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  • Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    En la sala cuelgan imágenes que parecen susurrar. Hombres apoyados en barras de madera oscurecida por el vino. Mesas pequeñas. Miradas directas. Carteles de licores. Un mundo suspendido en el tiempo. No es una Lisboa monumental ni turística. No es la postal. Es otra cosa….es la Lisboa que ya no está.

    El fotógrafo portugués Luis Pavão presentó en Extremadura su proyecto Lisboa Frágil, una obra iniciada en 1979 que documenta las tabernas, colectividades y bailes populares de la capital portuguesa antes de su transformación acelerada por el turismo y el capital internacional.

    Los encuentros con el artista se celebraron, por un lado, en el MEIAC – Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, y, por otro, en Lisboa, en la sede de LUPA, su estudio y empresa especializada en conservación y digitalización de colecciones fotográficas. Un viaje donde la Fundación CB y su pasión por conservar el pasado fotográfico, lo que contiene de veraz, documental y estético el mundo de la imagen, siguen poniendo su piedra institucional con este viaje de fronteras.

    La exposición fue comisariada por la fotógrafa extremeña Laura Covarsí, profundamente vinculada al medio fotográfico tanto por su formación superior como por su trayectoria artística y su historia familiar —con abuelo y padre ligados al arte—, además de su estancia durante un tiempo en la capital portuguesa, una experiencia que refuerza el diálogo entre ambas orillas.

    La intuición de que algo iba a desaparecer

    En 1979, Pavão trabajaba en el Museo de Arqueología, en la zona de Belém. Tenía poco más de veinte años cuando comenzó a fotografiar las tabernas de Alcántara, un barrio entonces obrero. “Ya en los años 80 sentíamos que la ciudad estaba cambiando”, explica. “Comencé a fotografiar con la idea de que esto, un día, iba a desaparecer.” No era una hipótesis académica. Era una intuición urbana.

    ¿Qué es exactamente Lisboa Frágil?

    Es el recuerdo de una ciudad que ya no existe. Fue extinguida, absorbida por la evolución del capital, del turismo y de la industria. Si hoy vas a Lisboa, no ves nada de eso. La modificación de la ciudad fue tornándose cada vez más rápida. Lo que parecía estable empezó a transformarse sin pausa.

    Más de cien tabernas

    Pavão no trabajaba como reportero de prensa. No fotografiaba para el periódico del día siguiente. Su mirada era más lenta, casi arqueológica. Había más de cien tabernas en Lisboa. No entraba con la cámara sin más. Elaboraba fichas. Registraba cuántos baños tenía el local, si servía comida, si había animales, cuántas mesas, cuántos clientes. Guardaba hojas de contacto, tarjetas, notas. “Era también una estrategia”, admite.

    ¿Por qué documentar de forma tan meticulosa?

    Por dos razones. Primero, porque había muchas tabernas y quería organizarlas. Segundo, porque ese registro era mi carta de presentación. Yo no era un vagabundo que entraba a hacer fotos. Estaba haciendo un estudio. Eso cambiaba mi estatuto dentro del lugar. Eran espacios semiprivados. Cerrados. No cualquiera era bienvenido. Aceptado, entonces sí: fotografiado.

    De las tabernas a los bailes populares

    A finales de los 80 amplió el foco hacia las colectividades culturales y los bailes nocturnos. Asociaciones populares donde vecinos se reunían a bailar, conversar y reconocerse. La Lisboa de barrio era una red de relaciones. Las personas se conocían. El anonimato no era la norma. Hoy muchos de esos espacios están cerrados. O convertidos en otra cosa. “Fui recientemente a visitar una sociedad donde hice buenas fotografías”, cuenta. “Está cerrada. Ya no existen personas así para venir a jugar. Ahora son condominios vendidos por un millón a extranjeros.”

    La ciudad del lujo y la sustitución

    La transformación no es solo estética. Es estructural. Locales tradicionales se convierten en cadenas internacionales. Cafés históricos desaparecen. Restaurantes familiares son sustituidos por franquicias. “Estos sitios no eran económicamente muy rentables”, explica. “Después se transforman en McDonald’s o Starbucks.” El fenómeno no es exclusivo de Lisboa. Pavão lo ha visto en Barcelona, París o Roma. Los monumentos cambian, pero el paisaje comercial se uniformiza.

    ¿Es por eso que la llama frágil?
    Lisboa es frágil. Aquella Lisboa era frágil. La de ahora tal vez no lo sea tanto, porque tiene un gran capital por detrás. Pero incluso hoy ves que los restaurantes y pequeños hoteles duran dos o tres años. Después cierran. Todo está siempre cambiando. Una ciudad en permanente sustitución.

    El impacto del pasado en el presente

    Cuando la exposición se mostró en Lisboa, el éxito fue inesperado. Miles de visitantes. El libro se agotó. Había dos tipos de público, recuerda: los que vivieron esa ciudad los que nunca la conocieron. Los primeros miraban con nostalgia y, a veces, con rabia. Los segundos con curiosidad histórica. “Hoy Lisboa es más cosmopolita, más anónima”, dice. “Antes, en los barrios, las personas se conocían.”

    LUPA: conservar la memoria

    La segunda conversación tuvo lugar en Lisboa, en la sede de LUPA, la empresa fundada por Pavão junto a su padre en 1982. LUPA nació para encuadrar y organizar su producción fotográfica, pero evolucionó hacia la conservación y digitalización de colecciones. Pavão se formó en Estados Unidos en conservación de fotografía y, a su regreso, amplió el campo de trabajo. La empresa está especializada en la preservación de fondos históricos y ha trabajado con instituciones como la Fundação Calouste Gulbenkian. Además, Pavão ha ejercido como conservador del Archivo Municipal de Lisboa durante años. Llegó a tener 25 empleados. Hoy el equipo es más reducido, pero la actividad continúa. “El milagro es que LUPA tiene 42 años sin interrupción”, afirma.

    Analógico frente a digital

    Pavão sigue trabajando en analógico para su obra personal. Mantiene el cuarto oscuro. La materialidad. La lentitud. Pero la llegada del digital transformó el mercado profesional. “En el 98, 99, 2000 tenía muchos encargos fotografiando palacios, bancos, hoteles, en diapositiva. Era un trabajo difícil y bien pagado. Después vino el digital y lo mató. Ahora cualquiera con una cámara —o con un teléfono— puede hacerlo.” La democratización técnica alteró el valor del oficio y también el tiempo de la mirada.

    La banda sonora de Lisboa

    Al final de la conversación, surge una pregunta inesperada.

    Si tuviera que poner una canción a esta exposición, ¿cuál sería? “Tal vez un fado fuerte. Un fado de Amália.” Pavão lógicamente se refiere a Amália Rodrigues, la voz que convirtió Lisboa en sonido universal. Porque la ciudad que fotografió Pavão no solo se veía: se escuchaba.

    Entre el archivo y el escenario: dos formas de mirar

    La conversación con Luis Pavão no terminó en la sala expositiva. Continuó en Lisboa, en un recorrido que amplió el sentido de Lisboa Frágil. Visitamos junto al maestro el Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa, institución fundamental para la memoria visual de la ciudad y espacio con el que Pavão ha mantenido una estrecha relación profesional como conservador. Entre depósitos, cajas y fondos históricos, la fotografía deja de ser imagen colgada en pared para convertirse en patrimonio, en responsabilidad pública, en tiempo preservado.

    Allí, el gesto cambia. La mirada se vuelve técnica. Se habla de conservación, de emulsiones, de digitalización, de la fragilidad material del soporte, se venden libros inéditos de autores que íneditos. La ciudad no solo desaparece por el mercado; también puede desvanecerse si no se protege su memoria visual. Horas después, el itinerario nos llevó al MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, donde se exhibía “O Mundo Inteiro é um Palco” del fotógrafo estadounidense William Klein.

    La contraposición era inevitable. Si Pavão documenta la Lisboa íntima, contenida, casi silenciosa de tabernas y colectividades, Klein convierte la calle en escenario y el mundo en espectáculo. En uno, la proximidad; en otro, la intensidad visual desbordada. En uno, el registro paciente; en otro, la provocación gráfica. Dos miradas únicas detrás de un pequeño aparato llamado cámara fotográfica.

    ¿Se siente cercano a esa otra forma de mirar?

