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  • Arturo Pérez-Reverte «La guerra a través de los ojos de quien estuvo allí»

    Arturo Pérez-Reverte «La guerra a través de los ojos de quien estuvo allí»

    La Sala Europa de Badajoz acoge ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’, una exposición que recupera la faceta menos conocida del escritor y periodista a través de 42 imágenes tomadas durante sus años como reportero en conflictos internacionales. La muestra, producida por La Fábrica, podrá visitarse hasta el 31 de enero de 2027.

    Antes de que Arturo Pérez-Reverte construyera algunos de los personajes más reconocibles de la literatura española contemporánea, antes de que el capitán Alatriste recorriera las calles del Madrid del Siglo de Oro o de que Lorenzo Falcó se moviera entre las sombras de la Guerra Civil, hubo otro Pérez-Reverte que recorrió el mundo con una libreta, una cámara fotográfica y la necesidad de contar aquello que estaba sucediendo. Durante más de dos décadas, el escritor cartagenero fue testigo de algunos de los conflictos armados que marcaron la segunda mitad del siglo XX. De aquella experiencia, que acabaría impregnando buena parte de su universo literario, nace ahora una exposición que permite acercarse a su trabajo desde una perspectiva menos conocida: la del fotógrafo de guerra.

    La Sala Europa de Badajoz acoge desde este viernes, 13 de noviembre, ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’, una muestra integrada por 42 fotografías y una pieza audiovisual procedente del archivo de RTVE que recupera parte de la memoria profesional de quien, durante veintiún años, ejerció el periodismo en algunos de los escenarios más convulsos del planeta. Producida por La Fábrica, la exposición reúne imágenes tomadas durante una década de viajes, conflictos y coberturas informativas, en las que la guerra aparece a través de sus consecuencias más inmediatas: la destrucción, los desplazamientos, la incertidumbre y la convivencia cotidiana con la violencia. Fotografías que nos trasladan a lugares y acontecimientos concretos, pero que, al mismo tiempo, nos devuelven una imagen reconocible de nuestro presente.

    El ser humano dentro de la guerra

    Hay una reflexión del propio Pérez-Reverte que permite entender el sentido de esta exposición: su intención no era fotografiar la guerra, sino «al ser humano dentro de ella». Una distinción que sitúa el foco de su trabajo en quienes padecen, protagonizan o sobreviven a los conflictos, en esas vidas que continúan desarrollándose mientras todo cuanto las rodea parece desmoronarse. En las fotografías reunidas en la Sala Europa hay ruinas, escenarios de enfrentamientos, rostros y silencios. También hay una voluntad de aproximarse a la realidad sin convertirla en un espectáculo, de documentar lo que sucede desde la cercanía de quien comparte, aunque sea temporalmente, el espacio y las circunstancias de las personas a las que fotografía.

    La condición de testigo resulta fundamental para comprender estas imágenes. Pérez-Reverte no llegó a aquellos lugares con la perspectiva retrospectiva de quien reconstruye un acontecimiento histórico, sino con la urgencia del periodista que necesita entender qué está ocurriendo mientras los acontecimientos todavía se están desarrollando. Esa inmediatez, inherente al oficio de reportero, proporciona a las fotografías una dimensión documental que el paso del tiempo no ha debilitado.

    Durante la inauguración de la muestra, el secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, José Luis Gil Soto, acompañado por Marcos de la Fuente, responsable de Desarrollo de Exposiciones de La Fábrica, destacó precisamente esa capacidad de las imágenes para interpelar al espectador y acercarlo a la fragilidad de la condición humana. Gil Soto incidió en la necesidad de recuperar una mirada más pausada y consciente en una sociedad sometida a un flujo constante de imágenes. Frente a la velocidad con la que consumimos hoy las noticias y las fotografías de los conflictos internacionales, la exposición propone detenerse ante cada escena, atender a sus detalles y tratar de comprender la historia que existe detrás de ella.

    Del diario Pueblo a los informativos de Televisión Española

    Arturo Pérez-Reverte (Cartagena, 1951) dedicó veintiún años de su vida al periodismo, entre 1973 y 1994. Durante doce años trabajó como reportero en el diario Pueblo y otros nueve en los servicios informativos de Televisión Española, donde se especializó en la cobertura de conflictos armados. Su trayectoria profesional constituye un recorrido por algunos de los episodios más complejos de la historia reciente. La guerra de Chipre, las distintas fases del conflicto del Líbano, Eritrea, el Sáhara, las Malvinas, El Salvador, Nicaragua, Chad, Mozambique o Angola forman parte de una experiencia que, en sus últimos años como reportero, le llevaría también a la revolución rumana, la guerra del Golfo y los conflictos de Croacia y Bosnia.

    Fueron años en los que el periodismo internacional dependía, en buena medida, de la presencia física del corresponsal sobre el terreno, de su capacidad para acceder a los acontecimientos, interpretar lo que estaba viendo y transmitirlo a una sociedad que, en muchos casos, apenas tenía otras vías para conocer lo que sucedía a miles de kilómetros de distancia. La exposición permite recuperar también esa dimensión del oficio a través de una pieza audiovisual cedida por RTVE, que complementa el conjunto fotográfico y devuelve al espectador al Pérez-Reverte de las crónicas televisivas. Su voz, sus intervenciones desde los escenarios de los conflictos y las imágenes de archivo amplían el contexto de una trayectoria profesional que terminaría en 1994, cuando decidió dedicarse plenamente a la literatura.

    Conviene distinguir, no obstante, entre el periodo al que pertenecen las fotografías expuestas, de 1974 a 1985, y el conjunto de su carrera periodística, que se prolongó durante casi una década más y que incluye acontecimientos posteriores como las guerras de Irak y Bosnia.

    De la experiencia del reportero a la memoria del escritor

    Resulta especialmente interesante acercarse a esta exposición desde la literatura. Quienes han seguido la trayectoria narrativa de Pérez-Reverte encontrarán en estas fotografías parte del territorio vital del que se alimentan muchos de sus libros: la convivencia con el peligro, los códigos de lealtad, la amistad, la supervivencia, el desencanto y las contradicciones del comportamiento humano en situaciones extremas. La experiencia de la guerra ocupa un lugar importante en su producción literaria. De manera particularmente explícita en Territorio comanche (1994), donde el escritor reconstruye el ambiente, los riesgos y las relaciones personales entre los reporteros que cubrieron la guerra de los Balcanes, pero también en novelas como El pintor de batallas (2006), protagonizada por un antiguo fotógrafo de guerra que se retira a pintar un mural en el que pretende condensar su experiencia y su conocimiento de la violencia humana.

    Esta última obra establece un vínculo especialmente sugerente con la exposición que ahora llega a Badajoz. En ella, Pérez-Reverte aborda cuestiones relacionadas con la responsabilidad del fotógrafo, la distancia entre quien observa y quien sufre, las consecuencias de una imagen y la memoria de aquellos acontecimientos que permanecen en quien los ha presenciado. La fotografía y la escritura comparten, en este sentido, una misma necesidad de ordenar la experiencia y transmitirla. Mientras el escritor dispone de las palabras para construir una escena, el fotógrafo trabaja con la luz, el encuadre y la elección de un instante. En ambos casos existe una selección, una manera de mirar y una decisión sobre aquello que merece ser contado.

    Desde El maestro de esgrima o La tabla de Flandes hasta El club Dumas, las aventuras del capitán Alatriste o la trilogía protagonizada por Lorenzo Falcó, Pérez-Reverte ha construido una extensa obra literaria traducida a más de cuarenta idiomas. En 2003 ingresó en la Real Academia Española con el discurso ‘El habla de un bravo del siglo XVII’. Sin embargo, en la Sala Europa, el visitante tiene la oportunidad de regresar a una etapa anterior a ese reconocimiento literario, cuando el oficio de contar historias exigía al autor desplazarse hasta los lugares donde estas estaban sucediendo.

    La vigencia de unas imágenes

    Han transcurrido más de cuarenta años desde que Pérez-Reverte tomó las últimas fotografías que integran esta exposición. Los escenarios internacionales han cambiado, algunos de aquellos conflictos han desaparecido de los titulares y otros han dejado heridas que todavía condicionan la vida de varias generaciones. Sin embargo, muchas de las situaciones que muestran las imágenes siguen formando parte de nuestra actualidad.

    La destrucción de ciudades, el desplazamiento de poblaciones civiles, la pérdida de hogares y la incertidumbre de quienes sobreviven a los enfrentamientos armados establecen una conexión inevitable entre estas fotografías y las imágenes que recibimos diariamente de los conflictos contemporáneos. Esa relación con el presente otorga a la exposición una dimensión que trasciende el interés histórico o biográfico. Nos permite reflexionar sobre cómo hemos aprendido a mirar la guerra, sobre el papel que desempeñan los medios de comunicación en la construcción de nuestra percepción de los conflictos y sobre la facilidad con la que el sufrimiento ajeno puede acabar convertido en una imagen más dentro de la sucesión de noticias.

    En ese contexto, la recuperación del archivo fotográfico de Pérez-Reverte supone también una reivindicación del periodismo sobre el terreno, de la importancia del testimonio directo y del trabajo de aquellos profesionales que han contribuido a documentar acontecimientos cuya memoria, sin sus crónicas y fotografías, sería necesariamente más incompleta.

    La Sala Europa, un espacio para la reflexión

    La llegada de ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’ a Badajoz forma parte de la programación expositiva estable de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, desarrollada a través de su circuito de espacios dedicados a las artes visuales. Junto a la Sala Europa, forman parte de esta red la Sala Santa Julia de Mérida y el Palacio de los Moctezuma-Toledo, sede del Archivo Histórico Provincial de Cáceres. Una programación que combina proyectos de artistas extremeños, producciones propias de la Administración y colaboraciones con entidades externas, como La Fábrica, responsable de esta exposición.

    La incorporación de propuestas de estas características permite ampliar el diálogo entre la creación artística, la memoria histórica, el periodismo y la sociedad, acercando al público extremeño trabajos que ofrecen diferentes formas de interpretar la realidad. Hasta el próximo 31 de enero, la Sala Europa ofrece la posibilidad de recorrer una parte de la historia reciente a través de la mirada de un periodista que estuvo allí. Un conjunto de fotografías que permite conocer mejor al reportero que precedió al novelista y comprender hasta qué punto aquellas experiencias contribuyeron a configurar su manera de entender el mundo.

    Quizá, al abandonar la exposición, el visitante vuelva a encontrarse con alguna de las imágenes de guerra que aparecen a diario en nuestros teléfonos, en los informativos o en las portadas de los periódicos. Y quizá entonces, después de haber recorrido estas cuatro décadas de memoria fotográfica, dedique unos segundos más a mirar el rostro de quienes aparecen en ellas.

    Datos de la exposición

    • Título: ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’.

    • Autor: Arturo Pérez-Reverte.

    • Lugar: Sala Europa, Badajoz.

    • Fechas: del 13 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027.

    • Contenido: 42 fotografías y una pieza audiovisual del archivo de RTVE.

    • Producción: La Fábrica.

    • Organización: Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura.

  • Alex Llovet «Editar fotolibros es un ejercicio absolutamente rebelde»

    Alex Llovet «Editar fotolibros es un ejercicio absolutamente rebelde»

    El fotógrafo, editor y docente participa en el Festival NEGATIVO de Badajoz, impulsado por Fundación CB, con una propuesta que reivindica el fotolibro como espacio de creación, pensamiento y memoria. Conversamos sobre la fotografía como lenguaje, el arte de editar, la infancia, la inteligencia artificial y la necesidad de recuperar el placer de mirar en un mundo saturado de imágenes.

    Hay fotografías que nacen para ser vistas durante unos segundos y otras que necesitan toda una vida para terminar de comprenderse. Algunas encuentran su sentido cuando se relacionan con las que tienen al lado, cuando pasan de una página a otra o cuando alguien vuelve a abrir un libro muchos años después y descubre algo que antes había pasado inadvertido. Alex Llovet conoce bien ese territorio en el que la fotografía deja de ser únicamente una imagen para convertirse en una historia. Lleva décadas recorriéndolo como fotógrafo, editor, coleccionista y profesor, convencido de que el verdadero trabajo creativo no siempre termina al apretar el disparador, sino que muchas veces comienza precisamente entonces.

    Su relación con la fotografía tiene algo de aventura personal y también de búsqueda intelectual. Estudió cine, después Humanidades y finalmente Fotografía, hasta encontrar en la cámara un instrumento que le permitía trabajar con la libertad de quien prefiere recorrer su propio camino. Del cine conserva la pasión por el montaje y la narración; de las humanidades, una mirada alimentada por la filosofía, la literatura y la historia del arte. Y de la fotografía, sobre todo, mantiene intacta la curiosidad. Esa disposición casi infantil a salir a la calle sin saber qué encontrará, a descubrir una imagen que resuene con algo que lleva dentro y cuyo significado quizá no comprenda hasta mucho tiempo después.

    Llovet ha publicado nueve fotolibros propios y, desde 2018, comparte con José María de Llobet una aventura editorial especializada en este formato, con alrededor de cuarenta títulos publicados. Una empresa que se sostiene sobre una ambición aparentemente modesta: que cada libro permita hacer el siguiente. En tiempos de imágenes líquidas, pantallas interminables y consumo inmediato, reivindica la materialidad del papel, la textura de las páginas, la arquitectura de una secuencia y el diálogo que permanece cada vez que un lector abre un volumen. Su presencia en el Festival NEGATIVO de Fotografía, organizado por Fundación CB en Badajoz, se ha articulado en torno a varias actividades. El taller Fotolibros y narrativa visual: del concepto al objeto, ofrecerá la conferencia El niño y la imagen del niño, donde reflexiona sobre su propia metodología creativa a partir de una fotografía, y acompañando a Cristina Armendáriz en la presentación de Paralïpsis, el fotolibro que ha contribuido a editar y que resultó ganador de la convocatoria anterior del festival.

