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  • El futuro de los museos: recuperar, reimaginar sus fronteras

    El futuro de los museos: recuperar, reimaginar sus fronteras

    Cualquier museo de mundo, por pequeño o grande que sea, por lo extravagante o abandonado que se encuentre, por la falta de visitantes o por la colas que genere para su complacencia, por lo deslucido, bonito, interesante, vetusto, futurista o simplemente porque el portal de tu casa comparte código postal con su puerta principal, debe ser visitado al menos una vez en la vida, para buscar ese centro de gravedad permanente que nos mantenga en vilo, pisar suelo de museo que nos haga sentir vivos.

    Un museo debe aborta la inanición creativa, lo museísticamente fascinante es aquello que al verlo, sin saber por qué nos pellizca el alma, nos hace poner de cara de estúpidos o nos provoca la risa y el llanto, una furtiva lágrima por lo menos.

    Los espacios reservados para acoger y exponer obras, tienen que orear sus estructuras, limpiar ese aroma de daguerrotipo, que repele al público y atrae el silencio. El museo debe escuchar al visitante que disfruta más de sus exteriores, para la práctica del parkour, yoga o danza, y replantearse una exportación del contenido de su interior, conectar la placa de cobre recubierta de yoduro de plata con la realidad que vivimos.

    En 1682, el señor Elias Ashmole donó su colección de arte a la Universidad de Oxford. De eso hace más de 300 años y el Museo Ashmolean no está entre las prioridades de un turista a la hora de planificar el viaje. Entramos por que toca, porque es el museo más viejo del mundo, da igual si tiene dibujos de Leonardo da Vinci, acuarelas de Turner o lienzos de Rembrandt, Picasso o Manet. Toca resetear, preguntar a nuestros hijos, sobrinos o hermanos y escucharles, oírles, quizá no tengan razón, no sepan definirnos qué es un museo, es posible que no hayan visitado ninguno. Pero una cosa sí es segura, ellos pueden replantear con mayor claridad, el futuro de los museos, recuperar, reimaginar sus fronteras.

    Willy López

    MEIAC-11

    ¿Qué es el Día Internacional de los Museos?

    Desde el año 1977, el 18 de mayo o en torno a esa fecha, la comunidad museística mundial viene celebrando el Día Internacional de los Museos, un evento creado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) con el objetivo de potencializar el papel cultural y humanístico de estos centros como instituciones al servicio de la sociedad y de su desarrollo.

    Cada año, se plantea desde el ICOM un tema, que haga reflexionar sobre los objetivos y las actividades de los museos en su trabajo cotidiano.

    Este año 2021, el tema del Día Internacional de los Museos es: Parte de la premisa de que, en un mundo cada vez más globalizado, en el que todo está interrelacionado, resulta imposible entender el papel de los museos sin tener en cuenta todos los hechos que afectan de una manera global y los resultados que a nivel mundial estos establecen. En este año 2021, no podemos dejar de citar “la Covid 19”, siendo un antes y un después en la estructura social y cultural que teníamos establecida. Por ello, pensando en el futuro, tenemos que Recuperar y Reimaginar, como queremos que sea un mundo que de momento está sorprendido.

    Los Museos son parte inherente de las comunidades locales, de su paisaje cultural y de su entorno natural. La tecnología, como se ha podido comprobar en este último año, nos permite acceder a los museos, al hecho cultural, llegando más allá de su público habitual a través de algo tan sencillo como un hashtag. Algunos museos ni siquiera necesitan la tecnología para crear nuevas conexiones; para ellos, presentar su colección de una forma diferente e innovadora resulta es suficiente para atraer a un público totalmente nuevo.

    Helga Alvear hoyos 2021

    MUSEO HELGA DE ALVEAR

    FLAMENCO Y DANZA

    Flamenco, afro-contemporáneo, clásico, folclore, contemporáneo  o urbano para obras de Ai Weiwei, Larry Bell, Olafur Eliasson, Juan Muñoz, Thomas Hirschhorn, Carol Bove, Richard Long y Katharina Grosse.

    Danza en el Museo de la mano de Jesús Ortega, Juan Carlos Guajardo, Jesús Custodio, Libertad Pozo, Cristina Rosa, María Lama, Chyntia González y el Ballet Folclórico de Extremadura llenan de danza el Museo con la colaboración especial de Cristina Hoyos.

    ESCUCHANDO EL MUSEO

    ¿Qué canción le pondrías a la lámpara de Ai Weiwei, a los Caprichos de Goya o al olivo de Rondinone? Con motivo del Día de los Museos vamos a crear una lista de canciones que acompañe las obras. ¡Necesitamos tu ayuda para crear la banda sonora del Museo! ¿Nos envías tu canción y a qué obra la asociarías?

    ¿TIENES UN CHICLE?

    A partir del artista chino Zhang Peili, te proponemos realizar una acción breve, sencilla y con un alto contenido simbólico: grabar un primer plano de tu rostro realizando una pompa de chicle hasta hacerla estallar.

    UN JARDÍN ENTRE AMIGOS

    Como no podía ser de otra manera, la Asociación de Amigos del Museo Helga de Alvear formará parte del Día de los Museos con una visita guiada el 19 de mayo, donde conoceremos las obras instaladas en el exterior, disfrutando de una primavera cargada de arte.

    MEIAC Reapertura 20-22

    MEIAC

    EM PERSPETIVA. Colección portuguesa del MEIAC

    La inauguración del MEIAC en mayo de 1995 supuso la apertura de un espacio nuevo para impulsar las relaciones culturales entre Extremadura y Portugal, un lugar de encuentro y colaboración transfronteriza en el campo de las artes visuales contemporáneas. Esta exposición es una primera aproximación, una mirada en perspectiva, a la colección portuguesa del MEIAC, en un recorrido por obras y artistas de obligada referencia en el arte portugués contemporáneo.

    Artistas en exposición: Antonio Dacosta, Nikias Skapinakis, Helena Almeida, João Vieira, Armando Alves, Manuel Baptista, Alberto Carneiro, Ángelo de Sousa, José de Guimarães, Alvaro Lapa, Jorge Martins, Eduardo Batarda, Jorge Molder, Leonel Moura, Julião Sarmento, Michael Biberstein, Albuquerque Mendes, Gerardo Burmester, Pedro Calapez, Manuel Rosa, Rui Sanches, Pedro Cabrita Reis, Jose Pedro Croft, Ângela Ferreira, Daniel Blaufuks, Rui Chafes.

    PLP. 15 PROPUESTAS /1 ESPACIO. Proyectos de producción propia

    Exposición enmarcada en el 25 aniversario del MEIAC, una necesaria mirada sobre estos veinticinco años de trabajo, así como una puesta al día de proyectos con continuidad en el futuro. Se plantea un recorrido de carácter documental por los proyectos de producción propia, específicamente creados para el MEIAC, por un nutrido grupo de artistas. Aunque desde sus inicios el MEIAC fue consciente de la importancia de establecer líneas de apoyo para la creación artística, las primeras propuestas en este sentido fueron puntuales, apuntando al entorno artístico más inmediato. La buena acogida a estos proyectos vino a reforzar la idea de un programa específico que, desde 2005, se materializa en la serie de proyectos POST LOCAL PROJECTS, que continúa activa en la actualidad.

    Los proyectos incluidos en esta etiqueta se concibieron como intervenciones de carácter específico, creadas desde y para el lugar donde se exponen. El apoyo del MEIAC facilitaba la producción de obras “no convencionales” dentro de la trayectoria de los artistas invitados, por complejidad o formato.

    Proyectos: MÁS MUERTAS VIVAS QUE NUNCA. Un proyecto de Marta de Gonzalo y Publio Pérez Comisariado por Juan Antonio Álvarez Reyes (2002) | THE FACE AND THE FACE. Un proyecto de Isabel María. Comisariado por Amparo Lozano (2005) | LA PIEL HABITADA. Un proyecto de Manuel Vilches. Comisariado por Francisco Carpio (2006) | LA NADADORA. Un proyecto de Maite Cajaraville. Comisariado por Fernando Castro Flórez (2006) | LA CELDA GRANDE. Un proyecto de Alonso Gil. Comisariado por Esther Regueira (2007) | EN CIRCUNSTANCIAS NORMALES. Un proyecto de Joana Pimentel. Comisariado por Filipa Oliveira (2007) | RETRATO PROTEICO. Un proyecto de Marta de Menezes. Comisariado por Inés Moreira (2007) | IP POETRY. Un proyecto de Gustavo Romano. Comisariado por Eugeni Bonet (2008) | VACÍO FIGURADO. Un proyecto de Emilio Gañán. Comisariado por Javier Rubio Nomblot (2009) | LOS DESASTRES. Un proyecto de Iván Marino. Comisariado por Claudia Gianetti (2009) | TRASLACIONES. Un proyecto de Ruth Morán. Comisariado por Imma Prieto (2014) | FORMAS LIBRES. Un proyecto de Justo García Rubio. Comisariado por Javier Fernández de Molina (2016) | DI/VIDE. Un proyecto de Carlos Gasparinho. Comisariado por António Pedro Mendes (2017) | O/C. LA MEDIDA. Un proyecto de Carla Carmona y Manuel Ortiz (2018) | GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE. Un proyecto de Daniel Muñoz. Comisariado por Jorge Díez Acón (2020)

    ALGORITMIA. Arte en la era de la Inteligencia Artificial

    En 1995 abría sus puertas el MEIAC, año en el que también comenzaba a hacerse conocida la WWW. El 25 aniversario del museo nos invita a hacer un balance de los importantes cambios tecnológicos que han ocurrido desde entonces y a reflexiona principalmente sobre el rol preponderante que tomaron los algoritmos, las redes sociales y la inteligencia artificial, y cómo éstos han transformado drásticamente a la sociedad y, por lo tanto, han impactado en el campo del arte.

    En esta muestra, comisariada por Gustavo Romano, se exhiben mayoritariamente las nuevas incorporaciones a NETescopio, el archivo de arte digital del MEIAC, realizadas en 2020, con obras de artistas españoles, iberoamericanos y del resto del mundo (entre ellos, Jonas Lund, Constant Dullaart, Michael Borras, André Sier, César Escudero Andaluz). La muestra se completa con otras obras que ya pertenecían al archivo y con obras físicas de la colección del MEIAC (Antoni Muntadas, John F. Simon o Eva y Franco Mattes). NETescopio, convertido en una de las líneas de trabajo del MEIAC, es un archivo en línea destinado a preservar obras artísticas generadas para la red. Lo que incluye obras de net art, arte digital interactivo, ciberpoesía, CD ROMs, acciones con dispositivos tecnológicos y demás formatos que utilizan dispositivos o estrategias digitales.