    Pavão observa las imágenes de Klein con respeto. No hay rivalidad en el gesto. Solo conciencia de lenguaje. La cámara puede ser documento o teatro. Archivo o escena. Memoria o energía. Entre el Arquivo Municipal y el MAAT, entre la Lisboa frágil y el mundo como palco, el recorrido revela algo esencial: la fotografía no es solo técnica ni solo arte. Es una forma de habitar el tiempo.

    Y mientras la ciudad continúa transformándose, acelerada e imprevisible, las imágenes —ya sean las íntimas de Pavão o las expansivas de Klein— permanecen como prueba de que toda ciudad, antes de convertirse en marca global, fue vida compartida. Y alguien estuvo allí para mirarla.

    La ciudad invisible

    En una de sus imágenes más evocadoras —una calle desenfocada tras gotas de agua— Lisboa aparece sin mostrarse completamente. Se intuye en el pavimento, en la luz, en la atmósfera. Hoy la ciudad es otra. Más internacional. Más cara. Más luminosa. Quizá menos íntima. Pero gracias a este archivo paciente y meticuloso, aquella Lisboa no ha desaparecido del todo. Permanece en la memoria química del papel fotográfico.
    Y en la conversación entre dos ciudades —Extremadura y Lisboa— que, durante estos encuentros, volvieron a mirarse a través de la fotografía.

    Félix Méndez / Willy López

  • «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    “El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

    Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

    Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

    JOSE ANTONIO GALEA BARJOLA-6

    De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

    En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

     La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

    Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

    …La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

    JOSE ANTONIO GALEA BARJOLA-12

    ¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

    La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

    ¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

    Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

    Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

    El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

     

    El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

    Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante  blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

     La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

    La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

    Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

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  • Andreu Català-Roca: “Mi padre hacía una fotografía generosa, que enseñaba a mirar”

    Andreu Català-Roca: “Mi padre hacía una fotografía generosa, que enseñaba a mirar”

    Si hubo alguien que salió a la calle con una cámara y la convirtió en un arma de precisión poética, fue Francesc Català-Roca. En una España gris, cerrada y llena de silencios forzados, él decidió mirar de frente. Sin dramatismos impostados. Sin propaganda. Solo verdad, geometría y vida. Català-Roca no fotografiaba escenas: cazaba instantes exactos. Un gesto suspendido, una sombra que corta la pared en dos, una mirada que lo dice todo. Sus imágenes tienen pulso, tienen ritmo, tienen calle. Son limpias, directas y afiladas. No necesitan subrayados porque ya están cargadas de intención. Mientras muchos buscaban épica, él encontraba humanidad. Mientras otros maquillaban la realidad, él la ordenaba con una composición impecable y la dejaba hablar. El resultado: una obra que sigue golpeando décadas después, moderna, fresca y brutalmente honesta.

    Y menos mal que nos queda el legado de hijos, nietos y apasionados de la cultura, de la fotografía que reivindican el legado, ganado a méritos, una reivindicación de una mirada que cambió la forma de entender la fotografía en España y que, todavía hoy, nos recuerda que lo extraordinario siempre estuvo ahí, esperando a ser visto. Su hijo, Andreu Català-Roca, (El de la foto es su hermano Martí) repasa la vida con nosotros, el legado y la vigencia de uno de los grandes maestros de la fotografía española.

    La fotografía, una de las grandes revoluciones

    “Yo creo que una de las grandes revoluciones de la humanidad, junto con la rueda o el fuego, ha sido la fotografía. Si no hubiéramos tenido fotografía, muchas cosas no las habríamos capturado ni comprendido de la misma manera.” Andreu recuerda que su padre veía la fotografía como un milagro técnico y poético a la vez: una herramienta que permitía detener el tiempo. “Es como si a una persona de la Edad Media le hubieran dado un aparato que le permitiera viajar en el tiempo. Porque una fotografía es presente, pasado y futuro al mismo tiempo.”

    Del blanco y negro al color

    Francesc Català-Roca comenzó a fotografiar antes de la Guerra Civil, en un país cerrado y gris. Su evolución fue constante. “Mi padre fue de los últimos vanguardistas. Se le asocia con el blanco y negro, pero en 1973, cuando empieza su trabajo en América, abandona ese formato. Había trabajado en blanco y negro durante 25 años, pero necesitaba avanzar. No se conformaba nunca.” Su obra en blanco y negro, dice Andreu, no es fría ni meramente documental: “Muestra a la gente sencilla, cansada, pero digna. Los que se levantan a las cuatro de la mañana para llevar sus piezas al mercado. Los trataba con la misma dignidad con la que retrataría a un artista o a un político.”

    Una fotografía generosa

    “Hay quien dice que el estilo de mi padre era no tener estilo. Pero en realidad, lo que hacía era elegir dentro del caos. Sabía dónde mirar. Y eso es un acto de generosidad: mirar a los demás con respeto.” Català-Roca creía que la fotografía era una forma de aprender a mirar el mundo. “Su fotografía es generosa porque da valor a lo cotidiano. Consideraba que los artesanos, los trabajadores, los oficios, eran esenciales. Decía que los objetos acabarían en los museos, pero los artesanos desaparecerían. Por eso le interesaba tanto retratarlos, darles dignidad.”

    De lo artesanal a lo digital

    Andreu reflexiona sobre cómo ha cambiado la fotografía desde entonces: “Hoy todos podemos hacer fotos con un teléfono. Creo que mi padre estaría contento de ver lo accesible que se ha vuelto. No todo el mundo es músico o pintor, pero casi todos somos fotógrafos. Eso permite que aprendamos a mirar de otra forma.” Aun así, recuerda la disciplina con la que trabajaba su padre: “En sus viajes llevaba cientos de carretes. Tomaba notas detalladas sobre la luz, la exposición, el encuadre. Tenía un archivo enorme, con más de 10.000 negativos. Era meticuloso, pero también intuitivo. Sabía cuándo una imagen tenía alma.”

     

    El testigo del siglo XX

    Català-Roca fue testigo de un país que cambiaba rápidamente.

    “La televisión transformó España y mi padre tuvo prisa por fotografiar lo que desaparecía. Sabía que ese mundo se estaba acabando. Su cámara fue una forma de preservar la memoria colectiva.”

    Participó en la mítica exposición La familia del hombre, que recorrió el mundo en los años cincuenta, y trabajó en publicaciones y encargos editoriales que hoy forman parte del patrimonio visual español. “Era un hombre muy culto. Tenía una gran biblioteca y una colección de imágenes de Picasso y otros artistas. Además de fotógrafo, fue un teórico de la imagen. Como dice una tesis de Elisabeth de la Fotografía, fue uno de los más prolíficos en ese campo.”

    El legado familiar y el archivo

    La historia de los Català-Roca es también una saga familiar de fotógrafos. El padre de Francesc, Pere Català Pic, fue un pionero del medio en Cataluña y marcó el camino a sus descendientes. “Mi abuelo fue quien inició esta aventura familiar en el mundo de la fotografía. Sin él, nada de esto habría existido. De él heredamos la curiosidad y el respeto por la imagen.” Hoy, la tarea de conservar y dar forma al monumental archivo de Francesc recae en su familia.

    “Mi sobrino Marc y su equipo están haciendo un trabajo enorme. Están dando forma a más de 200.000 negativos que mi padre guardaba ordenadamente en su semisótano de la Travesera de Dalt, en Barcelona. Ese archivo es una parte esencial de la historia visual del siglo XX.”

    La crítica de Fontcuberta y el olvido institucional

    No todos han compartido una visión idealizada de Francesc Català-Roca. El teórico y fotógrafo Joan Fontcuberta, figura clave de la posmodernidad fotográfica en Cataluña, ha señalado en varias ocasiones que la obra de Català-Roca, aunque impecable en su técnica y humanidad, “no cuestionaba la realidad”, sino que la mostraba con una cierta neutralidad estética. Fontcuberta, defensor de una fotografía más conceptual y crítica, lo ha descrito como un “testigo ejemplar” pero no un “autor problematizador” del medio, y ha lamentado que su reconocimiento institucional haya sido más lento que el de otros fotógrafos europeos de su generación.

    Andreu responde sin resentimiento, pero con claridad: “Es cierto que mi padre no hacía una fotografía política, pero sí una fotografía profundamente ética. No pretendía denunciar, sino comprender. Miraba con respeto y sin juicios. Y eso también tiene un enorme valor.” Más dolorosa que la crítica, admite, ha sido la dejadez institucional en Cataluña hacia el legado de su padre. “Cataluña no ha sabido cuidar su memoria. El archivo de mi padre, con más de 200.000 negativos, ha estado durante años guardado en un semisótano familiar. Ni el Ayuntamiento de Barcelona ni la Generalitat mostraron verdadero interés por preservarlo. Hemos sentido una cierta indiferencia hacia una figura que retrató medio siglo de la vida del país.” “Lo que se está haciendo ahora desde Extremadura o el Ministerio de Cultura debería haberse hecho hace mucho en Cataluña. Pero, afortunadamente, la obra se conserva y sigue viva gracias al trabajo de la familia.”

    “La piel de Barcelona”: un retrato emocional de su ciudad

    Entre los proyectos más personales de Català-Roca se encuentra La piel de Barcelona, un trabajo que sintetiza su relación más íntima con la ciudad donde nació y que lo definió como fotógrafo. “Ese libro fue muy importante para él. Lo hizo con un cariño enorme, casi como un homenaje a su ciudad. Quiso mostrar no solo la arquitectura o las calles, sino la vida que las habitaba: la piel humana de Barcelona.” Publicar aquel volumen no fue fácil. El proyecto, que había ido gestando durante años, se enfrentó a limitaciones económicas y técnicas.

    “Le costó muchísimo sacarlo adelante —recuerda Andreu—. Tuvo que buscar apoyos, convencer a editores, y trabajó incansablemente en la selección de las imágenes. Era un proyecto casi artesanal, hecho con las manos y la memoria.”

    La piel de Barcelona fue, en cierto modo, su equivalente local a lo que William Klein hizo con New York o Robert Frank con The Americans.

    “Mi padre admiraba mucho a esos fotógrafos —dice Andreu—, pero su mirada era distinta. Klein y Frank rompían con la tradición documental para mostrar la crudeza y el desorden del mundo. Mi padre no era agresivo: observaba con calma, con respeto. En eso radica su diferencia y también su fuerza. Su Barcelona no era un escenario, era un cuerpo vivo.” El libro se convirtió con el tiempo en un documento esencial sobre la Barcelona de mediados del siglo XX: una ciudad que despertaba entre la posguerra y la modernidad, retratada con ternura, sin artificios y con una elegancia visual que hoy sigue asombrando.

    Retratos de Extremadura

    Dentro de este mundo donde, de repente, la vida se congela dentro de una cámara, el pasado resurge de la memoria. Ahí está la generosidad de Català-Roca y otros tantos de miles, fotógrafos, hombres y mujeres de las estrellas, que nos devuelven con un fogonazo, el alma de todos nosotros. Durante la exposición en el MEIAC, con la exposición “La elocuencia de la imagen”, Francesc nos lleva a la nostalgia, un segundo en un pueblo extremeño, Jerez de los Caballeros, Manolo, Feli y Camilo. El primero, padre de Miguel Galván que rescata la foto actual, por entonces pensando en como divertirse sin saber que sería jefe del parque de bomberos. Feli y Camilo hermanos, hijos de Pilar, la Cana, y Francisco, el del carbón. Ingenuidad en blanco y negro que representa la importancia de mantener un legado de emociones difícil de secuenciar con palabras.

    La elocuencia de la imagen: la exposición en el MEIAC

    El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), en Badajoz, acoge la exposición “La elocuencia de la imagen”, una muestra que redescubre el trabajo inédito de Francesc Català-Roca y que ha sido organizada por el Ministerio de Cultura junto con la familia del fotógrafo.

    “Esta exposición tiene un valor muy especial —explica Andreu—. Por un lado, es un archivo histórico, porque rescata fotografías inéditas, muchas de ellas tomadas en Extremadura en los años cincuenta. Pero, además, encaja perfectamente con la vocación del MEIAC de establecer puentes entre España y el arte iberoamericano, en este caso a través de la fotografía.” La muestra presenta imágenes nunca antes vistas, seleccionadas entre miles de negativos del archivo familiar.

    “El trabajo del museo y del Ministerio ha sido impresionante. Han sabido entender la esencia de mi padre, su mirada limpia y honesta. Es una exposición que no solo documenta una época, sino que nos invita a reflexionar sobre la fuerza de la imagen como lenguaje universal.” Francesc Català-Roca murió en 1998, pero su obra sigue viva en cada gesto, en cada sombra, en cada rostro anónimo que retrató con humanidad. Su hijo lo resume con una frase que bien podría definir toda una vida dedicada a la luz:

    “La fotografía es mágica. En manos de alguien que sabe mirar, se convierte en una forma de hacer más humano el mundo”

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Conciertos en los Jardines del MEIAC

    Conciertos en los Jardines del MEIAC

    El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) cumple este año su 30 aniversario, para celebrarlo ha programado distintas actividades a lo largo del año. Una de ellas es el ciclo de conciertos al aire libre Conciertos en los Jardines, que se celebrará en tres fechas: sábado 24 de mayo, jueves 24 de julio y viernes 19 de septiembre, con propuestas musicales que unen proyectos emergentes y consolidados de Extremadura con artistas de referencia a nivel nacional en cada una de ellas.

    Desde el MEIAC queremos invitar a todos y todas a participar de esta celebración y disfrutar de una programación cuidada, diversa y emocionante. Será una oportunidad inmejorable para descubrir música en directo en un espacio único de Badajoz; tres veladas muy especiales de encuentro entre el arte contemporáneo y la música pop en directo, en un ambiente festivo y relajado, pensado para disfrutar del museo de una manera distinta.

    PROGRAMACIÓN

    Sábado 24 mayo · 21:00h

    JULIEN ELSIE (Badajoz) Uno de los secretos mejor guardados del rock nacional. Presenta con banda completa su último disco, producido por él mismo y mezclado por Paco Loco.

    TULSA (Donostia) La galardonada compositora Miren Iza, Premio Nacional de Músicas Actuales 2024, llega al MEIAC con su último disco “Amadora”, aclamado por crítica y público.

     

    Jueves 24 julio · 21:30h

    PABLO WILSON (Badajoz) Guitarras y unas letras que combinan ternura y sarcasmo. En su segundo disco, Piti Stardust y las arañas de Malasaña, construye un universo propio entre la risa amarga y la emoción sincera.

    SALVAR DOÑANA (Sevilla) El nuevo proyecto de S Curro (Narco, ex Califato ¾) junto a Rosana Pappalardo (ex Califato ¾) es un torbellino sonoro en el que convergen el flamenco cósmico y el punk electrónico. Será su primera actuación en Extremadura.

    Viernes 19 septiembre · 20:30h

    LLUVIA (Badajoz) Poética y emoción en formato banda, una joya sonora que fusiona jazz, folk y canción íntima con acento local.

    CÓMO VIVIR EN EL CAMPO (Madrid) Grupo nacional de culto, habitual en festivales como Primavera Sound o Sonorama. Pop en castellano, tanto luminoso y radiante como oscuro y ambiguo. Presentan NAZARENA, su nuevo trabajo, eléctrico y vibrante.

    BOLSA DE MOSCAS (Don Benito) Electropop punk de etiqueta propia, con nuevo disco y formación. Una de las bandas emergentes más activas y originales del panorama regional.

    Este ciclo forma parte de las actividades especiales con motivo del 30 aniversario del MEIAC, reafirmando nuestro compromiso de acercar el arte, la música y la cultura contemporánea a la ciudad de Badajoz. Os esperamos en los jardines del museo para celebrar juntos estas noches inolvidables de música y comunidad.

     

    Acceso libre hasta completar aforo. Se recomienda llegar con antelación. Se permitirá el picnic en el recinto, creando así una experiencia cultural abierta, festiva y accesible.

  • Telegrama para el MEIAC

    Telegrama para el MEIAC

  • Un Paisaje Transferido en el MEIAC

    Paisaje Transferido, reúne dibujos en papel del peruano Martín López Lam cuya temática gira en torno a la representación botánica realizada durante las expediciones científicas españolas del siglo XVIII a América y Asia. La exposición se enmarca en la colaboración del MEIAC con la Real Academia de España en Roma.

    Esta colaboración atiende a dos aspectos esenciales para la labor del MEIAC. Por un lado, la cooperación con entidades públicas o privadas de reconocido prestigio en el ámbito de la cultura y, por otro, el desarrollo de las líneas de programación del museo, en concreto, de la dedicada a la creación artística en el ámbito cultural iberoamericano. Este último aspecto ha determinado el modelo de colaboración con la academia, que desde 2001 abrió la posibilidad de becar a artistas de países iberoamericanos, siendo el fomento de los vínculos culturales con Iberoamérica un espacio de interés común con el museo. De entre los numerosos creadores y creadoras de diversas disciplinas del ámbito iberoamericano que han pasado por la academia desde entonces, se ha seleccionado ahora el trabajo del artista peruano Martín López Lam, residente en Valencia y becado en Roma entre 2015-2016.

  • Rosina Gómez Baeza «ARCO para acompañar los 30 años del MEIAC»

    Rosina Gómez Baeza «ARCO para acompañar los 30 años del MEIAC»

    Rosina Gómez Baeza es toda una institución del arte contemporáneo internacional. Tenerla cerca del MEIAC, desde su faro de intangible dimensión, 20 años directora de ARCO, aporta una pátina de excelencia a un museo concebido para aportar vida cultural.

    Gómez Baeza es diplomada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en la Escuela Politécnica de Londres e Historia del Arte y Civilización Francesa en la Universidad Católica de París. Socia Fundadora de YGBART, sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural constituida junto a Lucía Ybarra en enero de 2012. Presidenta Fundadora de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas.

    Directora de Investigación y Desarrollo de IFEMA, Institución Ferial de Madrid, desde su creación en 1980 hasta ser nombrada Directora de ARCO en 1986 ejerciendo el cargo hasta 2006. Fundadora de la Colección Fundación ARCO así como de los numerosos programas educativos y de difusión organizados durante este tiempo. Directora Fundadora de la 1ª. Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006), Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008). Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias, dedicado al estudio, investigación, producción y presentación de la obra de artistas y creadores que trabajan en el ámbito del arte, la ciencia, la tecnología y la sociedad (2006-2011). Vocal de la Junta del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), 2015-2019. Miembro del Leadership Group, European Creative Hubs Network, 2015-2017. Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en su edición de 2009 y distinguida con varias condecoraciones, entre ellas, la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana; la Distinción a la Excelencia Europea de la UE; Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa; Premio a la Proyección Internacional del Ayuntamiento de Madrid, Comendadora de la Estrella de la Solidaridad Italiana, Premio MAV a la Gestión Cultural  y Medalla de Oro del FAD entre otros reconocimientos.

     Rosina Gómez03

    Rosina, ¿Qué reto, qué importancia tiene la evolución que debe asumir un museo como el MEIAC en estos momentos?

    Lo  más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto, un museo como el MEIAC, tanto otros, tiene que dar otros servicios. Es baladí recordar que estamos en el siglo XXI pero es que es cierto, no podemos, no debemos de pensar en el museo solamente como un espacio para la conservación y exposición, ni siquiera investigación y estudio. Es insuficiente. Se deben mirar los nuevos horizontes culturales y Extremadura con su magnífico MEIAC están preparados para ello. Ya lo vienen haciendo con NETcospio, con NETarte, una apuesta muy arriesgada en su momento pero tremendamente vanguardista.

     Rosina Gómez05

    Hablas de poder cambiar el arte desde un espacio de arte, un edificio de cultura…

    …La cultura es trasformadora, la cultura ayuda a transformar una sociedad, en el sentido del conocimiento, de la pluralidad, de la diversidad, de la inclusión y del desarrollo económico de los pueblos.

    Lo  más importante es que un museo no tiene que ser lo que era en el siglo XIX, tenemos que evolucionar el concepto

     

    Rosina Gómez02

    La que ha dado pie a  la creación de muchos museos de arte actual…

    …a partir de los 80´se ha tejido una red de museos muy interesantes, algunos de ellos con arquitecturas importantísimas, como el Guggenheim, pero también hemos visto que a lo largo de los años iba disminuyendo, reduciéndose los presupuestos sin aportaciones privadas que pudiesen mantener el programa.

    El arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte

    Antes de que se inaugurase el MEIAC, previamente se presenta en ARCO y con usted como directora.

    Se hizo notar, la primera presentación oficial fue en ARCO. Apostamos ambos por el arte latinoamericano, en el 92 era clave crear ese nexo de unión, y ya tuvimos una gran presencia de galería de América Latina, pero mantuvimos el ritmo en Arco. El Reina Sofía por ejemplo no mantuvo ese vínculo, pero era una decisión lógica, pero el MEIAC si tuvo continuidad. Y el arte digital sólo tuvo un espacio por entonces, el MEIAC, nadie estaba atendiendo esa nueva manera de entender el arte. Se adelantó a muchos museos en ese aspecto.

     

    Willy Lópezx / Félix Méndez

  • «Trazando las coordenadas de la piel de Extremadura» Museos de vanguardia como epicentro del turismo cultural

    Estamos en otoño y Extremadura explota de miles de colores, aromas y esencias únicas. Elegir una escapada, una ruta o una visita por esta tierra se ensancha con una oferta turística y cultural que amplía el mapa de sensaciones que aporta la región.

    Ponemos los cinco sentidos en enclave únicos, en centros culturales desde los que emanan arte, en los centros de las localidades, en plena naturaleza o en plena arquitectura arqueológica, espacios únicos con un aporte genuino que sumar a las propuestas de turismo; los museos. Elegimos cuatro de ellos; El Museo Vostell, el MEIAC, Museo Helga Alvaer y el Museo romano de Mérida. Más adelante tendremos la ocasión de detallar otros magníficos museos como el Bellas Artes y el Arqueológico, ambos en Badajoz o el Museo de la ciudad de Cáceres.

    Extremadura tiene sus coordenadas muy bien localizadas en el mapa. La región posee líneas discontinuas trazadas en su extensa topografía con esfuerzo, tesón y cariño. Fronteras sin vallas que asoman brazos con camisas remangadas y manos abiertas para hacer de guía. Cicerones de paisajes, aromas, vestigios históricos y alma. Mucho de esto último. Escribía Melville en el viaje más fascinante de la literatura…No está en ningún mapa. Los lugares verdaderos nunca lo están. A veces es importante dejarse llevar por esos espacios que no tienen nombre y marcarlos en nuestro imaginario, en nuestro cuaderno de bitácora. Insuflar al visitante de algo más que recomendaciones logarítmicas y buscar a nuestro Moby Dick personalizado.

    El turismo ocupa la esencia, la primera pátina de nuestra región, el primer contacto con nuestro mapamundi personal. La cultura enarbola esa capa, inyecta con nuestro primigenio sabor, la dosis justa para crear el binomio soñado; Turismo cultural. Extremadura no está en el mapa de las banalidades, no hay una palabra escrita sobre la región en ninguna guía de destinos sin nombre, en el callejero de lo habitual. Extremadura posee el paisaje de sus gentes, de su gastronomía, su frontera. Nuestra tierra es un sendero vivo de escritores, pintores, bohemios del arte flamenco, artistas de las tablas escénicas; restauradores del pasado y diseñadores del futuro.

    Mostrar al mundo el valor de su turismo. Turismo Cultural, turismo de materia prima y turismo de esencias. La presencia de una notable actividad de ocio, turismo y cultura hace necesaria la reactivación natural de nuestras vidas, volver a engrasar el engranaje tejido para mostrar con un estilo propio, la capacidad de generar un turismo cultural de excelencia.

    Museo de arte contemporáneo y Badajoz. Iberoamericano y una ciudad de frontera

    MEIAC. EL PANÓPTICO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

    Recorrido histórico

    El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo está situado sobre el solar de la antigua cárcel de Badajoz, a su vez construida a mediados de los años cincuenta sobre el recinto de un antiguo baluarte militar, el llamado Fuerte de Pardaleras, levantado en el siglo XVII. Aunque ya había sido totalmente demolido cuando se construyó la cárcel, el baluarte ocupaba una posición de gran valor estratégico y constituyó uno de los emplazamientos defensivos más importantes del sistema Vauban que amurallaba la ciudad.

    La “Prisión Preventiva y Correccional” de Badajoz había sido proyectada por técnicos de la Dirección General de Prisiones durante los primeros años de la posguerra, en 1941, aunque no se terminó hasta 1958. Concebida como un establecimiento a cuya construcción debían inicialmente contribuir los propios reclusos en régimen de redención de penas, la arquitectura de la cárcel respondía al modelo penitenciario de rotonda (o torre central) y naves radiales inspirado en el panóptico de Bentham.

    Proyecto Museográfico

    El complejo penitenciario había sido construido con materiales cuyas carencias recordaban las que fueron propias de la época en que se edificó: hormigón armado sólo en la estructura del módulo central, muros de carga en el resto de las dependencias, cubriciones de teja árabe…Más de ciento cincuenta años después de haber sido formulados los principios característicos del panóptico benthamiano, la abandonada cárcel evocaba la ruina de aquel modelo y los restos de su máquina arquitectónica el amargo recuerdo de su función autoritaria.

    La denominación MUSEO EXTREMEÑO E IBEROAMERICANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO identifica con propiedad su lugar de asentamiento, sus contenidos y su ámbito vocacional de referencia, y responde a la voluntad fundacional que orientó la creación de este Museo a la recuperación inmediata de un patrimonio disperso, a la creación de un ámbito transfronterizo de relaciones culturales con Portugal y al relanzamiento desde Extremadura de los vínculos que por razones históricas unieron a la región con América Latina.

    Los objetivos a los que responde la creación del MEIAC suscriben el propósito generalizado de impulsar el desarrollo y divulgación de la actividad artística en una región que, hasta la fecha, carece de centros de formación especializados; facilitar su integración en un circuito abierto a las relaciones y los intercambios culturales con otros centros similares, y dotar a la Comunidad Autónoma de Extremadura de un patrimonio en obras de arte contemporáneo del que, hasta la fecha de su fundación, carecía por no haber existido antes en Extremadura colecciones públicas o privadas de verdadera significación e importancia.

    La colección, exposiciones y actividades del Museo se orientan en función de su declarada vocación iberoamericana. Para la elaboración de proyecto museográfico se constituyó en 1994 una Comisión Asesora compuesta por: Antonio Franco Domínguez, Antonio Bonet Correa, Fernando Huici March, Fernando Castro Flórez, Rosa Olivares Zurilla, Bernardo Pinto de Almeida, Miguel Logroño Leza, Luís Alonso Fernández, Miguel Rojas Mix, María del Mar Lozano Bartolozzi, Javier Cano Ramos, José Antonio Galea Fernández, Pedro Barquero Moreno y José María Soriano Llamazares.

    Proyecto Arquitectónico

    Obra del arquitecto José Antonio Galea, el proyecto que configura el nuevo museo prescindió de las naves radiales de la antigua cárcel y planteó la creación de un complejo museístico organizado en función de un eje axial y ordenado en tres apartados o zonas diferentes, aunque globalmente integradas: un edificio para la Colección Permanente y las exposiciones temporales, un edificio de uso administrativo y una amplia zona ajardinada. De la antigua cárcel se mantuvo en el nuevo proyecto la torre circular del panóptico por tratarse de su elemento formal y simbólico más significativo, rehabilitándose para sus nuevas funciones, mejorando su capacidad, sus limitaciones de altura y la circularidad de sus recorridos mediante la construcción bajo su planta de una sala hipóstila de grandes proporciones. En el edificio administrativo, de nuevo alzado, se sitúan el salón de actos, los almacenes, talleres y servicios de apoyo al museo. Los espacios abiertos se configuran como toda una “arquitectura exterior” en la que los muros y elementos constructivos se combinan con palmerales, paseos y zonas ajardinadas.

    En cuanto a su superficie útil, sin contar con la pequeña sala de exposiciones situada en el ágora del edificio anexo, ni con las posibilidades que en ese sentido puedan ofrecer los espacios exteriores, el Museo dispone de un espacio expositivo de más de 5.000 m2 repartido entre la planta semisótano y sus cuatro plantas circulares. Ocupa un área de 25.000 m2, tiene una superficie construida de 7.528 m2, y una zona ajardinada de 9.500 m2.

    El MEIAC en el siglo XXI

    El año 2005, coincidiendo con el décimo aniversario de su apertura al público, el MEIAC invitó a una serie de gabinetes y estudios de arquitectura de ámbito internacional para que contribuyesen con sus ideas a redefinir sus amplios espacios exteriores y a imaginar el futuro del museo. Por este medio se trató de dar continuidad a anteriores proyectos de aproximación entre el museo y las nuevas tecnologías y al mismo tiempo su más armoniosa integración en la ciudad. Cada uno de los equipos invitados debía presentar una propuesta de redefinición del espacio del museo para el siglo XXI, tomando como punto de partida la convicción de que el nuevo museo se encamina hacia una profunda transformación económico-social, así como cultural y tecnológica.

    Los jardines del museo sirvieron como hipotético escenario a estos supuestos, dieciséis en total, que denominamos Fuentes para el Diálogo (FpD) y que se formularon a partir de una serie de axiomas o de condiciones previamente fijadas. La primera condición básica fue la de establecer que cualquiera de los edificios, o instalaciones propuestas debía ser alimentado con energía solar. La segunda, que debía tener en cuenta el emplazamiento del museo, eliminando las barreras arquitectónicas que ahora lo rodean para facilitar su integración en la ciudad de Badajoz. La tercera, que todo el terreno que ahora ocupa será un espacio de libre acceso inalámbrico a Internet. La cuarta condición básica partía del hecho de que la arquitectura y el arte evolucionan hacia una dimensión local e interactiva; lo que significa usar tecnologías muy desarrolladas y muy simples a la vez. Y la quinta, que la energía fósil se acabará muy pronto y esto supone que tendremos que buscar soluciones alternativas creativas, sostenibles y baratas.

    Participaron en la creación de estas propuestas, Mr. Fung, Matías Pintó + Mateo Pintó, nArchitecs, S´A arquitectos, Pedro Costa + Celia Gomes, Colectivo Cuartoymitad, David Campos + Ursula Schneider, marcosandmarjan, AMID + a!, Ayssar Arida, Airrights, 011 estudio, go/a, esestudio, Acebo x Alonso y Daniel Jiménez + Jaime Olivera. Sus trabajos se presentaron en el marco de la exposición META<morfosis comisariada por Antonio Cerveira Pinto.

    LA ALCAZABA, UNA VISTA PRIVILEGIADA. PORTUGAL MUCHO MÁS CERCA

    Fue el origen de la ciudad, morada de los reyes de la taifa y la defensa que convirtió a Badajoz en una plaza estratégica para controlar las fronteras a lo largo de la historia.

    La alcazaba ha sido testigo de la vida de Badajoz desde su fundación, convirtiéndose en un punto clave para controlar la frontera con Portugal. La construcción que hoy conocemos es el resultado de los cambios realizados en la época almohade -siglo XII- por el califa Abu Yaqub Yusuf, aunque parece que el origen está en el siglo IX. Esta fortificación es la más grande de España en su clase y se construyó a conciencia para resultar impenetrable, aprovechando el desnivel provocado por el Guadiana y del arroyo Rivillas. La alcazaba fue declarada Monumento Histórico-Artístico en 1931 y las obras de rehabilitación han descubierto nuevos detalles arquitectónicos que no hacen sino aumentar su gran valor.

    Para entrar al recinto puedes elegir cualquiera de las cuatro puertas; la puerta del Capitel y la del Alpéndiz son de época almohade y están muy bien conservadas. A ellas se suman la puerta de la Coraxa y la de Yelves. De las torres que flaquean las partes más expuestas de la muralla destaca la torre de Espantaperros (siglo XII), con su característica planta octogonal. Ya en el interior de las murallas no te pierdas el palacio de los Condes de Roca con su patio porticado (hoy es el Museo Arqueológico Provincial), los jardines de la Alcazaba, la torre de Santa María que son los restos de una iglesia edificada sobre la mezquita mayor, la Biblioteca de Extremadura o la torre del Palacio Episcopal.

    Vostell y Barruecos. Museo y naturaleza. El arte se filtra por los senderos del campo.

     MUSEO VOSTELL-MALPARTIDA

    Wolf Vostell es el padre de este museo, como lo fue de la técnica Dé-coll/age, del Happening europeo y del Movimiento Fluxus y del videoarte. Su arte desprende una chispa especial, un toque de originalidad inconfundible, pero es mejor que lo descubras por ti mismo.

    Lo primero que te sorprenderá será la situación del museo, pues se halla en un área de gran importancia geológica y ecológica: Los Barruecos. Se trata de un paraje hermosísimo declarado Monumento Natural, donde se conjuga la belleza de las grandes moles graníticas y el agua de una presa con un rico potencial de flora y fauna.

    El museo se compone de dos colecciones destacadas. La primera de ellas, bajo la denominación Wolf y Mercedes Vostell, recoge varias obras de arte realizadas con elementos de la simbología fetichista de nuestra época, como pueden ser el coche, la televisión o el hormigón, transformados para darnos aviso de las sombras y conflictos que encierra la sociedad en la que vivimos. Ejemplos de obras de este tipo son «Los Toros de Hormigón», «El Muerto que tiene sed» o la escultura del jardín, «¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?».

    Por otro lado, la colección Fluxus que fue donada a Extremadura por el coleccionista italiano Gino di Maggio, está formada por un conjunto de 250 obras de 31 artistas norteamericanos, europeos y asiáticos. Finalmente, la colección de artistas conceptuales contiene 60 obras entre cuadros, cuadros-objeto, esculturas e instalaciones, pertenecientes a 48 artistas que desde los inicios del Museo Vostell Malpartida en 1976 han estado especialmente vinculados a sus actividades.

    Colección inaugural Wolf y Mercedes Vostell

    La Colección inaugural Wolf y Mercedes Vostell ofrece un recorrido amplio y variado por los ciclos más representativos del artista fundador. La componen cinco ambientes que constituyen la referencia peculiar de este museo: Fiebre del Automóvil (1973), Fluxus Buick Piano y Desayuno de Leonardo da Vinci en Berlín de 1998.

    La mayoría de estos ambientes incluyen como objetos artísticos elementos de la simbología fetichista de nuestra época (el coche, la televisión, el hormigón), transformados y confrontados aquí por Vostell para darnos aviso de las sombras y conflictos que encierra la sociedad en la que vivimos. A todo ello se unen cinco esculturas (los Toros de Hormigón), cuatro grandes relieves (Trashumancia), y otros cuadros de gran formato como El Entierro de la Sardina (1985), Las Chicas del Billar (1986), Mitos Berlín (1986-1987) y Estrella Seelenfreund (1994). Además, la colección Wolf y Mercedes Vostell cuenta con un abundante número de cuadros-objetos (El muerto que tiene sed y VOAEX), serigrafías (V40) y proyectos de esculturas (Serie Ícaro y Tanit) que intentan ofrecer un extenso itinerario por los ciclos más significativos del artista. Se deben mencionar también las obras Transmigración III (1958-1959), el primer cuadro conocido en el que se introduce un aparato de televisión, y Montaña extranjera (1958), con la que Vostell inicia su gran producción sobre Extremadura.

    En el jardín de escultura está instalada con carácter permanente una gran pieza de Wolf Vostell, d 16 metros de altura titulada «¿Por qué el proceso entre Pilatos y Jesús duró sólo dos minutos?» (1996), conformada por el fuselaje de un avión ruso Mig-21, dos automóviles, monitores de ordenador y tres pianos.

    Donación Fluxus. Dino di Maggio

    Gino di Maggio, por mediación de Wolf y Mercedes Vostell, conoció la aventura del Museo Vostell Malpartida desde los inicios, y contagiado de los entusiasmos del artista se decide apoyarlo, donando en octubre de 1996 una parte importante de su colección. El movimiento Fluxus, fundado por Maciunas, no tiene normas ni directrices, es un estado del espíritu, una nueva forma de arte, es elevar las cosas sencillas a la categoría de obra de arte. En Fluxus todo vale, sin embargo nada es imprescindible.

    La colección Fluxus fue donada a Extremadura por el coleccionista italiano Gino di Maggio, editor de varias publicaciones, comisario de la muestra Ubi fluxus, ibi motus de la Bienal de Venecia de 1990, director de la Fundación Mudima de Milán y gran amigo de los fluxistas. A partir de su revista Alfa-Beta, en los años sesenta, dio a conocer a toda Italia y Europa, los movimientos del arte de vanguardia, entablando muy pronto relación personal con los artistas fluxus, preocupándose de sus obras y exponiéndolas primero, en el espacio polivalente Multhipla y en la Fundación Mudima después. La Donación se compone de un conjunto de obras que fueron, en la mayoría de los casos, acciones e intervenciones Fluxus, así las fotografías, vídeos, manifiestos y diversos textos son los complementos necesarios de estos conjuntos de actos. La muestra la constituyen 250 obras (ambientes, instalaciones, cuadros, cuadros-objetos, esculturas y partituras), de 31 artistas de procedencia europea, norteamericana y asiática, que desde finales de los años 50 y 60 sintetizaron en los movimientos Happening y Fluxus, las conmociones en todos los dominios de la cultura a favor de una renovación del campo artístico de forma interdisciplinar e intermedia, extensiva a la vida cotidiana y simiente de una transformación social fundamental.

    Colección Artistas Conceptuales

    La impronta personal de Wolf Vostell, siempre cargada de propuestas cosmopolitas, abanderó innumerables actividades artísticas y culturales en el Museo Vostell Malpartida, como las tres semanas de Arte Contemporáneo de Malpartida (SACOM), entre los años de 1977 y 1983, el Manifiesto del Lavadero de 1980 y el Día de Arte Contemporáneo de Malpartida (DACOM) en 1983. Se configura así el germen de la Colección de Artistas Conceptuales españoles, portugueses y polacos.  Esta colección abrió nuevas sendas que hicieron que los espectadores exploraran otros territorios que nada tenían que ver con los academicismos ni con la obra concebida como algo cerrado, pero sí con el valor que debe darse a la relación entre el artista, la sociedad, la vida y nuestra condición humana.

    La colección contiene 60 obras (cuadros, cuadros-objetos, esculturas e instalaciones) de 48 artistas de estas nacionalidades que desde los inicios del Museo Vostell Malpartida en 1976 han estado especialmente vinculados al mismo por mediación del matrimonio Vostell participando en el desarrollo de las actividades citadas.

    MONUMENTO NATURAL LOS BARRUECOS

    En mitad de la penillanura cacereña se encuentra el monumento natural de Los Barruecos, una espectacular creación natural a la que también el ser humano ha contribuido. Un espacio de relieve aplanado, salpicado de charcas y enormes domos graníticos que conforman este paisaje sugerente y único.

    Declarado Monumento Natural por su belleza, la originalidad del paisaje de Los Barruecos se debe a sus formaciones graníticas que el agua y otros agentes erosivos se han encargado de modelar. Las caprichosas formas de estos domos te invitan a dejar volar la imaginación para vislumbrar la figura de animales, objetos o incluso personas.

    Por su parte, el agua es imprescindible para la creación de su particular hábitat natural. Sus charcas son fuente de vida para numerosas especies animales, como la cigüeña blanca o la garza real, que hallan aquí un lugar ideal para sus colonias. Como demuestran los abundantes restos arqueológicos, también el hombre encontró este hábitat idóneo para su asentamiento. Aquí podrás admirar vestigios que datan desde el neolítico hasta el s. XIX, incluyendo la etapa romana. Existen algunas rutas que te descubrirán este vasto paraje, cada una con un recorrido y duración diferentes. La ruta de las Peñas del Tesoro arranca en el Museo Vostell-Malpartida y recorre el espacio entre éste y las Peñas del Tesoro, rodeando la Charca del Barrueco de Abajo. Este itinerario dura sólo 30 minutos y es el más frecuentado. Algo más larga es la Ruta del Barrueco de Arriba. 1 hora por todo el perímetro de la charca que le da nombre. Si te atreves a caminar algo más, encontrarás también otros itinerarios cuya duración es de 2 y 3 horas. De visita obligada si te acercas a Los Barruecos, es el Museo Vostell-Malpartida que alberga una singular colección, formada en su mayoría por la obra del artista alemán Wolf Vostell. En el mismo conjunto está el antiguo lavadero de lanas, reconvertido en el Centro de Interpretación de las Vías Pecuarias.

    El MNAR y Mérida. La cultura romana en una de las ciudades romanas más importantes del imperio. Turismo, arquitectura y epicentro de Extremadura.

    MUSEO ROMANO DE MÉRIDA

    El Museo Nacional de Arte Romano (MNAR) ofrece al visitante distintas facetas de la vida cotidiana en la provincia de Hispania.

    La historia de este museo se remonta al siglo XVI, cuando don Fernando de Vera y Vargas, comenzó a reunir su colección epigráfica. Tras diversos avatares durante los siglos siguientes, fue en 1975, con motivo del bimilenario de la ciudad, cuando se decidió crear el Museo Nacional de Arte Romano, el primero que, fuera de Madrid, tuvo el rango de nacional. Y en 1986 se inauguró el actual edificio que da cobijo a los objetos arqueológicos de Mérida, los cuales ya se cuentan por millares.

    Este edificio, proyectado por Rafael Moneo, seguro que atraerá rápidamente tu atención, ya que combina a la perfección la modernidad con el carácter romano de la ciudad, y rinde tributo al estilo constructivo clásico mediante la distribución de sus espacios, que podrás apreciar en sus amplios volúmenes, con un interior poblado de esbeltos arcos e iluminación cenital. El espacio central está dedicado a la exposición permanente, que seguro sabrás apreciar.

    Enclavado en el conjunto arqueológico de Mérida, que fue declarado Patrimonio de la Humanidad de la Unesco en 1993, el MNAR mantiene una actividad incesante de investigación y difusión de la cultura romana, en especial la referida a esta ciudad, la antigua Augusta Emerita, capital de Lusitania. El museo ofrece una programación de actividades de muy diversos tipos y dirigidas a distintos públicos. Y así, gracias al gran número de congresos, coloquios, conferencias, cursos y exposiciones que acoge, el Museo Nacional de Arte Romano se ha convertido desde su apertura en un exponente cultural imprescindible para Mérida. Además, este museo cuenta con una publicación propia, la revista Anas y una activa Asociación de Amigos del Museo, que integran este espacio en el tejido social de la ciudad.

    Colecciones

    Las colecciones del Museo Nacional de Arte Romano se centran casi exclusivamente en objetos hallados en el yacimiento emeritense. Las únicas excepciones a ello las constituyen ciertas piezas compradas en subastas públicas, sobre todo monedas. Cronológicamente, dominan y destacan los ejemplares correspondientes a la época romana, desde el momento de la fundación de la ciudad por Augusto, en el 25 a.C., hasta la caída del Imperio romano de Occidente, en el Siglo V d.C. A ellas les siguen en importancia y número las colecciones datadas en el periodo que le sigue, la conocida generalmente como época visigoda, así como por la comunidad científica como Antigüedad tardía, momento en el que Mérida conservó un papel preponderante en el panorama hispánico. En fin y en menor medida, destacar algunas piezas medievales y modernas, que arrancan con una singular relevancia a comienzos de la época islámica pero que desde el Siglo IX irán volviéndose menos representativas, coincidiendo con el declive de la ciudad.

    CONJUNTO ROMANO DE MÉRIDA

    La cantidad y calidad de los monumentos romanos de Mérida, reflejan cómo era la vida en una capital de provincia del Imperio.

    Testimonio de excepción del pasado romano de la ciudad de Mérida, no puedes dejar de contemplar la grandiosidad del conjunto arqueológico de esta ciudad, uno de los más importantes y extensos de España, y que forma parte de la lista de Patrimonio Mundial de la Unesco desde el año 1993. Y es que sus monumentos constituyen un ejemplo de cómo eran los edificios públicos de una capital de provincia romana. No tienes que olvidar que en el año 25 a.C., el emperador Octavio Augusto fundó la colonia de Augusta Emérita, y más tarde fue distinguida con el nombramiento de capital de la provincia romana de Lusitania. Esplendor que mantuvo durante la época visigoda, y que ha hecho que posea también multitud de vestigios de esta cultura, así como de la musulmana, que están incluidos en los 29 elementos que forman su conjunto monumental.

    La visita de estos monumentos no te resultará muy difícil, ya que la mayoría de ellos están localizados intramuros de la colonia romana. De estos, no te puedes perder el teatro, el anfiteatro, la casa del anfiteatro, la basílica de Santa Eulalia ni el circo romano. Pero tampoco puedes dejar de acercarte al Acueducto de los Milagros, el Templo de Diana, el Pórtico del foro, el Arco de Trajano o la Casa del Mitreo, un ejemplo de cómo era una casa romana y donde está el mosaico cosmológico. Otros elementos están extramuros, como las presas de Cornalvo y Proserpina, el acueducto de San Lázaro, el puente sobre el río Guadiana o las termas de Alange.

    Aunque no se conoce la fecha exacta de su construcción, las famosas termas públicas de Alange, localidad situada a 18 kilómetros de Mérida, suelen datarse en el siglo III d.C. De la construcción romana original se conservan dos termas circulares techadas en cúpula. Los datos históricos aseguran que el balneario primitivo se completaba con un caldarium o piscinas calientes, baños de vapor y jardines.

    Museo Helga Alvear y Cáceres. El arte de vanguardia en una ciudad patrimonio con siglos de historia.

    MUSEO HELGA DE ALVEAR

    Inaugurado en febrero de 2021, el nuevo museo de Cáceres muestra 200 obras de las cerca de 3.000 que componen la colección de la galerista Helga de Alvear. Lo mejor del arte contemporáneo en un edificio de nueva planta.

    El que fuera antes el Centro de Artes Visuales Helga de Alvear, abierto en 2010 y cuya sede se limitaba a un edificio modernista rehabilitado en Cáceres, se denomina ahora Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear, una institución que cumple el sueño de su impulsora: acercar el arte contemporáneo a la sociedad actual y a las generaciones venideras, ya que “el arte es un derecho y una necesidad” para la galerista y coleccionista alemana.

    Con más de 3.000 m2 de espacio expositivo y casi 8.000 m2 de superficie, el nuevo museo, diseñado por el premiado estudio Tuñón Arquitectos, cuenta con una extensión adaptada a la amplia y diversa colección de Helga de Alvear, que donará a la ciudad de Cáceres las obras adquiridas a lo largo de su vida. Se trata de una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Europa. El museo alberga en su interior una selección de obras de artistas de la talla de Olafur Eliasson, Pablo Picasso, Louise Bourgeois, Wassily Kandinsky, Helena Almeida, Paul Klee, Joseph Albers, Robert Motherwell, Joseph Beuys, Barnett Newman, Nan Goldin, Tacita Dean, Gordillo, Campano, Tàpies, Carmen Laffón o Ai Weiwei, cuya icónica lámpara ‘Luz bajando’ preside el vestíbulo del edificio. La muestra se distribuye en cuatro plantas y brinda la oportunidad de explorar en primera persona esculturas e instalaciones de gran formato, así como pinturas, fotografías, dibujos e instalaciones de más de 100 artistas de 26 países, con una presencia mayoritaria de autores españoles (casi un tercio), europeos y estadounidenses. La exposición tiene carácter semipermanente: muchas de las obras que la componen estarán a disposición del público durante varios años, pero, dada la amplitud de los fondos de la colección de Helga de Alvear y los préstamos que la institución facilita con frecuencia, será posible observar variaciones e incorporaciones a lo largo del tiempo.

    El museo rebosa los límites de su propio espacio y expone obras más allá del edificio, como la escultura de un olivo centenario de Ugo Rondinone, que ya estuvo presente en la inauguración del Centro de Artes Visuales en 2010 y que ahora preside el amplio jardín exterior.

    El edificio, diseñado por Emilio Tuñón, tiene vocación de difuminar fronteras: ocupa la línea imaginaria que separa el conjunto monumental de Cáceres (Patrimonio Mundial de la Unesco) de la parte más moderna de la ciudad, creando así una vía de comunicación fluida entre el pasado y el presente. Pilares de cemento blanco, madera de roble, formas angulosas y un inteligente aprovechamiento de la luz son algunas de las señas de identidad de un edificio que ha sido galardonado con el Premio Architecture MasterPrize 2020, en la categoría de ‘Arquitectura cultural’, y que figura en la lista de mejores proyectos arquitectónicos de los últimos años, según ‘The Guardian’, ‘Lonely Planet’ y medios especializados como ‘ArchDaily’ o ‘Design Boom’.

    Exposición de Joseph Beuys: Antecedentes, coincidencias e influencias.

