Tres lugares de Badajoz, tres espacios para bailar y tres tiempos en la vida de un creador que salió del breakdande y de muchas horas de cemento y acera para construir un lenguaje propio entre la danza urbana y la contemporánea. Chey Jurado ha competido y bailado por medio mundo, ganado cuatro Red Bull BC One en España, trabajado con algunas de las grandes compañías de la escena contemporánea y levantado sus propias piezas. Ahora prepara Marea Weekend, una obra profundamente personal en la que regresan los viajes, su madre, su padre y una familia que ayuda también a explicar el cuerpo que hoy sube al escenario.
Hay algo de derviche de la calle en Chey Jurado. Algo de aquel old school del break que necesitaba poco más que un suelo sobre el que deslizarse, una música y unas cuantas horas por delante; mucho cemento y mucha acera acumulados en un cuerpo que aprendió antes a bailar que a clasificar todo aquello que estaba bailando. Podía ser un hule extendido en cualquier rincón de Badajoz, una pequeña calle de un extrabarrio, una competición en Indonesia o el escenario de un palacio de congresos. El tamaño del espacio ha ido cambiando; la necesidad de moverse, bastante menos.
Chey ha ganado competiciones, batallas y premios de danza, ha viajado durante buena parte de su vida adulta y ha terminado formando parte de proyectos de algunas de las compañías y creadores más importantes de la danza contemporánea, entre ellas Peeping Tom. Sin embargo, cuando nos sentamos a hablar, todo eso aparece casi siempre porque preguntamos nosotros. Él está en otra cosa. Está en Marea Weekend, su próximo trabajo, una pieza que lleva años rondándole y en la que vuelve a colocar el cuerpo delante de su propia memoria. Antes de llegar hasta aquí hubo mucho aprendizaje por intuición, muchas horas mirando, copiando, equivocándose y volviendo a empezar. El autodidacta que se hizo bailarín entre vídeos, amigos, competiciones y viajes conserva fuera del escenario una manera de estar sorprendentemente alejada de la imagen que proyecta cuando baila. Chey puede ser tímido, humilde, introvertido, incluso inseguro en la distancia corta. Sobre un escenario sucede otra cosa. Allí aparece el animal, el bicho, un cuerpo expansivo capaz de llevar hasta el límite una musculatura que conoce después de miles de horas de entrenamiento, improvisación y escucha.
Y en medio de todo está la familia. Su madre gitana, la música que siempre estuvo alrededor, su capacidad para comprender y acompañar; su padre, bailongo, luchador, divertido, atravesado después por la enfermedad pero todavía dispuesto a bajarse de un coche con sus muletas para demostrar a unos chavales que seguía sabiendo moverse; y su hermano David, compañero de muchas de aquellas primeras aventuras y de una calle de la que ambos aprendieron bastante más que unos cuantos pasos de breaking.
Todos terminan entrando, transformados, en Marea Weekend. No como un álbum familiar trasladado al escenario, sino convertidos por Chey en cuerpos, personajes, limitaciones físicas, cajas, colores, accidentes, viajes y recuerdos. Su madre aparece en la manera de entender y articular el espacio; su padre, en un cuerpo que pelea contra sus propios límites. Alrededor permanece aquella familia que se movía de un lugar a otro dentro de un Fiat Marea Weekend, el coche que muchos años después ha terminado dando nombre a una obra.
Para hablar de todo eso proponemos otro movimiento. Tres lugares, tres espacios callejeros, los que moldearon y siguen formando la estructura de su decorado profesional. Acera, barro y adoquín en los que detenernos, conversar y volver a movernos. Tres suelos sobre los que Chey Jurado podría bailar.
I. EL SUELO DE LA CALLE
El primero pertenece al origen. A pocos metros de Puerta de Palmas. Nos sentamos, pedimos café y encendemos la grabadora. Antes de Peeping Tom, de los premios, de Red Bull o de cualquier escenario internacional, estaba José, un niño nacido en Badajoz cuya infancia transcurrió en buena medida a más de mil kilómetros de aquí.
—Antes de todo lo demás quiero saber quién era Chey Jurado de pequeño. ¿Naces en Badajoz?
—Sí, nací aquí. Mi nombre en realidad no es Chey, yo me llamo José, por mi abuelo por parte de padre. Lo de Chey viene de mi madre. Veía una telenovela en la que la protagonista tenía un bebé que también se llamaba José, pero cariñosamente le decían Chey o Chito. Se me quedó. En mi familia siempre ha sido Chey para arriba, Chey para abajo, los primos, todo el mundo. Nací en Badajoz, mi hermano también y toda mi familia es de aquí, pero cuando yo tenía dos años y medio o tres mi padre trabajaba en la ONCE y lo fueron reubicando en diferentes lugares. Estuvimos por algunos pueblos extremeños y después nos mandaron a Mallorca. Allí es donde ubico realmente mi infancia, donde tengo mis primeros recuerdos.
—Tu infancia está entonces muy asociada a Mallorca.
—Sí, totalmente. Desde los tres hasta los trece años, aproximadamente. Allí recuerdo el colegio, aunque era pésimo estudiando, jugar muchísimo, hacer deporte, los videojuegos, estar con mi familia… Había siempre una cosa muy lúdica en mí. Lo que me interesaba era jugar, pasármelo bien. En los estudios estaba bastante desubicado. También recuerdo allí el break, o lo que yo entonces entendía como break, y recuerdo a mi padre bailando. A los trece años, aproximadamente, mi padre sufrió un derrame cerebral y sintió la necesidad de volver a casa. Regresamos a Badajoz y ese viaje nos marcó bastante.
—Y llegas a Badajoz, a la barriada de Llera, y empieza a aparecer el baile de una manera más seria.
—Empieza de una manera muy natural. Yo estaba con los colegas del barrio y comenzamos a bailar. Mi padre también había bailado y en mi familia siempre había habido mucha música. Mi madre es gitana, mis tíos tocaban la guitarra, había flamenco, rumba, cajón… Y mi padre cantaba y bailaba. Había mucha música alrededor. Nosotros empezamos prácticamente sin información. Veíamos MTV, vídeos, CDs que conseguíamos… y copiábamos. No teníamos la información que existe ahora.
—Y mezclabais estilos sin saber siquiera que estabais mezclándolos.
—Claro. Para mí todo era break. Yo hacía popping, locking, breaking… hacía un robot y de repente me iba al suelo, hacía un sixstep y después un backspin. Para mí todo era lo mismo porque nadie me había explicado que eran disciplinas distintas. Y eso después me dio problemas en las competiciones. Yo llegaba a las finales y no me votaban. Me decían: «Eres increíble, pero eso no es break». Y yo pensaba: «¿Pero qué pasa?». En aquel momento lo pasaba mal, porque yo me preparaba muchísimo y me encantaba competir, pero ahora lo veo como una bendición. Creo que aquel accidente, aquella falta de información, marcó muchísimo la hibridación posterior de mi vida artística.
—Tu lenguaje empieza, de alguna manera, por no saber que aquello no debía mezclarse.
—Totalmente. Y creo que eso se ha quedado conmigo. Siempre he tenido esa cosa de coger algo, utilizarlo y llevarlo hacia mi identidad. Si coges algo de alguien, dale la vuelta, hazlo tuyo. No copies simplemente.
—Y aparece Electro Duende. También ahí está tu padre.
—Mi padre nos consiguió un local en la asociación de vecinos para poder ensayar. Y Electro Duende era el nombre del grupo que él había tenido muchos años antes. Nosotros heredamos el nombre. Entrenamos durante bastante tiempo allí, muy metidos en Llera. Éramos unos chavales y prácticamente pensábamos que aquello que hacíamos era nuestro mundo entero…hasta que un día salimos…cogimos el hule que utilizábamos para bailar y nos fuimos fuera del barrio. Llegamos al parque del Pirulo, lo extendimos y empezamos a bailar. Y aparecieron los Transformers.
—…Los mayores…
—…Los mayores. Para nosotros eran increíbles. Nosotros éramos los niños que los mirábamos. Y ahí descubrimos que había otra gente en Badajoz haciendo aquello, que existía una escena. Después empezamos a movernos por otros lugares, el Centro de la Juventud, San Roque, los soportales… y empezamos a encontrarnos todos.
—Y aparece una historia estupenda sobre tu padre, al que algunos de aquellos bailarines ya conocían sin saber que era tu padre.
—Sí [ríe]. Los mayores contaban que años antes había aparecido por Las Malvinas un tío con muletas, los había visto bailar, se había bajado del coche, había hecho unos movimientos y se había ido. Lo contaban como una especie de leyenda: «Un día apareció un cojo con unas muletas que bailaba…». Y un día llegué yo con mi padre. Lo vieron y dijeron: «¡Hostia, este es!». Y yo: «Pero si es mi padre». Mi padre se puso allí a hacer sus movimientos y fue muy bonito porque de repente se unían aquellas generaciones.
—¿Cuándo empiezas a comprender que aquello puede convertirse en algo más que bailar con los amigos?
—No sé si hubo un momento concreto. Fue progresivo. Empezamos a ir a competiciones por Extremadura, después a Cádiz, Madrid, Barcelona… Viajábamos como podíamos, muchas veces sin dinero. Llegábamos a un sitio y preguntábamos si alguien podía dejarnos dormir en su casa. Y cuando salíamos nos preguntaban: «¿Pero en Badajoz se baila?». Pues sí. Se bailaba.
—Y empiezas también a buscar fuera del breaking. María Lama es importante en ese momento.
—Sí. Hubo una formación en la escuela de María Montero que para mí fue muy importante porque de repente empecé a conocer otras técnicas. Pilates, danza moderna, contemporáneo, calentamientos, estiramientos… María Lama estaba allí y para mí fue abrir muchísimo el prisma. Yo no dejé el breaking. Añadí cosas. Siempre he funcionado así. También hice salsa, BMX, gimnasia… Todo lo que me interesaba intentaba probarlo. Y a través de María llegó también mi primer contrato profesional en artes escénicas, con Teatrapo. Era un trabajo de circo y danza, un bestiario, y ahí empecé a entender otro tipo de escenario.
—Y poco después decides salir de Badajoz.
—Sí. Una amiga catalana que había conocido en competiciones me insistía: «Tío, tienes que venirte a Madrid». Me fui con unos veinte años. El primer año fue bastante duro. Yo pensaba que iban a suceder unas cosas y no sucedían. Castings, entrenamientos, arriba y abajo… y yo a mi familia tampoco le contaba todo. Les decía que estaba bien.
Entonces esta amiga me dijo que le había salido un trabajo en Brasil y que se iba para allá. Me propuso ir. Yo tendría mil y pico euros en el banco y me gasté unos novecientos en el billete. Me fui, pero el festival al que íbamos se canceló y yo me vi prácticamente solo allí. Estuve tres meses. Bailé muchísimo y viví situaciones muy locas. Mi hermano siempre me lo recuerda: «Tú te fuiste a Brasil y cuando volviste eras otro». Creo que ahí hubo un punto de inflexión importante. Era como pasar a la vida real. Y justo antes de volver a España recibí una invitación para la primera clasificatoria de Red Bull.
II. EL PUENTE. BAILAR ENTRE LAS COSAS
Dejamos las tazas de café, cruzamos Puerta de Palmas y empezamos a caminar. El segundo espacio exige movimiento. Nos detenemos en el Puente Viejo, sobre el Guadiana, con Badajoz repartido a ambos lados. Aquí encaja una expresión que Chey ha ido dejando durante la conversación y que termina explicando bastante más que su manera de bailar: «Yo siempre estoy como en los entres de las cosas».
Entre Mallorca y Badajoz. Entre quedarse y marcharse. Entre lo gitano y lo payo. Entre la danza urbana y la contemporánea. Entre una personalidad tímida e introvertida y el tipo que aparece cuando pisa un escenario. El puente no necesita demasiada literatura añadida. Estamos en medio y seguimos hablando.
—Repites mucho una palabra: entrenar. ¿Necesitas tener el cuerpo continuamente preparado?
—Soy un poco excesivo con eso. Pero me gusta mucho. Para mí hay algo casi espiritual en entrenar. Yo trabajo desde un lugar muy intuitivo. En otras partes de mi vida puedo ser muy mental, pero bailando no. Me interesa muchísimo la improvisación y creo que eso viene ya desde el breaking: treinta segundos de ronda, aquí y ahora, pim, pam. Necesito conectar el cuerpo. Trabajo con ejercicios somáticos, movilizo, utilizo la voz, la gravedad, la tensión… Necesito llegar a un determinado estado.
—¿Qué ocurre cuando llegas a ese estado?
—Que empiezo a escuchar de otra manera. Hay que conocer mucho tus ingredientes: tu cuerpo, cómo funciona respecto a la gravedad, al tiempo, a la tensión. Hay un pulso entre todo eso y también con lo que escuchas. Hay músicas que me conectan muchísimo y otras que no. Algunas las utilizo simplemente como un paisaje. Me dan una energía, una situación, un contexto, pero no las sigo. Para mí hay dos capas: música y cuerpo. La danza urbana normalmente está mucho más al servicio de la música. La danza contemporánea puede hacer prácticamente lo contrario, puede no utilizarla. A mí me interesa saber cuándo sí y cuándo no. Los volúmenes del cuerpo, del sonido, la intención… cuándo te dejo sentir lo que estoy sintiendo y cuándo no; cuándo te miro y cuándo dejo de mirarte. Todo comunica.
—Hablas del cuerpo como si almacenara información y supiera cosas antes que nosotros. ¿Has vivido algún momento en el que hayas sentido eso de una manera especialmente fuerte?
—Sí. Cuando murió mi padre. Fue un mes antes de la segunda Red Bull que gané. Mi padre falleció y al día siguiente me fui a entrenar al parque del Reloj. Estaban allí los chavales, que conocían a mi padre, y me miraban como diciendo: «Sabemos lo que ha pasado y estás aquí». Pero yo necesitaba drenar. Necesitaba moverme. Había una sensación un poco anestésica. Ese mes prácticamente no entrené. Pero yo había hablado con mi padre y le había dicho que iba a ganar otra vez la Red Bull. Llegué a la competición con una sensación de vacío. Allí un colega que también competía me enseñó unas palabras de un libro. No recuerdo exactamente la frase, pero venía a decir que el camino estaba hecho y que solamente había que tener la presencia suficiente para disfrutarlo. Me conectó muchísimo. Me puso la mano y me dijo: «Tienes el día, hermano». Y precisamente fue contra él contra quien competí en primera ronda. Cuando nos llamaron para salir estaban mi madre y mi hermano. Me giré hacia David y le dije: «Hoy gano». Mi hermano se puso a llorar. Y gané. Recuerdo que acabé y ni siquiera estaba cansado.
—La primera Red Bull también tiene una historia curiosa porque prácticamente nadie apostaba por ti.
—Sí. Invitaron a dieciséis personas a dedo. Había una web importante de la escena que hizo una encuesta para ver quién creía la gente que iba a ganar. Yo no tenía prácticamente votos. Fui con mi amigo Pablo, Mandarina, y él todo el rato me decía que iba a ganar. Y yo tenía una sensación parecida. No sé por qué, pero tenía mucha claridad. Empecé a pasar rondas y gané. A partir de ahí cambió bastante todo. Llegaron trabajos, Red Bull hizo un documental sobre mí, empezó a conocerme mucha más gente…Después fui a la europea y perdí en primera ronda porque estaba nerviosísimo. Pero en el propio documental dije: «Voy a volver el año que viene y lo voy a ganar otra vez». Volví. Y gané. Al final lo hice cuatro veces.
—Eso contrasta con la persona que tengo delante, porque hablas mucho de inseguridad y timidez.
—Sí. Yo soy bastante inseguro. Soy retraído, muchas veces pienso que puedo molestar, me echo para atrás…Pero también tengo una parte muy valiente. Cuando doy el paso, voy. Y en escena sucede todavía más. Ahí suelto los topes. Me considero una persona expansiva, aunque luego en mi vida tenga esas resistencias. Además, desde pequeño he vivido cambiando de lugares, de casa, de un sitio a otro. Tengo una relación muy fuerte con estar entre las cosas. Soy mestizo, mi madre es gitana… Siempre he sentido que estoy un poco entre lugares.
—También entre danza urbana y contemporánea. ¿En qué momento empiezan a mirarte desde el otro lado?
—Tampoco fue un salto consciente. Cuando apareció Instagram, un amigo prácticamente me obligaba a subir cosas. Incluso me las subía él. Y empezó a pasar algo curioso: gente que veía mis vídeos pensaba que yo hacía danza contemporánea. Yo no hacía contemporáneo. Lo que sucedía es que mi breaking tenía cosas muy limpias, muy controladas, probablemente por toda la mezcla con popping y otros lenguajes. Y comenzaron a llamarme. Trabajé con diferentes creadores y empezaron a aparecer oportunidades. Hasta que Bernabé Rubio me preguntó un día: «¿Tienes un solo?». Y yo le dije que no. «Pues hazlo», y lo hice.
—Y aparece Agua.
—Sí. Agua fue mi primer solo. A partir de ahí empezaron a pasar muchas cosas. Iba a certámenes, festivales… A veces no ganaba el premio económico, pero te llevabas actuaciones. De repente aparecía Singapur, Japón, Israel…y aquello empezó a crecer. Para mí fue también una manera de empezar a entenderme como creador, no solamente como bailarín.
—Hasta trabajar con compañías como Peeping Tom. ¿Qué queda en ese Chey de aquel chaval del hule y las batallas?
—Todo. No lo separo. Creo que por eso tampoco me interesa demasiado distinguir entre urbano y contemporáneo. Hay cosas de ambos sitios que me interesan y otras que no. A veces pienso que la propia danza contemporánea se ha creado su propia tumba por ser excesivamente compleja. No hablo de todo el mundo, obviamente, pero tampoco hay tantas compañías proponiendo algo realmente híbrido. Hay muchísima cosa ortodoxa y puede ser maravillosa. A mí me encanta ir a un sitio y que algo me genere preguntas, sentir cosas a través del cuerpo. Pero yo no hago exactamente eso. A mí me interesa más confundirte. Darte algo, quitártelo otra vez, pegarte un viaje. Una de mis grandes referencias es el teatro. El teatro hace eso. Me interesa coger esos ingredientes, descontextualizarlos y llevarlos al cuerpo. Si tengo que utilizar humor, utilizo humor. Si tengo que utilizar absurdo, lo utilizo. Por eso creo que el cuerpo que estoy proponiendo es híbrido.
III. EL BALUARTE. EL CUERPO QUE YA SABE QUIÉN ES
Subimos al baluarte para la tercera parte. La ciudad queda alrededor y la conversación ha llegado al Chey de ahora. No al currículum, aunque el currículum esté ahí; tampoco a los premios o a las compañías con las que ha trabajado. Cuando preguntamos por el presente, Chey vuelve inmediatamente a una pieza propia. Marea Weekend.
El nombre pertenece a un coche familiar. Un Fiat. El de los primeros viajes, las idas y vueltas y una infancia que ya apareció al comienzo de esta conversación. Ahora aquel vehículo reaparece convertido en una obra con 59 cajas, un suelo rojo, tres personajes y una familia transformada en material escénico.
—Hablemos entonces del Chey actual. De Marea Weekend.
—Marea Weekend se llama así porque era el coche que teníamos en mi familia, un Fiat Marea Weekend. Era el coche con el que hacíamos nuestros primeros viajes. Nos movíamos continuamente de un lado para otro. La escena está llena de cajas, todas del mismo tamaño y vacías, y representan un poco ese estar en los «entres» de las cosas. Ni en un lugar ni en otro. Eso me marca muchísimo. Es una obra muy autobiográfica. Siempre hago obras que tienen mucho que ver con el periodo de vida en el que estoy. Ahora estoy en un momento en el que me cuestiono muchas cosas. Valoro muchísimo la vida tan increíble que llevo, pero también siento la necesidad de estar más en los lugares. Y cuando digo lugares, digo gente. Estar más con la gente.
—Es curioso que después de una vida moviéndote estés pensando precisamente en estar.
—Sí. Creo que estoy en un momento de vida así. Marea Weekend tiene un germen de hace unos seis años, pero lleva mutando realmente unos dos. La obra está continuamente hablando de decir adiós y decir hola. ¿Quién voy a ser en el lugar al que llegue? ¿Quién quiero ser? Está continuamente entrando y saliendo. Hay cosas muy ocultas, pero al mismo tiempo es una pieza muy liviana y de repente te golpea y te deja un poco descolocado. Y me gusta porque creo que es muy yo.
—¿Cómo construyes algo tan personal?
—Para mí es muy importante dejar que las cosas se repitan. No intento forzarlas demasiado. Algo aparece, se repite, vuelve a repetirse… y entonces digo: «Vale, aquí tiene que haber algo». Y empiezo a hacer zoom. Cuando empiezo a mirar ese estar entre lugares, los viajes, las mudanzas, ni demasiado una cosa ni demasiado otra, ni payo ni gitano… empiezo a encontrar imágenes que me interesan. Yo soy muy visual, me interesan muchísimo los colores, los tonos, los acabados, además tengo una especie de autorregla: intento hablar de mí como si no fuera un ser humano, sino un objeto. Mi obsesión con la danza la llevo al espacio y ahí aparece también otra parte mía muy cuadriculada.
—Intuitivo bailando y bastante obsesivo construyendo.
—Muchísimo. Esta pieza, por ejemplo, tiene muchas cosas geométricas. Es un espacio muy nítido, con un suelo rojo muy vivo, una televisión en proscenio y 59 cajas al fondo. Las cajas aparecen casi como los viajes que he hecho. Yo dibujo mucho. Pienso mucho en la simetría, en cómo están colocadas las cosas. Somos tres personajes.
—Y en esos tres personajes empieza a aparecer tu familia. Tu madre está de una manera muy concreta.
—Sí. El personaje de Fernando está muy inspirado en mi madre. Va con una malla que le cubre completamente el cuerpo, como si fuera un superhéroe sin identidad, y está mimetizado con la misma textura y el mismo color del suelo. Él es el espacio. Articula todo, mueve las cajas, pero no tiene voz. Simboliza un poco el rol de mi madre. Después estamos Alberto y yo. En mi personaje también hay muchas cosas relacionadas con mi padre, con las situaciones que vivió, con el derrame cerebral, las caídas, las limitaciones de la parte inferior del cuerpo…es curioso porque yo me dedico precisamente al cuerpo y mi padre tuvo toda esa relación con la limitación física. De ahí saco muchas fisicalidades y maneras de moverme.
—Y el personaje que construyes desde tu padre no es únicamente la enfermedad.
—No. Es un personaje que va pasado de vueltas, que va siempre por delante, que ama incondicionalmente. Es alguien que está en boca de todos, pero nunca está. Hay muchas cosas ahí.
—¿Y Alberto?
—Alberto tiene algo más del personaje niño, del que está aprendiendo. Es una especie de acomodador de cine antiguo. Entra con la gente, los acompaña, lleva su linternita… Es muy caballeroso, muy respetuoso, pero al mismo tiempo es irascible e impredecible. Además hay algo visual muy divertido porque yo soy bajito y él mide dos metros. Me encanta jugar con esas perspectivas, cambiar el orden de las cosas. Todo sucede en un lapso de tiempo muy corto. Desde que a mi personaje lo atropellan hasta que muere. Ese es el tiempo de la obra.
«De aquí no para de salir oro»
Desde lo alto del baluarte regresamos a Badajoz. No a la postal, sino a la ciudad cultural en la que Chey empezó a bailar y a la que continúa regresando después de encontrarse extremeños trabajando por medio mundo.
—Quiero hablar de Extremadura. No porque tú estés o no estés en un festival determinado, en un evento de batalla de gallos o cualquier evento de danza, sino por lo que está pasando con la danza, con la creación y con quienes intentan hacer cosas aquí. ¿Cómo lo ves?
—Parto de una cosa: aquí hay un talentazo inmenso. De aquí no para de salir oro. Y no lo digo por mí. Me inspira muchísima gente de aquí y me la encuentro por el mundo continuamente. Incluso a veces conozco a alguien fuera, descubro que es extremeño y pienso: «Guau, viene de mi tierra y ni siquiera lo conocía». Pero creo que aquí hay una indolencia contagiosa. Hay muy poca gente activando continuamente y una enorme marea de desidia que termina opacando todas esas pequeñas chispas que aparecen. Tenemos que seguir remando.
—¿Y la responsabilidad empieza también arriba?
—Para mí es importante que la gente que tiene un poco más de poder, repercusión, un gremio detrás o representa un sector esté en los sitios. Si tú estás en los sitios, tu gente va a ir a los sitios. Yo noto, por ejemplo, que hay chavales que pueden sentirse inspirados por mí. Si voy a un evento y lo comparto, quizá consigo que otros chavales que me siguen también vayan. Hay un efecto dominó. La gente puede tener sus excusas, pero quienes están encabezando determinadas cosas tienen también una responsabilidad.
—Sin embargo, sí ves movimiento.
—Sí, por supuesto. Hay gente aquí haciendo un papel crucial para que esto no baje. Y, por ejemplo, todo el sector de danza coreográfica, hip-hop coreográfico y demás funciona muchísimo. Hay un montón de escuelas, gente nueva continuamente, niños que empiezan, que viajan…y yo me alegro muchísimo. No es exactamente mi rollo, pero me parece genial. Me encantaría que eso pasara también en otros sectores.
—¿Y tú? Después de tantos viajes, ¿te imaginas abriendo algo aquí?
—Muchas veces me han dicho: «Vente aquí, monta algo, haz esto…». Sé que en determinados lugares probablemente sería más fácil. Pero hay una parte de mí que tampoco sabe si quiere meterse en determinados berenjenales y estar luchando continuamente. A mí me gusta abrir fronteras nuevas, cuando algo me mueve de verdad, cuando siento un pálpito, lo hago, aunque sepa que va a suponer el triple de esfuerzo.
Fuera del escenario
Ya hemos recorrido los tres espacios y la entrevista podría terminar aquí, pero seguimos hablando. Después de tantas horas dedicadas al cuerpo queremos saber qué entra en la cabeza de Chey Jurado cuando no está bailando.
—¿Qué escuchas, qué ves, qué lees? ¿Qué cosas terminan entrando también en tu trabajo?
—Muchísimo. Últimamente estoy muy impactado por todo el trabajo de Wes Anderson.
—Después de escucharte hablar de geometría, simetría y composición, tenía que aparecer.
—Claro. De hecho, a veces me dicen: «Tío, tú eres muy Wes Anderson». Porque yo puedo ser muy caótico, pero después necesito esa otra parte. Me interesan mucho los contrapuntos. En sus películas funciona muy bien esa retención de las emociones que, precisamente por estar contenidas, te hacen sentir muchísimo. Y después mete humor. Me reconozco bastante ahí. También me encanta la animación, Studio Ghibli, el anime…y una de las últimas películas que he visto es Paprika. Es una ida de olla. Me siento bastante identificado con eso. Creo que hay un contrapunto interesante: puedo ser muy Paprika, muy caótico, muy intuitivo, muy perceptivo, romper la realidad… sobre todo cuando bailo. Y después tengo otra parte interior muchísimo más cuadriculada, muy estética, muy obsesiva, conviven las dos.
—¿Musicalmente?
—Escucho muchísimas cosas. Ahora, por ejemplo, Paco Amoroso y Ca7riel. También Milo J, Bejo…me interesa mucho la gente que coge algo que parece que ya está hecho y consigue darle otra vuelta. Eso me fascina. También me interesa el jazz precisamente por lo impredecible, aunque muchas veces me interesan especialmente las mezclas del jazz con el hip-hop. Y escucho música clásica, puedo estar trabajando en el estudio y poner algo que me lleve a un sitio completamente absurdo o a un lugar melancólico.
—¿Y leyendo?
—Pues mira, lo último que he leído ha sido El Principito. Y me ha fascinado. Hay algo en esa simpleza, en ese mundo onírico, que me encanta. Es un libro que puedes leer de pequeño y volver a él de adulto. No sabes muy bien dónde colocarlo. Parece una cosa y es otra. Y luego hay un libro que se llama El arte de la improvisación, de un trompetista cuyo nombre ahora mismo no recuerdo. Lo he leído varias veces. Parece que habla de música, pero para mí habla de la vida.
—Y terminamos otra vez en la improvisación.
—Claro. Al final está en todo. En la música, en el cuerpo, en cómo reaccionas a algo que ocurre en escena, en la vida…puedes tener muchísimo trabajo detrás, muchísima técnica, entrenar todos los días, preparar el cuerpo… pero después llega un momento en el que tienes que soltarlo…y jugar.
Willy López / Félix Méndez