    Artistas en exposición: Alessandro Ludovico, André Sier, Antoni Muntadas, César Escudero Andaluz, Christian Oyarzún, Ciro Museres, Constant Dullaart, Demian Schopf, Disnovation.org, Eva y Franco Mattes, Giselle Beiguelman, Joan Leandre, John F. Simon, Jonas Lund, Kim Yong Hun, Mark Napier, Martin Nadal, Martina Menegon, Matthew Plummer Fernández, Michaël Borras a.k.a SYSTAIME, Paolo Cirio, Scott Draves, Shin Seung Back, Ubermorgen.

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    GUÍA PARA UN TERRITORIO REVERSIBLE

    Con esta muestra del trabajo de Daniel Muñoz se da continuación al proyecto concebido específicamente para el MEIAC por el artista extremeño y que se integró en la serie “Post Local Projects”, línea de trabajo iniciada por el MEIAC en 2005.

    Una serie de obras en pared y una instalación audiovisual completan la intervención realizada durante el verano de 2020 sobre uno de los muros de los espacios exteriores del museo, en la que se referencian otras cinco localizadas en diferentes enclaves turísticos de Extremadura y que completan el proyecto. Desde el MEIAC se da acceso a esta suerte de mapa que contiene una serie de pistas y coordenadas conceptuales que es necesario descifrar para identificar las ubicaciones de esas otras cinco intervenciones. Las obras presentadas ahora recogen los característicos elementos formales del lenguaje estético de Daniel Muñoz, en el que cohabitan códigos y símbolos cotidianos que se resemantizan a través de su relación con otros campos como la arquitectura, la publicidad o el turismo.

    Celeste Garrido08

    CELESTE GARRIDO. TUS OJOS DICEN LO QUE TU BOCA CALLA.

    Proyecto producido por el MARCO de Vigo y que llega al MEIAC como resultado de la suscripción de un convenio de colaboración entre la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura y el museo gallego, para el intercambio de exposiciones con trabajos de creadoras contemporáneas. En el MARCO podrá verse a su vez la producción del MEIAC “Música de las formas”, de la artista cubana Glenda León, expuesta hasta fechas recientes en el museo extremeño. Celeste Garrido es una joven artista gallega con una amplia trayectoria en proyectos teóricos y expositivos muy relacionados con la identidad y con cuestiones de género. La muestra parte de una cuidada selección de obras en distintos formatos que construyen un relato en torno a la temática del cuerpo como material, como soporte, como sujeto y como receptor, con especial alusión al cuerpo femenino y al vestido como símbolo.

    Comprometida como artista y como mujer, sus proyectos se desarrollan desde una óptica feminista y un posicionamiento crítico, planteando propuestas que apelan al espectador y le hacen cómplice de ese compromiso. En este contexto surgen algunas de las obras que forman parte de su nuevo proyecto.

    VEXTRE. Un proyecto de Maite Cajaraville

    Proyecto de Maite Cajaraville incluido en el Acuerdo suscrito en 2019 entre la Junta de Extremadura y la Fundação Eugénio de Almeida (Évora) de colaboración transfronteriza que establece una asociación estratégica con la que dar visibilidad a artistas originarios y/o residentes de las dos regiones rayanas.

    VEXTRE, con comisariado de Natalia Piñuel, se presentará en el MEIAC de Badajoz a finales del mes de abril de 2021, para trasladarse en el mes de septiembre al Centro de Arte e Cultura de la Fundação Eugénio de Almeida. El proyecto gira en torno a la producción de una pieza de realidad aumentada, un gran mapa virtual de Extremadura que visualiza datos socio-económicos de cada una de las poblaciones de la región, y que se hace visible a través de la utilización de dispositivos móviles individuales de los espectadores mediante la geolocalización en el espacio libre de la rotonda del edificio del MEIAC.

    Basada en la escultura física creada con una impresora 3D en 2017 por Maite Cajaraville durante su intervención en la primera edición del programa de cultura contemporánea de la Junta de Extremadura “Cáceres Abierto”, VEXTRE lleva al espacio del MEIAC una escultura virtual sobre la región, un objeto virtual tridimensional generado con medios tecnológicos en base a más de 20 parámetros y coeficientes positivos y negativos relativos a valores económicos y sociales de Extremadura.

    MUSEO DE CÁCERES

    18 DE MAYO. DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

    Concierto especial organizado en colaboración con el Conservatorio Oficial de música “Hermanos Berzosa” de Cáceres. Jardín del Museo, 20:00 h. Entrada libre hasta completar aforo.

    Ensemble CCSax 2.20. Director: Abraham Garzón

    Siguientes días de la semana: Recitales fin de enseñanzas profesionales. Conservatorio Oficial de Música de Cáceres. Los recitales se desarrollarán a partir de las 20,00 horas de los días señalados, y la entrada es gratuita y libre hasta completar el aforo disponible

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    MUSEO VOSTELL MALPARTIDA

    EL FUTURO DE LOS MUSEOS

    DÍA 18 DE MAYO

    Además de la habitual jornada de puertas abiertas y visitas guiadas, a las 19:00 h, se inaugura la exposición de Lucía Beijlsmit “Obras de arte con la naturaleza”, en espacios al aire libre del MVM, que estará seguida de una demostración en vivo de su trabajo con lana. A continuación, actuación del grupo de música silvopastoril “Chulumi” y de la Asociación de Folclore “Virgen de la Soledad” de Malpartida de Cáceres.

    DÍA 22 DE MAYO

    Taller/happening “Keine Verbindung (Sin conexión)”, a cargo de GESPROEC. Actividad en torno a la expresión corporal que tomará como punto de partida las obras de Vostell relacionadas con los medios de comunicación. Tendrá lugar en espacios al aire libre y salas del museo durante la jornada. Está dirigida a mayores de 15 años.

    Estas actividades están promovidas por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres, el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Asociación Amigos del Museo Vostell Malpartida, la artista Lucía Bleijlsmit y la Asociación Laneras-Dehesa Lanas

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    MUSEO ARQUEOLÓGICO PROVINCIAL DE BADAJOZ

    Martes 18. Presentación de la campaña de difusión “Los Museos de Extremadura dan mucho juego” en la que veremos algunos de los principales museos de la región (Museo Arqueológico Provincial de Badajoz, MEIAC, Museo de Cáceres, Museo Vostell Malpartida, Museo Etnográfico de Olivenza y Museo Helga de Alvear) convertidos en icónicos videojuegos de los años 80 y 90. Presentación del interactivo La línea del tiempo desarrollado por el Museo Arqueológico Provincial de Badajoz.

    Actos con motivo del Día Internacional de los Museos

    MUSEO ETNOGRÁFICO EXTREMEÑO GONZÁLEZ SANTANA DE OLIVENZA

    REMINISCENCIA

    El día 15 de mayo, Día Internacional de la Familia, retomamos nuestro taller REMINISCENCIA con CASER RESIDENCIAL. Con la exposición Volviendo a tiempos pasados se pretende volver a recuperar la confianza entre familiares, residentes y personal del centro a través de recuerdos que se plasmarán en fotografías y piezas del Museo.

    PROGRAMA DE DINAMIZACIÓN CULTURAL.

    Desde el 19 de abril, el Museo Etnográfico Extremeño González Santana está llevando a cabo este programa que consiste en acercar el Museo a los 10 pueblos que constituyen la comarca Los llanos de Olivenza. Durante una semana se mueve alguna de nuestras exposiciones propias, solicitadas por los Ayuntamientos de estas 10 localidades; una dinamizadora contratada se encarga de explicarla y realizar los oportunos talleres. El día 18 de mayo, en la sede de la nueva Biblioteca de Barcarrota, se expondrá La mujer en la Raya. Ese día se llevarán a cabo las actividades oportunas con Asociaciones de Mujeres de la localidad y, en días sucesivos, con el colegio.

    EXPOSICIÓN BENÉFICA

    El artista plástico Kim Soler, que expone en la sala de usos alternativos de nuestro MUSEO, llevará a cabo, ese día, una visita guiada por su exposición El color de la vida.

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    MUSEO LUIS DE MORALES BADAJOZ

    DÍA 18 DE MAYO

    10:30, 11:30, 12:30, 17:30 y 18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. La Batalla de la Albuera» Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    20:00 horas. «Museos y territorio, museos y sociedad (es): Panorámica museística en el ámbito de la EUROBEC. Realidad y potencialidades de los museos en el desarrollo de la eurociudad». Ponencia impartida por D. Francisco Tomás Cerezo Vacas. Presentado por Martín Carrasco Pedrero. Aforo limitado.

    DÍA 22 DE MAYO

    10:30,11:30 y 12:30,17:30 Y18:30 horas. «Reimaginar el futuro recuperando el pasado. Felipe II en Badajoz». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    11:00, 12:30, 18:00 y 19:30 horas. “El enigma de Luis de Morales”.Recorre el museo y descubre el enigma a través de un divertido juego de pistas. Inscripción previa: museoluisdemorales@aytobadajoz.es. Aforo máximo 20 personas.

    12:00 horas. «Ballet Clase Concierto». Espectáculo de danza a cargo de los alumnos del Conservatorio Profesional de Danza María Montero de Espinosa. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

    19:00 horas. «Cuartetos en el Museo». Intervenciones musicales de los alumnos del Conservatorio Superior de Música Bonifacio Gil. Patio del Museo de la Ciudad Luis de Morales.

    19:30 horas. «Zurbarán y sus doce hijos». Proyección del documental de Arantxa Aguirre. V.O.S.

    21:00 horas. «Bernini en la galería Borghese». Proyección película. V.O.S.

    Museo del Carnaval (Plaza de la Libertad, Edificio La Poterna)

    DÍA 18 DE MAYO

    10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    DÍA 19 DE MAYO

    20:00 horas. «El carnaval está en el arte». Conferencia a cargo de Juan Francisco Castillo Vega. Curabitur. Aforo limitado.

    DÍA 22 DE MAYO

    10:30 horas. «Museo del Carnaval, un museo del cambio». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    De 11:00 a 12:00 h. / De 12:15 a 13:15 h. «Recuperando la alegría del arco iris». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es.

    11:30 horas. «El carnaval de Badajoz a través de la historia». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    12:30 horas. «Carnaval de Badajoz, más que una fiesta». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    17:30 horas. «Museo del Carnaval y Poterna de Santiago: un edificio histórico hecho museo». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

    De 17:30 a 18:30 h. / De 18:45 a 19:45 h. «Navegando por la esperanza». Talleres infantiles. Aforo máximo 10 personas. De 6 a 13 años. Inscripción previa: museodelcarnaval@aytobadajoz.es

    18:30 horas. «Carnaval moderno: recuperando una tradición hacia un nuevo futuro». Visitas guiadas. Aforo máximo 15 personas.

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    MUBA

    El Conservatorio Superior participa en el Día Internacional de los Museos

    El cuarteto de cuerda del profesor Manuel Camacho ofrecerá dos conciertos en el MUBA y el Luis de Morales. Con motivo del Día Internacional de los Museos, el Conservatorio Superior de Música de Badajoz “Bonifacio Gil” ha sido invitado por dos de los espacios museísticos más representativos de la ciudad, el Bellas Artes y el Luis de Morales. Ambos han cursado invitación al centro musical paras formar parte de su programación con sendos conciertos.

    El primero tendrá lugar el próximo día 19 en el patio del MUBA. Con inicio a las 19:30 horas, los alumnos del aula del profesor Manuel Camacho ofrecerán un cuarteto de cuerda donde Mozart y Schubert serán los grandes compositores de esta noche especial. De Mozart se han seleccionado dos de sus geniales cuartetos de cuerda dedicados a Joseph Haydn: el cuarteto en Sol mayor K387 y el cuarteto en Si bemol mayor K458 “La Caza”, así como dos movimientos de su quinteto de cuerda en Do mayor K515. De Schubert interpretarán su magnífico cuarteto Rosamunda en La menor.

    Para el sábado, día 22, en el Museo Luis de Morales, a las 19 horas, los miembros del mismo aula presentarán una audición de cuartetos de cuerda de W.A. Mozart, en concreto K 458 en Si bemol “La caza”, K 387 en Sol mayor “Primavera” y el quinteto K 515 en Do mayor.

    La entrada es libre hasta completar el aforo permitido.

    Presentación del libro «América en Extremadura»

    El día 18 a las 20:00 horas, en el salón de plenos de la Diputación pacense, el libro “América en Extremadura. Reflejos y presencias de Iberoamérica en el arte y el patrimonio extremeños” de Francisco Javier Pizarro. Asistirán el diputado delegado del Área de Cultura y Deportes, Francisco Martos, y la directora del MUBA, Mª Teresa Rodríguez, entre otras personalidades. Con aforo limitado a 34 personas, el acto será retransmitido por streaming a través del Facebook de la institución provincial

    América en el MUBA

    La Colección Rescate del MUBA hace hincapié en la importancia del rigor en la investigación artística. En esta ocasión, resumen la directora del Museo Provincial, “la obra editada se encuentra a cargo de Francisco Javier Pizarro Gómez, catedrático de Historia del Arte Iberoamericano de la Universidad de Extremadura (UEX), y por tanto el mayor conocedor de la realidad americana en la región”. El trabajo cuenta con la valiosa aportación del prefacio a cargo de Jaime Cuadriello Aguilar, prestigioso especialista del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien también ostentó la plaza de director de la Cátedra del Museo del Prado en 2018.

    Museo Mérida Turismo-2

    MUSEO NACIONAL DE ARTE ROMANO

    Exposición «El tiempo en la antigua Mérida»

    En esta muestra, comisariada por los técnicos del Museo Rafael Sabio, Emilio Gamo y Ana Gracia, se presentan las diversas facetas que comportaban el paso del tiempo en la antigua Mérida, con especial atención a la época romana, pero con alusiones a periodos posteriores.

    Desde un punto de vista temático, la muestra se divide en cinco partes. Así, la primera se centrará en la dimensión mítica del tiempo; y la segunda referirá las diversas divisiones del tiempo, desde el cómputo de las mínimas fracciones hasta intervalos más amplios que el año, así como los instrumentos empleados en su medición, tal y como informa en una nota de prensa el MNAR de Mérida.

    Al mismo tiempo, la tercera parte afrontará el tiempo de la persona, con atención especial a cuestiones como los ciclos vitales o las diferentes edades de fallecimiento; la cuarta parte expondrá las formas de medir el tiempo en otras culturas posteriores a la romanidad; y la quinta y última parte abortará la cuestión del tiempo en arqueología, señalando los diferentes sistemas empleados por los profesionales para fechar todo tipo de realidades del pasado. En la muestra se exhiben un total de 84 fondos museográficos, siete de ellos pertenecientes a depósitos llevados a cabo por la Junta de Extremadura en el Museo Romano, a través del Consorcio de la Ciudad Monumental de Mérida.

  • Nace la fundación Luis Costillo

    Nace la fundación Luis Costillo

    La Fundación se encargará de promover el conocimiento de la obra del desaparecido artista pacense. Las herederas de Luis Costillo pretenden asegurar la preservación de su legado. La Fundación Luis Costillo Pereda ha celebrado su reunión constitutiva el pasado día 26 de abril. La Fundación, establecida como fundación privada por las hermanas y herederas del artista, y cuyo patronato está formado por personas relevantes del ámbito de las artes plásticas, nace con la finalidad de preservar, restaurar, clasificar y conservar debidamente el legado artístico de Luis Costillo, así como difundirlo, y promover el conocimiento y reconocimiento de su obra por todos los medios posibles.

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    Luis Costillo cultivó todos los géneros y todos los lenguajes de la plástica: la pintura, el dibujo, el collage…, sobre lienzo, tabla, cartón, textil…, en pequeño y gran formato…, sin menospreciar ningún lenguaje expresivo, y aplicando el mismo rigor formal y la misma intensidad artística tanto en sus obras más efímeras como en los lienzos de mayor tamaño. También ejerció como diseñador gráfico de un sinnúmero de libros, revistas, catálogos, posters… En los últimos años su actividad se centró en la elaboración de «libros de artista». Costillo que fue sobradamente conocido y apreciado en el ámbito extremeño, (la exposición antológica Fahrenheit, producida por el MEIAC, supuso un hito fundamental para el conocimiento y la valoración de su obra) inició su proyección internacional con una exposición -que el artista no llegó a ver- en la prestigiosa Fundación Eugenio de Almeida de Évora. Ahora, la Fundación que lleva su nombre afronta la tarea de continuar promoviendo el reconocimiento público y crítico que la obra de este inmenso artista merece.

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    Bio de Costillo

    Luis Costillo. (1956-2019). Tras su etapa de formación en Andalucía, Italia y Badajoz, la actividad expositiva de Luis Costillo se inició en Madrid en 1976 (Pequeño Formato), en esos años, hasta los primeros ochenta, su pintura fue básicamente de formación, imbuida, como tantos entonces, en las corrientes del momento. Pero, a partir de la segunda mitad de la década, su estilo personal comienza a perfilarse; se aleja de la pintura meramente figurativa y se baña de expresionismo y de ironía dadaísta y referencias literarias. Y, sobre todo, emprende la lucha con el soporte para hacerlo partícipe del sentido y significado de la obra. Los lienzos crecen y el mix y el collage se imponen con la incorporación de variados elementos: lona, papel, chapa, transfers fotográficos… (Exhibición de Atrocidades, 1984; Mix Media, 1989, ambas en Granada).

    En los años noventa es el propio soporte el que evoluciona y habla, convirtiéndose en territorio de pruebas. Aparecen los objetos intervenidos y todo es ya susceptible de ser empleado en una obra en la que abundan ensamblajes y seriaciones; pieles, chapas metálicas, huesos de animal y maderas rescatadas conviven con el acrílico y el lienzo en unas propuestas a veces directamente escultóricas (El Ojo Frío, 1997; E.D.E.N., 2004, Cáceres); ya todo es Luis Costillo, todo es mirada propia y reconocible. Luis Costillo también fue un gran dibujante, durante toda su carrera realizó multitud de dibujos, grabados y serigrafías. Una obra sobre papel en la que demostró su particular destreza y que abría un nuevo campo para la experimentación formal y técnica, a la vez que la utilizaba como vía de escape y refugio íntimo.

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    Esa vía acabó cuajando en una brillante labor que le ocuparía hasta el final de sus días: la producción de libros de artista. Alrededor del año 2005, abandonó en la práctica la pintura y orientó su trabajo, inagotable, a la confección de libros en los que formulaba propuestas que no podían encontrar adecuada expresión como obras para pared. Fahrenheit nació aquí. Desde aquí creció, desde esos volúmenes, donde lo literario y lo plástico se entrecruzaron fructíferamente, pudo Luis Costillo desarrollar y expandir sus pensamientos, a través de todas esas páginas creadas ex profeso para ello.

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    Desde su formulación, Fahrenheit ha podido verse en Granada (2009 y 2011), Cáceres (2010), Badajoz (2012 y 2018), Vitoria (2015), Oviedo (2015) y ahora, tras la muerte del autor, en esta sede de la Fundação Eugenio de Almeida, de Évora (2019).

    Texto. Fundación Luis Costillo | Fotografía. Félix Méndez

  • El exilio poético del pintor Timoteo Pérez Rubio

    El exilio poético del pintor Timoteo Pérez Rubio

    Sabemos de la relevancia del pintor extremeño Timoteo Pérez Rubio, de su dimensión como defensor del arte y la cultura de nuestro país. De Timoteo sabemos su recorrido artístico, convirtiéndose en una figura crucial y renovadora del panorama plástico extremeño de principios de siglo. Conocemos su pasado de su Oliva de la Frontera natal, de su paso por la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, de sus estudios en el  Bellas Artes de San Fernando de Madrid, de su estancia en Roma y su exilio a Buenos Aires y finalmente en Brasil. De Timoteo sabemos su vida con la gran escritora Rosa Chacel, la salvaguarda de su arte, como “Timo” lo fue del patrimonio artístico español durante la Guerra Civil, en su papel de presidente de la Junta Central del Tesoro Artístico. Timoteo fue el encargado de organizar el traslado de los fondos del Prado desde Madrid a Valencia para pasar finalmente a Ginebra. Lo que desconocíamos del extremeño era su labor de poeta, esa que el pintor desarrolla durante un cuarto de siglo. La poesía, como esa “otra biografía” del pintor, como llegó a definir Chacel.