    El Museo se une a los actos de homenaje de uno de los artistas más influyentes del siglo XX en el año de su centenario

    En el año de su centenario, Joseph Beuys (Krefeld, 1921 – Düsseldorf, 1986) protagoniza la nueva exposición temporal del Museo Helga de Alvear. La muestra incluye toda la obra del artista alemán  reunida por Helga de Alvear hasta ahora, así como otras de la colección de varios artistas más que fueron amigos, discípulos o personas que tuvieron un papel significativo en su desarrollo intelectual. Beuys fue muchas cosas: chamán, nómada, líder, espiritualista, político, hombre de acción, entre otras, pero sobre todo desplegó unas cualidades plásticas extraordinarias que le llevaron a dejar a la humanidad algunas de las metáforas más bellas de su tiempo. Persona comprometida en la lucha a favor del medio ambiente, pilar fundamental en la génesis del partido verde alemán, concibió para sí mismo una imagen impactante y dinámica que complementaba a la perfección una singular presencia escénica de gran eficacia para la actividad performativa que practicó intensamente.

    Además de las obras ejecutadas por el artista alemán en diferentes periodos, la exposición refleja la importancia de las relaciones maestro-discípulo y su papel como catalizador de todo un grupo internacional de artistas representados en la Colección Helga de Alvear. Una amplia selección de fotografías de su colega y amigo Werner Krüger acercan al espectador al diverso espectro de relaciones del artista alemán con otros agentes del contexto artístico, la proyección de dos documentales invita a explorar en profundidad los capítulos más relevantes de su biografía y las obras de artistas como Imi Knoebel, Lothar Baumgarten, Gerhard Richter, Katharina Sieverding o Blinky Palermo transportan al efervescente contexto de la Academia de Düsseldorf en la que Beuys ejerció como profesor.

     

  • El MEIAC expone obra gráfica y poética inédita del pintor extremeño Timoteo Pérez Rubio

    La secretaria general de Cultura, Miriam García Cabezas, ha inaugurado este viernes la exposición ‘Timoteo Pérez Rubio, poeta-pintor en Brasil: Soledad, amor y melancolía’ en el Museo Extremeño e Iberoamericana de Badajoz (MEIAC), acto durante el que ha señalado se trata de una muestra que pretende recuperar la memoria del artista de Oliva de la Frontera a través de dos de sus facetas creadoras, por un lado, la más conocida de la pintura, pero también su ‘poesía secreta’ que a través de la muestra ve ahora la luz. “El arte no deja de ser la reflexión de un artista y en este caso se plantea a través de las letras y el color” ha dicho.

    La exposición está integrada principalmente por trabajos realizados durante el exilio de artista olivero en Brasil que han sido recuperados en una investigación realizada por la Universidad de Extremadura y el MEIAC con el apoyo del Gobierno regional. La muestra, que podrá visitarse hasta el mes de abril, incluye también obras de toda la trayectoria de Pérez Rubio, y algunas se exhiben por primera vez. Durante la inauguración, la responsable cultural ha afirmado que se trata de una “exposición necesaria” que nos ofrece “una visión que no teníamos del artista” y, a la vez pone de manifiesto la vocación iberoamericana y la conexión con los contenidos culturales en portugués que el MEIAC promueve.

    Asimismo, ha dado las gracias a la Universidad de Extremadura (UEx) por tener en cuenta estos proyectos que traen a la luz figuras claves histórica extremeña y española, y ha destacado el trabajo en equipo y la colaboración entre instituciones. García Cabezas también ha recordado la reciente aprobación de la Ley de Museos de Extremadura donde queda patente la función de los museos orientaos a la custodia, investigación y difusión del patrimonio. La exposición que hoy se ha inaugurado es para la secretaria general de Cultura un ejemplo de las funciones que deben desempeñar loa centros museísticos según la nueva ley.

    La inauguración ha contado con la participación del hijo de Timoteo Pérez Rubio, Carlos Pérez Chacel; la responsable de MEIAC, Catalina Pulido; uno de los comisarios de la muestra; José Luis Bernal Salgado; y el vicerrector de extensión universitaria UEx Juan Carlos Iglesias, entre otros. La muestra está comisariada por Rocío Nicolás Blanco, Catalina Pulido Corrales, José Luis Bernal Salgado y Jesús Ureña Bracero.

     

     

  • Celeste Garrido «Tus ojos dicen lo que tu boca calla»

    La artista gallega Celeste Garrido tiene una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. En esta muestra se incluye una cuidada selección de obras en distintos formatos —en su mayoría de nueva producción— que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo. Su proyecto Nupcial, desarrollado a través de numerosas obras, hace referencia al vestido de novia como símbolo del matrimonio, dentro de un sistema patriarcal subyacente en nuestra cultura y que todavía hoy ejerce un claro dominio sobre la mujer, condicionando su libertad y su autonomía.

    Su discurso artístico surge de la relación entre la experiencia creativa y la condición femenina, incorporando a su obra objetos de la vida cotidiana y materiales orgánicos, en especial aquellos de uso doméstico —miel, gelatina, uvas, pétalos de rosa…— que por sus propiedades y carácter simbólico hacen alusión a la fragilidad corporal, a la noción del tiempo que pasa, y al carácter cambiante de las cosas; la inestabilidad unida a la idea de belleza que persiste en nuestro imaginario colectivo, directamente relacionada con el deseo y la seducción. Sus obras aluden a menudo a una mujer cuya acción está condicionada por la mirada del otro, con una dependencia emocional que hace que su propia voluntad se desvanezca.

    Durante los últimos meses, Celeste Garrido ha desarrollado un nuevo proyecto que establece una reflexión en torno a la violencia infantil y en especial a la violencia sexual en la infancia y la adolescencia. Denominado Infancias rotas, afronta el abuso a menores a través de la creación artística, denunciando el infierno al que se enfrentan los niños y en especial las niñas, por el simple hecho de haber nacido mujeres, en algunos países en vías de desarrollo. Pero también pretende desvelar una realidad de episodios silenciados de abusos infantiles que transcurren a nuestro alrededor, bajo una apariencia de normalidad amable, y que hieren irreversiblemente a algunas personas en lo más profundo de su ser, destruyendo su infancia y condicionando para siempre su vida, especialmente cuando estos hechos se producen dentro del círculo de confianza del menor, como puede ser la familia o la escuela. Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso.

    Celeste ¿Qué nos encontramos como visitante en esta tercera planta del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo?

    Aquí en el MEIAC, en esta tercera planta hay una exposición de Celeste Garrido, una artista gallega, donde nos podemos encontrar con dos series, la serie Nupcial con la que llevo trabajando veinte años, y una serie nueva que empieza en el confinamiento y se llama Infancias rotas. Esta serie se inicia a raíz de la lectura de un libro de María Martínez-Sagrera del mismo nombre que la serie.

    Impacta ver un museo una presencia tan directa de un tema tan duro y desgraciadamente tan actual…

    Yo soy profesora además de artista y por eso me parece importante establecer esa reflexión que permita a los niños cuando van a visitar los museos, tocar el tema del abuso sexual. Es un aspecto que se trata muy poco y que muchas veces ocurre en el círculo de confianza del menor y por tanto, tarda mucho en detectarlo. De ahí como educadora me interesa que los niñas sepan que existe esta cruda realidad y pueden contarlo.

    Vemos elementos significativos como un traje de comunión, pétalos de rosa, zapatos de tacón con espinas, rojo y blanco…

    …estos elementos conforman la parte nupcial y son elementos orgánicos, sacados muchos de los materiales de cocina que utiliza la mujer, como la sal, la miel o como la gelatina de fresa, y que se va trasformando durante la exposición. Esto da diferentes lecturas pero se centra en el tema de la mujer, con el mezquino rol que dice que dice que la mujer tiene que estar en la cocina, en el hogar. Es una crítica viva y una reflexión para todos los asistentes.

    El premio Princesa de Asturias de la Artes, recientemente concedido a Marina Abramovic, puede ser, por fin, un paradigma para situar a la mujer en el espacio que le corresponde en el  mundo del arte.

    Formo parte del portal de Igualdad que lo que hace es reflexionar en torno a la presencia de la mujer en el arte. En los museos aparecemos ahora, pero en las grandes colecciones museísticas no aparece para nada y sobre todo, aún a día de hoy, en las exposiciones internacionales, en las grandes muestras y en las grandes ferias, no se selecciona obra de mujer. Un 5% frente al resto que suelen ser masculinas.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez.