcada por su propia existencia, una pasión visceral por la creación. Arte compulsivo con manchurrones de grafito para la infancia, las niñas y niños, el ingrediente esencial de este mundo que da sentido a la vida, esa clase vip, exigente pero ansiosa por divertirte, disfrutar, saltar, correr, cantar, gritar, pintar, abrazar, besar y colorear.
Sonrisa de Monstruo rosa, alas de Pájaro amarillo y flúor de Leotolda. Así es Olga. O parte de ella. El resto está en su amor al arte contemporáneo, arte urbano, arte en espacios públicos, cine, literatura, fotografía, pedagogía, medio ambiente, derechos humanos y conciencia social. Le ponemos dos tareas para hoy;
1.Rellena esta entrevista lo más rápido que puedas.
2. Escribe en la pizarra; Volveré a hacer otra magnifica, educativa y divertida obra gráfica… a tiza y cien veces…
Volveré a hacer otra magnifica, educativa y divertida obra gráfica
Volveré a hacer otra magnifica, educativa y divertida obra gráfica
Volveré a hacer otra magnifica, educativa y divertida obra gráfica…
MIS HISTORIAS SON BASTANTES PERSONALES, CUANDO CREE MONSTRUO ROSA TRACÉ LA HISTORIA DESDE UNA PERSPECTIVA AUTOBIOGRÁFICA. QUERÍA CONTAR LA HISTORIA DE LA EXCLUSIÓN A TODOS LOS NIVELES, ASPECTO QUE YO HE VIVIDO COMO MUJER, CREADORA Y LESBIANA
FAEMINO Y CANSADO «CARICATOS, EXCÉNTRICOS Y CHARLISTAS…EL ORGULLO DEL TERCER HUMOR»
La vida en el interior de la Sala Galileo Galilei se detuvo hace tiempo, el antiguo pequeño teatro retiene horas de música, poemas punzantes, sangrantes, revolucionarios de cantautores, aplausos del público emocionado y neblina de un humo, que antaño formaba parte natural del decorado, de este emblemático local. En los años 90, tocar el interruptor de nuestras telefunken para descolocar el dial en la 2 de televisión española, suponía toparte de golpe con dos tipos, vestidos de negro, a veces con camisas de colores y chaquetilla blanca, un sol y sombra, y camisa con chorreras, dos tipos que nos daban humor para hacernos reír, dos cómicos que tenían a Kierkegard como salvoconducto para evitar censuras, dos tipos que añadían carcajadas al atrezzo natural de la Galilei, y mientras en la noche, una generación sonreía en la ignominia del silencio, para no despertar a un país que añoraba el humor de Gila y Tip y Coll.
Es la hora. Fuera hiela las caras del público y congela el letrero de neón. Faemino entra con dos plátanos, plátanos helados por el frío, me dan fuerza para hacer mi gag de corredor de bolsa, nos dice nada más llegar, saluda a todo el equipo de camareros, a Domingo, el encargado de colocar milimétricamente a todo el público en sus asientos. Cansado llega con una maleta y con ganas de empezar. Prueba de sonido, prueba de luces, mesa de mármol y pie de hierro, sillones con solera y todo un orgullo para la sátira de este país, la generación del tercer mundo, toda una prueba de humildad y genialidad humorística y endémica; Faemino y Cansado.
NOSOTROS CARECEMOS DE UNA LÍNEA POLÍTICA DETERMINADA NI NADA POR EL ESTILO, LA EDAD TE HACE TENER DESAPEGO POR LAS COSAS, PERO SIEMPRE HEMOS ACTUADO BAJO NUESTRA PROPIA DOSIS DE CENSURA; NINGUNA
«IMPROVISANDO CON FRED HERSCH EN UN FESTIVAL DE JAZZ»
No solo se improvisa en el jazz. Los acordes y desacordes también se producen en el periodismo y cuando las cosas no salen dadas… ¡Platillo al aire y plas! Artículo improvisado. Un riff del fotógrafo en las pruebas de sonido de Fred Hersch, un “solo” del redactor ante su teclado a lo Lee Konitz y Thelonius Monk en la maquetación de la editorial.
Nuestro trabajo es así. Dependemos de las ganas que tenga Leo Bassi de estallar excremento en su cara, de esperar a que se caliente un teatro de seiscientas noventa butacas con una pavesa del brasero de picón o de improvisar “Valentine” con algo de jamón en el estómago.
Walt Whitman escribía “Si no das conmigo al principio, no te desanimes. / Si no me encuentras en un lugar, busca en otro. / En algún sitio te estaré esperando”. «Hojas de hierba» a las que hace referencia el pianista Fred Hersch, algunas de las palabras más importantes de la literatura americana, comenta el pianista norteamericano, poemas que han inspirado su proyecto “Leaves of Grass” y su experiencia como músico de jazz homosexual y VIH-positivo, el otro poeta del jazz.
El Village Vanguard de Nueva York fue la segunda vida de un acorde rebelde, el momento de volver a tocar tras un coma y la paralización de parte de su cuerpo. Aprender de nuevo y sentir las yemas de los dedos sobre las teclas blancas y negras del piano del legendario club de jazz. Fred destaca un disco entre miles, lo saca al vuelo y dice; Una noche en el Village Vanguard de Sonny Rollins. Una portada del sello Blue Note, Rollins con gafas negras, boca media abierta para soplar el saxo y un virado en violeta. Si quieres saber lo que es jazz debes escuchar este disco.
El trío llega a Badajoz, Eric McPherson a la batería, aplausos, John Hébert al contrabajo, aplausos y Fred Hersch al piano, más aplausos. Ensayan, calientan, solicitan, prueban, conversan, sonido, luces y cena. Todo listo para pasar una noche al estilo Village Vanguard en el 30 Festival Internacional de Jazz de Badajoz. El público, fiel y conocedor del disco de Sonny Rollins, no improvisa y llega puntual. Eso de hacer esperar no es nada elegante.