    Timoteo Pérez Rubio, poeta-pintor en Brasil: soledad, amor y melancolía

    La exposición está integrada principalmente por trabajos realizados durante el exilio de artista olivero en Brasil que han sido recuperados en una investigación realizada por la Universidad de Extremadura y el MEIAC con el apoyo del Gobierno regional. La muestra, que podrá visitarse hasta el mes de abril, incluye también obras de toda la trayectoria de Pérez Rubio, y algunas se exhiben por primera vez.

    José Luis Bernal Salgado, Comisario de la exposición. Profesor de Literatura Española del Departamento de Filología Hispánica de la Universidad de Extremadura.

    Descubrimiento de los poemas

    Ya en el 2010, el entonces director del MEIAC, Antonio Franco, nos llamó para indicarnos que existía este fondo literario y algunas otras pinturas y apuntes de Timoteo Pérez Rubio, entregado por la familia. Nos envió unas copias de ese fondo, y este estudio estuvo dormido un tiempo, pero en el 2016 con el Plan regional de investigación de la Junta de Extremadura, nos pusimos a trabajar con un magnífico equipo multidisciplinar. Todo el fondo está digitalizado, y la documentación, en su mayoría, está relacionada con su etapa de exilio en Brasil del 40 hasta su muerte. Y ha sido allí, en Valença, en Brasil, donde hemos encontrado con la colaboración de investigadores locales, una documentación espléndida, que nos ha descubierto un rostro de Timoteo bastante desconocido, la poesía.

    Exposición-libro-catálogo

    El título de la exposición y del libro catálogo resume ese rostro al que hago referencia: Timoteo Pérez Rubio, poeta-pintor en Brasil: Soledad, amor y melancolía. Hemos restituido a Timoteo ese título de pintor-poeta, contrastado pintor antes del exilio, y de una forma secreta escritor, tanto la poética como la crítica donde expresa sus ideas estéticas en la prensa brasileña, en definitiva, otro lenguaje para expresar su lenguaje, su amor y su melancolía.

    Proyecto cultural de vida

    Da una visión más total, más cabal de la auténtica personalidad artística de Timoteo Pérez Rubio, porque antes del exilio con Rosa Chacel, una pareja muy especial, ellos planearon un proyecto cultural de vida. Él en Brasil intenta continuar, siempre en conexión con Rosa, ese proyecto, y ahí la poesía resulta clave para conocer esa realidad.

    Paraísos perdidos en versos

    Nosotros hemos reconstruido ese libro que Timoteo dejó prácticamente hecho, porque él no se atrevió a publicar el libro con aproximadamente ochenta y tantas composiciones poéticas, porque algunos poemas son series, como la serie central de “paraísos perdidos”, y otros poemas que dejó escrito en un manuscrito original.

    Carlos Pérez Chacel, hijo de Timoteo.

    Un desahogo artístico

    Esta parte de la vida de mi padre ha sido un desahogo, una iniciativa personal, escondida y secreta. Mi madre conocía, en cierta medida esta faceta, pero nunca se llegó a hablar en familia mucho del tiempo.

    Nostalgia de su vida familiar

    Hay una parte que me ha emocionado, porque me recuerda a nuestros paseos a caballo por el bosque tropical en Brasil, quizá el poema que más impresionado porque lo he vivido.

    Una sorpresa

    He sentido sorpresa al leer los textos de mi padre porque no me esperaba, realmente me revela a la figura que yo conocía, era muy identificativa, el hecho en sí es lo sorprendente, no el contenido.

    Proyecto de investigación

    Las líneas de trabajo del MEIAC, que enlazan con la revisión crítica de la memoria artística de la región, han ocupado muchos de los esfuerzos del museo durante los últimos veinticinco años. El proceso de recuperación del pintor Timoteo Pérez Rubio, iniciado con la exposición antológica de 1996, da ahora un paso definitivo al presentar una faceta inédita del artista, gracias a los investigadores de la Universidad de Extremadura.

    La escritura poética de Timoteo Pérez Rubio se desarrolló desde su llegada a Brasil hasta casi el final de su vida. El estudio de esta ‘poesía secreta’ ha permitido un mejor conocimiento de la vida y la obra de Timoteo en Brasil, lo que Rosa Chacel llamó, en algún momento, la ‘otra biografía’ de Timo.

    Desde 2008, el MEIAC conserva el Archivo Timoteo Pérez Rubio, procedente de la familia del artista e integrado por más de 500 documentos. Los fondos incluyen información relativa a la labor de evacuación del Tesoro Artístico Nacional durante la Guerra Civil, pero también documentación de carácter personal, incluyendo cartas, fotografías, recortes de prensa y textos originales. En esos últimos, – escritos de creación, ensayo y poemas- reside el origen de este proyecto, cuando 2010 el entonces director del MEIAC, Antonio Franco, envió a los profesores de literatura española de la UEX, Miguel Ángel Lama y José Luis Bernal, fotocopia de esos textos originales, intuyendo el interés que dicho fondo literario tenía.

    Posteriormente, en 2016, la Universidad de Extremadura y la Secretaría General de Cultura de la Junta de Extremadura suscribieron un acuerdo para la digitalización de los fondos del archivo. Esta colaboración fue el comienzo del proyecto de investigación “El fondo literario de Timoteo Pérez Rubio” (Laboratorio Edición Digital de la UEX), desarrollado entre 2017 y 2021 por un equipo interdisciplinar, que ha sumado a los fondos del MEIAC una desconocida e interesantísima documentación descubierta en otros archivos, Bibliotecas y Museos, pero fundamentalmente en Brasil, en la Fundación Cultural e Filantrópica Léa Pentagna de Valença. Ahora ven la luz, tras varios años de trabajo, los resultados de esta investigación, recogidos en el libro-Catálogo Timoteo Pérez Rubio, Poeta-pintor en Brasil: Soledad, Amor y melancolía, y también en esta exposición que, con el mismo título, evidencia la benéfica transferencia de resultados que esta investigación aporta a la sociedad.

    Este libro-catálogo recoge los frutos de la investigación mencionada, la cual, partiendo de la fundamental documentación del fondo literario del MEIAC, ha elaborado un amplio dossier documental muy novedoso (principalmente por lo hallado en la Fundación Cultural y Filantrópica Léa Pentagna en Valença) que ayuda a interpretar no solo la poesía secreta de Timoteo y todo su fondo literario, sino también la obra pictórica y el pensamiento artístico del autor en su etapa final del exilio en Brasil. Asimismo, el Libro- catálogo ofrece la edición crítica del libro de poemas que Timoteo dejó proyectado antes de morir e inédito, Soledades, Paraísos perdidos y Poemas de amor, en el que seleccionó un amplio conjunto de textos representativos de su dedicación poética secreta a lo largo de más de treinta años. En el estudio introductorio de su obra literaria se analizan los temas, formas, símbolos y modelos del Pintor-Poeta, poniéndolos en relación con su obra pictórica completa y sus ideas estéticas.

    Se muestra con ello que Timoteo construyó una visión de la vida y del mundo como paisaje, visión en la que son relevantes símbolos poéticos y pictóricos como la hiedra, el mármol y los árboles, entre otros. Este estudio, en fin, demuestra que la dedicación poética de Timoteo respondió a la necesidad de expresar con palabras sus anhelos y angustias, su soledad y melancolía, y que su poesía evolucionó desde un mero entretenimiento, como herramienta de cortejo y amor, hasta una poesía abstracta y metafísica, como la tildó Rosa Chacel. Todo ello ofrece una renovada imagen del artista.

     

    Willy López | Félix Méndez

  • Husmeando el arte de Daniel Muñoz con su Guía para un territorio reversible

    Husmeando el arte de Daniel Muñoz con su Guía para un territorio reversible

    Extremadura tiene territorio, extenso y formidable. Esta esquina del mundo está dotada de guías únicas, personales, íntimas, colaborativas, fronterizas, rayanas y reversibles. En esta tierra el velcro de sus localidades se acomodan a la piel del territorio, una piel que muda y puede adquirir infinidad de hitos genuinos. Esa guía es endémica, exportable y aunque suene cansino, es reversible. En ese mapa, en esa frágil guía, estamos todos, están todos, y el artista Daniel Muñoz nos ha editado su imaginario atlas en una obra dentro y fuera de un museo, el MEIAC. El arte para todos y en todos lados.

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    Una de las  funciones del artista es oler, perseguir, estudiar, husmear las obras, encontrar las pistas que proyecten su arte, Muñoz lo hace, lo recuerda y nos lo muestras en esta especie de obra-juego-guía. El artista extremeño, pinta, cose, corta con la radial y se asoma a una piedra milenaria para marcar unas coordenadas. El resto es mejor que lo averigüe el público, el turista, el paisano, que ha visto ligeramente modificado su paisaje, tres acciones y un único y lacerante proyecto. Puede que reversible. O no.

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    ¿Tercera y última intervención de la Guía para un territorio reversible?

    En septiembre arrancó todo con un mural en los exteriores del museo MEIAC, una intervención que se trata de un mapa que da unas coordenadas geográficas para llegar a cinco intervenciones que realicé en cinco señales turísticas abandonadas en Extremadura, esa sería la segunda parte, y la exposición funciona un poco como un dispositivo de interpretación de todo lo que ha sucedido en las otras dos fases anteriores. La exposición tiene como un carácter casi informativo, como un centro de interpretación. Tiene la forma y los contenidos de esa visita, de ese guiar al público para adentrarse en un territorio personal. Hay tres obras que son las tres únicas obras que están enmarcadas, son tres dibujos, que funcionan como tres conclusiones de todo el proyecto. Las obras las han adquirido el museo y tienen ese carácter de archivo.

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    ¿Qué nos habla, que nos cuenta esta exposición?

    Con las obras de las instalaciones, de las señales turísticas en enclaves muy diferentes entre sí, quería de alguna manera enfatizar que están en espacio público, que llueve, que se pueden caer, que las pueden arrancar, en definitiva puede pasar de todo. De eso habla la exposición, de todo ese proceso de gestación de todo el proyecto pero con añadidos como el fracaso, la problemática o todas las cosas que suceden ahí “fuera” del museo.

    ¿Se cuestiona entonces los espacios artísticos?

    Otra gran idea del proyecto es esa exactamente esa: cuestionar los espacios del arte desde un museo. Es decir, si un museo no articula esa manera de interpretar que hay elementos fuera de sus recintos, nos deberíamos cuestionar, ¿Cuáles son los espacios para el arte? ¿Cuáles son los objetos artísticos? ¿Es más importante la obra final que el proceso? En fin, hay varias líneas que cuestionan estas cosas en el proyecto.

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    ¿Y se entienden bien esas cuestiones, el público conoce esos espacios?

    Creo que funcionan bien en un principio, igual las he encriptado demasiado pero también me gusta que sea un poco el público el qué se planteé esas dudas. Esta exposición arranca con una palabra, “husmear”, un verbo que no solo el artista debe utilizar continuamente, también el espectador debe investigar y cuestionar el arte. El arte no es sota, caballo y rey. Siempre debe haber una lucha para saber qué es lo que pasa, como un acto comunicativo cualquiera.

    …Guía para un territorio reversible…¿Engloba todo el proyecto, o estamos hablando de esta fase en el MEIAC?

    Todas las fases, es el título de toda la obra. Es una guía, muy relacionada con el turismo, de manera irónica quería plasmar que un espacio se puede modificar, una guía que yo he modificado y que lógicamente puede modificar el espectador con su mirada.

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    De eso habla la exposición, de todo ese proceso de gestación de todo el proyecto pero con añadidos como el fracaso, la problemática o todas las cosas que suceden ahí “fuera” del museo

    ¿Qué tiempo has dedicado para desarrollar esta tercera y definitiva fase de la Guía para un territorio reversible?

    Aproximadamente diez días de trabajo en campo, es decir antes se ha elaborado un boceto previo de meses para llegar a este resultado. Más o menos como la segunda fase, con los murales de los exteriores del museo MEIAC. Dentro del museo, todo ha sido diferente, al tener un espacio tridimensional, hasta que no he llegado al sitio concreto no he cerrado todo, he tenido la oportunidad de improvisar bastante durante la ejecución del mismo.

    ¿Qué supone para un artista disponer de todo un museo de arte contemporáneo como el MEIAC de Badajoz para trabajar in situ con tu obra?

    Para mí es fundamental. Desde esa primera idea que se propuso, el mural en los jardines del museo para conectar el exterior del edificio, no sólo a la ciudad, también al resto de Extremadura, utilizando una serie de símbolos que se pueden exportar a cualquier territorio del mundo. El 80% de mi trabajo lo realizo en espacios públicos y para mí es escrupulosamente necesario salir ahí fuera para hacer las cosas, desarrollar arte. Y tener esa dualidad dentro y fuera del museo, conectar esa idea, ha sido un trabajo muy interesante.

    ¿Cuáles son los espacios para el arte? ¿Cuáles son los objetos artísticos? ¿Es más importante la obra final que el proceso?

    El arte en época de pandemia…¿Cómo has podido desarrollar tu trabajo

    Yo he tenido la suerte de trabajar, con otros proyectos también, pero con éste desde el inicio propio de la pandemia, sobre febrero de 2020, y la verdad que todo el equipo del museo siguió con la continuidad del proyecto y eso se agradece enormemente.  En cierta medida esta pandemia me ha venido algo bien, aunque suene mal decirlo, ya que estos parones han generado una reinterpretación de todo, una especie de reciclado necesario. Las circunstancias son muy difíciles para el sector de la cultura, y aunque las artes plásticas llevamos en precariedad muchísimos años, esta etapa supone una ruptura total para muchos artistas.

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    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Justo García «Arquitectura vanguardista sobre la dehesa extremeña»

    Justo García «Arquitectura vanguardista sobre la dehesa extremeña»

    El arquitecto Frank Gehry recibió en 2014 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Los periodistas allí presentes lo que recibieron del premiado arquitecto fue una peineta. El dedo corazón enhiesto y los otros cuatro recogidos como respuesta ante la pregunta ¿Qué opina de quienes piensan que su arquitectura es espectáculo? La respuesta verbal fue que el 98 % de los edificios que se hacen hoy son pura mierda, carecen de sensibilidad, sentido del diseño y respeto por la humanidad.

    Un dedo puede servir para insultar, un simple dígito puede aportar desobediencia, mala educación y atrofia profesional de ego non intellego. En este contexto, Rem Koolhas  explica que la arquitectura es una mezcla paradójica de poder e impotencia, que cualquier proyecto arquitectónico que se hace toma por lo menos cuatro o cinco años, por lo que cada vez más existe una discrepancia entre la aceleración de la cultura y la lentitud de la arquitectura.

    Pero un dedo también sirve para apretar modelos y moldear edificios. Hablamos de poder e impotencia, de solvencia y creatividad, pero también hablamos de la era digital como una herramienta más para estampar las sombras de los edificios para que quede su luz en la posteridad. Hablamos con Justo Garcia en el MEIAC, junto a una muestra de su recorrido profesional. Obras no fraguadas sobre el terreno, edificios que permanecerán incólumes al paso del tiempo, proyectos donde la imaginación necesita del pincel de Javier Fernández de Molina. Un espacio, nuestra dehesa, donde las formas pueden aportar sensibilidad, estética y respeto, algo así como lo que la arquitecta Zaha Hadid siempre decía que intentaba concebir; edificios que produjesen un nuevo tipo de paisaje, que pudieran fluir junto a las ciudades contemporáneas y las vidas de sus habitantes.

     

    El MEIAC, una antigua cárcel reconvertida en museo… un espacio arquitectónico de la ciudad tan particular acoge a un arquitecto entre sus salas…

    …El oficio se aprende, la arquitectura se aprende pero la ética se debe llevar dentro. Bajo esos principios, ese trabajo y en un espacio tan emblemático como éste, esta muestra pretende recoger parte de mis proyectos elaborados, como en su momento se hizo con el uso de este espacio, con la mayor profundidad ética de mi profesión.

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    ¿Cómo podría definir lo que es la arquitectura?

    Nunca lo he pensado, nunca he tratado de buscar un pensamiento acerca de cómo definir la arquitectura. Oiza comparaba la arquitectura a la labor que realiza un músico, es decir  “Romper los límites de la forma, lo que es protestado por la masa”. La finalidad de la arquitectura es crear un espacio acogedor, pero después por cuestiones de simplificación mental puedes olvidarte de ello, aparcar ese concepto y convertir la arquitectura en algo técnico, en volumen, en manipulaciones de elementos formales, lo mismo que hace Javier Fernández de Molina con sus obras pictóricas.

    Sáenz de Oíza también decía que «la arquitectura debe ser hermosa aunque no funcione; capaz de conmover, aunque tenga goteras».

    Cuando trazas una línea no quiere decir que no estés pensando que esa línea no pesa.

     

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    ¿En la arquitectura doméstica te lanzas tanto como en la arquitectura más arriesgada?

    El que no arriesga no gana. Eso va dentro del carácter, está la parte creativa y la parte más profunda de cada uno que nos mueve a arriesgar.

    “El oficio se aprende, la arquitectura se aprende pero la ética se debe llevar dentro”

     

     

    Hablas de las herramientas digitales como la única manera de avanzar con firmeza, celeridad y practicidad en el mundo de la arquitectura

    A la conclusión final que he llegado en este tema es algo digital es de dígito, de mano, de hecho ahora yo me pongo hacer escultura y lo guarreas todo con la mano, le das forma, lo escaneas con los medios que tenemos, le das a un botón y lo has convertido en un archivo digital. El problema que hemos tenido hasta ahora es que hasta hace bien poco sólo hemos hecho cosas rectangulares porque es lo más fácil de hacer, lo  más económico y racional. Pero hoy en día tenemos la posibilidad de ejecutar cualquier cosa hecha con las manos y transformarla al digital. Se trata de trabajar como lo hacen los niños pequeños, con la plastilina o el barro, lo digital es manual a la vez.

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    ¿Qué tope estructural tiene este valor añadido en la profesión?   

    Justo García se saca un pañuelo de papel del bolsillo, lo aprieta, le dan un retoque con la mano y lo mantiene firme sobre su palma.

    Esto lo escaneamos, lo acotamos absolutamente todo y lo convertimos en un archivo digital con una escala 1/100 y lo transformamos en un edificio inmenso lo grande que queramos. Tiene la idea, la representación y el cálculo, todo lo necesario para hacer arquitectura.

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    ¿Y económicamente se abaratan costes con este proceso?

    Lo único que no se puede hacer económico es un encofrado de las piezas de hormigón (Se dirige a la foto que muestra la estación de autobuses del Casar de Cáceres) de doble curvatura, el resto y este es un solo ejemplo, es ahorro y espacio libre para la creatividad.

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    Sus trabajos tienen esa sensación de permanencia infinita, sus formas son tan definidas y potentes que parece que nadie las podrá demoler o modificar…

    …No pretendo que mi trabajo sea narcisista, con mis edificios lo único que quiero realizar es una estructura que tenga vigencia, un sello, un forma que al intentar quitar un elemento sufriera el total del edifico. Otra cosa es que cada uno quiera interpretar de una manera u otra un espacio ¡Podías de pintar el suelo de verde! ¿Por qué no poner la pared de madera? Y ese tipo de cuestiones.

     

    “Hoy en día tenemos la posibilidad de ejecutar cualquier cosa hecha con las manos y transformarla al digital”

     

     

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    Las opiniones, al tratarse de obras públicas los ciudadanos  tienen derecho a esa libertad

    Claro que sí, la gente tiene todo el derecho del mundo, pueden dar sus puntos de vistas, estamos expuestos a ello. Las obras de los edificios tenían que tener los nombres de los arquitectos que los han realizado, para bien o para mal, el ciudadano pueda conocer más al autor.

     

    Hablando ahora de tu autoria, de esta exposición ¿Qué podemos encontrarnos en ella?

    Parte de mi trabajo, maquetas, block de notas, fotografías de edificios terminados. Esos bocetos son mis horas en una cafetería con el Ipad concretando mis proyectos, calentando las ideas, una manera de hacer arte casera.

     

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    ¿Qué espacios, edificios, obras del mundo tiene como referencia?

    Son muchos, sería muy difícil detallar alguno. En España la Torre del Banco de Bilbao de Saénz de Oiza por ejemplo, porque es un edificio que crea un modelo, el paso siguiente a la creación de un edificio determinado, algo muy importante. Transformar algo que nadie ha hecho en una corriente es de elogiar. El rascacielos es el edificio actual, un edificio en altura…y después el edificio que más admiro es…¡La dehesa extremeña!…[ríe]…disfruto mucho paseando por el campo.

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    Entrevista Willy López |  Fotografía Féliz Méndez

     

     

     

     

     

     

  • Balance positivo en FITUR de Badajoz con la muestra de su oferta turística segura y de naturaleza

    Badajoz hace balance positivo de su presencia en FITUR 2021 y potencia su oferta ligada a la naturaleza como destino seguro  El Ayuntamiento de Badajoz pone fin a su presencia activa en FITUR 2021 dejando atrás una apretada agenda, cargada de encuentros y reuniones profesionales, encaminadas a reforzar y complementar la campaña “Badajoz 4 Elementos”, con la que la capital pacense ha presentado su oferta turística al mundo en el certamen de este año.

    Han sido tres días cargados de encuentros con empresarios del sector, sobre todo con aquellos que se dedican a la digitalización turística y gestión de medios, además de encuentros con los responsables de otras concejalías de turismo, entre ellas las de Madrid, con Almudena Mahillo, quien ha recibido a la expedición pacense en el stand madrileño en el que se exploraron soluciones post-pandemia de cara a la reactivación del turismo, e incluso, futuros acuerdos de colaboración entre ambas capitales.

    Durante este tiempo, la delegación pacense ha mantenido también contactos con los responsables de turismo de Oviedo, Las Palmas o Logroño, destacando una interesante reunión con la Mancomunidad Norte de Navarra “Selva de Irati” con la que se han tratado estrategias para la potenciación del turismo activo de naturaleza.

    Así mismo, se ha aprovechado el certamen para mantener un encuentro con los empresarios extremeños del sector, a través de los responsables de la Confederación Regional de Turismo de Extremadura (CETEX) que presentaron a los responsables municipales sus inquietudes respecto al futuro del colectivo.

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    Para Jaime Mejías, concejal de Turismo del Ayuntamiento de Badajoz, el balance de la edición de esta edición, a pesar de haber sido un año muy complicado, debe calificarse como muy positiva para Badajoz, ya que ha permitido presentar la ciudad, como un destino seguro y atractivo para el viajero, con una oferta muy ambiciosa ligada a la naturaleza: “El balance ha sido bueno porque ha supuesto un punto de inflexión, tras un año complicado, en el que España ha salido reforzado como destino turístico seguro y de calidad. En cuanto a la ciudad, se ha cumplido el objetivo marcado ya que hemos podido presentar ante la opinión pública, a través de los medios de comunicación desplazados, nuestra campaña de este año, que nos permite presentarnos, en esta situación post pandemia, como un destino seguro. Estamos convencidos que el tiempo nos dará la razón y se cumplirán todas las expectativas previstas”, ha concluido.

  • «VEXTRE. Extremadura en sitios» |Maite Cajaraville en el MEIAC

    VEXTRE. Extremadura en sitios

    Un proyecto de Maite Cajaraville producido por el MEIAC

    Comisariado: Natalia Piñuel Martín

    Del 30 de abril al 30 de agosto de 2021

    Disponible desde el 1 de abril vía www.vextre.org y @vextre_extremadura

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    ¿Cómo se percibe Extremadura fuera? Pero, sobre todo, ¿Cómo se ven sus habitantes desde dentro? Son éstas algunas de las cuestiones que la artista extremeña Maite Cajaraville plantea en VEXTRE. Extremadura en sitios, un innovador proyecto en torno a una pieza digital de realidad aumentada en el que la participación activa del espectador es parte fundamental en el desarrollo de la propuesta. El imaginario popular ha construido un relato sobre la naturaleza cultural de Extremadura que responde a una serie de estereotipos vinculados con el atraso socioeconómico, y que han sido perpetuados en el exterior por los continuos procesos migratorios que tuvieron lugar desde nuestra región desde comienzos del pasado siglo XX.

    Para corregir esta visión distorsionada del territorio regional se hace necesaria la colaboración de la denominada «diáspora extremeña», a la que pertenece parte de la clase creativa y desde donde se sitúa Maite Cajaraville y su trabajo artístico. Como contribución a esa llamada, la artista ha concebido con VEXTRE la posibilidad de interactuar con un mapa emocional de Extremadura dibujado en tres dimensiones, una suerte de viaje que supone redescubrir el territorio que habitamos y subvertir esas supuestas realidades.

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    La pieza resultante, de enorme presencia y belleza estética y creada ex profeso para el MEIAC, es un objeto virtual tridimensional producido con medios tecnológicos tras un exhaustivo trabajo de documentación y procesamiento de datos en torno a distintos parámetros que responden a valores socioeconómicos de Extremadura. VEXTRE posibilita que, a través del habitual uso de los dispositivos móviles, cualquier usuario pueda posicionar este mapa de datos de Extremadura en todo el mundo, avanzando así otros formatos posibles para la exhibición artística con los que se quiebran las fronteras físicas del museo.

    Desde el 1 de abril estará activa la web del proyecto, www.vextre.org, así como el perfil de Instagram @vextre_extremadura, medios virtuales utilizados por Maite Cajaraville como herramientas necesarias con las que ofrecer información y estimular la participación activa en VEXTRE desde cualquier lugar del mundo. Este proyecto, producido por el MEIAC, se incluye en el Acuerdo suscrito en 2019 entre la Junta de Extremadura y la Fundação Eugénio de Almeida (Évora), por el que se establece un programa de intercambio de exposiciones de artistas extremeños y alentejanos durante tres años entre el museo pacense y el Centro de Arte e Cultura de la Fundación portuguesa. Mediante este Acuerdo de colaboración transfronteriza se establece entre ambas instituciones una asociación estratégica con la que dar visibilidad a artistas originarios y/o residentes de las dos regiones rayanas. Tras su presentación en el MEIAC de Badajoz a finales de abril de 2021, VEXTRE cobrará nuevamente vida en la Fundação Eugénio de Almeida de la ciudad de Évora, provocando un nuevo diálogo y acercamiento con los visitantes de dicha ciudad. VEXTRE. Extremadura en  sitios obtuvo en 2019 una de las ayudas para artistas visuales de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura.

  • Andrés Suárez «Descifrando a un autor a través de los ojos»

    Andrés Suárez «Descifrando a un autor a través de los ojos»

    Dice, escribe y canta Andrés Suárez que ¿Qué me depara la vida? Si no la muerte ¿Qué hago de frente si pierdes la ropa y aún sigues vistiendo presente?

    Repite y susurra el gallego que ¿Quién quiere Dios, si tu pecho lo habita todo? Salgo del modo avión si a tus piernas les da por abrirse y quererme.

    Suarez, intenso, activo, alegre, optimista, culturamente seguro y escritor, rechaza ser poeta mientras que se pregunta ¿Quién tiene miedo a la suerte? Cuando me aciertas del todo préstale al cielo tu rostro y amanece en él, amanécenos.

    El teclado suena, el lápiz se anima y el cantautor decide ponerle música a lo que en sus inicios fue pandemia, miedo, soledad y sólo ojos. Háblame a través de los ojos, vuélvete la luna que llenas, mira que otra noche nos llega, dejando pendiente, pedirnos perdón.

    Escribía Rosalía de Castro que la miseria seca el alma y los ojos además. Andrés Suárez resucita a su paisana, y saca de la miseria el miedo con letras potentes, directas al alma y relatos capaces de dar vida a los ojos, esa única parte de la cara que ahora podemos vislumbrar. Pasamos un rato con el escritor y cantautor.

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    A través de los ojos es…

    …Es un libro de relato, de relato breve, no pandémico, porque se titula a través de los ojos y hay gente que va ligado con directamente con este desastre. Y creo que es un diario público, son reflexiones que hago desde la pre pandemia, la pandemia y ojalá la pos pandemia, son mensajes desde el respeto y el amor a lo que he visto desde mis conciertos. Una especie de homenaje a esa gente que acude a vernos, con ese vínculo que se establece a través de los ojos, la mirada. De alguna manera alguien me cuenta sus amores, desamores, enfermedades o alegrías abrazando mis canciones.

    Imposible obviar la pandemia, pero los relatos tienen humor…

    …claro, jocosidad, humor, que luego dicen que los gallegos somos muy tristes. Trato de que haya sentido del humor que es lo que nos mantiene a flote y sobre todo eso que llaman cultura segura que no es más que la evasión de esta realidad. Creo que la palabra lo consigue, no estoy que mi palabra, que compres mi libro, digo que la literatura, el teatro, el cine, la música tienen ese poder.

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    ¿Es lo mismo escribir una canción que un relato?

    Llevo veintidós  años haciendo canciones y no tiene nada que ver escribir un libro con una canción pero traté de hacerles ver que están extremadamente vinculados, que pueden llegar a ser lo mismo. La diferencia entre la canción y el libro es la temporalidad. Es decir, las canciones duran tres minutos, excepto Pedrá de Extremoduro que dura treinta y dos minutos, tienes un tiempo, una rima, un tipo de escritura, mientras que en el libro es infinito. El trabajo añejo del escritor me aportan muchas aristas, ante una canción, una melodía puede surgir rápido, unas letras, pero ante un folio en blanco es mucho más complejo.

    El humor que es lo que nos mantiene a flote y sobre todo eso que llaman cultura segura que no es más que la evasión de esta realidad

     

    Todos tenemos la tendencia de llamar poeta al cantante que escribe…

    …eso es exactamente lo que no soy…creo que hay una suerte de moda en la que todo el mundo se autoproclama poeta, y me parece de una falta de humidad alucinante. Si después de hablar contigo de Téllez, Ruibal, Elvira Sastre, Llamazares  y Oscar Wilde te digo que soy poeta es que tengo muy poca vergüenza. Soy escritor de canciones, de libros no sé si buenos o malos pero intensos como yo, pero trato de hacer lo mejor que puedo. Respetando a Aute, Sabina y Serrat.

    Hay una suerte de moda en la que todo el mundo se autoproclama poeta, y me parece de una falta de humidad alucinante

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    En los conciertos la cosa está más dura…

    …sí y las cifras de contagios es alarmante. Cero. En un espacio donde caben cinco mil personas sólo pueden entra doscientas cincuenta. Los conciertos los necesitamos ya. Estamos todos al límite, tanto el músico como el técnico o el espectador. Vosotros los periodistas, lleváis un año y medio retrasmitiendo el infierno, muertes, paro, ertes, esto tiene que ver con que hace un año y medio llegó una pandemia mundial. El límite está en la cultura segura, durante el monólogo de Dani Rovira, “Odio”, en una hora y media hubo contagio cero, sólo una hora y media de lloro, pero de la risa. No de miedo ni ansiedad.

    Willy López. / Fotografía. Félix Méndez

  • José Jiménez «El MEIAC es un museo joven, con vitalidad y con una luz propia y transfronteriza»

    José Jiménez «El MEIAC es un museo joven, con vitalidad y con una luz propia y transfronteriza»

    José Jiménez es un prisma cultural que emite luz a todas las direcciones, su estrecha vinculación con el MEIAC, hace que esa sonda se refleje en muchas aristas del edificio. Lo que queda de su recorrido y lo que está por llegar en sus espacios. José Jiménez es catedrático, último año, en este año abstracto, de Estética y Teoría de las Artes en la misma. Ha sido director del Instituto Cervantes de París de octubre de 2004 a julio de 2007, director General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Gobierno de España, del Ministerio de Cultura, y Francia le distinguió con el nombramiento de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.

    El Ángel caído permanece erguido y más tenso que nunca para los museos de arte contemporáneo de Extremadura, la Fundación Helga Alvear, como patrono, y el MEIAC de Badajoz, como amigo permanente, como comisario, como crítico amante de sus muros y como embajador en la capital de España del museo pacense.

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    ¿Cuál es su conexión con el MEIAC?

    Desde su fundación estoy ligado al museo. Desde su apertura, hace 25 años, y que ya me pareció un proyecto muy interesante. Luego se hizo más intensa porque yo siempre he trabajado con las esculturas de América Latina, y como comisario de exposiciones  en 2001, ideé un proyecto que se llamó El final del eclipse, el arte de la América Latina en la transición del siglo XXI, el titulo lo enfoqué de esta manera porque creía que no había un suficiente reconocimiento del arte de las distintas naciones iberoamericanas. MEIAC acogió esta exposición y fue entonces cuando conocí a Antonio Franco, que fue un gran amigo desde aquel momento.

    La luz de la mirada, así define a Antonio Franco en su despedida…

    La luz en la mirada, porque él miraba  como si llevara una luz interna, estaba siempre dando luz, iluminando la idea, la puesta en escena de todo aquello que se hablaba. Algo admirable, por otro lado era un hombre de una sensibilidad impresionante, llegó a concebir que para Extremadura y para España era muy importante que existiera un museo extremeño como raíz pero a la vez un museo Iberoamericano de arte contemporáneo, un planteamiento y ámbito de la actividad del museo con dos planos importantísimos, sensibilidad y estrategia para situar el arte en una apertura transfronteriza.

    Un museo extremeño como raíz pero a la vez un museo Iberoamericano de arte contemporáneo, un planteamiento y ámbito de la actividad del museo con dos planos importantísimos, sensibilidad y estrategia para situar el arte en una apertura transfronteriza

    ¿Cómo han envejecido este museo? 

    El museo lo sigo viendo muy joven, porque tiene vitalidad, no tiene un cierre para los artistas más jóvenes y para los públicos y las sensibilidades jóvenes que van al MEIAC, sino todo contrario, se piensa siempre en el panorama actual, en qué momento estamos y a partir de ahí se proyectan las distintas líneas de trabajo. Eso no implica olvidar de dónde venimos, qué arte se ha realizado en España, que se ha hecho en Portugal e Iberoamérica, pero se trae esa memoria del pasado con la sensibilidad actual. Si un museo no puede hablar con la gente más joven es un museo que envejece, que carece de edad propia.

    Eso no implica olvidar de dónde venimos, qué arte se ha realizado en España, que se ha hecho en Portugal e Iberoamérica, pero se trae esa memoria del pasado con la sensibilidad actual

     

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    Hemos hablado de pasado, con la fundación, del presente con las recientes obras y su vigor actual y ahora queremos saber su futuro, que creemos que es la gran duda que se plantean todos los museos de arte. ¿Qué le puede deparar al MEIAC después de un cuarto de siglo con vida?

    El gran problema siempre es el presupuesto del que se dispone para realizar las actividades, ahí están las líneas de futuro de todos los museos, ese esfuerzo es muy importante para la comunidad que lo acoge. Tenemos que desarrollar más cursos de iniciación respecto a cómo vemos, cómo miramos, cómo sentimos, cómo pensamos, siempre en relación con las actividades de exposición que se hacen en el museo. Esa mirada se debe trabajar desde edades tempranas, desde los niños, y por tanto, desarrollar actividades para ellos y tratar de hacer una recopilación del trabajo realizado para desarrollar esa sensibilidad. Es también muy importante abrir, en todo lo que se pueda, una relación de dialogo internacional, a todos los niveles, para conectar los museos entre sí.

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  • Julián Rodríguez en el MEIAC «Actos de fe / Acciones concretas»

    Julián Rodríguez en el MEIAC «Actos de fe / Acciones concretas»

    La Exposición Actos de fe / Acciones concretas del MEIAC de Badajoz recuerda al escritor, diseñador y editor Julián Rodríguez. Un trabajo que se podrá ver hasta el 18 de enero.

    ACTOS DE FE / ACCIONES se inauguró en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) de Badajoz en noviembre de 2020 por iniciativa de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura. Del comisariado y el cuidado tipográfico se ocupó Juan Luis López Espada. En su origen está la Editora Regional de Extremadura. Los textos pertenecen a Javier Rodríguez Marcos y a Luis Sáez Delgado.

    Julián Rodríguez nació en Ceclavín (Cáceres) el 22 de agosto de 1968. Fue escritor, editor, galerista y diseñador gráfico. Fundó y dirigió las revistas Sub Rosa y La ronda de noche. También fue director artístico de la galería de arte Casa sin Fin —con sedes en Cáceres y Madrid— y director literario de la editorial Periférica, galardonada en 2008 con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural dentro del grupo de sellos independientes Contexto y con el Premio al Fomento de la Lectura en Extremadura en 2019. Fue autor del libro de poemas Nevada (Renacimiento), de la colección de cuentos Mujeres, manzanas (Editora Regional de Extremadura) y de las novelas Tiempo de invierno (Alba), Lo improbable, La sombra y la penumbra y Ninguna necesidad. Estas tres últimas quedaron reunidas en 2015 en el volumen Novelas (2001-2015) (Debolsillo). Es autor, asimismo, del ciclo autobiográfico formado por Unas vacaciones baratas en la miseria de los demás (Caballo de Troya) y Cultivos (Literatura Random House). Sus últimos libros fueron los relatos Santos que yo te pinte y Tríptico (ambos en Errata naturae).

    Profesor invitado en el Máster de Edición de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, a lo largo de su vida fue galardonado con el Premio Cáceres de Novela Corta, el Premio Nuevo Talento Fnac y el Premio Ojo Crítico de Narrativa. Como diseñador desarrolló proyectos para la Editora Regional de Extremadura, el restaurante Atrio, la Fundación Ortega Muñoz y la Fundación Helga de Alvear además de encargarse de la imagen de Periférica y Casa sin Fin. Murió en Colladillo (Segovia) el 28 de junio de 2019 mientras leía las galeradas de un libro de Periférica en el jardín de su casa de campo. Tenía 50 años.

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    JULIÁN RODRÍGUEZ atravesó nuestra vida como un cometa que a cada uno ilumina de forma diferente, pero deja una estela en la que todos nos reconocemos: en la literatura, en la edición, en el diseño, en el arte, en la fotografía, también en la amistad y el consejo.

    Una de las líneas que con mayor intensidad brilló en esa estela fue el diseño editorial, un oficio que tiene mucho de trabajo artesano y de talento, tanto como de compromiso con cada objeto que salía de su mano, por pequeño que fuese. Y hasta tal punto llega ese compromiso que se puede acompañar buena parte de su biografía y sus pasiones a partir del hilo conductor de los proyectos que, desde la adolescencia, lo sitúan como uno de los más sabios tipógrafos de España y uno de los más audaces. Esa biografía material es la que recorre ACTOS DE FE / ACCIONES CONCRETAS, y sigue la pauta de su colaboración con la Editora Regional de Extremadura, un momento prolongado donde consolida buena parte de su experiencia y corre paralelo a la creación de Periférica, su editorial, la galería Casa sin fin y a muchas aventuras más. El reconocimiento de Julián Rodríguez es también el de la cultura en Extremadura y, sus obras, balizas que acompañan el desarrollo de la cultura en España durante cuatro décadas, desde los años ochenta a la segunda década del siglo XXI.

    DICCIONARIO DE TÉRMINOS FRECUENTES EN LA EXPOSICIÓN

    John Berger escribió que la esperanza es un acto de fe y tiene que estar sostenida por acciones concretas: las que introduce este breve diccionario de los nombres más frecuentes en la exposición y la recorre en libros, portadas, maquetas, tarjetones, postales, borradores, papeles y cartulinas y tipografías que dieron cuerpo a la esperanza en los años que nos iluminó Julián Rodríguez.

    ATRAVESADO DE ESTRELLAS. Restaurante fundado en Malpartida de Cáceres durante el verano de 1998 por Juan Luis López Espada y Julián Rodríguez, que ejercía de cocinero. Andrés Trapiello recuerda su visita al local en el volumen de sus diarios Siete moderno (Pre-Textos, 2003), en una entrada que contiene un emocionante retrato de su amigo Julián.

    ATRIO. Restaurante cacereño. Julián Rodríguez participó en el diseño gráfico de su voluminosa carta de vinos y escribió un libro publicado con motivo de su 300 aniversario y basado en entrevistas a Rafael Moneo, Ferran Adrià, Telmo Rodríguez y los propietarios, Toño Pérez y José Antonio Polo. Murió antes de verlo impreso.

    BACIYELMO [REVISTA IBEROAMERICANA DE CULTURA] Proyecto creado por un grupo de estudiantes de filología hispánica en la Universidad de Extremadura que recogía textos de creación y ensayo a cargo de nombres como Álvaro Valverde, Basilio Sánchez, Ignacio Úzquiza o Angela Pérez Castañera. El diseño realizado por Julián Rodríguez sirvió, más adelante, como base para la colección «Poesía» de la Editora Regional de Extremadura.

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    BIBLIOTECA PORTÁTIL.  Creada en 2006, fue la primera colección de Periférica. La característica cartulina ocre utilizada para sus cubiertas y la impresión a una tinta se convirtieron con rapidez en un referente para lectores y libreros. Con posterioridad, este diseño se adaptó para albergar los títulos de la colección de ensayo «Pequeños tratados».

    BODONI. Tipo creado por Giambattista Bodoni a finales del siglo XVIII, muy valorada por la alternancia de tramos gruesos y finos. Está considerada una de las más elegantes en la historia de la tipografía. Es el tipo utilizado en los textos de las colecciones de la Editora Regional «La Gaveta» y «Poesía».

    BULEVAR. Fanzine impulsado en 1985 por Julián Rodríguez junto a su hermano Javier y a Antonio Sáez Delgado. El primer número, fotocopiado, se diseñó con Rotring y Letraset. Dio lugar a publicaciones efímeras como Dos rombos o Esto es papel y a la colaboración de sus promotores —de 15 y 17 años— con la Feria del Cómic, la Ilustración y el Fanzine (CIF), de Cáceres, que Julián Rodríguez dirigió en 1996 y 1997 y tuvo una versión itinerante por toda la provincia.

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    CASA SIN FIN. Galería de arte que abrió sus puertas en 2010 en Cáceres y un año más tarde en Madrid, convirtiéndose en un lugar imprescindible en el circuito galerístico español. Artistas como Joan Fontcuberta, Eva Lootz, Jorge Ribalta, Manolo Laguillo, Álvaro Perdices, Javier Codesal, Daniel G. Andújar o Pedro G. Romero expusieron en ella. Durante su trayectoria, formaron parte del proyecto de manera indispensable Magda Anglés, Irene Antón, Juan Cárdenas, Inés Fajardo, Paca Flores, Andrés Manzano, Antonio de la Osa o Natalia Zarco. Su nombre procede de una obra del arquitecto surrealista Frederick Kiesler.

    CENTURY SCSCHOOLBOOK. Fruto del encargo de la editorial de libros de texto Ginn & Co. Morris Fuller Benton la crea en 1919 a partir de la familia Century. Popularizada alrededor de la segunda década del siglo XX, su trazo constante y alta legibilidad hacen que esté presente en la inmensa mayoría de libros de texto americanos. Es utilizada en «Vincapervinca», «Perspectivas» o «Plural» de la Editora Regional de Extremadura.

    EDITORA REGIONAL DE EXTREMADURA. Editorial pública, establecida en 1984 por la Junta de Extremadura para atender la creación literaria, los estudios humanísticos y la divulgación de la historia y patrimonio de la región. Con más de mil quinientos títulos en su catálogo, es valorada tanto por los criterios editoriales que se aplican a las colecciones como por el aspecto cuidado de los libros. «La Gaveta», «Poesía», «Vincapervinca», y otras muchas diseñadas por Julián Rodríguez, junto a Juan Luis López Espada, son el ejemplo de este cuidado.

    EL BROCENSE. Institución Cultural de la Diputación de Cáceres para la que Julián Rodríguez trabajó de asesor a partir de 1996. Rediseñó la sala de exposiciones de la calle Doctor Marañón para modernizarla y dirigió una programación de arte y poesía con nombres como Rogelio López Cuenta, Esperanza D’Ors, Nacho Criado o Alejandro Corujeira. La muestra protagonizada por este último se tituló Atravesado de estrellas.

    ERRATA NATURAE. Editorial fundada en Madrid por Rubén Hernández e Irene Antón, pareja de Julián, al que se debe el diseño de la colección «El pasaje de los panoramas».

    EXTREMADURA EN SUS PÁGINAS. En 2005 una gran exposición con este rótulo, comisariada por Juan Gil y Fernando T. Pérez González, muestra la historia del libro en Extremadura a través de publicaciones, manuscritos, obras de arte y herramientas de impresor. Bajo el subtítulo Del papel a la web su catálogo reúne los mejores estudios sobre la cultura del libro en la región. Julián Rodríguez se ocupó tanto del diseño de la exposición como del catálogo.

    GABRIEL BOCÁNGEL. Restaurante abierto junto a María José Alvarado en el invierno de 1998 en la calle Pizarro de Cáceres para dar continuidad al trabajo iniciado durante el verano en Atravesado de estrellas. Aunque algunos clientes pensaban que Bocángel era Julián, toma su nombre de un famoso poeta barroco español.

    GALERÍA NACIONAL DE PRAGA. Espacio expositivo fundado en 1993 en la calle Pizarro de Cáceres. Fue el embrión de galerías posteriores como Bores & Mallo —fundada por Julián Rodríguez junto a Javier Castro— y Casa sin Fin —fundada junto a Juan Luis López Espada.

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    STEMPEL GARAMOND. (David Stempel 1925 – Claude Garamond 1499-1561). Incorporada al catálogo de la fundición D. Stempel AG de Frankfurt en 1925 y basada en uno de los tipos más influyentes en la historia de la tipografía. Nombrada en recuerdo a su creador, el grabador renacentista Claude Garamond, sus cursivas son especialmente estimadas y muy frecuentes en libros, folletos y cartelería. Utilizada, entre otros casos, en las colecciones «Voces sin tiempo» y «Territorios escritos» de la Fundación Ortega Muñoz, «Entrevistas», de la Editora Regional de Extremadura, las colecciones de Editorial Periférica, las cartas de vino del Restaurante Atrio (2014 y 2017) o el catálogo La consciencia del ser (MEIAC, 2019).

    HELGA DE ALVEAR. Galerista y coleccionista imprescindible. InMedia se ocupó del cuidado tipográfico de los catálogos de la Fundación Helga de Alvear. En 2017, Julián Rodríguez comisarió para este espacio la exposición Todas las palabras para decir roca. Naturaleza y conflicto.

    HOTEL INTERNACIONAL. Colección literaria de la Galería Nacional de Praga de Cáceres. Publicó libros de Andrés Trapiello, Abelardo Linares, José Luis García Martín, Ángel Guache y José Carlos Llop. Fue bautizada con el nombre de un hotel de Lisboa.

    INMEDIA. Artefacto tipográfico y multimedia fundado en 2005 por Julián Rodríguez y Juan Luis López Espada para desarrollar trabajos de diversa índole. Desde su creación utilizó para acreditar sus trabajos distintos nombres que, a menudo, se solapaban para crear homenajes o guiños privados. Así, nombres como Cravan (a partir del poeta-boxeador Arthur Cravan), Tercero Mar (En mi tercero mar de Juan Ramón Jiménez), Bauer (homenaje a la fundición tipográfica creadora de la Futura), Espacio Doble (nombre necesario para nombrar el trabajo innombrable de dos) o Futura Digital (dedicado a la impresión y producción de materiales gráficos), fueron apareciendo en congresos, revistas, catálogos, colecciones, acciones de fomento de la lectura o proyectos multimedia.

    LA GAVETA. Serie de prosas de ficción en pequeño formato con la que Julián Rodríguez inició la renovación del diseño de las colecciones de la Editora Regional; las cubiertas suelen presentar cuadros de las vanguardias históricas y sus alrededores. El volumen de cuentos Mujeres manzanas, del propio Julián, es uno de sus primeros títulos.

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    LA RONDA DE NOCHE. Revista de literatura fundada en 1995. Contó con colaboradores como Juan Manuel Bonet, Javier Alcaíns, Andrés Trapiello o Miguel Ángel Lama.

    LA TORRE DE BABEL. Café-concierto inaugurado en diciembre de 1987 en la calle Pizarro de Cáceres. Julián Rodríguez fue uno de los socios fundadores y el encargado de la imagen gráfica y de la programación cultural del local.

    LARGO RECORRIDO. Colección creada en 2009 dentro de la editorial Periférica. Inconfundible por sus cubiertas de color rojo, es uno de los diseños más exitosos de Julián Rodríguez y de la edición española reciente.

    OPTIMA. Tipo de letra creado por Hermann Zapf en 1958. Una de las más admiradas dentro de la familia de fuentes sans serif, es decir, sin reborde en las puntas. Alargada, con voluntad de imitar la letra epigráfica romana, combina muy bien con tipografías clásicas. Utilizada en la portada e interior de colecciones como «La Gaveta», «Poesía» o «Ensayo Literario».

    FUNDACIÓN ORTEGA MUÑOZ. Constituida en el año 2004, junto con la preservación y estudio del legado del pintor Godofredo Ortega Muñoz tiene entre sus fines impulsar proyectos que atiendan a las relaciones entre arte y naturaleza, y en especial referidas al paisaje extremeño. Edita las colecciones de libros «Voces sin tiempo» y «Territorios escritos», diseñadas por Julián Rodríguez y Juan Luis López Espada.

    PALATINO. Hermann Zapf, 1948. Una de las letras más frecuentes en el salto entre el impreso y la lectura en pantalla. Reelaborada en la segunda mitad del XX a partir de tipos clásicos, permite la transición entre el papel y el pixel con mucha facilidad. Utilizada en la colección «Editora de bolsillo».

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    PERIFÉRICA. Editorial fundada por Julián Rodríguez y Paca Flores en Cáceres en abril de 2006. Tan sólo dos años más tarde fue galardonada con el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural dentro del grupo de sellos independientes Contexto. El testamento de un bromista, de Jules Vallés, fue su libro inaugural. Le siguieron obras de autores como Fogwill, Yuri Herrera, Rita Indiana, Marta Sanz, Vicente Valero, Carlos Pardo, José Emilio Burucúa, Ana Blandiana, Elizabeth Smart o Mary Karr. A día de hoy ha publicado casi 250 títulos.

    POESÍA. Una de las colecciones emblemáticas de la Editora Regional de Extremadura, y de las más reconocibles. Con el modelo inicial de la revista Baciyelmo, proyecto anterior de Julián, combina una tipografía y esquema muy clásico y al tiempo muy llamativo, por los colores de fondo y por la sencillez de su línea.

    RODRIGO AMORES. Pseudónimo utilizado por Julián Rodríguez durante una breve etapa como pintor figurativo deudor de Corot, Edward Hopper y los metafísicos italianos. Regaló a sus amigos todos los cuadros que pintó. El nombre procede de los apellidos de su abuelo paterno, Mónico Rodríguez Amores.

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    SUB ROSA. Revista de arte y estética fundada en 1990 por Julián Rodríguez. La portada del número cero fue obra del artista portugués Leonel Moura. Entre sus colaboradores estuvieron José Luis Brea, Rogelio López Cuenca, Filomena Molder, Pedro G. Romero, Marcelo Expósito, António Cerveira Pinto, Fernando Castro Flórez, Isidoro Reguera y Ángel González.

    VINCAPERVINCA. El rediseño de esta serie de la Editora Regional afrontaba el reto de abandonar una colección transversal a los géneros para centrarse en la narrativa, un propósito que se consigue a partir de la presencia gráfica en la totalidad de la cubierta y el uso tipográfico.