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James Nachtwey «Premio Princesa de Asturias de Comunicación»

«El mayor deseo de cualquier fotógrafo de guerra es quedarse sin trabajo» James Nachtwey

El fotoperiodista estadounidense James Nachtwey conocido por sus cuatro décadas de trabajo en guerras, campos de refugiados y ciudades castigadas por catástrofes naturales o ataques terroristas, ha sido galardonado hoy jueves con el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2016. Es la primera vez que un fotorreportero recibe el galardón en esta categoría. Dos veces ganador del World Press Photo (1992 y 1994) y con cinco Medallas de Oro Robert Capa (1992, 1993, 1998, 2001 y 2008), entre otros galardones, Nachtwey es uno de los más reputados fotoperiodistas y reporteros de guerra en activo.

A Nachtwey, que vive en Nueva York, casi le han despertado desde la Fundación Princesa de Asturias para comunicarle este reconocimiento: «Es un honor recibir el premio y estar en compañía de tantas personalidades y organizaciones sobresalientes que han sido fuente de inspiración e influencia tanto para mí como para millones de personas», ha dicho. Entre las imágenes más icónicas de Nachtwey, se encuentra el primer plano de perfil que tomó a un joven hutu en Ruanda, en 1994, cuyo rostro está atravesado por las cicatrices de los machetazos. Esta imagen ganó el premio World Press Photo ese año.

El presidente del jurado, Víctor García de la Concha, director del Instituto Cervantes, ha destacado en el fallo que el fotoperiodista estadounidense (Siracusa, Nueva York, 1948) está «considerado uno de los mejores reporteros gráficos de guerra de las últimas décadas». El jurado ha valorado en Nachtwey «su compromiso profesional», que «le ha llevado a cubrir una treintena de conflictos bélicos y crisis humanitarias sin abdicar de los principios éticos del informador, ni maquillar el dictamen de la cámara». García de la Concha ha concluido que «como lúcido testigo del sufrimiento humano, su magisterio se extiende a varias generaciones de fotoperiodistas de todo el mundo».

«Lo vi entre la multitud, comenta Félix Méndez en Idomeni, él observaba al resto de fotógrafos, yo el observaba a él. Entendí parte del oficio viendo como Nachtwey esperaba con calma que el resto de compañeros desaparecieran, necesitaba sentirse sólo entre tanta dureza»

Morenatti ha subrayado de su colega que, aunque lleva cuatro décadas de trabajo, aún continúa vinculado al oficio. «Acaba de llegar de la isla de Lesbos, en Grecia, de cubrir las historias de los migrantes». Morenatti (Zaragoza, 1969), que ha fotografiado conflictos en Oriente Próximo, Pakistán o Afganistán, ha agregado que Nachtwey es además el autor del «mejor libro de la fotografía moderna, Infierno, en el que cuenta 10 años de conflictos. Es la Biblia de los fotoperiodistas». Por último, ha querido llamar la atención de este premio «en un momento en el que la profesión de fotoperiodista está denostada, porque la apuesta que se hace hoy no es la misma de hace años. Hoy, el fotorreportero tiene que hacer también vídeo, audio y texto… eso hace que pierda concentración en lo que debe ser su principal dedicación».

Nachtwey se graduó en Historia del Arte y estudió Ciencias Políticas. La vocación de fotógrafo le llegó con las imágenes del movimiento por los derechos civiles de los negros en Estados Unidos y las de la Guerra de Vietnam. Otra razón fue las pinturas de Goya de los Desastres de la guerra. «Considero a Goya el padre de los fotógrafos de guerra», dijo. Este autodidacta que ha disparado sobre todo en blanco y negro comenzó a trabajar como fotógrafo de prensa en 1976, en Nuevo México (Estados Unidos ), y cuatro años después se instaló en Nueva York. Su primera salida al extranjero como fotógrafo fue en 1981, para cubrir el conflicto de Irlanda del Norte, durante una huelga de hambre de miembros del IRA. Desde entonces, ha cubierto casi todas las guerras y conflictos. En 2003, resultó herido gravemente cuando fotografiaba la guerra de Irak para Time, al ser atacado en Bagdad el comando con el que viajaba.

Documental nominado al Oscar

Miembro de la agencia Magnum de 1986 a 2001, en ese año fundó, junto con otros compañeros, la Agencia VII. Sobre él y su obra, versa el filme War Photographer, que fue nominado en 2002 al Oscar al mejor documental y que cuenta los dilemas a los que se enfrentan los que se dedican al periodismo de guerra.

La candidatura de Nachtwey fue propuesta por el vicedecano de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra, Jordi Rodríguez Virgili, y se ha impuesto a las del guionista estadounidense Aaron Sorkin, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México) y el biólogo y especialista en evolución Francisco Ayala. Al igual que los otros siete premios que concede la Fundación Princesa de Asturias, el galardón, que será entregado durante una ceremonia en el Teatro Campoamor de Oviedo en octubre, está dotado con la reproducción de una escultura diseñada por Joan Miró y 50.000 euros.

Texto. Willy López / Burgui EFE Fotos. James Nachwey / Félix Méndez

24 de mayo de 2016
Rudolf Gerstenmaier «Recambios de coches alemanes por obras de arte español»

Un alemán que llega a España haciendo autostop, sin un duro y sin trabajo, termina siendo uno de los mayores coleccionistas de arte de España. No es una leyenda, ni la historia de una fábula anónima. Se trata de una historia basadas en hechos reales. Trabajo, algo de suerte, y mucha pasión por la cultura española. Senderos a la Modernidad, la excelente colección de pintura española de los siglos XIX y XX, que lleva recibiendo numerosas visitas desde el mes febrero en el Museo de Bellas Artes de Badajoz, es fruto de la pasión que tiene nombre y apellidos; Hans Rudolf Gerstenmaier. Calidad humana y exquisitez pictórica. Rodolfo, como castellanizan sus amigos, pudo gracias a la venta de su negocio de recambios de automóviles alemanes, adquirir obras de pintores flamencos, como Carlos de Haes, uno de sus favoritos, artista belga que emigró a España para retratar paisajes con muy mala crítica y fortuna, la antítesis del viaje realizado por Gerstenmaier. El coleccionista alemán nos recuerda el destino innato que tenemos los humanos de coleccionar cosas, da igual el qué, sellos o pinturas de Zuloaga, Anglada Camarasa, Sorolla o Nonell. Lo importante es reivindicar el panorama cultural español, el MUBA durante estos meses lo lleva haciendo con las magníficas obras de pintura española del siglo XIX y XX. Con acento teutón y su mirada tierna de retazos azules nos emplaza a una nueva visita a su casa madrileña donde no existe un centímetro de pared sin la belleza del óleo.

Antes de conocer en profundidad la colección Senderos a la Modernidad, nos gustaría saber cómo llegó a España

Llegué a España después de hacer autostop y coger un autobús…[Ríe]… mi primer destino fue Calella, un pueblito costero de Barcelona. Me llamó la atención que cualquier oportunidad era buena para invitar a champagne y pensé que la gente en este país era rica…[Ríe]…que era un paraíso para vivir. La realidad era distinta. Tras algunos días allí entablé amistad con gente de Hamburgo que me abrió las puertas para trabajar en Barcelona. Poco después vi que no había mucha actividad en la ciudad condal y cogí un tren para Madrid….recuerdo perfectamente a los soldados que me dieron algo de comer…[Ríe]

…me está diciendo Rudolf, ¿Qué no tenías para comer?

Se pasaba hambre. Pero fue en Madrid donde tuve la buena suerte de crecer. Encontré un trabajo donde ganaba 5000 pesetas, un sueldo bueno para tirar hacia adelante y poder disfrutar de la vida social y cultural de la capital.

«Llegué a España después de hacer autostop»

¿En qué empresa trabajaba?

En una industria de camiones, y fue allí donde me di cuenta de las posibilidades que tenía el negocio de recambios. Tras un tiempo en esta empresa, me compré un pisito y me establecí por mi cuenta con los recambios de automóviles alemanes, como BMW, Mercedes o Wolswagen, y funcionó de maravilla. Tanto que llegué a tener un grupo de 150 colaboradores empleados con 30 delegaciones en todo el territorio nacional. Ese es el motivo real por el que hoy en día vivo entre los “cuadritos”…[Ríe]…

¿Supuso un gran esfuerzo entonces el llegar a tener la extensa colección de pinturas que ahora posees?

El trabajo es una cuestión muy seria, pero por encima de todo, tienes que creer en el trabajo, tiene que ser uno de los amantes que tienes en la vida. Si no tienes entregas la cosa no funciona, se debe buscar pasar las ochos horas de trabajo sin que sea una esclavitud.

Pero Rudolf, no siempre puede suceder eso, encontrar una estabilidad emocional y laboral a la vez.

Sí, es verdad, pero se debe luchar siempre por buscar esa ecuación. Hay que ser positivo.

Se enamoró de aquella España, de su cultura y forma de vivir pero ¿Es posible que se beneficiara de la situación de España, de este país en aquellos años 60, para encontrar esa ecuación?

España para mí es un milagro, la historia de este país es tan cercana (Felipe II, Carlos V…) que no me parece que sea así, tuve mucha suerte y supe trabajar y moverme para tener una empresa potente sin que afectase a mi vida social española.

«El trabajo tiene que ser uno de los amantes que tienes en la vida»

Y ahora hablando de arte, de su colección, ¿Qué factores se deben tener en cuenta para comprar un cuadro?

Yo creo que los amores siempre están conectados con el flechazo…influyen ciertas cosas, que para un coleccionista son básicas, primero la procedencia del cuadro, la obra por encima de todo tiene que ser autentica, y esa autenticidad se realiza a través de la recomendaciones, del vendedor, publicaciones para confirmar la legitimidad del autor. Hoy en día un cuadro de Sorolla sin la confirmación de estos aspectos, por ejemplo, pierde validez.

Además de coleccionar pinturas flamencas de los siglos XV al XVIII ¿Por qué decide coleccionar obras del impresionismo español?

Las obras de Sorolla, Camarasa, Zuloaga, Solana, son pinturas que a mí me trasmite mucha fuerza. Considero que un tipo de pintura que tiene un elevado nivel artístico y que refleja de manera majestuosa la forma de ser de los españoles, sus paisajes su estilo de vida…[Ríe]…es como una fotografía sutil y ondulante de este país.

«La obra por encima de todo tiene que ser autentica»

¿Cuál es el cuadro de la colección Senderos de Modernidad que más le atrae?

No puedo decir que me guste alguno en concreto. Me gusta muchísimo Aureliano de Beruete, Anglada Camarasa. Lo importante es que cuando estés delante del cuadro con la luz correcta, encuentres una armonía entre la obra, su historia y su belleza.

Entrevista. Willy López / Fotografía. Félix Méndez

17 de mayo de 2016
Fernández de Molina «Extremadura pintada con pinceles japoneses»

Javier Fernández de Molina nos recibe:

1. Agazapado en el ovillo que desprende el humo de sus Ducados.

2. Salpicado por el agua que brota del Guadiana de su mural recién pintado en el Espacio COnvento.

3. Invadido por la gota que recorre su rodilla en forma de cojera con sfumato.

4. Escondido por la timidez de la bombilla.

5. Vacilante con el peso metalúrgico del catálogo de la exposición

6. Despistado entre las equis que tachar en la agenda de Begoña

7. Alejado de sus gafas, a centímetros de distancia entre sus ojos y las dioptrías acumuladas por el óleo.

8. Adaguerrotipado por las instantáneas de la caja negra de su vuelo artístico

9. Preocupado por los brillos de la luz sobre los cristales de sus obras. Algunos gatos le maúllan, gritan y orientan a su creador en su subida por la escalera hacia la zona del Gastro Club.

9 bis. Nostálgico de sus inicios en la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz con sólo nueve años de vida.

10. Sonriente. Vivo. Cómplice. Polifemo. Inquieto. Activo. Complaciente. Cómico. Artista. Pintor.

Elijan la que quieran. Sólo la primera y la última son correctas. Ninguna es válida. Todas son ciertas. Tienen una hora. Saquen sus pinceles y comiencen la entrevista.

Le muestro una foto de una carpeta de láminas que se realizó en el 1992, con artistas como Frade, Costillo, Montoya, Piris entre otros…le comento que es mi río particular, en la lámina aparece un una especie de anzuelo que retiene a un pez entre las ramas de la orilla…es mi interpretación le comento…

…La pintura es la que es, cada uno su interpretación de lo que está viendo. Cada uno posee una sensibilidad.

Aunque suene algo contradictorio ¿Te quita tiempo las exposiciones para pintar?

Las exposiciones si se hacen bien llevan tiempo. Aunque yo realmente nunca pinto para exposición en concreto. Yo pinto, me dedico a pintar a diario, y una vez se confirma la exposición selecciono las series.

…y para llegar a realizar esas series ¿Qué rutina, qué mecanismo tienes para trabajar?

[Ríe]…yo he pintado siempre con música, aunque ahora estoy en una fase que pinto sin música. Depende de la época cambio mis hábitos. Hace tiempo que me tiré pintando siempre de noche, pero ahora me pongo a las cinco de la mañana a trabajar. Después aprovecho mis clases para seguir pintando y consultado sobre pintura.

En esta ocasión, en la exposición que presentas en el Espacio COnvento de Badajoz ¿Qué nos traes?

El enfoque de esta exposición tiene la intención de reflejar mi obra integrada en las características tan especiales del edificio. Y tomé la decisión de presentar obras realizadas sobre papel, nada de lienzos y otros formatos, para que compactaran con las salas del Espacio COnvento. Para jugar con los cristales, reflejos y las sombras del edificio y realizar un recorrido donde se puedan apreciar las piezas de gran tamaño.

Has realizado un mural ex profeso para la exposición en una de las paredes del Espacio…

…Si, querían que dejara ese recuerdo, representa mi visión de la ciudad, con el Guadiana como protagonista y las fortificaciones que le rodean.

“Hace tiempo que me tiré pintando siempre de noche, pero ahora me pongo a las cinco de la mañana a trabajar”

El Guadiana siempre presente en sus obras…

…Yo viví la época donde vivíamos en el río, íbamos a pescar, a bañarnos, vivíamos con el Guadiana. Actualmente vivo casi en la orilla y es lógico que esté en mis series.

De su primera etapa como estudiante de la Escuela Superior de Bellas Artes «Santa Isabel de Hungría» en Sevilla ha pasado mucho tiempo…¿Cómo ha evolucionado su obra?

En más de cuarenta años mi obra ha cambiado, aunque no la esencia. La ciudades y las amistades cambian…o se mantienen…[Ríe]…lo importante en mi obra ha sido mantener el ritmo de trabajo y el espíritu. Mi obra va paralela a mi propia evolución como persona.

…¿Influye mucho el sitio, las ciudad, el espacio donde vive en la creación de su obra?

Bastante, de hecho tengo series dedicadas a ciudades que he visitado como Lisboa, o de lugares donde vivo. Aunque no es un factor que me haga modificar mi obra. Depende más de mi estado de ánimo en general. Puedo estar un año o dos trabajando una serie sin que me influya mucho el entorno.

Javier, ¿Sigues estudiando a otros autores para seguir investigando el arte?

Claro que sí…[Ríe]…yo he estudiado mucho historia del arte y sigo viendo a autores contemporáneos…aunque últimamente estoy más pasota en esto…[Ríe]…

“La poesía de Ángel Campos se dejaba diluir en mi pintura”

…¿Tus influencias?

Es una pregunta que podría estar respondiendo una hora…son tantos…desde el pintura rupestre hasta Picasso hay muchos. Por ejemplo, a me interesa mucho la pintura japonesa y puede que sea influyente en mi cuadros, supongo.

¿Tu estilo abstracto y con muchas referencias figurativas es fácil de digerir por el espectador español?

Quizás la etapa de la dictadura fue bastante cutre en cuanto arte se refiere, mientras que artistas americanos y de otras nacionalidades ya trabajaban este tipo de pintura haciendo que el público apreciara sus obras complejas mucho antes. Hasta después de la transición, la gente de El Paso y el arte abstracto no llegaron al país. Pero eso no quita que el público español no entienda este tipo de arte.

Hablando de arte, siempre se ha rodeado de artistas, músicos como Gecko Turmer, escritores y poetas como su amigo Ángel Campos…

Excelentes artistas y excelentes personas. He trabajo en miles de cosas con el bueno de Ángel Campos, su poesía se dejaba diluir en mi pintura.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de mayo de 2016
Open the Borders

Mueren en la carretera, tratando de pasar las fronteras, para evitar los obstáculos. Se pierden en el mar o en el límite cartográfico de la frontera, se ahogan en un mapa mudo pintado con soberbia, sangre seca de batallas y tinta podrida

Antonio Muñoz Molina escribe sobre esta esquizofrenia humana; “Mirando lo que no se puede mirar” y comenta que la actitud de un testigo ante el espectáculo del horror que unos seres humanos pueden cometer contra otros la definió mejor que nadie Goya en el título de uno de sus Desastres de la guerra: “No se puede mirar”. No se puede mirar y al mismo tiempo no hay modo de apartar los ojos.

Idomeni, un lugar que hace días ni conocíamos de su existencia, se convierte en ese espacio donde no se puede mirar y al mismo tiempo no hay manera de quitar la mirada. Desde allí, desde la isla griega de Lesbos, desde muchos puntos transfronterizos de Grecia, Chipre, Turquía o Macedonia, más de 4,5 millones de refugiados sirios según los cálculos de la ONU, sueñan con seguir soñando cada noche y gritan para escapar del incubo que supone ver sufrir a los niños que han traído a este mundo. Más de 250.000 ya no podrán hacerlo.

Sebastiâo Salgado, escribía en su prólogo de Éxodos, que los refugiados y las personas desplazadas, a diferencia de los emigrantes, no sueñan con una vida diferente. Suelen ser gente corriente, civiles inocentes, en el lenguaje diplomático, campesinos, estudiantes o amas de casa que se ven obligados a compartir un mismo destino por culpa de la represión o de la guerra. De repente, además de perder sus hogares, sus trabajos e incluso a algunos de sus seres queridos se les despoja también de su identidad. Se convierten en gente que huye, caras que salen en televisión o en las fotos de prensa, números en un campo de refugiados, brazos extendidos esperando comida en colas. Es un contrato social cruel: a cambio de su supervivencia entregan la dignidad.

Desde allí, desde esas fronteras repletas de refugiados, las noticias se reciben entre lágrimas. Las iniciativas son muchas y variadas para fatigar lo máximo posible la realidad de los desplazados, para entretener la dignidad a la que hace mención el fotógrafo Sebastiâo Salgado, mientras se mantiene inerme el orgullo de los gerifaltes europeos.

Atenaza la garganta de nuestros cuellos ver la imagen congelada, la estampa del horror que supone observar la impotencia de madres y padres en un limbo geográfico, de sentir en su desazón, el miedo que debe suponer abandonar un hogar bombardeado y de percibir un futuro con olor a metralla para sus hijos.

Hace daño ver a esos hijos, los niños, los que siempre aparecen en las instantáneas de los fotoperiodistas, las que se pueden ver en las fotos de Mai Saki y Félix Méndez. Hace daño comprobar que en todos los conflictos bélicos, migraciones y éxodos humanos, los niños ocupan gran parte de este sufrimiento. Son los que abanderan el miedo, el frío, el llanto, la ausencia, el dolor, la sonrisa ingenua, las balas y alambrada de espinos en el cristalino de sus miradas, aquella a la que no se puede mirar y al mismo tiempo no hay modo de apartar los ojos.

Jean Cocteau “Lo malo de nuestro tiempo no es la estupidez, pues siempre la ha habido; lo malo es que hoy la estupidez piensa”

Fotos. Mai Saki y Félix Méndez | Texto. Willy López

8 de mayo de 2016
Julián Hernández «El trepa de Siniestro Total»

Germán Coppini ya había hecho las maletas, no las del cielo, las de su nuevo grupo, Golpes Bajos. En la portada quedaban tres tipos, Alberto Torrado y su guitarra, Miguel Costas y Julián Hernández subidos en una BH Gacela con pantalones pistachos y camisetas de seda hawaianas sacadas de la mercería de Novedades Carminha. Menos mal que nos queda Portugal se llamaba el vinilo. Disco que rogaba al señor que los iluminara, a Keke Rosberg que corriera un poco más rápido, como la nicotina y que se menease el bullarengue. Seis o siete himnos del rock nacional de una tacada. (Aviso para nuevas formaciones pseudorockeras). Y de ese Portugal muchas horas en furgoneta por caminos no dibujados en los mapas. Mientras, y a la espera de la prueba de sonido, en la Sala Mercantil un rodaje de los hermanos Marx. Un tenderete con dimensiones de Galerías Preciados y Merchandising con cola. Un David quitando cuadros, el otro vendiendo la última entrada. Un fotógrafo y un redactor de mudanzas con un diván y escenario de focos y nada de humo por orden expresa del cantante, antiguo batería de Siniestro Total. Soy un trepa, musita con acento gallego Julián Hernández, mientras se acomoda en el taburete del entrevistado. Ya tocaba venir por estas tierras, miña terra extremeña…

Tras daros un “paseo” por Portugal…de un lugar remoto como Galicia a otro como Extremadura para tocar con Siniestro Total…

…[Ríe]…bueno Galicia tiene donde tiene que estar, como decía un torero sevillano que después de una corrida en La Coruña le preguntaron que cómo se iba tan pronto a un sitio tan lejos…al que respondió que Sevilla tiene que estar donde tiene que estar…lo que está lejos es esto…[ríe]…

De tour por la región con “El mundo da vueltas”…se os ve deprimidos, se os ve cabizbajo, nosotros tenemos un glamour del carajo…

…[Ríe]…es una canción pre apocalíptica, muy optimistas no somos ¿eh?…teníamos que traer estos temas a Extremadura después de tanto tiempo sin pisar esta tierra.

» Teníamos que traer estos temas a Extremadura después de tanto tiempo sin pisar esta tierra»

¿Un disco de vinilo a estas alturas?

Si un disco de vinilo de 10 pulgadas con ocho canciones, queremos que suene a disco de toda la vida, al rock de siempre, aunque luego no lo compre ni Dios.

Rock de siempre, con las míticas canciones de Siniestro, suponemos que es lo que quiere escuchar en cada concierto de vuestra gira

Es un público ya con años, que nos lleva escuchando años, quieren saborear las canciones que marcaron la época del nuestra banda con nuestras letras irreverentes, de eso nos nutrimos

Irreverentes y llena de barbaridades que se han convertido en verdaderos himnos ¿Se podría sacar un disco con canciones como Ayatollah, bailaré sobre tu tumba, Todo por la napia, ¿Qué tal homosexual? O Hoy voy a asesinarte en el 2016?

Las cosas son un poco distintas, es verdad que con tanto debate sobre el límite del humor, uno termina cansado. Nosotros creamos con una libertad sin problemas, ahora sí da la sensación que cualquier tema que tomes con ironía puede molestar en demasía, y elementos que se utilizan políticamente como cabeza de turco, pueden pasarte malas pasadas. Las redes pueden ser muy perjudiciales en ese sentido. Pero nosotros somos unos marcianos, seguimos haciendo lo que nos da la gana.

Has pasado toda una vida como músico, como componente de Siniestro… ¿Asusta, reconforta, o ambas cosas a la vez?

¡Son demasiados! Las condenas en España no sobrepasan los treinta años…y nosotros ya lo pasamos, ósea que tenemos una prórroga muy cruel, lo tenemos asumidos…

…volvéis a la catacumbas

Nosotros nunca fuimos un grupo de la hostia, de estadios y barrabasadas del tipo, éste es nuestro hábitat natural, sí es cierto que lo de las catacumbas es una cosa que decía el dibujante Miguel Ángel Martín…hemos vuelto a las catacumbas, pero que es sitio que no deberíamos haber salido…pero no pasa nada…nosotros ya estábamos aquí…luego lo que ha sucedido con las música estos años en España ha sido aún más complicado, complicadísimo con el 21% de IVA cultural como la punta del iceberg.

«Pero nosotros somos unos marcianos, seguimos haciendo lo que nos da la gana»

Habéis hecho siempre lo que ha venido en gana, esa libertad

La libertad es muy cara, si haces lo que te da la gana…es caro…si decides entra dentro de ceder con cosas que te hacen ganar más pasta, sin duda puedes ganar más dinero, pero sinceramente no sé si merece la pena porque luego todo se puede volver en tu contra.

Nos gustaría saber cómo funcionáis ahora, ¿Cuál es el modus operandi de la banda?

Muy buena pregunta porque no tengo ni idea…[Ríe]…depende cada canción sale de una manera distinta, a veces empezamos por una idea, otras por un título, otras por un sonido, unas veces uno trae la letra y el otro la compone o al revés, y así se componen poco a poco los discos. No existe realmente un método. La prensa por ejemplo da mucho juego para sacar temas.

Tú eres el trepa de la banda…de tocarla batería a cantar…antes lo hicieron Costas y Coppini…recuerdos siempre presentes con los primeras temas de Siniestro…

Nuestros homenajes son constantes, cada vez que tocamos. La muerte de Germán Coppini coincidió tres días antes con el concierto-aniversario del grupo, en La Noche de la Iguana. El grupo está vivo y eso ya es un homenaje en sí.

«Hemos vuelto a las catacumbas, pero que es sitio que no deberíamos haber salido»

Suponemos que será difícil que nos digas que disco te ha marcado

Mucho, no tengo un disco que me guste más que otros, me gustan los discos de los Kinks, cualquiera de blues, la música de Stravinski, depende del día escucho un tipo de música, no tengo realmente un disco de cabecera

Para componer letras tienes que leer algo…

…[Ríe]…un poquito…supongo que me pides que te recomiende un libro…pues el de una amiga, La Sonanta del Gringo de Nuria Torreblanca, la mujer de Josele Santiago, el de Los Enemigos. Se trata de la historia de una guitarra, de una Gibson Les Paul, ¡Contada por la propia guitarra! Está cojonudo.

Entrevista. Willy López / Fotografía. Félix Méndez

2 de enero de 2016
Ramón Fontseré «El teatro como analgésico»

Llueven barreños de agua tirados con mala leche desde las nubes negras que cubren por completo todo el distrito pacense. Saludamos a una de las piezas claves del teatro español actual, Ramón Fontseré. Le desgajamos de su sombrero otoñal y le birlamos una mañana de esas de estar con un libro y un buen priorato en un cómodo sillón con vistas egregias desde su masía. A cambio le proponemos una entrevista con unas buenas fotos en el ambigú del Teatro López de Ayala con vistas a impertinentes preguntas. Acepta.

El actual director de Els Joglars nos hace de sedante periodístico, nos quita la jaqueca de la rutina del día a día y nos hace viajar de manera magistral al universo de su escenario, el analgésico de Fontseré.

Els Joglars asume otro riesgo. Siempre lo hacen. Este grupo español de teatro hecho por catalanes sube el telón con VIP, una obra rebosante de actualidad educacional. Asumen el mismo riesgo desde que montaron su primera obra, capaces de mandar al Quijote a algún lugar de Manhattan, de enfrentar a un toro y a un torero en un escenario o de chulearle a Dalí el protagonismo ante un Josep Pla omnívoro.

La grabadora recoge el sonido de la lluvia, el pasodoble que ensaya la Banda Municipal y los ecos en clave teledeum de Boadella. El rec recoge las palabras Ramón Fonstseré.

Este tipo de días se crearon para estar en casa leyendo…¿Qué novela tiene entre manos?

Ahora estoy con un libro de Umberto Eco, se llama Número Cero, pero nunca olvido de leer a Pla, Zweig y muchos libros de historia…

…suponemos que esos libros son artífices de la gestación de sus obras…

De Josep Pla, por ejemplo, en la obra de VIP, habla de la infancia en su volumen de Humor, Candor. Cuenta una anécdota sobre la enorme importancia que han cogido los niños en la sociedad actual, donde en una visita a una casa de una señora que tenía una niña pequeña, tuvo la experiencia de ser ajusticiado, pensando en el supuesto de dulzura de esa edad que serían besos, por arañazos de toda índole…[Ríe]…¿Quién protege ahora a la vejez? Decía el autor catalán…sin duda un retazo de lo que es VIP.

¿Puede valer al espectador la reflexión que hacéis durante la obra ante esos “arañazos infantiles”?

[Ríe]…es muy difícil, tengo amigos que han venido a ver el espectáculo y tienen “Vips” y luego observas que hacen lo que quieren, mejor dicho, sus hijos siguen haciendo lo que quieren. Creo que nos quedamos cortos en la obra…

…¿Cortos? en el teatro no suele convivir la sutileza…

…Lo que pasa es que a veces, cuando oyes cosas de la realidad, si las pones en el escenario, no es autocensura pero tengo la intuición de que la gente no se lo va a creer. Luego tengo que rebajar un poco, para que se sientan identificados.

“En el teatro, para que llegue, hay que aumentar el volumen. Hacer pensar y dudar es buena señal, en un síntoma de anti dogmatismo”

En VIP, por tanto estaremos rodeados de niños…

…En Vip hacemos un tipo de interpretación expresionista, de personajes pantagruélicos, y adoptamos el papel de niño pero a lo grande, es decir, los padres, el progenitor es como un insecto que se mueve alrededor del niño con tratamiento VIP, y que todo lo que sucede alrededor del niño está orientado entorno a ese pequeño dictador. Quizá así es más metafórico, buscando una teatralidad que pueda sugestionar al espectador. La educación y la rutina son básicas para sentar las bases. Tengo 59 años y mi educación jamás me permitió, ni tan siquiera, llamar imbécil a mi padre. Ahora todo es demasiado extremo.

Ramón…¿Tiene hijos?

[Sonríe]…no, pero voy a decir como Dalí, los genios no podemos tener hijos porque salen mediocres…[Ríe]…pero estoy rodeados de sobrinos…y alguna acción “Vip” he sufrido.

Vuestras obras siempre son mordaces, ácidas, con mucho contenido para plantear dudas y para pensar un largo tiempo.

En el teatro, para que llegue, hay que aumentar el volumen. Hacer pensar y dudar es buena señal, en un síntoma de anti dogmatismo, anti borreguismo…te hace valorar una cosa y otra sin tener que aferrarte a una única idea. En la obra Controversia del toro y el torero, por ejemplo, ambas partes dan sus razones y siembran de dudas todo el tema taurino.

Desde Teledeum, su primer espectáculo con Els Joglars hasta ahora han pasado más de treinta años, ¿Qué parte de esa larga trayectoria le trae mayores recuerdos?

La etapa de la inconsciencia…[Ríe]…cuando era joven y decías ¿Laurence Olivier?… ¡bah! ¿Charles Chaplin?, un tipo que sabe hacer dos cosas con el cuerpo…¡bah!…¿Qué me van a contar esos a mí?..[Ríe]…¿Se puede ser más imbécil y gilipollas en la vida?…y es que cuando más años pasan y crees tener mayor decisión y experiencia, los pasos son más indecisos y contienen más dosis de pánico…y en los inicios no había ese temor.

¿Y qué significó interpretar a Pla?

Algo mágico y complicado, llevar toda la vida de un escritor, su trabajo, la majestuosidad (en todos los sentidos, de su vida a un escenario ha sido otro de mis grandes momentos dentro de Els Joglars. Personajes y tipos como él, mediterráneo, con retranca, ampurdanés, como Dalí, se necesitan, hacen mucha falta en Cataluña. Nos salvó que su obra en prosa es bastante teatral, los huevos de la gallina los podía enlazar con la falda de la campesina dueña de las gallinas y a la vez con Jantipa, la mujer de Sócrates y así hasta no parar…muy teatral. Recuerdo una anécdota suya donde le ofrecían una buena suma de dinero por un artículo en una revista americana y Josep Pla les respondió que no lo haría porque le desequilibraría el presupuesto…[Ríe]

“El teatro debe ser a la italiana, un escenario con entrega grande con el patio de butacas donde todos estemos a gusto”

¿Qué supone para usted el escenario?

Yo soy carne de escenario. Es un analgésico, una especie de amnesia de la vida real. Allí arriba, zas, desaparece todo, poder jugar con mi edad es algo cojunudo. Todo un privilegio

¿Qué echa en falta en el teatro que se hace ahora?

Para hacer teatro sólo se necesita un tipo o un tipo, un pequeño cuadrante y una vela. Ahora se hacen macro espacios para espectáculos que dependen de cierta demanda. El teatro debe ser a la italiana, un escenario con entrega grande con el patio de butacas donde todos estemos a gusto.

¿Qué significa venir a Badajoz un año más?

En Badajoz estamos muy cómodos, significa que estamos vivos, que traemos una obra a estrenar en la ciudad que siempre suele llenar con un público muy entendido. Hacer teatro con todo lleno es una catarsis…[Ríe]

Da curso para actores ¿Qué les recomienda?

Les recomiendo que vayan a misa, es una de las pocas cosas que comparto con la religión, el rito de oficiar desde el altar una misa…obedece a una cosa que suelo hacer siempre que puedo, ir a las iglesias a ver misa oficiados por curas, dominan el tempo de cada acción, tienen el teatro dentro.

“En Badajoz estamos muy cómodos, significa que estamos vivos, que traemos una obra a estrenar en la ciudad que siempre suele llenar con un público muy entendido”

Albert Boadella, habla de la libertad omnívora de Els Joglars ¿A qué se refiere?

Se refiere a lo que estamos haciendo hasta ahora, de tratar los temas desde un punto de vista singular, desde un punto de vista que a veces va contra la gran masa e ir en contra de la propia tribu. Lo hemos realizado siempre, con Operación Ubú, M7 Catalonia, El Nacional…el teatro está para eso…para contar algo…y que conste que no descubrimos nada nuevo, el señor Molière cuando hizo el Tartufo lo tuvo que estrenar fuera de París, incluso con la bendición del rey Luís XIV, porque toda la Corte estaba en contra al sentirse plenamente identificados con los personajes de la obra…somos meros seguidores de la sensa marcada por esos dramaturgos como Aristófanes, Shakespeare, Chéjov…y lo hacemos porque nos divierte. Nos gusta iluminar las estatuas que necesitan una capa de pintura, ahí ponemos el foco. Haciendo el Retablo de la Maravillas poníamos en cuestión la cocina moderna, llena de esferas de humo, no quiere decir que no me guste la comida de Ferrán Adriá…la libertad de mostrarlo…eso es la libertad omnívora.

El código del teatro difiere mucho de la tele y el cine…en este último siempre los directores le han vestido de papeles franquistas (Soldados de Salamina de David Trueba basada en la novela homónima de Javier Cercas, donde representa al personaje de Rafael Sánchez Mazas, escritor y miembro fundador de la Falange Española; y ¡Buen viaje, Excelencia! de Boadella donde interpreta a Francisco Franco)…¿A qué se debe?

[Ríe]…Pasé de un intelectual con unos hijos magníficos (Rafael Sánchez Ferlosio) a Franco por casualidad, es lo que tiene el cine, son papeles que te ofrecen y supone un juego para mí.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

18 de octubre de 2015
Cira y Ulises «Un nuevo disco arropado por buenos amigos »

Tato utiliza su beatboxing para llamarnos con su rotunda voz. Es aquí,nos grita. Pasábamos de largo por unos de los estudios musicales con mayor proyección de la región; ZEROdb. Una casa reformada con sala de grabación y zona de producción musical. Acogedora y con todo lo necesario para la extraer la mejor alquimia de la música.

Óliver nos enseña la zona de trabajo. Muchos años en el mundo de la música y aun así sigue aprendiendo de los músicos. Lo dice él y lo demuestra la calidad y elegancia de los trabajos discográficos realizados junto a Gecko Turner, Julien Elsie (la música que suena en el estudio) o a los chicos que nos esperan para la entrevista; Cira y Ulises.

Los hermanos acaban de grabar disco, un disco de seis canciones, La Evolución del insecto, un disco donde aparecen los padres de las criaturas en la portada, los pilares musicales, culturales y sociales que han cimentado la forma de ser de ambos.

Cira y Ulises han aprovechado baches sentimentales para reencontrarse y esquilar letras juntos. Ulises y Cira han conjugado sus casas alquiladas en el cielo para abrir la puerta a la maldita bestia negra

El buen rollo se transmite, el Good Vibrations de los Beach Boys como banda sonora de Cira y la soledad de un ambigú de emociones pululan por la guitarra de Ulises.

Fermín mientras sonríe, asiente con la cabeza y se deja llevar por un mecenazgo digno de encomio.

Y he visto todos los colores de las flores y he contado todas las estrellas y he sido una de ella (Enrique Fernández Medina)

¿Es complicado vivir de la música?

Cira- Vivir de la música es muy difícil.

¿Dónde está el inglés en vuestras canciones?

Cira- [Ríe]…Curiosamente no escribimos canciones en inglés. Lo domino, pero no me sale, no me siento cómoda.

Vuestras raíces musicales no son fruto de la casualidad, sois hijos de uno de los mejores músicos que ha tenido la ciudad

Ulises -Evidentemente, nuestro padre nos ha dado todo. Un referente único y lleno de fuerza.

¿Cómo vivíais esa etapa de convivencia musical desde pequeños?

Cira- Recuerdo sobre todo cuando tocaba, en una época donde estaba muy activo musicalmente, y de esa infancia recuerdo esos discos que poníamos de pequeños, vinilos de los Beach Boys o David Bowie. Música que con diez, once años nos marcó mucho. Nos embardunó con su pedazo de discoteca, un legado cultural.

Ulises – La llamábamos la habitación de la música… [Ríen]… con el tocadiscos con todos los discos y demás. Y en habitación hacía sus mini conciertos para todos los niños de la familia, conciertos de blues e improvisaciones para dejarnos con la boca abierta.

Lanzáis nuevo disco, y no sabemos si realmente es un homenaje a Henry Malatesta

Ulises- Si, pero en este apartado hay que puntualizar una cosa, la portada del disco se hizo antes de que mi padre enfermara, no tiene un carácter de disco a título póstumo. Simplemente nos apetecía que fuera así.

“Nuestro padre nos embardunó con su pedazo de discoteca, un legado cultural”

¿Y por qué “la evolución del insecto?

Cira- Se le ocurrió a mi hermano. Ese insecto podríamos decir que es mi padre, siempre estaba con la palabra morgaño en la boca…[Ríen]…quizás todo viene por ese argot especial que tenía.

Y hablando de evoluciones… ¿Cuál ha sido vuestra evolución?

Ulises- Seguimos siendo los mismos, cada uno escribe sus canciones y las vamos arreglando y componiendo juntos sobre la marcha.

¿De qué habláis en este disco?

Ulises- Uf…de la familia, del amor, naturaleza,

Cira – Relaciones que tenemos en nuestro día a día, momentos delicados, hablamos de nuestros viajes…

…relaciones sentimentales, momentos delicados… ¿Tanto afecta el amor en vuestro disco?

Ulises- [Ríen]…Es curioso pero a ambos nos pilló en rupturas sentimentales, los proyectos profesionales también se fueron derrumbando poco a poco…casi de forma natural, el amor, o mejor dicho, el desamor, nos hizo unir de nuevo.

“Seguimos siendo los mismos, cada uno escribe sus canciones y las vamos arreglando y componiendo juntos sobre la marcha”

Vemos que estáis bien rodeados… ¿Quiénes han hecho posible que este disco salga adelante?

Cira- Es verdad que este disco ha sido una cosa espontánea, nos hemos reunidos los amigos y hemos creado estas canciones sin ninguna pretensión. Hemos buscado la tranquilidad de la gente que nos rodea para darle forma a “La evolución del insecto”.

Y con ese ritmo, ¿Cuánto tiempo habéis tenido que invertir en realizar el disco?

Ulises – Los ensayos de las canciones empezaron en diciembre del 2013. Hasta ahora que nos ha llegado el disco editado y demás no hemos cerrado el círculo. Casi dos años.

Cira- Es tiempo, pero son canciones que necesitaban ese espacio, son temas muy bonitos, y la sensación de estar muchas horas con la composición de las letras y la música se hace muy corta.

El Estudio ZEROdb con Oliver y Tato detrás de la mesa de mezclas, os han ayudado bastante…

Ulises – Sin ellos, sin la ayuda profesional de estos chicos no hubiese sido posible sacarlo. Llevo muchos años vinculado a la música, y aquí en ZEROdb no me he encontrado como en ningún sitio. Un lugar donde he podido hacer música sin cortapisas y contratiempos.

Cira- Y lo más importante, son amigos….casi mi familia. Y todos los artistas que han pasado por aquí, Gecko Turner, Los Inlavables o Julien Elsie han sentido las mismas sensaciones.

“Hemos buscado la tranquilidad de la gente que nos rodea para darle forma a La evolución del insecto”

Y hablando de sensaciones, ¿Cuáles son vuestras sensaciones musicales, qué referentes tenéis?

Ulises – Muchos, casi a diario surgen grandes músicos que te transmiten buenas sensaciones. Yo me fijo mucho en el trabajo de Paul Weller, Rolling Stones, o los hermanos Campillo…

Cira – Yo sin embargo llevo un tiempo que no escucho nada, va por temporadas… [Ríe]

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

14 de octubre de 2015
Emilio Jiménez «Un tipo natural que hace fotos salvajes»

Oliverio Toscani asegura que los fotógrafos actuales pasan demasiado tiempo hablando de técnica, que la tecnología es solo un medio. Según el fotógrafo italiano, famoso por sus trabajos para Chanel, Valentino o Benetton, la nueva generación de fotógrafos busca solo un deleite estético en la imagen, en lugar de retratar la realidad. Para este maestro de la imagen de la moda “la fotografía debe tener una función social, debe mostrar la condición humana extrema; lo demás es solo una masturbación estética”.

Bajo esa premisa, y sin darse cuenta, trabaja el fotógrafo extremeño Emilio Jiménez. Su portafolio repleto de humildad y buen gusto se acerca mucho a la aparentemente simpleza de una buena foto. Detrás existe el alma, esa que refleja Salgado, existe fuerza, la que plasma Avedon, existe elegancia, la que Peter Lindbergh captura con sus septuagenarios dedos.

Con su exposición “Anatomía natural, salvaje”, presentada en el Espacio Convento en Badajoz y ahora en el Centro Cultural “Santo Domingo” de la Fundación Caja Badajoz en Mérida, la imagen desnuda se convierte en una sombra tatuada con enorme clase. Contornos en blanco y negro con un lenguaje propio, algo, esto último, que echábamos mucho de menos. Hablamos con él de fotografía, de moda, de los gurús de este arte y de las ganas de intentar vivir de una instantánea…o al menos de intentar contar algo con pasión a través de una foto.

¿En qué momento tienes tu primer contacto con una cámara de fotografía?

Mi vicio viene por mi padre, cuando hacíamos visitas a los monumentos de la ciudad, yo le acompañaba y en algunas ocasiones me dejaba coger su Mamiya, y hacer algunas fotos…no muchas…[Ríe]…antes eran carretes y valía una pasta revelar fotos. En ese momento me entro el gusanillo. Aunque luego dejé abandonado un poco el tema fotográfico por la pintura y graffitis, en realidad hacía plantillas, un tema muy relacionado con el concepto fotográfico…[ríe]…tengo que admitir que no se me daba bien pintar.

¿Tu primera cámara?

Me acuerdo perfectamente que yo siempre quise una Nikon pero mi padre se compró una Canon…y se la cogí prestada por un largo tiempo…[Ríe]. Luego si pude comprar alguna cámara, eran muy malas pero me servían para realizar fotogramas para montar videos y demás.

…muchas veces le damos más importancia al instrumento, que siempre aporta su valor, que al verdadero sentido artístico, técnico y visceral que tiene el ojo humano, el señor@ que está detrás de la cámara…

…Indudablemente, yo antes me obsesionaba bastante y creía que era muy importante tener la mejor cámara pero con el tiempo me he dado cuenta que con un mínimo de calidad se pueden hacer cosas espectaculares…el ejemplo está en que con la cámara de un móvil puedes hacer cosas brutales.

Para que la magia de la fotografía cobre vida se necesita luz…

…la luz es todo, es la esencia de la fotografía, aunque volviendo al tema anterior, al igual que con el equipo técnico te obsesionas con la luz sucede igual. Estudiando a otros fotógrafos te preguntas cómo hacen algunas cosas, te piensas que han utilizado diez mil focos y demás y luego ves que no es así. Haciendo el master en Madrid de fotografía de moda, por ejemplo, Miguel Reveriego, un fotógrafo extremeño con un currículum profesional bestial, ha trabajado con tops de la talla de Laetita Casta o Karolina Kurkova,y ha realizado campañas para Lâncome, Wonderbra o Theory y ha currado para las editoriales de moda más prestigiosas de todo el planeta, nos enseñó a hacer fotos con un simple flash. La luz natural es la que sí tenemos que aprovechar.

Emilio, ¿Por qué te decantas por especializarte en la fotografía de moda?

Me gusta mucho el retrato, el perfil de las personas, me gusta, intento extraer aquello que desprenden las personas y no puede ser visto de primeras. Quizás por ahí viene mi gusto por este tipo de fotografía, aunque no me siento un fotógrafo que se dedique sólo a la moda. Para empezar no soy muy seguidor de las modas de vestuario y ropa, complementos y demás. Es más, todos los grandes fotógrafos que se dedican a la moda pasan de la moda…[Ríe]…es curioso porque por mi forma de ver las cosas creo que choco bastante con el mundo de la moda.

“Mi padre se compró una Canon…y se la cogí prestada por un largo tiempo”

…Quizá te guste porque existe arte fotográfico en la moda, o porque se puede arriesgar con ciertas editoriales, recuerda el Vogue Italia con el reportaje de Meisel sobre modelos en un centro de rehabilitación, artículos y elementos relacionados con la moda…

Está claro, dentro de este sector hay marcas que mantienen un estilo arriesgado y plasman con fotografías verdaderas historias que trascienden de lo meramente comercial…pero bueno, al fin y al cabo estás vendiendo un producto…y te debes a esa marca que es la que te paga. Sólo unos pocos como, Steven Meisel, Mario Testino, Steven Klein o el padre y crack de la fotografía de moda Richard Avedon, hacen lo que quieren.

Dejamos de un lado a las chicas con su ropa de marca y nos encontramos con cuerpos en su estado natural, una anatomía salvaje…

[Ríe]…es una idea que lleva en mi mente desde hace mucho tiempo, pero casualmente viendo el documental sobre el trabajo de Sebastião Salgado, La sal de la tierra, el fotógrafo decía en una parte de la película que se encontraba enfermo por dentro. Posteriormente en su obra fotográfica “Génesis” declaró que era su primer reportaje sobre la naturaleza y que se sintió parte de ella, como una piedra, un árbol o el mar. Esa idea de plasmar lo más cotidiano de la naturaleza con nuestro cuerpo me pareció simple y a la vez muy atractiva. De ahí surge la idea de realizar mi exposición “Anatomía natural, salvaje”.

¿Cómo has elaborado el proceso de producción de esta expo?

Tengo la inmensa fortuna de tener amigas que se prestan para realizar las sesiones, me facilitaron mucho el trabajo. Después me gustó la idea de introducir las sombras que producía la pluma de un pavo real sobre la piel de los cuerpos desnudos. La serie surge de improvisar con todo esto.

¿Y qué distancia mantienes con los modelos para poder realizar tu trabajo?

Casi siempre trabajo con chicas, creo que el cuerpo femenino es mucho más atractivo que el masculino, y con ellas mantengo una relación muy cercana porque casi todas son amigas, en ese margen de confianza trabajo. Al principio puede existir algún momento tenso pero se pasa rápido. Sinceramente me lo ponen muy fácil.

“La idea de plasmar lo más cotidiano de la naturaleza con nuestro cuerpo me pareció simple y a la vez muy atractiva”

¿Cuáles son tus referencias a la hora de trabajar con la cámara?

Me gustan mucho los desnudos que hacen los fotógrafos de moda, Helmut Newton. Estuve en el museo suyo de Berlín y me pareció sublime. Tiene un material que no está publicado que es una maravilla, fotos polaroids increíbles o desnudos de una calidad suprema. También tengo predilección por el trabajo de Peter Lindbergh, todo en un blanco y negro espectacular.

Aparte de los tops, existen fotógrafos anónimos que hacen verdaderas obras maestras…

En Flickr he descubierto fotógrafos descomunales, que sin ser conocidos tiene un trabajo brutal en todos los formatos y estilos.

Comentas mucho tu predilección por el blanco y negro…

Me siento muy cómodo con el blanco y negro, con el color me pierdo, me vuelvo un poco loco. Lo manejo, pero con el blanco y negro y sus sombras se transmite mucho más.

También tu última exposición está cargada de “imperfecciones”, o mejor dicho, de naturalidad en la edición…

Me gusta retratar aquello que veo, no quiero borrar algo que aparece de manera natural. En moda existe una verdadera obsesión con el retoque. Me llega a cabrear tanta edición con la fotografía, entiendo que tiene que trabajarse la postproducción pero no quiero engañar al espectador.

Antes de una cámara fotográfica, me apuesto lo que sea, a que el primer contacto con la imagen ha sido una película.

[Rié]…evidentemente, además luego me obsesioné con capturar las películas por frames, sólo veía una imagen estática…pero es cierto que directores como Bertolucci me han marcado como fotógrafo. Me gusta el cine clásico, una cosa que me inculcó también mi padre.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

22 de septiembre de 2015
Pedro Sara: «Intangibles melodías de miradas»

Un preso desafía duramente el objetivo. Su fondo es un regalo para su madre en forma de canción. No tiene pasta para flores.

Un tartamudo gaditano, canta por primera vez mientras que los parroquianos del bar le preguntan ¿Pero qué has cantao tartaja?

Asunción Balaguer tiñe su mirada con una nana. En sus arrugas toda una república, una guerra, una dictadura, un golpe de Estado y muchos gobiernos democráticos como comedias griegas.

Un niño del Kirguistán canturrea una canción popular con restos de pólvora entre las notas.

Una niña de una madre soltera de Tanger canta la tristeza de las estrictas leyes marroquíes. Una niña que no tiene derecho de existir porque carecen de apellidos. Canta pero su voz no existe

De fondo, gaviotas, olas, brisa, mar.

Pedro Sara. Periodista, cineasta y puzle de sus vivencias. Un rompecabezas hecho con instantáneas de su alma desnuda. Extremeño de todos los sitios y contador de historias. Francotirador de historias enemigas, cargado de balas destinadas a personas que sufren la opresión de la injusticia de este mundo, personas invisibles…personas que miran, narran y respiran con un mar cuajado de susurros musicales.

Dicen que si un perseguido que anda escondido la viene a ver, cuentan que amante espera la campanera con la ronda de las tres…durum durum drrum tum…venga chimpún.

Pedro Sara… ¿Quién es?

Fundamentalmente me siento una persona que estoy en el mundo sobre todo en función de las experiencias, de esas experiencias que vivo con los demás, lo que comparto con otras personas.

Mar de fondo…

…ha sido una manera innata de dejarme llevar…al principio del proyecto los compañeros me preguntaban qué quería contar…una pregunta que me parecía fascista de entrada…[ríe]…cuando uno empieza con un proyecto, intentando buscar el mecanismo para contar historias, una etapa muy visceral, en ese momento me parece que esa pregunta si puede ser la correcta…pero para la gente como nosotros que llevamos tiempo trabajando en este sector y que dominamos un poco nuestra profesión, esa pregunta sobra, creo que lo bonito es dejarte llevar y que cada uno le busque el sentido…mascar la esencia de este tipo de proyectos como Mar de Fondo, necesita reflexión y empatía…y para alcanzar estas sensaciones es necesario que la música esté presente en mis proyectos…es una de las artes que más me motivan, seducen y conmueven y me parecía muy bonito recoger estas melodías desde la voz de los protagonistas de la exposición.

“Mar de Fondo, necesita reflexión y empatía…y para alcanzar estas sensaciones es necesario que la música esté presente en mis proyectos”

¿Cuándo empezaste a desenvolver el tejido genuino de este proyecto?

Empecé porque me encontraba con gente que me iba conformando y necesitaba devolverles eso que ellos me han dado a mí. Es un trabajo hecho siempre off de record, en paralelo con otros trabajos de encargo profesionales, aprovechando los viajes a diversas partes del mundo, y sacando de mis ratos libres el placer de encontrar la sintonía ideal con las personan que componen el proyecto… ¿Te importa que te haga un retrato, y me vas cantando una canción?… [Ríe]…y de esa espontaneidad iban surgiendo los videos. Siempre en un entorno íntimo, con personas que había conocido hacía muchos años o escasamente un par de días. Esa era la magia de la grabación.

¿Y por qué no desgranas quiénes son los personajes?

Porque de esta manera la imaginación del público que contempla la obra se convierte en un factor más de la misma obra. Poner a todos en el mismo lugar, sean personajes famosos o anónimos, y no decir quién es quién y que implemente con la voz puedas acompañar al protagonista.

Detrás de esta “simples miradas” existe un gran trabajo de elaboración ¿Cómo consigues que conecten delante de un objetivo “a pelo”?

Tiene su cosilla, los personajes seleccionados se dejan querer y llegas a un punto de complicidad bastante firme como para plantearles el que se pongan a cantar y miren a la cámara.

“Necesitaba presentarme de la manera que me siento más completo, desnudo, para que ellos, los verdaderos protagonistas de la obra me vistan”

¿Qué une a todos estos retratos?

Que no se pueden tocar…incluso con Noa, la chica de El Cairo, la bloguera más leída en Egipto y que escribe en contra de las torturas en su país, después de un rato dijo “basta”, no quería más tensión entre el vacío existente entre sus ojos y mi cámara…en ese espacio que no se puede tocar…

…Este proyecto sigue vivo entonces…

…Sin duda, hay bastantes que se han realizado y no están en “Mar de Fondo”. En la exposición que he presentado en la Diputación de Badajoz hay tres presos editados, y tengo rodados dieciséis. Tengo además cerrado un encuentro con mujeres presas.

¿Qué supone estrenar este proyecto tan personal en casa?

No me imaginaba nunca que fuera a exponer en mi tierra, supone una doble alegría que los familiares y amigos míos tengan acceso directo a mi obra…[Ríe]…Una pasada.

Para finalizar Pedro, ¿Qué quieres decir con tu desnudo dentro de la exposición?

Se trata de una manera de reivindicar el trabajo infantil, la explotación de las mujeres, el mapa político que obligadamente muestran nuestras ropas. Necesitaba presentarme de la manera que me siento más completo, desnudo, para que ellos, los verdaderos protagonistas de la obra me vistan.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

2 de julio de 2015
PREMIOS CIUDAD DE BADAJOZ / FÉLIX MÉNDEZ GALARDONADO CON EL PRIMER PREMIO EN FOTOGRAFÍA

Esto de recibir un premio no deja de ser un acto de mecenazgo digno de encomio. Y más cuando, ahora, el arte, la literatura, el periodismo, la cultura en general está agazapada a la espera de un respiro que, primero permita dar de comer a los ciudadanos y después mostrar sin encorsetamiento alguno la esencia natural de la que nos alimentamos, el alma de la propia cultura. Los Premios Ciudad de Badajoz 2014 responden, gracias al Ayuntamiento badajocense, y de manera altruista a esta especial dedicación por los elaboradores de arte, por los creadores de historias, figuras y formas. Destacar el primer premio conseguido por mi amigo y compañero de esta aventura, también cultural, llamada culturabadajoz.com. Gracias y enhorabuena Félix Méndez por bailar día a día un “pasodoble” conmigo.

1 PREMIO DE FOTOGRAFÍA CIUDAD DE BADAJOZ

1er. Premio. PASODOBLE       Félix Méndez

MENCIÓN DE HONOR: ORTHODOX       Xavier Ferrer

LA OTRA CARA DEL ARTE       Jesús Gutiérrez Sosa

ARMONÍA       José María Ballester Olivera

LUNA LLENA EN EL CABO HUERTA       Concha Beneito Hernández

AZUL       Pascual Martínez Martínez

TURIA 3       Francisco Llop Valero

FINAL DEL TRAYECTO       Alfonso Chacón Montero

LLANTO NEGRO       Pako Pimienta Serrano

NOCTURNO III       Miguel Ángel Sintes Puertas
PREMIO DE PINTURA CIUDAD DE BADAJOZ

VICTORIA DE LA LOCURA SOBRE LA MUERTE       Verónica Bueno Salgado

NEREA                               Ángel Pérez Espacio

ALFARERÍA                           Jesús Puente Carretero

“… PERO QUEDA REFLEJADO”               Nacho Lobato Aguirre
33 PREMIO DE POESÍA CIUDAD DE BADAJOZ

CAJA DE RESISTENCIA           Juan Leyva Martínez
18 PREMIO DE NOVELA CIUDAD DE BADAJOZ

UNA TIRADA DE DADOS           Luis del Romero Sánchez-Cutillas

11 PREMIO DE PERIODISMO CIUDAD DE BADAJOZ “FRANCISCO RODRÍGUEZ ARIAS”

LA VOZ MÁS PURA Y EXACTA DE LECUONA       Santiago Castelo

8 PREMIO DE ESCULTURA FIGURATIVA CIUDAD DE BADAJOZ

1º PREMIO. VIDA                           José Molares Fernández

MENCIÓN HONORÍFICA. ANEA                           Daniel Martín Corona

ECCE HOMO                           Riccardo Ricci

SILENCIO                               Álvaro de Matías Jiménez

CECILE                               Bárbara Serrano Canto

AJEDREZ                               Rafael López-Bosch Astolfi

13 de noviembre de 2014