    Conversar con Llovet es adentrarse en una manera de entender la fotografía que no busca respuestas inmediatas. Habla de la edición como una renuncia necesaria, del fotolibro como una cebolla que revela nuevas capas, de los recuerdos de infancia que construyen nuestra identidad y de la importancia de que los artistas no terminen prisioneros de su propio estilo. También cuestiona la supuesta objetividad fotográfica y propone distinguir la fotografía de las imágenes generadas mediante inteligencia artificial, no tanto por sus resultados como por las experiencias que las producen. En el fondo, su trabajo parece responder a una convicción sencilla: todavía quedan muchas historias por contar y muchas imágenes por descubrir, siempre que conservemos la capacidad de detenernos ante ellas.

    Del cine a la fotografía: aprender a contar historias

    —Alex, tu formación transita por las humanidades, el cine y la fotografía. ¿Cómo llegas a la imagen fotográfica y en qué momento descubres que, además de hacer fotografías, te interesa especialmente construir relatos con ellas?

    —Estudié cine, después Humanidades y finalmente toda la carrera de Fotografía. Del cine me di cuenta de que me apasionaba, pero no era lo que quería hacer porque implicaba demasiadas personas y demasiados presupuestos. Me considero más un lobo estepario a nivel de trabajo y toda esa gestión de tiempos muy largos y de egos se me hacía muy farragosa. Cuando descubrí la fotografía a fondo vi clarísimo que era el medio donde me sentía más cómodo. Dicho esto, creo que todo lo que he estudiado ha influido en mi manera de entender la fotografía. En la secuencia fotográfica hay muchísimo de narrativa visual. Montamos igual que se montan los planos en una película. Tiene mucho que ver con explicar historias en paralelo, con los temas, los subtemas, los protagonistas principales o el lugar donde ocurre la acción. Haber estudiado cine ha afectado definitivamente a mi manera de entender la fotografía.

    Por otro lado, Humanidades es una carrera que, a nivel laboral, tiene pocas salidas, básicamente la gestión cultural. Pero si quieres dedicarte a algo relacionado con el arte es muy interesante, porque te proporciona una perspectiva general de lo que se ha hecho hasta ahora y de quiénes han sido los grandes pensadores en filosofía, historia del arte o literatura. Creo que es un buen complemento para dedicarse al arte. Y sí, efectivamente, utilizo la fotografía para explicar historias. A veces son historias más conceptuales, alrededor de grandes temas universales, que al final son los que se repiten siempre. La originalidad o la marca del autor está en los matices, en la manera de contarlos y en los subtemas, porque los grandes temas, desde los griegos, son siempre los mismos. Lo que me interesa es explicar historias con imágenes y eso solo se consigue con una secuencia bien vertebrada, con una selección bien ordenada de fotografías.

    —Vivimos rodeados de imágenes, probablemente como nunca antes en la historia. Fotografías que hacemos, compartimos y olvidamos casi inmediatamente. ¿Crees que esta sobreabundancia está cambiando nuestra manera de mirar y nuestra capacidad para detenernos ante una fotografía?

    —Creo que la sobreabundancia de imágenes está cambiándolo todo. Es una paradoja porque, por un lado, vivimos rodeados de imágenes, tanto en las redes sociales como en la televisión o la publicidad, pero, por otro, no se nos enseña a leerlas, a descifrarlas. Es contradictorio y paradójico, pero también creo que hay un elemento un poco oscuro. A los poderes fácticos no les interesa que sepamos leer imágenes porque es la manera que tienen de manipularnos a través de la publicidad, las redes sociales y otros medios. Tengo dos hijas adolescentes y te aseguro que en la escuela no les han enseñado a leer una imagen, y mucho menos una secuencia de imágenes. Creo que dedicarme a hacer libros, que son objetos de papel que requieren un tiempo, una concentración y una dedicación, es un ejercicio absolutamente rebelde en los tiempos que corren, donde las imágenes son fluidas, líquidas y se consumen en fracciones de segundo. En ese sentido, me considero entre un romántico y un rebelde por el hecho de hacer libros.

    —En tu trabajo, la edición ocupa un lugar tan importante como la propia toma fotográfica. ¿Qué sucede cuando empiezas a ordenar las imágenes? ¿Hasta qué punto una fotografía puede cambiar de significado dependiendo de las que tenga delante o detrás?

    —La fotografía es polisémica, todos lo sabemos. Tiene tantos significados como personas que intentan descifrarla. Para cada persona adquiere matices diferentes en función de su propio bagaje cultural y emocional. Eso sucede con una sola imagen. Imagínate cuando ponemos varias imágenes en relación. ¿Qué pasa con una fotografía respecto a la que la precede y a la que la sigue en una secuencia? Las imágenes se interpelan mutuamente, se modifican, dialogan, y eso hace que secuenciarlas tenga un montón de posibilidades expresivas. Se multiplica exponencialmente la posibilidad de contar cosas con muchas imágenes en relación con una sola. Las fotografías cambian absolutamente de significado en función de las que tienen delante y detrás, y del lugar que ocupan en el conjunto de la edición.

    El fotolibro, un diálogo que permanece

    —Has publicado numerosos fotolibros y también una novela. ¿Qué posibilidades narrativas encuentras en el fotolibro que no te ofrece una exposición, una publicación convencional o incluso el propio lenguaje cinematográfico?

    —Realmente, el lugar donde me siento más cómodo es el fotolibro. Creo que llevo nueve fotolibros propios publicados. Después, con la editorial que monté en 2018 con José María de Llobet, llevamos unos cuarenta fotolibros publicados, la mayoría editados por mí o por nosotros dos. Para mí, el formato natural de la imagen es el papel. Creo que la imagen empieza a existir cuando se imprime, y qué mejor lugar que un libro. Una pintura, por ejemplo, no se reproduce bien en un libro porque cambia de formato, pierde textura y la experiencia es muy diferente. En cambio, la fotografía es plana y se puede reproducir con muchísima calidad en las páginas de un fotolibro. Toda la materialidad del propio libro incide también en la manera en que leemos esas imágenes. El paso de páginas es una bisagra que tiene mucho que ver con el montaje cinematográfico. Creo que es el lugar idóneo para explicar una historia a través de imágenes.

    ¿En qué se diferencia de una exposición? Una exposición normalmente puedes verla de un golpe de vista. Entras en una sala, ojeas y ya tienes una idea de la arquitectura global. Si hay varias salas, necesitas varios vistazos, pero puedes hacerte una composición general. En cambio, en el fotolibro no sucede eso. El fotolibro te obliga a detenerte en cada doble página y eso hace que la lectura sea muy diferente. El lector no tiene esa visión de pájaro que tiene el editor cuando trabaja con muchas fotografías sobre una mesa. Tiene que ir poco a poco desgranando significados, entrando en el lenguaje, como si estuviera viendo una película. La experiencia de exponer también es muy bonita porque ofrece otros recursos, como los materiales o los tamaños. Puedes jugar con fotografías muy pequeñas, muy grandes o medianas, posibilidades que en un libro son evidentemente menores. Además, el espectador de una exposición tiene que moverse, acercarse, alejarse de la pared, avanzar o retroceder con mucha facilidad, incluso simplemente girando la cabeza. Todo eso hay que tenerlo en cuenta: cómo reaccionan las imágenes, cómo se comportan en relación con el espacio que ocupan, con la arquitectura del lugar físico donde están colocadas. Diseñar una exposición exige empezar por conocer la sala y adaptar el trabajo a ese espacio.

    Creo que son dos experiencias muy diferentes. Para mí, el fotolibro destaca por muchas cosas. Una exposición, cuando la montas, la inauguras, durante los siguientes días o semanas viene más o menos gente, normalmente menos, y después la desmontas y las copias se quedan en tu estudio. En cambio, en un fotolibro el diálogo permanece para siempre. Los fotolibros llegan a las casas de las personas, a los museos o a las bibliotecas públicas o privadas, y quedan allí. Esa comunicación, ese diálogo, vuelve a existir cada vez que alguien abre el libro. Creo que eso es algo muy especial y muy bonito. Es el gran embajador del fotógrafo. No se me ocurre un formato más adecuado para conceptualizar, condensar, explicar y desarrollar un proyecto fotográfico. Esa idea de permanencia también lo hace muy interesante.

    —En el taller que has impartido en NEGATIVO, planteas el fotolibro como algo más que un soporte donde reunir fotografías. Hablas de secuencia, ritmo, tono y experiencia de lectura. ¿Cómo se construye una historia a través de imágenes sin necesidad de explicarlo todo?

    —Esta pregunta es muy difícil de responder en un minuto. Evidentemente, una de las claves es no intentar explicarlo todo, porque si lo explicas todo no dejas espacio para que el lector interprete y ponga algo de su propia persona. Creo que es muy importante dejar ese espacio para poder conectar. Si lo explicamos todo, rompemos la magia.

    ¿Cómo se construye una historia? Con una buena selección de imágenes, siendo conscientes de que editar es renunciar. Partimos de una gran renuncia. Normalmente, los proyectos tienen miles de imágenes y acabamos enseñando un centenar, aproximadamente. A veces cincuenta, a veces cien, a veces ciento cincuenta, pero normalmente estamos alrededor del centenar. Hay que ser conscientes de que editar es renunciar y, después, entender la importancia de la secuencia. Cómo empezamos, cómo acabamos, qué sucede por el medio, cuáles son los puntos álgidos. ¿Estamos explicando una historia? ¿Estamos explicando varias historias que se relacionan y se interconectan? Hay que tener muchas cosas en cuenta a la hora de editar y construir una historia con imágenes. Hay tantas maneras de construir como historias y estrategias narrativas. En Occidente tenemos unas cinco o seis estrategias que, más o menos, se van repitiendo en todas las historias. Pero si observamos cómo se trabaja la narrativa en África, por ejemplo, o en Oriente, encontramos otras estrategias, otra cultura y otra manera de explicar las historias. Hay muchas maneras de contar y lo importante es dar con la mejor para explicar tu propia historia. Es decir, encontrar la forma en que esa historia se potencie a nivel de contenido, de mensaje y también emocionalmente. Esa es la clave: explicar de la mejor manera posible la historia del autor.

    —Para este taller te nutres de una selección de fotolibros de tu colección personal, muchos descatalogados y difíciles de encontrar. ¿Qué tiene un buen fotolibro para permanecer en nuestra memoria? ¿Hay alguno que haya cambiado especialmente tu forma de entender la fotografía?

    —Para los talleres siempre traigo libros físicos. No me gusta utilizar el proyector porque estamos hablando de un objeto con unas características muy particulares a nivel de su materialidad: las texturas del papel o de los papeles, el tamaño, el formato, el tipo de cubierta, la encuadernación, la puesta en página… Hay un montón de cosas que creo que hay que tocar, ver, palpar, oler y sentir. En una pantalla volvemos a esa idea de la imagen líquida y efímera. Por eso me gusta ir cargado de libros por el mundo.

    Muchos están descatalogados o son difíciles de encontrar porque esa es una de las características del fotolibro. Normalmente se hacen ediciones bastante cortas: cien, doscientos, quinientos ejemplares. Mil ya es bastante excepcional, por lo menos en las editoriales independientes. Y aunque se hagan mil, si el libro es interesante, acaba agotándose. En más o menos tiempo, pero se agota. Los fotolibros suelen convertirse en objetos de deseo, sobre todo aquellos que adquieren cierta relevancia, ya sea porque han tenido la suerte de encontrar a las personas adecuadas para promocionarlos, porque el público los ha recibido con entusiasmo o porque el autor ya es conocido y vende todo lo que produce, que también hay casos.

    ¿Qué tiene que tener un buen fotolibro para permanecer en nuestra memoria? Lo mismo que una buena novela, un buen poemario o una buena película: algo que conecte con nosotros de una manera profunda. Hay una teoría psicológica que dice que recordamos las experiencias en función de cuánto nos han afectado. Cuanto más profundamente nos afecta una experiencia, más intenso queda su recuerdo. Creo que con los fotolibros, o con el arte en general, pasa lo mismo. ¿Por qué recuerdas un cuadro de determinado autor y no recuerdas otros? Por el impacto emocional o intelectual, que también puede ser una combinación de ambos. En mi caso, me muevo generalmente más por lo emocional, pero es verdad que hay trabajos que te impactan por su construcción o por su concepto y que también recuerdas.

    La mayoría de los fotolibros, como la mayoría de las novelas o las películas, los miramos una vez, aunque en el caso de los fotolibros normalmente sean dos o tres. Después se quedan en la librería y, en la mayoría de los casos, no los vuelves a abrir, porque acumulamos muchísimos. Por lo menos yo, que soy coleccionista. Pero hay unos cuantos a los que, por alguna razón, siempre vuelves. Seguramente son aquellos con los que más has conectado, pero también aquellos en los que, cada vez que los abres, descubres algo nuevo. Esto es muy bonito en relación con la imagen, que está tan abierta a significados. Como tú estás en un momento diferente de tu vida, tienes otro estado anímico, estás en otra situación profesional, emocional, familiar o de pareja, dialogas de manera diferente con la misma historia que ya habías leído anteriormente.

    Es muy bonito comprobar cómo, a lo largo del tiempo, cambia tu percepción de los fotolibros a los que acudes regularmente y cómo vas encontrando cosas nuevas. A mí me sucede que puedo haber enseñado un fotolibro en cientos de talleres y seguir abriéndolo. A veces un alumno me dice algo y pienso: «Ostras, ¿cómo puede ser que todavía no hubiera visto esto?». Los libros siguen sorprendiéndote. Siempre hablo del fotolibro como una cebolla, en el sentido de que un buen fotolibro es un objeto diseñado para tener diferentes capas, distintos niveles de lectura. Y cuanto más ahondas, como cuando pelas una cebolla, más te hace llorar. No significa que tengas que llorar mirando un fotolibro, pero sí emocionarte, ya sea intelectual o sentimentalmente. Creo que tiene que producirse el despertar de una cierta emoción para que valga la pena leerlo.

    Hay muchísimos fotolibros que han cambiado mi forma de entender la fotografía. Colecciono desde que estudié en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, aquí en Barcelona, donde ahora soy profesor de creación de proyectos. Empecé a finales de los años noventa, así que imagínate. Creo que cada fotolibro que te interesa, que te impacta, hace que tu mirada o tu manera de entender la fotografía cambie sutilmente. Y en la acumulación de todos esos estímulos, igual que sucede cuando consumes otras disciplinas artísticas, tu mirada se va transformando. Siempre digo que el fotógrafo tiene que consumir arte a todos los niveles. Hay que ir al cine, leer, visitar exposiciones de arte contemporáneo, de pintura clásica o moderna, de escultura, leer poesía… Hay que intentar disfrutar de las expresiones de otras disciplinas artísticas. Todo ello te afecta. Y si todo eso te afecta, ¿cómo no te van a afectar los propios fotolibros? Absolutamente. Nos afectan y nos van modificando.

    Editar, diseñar y publicar: una aventura colectiva

    —En 2018 pusiste en marcha una editorial especializada en fotolibros. ¿Qué te llevó a emprender esta aventura y cómo valoras el momento que vive la edición fotográfica independiente?

    —Para mí el fotolibro es el lugar natural para explicar historias principalmente a través de imágenes, porque a veces también las acompañan textos e incluso dibujos. Montar una editorial especializada únicamente en fotolibros hoy en día es un acto de utopía, de romanticismo, de rebeldía y un poco de inconsciencia también. Pero, en definitiva, uno intenta hacer lo que le apasiona, y a mí lo que me apasiona son los fotolibros. Estoy muy contento de tener la editorial y de haber conseguido no perder dinero, que ese es el objetivo. Por desgracia, ese es el objetivo empresarial: no perder dinero. Ganar ya sería todavía más complicado. Pero que cada libro nos permita hacer el siguiente y poder seguir haciendo proselitismo de este formato que tantas posibilidades expresivas tiene.

    Creo que estamos viviendo un buen momento para la edición fotográfica independiente. Las maneras de imprimir han cambiado muchísimo en los últimos veinte años y hoy en día, por muy poco dinero, con impresión digital y máquinas que ofrecen muchísima calidad, puedes autopublicarte. Lo que siempre recomiendo es que autopublicarse un libro no significa autoeditarse ni autodiseñarse. Si queremos hacer un buen fotolibro, normalmente tenemos que rodearnos de esas dos personas: un editor y un diseñador que nos ayuden a que fondo y forma tengan coherencia y a potenciar al máximo nuestro lenguaje. Como fotógrafos, normalmente no somos especialistas ni conocedores del diseño, de su historia, de la tipografía, ni tenemos experiencia editando. Es bueno rodearse de un equipo que nos ayude a explicar nuestra historia de la mejor manera posible.

    Se hacen cosas muy interesantes, pero también muchas cosas mal hechas. Hay mucha autopublicación mal resuelta porque hay gente que empieza y piensa que puede hacerlo todo sola, pero no siempre lo consigue. El otro día, Sasha Wolf, una curadora y galerista americana, contaba que alguien le había preguntado si no creía que se estaban haciendo demasiados fotolibros. Y ella respondía que demasiados fotolibros, nunca. Luego el público decidirá qué le interesa y qué no, pero cuantos más haya, mejor. Creo que es un momento muy bueno. Después podríamos discutir si hay suficiente público para tantos fotolibros. Seguramente la respuesta es que no, que se produce más de lo que se puede consumir, pero eso ya es otro tema.

    —La creación de un fotolibro implica también el trabajo de diseñadores, editores e impresores. ¿Hasta qué punto es una obra colectiva y cómo se negocia ese equilibrio entre la mirada del fotógrafo y las decisiones de quienes ayudan a construir el libro?

    —Crear un fotolibro es un trabajo en equipo y creo que es importante tenerlo en cuenta, tener también ese punto de humildad como autor, como fotógrafo, para dejarte aconsejar. Un fotolibro es una obra conjunta. El autor de las fotos, sin ninguna duda, es el fotógrafo, pero el autor del fotolibro normalmente no es solo el fotógrafo. Es una combinación de varias personas que han puesto su talento, su mirada, su experiencia y, con un poco de suerte, su entusiasmo y su cariño en ayudar al autor a explicar de la mejor manera su historia. Aquí entran también las dinámicas del trabajo en equipo y las personalidades de los diferentes individuos. Hay editores y diseñadores con egos más grandes, que necesitan dejar su huella en el trabajo a toda costa, y luego hay otros que trabajan más en favor de explicar la historia del autor, que es mi caso.

    Yo trabajo desde el respeto, desde el cariño, desde el amor. Lo que intento es explicar de la mejor manera posible la historia que el autor quiere contar. Ese es siempre el objetivo, no explicar tu propia historia ni intentar poner tu pequeña firma o tu marca, sino conseguir que la historia funcione de la mejor manera posible. ¿Cómo se negocia? Como todo en la vida, con paciencia y diálogo. Es importante que el autor sepa lo que quiere explicar. En fotografía sucede mucho que un fotógrafo hace imágenes, genera imágenes, pero luego no tiene claro cuál es el tema o qué está intentando explicar. Para eso también estamos los editores: para ayudar a encontrar esos temas, esos subtemas, y ayudar a escribir, a poner palabras a lo que uno fotografía, para acabar de asentarlo y entender de qué estamos hablando. A partir de ahí podemos construir una historia. Si el autor no sabe qué quiere explicar, será muy difícil que le ayudemos a explicarlo.

    La infancia, los recuerdos y la identidad

    —En NEGATIVO, muy impactante fue la conferencia El niño y la imagen del niño. La infancia aparece con frecuencia en tu trabajo. ¿Qué encuentras en ese territorio y por qué regresas a él como fotógrafo?

    —El niño y la imagen del niño es una conferencia que surge de una fotografía mía donde hay un niño sosteniendo un cuadro que le tapa la cara y el torso. En ese cuadro aparece el torso y la cara de otro niño que, en realidad, es un antepasado suyo. A partir de esa imagen desarrollo qué entiendo yo por fotografía y cuáles son las metodologías de varios de mis trabajos. Analizo un poco mi manera de trabajar en diferentes circunstancias, a partir de esa fotografía y de varios proyectos. Me preguntan mucho por qué aparecen niños tan a menudo en mis libros. Y yo siempre digo que no estoy hablando de los niños, estoy hablando del adulto que recuerda haber sido niño. El punto de vista es muy diferente. Para mí, los niños sirven como un catalizador o como una excusa para hablar de la infancia desde el punto de vista del adulto. Todos hemos sido niños y, como dice aquella frase, nadie sale de la infancia ileso. Siempre hay algún tema que nos afecta cuando somos niños y que condiciona nuestra identidad y nuestro futuro. Creo que ahí hay un territorio muy interesante que abordar. La identidad es uno de los grandes temas universales y uno de los que he tratado en bastantes de mis libros.

    —La fotografía familiar parece tener una relación muy estrecha con nuestra memoria. ¿Hasta qué punto las imágenes construyen nuestros recuerdos y nuestra propia identidad?

    —Es una gran pregunta. La identidad se basa en las experiencias vividas y esas experiencias muchas veces se moldean con el relato que tenemos de ellas. Ese relato a menudo viene condicionado precisamente por las imágenes que guardamos de nuestra infancia. Creo que muchas de esas imágenes construyen definitivamente nuestros recuerdos, pero luego hay un montón de otras cosas, de otros acontecimientos y experiencias que funcionan a un nivel subconsciente. A lo mejor no los recordamos conscientemente, pero siguen ahí dentro y también han afectado a nuestra manera de ser. Hay una combinación de lo que recordamos directamente, de lo que recordamos a través de imágenes y de aquellas cosas que no recordamos, pero que también nos han ido construyendo.

    —En una época en la que fotografiamos y compartimos constantemente la vida de nuestros hijos, ¿hemos perdido conciencia de lo que significa exponer públicamente su infancia? ¿Cómo has abordado esta cuestión en tus propios trabajos?

    —Es un debate muy abierto y que merece mucha reflexión. Por un lado está fotografiar a nuestros hijos y, después, el tema más importante, que es lo que enseñamos y lo que no enseñamos públicamente. Yo siempre lo he tenido muy claro desde el principio. A mis hijos solo los enseño cuando esa imagen está hablando de otra cosa, cuando es una fotografía que he dado por buena como fotógrafo y que responde a un concepto más amplio que normalmente desarrollo en alguno de mis trabajos. No comparto fotos de la vida cotidiana de mis hijos ni de ellos haciendo sus cosas. Eso queda en la intimidad y en la privacidad de los álbumes familiares, que también hago. No solo hago mis fotolibros en familia, también hago álbumes de los recuerdos familiares, simplemente. Y no solo eso, sino que en los fotolibros donde aparecen mis hijos lo hacen con su beneplácito.

    Desde el primer fotolibro que publiqué, Far Away So Close, donde había fotografiado a mi hija pequeña desde que tenía unos cinco años hasta los diez aproximadamente, recuerdo pasear con ella por el bosque camino del colegio y decirle que tenía intención de hacer un libro con algunas de las fotografías que le había ido haciendo durante aquellos años. Le expliqué que me gustaría tener su permiso porque era un libro que iba a ver mucha gente y, por tanto, también la iban a ver a ella. Quería que estuviera cómoda con eso. Me dijo que no tenía ningún problema. A día de hoy, mis dos hijas están muy contentas de haber aparecido en mis libros. No tengo ningún problema moral con ello porque tengo su beneplácito y porque creo que en todas esas fotografías hay un respeto por su persona y por su integridad.

    Cristina Armendáriz y el oficio de editar la mirada ajena

    —También has acompañado a Cristina Armendáriz en la presentación de Paralïpsis, el fotolibro que has ayudado a editar y que resultó ganador de la convocatoria anterior de NEGATIVO. ¿Cómo afrontas el trabajo de dar forma a la historia de otro fotógrafo? ¿Qué debe ocurrir para que un proyecto encuentre su verdadera forma en un libro?

    —Para mí es muy importante, como editor, conseguir explicar de la mejor manera posible la historia del autor. La edición es como un músculo: cuanto más editas, mejor se te da editar. Llevo muchos años editando montones de proyectos, no solo para mi editorial, sino también como editor freelance, como ha sucedido con el libro de Cristina. Trabajo desde el respeto y desde el conocimiento profundo de la historia que se quiere explicar. A partir de ahí me pongo a su servicio. Creo que soy un médium para que el fotógrafo consiga ver su historia vehiculada de la mejor manera posible, sin contradicciones, sin redundancias, con el ritmo adecuado y con todos los parámetros que exige una buena edición.

    Estoy al servicio del autor. Autor viene del latín auctoritas, autoridad. Tengo muy claro que el autor es quien tiene la última palabra, incluso en sus equivocaciones y en sus errores. Al final es su libro. A veces propongo algo y al autor no le parece bien. Intento justificar mi propuesta, pero si tiene muy claro que quiere, por ejemplo, que determinada fotografía aparezca en el libro, aunque yo considere que no debería estar, al final esa foto irá en el libro porque es suyo. La última decisión la tiene siempre el autor. Nosotros estamos para poner nuestra experiencia a su servicio. No todos los proyectos son ideales para acabar en un fotolibro, aunque debo decir que creo sinceramente que la mayoría sí lo son. ¿Qué debe ocurrir? Que se junten un autor, un editor y un diseñador y que entre los tres formen un buen equipo para explicar esa historia en un libro.

    La curiosidad como motor y la libertad de cambiar

    —Tu trayectoria ha recibido distintos reconocimientos y has desarrollado una obra muy personal. Después de tantos años trabajando con imágenes, ¿qué sigue despertando tu curiosidad como fotógrafo? ¿Han cambiado tus intereses y tu manera de trabajar?

    —Para mí los reconocimientos, al final, son anécdotas. En el camino se agradecen, obviamente. Te hace ilusión que la gente reconozca y valore tu trabajo, cómo no. Al final, el arte es comunicación. Primero, creo que es comunicación con uno mismo. Uno trabaja para intentar entender cuestiones que le interpelan, que le preocupan o que le motivan. Pero después, cuando decides enseñar eso a los demás, estás generando una comunicación de ti hacia los otros. Primero hay una parte de espejo y luego hay una parte de ventana. Es bonito ver que esa comunicación se produce y que la gente se interesa o valora tu trabajo.

    ¿Qué sigue despertando mi curiosidad? El niño que llevo dentro, no hay ninguna duda. Creo que tenemos que seguir siendo curiosos, entender el arte como un juego. Es muy importante seguir disfrutando, seguir pasándolo bien. Yo sigo saliendo con la cámara a hacer fotos y me sigue excitando encontrar una buena imagen, una imagen que resuene con algo que llevo dentro, muchas veces de manera inconsciente. A veces, hasta tiempo después, no acabas de entender por qué aquella imagen te interesaba o por qué la capturaste. Eso sucede normalmente editando, que es donde aparecen los verdaderos significados de las imágenes y de los trabajos. Es una de las partes mágicas que tiene la edición: en realidad estás hablando de ti mismo. Ahí ves cuáles son tus intereses y quién eres como autor, pero también como persona.

    Me sigue entusiasmando explicar historias y las historias no se acaban. Siempre tengo muchos proyectos entre manos y me sigue entusiasmando desarrollarlos y trabajar en ellos. Me lo sigo pasando muy bien haciendo lo que hago y creo que eso es lo más importante. El día que me aburra será el día que tenga que dejarlo, aunque no creo que ocurra. Y sí, mis intereses y mi manera de trabajar han cambiado con los años. Uno va cambiando como persona, va madurando, le van pasando cosas en la vida, algunos reveses y algunas alegrías. Tengo dos hijas, una mujer fantástica a mi lado. Cada cosa que haces en el camino, las personas con las que te relacionas, las obras que vas dejando acabadas, los proyectos que empiezas, los lugares que visitas, los viajes que haces y las personas que conoces te van modificando. Si todo eso te modifica, tus intereses y tu manera de trabajar también cambian.

    Me gusta pensar que hay unos hilos conductores, unas columnas vertebrales que recorren toda la obra de los autores cuando trabajamos desde la honestidad y la sinceridad, y no tanto desde lo que están haciendo los demás, sino siguiendo nuestro propio camino. Veo mis primeros trabajos y lo que estoy haciendo ahora, y encuentro conexiones muy claras, aunque también diferencias. Formalmente uno experimenta y creo que eso forma parte del camino del artista: salir de su zona de confort y atreverse a probar cosas nuevas sin miedo al qué dirán, sin miedo a perder la identidad. Muchas veces la identidad artística funciona como una camisa de fuerza. Estás atrapado en lo que los demás esperan de ti porque ya has enseñado cosas de una determinada manera. Creo que es importante intentar librarse de ese corsé para trabajar libremente y seguir investigando las posibilidades creativas y artísticas de los temas que te interesan, que suelen ser los mismos a lo largo de los años.

    NEGATIVO: la fotografía también necesita otros territorios

    —El Festival NEGATIVO está contribuyendo a crear en Badajoz un espacio de encuentro alrededor de la fotografía contemporánea. ¿Qué importancia tienen iniciativas como esta, desarrolladas fuera de los grandes centros culturales, para acercar la fotografía a nuevos públicos?

    —Creo que es fundamental el trabajo que hacen los festivales locales, entre comillas, es decir, fuera de las grandes ciudades. Es fundamental para que exista un tejido sano y creciente alrededor de la imagen y de la fotografía. Cuantos más festivales haya, más gente se hará eco de esta disciplina artística que, por desgracia, sigue siendo un poco la hermana pequeña de otras artes. En el mundo del coleccionismo y en otros ámbitos todavía se la considera, creo, un poco por debajo de otras disciplinas. Es muy importante crear esos espacios de diálogo, de encuentro, de discusión y de difusión de la fotografía contemporánea. Aplaudo absolutamente a la gente que está detrás de estas iniciativas porque sé que es muy difícil. A menudo dependen de fondos públicos, trabajan muchísimo y creo que son personas apasionadas, como lo soy yo, de la imagen. Hacen un trabajo realmente fundamental.

    La fotografía, la verdad y la inteligencia artificial

    —La irrupción de la inteligencia artificial está transformando nuestra relación con las imágenes y cuestionando su valor testimonial. ¿Cómo crees que afectará a la creación fotográfica? ¿Seguiremos distinguiendo entre fotografiar el mundo y construir imágenes de un mundo que nunca ha existido?

    —Creo que la fotografía nunca ha sido un testimonio de lo real. La fotografía no es sinónimo de verdad y nunca lo ha sido. Desde el momento en que un autor decide encuadrar un trocito del mundo y disparar en un determinado momento, ya está poniendo absolutamente un punto de vista y una intención. No nos está enseñando la verdad porque la verdad, entre otras cosas, no existe. Cada uno percibe las cosas, las ve y se relaciona con ellas desde su propio punto de vista. Al final hay tantos puntos de vista como personas, todos son válidos, pero todos son diferentes. No existe un valor objetivo para medir la realidad y creo que la fotografía no es un eco ni un espejo de la realidad o de la verdad. Nunca lo ha sido ni creo que debería pretender serlo. Sobre cómo afectará la inteligencia artificial a la creación fotográfica, hay muchas teorías. Yo creo que, entre otras cosas, deberíamos acuñar un nuevo término para las imágenes creadas con inteligencia artificial.

    Es una disciplina que tiene muchísimas posibilidades creativas, pero creo que es algo diferente de la toma fotográfica. La toma fotográfica parte de la experiencia de un autor con un objeto en las manos que se llama cámara. Puede ser una cámara de gran formato, la de un teléfono móvil, una cámara de paso universal, de formato medio o cualquier otro dispositivo, pero en definitiva es una cámara. Para hacer una fotografía tienes que desplazarte, ir a lugares o moverte por tu casa, relacionarte con el mundo de una determinada manera. Creo que la fotografía se define por una serie de metodologías alrededor de una persona con una cámara. Trabajar sentado en una butaca frente a una pantalla creando imágenes desde cero es otra manera de generar contenidos y de crear. Lo veo más cercano al escritor, que se sienta con un bolígrafo y crea su universo a partir de palabras, que, al fotógrafo, que normalmente tiene que moverse y encontrar algo en el exterior que le resuene. Son metodologías muy diferentes y, como tales, llevan también a resultados diferentes. Ni mejores ni peores, simplemente diferentes.

    Soy un poco escéptico respecto a cómo afectará la inteligencia artificial a la fotografía. Creo que debería considerarse una disciplina distinta. Al final todo son imágenes, efectivamente, pero una escultura también es una imagen, un cuadro también lo es, los fotogramas de una película también, e incluso lo que creamos en nuestra cabeza cuando leemos. Y no por ello son la misma disciplina artística. Todas pueden convivir de una manera saludable, sin problema, incluso mezclarse unas con otras, pero siendo conscientes de que la metodología de cada disciplina artística nos lleva a resultados diferentes. Como decía Alex Webb: «La fotografía para mí es una excusa para salir de casa». Me identifico mucho con esa frase porque parte de la belleza del proceso, de volver a sentirse niño, de salir de la zona de confort y divertirse, es justamente no saber qué te vas a encontrar. Salir a la calle y buscar cosas que resuenen con tu pensamiento, con tu sentir. Creo que el trabajo delante de una pantalla es mucho más mental. No tiene esa parte de encontrar, de no saber qué vas a descubrir. Son disciplinas y experiencias muy diferentes.

    Los fotógrafos imprescindibles y la música de las imágenes

    —Para terminar, ¿qué autores de la fotografía consideras imprescindibles en nuestras bibliotecas?

    —Hay muchísimos autores. Yo recomendaría un equilibrio sano entre los clásicos y los contemporáneos. Esa sería una buena respuesta. Es importante tener un Robert Frank, un Stephen Shore, un Koudelka, pero también es muy importante tener un Bryan Schutmaat, un Alec Soth o una Cristina de Middel. Gregory Halpern también me viene a la mente. Hay tantos que sería imposible hacer una lista, sería interminable. Pero combinar clásicos y contemporáneos me parece fundamental. Creo que mirar fotografía clásica te reconcilia con el medio. Cuando voy a una exposición o abro un libro de algún autor clásico, de una época en la que todavía no se trabajaba tanto a partir del concepto, encuentro algo muy especial.

    Ahora se trabaja mucho en series porque conceptualizamos y cada grupo de imágenes responde a una idea, a un concepto, a un mensaje. Antes se trabajaba más la imagen única y, a veces, en la suma de imágenes únicas surgían conceptos interesantes y potentes, como en Los americanos, de Robert Frank. Pero otras veces no. Con Cartier-Bresson, por ejemplo, sus fotografías se valoran de manera individual y después la suma de todo su trabajo, obviamente, habla de quién es él y de una época. Pero es una manera muy diferente de relacionarse con la creación. Cuando vuelvo a revisar autores clásicos que todavía no trabajaban desde el concepto, para mí es muy alentadora esa reconciliación con un estado muy puro de la imagen. Me gusta tener esa combinación en mi biblioteca.

    Willy López / Archivo Álex Llovet /Félix Méndez

  • Carmenchu Alemán «Hispania Sacra: veinte años fotografiando los rituales que se resisten al olvido»

    Carmenchu Alemán «Hispania Sacra: veinte años fotografiando los rituales que se resisten al olvido»

    La fotógrafa navarra presenta en el Festival NEGATIVO de Badajoz Hispania Sacra, un recorrido en blanco y negro por los ritos, las creencias y las contradicciones de la cultura popular de España y Portugal. Más de veinte años de investigación que comenzaron, en buena medida, con el descubrimiento de la obra de Cristina García Rodero en una exposición en París.

    Hay fotografías que parecen llegar de otro tiempo, aunque hayan sido tomadas ayer. Un penitente que recorre de noche las calles vacías de un pueblo extremeño, una promesa que se cumple en silencio, una celebración donde la alegría convive con el sufrimiento o una ceremonia religiosa en la que todavía sobreviven gestos anteriores al cristianismo. En ese territorio, donde lo sagrado y lo profano llevan siglos compartiendo espacio, se mueve la mirada de Carmenchu Alemán (Pamplona, 1967). La fotógrafa llega a Badajoz de la mano de Fundación CB y del Festival NEGATIVO con Hispania Sacra, (En Montesinos 22), una exposición que reúne parte de una investigación iniciada hace más de dos décadas y que continúa abierta. Su cámara ha recorrido pueblos de España y Portugal en busca de una iconografía popular que sobrevive al paso del tiempo, a la transformación del mundo rural y a una sociedad que parece haber perdido buena parte de las claves para interpretar sus propios símbolos.

    Las imágenes aparecen envueltas en un blanco y negro de amplias tonalidades grises, alejado de los contrastes más agresivos. Una elección estética que también es una manera de mirar, de conceder tiempo a quien observa y de invitarlo a detenerse ante escenas que, en ocasiones, resultan tan familiares como desconcertantes. Su relación con la fotografía comenzó mucho antes de dedicarse profesionalmente a ella. Con dieciocho años trabajó durante un verano para comprarse su primera cámara réflex. Después estudió Derecho, viajó y vivió en distintos países, hasta que una visita al Centro Pompidou de París terminó por cambiar su manera de entender las imágenes. Allí descubrió las fotografías de Cristina García Rodero, una revelación que le permitió reconocer la extraordinaria riqueza cultural que tenía mucho más cerca de lo que imaginaba.

    Aquella primera sacudida visual terminó convirtiéndose en una forma de vida. Carmenchu Alemán no se limita a fotografiar fiestas, romerías o penitencias. Investiga, espera, convive y vuelve a los mismos lugares hasta que su presencia deja de alterar lo que sucede delante de la cámara. Su trabajo habla de creencias, pero también de memoria, identidad, territorio y de una cultura rural que durante siglos ha transmitido su conocimiento a través de los símbolos. Conversamos con ella en Badajoz sobre esa España y ese Portugal que todavía conservan algunos de sus rituales más antiguos, sobre la fotografía documental, el papel de las mujeres detrás de la cámara y la necesidad de recuperar una mirada más pausada en un mundo saturado de imágenes.

    Hispania Sacra: veinte años buscando lo sagrado

    —Carmenchu, llegas al Festival NEGATIVO con Hispania Sacra. ¿Qué nos traes a Badajoz y qué hay detrás de esta exposición?

    —Hispania Sacra es una búsqueda que comencé hace veinte años. Una búsqueda de una iconografía simbólica de lo sagrado a través de sus representaciones rituales en espacios públicos, en un entorno muy cercano para mí, que es España y Portugal. Me interesa la relación de las personas con lo sagrado, pero a un nivel muy popular, de pueblo, de entornos muchas veces rurales, y cómo las personas se comunican con lo sagrado de una forma muy simbólica. Esos son los aspectos principales que me interesan.

    —En tus fotografías hay una parte religiosa, pero también un componente profano, incluso extraño. Una mezcla que reconocemos bien en Extremadura y en otros territorios de la Península. ¿Qué encuentras en esas contradicciones?

    —Es precisamente una de las cosas que más me interesan: las contradicciones y, sobre todo, el tiempo. Son ritos y rituales que están llegando hasta nosotros, que atraviesan todo ese espacio translúcido de los siglos y que se manifiestan actualmente. Y nos encontramos en el siglo XXI, en el siglo de la inteligencia artificial, de las redes sociales, y nos preguntamos cómo puede pervivir todavía todo esto, cómo puede convivir. Son precisamente esas mezclas y contradicciones las que me parecen interesantes. Otro de los ejes de mi trabajo es cómo la herencia pagana se ha incrustado y solapado con la cristiana. Lo que vivimos y vemos muchas veces es un sincretismo vivo.

    —Has recorrido Extremadura, especialmente el norte de Cáceres, con tradiciones como las de Valverde de la Vera o Jarramplas. ¿Qué tiene esta tierra que te ha atrapado fotográficamente?

    —Lo que me atrae de Extremadura es esa pervivencia de ritos que pertenecen al pasado y que siguen manifestándose actualmente. Por ejemplo, en Valverde de la Vera están las cofradías penitenciales o cofradías de sangre, que fueron prohibidas por Carlos III, al igual que las de San Vicente de la Sonsierra, en La Rioja. Es interesante porque hubo una legislación que se dictó y que en muchísimos lugares nunca se siguió ni se cumplió. A la vez que cuento esa relación con lo sagrado, hablo del territorio, de cómo nos comportamos y de cómo ese comportamiento se mantiene muchas veces. Lo que me interesa de Extremadura es precisamente ese pasado que llega de una forma muy pura, muy libre, muy personal.

    Cuando he ido a Valverde de la Vera no he ido precisamente en Semana Santa, sino durante la festividad de la Santa Cruz. A las once de la noche, cuando suenan las campanas, a veces sale un penitente o dos con sus promesas. Y digo a veces porque también he ido y no ha salido nadie. Verlos en ese entorno de calles vacías es estremecedor.

    —Detrás de cada una de esas imágenes hay mucho más que un viaje y una cámara. Hay documentación, investigación y conocimiento del territorio. ¿Cómo preparas ese trabajo?

    —Existe una investigación de campo que dura años. Llevo construyendo este trabajo más de veinte años y la parte que he traído a Badajoz es muy reducida, porque la exposición es mucho más amplia. Llevo años investigando sobre cada una de las pequeñas romerías y voy añadiendo proyectos. De hecho, Hispania Sacra no está terminado. No tengo vida para ir a todos los lugares en las mismas fechas, es así. Hay muchos sitios a los que todavía tengo pendiente ir.

    Tengo otro trabajo, Invierno profano, que se refiere a todos los rituales que comienzan con el solsticio y terminan el día anterior al Miércoles de Ceniza. Ahí sí están incorporadas fotografías de Jarramplas, al que he ido varias veces, y ese proyecto prácticamente lo tengo terminado. Pero Hispania Sacra continúa abierto. Cada día me cuentan nuevas cosas. Aquí, por ejemplo, me han hablado de la feria de Badajoz, que se celebra por San Juan. El problema es que en San Juan hay tantas celebraciones que cada año tengo que elegir un sitio. Todavía me quedan dos o tres años de trabajo.

    El blanco y negro y el tiempo de mirar

    —Hay una decisión estética muy clara en tu obra: el blanco y negro. Pero no es un blanco y negro especialmente duro, sino lleno de matices. ¿Qué te permite contar que quizá no conseguirías con el color?

    —Vamos a matizar. Lo primero es que el blanco y negro, para mí, es el nivel más básico de abstracción. Y hay muchas formas de tratarlo. El mío tiene una gran gama de grises. ¿Qué me permite esa gama de grises? Que las personas se acerquen a las fotografías con mayor delicadeza y no se sientan, por así decirlo, ofendidas o repelidas por la imagen. Lo que quiero conseguir es que alguien se acerque a una fotografía y se detenga en ella. En este mundo de redes sociales estamos bombardeados de imágenes. No somos conscientes de la cantidad de fotografías que vemos al día y todo es en color. Si le quito ese color, puedo permitir que una persona se acerque y se detenga. Que alguien se detenga en una fotografía ya es un milagro. La segunda razón, más práctica, es que comencé este trabajo en analógico. De hecho, muchas de las fotografías que hay aquí son analógicas escaneadas. Mantener el blanco y negro también permite dar coherencia y continuidad al proyecto.

    —Frente a la velocidad de las imágenes digitales, tus fotografías parecen reclamar reposo. Hay que detenerse, mirar los detalles, intentar comprender lo que sucede. ¿Qué estamos perdiendo con esa velocidad?

    —Vivimos en un mundo muy loco, en el que todo va rápido. Precisamente ese intento de pararse es lo que a mí me llama y lo que me motiva para fotografiar. Otro de los aspectos que me interesan mucho es el tiempo. Qué es el tiempo, cómo llega todo esto hasta mí y por qué siguen llegando estos rituales. No somos conscientes de la riqueza que existe en España y Portugal y a la que prácticamente no se le da importancia. Los entornos rurales han manejado siempre un lenguaje simbólico de una forma muy natural. Ahora mismo, como la cultura es principalmente urbana, esa cultura rural no se tiene en cuenta o, por lo menos, no recibe la admiración y la importancia que debería tener.

    —Cuando observamos tus fotografías, las personas parecen comportarse con absoluta naturalidad, como si no hubiera una cámara delante. ¿Cómo consigues esa cercanía?

    —Porque formo parte del paisaje. Soy el elefante que llega un momento en que no se ve. Y eso tiene mucho que ver con las horas a las que llego. A una romería que empieza a las doce de la mañana puedo llegar a las ocho. Cuando las personas llegan, yo ya estoy allí. Además, siempre voy vestida de una forma que se vea claramente que soy fotógrafa. Llevo mi chaleco y un mínimo de dos cámaras. No hay ninguna duda para nadie de que estoy haciendo fotografías.

    ¿Y por qué las personas se comportan de una forma natural? Porque son conscientes de mi presencia y porque me aceptan. Tampoco somos conscientes de la extrema generosidad que tiene la gente. Estamos continuamente viendo noticias de conflictos y parece que nos odiamos, pero la gente es buena, la gente es generosa, y yo lo siento en todos mis viajes. Son naturales porque llevo mucho tiempo allí y termino formando parte del paisaje.

    Mujeres detrás de la cámara

    —Quería detenerme en la presencia de las mujeres en la fotografía. Hoy tenemos grandes referentes, como Cristina García Rodero, pero durante mucho tiempo ha sido un ámbito con importantes barreras. ¿Cómo has vivido esa evolución? ¿Se han derribado realmente esos muros?

    —Es muy difícil, porque seguimos viniendo de donde venimos. Yo soy de Pamplona y recuerdo siempre una historia que no es una anécdota, sino una realidad. Hay una fotógrafa maravillosa, María Ángeles Sánchez, coetánea de Cristina García Rodero, que ha trabajado con ella y que tiene un libro precioso sobre las fiestas de España. Ella es periodista y fotógrafa. Fue a Pamplona a fotografiar el encierro de los Sanfermines, acreditada por El País, porque trabajaba para ese periódico, y no la dejaron pasar por ser mujer. Y no hace tanto tiempo de aquello. La barrera que ha existido ha sido muy importante. Nosotras intentamos salir adelante y esa barrera va cayendo, pero ese muro todavía no ha sido destruido en su totalidad.

    Cristina García Rodero: una revelación en París

    —Eres de Pamplona, estudiaste Derecho y, sin embargo, terminaste dedicando tu vida a la fotografía. ¿Dónde comienza esa historia? ¿Cuándo aparece la primera cámara?

    —Yo soy de Pamplona y, cuando tenía dieciséis años, una amiga del colegio recibió una cámara réflex como regalo de cumpleaños. Para mí aquello fue una maravilla. Los fines de semana nos dedicábamos a hacer fotografías y yo quería tener una cámara réflex. Cuando cumplí dieciocho años trabajé un verano entero. En lugar de irme de vacaciones, me quedé todo el mes de agosto trabajando en Pamplona y con el dinero que gané me compré mi primera cámara. Después llegó el momento de estudiar y yo no sabía muy bien qué quería hacer. En mi familia me dijeron que podía estudiar lo que quisiera, pero en Pamplona. Así que estudié Derecho, aunque nunca he ejercido. Posteriormente, la vida me llevó a varios países.

    —Y entonces aparece París. Hay un momento que parece decisivo en tu vida, cuando descubres la fotografía de Cristina García Rodero en una exposición. ¿Qué sucedió allí?

    —Estaba en Francia, en París, y fui a visitar el Centro Pompidou. De repente vi unas fotografías extraordinarias, maravillosas, que eran de Cristina García Rodero. Fue como caerme del caballo. Me di cuenta no solamente de que existía una forma de hacer fotografía que te hacía reflexionar acerca de ti mismo, sino de que había una realidad muy cerca de mí que yo desconocía. Ahí se encendió el gusanillo, la mecha de las fiestas de España y Portugal. Porque es una riqueza extraordinaria. En Francia desaparecieron prácticamente todas esas manifestaciones con la Revolución; en Inglaterra también desaparecieron muchas con la Revolución Industrial. Y esa riqueza que existe en la cuenca mediterránea, en Portugal, España e Italia, es increíble. Además, como la cultura dominante es urbana y a la cultura de los pueblos no se le hace demasiado caso, existe una libertad muy bonita. El fotógrafo tiene la posibilidad de adentrarse en esos rituales.

    La fotografía como forma de conocimiento

    —El Festival NEGATIVO, impulsado por Fundación CB, permite que el público de Badajoz se acerque a trabajos como el tuyo. ¿Qué importancia tienen estos encuentros y estos espacios para la fotografía?

    —Yo lo primero que diría es que Badajoz no es un rincón perdido. Me ha parecido una ciudad muy bonita. Y estos festivales tienen una importancia vital porque acercan la fotografía a un público que muchas veces, de otra forma, no se acercaría a ella. No solamente porque la fotografía sea importante, sino porque permite conocer diferentes formas de pensamiento, diferentes visiones. Siempre que uno tiene la oportunidad de ver cómo piensan los demás o cómo reflejan su forma de ver la vida, eso aporta muchísimo como persona. Es muy enriquecedor y muy interesante, tanto para las personas como para la ciudad. Y no hay que olvidar que es Fundación Caja Badajoz quien propicia el festival. Creo que es un ejemplo.

    Carmenchu Alemán continúa su búsqueda. Todavía quedan romerías por conocer, celebraciones que coinciden en el calendario y pueblos a los que regresar. En algunos encontrará multitudes; en otros, quizá una calle vacía y el sonido de unas campanas. Su fotografía seguirá esperando ese instante en el que un gesto cotidiano, una promesa o una ceremonia antigua permita comprender algo de quienes fuimos y de quienes seguimos siendo. Mientras tanto, Hispania Sacra ofrece en Badajoz una oportunidad para mirar sin prisa, para reconocer en las imágenes una parte de nuestra historia y para descubrir que, a veces, aquello que parece pertenecer a un pasado remoto continúa sucediendo a pocos kilómetros de casa.

    Willy López / Félix Méndez

  • Negativo Foto «Extremadura vuelve a mirar a través del objetivo»

    Negativo Foto «Extremadura vuelve a mirar a través del objetivo»

    La quinta edición del festival fotográfico impulsado por Fundación Caja Badajoz despliega 17 exposiciones, diez charlas, talleres, visionados de porfolios y nombres como Gervasio Sánchez, Alex Llovet, José Luis Carrillo, Ignacio Navas, Silvia Ayerra o Carmenchu Alemán. Badajoz vuelve a ser el centro de una programación que se extiende por Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena y que conecta la creación contemporánea con la memoria fotográfica extremeña.

    Hay fotografías que nacen para durar una fracción de segundo y otras que necesitan cincuenta años para terminar de contarnos lo que tenían delante. Algunas salen de una cámara digital, otras esperan dentro de un carrete; unas acaban colgadas en la pared de un museo y otras permanecen durante décadas guardadas en una caja, en un archivo familiar o en un fondo documental hasta que alguien vuelve a mirarlas. Entre todas esas posibilidades se mueve NEGATIVO FOTO.

    El festival de fotografía promovido por Fundación Caja Badajoz alcanza en 2026 su quinta edición y lo hace ampliando considerablemente el mapa. Ya no se trata únicamente de reunir exposiciones alrededor de unos días concretos. NEGATIVO se extiende desde octubre hasta enero, entra en museos, galerías, centros culturales, una facultad, archivos y espacios de Fundación Caja Badajoz; sale de Badajoz y viaja hacia otras localidades de la región; reúne a fotógrafos consagrados con autores extremeños, estudiantes y aficionados, y coloca frente a frente dos cuestiones que recorren buena parte de su programación: qué hacemos hoy con la fotografía y qué hacemos con todas aquellas fotografías que nos precedieron.

    Son 17 exposiciones, diez charlas —una de ellas específicamente dirigida a estudiantes con Gervasio Sánchez—, tres talleres, dos visionados de porfolios con premios para las categorías analógica y digital, fotografía minutera y un espacio dedicado a fotografía y fotolibros. La primera apertura llegará el 16 de octubre y las muestras continuarán escalonadamente durante octubre, noviembre y diciembre; algunas permanecerán abiertas hasta enero.

    Aunque el núcleo continúa estando en Badajoz, el festival llegará también a Olivenza, Mérida, Zafra, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena, esta última mediante la colaboración con el Festival de Fotografía Analógica Ricardo Martín.

    Cinco ediciones después

    NEGATIVO nació a finales de 2022 alrededor de una apuesta que Fundación Caja Badajoz venía desarrollando paralelamente: la creación del Centro de la Documentación y de la Imagen de Extremadura, CDIEX. Cinco ediciones después, ambos proyectos empiezan a entenderse también como partes de una misma conversación. Uno mira hacia la fotografía que se está haciendo; el otro protege, estudia y devuelve al presente la fotografía que ya se hizo.

    El CDIEX trabaja en la preservación, estudio y difusión de la memoria visual extremeña desde su sede en el Casco Antiguo de Badajoz, mientras NEGATIVO incorpora esa memoria al circuito de la creación fotográfica actual. La propia organización establece entre sus objetivos la conservación y difusión del patrimonio fotográfico regional junto a la divulgación de las tendencias contemporáneas, la formación y la visibilidad de autores locales y regionales.

    Emilio Jiménez, patrono de Fundación Caja Badajoz, insistió precisamente durante la presentación del programa en esa relación entre NEGATIVO y el CDIEX, dos iniciativas que avanzan conjuntamente en la puesta en valor de la memoria fotográfica extremeña. Y esa conexión no se queda este año en una declaración de intenciones. Dos de las exposiciones de la programación están comisariadas por el CDIEX y permiten regresar a un Badajoz que permanece detenido dentro de sus imágenes.

    El Badajoz que estaba guardado

    Una de ellas será El Badajoz de los cincuenta en el fondo de Ricardo Martínez Teodoro, que podrá verse en Montesinos 22 entre el 5 y el 30 de noviembre. Muy cerca, pero utilizando otra forma de mirar, Badajoz, otra mirada. Fotografía estereoscópica en el legado de José Rebollo López ocupará Espacio Casa Alba desde el 5 de noviembre hasta el 10 de enero. El título ya anticipa una de las particularidades de la propuesta: la fotografía estereoscópica y la posibilidad de reencontrarse con la ciudad a través del Fondo Vidarte Rebollo. A ello se suma, desde el 6 de noviembre en Foto Estudio Museo E. Vidarte, La punta del iceberg: cuatro archivos del Fondo Vidarte-Rebollo.

    Tres aproximaciones que convierten el archivo en algo más que un almacén de imágenes antiguas. Calles que cambiaron, edificios desaparecidos o transformados, personas anónimas que atravesaron el encuadre, celebraciones, escaparates, automóviles, ropa, gestos cotidianos. La fotografía adquiere con el tiempo información que probablemente su autor ni siquiera sabía que estaba guardando. Y NEGATIVO coloca esas imágenes históricas a pocos metros de otras fotografías realizadas desde códigos completamente contemporáneos. Ahí está una de las posibilidades más interesantes de esta edición: caminar entre tiempos distintos de la fotografía sin abandonar la ciudad.

     

     

     

     

     

     

     

    Diecisiete exposiciones y muchas maneras de mirar

    El mapa del festival es revelador. NEGATIVO utiliza buena parte del centro y el Casco Antiguo de Badajoz como una pequeña cartografía fotográfica. Montesinos 22, VS22, Espacio Casa Alba, el MUBA, MEIAC, El Hospital Centro Vivo, la Facultad de Ciencias de la Documentación y la Comunicación, Sala ARTEX, Galería Arte Joven, la nueva sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña, la Plaza de la Soledad o Foto Estudio Museo E. Vidarte forman parte del recorrido.

    Fuera de Badajoz se incorporan espacios en Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena.

    El primer movimiento llegará incluso antes de la inauguración oficial del grueso del festival. José Luis Carrillo presenta Los hijos del ciervo en Villanueva de la Serena desde el 9 de octubre. El 16 llegará a la Sala Vaquero Poblador de El Hospital Centro Vivo Énfasis en la forma, de la Agrupación Fotográfica Extremeña, exposición que posteriormente viajará al Museo Etnográfico Extremeño González Santana de Olivenza.

    La Facultad de Ciencias de la Documentación y la Comunicación acogerá Imágenes iniciáticas 26, realizada por alumnado del taller de Aulas Culturales de la UEx; Miguel Ángel Naharro presentará Paraísos costeros: Costa portuguesa en Galería Arte Joven antes de llevar el proyecto a Zafra; Marta Areces llegará al MUBA con Antes del glamour; e Ignacio Navas ocupará el MEIAC con Kickflip. Montesinos 22 recibirá además una segunda presentación de Los hijos del ciervo y Carmenchu Alemán mostrará allí Hispania Sacra.

    La programación continúa con Silvia Ayerra y Diente de leche, José Miguel Cerezo y California Island, y, ya en diciembre, 40 formas de ver las formas, con las obras finalistas del concurso FORMAS de Miguel Ángel Rodríguez Plaza. Algunas de estas exposiciones volverán a viajar: California Island llegará a Villafranca de los Barros y Paraísos costeros tendrá una nueva parada en el espacio de Fundación Caja Badajoz en Zafra. La exposición deja así de ser necesariamente el final del proyecto. Una misma serie puede desplazarse, encontrar otro público y cambiar incluso su lectura dependiendo del espacio donde se presenta.

    Gervasio Sánchez: fotografiar sin convertir la guerra en espectáculo

    Dentro de una programación tan extensa hay un nombre que inevitablemente concentra buena parte de la atención: Gervasio Sánchez. El fotoperiodista participará en NEGATIVO desde diferentes posiciones. No llega solamente para enseñar fotografías o hablar de su trayectoria. Impartirá durante los días 6, 7 y 8 de noviembre el taller La dignidad es lo que importa, en VS22, y ofrecerá el día 6, a las 19:30 horas en Montesinos 22, la charla Maldita la guerra. El lunes 9 cambiará además de interlocutores. A las once de la mañana protagonizará La guerra no es un espectáculo, un encuentro específicamente destinado a estudiantes.

    Los propios títulos trazan prácticamente una declaración sobre su manera de entender el oficio: guerra, dignidad y responsabilidad ante las personas fotografiadas. En un festival que quiere hablar también de formación, lenguaje y cultura visual, su presencia abre inevitablemente otro terreno: qué significa mirar cuando al otro lado de la cámara hay dolor, violencia o víctimas; dónde acaba el documento y dónde comienza el espectáculo; y qué responsabilidad adquiere quien decide apretar el disparador y publicar después esa imagen.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    Del carrete al fotolibro

    Pero NEGATIVO 2026 no se instala únicamente en la pared. Una parte importante del programa se dedica al proceso: editar, seleccionar, secuenciar, imprimir, fabricar un libro, revisar un proyecto o regresar incluso a procedimientos fotográficos que obligan a relacionarse con la imagen de otra manera.

    El 7 de noviembre habrá dos visionados de porfolios simultáneos. Alex Llovet trabajará con los proyectos digitales y José Luis Carrillo con los analógicos. Al día siguiente se conocerá el fallo de ambos visionados. El fotolibro tendrá también un peso considerable. Juan Pedro Font de Mora, de la Librería Railowsky, ofrecerá la charla Hablemos de fotolibros y mantendrá durante el fin de semana un stand especializado. Alex Llovet impartirá el taller Fotolibros y narrativa visual: del concepto al objeto; Cristina Armendáriz presentará junto a él Paralïpsis, mientras Miguel Ángel Esteban, de Gráficas Palermo, abordará el paso del archivo al libro, incluyendo producción, color y control en su fabricación.

    Es una parte menos espectacular que una gran exposición, pero fundamental para entender hacia dónde ha evolucionado la fotografía de autor: ya no basta necesariamente con conseguir una buena imagen. Importan la selección, el orden, la relación entre fotografías, el soporte, la edición y la manera en que un proyecto termina convertido en relato.

    Y una cámara en mitad de la Plaza de la Soledad

    En el extremo contrario de la velocidad contemporánea aparecerá La Platera. Alba García Fijo instalará su propuesta de fotografía minutera en la Plaza Virgen de la Soledad durante el fin de semana central del festival: el sábado 7, entre las 10:00 y las 18:00 horas, y el domingo 8, de 10:00 a 14:00. En tiempos de teléfonos capaces de producir centenares de fotografías en una mañana, NEGATIVO recupera así una relación casi física con la imagen: cámara, papel, proceso y espera.

    También Chechu, de Disparafilm, trabajará desde lo analógico con el taller Positivo directo en papel fotográfico blanco y negro, en la nueva sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña. No parece casual que en una misma edición convivan fotografía estereoscópica histórica, archivos del siglo XX, fotografía minutera, procesos analógicos, creación digital, narrativa interactiva y fotolibro. NEGATIVO no plantea una única fotografía posible. Las coloca juntas.

    Tres días para hablar de fotografía

    El 6, 7 y 8 de noviembre será el momento en el que todas esas líneas prácticamente se cruzarán. Exposiciones, talleres, conversaciones, porfolios, fotografía minutera, fotolibros y encuentros convertirán esos tres días en el verdadero epicentro de la quinta edición. Todas las actividades son gratuitas hasta completar aforo, salvo aquellas que requieren inscripción o selección previa.

    El sábado 7, por ejemplo, Silvia Ayerra hablará de Diente de leche, una historia de cuidados y alianzas; José Miguel Cerezo presentará Mapa antes de inaugurar California Island; Ignacio Navas abordará la construcción de una narrativa interactiva y posteriormente se inaugurará Diente de leche en la sede de la Agrupación Fotográfica Extremeña.

    El domingo Alex Llovet hablará sobre El niño y la imagen del niño y Miguel Ángel Esteban explicará la cocina técnica que existe detrás de la fabricación de un fotolibro. Habrá además fallo de los visionados, sorteo de fotolibros y fotografía minutera. El festival propone así algo más parecido a una conversación prolongada que a una sucesión de inauguraciones. Autores que enseñan obra. Fotógrafos que revisan la de otros. Editores que explican cómo convertir fotografías en libros. Profesionales que hablan de procesos. Estudiantes que comienzan a enseñar sus primeras imágenes. Aficionados que pueden entrar y escuchar.

     

     

     

     

     

     

     

    De Badajoz al resto del mapa

    Hay además una decisión territorial importante en esta quinta edición. Badajoz continúa concentrando buena parte de NEGATIVO, pero el festival rompe sus propios límites urbanos. Olivenza recibirá Énfasis en la forma; Mérida, 40 formas de ver las formas; Zafra, Paraísos costeros: Costa portuguesa; Villafranca de los Barros, California Island; y Villanueva de la Serena abre el recorrido con Los hijos del ciervo.

    La fotografía empieza así a dibujar su propio itinerario por Extremadura. Ahí está una de las claves del crecimiento de NEGATIVO después de cinco ediciones: no construir únicamente un festival al que haya que acudir, sino conseguir que parte del festival vaya también en busca de su público. La lista de espacios participantes ayuda a entender la dimensión alcanzada: museos públicos, salas de exposiciones, una universidad, asociaciones fotográficas, galerías privadas, centros culturales y espacios de Fundación Caja Badajoz forman una red que desborda el concepto convencional de sede única.

    Durante la presentación celebrada en Montesinos 22 participaron Emilio Jiménez, patrono de Fundación Caja Badajoz; José Antonio Casablanca, concejal de Cultura del Ayuntamiento de Badajoz; Manuel Candalija, director de Cultura de la Diputación de Badajoz, y Pepe Calero, coordinador de NEGATIVO. Casablanca y Candalija expresaron el interés de ambas instituciones por la continuidad de una propuesta que, después de cinco ediciones, consideran ya un acontecimiento cultural tanto para Badajoz como para las localidades participantes.

    Una región dentro de millones de fotografías

    Nunca hemos hecho tantas fotografías. Las hacemos para recordar dónde estuvimos, qué comimos, con quién viajamos. Fotografías de conciertos, manifestaciones, cumpleaños, hijos, padres, calles, guerras, escaparates, amaneceres y espejos. Algunas llegan a miles de personas en cuestión de segundos y desaparecen de nuestra atención casi a la misma velocidad.

    NEGATIVO FOTO propone durante tres meses exactamente lo contrario: detenerse delante de ellas. Mirar el Badajoz de los cincuenta y después entrar en el MEIAC para encontrarse con Ignacio Navas. Pasar de un archivo del Fondo Vidarte-Rebollo a una cámara minutera instalada en la Plaza de la Soledad. Escuchar a Gervasio Sánchez hablar de guerra y dignidad, sentarse después ante un porfolio, descubrir cómo se fabrica un fotolibro o encontrarse con los primeros trabajos de estudiantes de la Universidad de Extremadura.

    Desde octubre y hasta que las últimas exposiciones cierren sus puertas en enero, NEGATIVO FOTO 2026 convierte Badajoz y diferentes puntos de Extremadura en un mapa de imágenes, autores, archivos y conversaciones. Cinco ediciones después, el festival ya tiene algo sobre lo que volver a enfocar, su propia historia.

  • Los Premios Ciudad de Badajoz celebran el talento entre palabras, imágenes y partituras

    Los Premios Ciudad de Badajoz celebran el talento entre palabras, imágenes y partituras

    La ciudad celebra siete formas de creación en una edición que ha reunido 850 obras entre poesía, novela, periodismo, pintura, escultura, fotografía y música. La gala, celebrada en el Espacio Cultural Santa Catalina, ha dado a conocer a los ganadores en presencia de los finalistas y ha tenido continuidad con una exposición de 43 obras en el Museo Luis de Morales.

    La palabra escrita, la mirada de un fotógrafo, el trabajo paciente de un escultor, los colores de un lienzo o las notas de una composición musical han compartido protagonismo en una nueva edición de los Premios Ciudad de Badajoz. Una celebración de la creación en sus diferentes lenguajes que ha vuelto a reunir en la capital pacense a escritores, artistas, periodistas y músicos, protagonistas de unos galardones que, con el paso de las décadas, han consolidado su lugar en el panorama cultural de la ciudad y han ampliado su proyección más allá de Extremadura.

     

    La convocatoria de 2026 ha reunido 850 trabajos en sus siete modalidades, una cifra que permite dimensionar el alcance de unos certámenes que combinan premios de larga trayectoria, como los de poesía y novela, con disciplinas incorporadas posteriormente. Detrás de las obras presentadas hay creadores de diferentes generaciones, procedencias y sensibilidades, que encuentran en Badajoz una oportunidad para dar visibilidad a su trabajo. El Espacio Cultural Santa Catalina ha acogido la ceremonia de entrega de los premios, una edición marcada por un cambio en su desarrollo. Por primera vez, el fallo de los jurados y la entrega de los galardones se han celebrado en un mismo acto, con la presencia de los finalistas de las siete modalidades. La fórmula ha incorporado a la gala la expectación de conocer los nombres de los ganadores y ha permitido compartir ese momento con el resto de participantes, los miembros de los jurados y el público asistente.

    La periodista Ana Pecos ha conducido una ceremonia que ha contado con la música del cuarteto de cuerda Anam Camerata y que también ha podido seguirse en directo a través de Badajoz Online. Entre los asistentes se encontraban el alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera; el secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, José Luis Gil Soto, el concejal de Cultura José Antonio Casablanca y la diputada provincial Paqui Silva, además de representantes institucionales, jurados y creadores.

    La cultura como identidad de una ciudad de frontera

    Durante su intervención, el alcalde de Badajoz, Ignacio Gragera, ha reivindicado el papel de la cultura en la construcción de la identidad de la ciudad y su contribución al desarrollo colectivo. «Aquí la cultura nunca ha sido un adorno del progreso: ha sido su motor y el alma que lo mueve», ha afirmado. Gragera ha situado esa reflexión en la propia historia de Badajoz, una ciudad cuya condición fronteriza y relación con Portugal han favorecido el intercambio de ideas, sensibilidades y manifestaciones culturales. En ese contexto, ha defendido una identidad abierta, capaz de enriquecerse a través del encuentro con otras realidades. «La cultura es la única patria que se hace más grande cuanto más se comparte», ha señalado.

    El alcalde también ha querido detenerse en el trabajo que precede a cualquier creación artística. Las horas de dedicación, las incertidumbres, las dificultades y el esfuerzo que acompañan a quienes escriben, investigan, componen o desarrollan una obra plástica forman parte de un proceso que no siempre obtiene reconocimiento público. Los premios, ha destacado, permiten hacer visible una parte de ese trabajo y acercarlo a la ciudadanía. En su discurso ha reservado igualmente un espacio para el periodismo, al que ha reconocido su capacidad para interpretar la realidad y contribuir a la construcción de una memoria colectiva. Una disciplina que convive en estos galardones con las distintas expresiones artísticas y literarias y que amplía el alcance cultural de los premios. «La cultura no es lo que hacemos cuando todo va bien. Es lo que nos sostiene cuando todo va mal», ha expresado Gragera, antes de agradecer la participación de los creadores, los jurados y las comisiones de selección.

    La literatura reúne cerca de 400 obras entre poesía y novela

    La modalidad más veterana de los premios, la de Poesía, ha alcanzado su cuadragésima quinta edición con una participación de 252 poemarios. De ellos, seis fueron seleccionados como finalistas por la comisión lectora. El reconocimiento, dotado con 9.000 euros, ha recaído en Jorge Fernández Gonzalo, ganador por Exilio del recuerdo. El Premio de Novela, que este año celebra su trigésima edición, ha recibido 129 manuscritos, de los que también fueron seleccionadas seis obras finalistas. El galardón, dotado con 18.000 euros, ha distinguido a José María Mayorga García por Malas viudas, una obra que se incorpora al palmarés de un certamen con tres décadas de historia. Entre ambas modalidades literarias se han presentado 381 trabajos, una participación que refleja la capacidad de convocatoria de estos premios y el interés que mantienen entre escritores y escritoras. La continuidad de ambos certámenes constituye además una de las principales referencias de la política municipal de apoyo a la creación literaria.

    El periodismo recupera la memoria y los testimonios personales

    En el ámbito periodístico, el Premio «Francisco Rodríguez Arias», que alcanza su vigésima tercera edición, ha recibido 24 artículos, de los que seis llegaron a la selección final. El jurado ha reconocido dos trabajos relacionados con la memoria histórica, la violencia y sus consecuencias personales y sociales.

    El primer premio, dotado con 4.000 euros, ha recaído en María Díaz Sánchez por Así vivieron los extremeños la noche del 23-F, publicado en el diario HOY. El trabajo recupera la experiencia de los extremeños durante una de las jornadas más decisivas de la historia reciente de España. El segundo galardón, de 2.000 euros, ha sido para Adrián García Durán por El abandono de la viuda de un asesinado por ETA: antes tenía miedo, ahora me duele la soledad, publicado en ABC. Un reportaje que sitúa el testimonio personal y las consecuencias prolongadas de la violencia terrorista en el centro del relato periodístico. Ambos reconocimientos ponen el acento en una manera de ejercer el periodismo vinculada a la recuperación de la memoria, la escucha de los protagonistas y la reconstrucción de acontecimientos cuyas consecuencias permanecen más allá del momento en que sucedieron.

    Pintura, escultura y fotografía: tres miradas sobre la creación contemporánea

    Las artes plásticas han vuelto a ocupar un lugar destacado en los Premios Ciudad de Badajoz, tanto por los reconocimientos concedidos como por el elevado número de propuestas presentadas. Entre las tres disciplinas se han recibido 433 trabajos, de los que 43 forman parte de la exposición inaugurada en el Museo de la Ciudad Luis de Morales. En Escultura, modalidad que alcanza su vigésima edición, han concurrido 38 obras. El primer premio, dotado con 9.500 euros, ha sido para Mario Valdés Sánchez por El sueño de los árboles. El jurado ha concedido además una mención a La rueda del tiempo inacabada, 2026, de Jean-Baptiste Van Den Heede.

    La decimonovena edición del Premio de Pintura ha recibido 216 obras, convirtiéndose en una de las categorías con mayor participación. El primer galardón, dotado con 5.000 euros, ha correspondido a Josep María Santamaría Binimelis por Pasaje/transcurso. El segundo premio, de 4.000 euros, ha distinguido a Nassra Musa UyChoco por Aygo, mientras que Lesay Guerrero León ha obtenido el tercero, dotado con 3.000 euros, por Rojo. Por su parte, el decimotercer Premio de Fotografía ha reunido 179 trabajos. El primer premio, de 5.000 euros, ha reconocido a José Quintanilla por Bosque en llamas. El segundo galardón, dotado con 2.500 euros, ha sido para María Bardají, autora de Disidencia, y el tercero, de 1.500 euros, para Genín Andrada por El bosque de piedra. Esta modalidad cuenta con el patrocinio de la Junta de Extremadura. Tres disciplinas que reúnen técnicas, materiales y lenguajes diferentes y que encuentran en estos premios una oportunidad para mostrar sus propuestas más allá del propio concurso.

    La música recuerda a Cristóbal Oudrid

    La séptima edición del Premio de Música Ciudad de Badajoz ha estado dedicada al compositor Cristóbal Oudrid, figura vinculada a la historia musical pacense y especialmente reconocida por su aportación a la zarzuela española del siglo XIX. La convocatoria, patrocinada por la Diputación de Badajoz, ha recibido doce partituras para banda bajo la temática A Cristóbal Oudrid, de las que cuatro fueron seleccionadas como finalistas. El primer premio, dotado con 4.000 euros, ha correspondido a José Martínez Mulió por Fantasía sobre motivos del maestro Cristóbal Oudrid, mientras que el segundo, de 2.000 euros, ha distinguido a José Luis López-Mingo por Una zarzuela oudriniana. La elección de Oudrid como protagonista de esta edición ha permitido conectar la creación musical contemporánea con el patrimonio histórico de la ciudad y recuperar la figura de uno de sus compositores más destacados.

    Cuarenta y tres obras para prolongar los premios más allá de la gala

    La celebración ha tenido continuidad en el Museo de la Ciudad Luis de Morales, donde se ha inaugurado una exposición que reúne una selección de las obras presentadas a los certámenes de escultura, pintura y fotografía. La muestra está integrada por 43 trabajos: 14 esculturas, 14 pinturas y 15 fotografías, seleccionados entre las 433 propuestas recibidas en estas tres modalidades. Una oportunidad para que el público pueda acercarse a la creación contemporánea y conocer algunas de las diferentes sensibilidades artísticas que han concurrido a los premios. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 13 de noviembre, en el horario habitual del museo, ampliando así el alcance de unos galardones que no se limitan al reconocimiento de sus ganadores, sino que también ofrecen espacios de encuentro entre los creadores y la ciudadanía.

    La selección permite además contemplar una parte del trabajo presentado a concurso y acercarse a propuestas que, con independencia de los premios obtenidos, forman parte de la diversidad artística de esta convocatoria. Con cuarenta y cinco ediciones en poesía, treinta en novela y una presencia cada vez más amplia de disciplinas artísticas, los Premios Ciudad de Badajoz reúnen una trayectoria construida a lo largo de varias generaciones. Su continuidad permite observar cómo han evolucionado los lenguajes creativos y cómo distintas voces y procedencias encuentran en la ciudad un espacio para presentar y compartir su trabajo. La edición de 2026 incorpora además una nueva manera de celebrar esos reconocimientos, reuniendo en una misma noche la incertidumbre del fallo, la entrega de los galardones y el encuentro entre sus protagonistas. Una fórmula que acerca el certamen a quienes participan en él y refuerza su dimensión pública dentro de la vida cultural de Badajoz.

    Redacción / foto. @davidRebolledoEs

  • Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.

    La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.

    La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.

    Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.

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    Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero. De esa España Oculta, borrachos, taxistas, camioneros, niños, curas, alcaldes, camareros, ricachones y mendigos pasamos a una «Tierra de sueños» de la Fundación “La Caixa”, una muestra sin complejos de la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, en las comunidades de Anantapur, con especial atención al rol que ocupan las mujeres.

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    Repite su mantra antes de mostrarnos su trabajo, fotografiar es querer ver, querer ver con sentimiento. Ahí arranca su viaje, otra aventura fotográfica a la que agradecer a uno/a de las/los mejores profesionales de la fotografía de España.

    El paso del analógico al digital no pesa a García Rodero…con la cámara muy bien con lo demás nada de nada, la revolución digital me ha dejado una isla con mi objetivo…comenta mientras ríe…El ordenador me sirve para abrir etiquetas y tirar a la papelera aquello que no vale. Y de ahí no salgo…dice humilde. Subraya que con la nueva era digital existen una infinidad de recursos que antes eran largos y muchas veces poco fructíferos…Puedes cambiar el color en una zona pequeñita, el contraste, la densidad, recortarlo, dibujar perfectamente el cuadro, mientras que antes, con el blanco y negro, por ejemplo, te tenías que hacer plantillas para que el cielo se oscureciera algo más, para hacer una copia buena necesitabas muchas veces, siete copias malas antes. Enfrentarse al laboratorio, aunque tuvieras apuntado todos los datos de lo que requería cada foto, era un proceso nuevo.

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    La mascarilla de García Rodero empaña sus gafas, pero sigue viendo, por la inercia de los años, por repetitivo trabajo de encuadrar a las personas desde hace más de 50 años. Nos mira, nos sigue contando emocionada su labor como testigo de historias vivas. Nos dice que la beca de la Fundación Juan March fue la culpable de dejarlo todo por la fotografía. Año 1973 y Franco aún seguía haciendo la España muy negra y oculta. Ahí comienza el viaje de Cristina García Rodero…La vida es así, mis estudios de Bellas artes me ayudó mucho, hacía fotos, pero en plan artístico, yo era muy muy artista… ríe, reímos ante esa declaración de amor por el arte.

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    Enganchada por el trabajo que comenzaba a realizar, para la fotógrafa, la primera mujer española de la Agencia Magnum, sello del que se siente algo cansada, consistía en conocer la vida de la gente, no saber lo que se iba a encontrar y luchar para sacar su trabajo lo más digno posible, la convirtió en una mujer casada con su cámara de fotos… Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla.  

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    Cristina García Rodero nos habla de Koldo Chamorro, otro colega de profesión al que a veces acompañaba en sus viajes, nos habla de las copias perfectas del laboratorio de Castro Prieto. El blanco y negro contrastado, lleno de grano, que no de ruido, expresivo y elegante. Rodero nos habla su profesor de pintura, Antonio López, el que le hizo sentir con el alma todo aquello que se hace en la vida. La fotógrafa de Puertollano nos habla de esas personas anónimas que le dieron alojamiento, un plato de comida y una sonrisa en las situaciones más extremas.

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    Nos da un consejo antes de coger el tren de vuelta, por favor vengan de noche a ver la exposición, están muy contrastadas porque están retroiluminadas, sólo os pido eso. Un paso, dos pasos y vemos desaparecer de entre sus fotos a una grande de la fotografía.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • «Extremadura se revela» La cuarta edición de NEGATIVO ilumina el panorama cultural de la fotografía

    «Extremadura se revela» La cuarta edición de NEGATIVO ilumina el panorama cultural de la fotografía

    Un festival que revela la identidad de Extremadura

    La fotografía ha comenzado a tener identidad y protagonismo en la Fundación CB, que impulsa la creación del Centro de Documentación y de la Imagen de Extremadura (CDIEX), un futuro referente cultural enclavado en el corazón del Casco Antiguo de Badajoz. Este espacio busca preservar la memoria visual de los extremeños y promover la cultura fotográfica como parte del patrimonio vivo de la región.

    Como extensión natural de ese proyecto nació, a finales de 2022, el Festival de Fotografía NEGATIVO, una cita que en solo cuatro ediciones se ha posicionado entre los eventos fotográficos más relevantes del panorama nacional.
    La edición NEGATIVO 2025, organizada y promovida por Fundación CB, se celebrará del 17 de octubre a finales de noviembre, ofreciendo un extenso programa de exposiciones, charlas, talleres y visionados de porfolios, todos ellos gratuitos.

    Exposiciones que dialogan con la emoción y la historia

    El recorrido expositivo arranca el 17 de octubre en la Plaza Alta de Badajoz con También somos… de Blanca González, y se expande durante las semanas siguientes con propuestas tan diversas como Ícaro de Irene Zottola (Museo de Bellas Artes de Badajoz), Blue, blue, blue de Roberto Hernández, Friends of Dorothy de Emilio Jiménez o Rituales de la Iberia Mágica de Víctor Manuel Pizarro.

    Cada muestra ofrece una mirada distinta sobre el poder narrativo de la imagen, desde el documental al surrealismo, pasando por la exploración de los afectos, el territorio o la identidad.

     

    Un fin de semana para la fotografía

    El punto álgido del festival llega del 7 al 9 de noviembre, con una intensa programación de conferencias, proyecciones, talleres y visionados de porfolios.
    Entre los invitados destacan nombres como Santi Donaire, Judith Prat, Oskar Alvarado o José Lorrüe, que reflexionarán sobre temas como el fotoperiodismo, la materialidad de la imagen o la fotografía documental y su papel en la construcción del relato social.

    Además, se desarrollará un taller de cianotipias con Roberto Hernández, y actividades en la calle como La Platera Minutera de Alba García Fijo, que recupera el espíritu de la fotografía ambulante.

    Una red cultural en expansión

    NEGATIVO FOTO es mucho más que un festival. Es un espacio de conexión entre generaciones y miradas, una red que enlaza a instituciones, artistas y público bajo una misma pasión: la imagen como lenguaje universal. Con esta cuarta edición, Fundación CB refuerza su compromiso con la cultura visual y con el papel de Extremadura como territorio emergente de la fotografía contemporánea.

    “Sobre todo, demuestra que la memoria —cuando se ilumina con arte— sigue siendo el mejor negativo para revelar nuestro presente”

     

    Fechas clave y ciudades participantes

    NEGATIVO 2025 tiene su núcleo principal en Badajoz, pero extiende su programación a Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena, donde colabora con el Festival de Fotografía Analógica Ricardo Martín.
    En total, serán 17 exposiciones distribuidas por toda la provincia, además de talleres, conferencias y actividades participativas.

    Fechas importantes:

    • 17 de octubre: inauguración de la primera exposición en la Plaza Alta de Badajoz.
    • 7, 8 y 9 de noviembre: fin de semana principal con el mayor número de actividades y conferencias.
    • Finales de noviembre: cierre de exposiciones en los distintos espacios culturales.

    Con esta programación, la organización reafirma su propósito: convertir noviembre en el Mes Fotográfico de Extremadura.

    Objetivos del festival

    El festival mantiene los principios con los que nació: difundir la fotografía como una forma de expresión, comunicación y participación cultural.
    Entre sus objetivos destacan:

    • Promover la formación fotográfica para profesionales y aficionados.
    • Crear una programación dinámica en colaboración con instituciones y colectivos culturales.
    • Acercar al público la obra de fotógrafos nacionales e internacionales, sin olvidar a los artistas locales y regionales.
    • Ampliar el conocimiento sobre la fotografía contemporánea y los proyectos de autor.
    • Reforzar el reconocimiento de los fotógrafos extremeños y fomentar el intercambio cultural entre ciudades.

     

    Las 17 exposiciones de NEGATIVO 2025

    El recorrido expositivo del festival abarca desde la fotografía documental hasta la experimentación visual, con propuestas que reflejan diversidad estética y geográfica.
    A continuación, el calendario completo de exposiciones, charlas y talleres:

    Charlas, talleres y actividades abiertas

    Durante el fin de semana del 7 al 9 de noviembre, la Fundación CB será el epicentro del pensamiento fotográfico.
    Fotógrafos, docentes y documentalistas debatirán sobre la imagen como herramienta de memoria, poder y emoción.

    Charlas destacadas:

    • Punto ciego — Santi Donaire
    • El vuelo de Ícaro: fotografía y materialidad — Irene Zottola
    • Imágenes en disputa: fotografía documental, poder y agencia — José Lorrüe
    • Decían que era bruja (proyección + charla) — Judith Prat
    • El relato emocional — Oskar Alvarado
    • Esencia (Mínimas) — Cris Bamio
    • Cuaderno de campo — Antonio Moreno

    Taller práctico:
    Taller de Cianotipias — Roberto Hernández | 8 de noviembre, Edificio VS22

    Actividad en la calle:

    La Platera Minutera — Alba García Fijo | 8 y 9 de noviembre, Plaza Virgen de la Soledad

    Visionado de porfolios:
    Coordinado por Dimitri Stefanov | 8 nov. (Biblioteca Fundación CB)
    Fallo del jurado: 9 nov., 12:30 h

    Fundación CB: cultura, formación y memoria

    El festival NEGATIVO 2025 forma parte del compromiso de Fundación CB con la cultura visual, la educación artística y la conservación de la memoria gráfica de Extremadura.
    A través del CDIEX y del impulso a eventos de calidad, la Fundación consolida su papel como motor de innovación cultural y punto de encuentro entre generaciones de creadores.

    “Queremos que la fotografía sea una experiencia compartida, un espejo donde Extremadura se mire y se reconozca.”— Fundación CB”

     

    Datos prácticos

    • Fechas: del 17 de octubre al 15 de diciembre de 2025
    • Sedes: Badajoz, Mérida, Olivenza, Zafra, Villafranca de los Barros, Villanueva de la Serena
    • Entrada: gratuita hasta completar aforo
    • Organiza: Fundación CB
    • Colaboran: instituciones, museos y empresas culturales de la región

    Extremadura, un territorio en foco

    NEGATIVO 2025 confirma que la fotografía es una forma de mirar y entender el mundo. Desde la luz de la Plaza Alta hasta las salas del MEIAC, el festival convierte a Extremadura en un laboratorio de miradas, donde pasado, presente y futuro se revelan sobre un mismo negativo: la memoria compartida, una región que se mira, se recuerda y se reinventa a través de la luz.

     

  • Mujeres de Plata y Plomo

    Mujeres de Plata y Plomo

    Recopilamos  a las Mujeres de Plata o Plomo durante la bitácora fotoperiodística de Oto y Pakopí…los echamos de menos. Rostros femeninos que ríen, sonríen, sonrojan, lloran, gimotean, emocionan, fuman, drogan disparan, humanizan, chulean, insinúan, guiñan, muerden, cantan, hablan, escupen, posan, dentellean, amenazan, enmudecen y besan…o eso esperamos.

     

    cerro de reyes secundarios  Trabajadores de la mina de Aguablanca. Manifestación contra el cierre. Oto pkp_16030702_005 el amor está en el aire Tumores. Guardados en el Biobanco (Infanta Cristina) Mayores. Escuelas deportivas Contempopránea Oto. Teatro López de Ayala. Festival de Danza Las chicas de oro mientras tanto en las 800 Boxing for free. Sadaf y su hermana Shabnam Tres mujeres asesinadas por violencia de género en apenas dos d Noche de Murgas. Oto eva al desnudo Oto. Teatro López de Ayala. Festival de Danza Estación depuradora de aguas residuales. Oto 05646 revolucionaria pkp_16042901_107 siempre hay más de lo que se ve Oto. AEXPAINBA Jeny siempre te recibe con una enorme sonrisa Oto. Romeria de Botoa. Consuelo. Santa teresa-FC Barcelona 0-7. Oto. delegación de defensa, medallas a los reservistas la erasmus L@s Palom@s L@s Palom@s alba-molina-bass Masterclass de zumba contra el Cáncer de Mama. plata o plomo Carnaval, Desfile de comparsas, El Vaivén. Oto IMG_0749 María en busca de trbajo de Noruega a Portugal Fuerteventura Mali, Bamako. Semana Santa. Oto Oto. Teatro López de Ayala. Festival de Danza pkp_16042705_139 contemporanea el oficio del agogado perdidos en el espacio perdidos en el espacio entrega medallas policia nacional la erasmus Arancha crea ropa a medida expo san valentin carla cumple 7 años bellas artes el gran carnaval gitano y de Badajoz cerro de reyes adolescente maquillada para el rodaje sonrie al fotoperiodista pkp_130914030259 pkp_130914040054 pkp_16060102_048 pkp_16060104_040 festival interancional folklórico. miss gitana miss gitana De vacacione. Mano sobre Mano comparsas ensayando en el Poligino el Nevero dia de la mujer trabajadora pop#pkp21 bass cuatro siglos de mujeres en la literatura Perpignan, Hotel Pams. Visa pour L'image. Oto

     

     

     

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  • Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    En la sala cuelgan imágenes que parecen susurrar. Hombres apoyados en barras de madera oscurecida por el vino. Mesas pequeñas. Miradas directas. Carteles de licores. Un mundo suspendido en el tiempo. No es una Lisboa monumental ni turística. No es la postal. Es otra cosa….es la Lisboa que ya no está.

    El fotógrafo portugués Luis Pavão presentó en Extremadura su proyecto Lisboa Frágil, una obra iniciada en 1979 que documenta las tabernas, colectividades y bailes populares de la capital portuguesa antes de su transformación acelerada por el turismo y el capital internacional.

    Los encuentros con el artista se celebraron, por un lado, en el MEIAC – Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, y, por otro, en Lisboa, en la sede de LUPA, su estudio y empresa especializada en conservación y digitalización de colecciones fotográficas. Un viaje donde la Fundación CB y su pasión por conservar el pasado fotográfico, lo que contiene de veraz, documental y estético el mundo de la imagen, siguen poniendo su piedra institucional con este viaje de fronteras.

    La exposición fue comisariada por la fotógrafa extremeña Laura Covarsí, profundamente vinculada al medio fotográfico tanto por su formación superior como por su trayectoria artística y su historia familiar —con abuelo y padre ligados al arte—, además de su estancia durante un tiempo en la capital portuguesa, una experiencia que refuerza el diálogo entre ambas orillas.

    La intuición de que algo iba a desaparecer

    En 1979, Pavão trabajaba en el Museo de Arqueología, en la zona de Belém. Tenía poco más de veinte años cuando comenzó a fotografiar las tabernas de Alcántara, un barrio entonces obrero. “Ya en los años 80 sentíamos que la ciudad estaba cambiando”, explica. “Comencé a fotografiar con la idea de que esto, un día, iba a desaparecer.” No era una hipótesis académica. Era una intuición urbana.

    ¿Qué es exactamente Lisboa Frágil?

    Es el recuerdo de una ciudad que ya no existe. Fue extinguida, absorbida por la evolución del capital, del turismo y de la industria. Si hoy vas a Lisboa, no ves nada de eso. La modificación de la ciudad fue tornándose cada vez más rápida. Lo que parecía estable empezó a transformarse sin pausa.

    Más de cien tabernas

    Pavão no trabajaba como reportero de prensa. No fotografiaba para el periódico del día siguiente. Su mirada era más lenta, casi arqueológica. Había más de cien tabernas en Lisboa. No entraba con la cámara sin más. Elaboraba fichas. Registraba cuántos baños tenía el local, si servía comida, si había animales, cuántas mesas, cuántos clientes. Guardaba hojas de contacto, tarjetas, notas. “Era también una estrategia”, admite.

    ¿Por qué documentar de forma tan meticulosa?

    Por dos razones. Primero, porque había muchas tabernas y quería organizarlas. Segundo, porque ese registro era mi carta de presentación. Yo no era un vagabundo que entraba a hacer fotos. Estaba haciendo un estudio. Eso cambiaba mi estatuto dentro del lugar. Eran espacios semiprivados. Cerrados. No cualquiera era bienvenido. Aceptado, entonces sí: fotografiado.

    De las tabernas a los bailes populares

    A finales de los 80 amplió el foco hacia las colectividades culturales y los bailes nocturnos. Asociaciones populares donde vecinos se reunían a bailar, conversar y reconocerse. La Lisboa de barrio era una red de relaciones. Las personas se conocían. El anonimato no era la norma. Hoy muchos de esos espacios están cerrados. O convertidos en otra cosa. “Fui recientemente a visitar una sociedad donde hice buenas fotografías”, cuenta. “Está cerrada. Ya no existen personas así para venir a jugar. Ahora son condominios vendidos por un millón a extranjeros.”

    La ciudad del lujo y la sustitución

    La transformación no es solo estética. Es estructural. Locales tradicionales se convierten en cadenas internacionales. Cafés históricos desaparecen. Restaurantes familiares son sustituidos por franquicias. “Estos sitios no eran económicamente muy rentables”, explica. “Después se transforman en McDonald’s o Starbucks.” El fenómeno no es exclusivo de Lisboa. Pavão lo ha visto en Barcelona, París o Roma. Los monumentos cambian, pero el paisaje comercial se uniformiza.

    ¿Es por eso que la llama frágil?
    Lisboa es frágil. Aquella Lisboa era frágil. La de ahora tal vez no lo sea tanto, porque tiene un gran capital por detrás. Pero incluso hoy ves que los restaurantes y pequeños hoteles duran dos o tres años. Después cierran. Todo está siempre cambiando. Una ciudad en permanente sustitución.

    El impacto del pasado en el presente

    Cuando la exposición se mostró en Lisboa, el éxito fue inesperado. Miles de visitantes. El libro se agotó. Había dos tipos de público, recuerda: los que vivieron esa ciudad los que nunca la conocieron. Los primeros miraban con nostalgia y, a veces, con rabia. Los segundos con curiosidad histórica. “Hoy Lisboa es más cosmopolita, más anónima”, dice. “Antes, en los barrios, las personas se conocían.”

    LUPA: conservar la memoria

    La segunda conversación tuvo lugar en Lisboa, en la sede de LUPA, la empresa fundada por Pavão junto a su padre en 1982. LUPA nació para encuadrar y organizar su producción fotográfica, pero evolucionó hacia la conservación y digitalización de colecciones. Pavão se formó en Estados Unidos en conservación de fotografía y, a su regreso, amplió el campo de trabajo. La empresa está especializada en la preservación de fondos históricos y ha trabajado con instituciones como la Fundação Calouste Gulbenkian. Además, Pavão ha ejercido como conservador del Archivo Municipal de Lisboa durante años. Llegó a tener 25 empleados. Hoy el equipo es más reducido, pero la actividad continúa. “El milagro es que LUPA tiene 42 años sin interrupción”, afirma.

    Analógico frente a digital

    Pavão sigue trabajando en analógico para su obra personal. Mantiene el cuarto oscuro. La materialidad. La lentitud. Pero la llegada del digital transformó el mercado profesional. “En el 98, 99, 2000 tenía muchos encargos fotografiando palacios, bancos, hoteles, en diapositiva. Era un trabajo difícil y bien pagado. Después vino el digital y lo mató. Ahora cualquiera con una cámara —o con un teléfono— puede hacerlo.” La democratización técnica alteró el valor del oficio y también el tiempo de la mirada.

    La banda sonora de Lisboa

    Al final de la conversación, surge una pregunta inesperada.

    Si tuviera que poner una canción a esta exposición, ¿cuál sería? “Tal vez un fado fuerte. Un fado de Amália.” Pavão lógicamente se refiere a Amália Rodrigues, la voz que convirtió Lisboa en sonido universal. Porque la ciudad que fotografió Pavão no solo se veía: se escuchaba.

    Entre el archivo y el escenario: dos formas de mirar

    La conversación con Luis Pavão no terminó en la sala expositiva. Continuó en Lisboa, en un recorrido que amplió el sentido de Lisboa Frágil. Visitamos junto al maestro el Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa, institución fundamental para la memoria visual de la ciudad y espacio con el que Pavão ha mantenido una estrecha relación profesional como conservador. Entre depósitos, cajas y fondos históricos, la fotografía deja de ser imagen colgada en pared para convertirse en patrimonio, en responsabilidad pública, en tiempo preservado.

    Allí, el gesto cambia. La mirada se vuelve técnica. Se habla de conservación, de emulsiones, de digitalización, de la fragilidad material del soporte, se venden libros inéditos de autores que íneditos. La ciudad no solo desaparece por el mercado; también puede desvanecerse si no se protege su memoria visual. Horas después, el itinerario nos llevó al MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, donde se exhibía “O Mundo Inteiro é um Palco” del fotógrafo estadounidense William Klein.

    La contraposición era inevitable. Si Pavão documenta la Lisboa íntima, contenida, casi silenciosa de tabernas y colectividades, Klein convierte la calle en escenario y el mundo en espectáculo. En uno, la proximidad; en otro, la intensidad visual desbordada. En uno, el registro paciente; en otro, la provocación gráfica. Dos miradas únicas detrás de un pequeño aparato llamado cámara fotográfica.

    ¿Se siente cercano a esa otra forma de mirar?

    Pavão observa las imágenes de Klein con respeto. No hay rivalidad en el gesto. Solo conciencia de lenguaje. La cámara puede ser documento o teatro. Archivo o escena. Memoria o energía. Entre el Arquivo Municipal y el MAAT, entre la Lisboa frágil y el mundo como palco, el recorrido revela algo esencial: la fotografía no es solo técnica ni solo arte. Es una forma de habitar el tiempo.

    Y mientras la ciudad continúa transformándose, acelerada e imprevisible, las imágenes —ya sean las íntimas de Pavão o las expansivas de Klein— permanecen como prueba de que toda ciudad, antes de convertirse en marca global, fue vida compartida. Y alguien estuvo allí para mirarla.

    La ciudad invisible

    En una de sus imágenes más evocadoras —una calle desenfocada tras gotas de agua— Lisboa aparece sin mostrarse completamente. Se intuye en el pavimento, en la luz, en la atmósfera. Hoy la ciudad es otra. Más internacional. Más cara. Más luminosa. Quizá menos íntima. Pero gracias a este archivo paciente y meticuloso, aquella Lisboa no ha desaparecido del todo. Permanece en la memoria química del papel fotográfico.
    Y en la conversación entre dos ciudades —Extremadura y Lisboa— que, durante estos encuentros, volvieron a mirarse a través de la fotografía.

    Félix Méndez / Willy López

  • La noche pacense para una Cultura en abierto

    La noche pacense para una Cultura en abierto

    Si existe un evento, una actividad a lo largo del año donde la ciudad de Badajoz y sus ciudadanos se conjuran para disfrutar al máximo de la cultura y el ocio, esa es la Noche en Blanco. Un noche marcada con un tinte especial, un sello único que desde hace trece años se viene realizando y con mucho éxito en Badajoz.

    171 actividades en los más de 80 puntos localizados en el mapa de la ciudad con la estrecha colaboración de la gran mayoría de establecimientos de Badajoz. Museos, Salas de exposiciones, más de 30 edificios monumentales abiertos al público, librerías, bares y un espacio muy especial como cada año, el Circo del Paseo de San Francisco, una de las actividades más destacadas donde los malabares, el clown y el funambulismo se apoderarán de los más pequeños.

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    ¿El punto y hora de partida? El 6 de septiembre a las 21:30 en el Ayuntamiento, Plaza de España. De 21:30 a 22:00 con el  ESPECTÁCULO INAUGURACIÓN A CARGO DEL GRUPO “ENCLAVE GOSPEL EXTREMADURA”. Disfruten de una noche extracultural.

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