NO HABÍA JAZZ EN MI VIDA HASTA QUE TENÍA 17 O 18 AÑOS. EN PLENA BASURA TROPECÉ POR CASUALIDAD CON EL JAZZ, CON UN CLUB DE JAZZ, COMENTA FRED…IMPROVISANDO EN LA VIDA Y EN EL PERIODISMO
ALBA MOLINA «LOLE Y MANUEL DESDE LAS ENTRAÑAS DE SU HIJA»
Sillas colocadas milimétricamente para dar cobijo a un centenar de culos aflamencados. Un tipo que se flagela por no haber comprado antes la entrada. No hay billetes, aforo completo, no hay papel en el Centro de Ocio Contemporáneo. Un cuento para mi niño en la prueba de sonido y un colacao para endulzar las cuerdas vocales. Joselito rasga la guitarra, una careta para homenajear a Manuel, el disfraz entero son palabras mayores. Alba descansa, se deja llevar por el silencio del camerino, sonríe, mientras se atusa el pelo, recompone el moño-coletero, solamente asoma su alma al alfeizar de nuestra entrevista. Abre una pequeña caja de latón con fotos de su padre y ella en un concierto en la ciudad realizadas por Félix Méndez, las pasa rápido, evita verlas, las acaricia, acaricia a su padre, Manuel, nos susurra que no puede verlas, musita que no quiere llorar con la misma voz gitana de su madre, Lole. Canta por ellos.
LA MODULACIÓN, LA FORMA DE EXPRESIÓN, DE INTERPRETAR LA LETRA SON COMPLICADAS DE LLEVARLAS A LOS ESCENARIOS, POR ESO ERAN ÚNICOS, Y METERSE EN ESE MUNDO FLAMENCO TAN GENUINO O HAY QUE ESTAR MUY LOCA O HAY QUE TENER MUY POCA VERGÜENZA… YO TENGO LAS DOS COSAS
ANTONIO NAJARRO «EL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA TIENE QUE SER UNA COMPAÑÍA DE REFERENCIA EN EL MUNDO»
Para ser uno de los mejores en el mundo en cualquier disciplina se tiene que ser muy exigente. A veces equivocamos exigencias profesionales con delirios de grandeza, y en este país, lo trapero, aquello que sale de un cuarto de los cabales sin previa delicadeza artística tiende a diluirse con el tiempo. No vale con cuatro palmas, un taconeo y un lance de furia de un faldón de terciopelo si queremos situar al flamenco en el mapa cultural universal que le debería corresponder. Ese escalafón tiene mimbres, raíces bien aferradas a lo largo de los años que en algunas ocasiones tienden a pedir auxilio, épocas yermas donde de la tierra flamenca no brotan beneficios endémicos. La bohemia debe de zurcirse con arte, bajo la batuta de profesionales con capacidad de liderazgo, con experiencia y visión vanguardistas. La ortodoxia del flamenco debe dejar un resquicio a la heterodoxia que artistas profesionales como Antonio Najarro y todo el cuerpo del Ballet Nacional de España llevan elaborando desde hace un lustro. Es el camino. Es la estrategia. Es la manera de colarnos por las fronteras y esparcir con elegancia el duende genético que tiene nuestra danza. Es cuestión de tiempo, de presupuesto, de voluntad y asepsia administrativa. Para ser referencia en el mundo necesitamos aplaudir cada paso, taconeo, castañeo, desplante, escobilleo, balanceo y braceo. Jalear la pasión del Ballet Nacional De España y dejarse llevar, como dice el propio director, por la potencia que transmite la danza española.
EN NUESTRO PAÍS TODAVÍA NO NOS HEMOS DADO CUENTA DE QUE LA CULTURA QUE PODEMOS EXPORTAR ES UNA FUENTE DE INGRESOS MUY IMPORTANTE, NO TENEMOS LA CAPACIDAD DE DESARROLLAR Y PROMOCIONAR EL ARTE Y LA CULTURA COMO SE HACE EN OTROS PAÍSES
ATRIO «UN MARAVILLOSO ESPACIO DE CULTURA GASTRONÓMICA»
La comida se convierte en cultura desde el momento en que un plato recibe todos los ingredientes endémicos de un barrio, de una localidad, de un paraje escondido en el mundo. La cultura gastronómica roza un ADN social que impregna de características populares y que transita desde el simple gesto de capturar comida con una cuchara e inclinar el brazo hasta llevarlo a la boca, rozar el producto, olerlo y tamizarlo de sabores atávicos, con una explosión de recuerdos, una amalgama de sensaciones gustativas a la que digerir con destreza. Somos lo que comemos.
El historiador boloñés Massimo Montanari escribía en una de sus obras sobre la historia de la alimentación que la comida es cultura cuando se produce, porque el hombre no utiliza solo lo que se encuentra en la naturaleza (como lo hacen todas las demás especies animales) sino que ambiciona crear su propia comida, superponiendo la actividad de producción a la de captura. La comida es cultura cuando se prepara, porque una vez adquiridos los productos básicos de su alimentación, el hombre los transforma mediante el uso del fuego y una elaborada tecnología que se expresa en la práctica de la cocina. La comida es cultura cuando se consume, porque el hombre, aun pudiendo comer de todo, o quizás justo por ese motivo, en realidad no come de todo, sino que elige su propia comida con criterios ligados ya sea a la dimensión económica y nutritiva del gesto, ya sea a valores simbólicos de la misma comida.
Ferrán Adriá suele recordar que esa cultura gastronómica no tiene tantos años, menos de doscientos, y que desde entonces la estandarización de la cocina ha hecho que niñas y niños sepan que se llevan a la boca cada día. La cocina es traicionera, el puchero de cocido de nuestras abuelas o madres cobran nueva vida con una esferificación de esencia de garbanzos y humo de morcilla con tocino, el producto es el mismo, el resultado no. La diferenciación lo marcan los estratégicos puntos de restauración que conforman el mapa culinario en el mundo, y sin duda, el Restaurante Atrio tiene un lugar reservado desde hace años.
Toño Pérez, el cocinero, el chef, il cuoco, el alma mater de la cocina de Atrio nos recibe con una sonrisa y un dedo vendado por un corte de a primerísima hora, tímido en sus maneras, relajado y estresado a partes iguales, hace que el laboratorio funcione con sus recetas como un alquimista del siglo XXI. Nos habla de casa para referirse al restaurante, un déjà vu de su memoria de aprendizaje en tierras europeas. Nos acomoda, respira y nos adentramos en su “casa”. José Polo, el otro 50% del negocio, será nuestro cicerón, el guía de un laberinto donde los cinco sentidos deben contenerse para no explotar.
PUEDE QUE NUESTRA PASIÓN POR EL ARTE SE VEA REFLEJADA EN NUESTRA COMIDA, EN NUESTRA PRESENTACIÓN, EN NUESTRO ESPACIO
FILMOTECA DE EXTREMADURA «EL MEDIO MÁGICO DEL CINE»
La pantalla es un medio mágico. Tiene tal poder que puede mantener el interés, ya que transmite emociones y estados de ánimo que ninguna otra forma de arte puede transmitir. No lo decimos nosotros, palabras de Stanley Kubrick en una de sus clarividentes conversaciones acerca de su trabajo y su pasión; el cine. El cine es emoción, y traspasar la pantalla para bucear dentro de ella como si de una pecera se tratase, es a fecha de hoy, un momento mágico, como señalaba Kubrick, sin explicación empírica. El arte sucumbe al cine por su maleabilidad lingüística, sensorial y educativa, una totum revolutum en apariencia, de todo lo que se puede crear en par de horas, en ese reducto, ahora tan desértico, que supone pagar una entrada, sentarse en una butaca y dejarse iluminar la cara por la luz que refleja la pantalla de cine. Un orden orquestado en algo más de 24 fotogramas por segundo.
Hacemos un repaso cinematográfico en nuestra región. Cortos, largometrajes, cine itinerante, guiones, proyecciones, programas, sesiones y once años de Filmoteca en la Cultura de Extremadura. Once años repartidos en varios directores, profesionales apasionados de la divulgación cinematográfica. María José López, Francisco Rebollo, Gil Aparicio y David Garrido.
David Garrido, el actual director de la Filmoteca de Extremadura, emana cine. Discurre secuencias en su conversación. Irradia guiones y frases de películas en las distancias cortas. La pasión por el séptimo arte viene de lejos y curiosamente Kubrick y su película 2001 Odisea en el espacio tienen la culpa. Un error de cálculo con sus abuelos y con siete años se planta en el antiguo Cine Trajano de Mérida. Un momento en el que cine, para Garrido, se convertía en una odisea fílmica, más allá de las pelis de guerra y vaqueros. Un monolito cargado de dudas y universo cinematográfico.
El extremeño, como le llamaban los compañeros de festivales nacionales, es el encargado de programar y difundir las actividades de la Filmoteca de Extremadura en sus cuatro sedes. Cogemos bisturí y diseccionamos la temporada de cine en la región de su mano.
NUNCA ME CAÍ, RAY. NUNCA ME TIRASTE, RAY. ¿ME OÍSTE? NUNCA ME HICISTE CAER. TORO SALVAJE. 1980. SCORSESE
MARÍA BARRANCO «AMANTES Y DEMENTES EN EL VODEVIL TRAGICÓMICO DE PLAUTO»
Amantes, dementes. Sentencia categórica, casi dogma de fe, frase, consigna y testaferro de aquello que mueve las entrañas del mundo; el amor, esa cosa que hace florecer las mentiras y resucitar las verbenas tragicómicas de Plauto. Virgilio, el machista y poeta romano era más de la vieja escuela, el amor conquista todas las cosas…y punto. Ovidio, algo más palmario y guasón decía que todo amante es un soldado en guerra.
La comedia de las mentiras, la obra que se representa en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, se aproxima más a esa última afirmación. Una guerra, la de los amantes, donde las mentiras, son las minas que cuajan los campos de cada batallón. En esa frontera se dirime el texto de Pep Anton Gómez y Sergi Pompermayer, el fuego alcanza territorio sagrado y se olvida la arena del teatro. Una mudanza de muebles de estilo scandi nordic para decorar las columnas romanas. Es ahí donde el vodevil grecolatino adquiere su aire fresco y se nutre de la plaza de la Cebada.
Pasan delante los protagonistas, dispuestos, simpáticos y cercanos; Pep Anton Gómez, Pepón Nieto, Paco Tous, Angie Fernández, Canco, Raúl Jiménez, Marta Guerras y una de las amantes dementes, la actriz que hace que la obra posea un deje particular y aporte un sabor más allá de un ataque de nervios, María Barranco.
De fondo estridulan las chicharras.
EL AMOR HACE ENLOQUECER A LA GENTE
JULIÁN PORTILLO «…O LOS VERSOS NECESARIOS PARA ARRIMAR LA POESÍA A TODAS LAS ENTRAÑAS»
En la Feria del Libro de Badajoz las casetas guarecen a los escritores, entre el laberinto de arriates y sillas de los veladores, el autor es anunciado por megafonía, sus obras saltan de las cajas editoriales y piden la vez en los mostradores de las librerías. Es ahí, en la primera fila, donde los best sellers posan chulos y estoicos como una recién elegida miss mundo, luciendo la cinta que recuerda el premio literario conseguido y el número de ejemplares vendidos. En medio del batallón de publicaciones se esconden los libros de los autores que van a presentar o han presentado su obra en la carpa de conferencias, esperan la firma, el nombre de su pareja y un beso. Al fondo, los que sirven de apoyabrazos para el librero, los olvidados, los libros con ilustraciones raras, los tratados más efervescentes sobre la crianza de los bebés, los manuales clásicos del buen chef y los poemarios, los acariciados por el olvido. Parecen sacar cuello, como un pescador de atún a punto de ahogarse en el mar. Constriñen el pescuezo y susurran versos para ser vistos, escuchados, mimados. Una voz enlatada anuncia un taller infantil en la Casa de las Letrucas y Garabatos, un cambio de hora de una conferencia y una firma de libros.
La gente compra libros, quizá no se lean, pero al menos saldrán de esa soledad del estante que los hace libre. Algún día alguien los pillará del anaquel, de esa Biblioteca de Babel que componía el universo de Borges, algún pequeño lector llegará a la Página veinte de las poesías de las entrañas del mismísimo Panero o simplemente alguien abrirá un cuento de Melville y descubrirá que su Bartleby ya no es un escribiente.
La poesía es la excusa perfecta. Piedra de toque de la Editorial Regional de Extremadura lo avala. 15 poetas emergentes y una canción de amor. Al menos una lectura jadeante y ronca de uno de ellos, Julián Portillo, el poeta que rinde, como reza su presentación, una sonora pleitesía a los elementos vivos del lumpen: asesinos, putas, heroinómanos, fantasmas que no saben que los son…un tipo resistente al fuego.
No se nos olvide que el atractivo de la poesía reside en que el poema no es dueño del que traza los renglones, los versos, la lectura es de todo el que lo recita o masculla en cierta manera…
CON ESTAS OBRAS HEMOS CONECTADO CON UN PÚBLICO QUE NO ERAN NI TAN SIQUIERA LECTORES, CENTROS PENITENCIARIOS, CENTROS DE ACOGIDA DE MUJERES MALTRATADAS
JAVIER TOLENTINO «EL CINE QUE ME IMPORTA»
La voz de Javier Tolentino engatusa las respuestas maniqueas de sus invitados. Te ha pillado, decimos los que estamos escuchando la radio a años luz de los estudios fijos o portátiles de Radio 3. No te va a soltar. Te tratará con dulzura, te llevará a decir lo que verdaderamente quieres decir bajo la batuta cinematográfica del director de la Séptimo Vicio Orquestra. Tolentino visita Badajoz, y lo hace de la mano de Fundación CB, como conferenciante de sus películas, la que les importa, como un compañero de profesión y como un humilde camello de una droga centenaria llamada cine.
La nota de autor como prólogo de su pasión por el cine;
Son unas setenta películas, setenta realizadores y setenta momentos aunque probablemente haya más de ese número. Son los recuerdos que dejaron en mí un cine y una gente, un público y muchos oyentes de Radio 3 con los que compartí salas de proyecciones, encuentros y, sobre todo, mucha radio. Ni las películas que nombro son las más importantes de mi vida (algo realmente imposible de destacar para mí) ni el orden en el que están colocadas debe suponer un elemento valorativo, sino que únicamente responde al deseo en ese instante de hablar de esas películas, de esos títulos y de esos directores. Hay muchas obras y muchos autores que me apasionan y no están en este libro, y pongo por caso a Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti, Carl Theodor Dreyer, Jum Sheridan, Manuel Gutierrez Aragón, Teresa Villaverde, Icíar Bollaín…La lista es infinita. Este libro responde tan solo a un pálpito, a un puñado de películas que, al citarlas, me redujeron la pereza y el terrible esfuerzo de ponerme a escribir.
Lo que leen tampoco responde a un libro de consultas cinematrográficas; no hay afán de construir un almanaque o guía para cinéfilos. El único objetivo es escribir de cine, desde la memoria, y recordar lo que significaron unas películas en un momento determinado; un pretexto para convocar a la emoción, eso sí, desde el cine.
LA RADIO ES ÚNICA, LA RADIO ES MUCHO MÁS INTIMISTA, MUCHO MÁS NATURAL QUE LA TELEVISIÓN, ADEMÁS PERMITE ALGO TAN CLARO COMO EL DIRECTO Y PERMITE SOBRE TODO, DIÁLOGOS QUE BIEN MEZCLADOS CON SONIDOS DE PELÍCULAS, BANDAS SONORAS Y LAS VOCES DE LOS INVITADOS SE CONVIERTEN EN ALGO MÁGICO
WILLIAM CHISLETT «ARTURO BAREA Y LA FORJA DE LA INTELECTUALIDAD»
¿Qué hace un inglés con pinta de vikingo, con un lastimoso acento, a pesar de los muchos años viviendo en España promoviendo la figura de Arturo Barea?
Así suele empezar su discurso William Chislett, la persona que más sabe de la vida de Arturo Barea. Un periodista inglés, que por casualidades de la vida, se dio de bruces en su condado de origen con la lápida del escritor nacido en Badajoz.
El Premio Arturo Barea de investigación cultural de la Diputación de Badajoz, nos trae al lugar de origen del autor de La forja de un rebelde, al investigador y ensayista inglés. Con un acento deplorable, como el propio reconoce pero con una semántica académica y una cabeza repleta de datos y curiosidades de Barea, viajamos en la historia, al ostracismo de la intelectualidad española, olvidada por el conflicto y abandonada por la dictadura. Un recuerdo, en forma de “ventana inglesa”, de sus años de forja literaria y exilio de resignación.
Arturo Barea nunca regreso a España, pero la memoria de su obra, y de la meticulosa e inteligente labor de su mujer Ilsa, nos dejó un legado digno de recordar. William Chislett se encarga de ello.
BAREA E ILSA SE SENTABAN A TRABAJAR JUNTOS EN UNA MESA GRANDE DE ROBLE CON LÁMPARAS DE ACEITE COLGADAS DEL TECHO, BAREA ESCRIBIENDO EN ESPAÑOL, ILSA TRADUCIÉNDOLO AL INGLÉS
FILTIRÉS «TODO LO QUE SENTIMOS ESTÁ CONECTADO»
Seguimos las instrucciones al pie de la letra. Cambiamos petate por grabadora y cámara fotográfica y nos adentramos en uno de los atajos que la ciudad posee para entrar en el estudio de Filtirés. Allí nos encontramos con los artífices del proyecto. Estamos en nuestra casa, nos dice con una enorme sonrisa Juber Molano. Le desafiamos y le miramos a los ojos, no pasa nada, nos abre con la mano un espacio para investigar, ver, tocar y preguntar.Chesku Jiménez, no está escribiendo, pergeña historias pero ahora hace de cicerón.Álvaro Indias llega tarde, el propietario de la antigua casa del fotógrafo Antonio Pesini, entra de un salto y nos da la bienvenida y nos invita a conocer los rincones de Filtirés.
NOS CONOCEMOS HACE MUCHO TIEMPO, TENEMOS UNA RELACIÓN CASI FAMILIAR, ESO HA AYUDADO A QUE ESTE PROYECTO ESTÉ VIVO
PERICO SAMBEAT Y ARTURO SERRA «EL JAZZ TIENE QUE TENER ACENTO, Y EL ACENTO LO DA LA TRADICIÓN»
En la oscuridad azul del Palacio de Congresos un soplón me informa. Dicen que la orquesta tenía miedo a tocar con Charlie Parker, que los músicos clásicos, los “longhairs”, no sabrían llegar a una sola nota del genio del saxo. En el mismo instante del chivatazo, Perico Sambeat irrumpe de manera colosal tras los acordes orquestales de September in the rain, ese standard con el que Dinah Washington enamoró a miles de pareja en las jaranas de medio mundo. Deja de soplar Perico y entran las baquetas de Arturo Serra con su vibráfono. Sonido mágico, recuerdos ancestrales de bandas sonoras clásicas y la orquesta esperando la nota justa para reaparecer. Todo encaja. El jazz, voluble, osmótico y estupefaciente, machihembra con lo que se ponga por delante. La música clásica respira aliviada, el jazz inyecta su dosis y todos contentos. La historia no acaba aquí. Mi informante termina su chisme. Lo mejor de todo es que Charlie Parker tenía aún más miedo a tocar con los músicos de clásica, a los que él también veía superiores. Se fue del estudio y tardaron una semana en encontrarlo. De ese arrebato de Bird parió Charlie Parker with strings. Una joya a la que nuestros grandes del jazz nacional hacen su especial homenaje. La Orquesta de Extremadura con Perico Sambeat y Arturo Serra en el 30 Festival Internacional de Jazz de Badajoz. Hubo empate. El miedo de tocar de unos y otros desapareció en el primer segundo del concierto. Ganó el público asistente que pudo disfrutar del espléndido concierto.
EL JAZZ ES UN LENGUAJE QUE SIRVE PARA COMPARTIR, UN VEHÍCULO PARA COMPARTIR EL ESPACIO ESCÉNICO EN CUALQUIER RINCÓN DEL MUNDO
TAI MURRAY «EL ALMA DEL VIOLÍN»
El alma del violín es una de las partes más importantes de la estructura y del sonido de este instrumento. El alma del violín es una espiga de pícea que se coloca a presión entre la tapa y el fondo de un violín. Un instrumento sin alma suena débil, sordo y hueco.
Olesya Davydyuk recibe correcciones de Tai Murray. Gesticula como un mimo para mostrarle que el violín se debe tocar con el cuerpo, con el alma, que el arco se debe coger como una extensión más del cuerpo, el alma, será su sonido, aquello que tras seguir las notas, se convertirá en la exposición de las emociones que debe expulsar la alumna ucraniana. El 1er movimiento del concierto nº 1 de Prokofiev ahora si cobra vida.
Espera David Carmona, espera que otro movimiento de Tchaikovsky suene como tiene que hacerlo en cualquier auditorio del mundo. De eso se encarga la virtuosa violinista norteamericana Tai Murray. Con una sonrisa enorme saluda al alumno, con una más grande le corrige sutilmente.
Antes Tai ha ensayado en el salón de Plenos de la Diputación pacense, nos ha saludado gentilmente a la vez que calentaba con notas tenues y dulces su violín. Master class con los alunmos y componentes de la Orquesta Joven de Extremadura y concierto con el director de la OEX, Álvaro Albiach en Cáceres y Badajoz, interpretando el Concierto para violín de Erich Korngold.
El New York Times definió a Tai Murray como “soberbia”. Tras esa descripción, la violinista no esconde su alegría por dedicarse profesionalmente a la música, vivir del bello instrumento que es el violín, de hacer sentir la substancia de su sonido, aportando doble ración de alma a cada nota que interpreta. Tai Murray, alma pura para deleite de los extremeños.
AMO EL VIOLÍN PORQUE TIENE TANTOS COLORES Y UN SONIDO QUE PUEDO CAMBIAR Y MODIFICAR
REYERO «CLINT EASTWOOD Y UN PUÑADO DE SUERTE EN ESPAÑA»
Sergio Corbucci rueda Django, una versión muy parecida a la obra del otro Sergio, Leone. Este rueda en esa mismo año su última película de la Trilogía del dólar, El Bueno el Feo y el Malo. Eli Wallach, el feo, Lee Van Cleef, el malo y Clint Eastwood, no tan evidente, el bueno. Los italianos ponían los directores, los españoles la geografía, los caballos y hasta el ejército y los norteamericanos, mercenarios en búsqueda de alivios cinematográficos. De estos últimos sale el actual mito, Clint Eastwood. Dejar una serie de poca monta para, destino y fortuna de la vida, caer en un poblado en Almería, con un poncho y un puro de Beverly Hills para componer la verdadera salsa de la clásica receta de los spaguetti westerns; catenaccio fílmico alla italiana. Más allá de la leyenda, de las fobias por volar, de la falta de agua caliente en el hostal, de las calenturas del director romano, de no haber pisado desde su última escena, allá por el 1966, tierra española, Eastwood. Desde que mi nombre me defiende, de Francisco Reyero, sustenta una historia bien argumentada bajo un guion elaborado muy sólido. Un libro que recorre las aventuras y desventuras de un Quijote norteamericano en pleno desierto franquista. Sin España, Clint Eastwood no existiría.
EASTWOOD VIENE DE UNA MANERA TOTALMENTE CASUAL, PORQUE HASTA MARZO FIGURA EN LA SOLICITUD DE PERMISO DE RODAJE, JAMES COBURN
ERNESTO ALTERIO «LA MAGIA DE UN ACTOR ESPECIAL PARA UN ESCENARIO MARAVILLOSO»
El reportaje sobre Mérida para la emisión nacional aprovecha el sabor teatral que el Festival de Teatro Clásico rezuma como potenciador turístico cultural. Informativos que emiten en directo colocan sus cámaras, pruebas de audio y balances de blanco. Último vistazo a las libretas, repletas de datos, preguntas, esbozos de la obra y nombres de dioses y personajes griegos.
El peristilo hace las veces de mesa de redacción y plató improvisado de televisión. En este campo de batalla grecolatino el fuego es amigo y de manera estratégica se cruzan los tiros de cámara, los micrófonos de los redactores y los protagonistas de la obra en una guerra de preguntas y respuestas.
El megáfono del Teatro anuncia que quedan cinco minutos para que los turistas abandonen las instalaciones. Apuran viendo como el ballet de actores y actrices bailan de puesto en puesto, una danza dulce y agradable como precalentamiento del ensayo final. Un preestreno con reivindicación troyana, siria y femenina, un grito escénico de refugiados, expulsados, abandonadas, esclavizados, martirizadas y desposeídas. La dureza de un texto de hace siglos con total vigencia, un mensajero con la orden de sacrificar a una hija, un heraldo con la resignación de realizar un trabajo aqueo, de liquidar y cercenar la integridad de las mujeres, viste traje de chaqueta, consume terror en sus mensajes y honestidad teatral en todos sus poros.
ESTE TEATRO TIENE UNA MAGIA MUY ESPECIAL, ME PRODUCE UNA EMOCIÓN MUY GRANDE, Y LO PUDE COMPROBAR CON EDIPO REY HACE NUEVE AÑOS
ABRAHAM HAIM «SE PUEDE VIVIR SIN LA DECLARACIÓN DE TRUMP»
Ayer se encendieron los januquiá en las casas judías de todo el mundo. El candelabro de ocho brazos que representa el Hanukkak y que permanecerán encendidos durante ocho días. Esta festividad recuerda el triunfo de los macabeos sobre los helenos y la recuperación del Templo Sagrado de Jerusalén. De la misma manera, esta fiesta rememora el milagro del candelabro, que ardió durante ocho días seguidos con una mínima cantidad de aceite.
Abraham Haim, presidente del Consejo de la Comunidad Sefardí de Jerusalén, y unos de los máximos representantes de la cultura del Sefarad, celebrará parte del Hanukkak en tierras extremeñas. La Diputación de Badajoz tuvo el acierto de celebrar una conferencia para rememorar la presencia judía en España antes de la expulsión en 1492, recordar los vestigios de guettos judíos extremeños y dejarnos un viaje melódico como regalo en forma de canción.
Abraham nos espera sentado en la recepción de un hotel casino de la ciudad, atiende una llamada de su modesto teléfono, los judíos somos humildes comenta entre risas. Las gafas de carey negra y el traje de chaqueta gris nos hace viajar muchos años atrás, una especie de muesca histórica conservado en formol de manera milagrosa como el aceite del Hanukkak. Abraham se despide en inglés de la conversación telefónica, nos saluda en un perfecto español y nos recita versos de canciones ancestrales en hebreo. Haim significa vida, nos dice el doctor en Historia, y los judíos necesitamos sentirnos vivos.
Hablamos de ritos culturales, de gastronomía, de la tierra eterna, de la vida sefardí antes y después de la expulsión de España, del barrio judío de Hervás, del Monasterio de Guadalupe, de la maravilla alcazaba árabe de Badajoz del legado genealógico judío en España, de Shimon Peres, de Isaac Rabin, de las chulería rampante de Trump en Jerusalén y de la capacidad de resiliencia de un pueblo trabajador, culto y nómada por los dramáticos avatares de la historia.
SOMOS LOS MEJORES EMBAJADORES DE ESPAÑA EN EL MUNDO
SANTIAGO RODRÍGUEZ «REVELANDO FOTOGRAFÍAS A PIE DE CALLE»
Como si de un western de John Ford se tratase, Santiago Rodríguez, conseguía su primera instantánea en Peligros, la villa granadina que vio disparar en blanco y negro a su mejor comanche fotoperiodista. Sus inicios, descoloridos por el B & W de los rollos de película, listos para desenvainar la cámara y aptos para dejarse bañar por los líquidos químicos y desenmascarar los rostros de los forajidos. En aquella escala de grises, el que desenfundaba antes la cámara sacaba la mejor foto, al menos la imagen que más ilustraba el titular, si el acierto en el duelo de la noticia tenía sangre, el negro se intensificaba, el blanco hacía su trabajo; ahorraba tinta a la imprenta y el diario tenía foto de portada.
El fotoperiodismo, como ya comentamos en la sección de Plata o Plomo, es una huella documental de un trabajo introspectivo donde las fotos de los muertos han resucitado y las fotos de los vivos han colapsado el imaginario fotoperiodístico. Nada de reporteros de provincias, todos nacemos en el barracón de un pueblo, aunque sea en una putrefacta esquina de un barrio de Nueva York, en el abrevadero más seco de Mali, o en la cantiña más lúgubre del Alentejo. El fotero caza, parpadea con diafragma y captura su presa con el alma. Eso no se aprende en las capitales, sale de lo más hondo de las entrañas y del barro de las calles.
Santiago Rodríguez nos lo cuenta a pie de calle, entre las historias colgadas por un clavo y el proceso de descongelación de su material analógico. En el fango, con el barro de los negativos; María José Montero, disección, tacto y años juntos. En las entrañas de la estética, Martín Carrasco y esas tres fotos de color entre la marabunta de blanco y negro para desempañar los impactos de desahucios, gitanos temporeros, desgarros lisboetas, cuitas políticas y besapiés deportivos.
Muy difícil separar su bondad como persona y su calidad como fotógrafo. Un retrato de Extremadura, directo, limpio, profesional y sacrificado. Y todo eso a pie de calle.
AUNQUE SUENE A UNA COSA ACTUAL ESTUVE DE FREELANCE. HACE MUCHOS AÑOS, DESDE LOS INICIOS CASI DEL FOTOPERIODISMO, ESTE FORMATO LABORAL YA EXISTÍA
ISABEL VÁZQUEZ «EL CREATIVO OFICIO DE UNA GUIONISTA EN SERIE»
En el primer plano del capítulo piloto de Los Sopranos nos encontramos a Tony Soprano sentado en la sala de espera de una consulta, luego sabremos que se trata de la consulta de su psicoterapeuta, suenan las agujas de un reloj y algunos pájaros. Tony está pensativo, su mirada perdida hacia la moqueta de la sala, está encuadrado entre las piernas de una escultura que están en primer plano, alza la vista y en un plano contraplano vemos las cara de Tony y el busto femenino de la escultura, sigue sonado el reloj. Se abre una puerta y una mujer, la psicóloga, asiente ¿señor Soprano?Acaba de empezar la mejor serie de la historia…hasta el momento. Quizá contar el final supondría un spolier en toda regla, aunque describir la última secuencia de Los Sopranos no puede alterar en nada al producto. Fundido en negro y a buscar como loco otra serie que se aproxime.Tenemos la oportunidad de comenzar una nueva serie a partir de una periodista, escritora y guionista, la extremeña Isabel Vázquez, una enciclopedia repleta de datos, momentos, recuerdos, personajes de ficción y giros narrativos capaz de hacernos creativos de una agencia de publicidad, policía en las calles de Hill Street o licenciarnos como médico-spin-off asiduo a un bar de Boston.Echamos patos salvajes en la piscina y le damos al rec de la grabadora del teléfono móvil. El tatuaje del neón del Bada Bing comienza a coger forma.
ME PARECE MUY IMPORTANTE QUE LA GENTE ENTIENDA QUE SI A UNO LE GUSTA SU TRABAJO NO QUIERE DECIR QUE NO DEBA COBRAR POR ÉL. TODO LO QUE TIENE QUE VER CON LA CREACIÓN ARTÍSTICA MUCHAS VECES SE CONFUNDE
MIGUEL MURILLO «EL PERFUME DE LA MEMORIA TEATRAL»
Miguel Murillo echa cuentas. 67 personas llevan un sueldo a casa gracias a sus obras como autor. El teatro genera. El IVA cultural resta. El dramaturgo y director del Teatro López de Ayala hace de cicerón en el primer evento donde se reúnen las autoras y autores de poner letra al teatro en la región.
El cafetín del teatro se convierte en escenario de la obra, los autores, actores y mecenas de esta profesión los protagonistas. Fuera llueve y hace frío, dentro de la sala llueve pero se está caliente. Isabelle Huppert habla con el rostro de Charo Feria, nos cuenta que el teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero.
Matar el tiempo, un desenlace cruel, Ionesco, shakesperiano, lorquiano. Tres autores con un espejo bien cimentado en Extremadura…recuerda Julio Cesar Quesada…Las tres M del teatro extremeño, Mediero, Márquez y Murillo. Miguel Murillo nos recuerda con su voz pausada y profunda que el teatro es un instrumento de trabajo. No se nos puede olvidar.
LA PROFESIÓN DEL AUTOR ES MUY AMPLIA, NO SOLAMENTE ES ESCRIBIR UNA OBRA DE TEATRO, ES PARTE DE UN EQUIPO DE TRABAJO Y SUSCITAN MUCHOS INTERROGANTES
JAVIER OLIVARES «EL ARTE PROFESIONAL DE UN EXTRAORDINARIO DIBUJANTE»
Vemos a Velázquez sufriendo en su estudio, viñeta con un carrito, muy icónica, muy sencilla, una mano, una llave, unos pies, un candelabro, un primer plano, página doble…
…estas son las notas de Santiago García, el guionista de las últimas obras que ha dibujado Javier Olivares, entre ellas la magnífica Las Meninas, premio Nacional de Cómic.
El modus operandi es particular; Santiago García antes de desarrollar el guion realiza esquemas de las páginas, después lo pasa a guion y finalmente Olivares lo vuelve a convertir en páginas desglosadas en viñetas. Deconstruir para volver a moldear una obra maestra ilustrada con sello español.
Logramos rescatarlo de la ingente actividad de la Feria del Libro pacense y le preparamos un guion breve. Javier Olivares nos responde con viñetas de su día a día, nos rellena los bocadillos de sus historias y firma la portada con humildad y pasión…como el primer día…sin pretensiones pero con mucho arte entre sus premiados dedos.
“El lenguaje es, como saben, el murmullo de todo lo que se pronuncia, y es al mismo tiempo ese sistema transparente que hace que, cuando hablamos, se nos comprenda; en pocas palabras, el lenguaje es a la vez todo el hecho de las hablas acumuladas en la historia y además el sistema mismo de la lengua” Paul-Michel Foucault
EN ESPAÑA ES VERDAD QUE EN PARTE LA NOVELA GRÁFICA HA ROTO LA BARRERA DEL VETO DE LOS CÓMICS, ESE PÚBLICO MÁS ELITISTA QUE SEGUÍA Y SIGUE ESE TRABAJO, PARA SALIR COMO UN MEDIO PROFESIONAL IGUAL QUE LOS DEMÁS
JAZZ «LA BELLEZA MALEABLE DE UNA MÚSICA SIN FRONTERAS»
El jazz es aquello que acorrala tu sístole, la isquemia musical, que por segundos, noquea tus sentidos, los envuelve en una pátina de ritmos que digerir sin anestesia, un corte elegante y abrupto de bisturí, y tras colapsos emocionales, una liberación diastólica de notas esclavas sobre nuestro riego sanguíneo.
El jazz suena en el motor de un coche modelo Art Blakey, en los gemidos Chet Baker de tu vecina, en el taconeo John Coltrane de tres amigas sobre el adoquinado de una plaza, el jazz suena en el agua fría de tu ducha Miles Davis, en las notas del afilador de tu barrio, un señor anciano de maneras Sonny Rollins, en el primer llanto de un bebé en el materno Ella Fitzgerald.
Jeremy Pelt “La diferencia de timing entre el público europeo y el de mi país reside en el estilo de vida de cada uno, en España, aquí en Badajoz, se vive con más alegría, se puede percibir mejor los detalles, en los Estados Unidos el trabajo, el ritmo laboral lo acapara todo”
VÍCTOR PABLO PÉREZ «EL CONSTRUCTOR DE ORQUESTAS SINFÓNICAS»
Fallece su padre y muy poco dinero para tirar para adelante. Un crío, ocho años y de bruces con el portón de un colegio apostólico interno de León. ¿El objetivo? Ser frailes. Dura disciplina pero una pianola por aula gentilmente donada por viudas. De allí surgen las ganas de juntar personas, compañeros para hacer coros y producir música. Su primer lección, su primera revelación con su don musical la de un fraile fanático por la armonía.-Coloque la mano en el teclado. Levante el dedo uno, súbalo un poco y déjelo caer para que suene la nota do…Está bien ha sonado do, pero no ha hablado… tiene que decir algo, tiene que transmitir algo, la música tiene que contar algo.El chico de la mano es Víctor Pablo Pérez…el tiempo ha hecho que su música hable, que su dirección, su afán por reunir a personas dotadas con la música nos cuenten historias a través del sonido sinfónico. Invitado como director de la Orquesta de Extremadura nos cuenta su trayectoria, su vida y las ganas que tienen de contar algo los músicos en esta región.
LOS GESTORES DEBEN REALIZAR POLÍTICAS QUE ATRAPEN A LA GENTE QUE ESTÁ FUERA DE ESTE CIRCUITO, PARA AQUELLOS QUE NUNCA HAN IDO A UN CONCIERTO Y HACERLES VER QUE LA ORQUESTA TAMBIÉN ES DE ELLOS
MARTÍNEZ GIRALDO «EL ESPECTADOR ES EL ENCARGADO DE TERMINAR LA OBRA»
Gaudí decía que la arquitectura es la ordenación de la luz y la escultura el juego de la luz. Jugar con la luz supone dejar pasar materia entre los dedos, calibrar las sombras entre la orden que manda el coco y la marca de la mano que ejecuta la orden. Una muesca compuesta por 99% creatividad y 1% habilidad. Para llegar a ese punto mágico, antes hay que recorrer muchos caminos de carreteras polvorientos y sentir muchas llagas en el bolsillo. Una vez que se llega a ese cruce artístico, se puede desordenar la luz y jugar con ella.
Estamos hablando de escultura. Eso a lo que Fidias se dedicaba hace siglos a base de una máquina de puntos, esa a la que unos locos decidieron sembrar en la isla de Pascua, la que cubrió de belleza Milo con su Venus, la que rebufa en pleno Wall Street con rasgos de toro yuppie, la que ha dejado pensar más de lo normal Rodin, esas a las que Miguel Ángel dotó de excelencia marmolea, un Moisés, un David y una maravillosa Pietá, esas que cubren nuestras dehesas urbanas, las que aportan sentido y belleza a las esquinas de planes urbanísticos y en algunas ocasiones miran escondidas su desangelado protagonismo, muchas vibran y conforman el paisaje como una armadura natural del callejero, esas son las que se mimetizan y gritan sin mover un centímetro la boca en el recorrido de cemento que conforman calles, avenidas y plazas.
Es ahí donde aparece el maestro Luis Martínez Giraldo, que como las grandes piedras, tiene su norte y sur. Un norte marcado por su excelencia escultórica y un sur dominado por su calidad humana. El escultor extremeño nos habla de arte, de cómo se puede morir si se pretender vivir de él exclusivamente. Nos habla de obras desechadas como la página de una novela que se tira a la basura. Nos recuerda que el ganar premios le ha venido bien para fundir sus siguientes obras, que la escultura, el arte en general, es como la cerveza; el primer sorbo siempre nos sabe amargo pero luego está buenísima.
Vectorizamos nuestra grabadora y el maestro Martínez Giraldo nos marca las coordenadas, es hora de remangarse y mancharse de barro. Puede que sea la mejor manera de hablar de arte.
LAS OBRAS ESTÁN HECHAS DESDE ESE MUNDO INFINITO DEL PENSAMIENTO EN TOTAL LIBERTAD CON LA MATERIA EN LA MANO, ESA AHÍ DONDE SE ENTABLA EL DIÁLOGO MÁS NATURAL ENTRE ARTISTA Y OBRA
FELIPE TRIGO «EL ESCRITOR EXTREMEÑO EN UN PRINCIPIO DE INCERTIDUMBRE»
Felipe Trigo autor y Felipe Trigo personaje. Villanovense de parto, pacense de efervescencia intelectual y madrileño de pasión cultural y última bala. Médico, fotógrafo, pintor, político, militar…y literato, o escritor ante todas las cosas, profesión, la de escritor, que llevó como un best sellers de la época. De Trigo conocemos su machetazo en la cara de guerra por las Filipinas, su pasión por la tierra extremeña de terrón seco y aliento noble, su pasión por llegar al erotismo con su pluma, su bipolaridad existencial. De Felipe Trigo conocemos su Jarrapellejos, sus Ingenuas, En la carrera, su Alma en los labios y toda una escalera con millones de palabras escritas para ser consumidas por un público hambriento de historias. Escalones devorados por su propia angustia y bellísimamente puesto en escena por el equipo de Luis Saez con el patrocinio de la Diputación de Badajoz.
Desde esa escalera, que delimita la Sala Vaquero Poblador con el resto de espacios y dependencias de la Diputación pacense, Luis Saez, quien ejerciera como Director del Plan de Fomento de la Lectura y de la Editora Regional de Extremadura hace años, nos hace de cicerón y peldaño a peldaño nos despedaza didácticamente la obra y vida de uno de los mejores escritores que ha dado Extremadura. Nosotros aún no sabemos si quedarnos con el Felipe Trigo autor o el Felipe Trigo personaje…En la época, la gente pobre no se fiaba de un médico que cobraba.
EN SU ÉPOCA, FELIPE TRIGO ERA UNA ESPECIE DE PÉREZ REVERTE
BAHNHOF «UN ESTACIÓN CON MARAVILLOSOS DESTINOS CULTURALES»
Existe en la ciudad un eslabón cultural que une los barrios que el río Guadiana separa. Ese enganche artístico tiene nombre y apellidos: Bahnhof Espacio Cultural y anida en un barrio cargado de vitalidad como el de San Fernando. La estación de tren sirve de lanzadera para un proyecto complejo, emocionante y a la vez muy personal. Antonio Mata, el gestor encargado de dar vida a esta galería, nos disecciona todos los entresijos de la Bahnhof.
BAHNHOF SURGE PARA DARLE LA OPORTUNIDAD A TODOS AQUELLOS QUE TIENEN LA NECESIDAD DE EXPRESAR ALGO CON EL ARTE
ROBE INIESTA «UN SUSPIRO ACOMPASADO»
Un rato, un suspiro, una presencia distaste pero acompasada, en el espacio más bestia y genuino de su gira teatrera, el romano de Mérida, un enclave jadeado por miles de seguidores emocionados, un acierto del Stone & Music Festival como regalo musical. Robe Iniesta gira sentado con su falda revolera, vestigios de Extremoduro, más onírico, más pausado, más crítico, voz hecha jirones, puro Robe, toca la guitarra, sabemos de su paradero, desde lo lejos, escuchamos un suspiro, habla, sueña con su voz, la banda hace el resto, el público corea, el teatro disfruta en silencio, en un suspiro acompasado.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez
