Categoría: Cara a Cara

«Una buena historia nunca muere». Gay Talese

  • Daniel Cardoso «La danza es una forma de comunicación sin fronteras, sin límites»

    Daniel Cardoso «La danza es una forma de comunicación sin fronteras, sin límites»

    El coreógrafo portugués regresa al Festival Internacional de Teatro de Badajoz con Hashtag#Free, una pieza en la que ocho bailarines buscan la espontaneidad y la libertad de movimiento. Más de veinte años después de fundar Quorum Dance Company, y tras un grave accidente de moto que cambió su manera de mirar la vida y su profesión, Cardoso vuelve a encontrarse con Badajoz, con el escenario y con aquello que continúa siendo su principal lenguaje: el cuerpo.

    Home, I feel like home
    Though nothing is as was before
    No words to say, no place to go
    Home, I feel like home
    With empty hearts…

    Home de Hania Rani

    Daniel Cardoso vuelve a Badajoz con kilómetros de escenario en las piernas, más de veinte años levantando su propia compañía y una vida que, hace apenas un año, le obligó a cambiar de ritmo de golpe. Un grave accidente de moto puso el cuerpo, precisamente el cuerpo, en otro sitio. Parar, recuperarse, volver a moverse. Para alguien que lleva media vida contando historias sin necesidad de palabras, no parece un detalle menor.

    Cardoso es portugués, de Lisboa, aunque su biografía hace tiempo que dejó de caber dentro de una frontera. Nueva York, Dinamarca, escenarios de numerosos países y, desde 2005, Quorum Dance Company, la compañía con la que decidió regresar a Portugal y construir su propio lenguaje. Badajoz también forma parte de ese recorrido. En 2019 llegó al Festival Internacional de Teatro con Correr o Fado. Entonces había agua sobre el escenario, fado y cuerpos empeñados en llevar esa música portuguesa hacia otros territorios a través de la danza contemporánea.

    Ahora vuelve al Teatro López de Ayala con Hashtag#Free. Y esta vez el elemento que se cuela entre los bailarines no es el agua. Es algo bastante más difícil de coreografiar: la libertad. Ocho bailarines, músicas y universos que van de The Cure y Radiohead a Agnes Obel, Ólafur Arnalds o Hania Rani, y un Cardoso que asegura haber salido de su propia zona de confort para encontrarse con una versión más libre de sí mismo como creador. En Hashtag#Free los bailarines también ganan terreno: aportan parte de ellos mismos, interpretan y ocupan espacios que la coreografía no pretende cerrar. Quizá por eso esta conversación podía comenzar hablando del cuerpo. Del suyo. Del que bailó, del que crea, del que sufrió un accidente y tuvo que recuperarse. Y del cuerpo que todavía encuentra en una sala de ensayo uno de sus lugares favoritos. Después de Nueva York, Dinamarca, Portugal, viajes, compañías, bailarines y escenarios, Daniel Cardoso continúa entrando en un estudio para moverse, crear y buscar. Cruzamos la frontera. Empezamos a danzar.

    Crear para mantener el equilibrio

    Has dicho en alguna ocasión que la danza puede ser terapéutica, incluso una necesidad. Después de tantos años bailando, creando y dirigiendo una compañía, ¿sigue siendo una necesidad para ti?

    —Crear sigue siendo casi una terapia para mí. ¡Es lo que me ayuda a mantener el equilibrio como persona! Tengo una suerte increíble. Qué suerte poder crear y compartir con el mundo estas experiencias.

    Tu trayectoria te ha llevado desde Lisboa a Nueva York, Dinamarca y escenarios de numerosos países, primero como bailarín y después como coreógrafo. ¿En qué momento personal y creativo se encuentra ahora Daniel Cardoso?

    —Este es un momento de muchos cambios en mi vida y en mi trayectoria profesional. Hace un año sufrí un accidente de moto muy grave… eso me hizo ver la vida y el trabajo de una manera muy diferente. ¡Afortunadamente, me estoy recuperando bien!

    Un accidente que ye ha hecho más fuerte, más incluso que cuando fundaste Quorum en 2005. Han pasado más de veinte años desde entonces. ¿Qué queda de aquel Daniel Cardoso que regresó a Portugal dispuesto a crear su propia compañía y qué ha cambiado por completo?

    —Con la celebración de los 20 años de la Compañía y el documental que acabamos de estrenar, me puse a pensar precisamente en eso y terminé haciéndome esa misma pregunta. Creo que sigo aquí: la esencia es la misma y la fuerza, ¡aún mayor! Esta Compañía es lo que más me ha hecho crecer como artista y como persona; estoy muy agradecido por ello. Ha sido un viaje increíble, estás siendo un viaje increíble.

    Y mirando hacia delante, ¿hacia dónde quieres ir ahora? ¿Sigues teniendo territorios artísticos que necesitas explorar?

    —En este momento estoy muy centrado en seguir trabajando el cuerpo, el movimiento, nuestro lado más orgánico. En el desafío que supone seguir creando piezas que tengan significado y con las que la gente pueda conectar. Superar el reto de, tras 21 años de creación, seguir siendo honesto y genuino.

    Volver a Badajoz. Casi como en casa

    Quorum vuelve al Festival Internacional de Teatro de Badajoz, un lugar que ya conocéis. ¿Qué recuerdos conservas de vuestra anterior participación y qué significa regresar ahora para inaugurar esta 49.ª edición?

    —Estoy muy feliz de que podamos volver al Festival, ha sido muy enriquecedor. Es un lugar muy especial para mí, por la forma en que siempre nos han recibido la organización del Festival y el público de Badajoz. Esperamos poder volver durante muchos años.

    En una de vuestras anteriores visitas vimos una propuesta en la que el agua adquiría una enorme presencia sobre el escenario, casi como un intérprete más. Ahora llegáis con Hashtag#Free. ¿Qué distancia artística existe entre aquel Cardoso y el que firma esta pieza?

    —En esta obra logré encontrar mi faceta más libre como creador. Logré salir de mi zona de confort. Hashtag#Free es una obra que lleva al público a un viaje que explora mi lado más auténtico. Es una pieza que no se puede comparar con Correr o Fado. En este trabajo, el “intérprete extra” es la espontaneidad y la libertad de expresión.

    Hashtag#Free: bailar la libertad

    Hashtag#Free parte de una idea aparentemente sencilla: un escenario, ocho bailarines y un coreógrafo, dejando atrás ideas preconcebidas, estilos y determinadas formas de control. ¿Qué significa realmente ese #Free?

    —Esta pieza pretende ser el símbolo de la libertad y de la liberación. En una época en la que esa palabra, «libertad», tiene un significado muy especial, dado todo lo que está sucediendo en el mundo.

    Hablas de libertad y espontaneidad, pero una coreografía necesita estructura, precisión y trabajo. ¿Cómo se consigue que algo muy ensayado conserve sobre el escenario la sensación de estar sucediendo por primera vez?

    —La forma que encontré fue saliendo de mi zona de confort. Solo sorprendiéndome a mí mismo lograría sorprender al público. Fue un proceso muy interesante que me hizo crecer.

    En la pieza conviven músicas y universos bastante diferentes —The Cure, Radiohead, Agnes Obel, Ólafur Arnalds, Hania Rani—. ¿Cómo construyes un lenguaje coreográfico común a partir de referencias musicales tan distintas?

    —Ese fue uno más de los desafíos: lograr crear un trabajo coherente pero, al mismo tiempo, con una gran diversidad. La música llegó para ayudar a traer esa diversidad.

    ¿Qué quieres que encuentre el espectador de Badajoz en Hashtag#Free? ¿Hay algo que prefieras que simplemente sienta antes que intentar comprenderlo?

    —Lo que quiero es que el espectador se deje llevar por este viaje que es Hashtag#Free, y que se deje llevar por las sensaciones y los sentimientos.

    El cuerpo y el movimiento

    Cuando trabajas una pieza, ¿qué aparece primero: una idea, una música, una imagen o el propio cuerpo del bailarín moviéndose en el espacio?

    —En el caso de Hashtag#Free, lo primero fue el desafío de crear algo espontáneo y liberador, tanto para mí como para los bailarines y los espectadores. En el proceso, lo primero es la música, que termina siendo la base de todo lo que viene después. ¡Las imágenes llegan solo más tarde!

    Vivimos rodeados de pantallas, imágenes y estímulos constantes. Frente a todo eso, la danza sigue colocando delante del espectador algo muy elemental: un cuerpo que se mueve. ¿Sigue teniendo el cuerpo esa capacidad de comunicar sin necesitar palabras?

    —¡Sí, sin duda! El cuerpo tiene una forma única de comunicarse; dice cosas y nos lleva a lugares a los que las palabras no logran llegar. Las palabras son muy objetivas, mientras que el cuerpo deja mucho más espacio para la interpretación. Es, sin duda, la forma más bella de comunicación. La que más amo.

    ¿Cuánto te interesa la personalidad de cada bailarín? ¿Buscas cuerpos capaces de ejecutar tu lenguaje o personas que puedan transformarlo y llevarlo hacia lugares que tú mismo no habías previsto?

    —Normalmente busco bailarines que logren «decir» exactamente lo que pretendo en cuanto a movimiento e interpretación. En el caso de Hashtag#Free es diferente. Los bailarines terminan aportando mucho de sí mismos y cuentan con un gran espacio para su propia interpretación. Esta libertad de la obra también se refleja en la manera en que los bailarines se presentan en escena.

    Del escenario al taller

    Al día siguiente de la función impartirás junto a Inês Godinho un taller en CEDAM, el centro dirigido por la coreógrafa extremeña María Lama, trabajando precisamente sobre material de Hashtag#Free. ¿Qué puede descubrir un bailarín trabajando desde dentro una coreografía que la noche anterior ha visto sobre un escenario?

    —Es muy interesante poder trabajar con estos jóvenes bailarines después de que vean la obra. Al igual que en la vida, en la danza no hay nada como poder ver el espectáculo y luego tener la oportunidad de entrar en contacto con el movimiento. Será muy enriquecedor para los bailarines. Este tipo de proyectos, en los que interactuamos con la comunidad local, son muy importantes. Estamos deseando poder trabajar con CEDAM.

    ¿Qué importancia tiene para ti que un festival no se limite a programar espectáculos y abra también estos espacios de formación, intercambio y contacto directo con los profesionales?

    —Esta faceta del Festival, centrada en la vinculación con la comunidad local, tiene una enorme importancia; logramos llegar más lejos en la conexión con diversos tipos de público y, al mismo tiempo, apostar por la formación. Todo esto aporta un gran valor al Festival.

    Una frontera a pocos kilómetros

    Badajoz y Portugal están separados por pocos kilómetros, pero culturalmente todavía existen fronteras que a veces parecen mucho mayores. Desde la danza, ¿percibes una verdadera conexión entre creadores portugueses y extremeños?

    —Cada vez estoy más convencido de que la danza es un lenguaje universal, una forma de comunicación con el mundo. ¡Sin fronteras, sin límites! La conexión entre creadores siempre dará frutos muy positivos, independientemente de su origen o nacionalidad. Esa es también la belleza de la danza: la capacidad de romper barreras y cruzar fronteras. Creo que esto tiene una importancia enorme en la actualidad y en el mundo en que vivimos hoy en día.

    ¿Deberíamos aprovechar mucho más esa cercanía entre Extremadura y Portugal para generar proyectos conjuntos, residencias, formación e intercambio de bailarines y coreógrafos?

    —Sin duda deberíamos aprovechar más esta cercanía. Estamos más cerca de Badajoz que de Oporto o Faro. Ojalá que sí, que se pueda hacer mucho más entre artistas de ambos países.

    La danza ahora, la danza hoy

    Desde tu experiencia como creador y director de compañía, ¿cómo describirías el momento que atraviesa actualmente la danza contemporánea en Portugal?

    —En mi opinión, la danza en Portugal no está evolucionando como debería. Necesitamos que el gobierno crea más en esta forma de arte. La danza termina siendo la pariente pobre dentro de la cultura portuguesa, la cual ya de por sí está infravalorada. Hace falta más inversión en cultura. Quienes están en el poder deben comprender la importancia que la cultura tiene para las personas y la sociedad. En Portugal todavía nos queda un largo camino por recorrer.

    Has trabajado y mostrado tus creaciones internacionalmente durante muchos años. ¿Qué está ocurriendo ahora mismo en la danza fuera de Portugal? ¿Hay lenguajes, países o nuevas generaciones que estén cambiando especialmente la manera de entenderla?

    —Siento que la danza tiene cada vez más expresión y fuerza a nivel internacional. Contamos con más jóvenes creadores y es un arte que también ha sido impulsado por las nuevas tecnologías, al permitirnos llegar a otro tipo de públicos. Por otro lado, por mucho que evolucionemos, la danza seguirá siendo única cuando se ve en vivo, ¡en el teatro. No hay nada como ver a un bailarín en el escenario en vivo. No hay nada como ver el trabajo de un creador en los cuerpos de las personas. ¡La danza es, sin duda, el arte más bello y completo.

    Y después de tantos escenarios, compañías, bailarines y coreografías, cuando Daniel Cardoso entra hoy en una sala de ensayo vacía, ¿qué continúa buscando?

    —Para mí, la sala de ensayo es el lugar donde puedo ser verdaderamente yo mismo; es un espacio de liberación y de conexión con los demás. Me siento la persona más afortunada por poder seguir trabajando y creando. El estudio es, sin duda, el lugar donde soy feliz.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • José Antonio Agúndez «El Museo Vostell no sería lo mismo en Berlín, París o Nueva York»

    José Antonio Agúndez «El Museo Vostell no sería lo mismo en Berlín, París o Nueva York»

    Llegamos en coche a Malpartida de Cáceres y, poco a poco, el paisaje empieza a cambiar. El pueblo nos recibe y abre paso hacia la carretera de Los Barruecos, mientras las enormes piedras redondeadas de granito comienzan a ejercer de cicerones de un recorrido en el que resulta difícil separar lo que ha hecho la naturaleza de aquello que el arte incorporó después. Antes de tomar definitivamente el camino del museo queda atrás el antiguo Cine Morán, otro punto de esta historia: allí conoció José Antonio Agúndez formalmente a Wolf Vostell, cuando todavía era un joven estudiante de Historia del Arte y difícilmente podía imaginar que su vida acabaría ligada durante décadas a aquel artista alemán y al proyecto que estaba levantando a pocos kilómetros de su casa.

    A partir de ahí, el camino ya empieza a ser museo. Hay algo de ilusión óptica en atravesar este pedazo de campo extremeño y descubrir cómo las piezas aparecen entre un paisaje que no necesita decorado. Las grandes formaciones graníticas, las charcas, el agua y la vegetación conducen hasta un espacio donde naturaleza, patrimonio y creación contemporánea han terminado solapándose durante medio siglo sin que ninguna de las tres haya conseguido imponerse completamente sobre las demás. Vostell entendió pronto que aquí no necesitaba construir un escenario para sus obras porque el escenario llevaba millones de años esperando. Unas vacas pastan ajenas a cualquier discusión sobre Fluxus o dé-coll/age. Las aves ocupan las orillas y las garzas reales se apostan sobre el pretil del antiguo Lavadero de Lanas, con el agua extendiéndose delante del edificio. Entre las rocas aparecen las primeras intervenciones y el recorrido obliga continuamente a cambiar la mirada: del campo al arte, de la historia de la trashumancia a la vanguardia europea, de la arquitectura que durante años estuvo vinculada al trabajo de la lana a un museo que conserva automóviles, hormigón, televisores, instalaciones, documentos y buena parte de la memoria experimental de la segunda mitad del siglo XX.

    Todo está cosido en un mismo lugar. Y entonces se abre la puerta. José Antonio Agúndez nos recibe con esa familiaridad de quien no parece estar enseñando únicamente su lugar de trabajo. Hay algo casi paternal en su manera de acompañarnos por las salas, detenerse ante una pieza, recordar una anécdota, señalar un detalle o reconstruir una historia. Lo hace con conocimiento, pero sobre todo con devoción, cariño y una emoción que aparece cuando la conversación deja los datos y entra en las vivencias. Para Agúndez estas paredes contienen también parte de su propia biografía: aquí investigó, trabajó junto a Vostell, conoció de cerca a Mercedes Guardado, ayudó a levantar proyectos y asistió al crecimiento de una institución que dirige desde 1994.

    Nos lleva de una sala a otra y el museo empieza a desplegar todas sus capas. Está Wolf Vostell, naturalmente, pero también Fluxus, el happening, el videoarte, las primeras televisiones convertidas en materia artística y un archivo que conserva miles de documentos. Está la huella de Mercedes. Están los artistas internacionales que durante décadas hicieron de Malpartida un punto de encuentro inesperado dentro del mapa europeo. Y está también Dalí, cuyo monumental telón de Parsifal recuerda hasta qué punto este lugar consiguió reunir historias, nombres y obras que parecerían pertenecer a coordenadas muy alejadas de un antiguo lavadero de lanas en mitad del campo extremeño.

    Agúndez continúa andando y contando. A veces habla como director; otras, como historiador del arte; muchas, simplemente como aquel muchacho de Malpartida que vio aparecer a Vostell cuando todo aquello resultaba extraño, nuevo y difícil de explicar. Quizá por eso conoce bien las dos dimensiones del lugar: la institución que hoy cumple cincuenta años y aquella aventura que comenzó cuando un artista miró Los Barruecos y descubrió posibilidades donde los demás veían el paisaje de siempre.

    Después de recorrerlo con él se entiende mejor que el Vostell resulta difícil de encerrar en la palabra museo. Lo es, por supuesto, pero también es paisaje, archivo, patrimonio, memoria rural, laboratorio artístico, lugar de investigación y parte de la historia reciente de Extremadura. Un crecimiento paralelo a la labor familiar y a la de la Junta de Extremadura, que asumió que debía crecer con su apoyo, y que lo sigue haciendo firmemente, en un espacio tan especial para la región. Un espacio donde la realidad y la creación llevan medio siglo superponiéndose hasta hacer casi imposible determinar dónde termina una y comienza la otra. Y en medio de todo ello está José Antonio Agúndez, memoria y presente de una historia que comenzó viendo desde su pueblo y que, cincuenta años después, sigue recorriendo sala por sala como quien abre las puertas de una parte de su propia casa.

    El Museo Vostell Malpartida cumple cincuenta años. Cuando mira hacia 1976, ¿seguimos siendo conscientes en Extremadura de lo extraordinario que fue poner en marcha aquí un proyecto de arte de vanguardia internacional?

    Yo siempre digo que aquí se produjo una constelación de circunstancias. Si algunas de aquellas cosas no hubieran coincidido, probablemente habría sido imposible. Estamos hablando de un proyecto que nace en 1976, antes incluso de la Constitución y antes de que Extremadura dispusiera de la estructura institucional que tiene actualmente. Hubo un alcalde sensible ante aquello y hubo también un Vostell con una enorme capacidad para convencer. Al alcalde le dicen que aquel hombre que había aparecido por Malpartida era un artista internacional importante y tiene la inteligencia de ir a preguntar a la Universidad de Extremadura. Allí coincide con un grupo de profesores muy jóvenes que conocían lo que estaba sucediendo fuera. Entre ellos estaba María del Mar Lozano Bartolozzi, que conocía los Encuentros de Pamplona de 1972, donde había participado Vostell. La Universidad lo avala y termina convirtiéndose en uno de los apoyos fundamentales del proyecto. Esa relación con la Universidad de Extremadura se ha mantenido además durante todos estos años.
    No fue un camino sencillo. Hubo momentos de dificultad, encuentros y desencuentros, pero coincidieron las personas y las circunstancias necesarias para que aquello pudiera empezar.

    Y Vostell tampoco llegó a Extremadura con un museo diseñado debajo del brazo.

    No. Eso es muy importante. Vostell no vino a Extremadura a hacer un museo. Él era un hombre muy adelantado, pero la idea surge del encuentro con Los Barruecos. Lo he dicho muchas veces: el paisaje tuvo la culpa. La naturaleza fue lo primero que le impresionó. Él llega, conoce Los Barruecos y encuentra algo que le provoca la necesidad de actuar allí. La primera idea del museo no está siquiera en el Lavadero de Lanas, está fuera, entre las rocas. Después se irán dando los pasos y aparecerá la posibilidad de utilizar el antiguo lavadero, pero el origen está en el paisaje.

    Eso cambia bastante la manera de entender el museo, porque Los Barruecos no son simplemente el entorno que lo rodea.

    Exactamente. El museo está aquí porque está aquí. A veces se nos compara con otros museos o se pregunta qué sería este museo si estuviera en París, Berlín, Londres o Nueva York. Yo creo que no necesitamos compararnos con nadie. Fue este paisaje el que enamoró a Vostell y el que provocó el proyecto. Además, el espíritu de Fluxus encaja perfectamente con este lugar: la sencillez, los sonidos, la vida cotidiana, aquello aparentemente insignificante… ¿Qué mejor espacio que un museo en mitad de la naturaleza, donde tienes los ruidos de la vida en estado puro?

    ¿Dónde termina entonces Los Barruecos y dónde empieza el Museo Vostell?

    Todo está relacionado. Vostell empieza ideando el museo entre las propias rocas. El Lavadero de Lanas lo conoce después y termina incorporándose al proyecto cuando el Ayuntamiento consigue adquirir el edificio y lo pone a su disposición. Pero el comienzo está fuera. Está en Los Barruecos.

    Barruecos y Malpartida de Cáceres…la relación con el pueblo fue también importante desde el principio.

    Eso se lo debemos mucho a Vostell. Desde muy pronto proyectó la inclusión del saber del pueblo y quiso ponerlo al mismo nivel que los saberes de los artistas. En aquellas primeras Semanas de Arte Contemporáneo había happenings, performances o conciertos Fluxus, pero también exposiciones de herramientas, fotografías, comidas y elementos relacionados con los oficios y la vida del pueblo. Hubo participación de las mujeres, de personas mayores… Vostell lo resumía muy bien: no hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición.

    Imagino el Malpartida de 1978 viendo happenings y performances y sigue pareciendo increíble.

    Imagínatelo. Malpartida de Cáceres en 1978 y aquí podían verse happenings, performances, conciertos Fluxus… Yo era un muchachillo. Cuando Vostell aparece por aquí tengo once años y cuando empiezan algunas de aquellas actividades sigo siendo prácticamente un niño. Íbamos a ver aquello y muchas cosas no las entendíamos absolutamente nada. Recuerdo el Palacio Topete, que después fue la vivienda de Wolf y Mercedes. Yo conocía aquel caserón porque una tía abuela mía había vivido allí y de niño había correteado por sus espacios. De repente entrabas y encontrabas cuadros, objetos, un calcetín dentro de una obra… Aquello te chocaba. Y esto también sirve para aclarar una confusión frecuente: el museo nunca ha sido simplemente la casa privada de Vostell. El Palacio Topete fue su residencia familiar y su estudio. El Museo Vostell es otra historia.

    Y aquel muchacho termina estudiando Historia del Arte y dirigiendo el museo.

    Sí. En la Universidad tuve profesores muy vinculados a Vostell y al arte contemporáneo. Yo pensaba inicialmente hacer mi trabajo sobre cualquier otra cuestión de historia del arte y me dijeron: «Pero hombre, si tienes en Malpartida una mina». Y la mina era Vostell. A partir de ahí empecé a investigar, a trabajar con él y a estudiar el happening. Tuve además acceso directo a su archivo.

    Vostell lo resumía muy bien: no hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición.

    ¿Recuerda cuándo conoció personalmente a Vostell?

    El contacto personal llegó en los años ochenta. Yo estaba relacionado con una revista cultural de Malpartida y escribía algunas cosas sobre arte. Nos presentaron y después un grupo de estudiantes fuimos a su casa porque estábamos haciendo un trabajo sobre el fenómeno Vostell y su repercusión en Malpartida. Aquello fue generando una relación cada vez mayor. Después trabajé sobre sus happenings y tuve la enorme suerte de disponer de su colaboración directa.

    Tu historia tiene algo de ese mismo proceso. Primero eres el muchacho que observa a Vostell y años después acabas estudiándolo.

    Sí. Estudié Historia del Arte y tuve profesores que fueron fundamentales, como María del Mar Lozano Bartolozzi y otros profesores de la Universidad que conocían a Vostell, lo trataban y estaban relacionados con el proyecto. Yo pensaba inicialmente en hacer mi trabajo sobre algún retablo barroco o algo parecido de Malpartida, y me dijeron: «Pero si tienes aquí una mina». Y la mina era Vostell. En los años ochenta yo participaba además en la vida cultural de Malpartida, colaborábamos en una revista y escribía algunas cosas sobre arte. Vostell tenía interés en conocerme y yo también a él. Mi encuentro personal con Wolf y Mercedes se produce en aquella etapa, en el Cine Morán. A partir de ahí empezamos a tener una relación más directa. Un grupo de estudiantes fuimos a su casa porque estábamos haciendo un trabajo sobre la repercusión sociológica del fenómeno Vostell en Malpartida. Aquello fue abriendo una relación que terminaría siendo fundamental para mí.

    Hay otra persona sin la que probablemente esta historia sería imposible: Mercedes Guardado.

    Mercedes es fundamental. Absolutamente fundamental. Ella marca la existencia de Vostell. Vostell llega a Guadalupe interesado por Zurbarán y allí coincide con Mercedes, una joven cacereña que había terminado Magisterio y estaba comenzando su vida profesional. Se conocen y se produce un flechazo absoluto. En enero de 1959 se casan en la iglesia de Santiago de Cáceres.
    Mercedes era una mujer extremeña muy viva, muy adelantada y muy echada para adelante. Ve también la posibilidad de desarrollarse personalmente junto a él. Después entra completamente en ese mundo, acompaña a Vostell, conoce a los artistas, se integra prácticamente en el ambiente Fluxus y su casa se convierte en un lugar de recepción y encuentro..

    ¿Ella creyó desde el principio en la aventura de Malpartida?

    No creas. Mercedes conocía Extremadura y sabía perfectamente las dificultades que podía tener aquello. Pero formaron un tándem extraordinario. Ella termina completamente vinculada a su vida y al arte, conoce a los artistas Fluxus, su casa se convierte en lugar de encuentro… Después de la muerte de Vostell se convierte en la gran continuadora. Nosotros la consideramos cofundadora del museo porque no podría ser de otra manera. La colección se llama Wolf y Mercedes Vostell y se lo debemos también a ella.

    Una de las cosas que sorprenden es la dimensión internacional que alcanzó Malpartida desde muy pronto.

    Por supuesto. No solamente porque su fundador fuera un alemán casado con una extremeña. Vostell tenía desde los años sesenta una red internacional extraordinaria y era uno de los grandes referentes del happening y de Fluxus.
    Fluxus se desarrolla internacionalmente y esos artistas se conocen, se encuentran, colaboran. Vostell tiene contacto con Yoko Ono y con muchísimos de los artistas vinculados al movimiento. Al mismo tiempo, él siempre conserva su independencia, su décollage y sus propias líneas de trabajo. A finales de los sesenta ya hay museos importantes haciendo retrospectivas de Vostell. Y de pronto todo ese mundo empieza también a relacionarse con Malpartida de Cáceres. Llegan artistas, coleccionistas, responsables de museos y personas relacionadas con el arte internacional. La prensa alemana comienza a interesarse por lo que está ocurriendo aquí. Eso explica también la singularidad del proyecto.

    ¿Tenemos suficientemente asumido el patrimonio internacional que conserva hoy el museo?

    Tenemos unas colecciones muy importantes, pero además está el archivo. El Archivo Happening Vostell es una auténtica joya de la corona. Es un fondo documental extraordinario para investigar happening, Fluxus y la propia obra de Vostell. Aquí vienen investigadores precisamente por ese material.

    Usted defiende además una conexión muy interesante entre Vostell y Cáceres en el nacimiento del videoarte.

    Sí, y es algo que queremos reivindicar. Cáceres está relacionada con el origen de esa utilización artística de la televisión por parte de Vostell. Wolf y Mercedes contaban muchas veces que, durante sus paseos por Cáceres a finales de los años cincuenta, vieron un escaparate donde había uno de aquellos primeros televisores. La gente estaba parada delante, absolutamente fascinada mirando el aparato. Vostell conocía la televisión porque era alemán, pero lo que le llamó la atención fue precisamente el comportamiento de las personas frente a aquella pantalla. De ahí surge esa idea de utilizar la televisión con una finalidad estética, manipular la imagen, intervenirla. Después desarrollaría todo ese trabajo prácticamente en paralelo a Nam June Paik. Para entender el videoarte primero hay que entender la aparición de la televisión como objeto y como nueva manera de relacionarnos con las imágenes.

    Y llegamos a 2026 rodeados precisamente de pantallas.

    Claro. Vostell trabaja muy pronto con la televisión, con la imagen y con su manipulación. Hoy estamos permanentemente rodeados de pantallas. En ese sentido hay cuestiones de su obra que siguen teniendo una enorme actualidad.

    Pero el museo tiene ahora que competir con TikTok, Instagram y una generación acostumbrada a consumir imágenes a enorme velocidad. ¿Cómo se consigue que un joven se detenga?

    Hay que adaptarse. No hay más. Precisamente hemos tenido recientemente aquí a Magdalenita, que tiene una cantidad enorme de seguidores. Hizo un vídeo relacionado con el museo y alcanzó alrededor de 124.000 visualizaciones el primer día. Nosotros no conseguimos esas cifras con nuestros canales habituales. Si quieres llegar al público joven tienes que entender también cómo se comunica ese público.

    Aunque la relación con los jóvenes comenzó mucho antes de las redes sociales.

    Cuando abrimos el museo en 1994 una de mis primeras cosas fue pedir un listado de todos los colegios de Extremadura y escribirles una carta personalizada: estamos abiertos y estamos aquí para lo que queráis. Poco a poco empezaron a venir profesores y alumnos. Después de treinta años prácticamente todos los colegios de Extremadura han pasado por aquí. Ahora vienen adultos y me dicen: «Yo estuve aquí con el colegio». Eso es muy importante.

    Vostell tenía ya unos contactos internacionales extraordinarios. Desde los años sesenta se había convertido en uno de los referentes del happening y estaba relacionado con Fluxus y con artistas de numerosos países.

    Y cuando alguien entra y le dice: «José Antonio, no entiendo este museo», ¿qué responde?

    Pues que yo tampoco entiendo nada cuando me hablan en alemán. Y no por eso pienso que el alemán esté loco o sea tonto. El arte también es un lenguaje, igual que la música o las matemáticas. Hace falta interés, ganas y cierta pasión por conocerlo. Hoy tenemos además muchísimas posibilidades para acceder a la información. Antes llegabas a un lugar y, si no tenías un catálogo o alguien que te explicara aquello, era mucho más complicado. Ahora puedes obtener unas primeras nociones inmediatamente.

    ¿Y qué valores encuentras detrás de ese lenguaje que puede resultar tan extraño en una primera visita?

    Los artistas Fluxus y Vostell transmiten valores que siguen teniendo una enorme vigencia. Vostell decía: «Declaro la paz como la mayor obra de arte» o «Declaro los derechos humanos como la mayor obra de arte». Está también la relación entre arte y vida, la vida entendida como arte, educar la conciencia para prestar atención a cada momento y a las cosas sencillas. Fluxus habla incluso de la importancia de la no importancia. Ahí hay una manera de mirar que sigue siendo absolutamente válida.

    ¿Puede conocerse igual un museo a través de internet?

    No. Se puede enseñar, claro, y después de la pandemia se han desarrollado muchísimo esas posibilidades. Pero no es lo mismo. Es como darle un beso a una persona. Puedes verlo en una pantalla, pero no es lo mismo.

    ¿Qué parte de su trabajo continúa disfrutando especialmente después de tantos años?

    Me gusta dirigir el museo, pero lo que más me gusta es enseñarlo. La dirección muchas veces consiste en papeleo, resolución de problemas y gestiones. Enseñar las obras, hablar con la gente y conseguir acercárselas es otra cosa. Además, este museo transmite valores muy claros: Vostell decía «declaro la paz como la mayor obra de arte» o «declaro los derechos humanos como la mayor obra de arte». Arte como vida y vida como arte. Educar la conciencia para convertir cada momento de la vida en una obra de arte.

    Y esa relación te lleva directamente al happening y al archivo.

    Mi memoria de licenciatura terminó dedicada al happening y pude trabajar directamente con Vostell. Él estuvo en la lectura de aquel trabajo y siempre tuvo interés en que se publicara. Finalmente se publicó después de su muerte, en español y en alemán. Durante aproximadamente tres años trabajé también con él en la organización y selección de materiales de su archivo. Y eso me permitió acceder a una documentación extraordinaria. El Archivo Happening Vostell es la joya de la corona del museo. Tenemos un fondo documental absolutamente excepcional para investigar Fluxus, el happening y todo ese periodo. Es uno de los motivos por los que investigadores y especialistas vienen hasta aquí. Afortunadamente fue adquirido por la Junta de Extremadura y forma parte del patrimonio del museo.

    Después de cincuenta años también habrá que hablar de los problemas. ¿Qué necesita actualmente el Museo Vostell?

    El museo tiene carencias, como todos, son muchos años y es un espacio con unas necesidades especiales. Es un museo muy difícil de mantener. Estar en la naturaleza es maravilloso, pero también significa una batalla permanente con ella. Climatización, instalaciones que necesitan actualizarse y una importante obsolescencia tecnológica.

    Especialmente complicada en un museo que conserva tantas televisiones.

    Tenemos decenas de pantallas funcionando y muchas se han ido perdiendo por obsolescencia. Hay modelos que simplemente ya no existen en el mercado. Entonces tienes que estudiar cómo sustituirlos y cómo hacerlo sin alterar la obra. Es un problema importante.

    Después de tantos años trabajando con Vostell y con sus obras, ¿hay alguna pieza especialmente personal para usted?

    Hay muchas. Pero tengo una experiencia muy especial con una obra cuyo montaje realicé estando Vostell sentado a mi lado. Él estaba ya bastante enfermo y me iba dando instrucciones. Yo se las transmitía con un altavoz al herrero, al carpintero y a los operarios: un poco más para acá, un poco más para allá… Al final me dio las gracias por el montaje. Guardo además el dibujo original. Lógicamente esa pieza tiene para mí una relación muy personal.

    Cincuenta años después, ¿hasta qué punto esta es también una historia de Malpartida?

    Completamente. Yo he tenido una ventaja fundamental: ser de aquí. Conocer el pueblo, conocer las conexiones, conocer Los Barruecos y haber vivido una parte de todo aquello. Hubo momentos muy difíciles, enfrentamientos y diferentes maneras de entender el proyecto, pero la semilla ya estaba plantada. Vostell se había integrado en la sociedad malpartideña. Se le veía paseando, sentado en la plaza, hablando con la gente. Formaba parte de aquello.

    Yo he tenido una ventaja fundamental: ser de aquí. Conocer el pueblo, conocer las conexiones, conocer Los Barruecos y haber vivido una parte de todo aquello

    Estamos hablando del aniversario, de los cincuenta años del museo, pero vamos a hacer el viaje contrario. Año 2076. El Museo Vostell Malpartida cumple cien años. ¿Qué le gustaría que siguiera exactamente igual?

    Lo permanente ya está. Las obras, el edificio, nuestra historia, la memoria de la transhumancia y Los Barruecos. Hemos conseguido conservar todo eso. Cuando Vostell llegó había gente que decía que aquel hombre se iba a llevar Los Barruecos. Después murió y ahí seguían todas las piedras. Eso tiene que permanecer. Y el museo tiene que crecer.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Sanguijuelas del Guadiana «La banda extremeña que llena salas y vacía prejuicios»

    Sanguijuelas del Guadiana «La banda extremeña que llena salas y vacía prejuicios»

    A las siete de la tarde la sala OFF Cultura, en Badajoz, parece vivir un pequeño milagro. No son horas de concierto ni de bullicio, y sin embargo ya hay gente haciendo cola en la puerta. Grupos de amigos que han venido expresamente de pueblos cercanos, chavales con camisetas recién serigrafiadas, parejas que llevan toda la semana comentando el doble concierto.

    Sanguijuelas del Guadiana juegan en casa. De Casas de Don Pedro, con muy poquitos habitantes, de esos que los titulares catastróficos mencionan como la España vaciada. Pero ya están ellos con la faena, de momento, de comenzar a llenarla de música potente. Carlos Canelada, Juan Grande y Víctor Arroba son Sanguijuelas del Guadiana. Tres chicos que están de vuelta, no se crean ya llevan recorrido. Ida y vuelta. Está bien irse para darse cuenta que se puede intentar crecer en la tierra donde uno nació. Aunque sea duro. Aunque la pizca de suerte no aparezca. Aunque el talento sea innegable y el esfuerzo innegociable. Por aquí andan horas previas a su segundo concierto en Badajoz, con la sonrisa de par en par, aunque el cansancio vaya por dentro. Por aquí andan, probando micros, audios, luces, bocadillos, tortilla de chorizo, refrigerios, firmando camisetas, saludando a amigos y amigas, dando abrazos, besos, chocando manos, atusando cabellos y oreando la revolá de sus vidas en salas y estadios.

    Nos abre la puerta de la sala Juan, como si fuera su casa. Bonito hogar le decimos, ríe, pasad, como si fuera vuestra, nos responde. Casualidades que escapan del sortilegio generado por Sanguijuelas. Cristina, parte indispensable del engranaje de la banda desde la comunicación, pide disculpas mientras coloca carteles que ya no necesita colocar porque todos saben que está to vendío. Pedro Atanasio y el resto del equipo técnico prueba cables, micros, sonido, obsesionado con que no haya un solo fallo, aunque lleven más de noventa conciertos en un año. Desde el fondo, Jorge González, observa la escena con la paciencia de quien ya ha vivido giras imposibles y sabe que la calma es, en sí misma, una herramienta de trabajo. Del sálvase quien pueda al karma de un gran figurante.

    Son ellos, los propios músicos, los que nos ofrecen una cerveza, un pincho de tortilla, un asiento y un rato para charlar. Desde ese momento percibimos que estos chicos de poco más de 25 años son diferentes. Humildes, honestos, cercanos y talentosos. Aquí arranca la base musical, las referencias: la rumba de Los Chichos y los Estopa, el recuerdo extremeño de Los Chunguitos, el Vengo de mi Extremadura del Porrina de Badajoz, los buitres negros de Extremoduro, el rock nacional de toda la vida, la música electrónica de alguna rave… y mezclan todo eso, de forma “auténtica”, en una propuesta que denominan la madera con lo electrónico y el autotune con el rock and roll.

    “Lo primero es ser agradecidos. Esto que nos pasa… no es normal”

    Cuando se sientan a hablar lo hacen sin pose, sin prisa. “Intentamos ser conscientes de que lo que nos está pasando no es lo normal”, dice Carlos. “Lo primero es agradecerlo. Lo segundo, no perder la cabeza”. Ellos lo llaman ida y vuelta.

    —Juan: “Estuvimos una temporada en Madrid. Moverse, tocar, ver cosas, crecer. Pero siempre quisimos volver aquí. Al final te das cuenta de que desde la tierra también se puede construir”.
    —Víctor: “Y que además hace falta. Porque si no hay bandas que apuesten por quedarse, todo se muere”.

    Un directo que es un estallido: bestial, potente y sin frenos

    El concierto que ofrecieron esa noche —y el del día anterior— es de los que se quedan clavados en la memoria colectiva. Lo dicen quienes van por primera vez y quienes repiten. Lo dicen los chavales y lo dicen los veteranos que han visto pasar décadas de música extremeña.

    Apenas llevan unos meses sonando en el mapa nacional y, sin embargo, ocurre algo difícil de explicar: todo el público corea los temas como si pertenecieran a la vida de todos desde hace años. Hay una comunión casi instantánea. Canto, salto, manos arriba, gente de todas las edades —niños, veinteañeros, familias enteras, jubilados— compartiendo un rato que es más que un concierto: es desconexión, un paréntesis luminoso en medio de lo que pasa en el mundo.

    Y es que el directo de Sanguijuelas del Guadiana es una máquina perfectamente engrasada: Sonido trabajado al milímetro, una banda sólida, que no pierde ni el ritmo ni la complicidad, luces que acompañan y estallan en los momentos precisos, voces que rasgan y acarician según lo que toca, un ambiente de verbena moderna, donde tradición y actualidad conviven.

    La gente sale diciendo lo mismo: “No han parado ni un segundo. Han tocado a toda mecha.” Y es verdad. El concierto es un sprint emocional, un viaje sin descansos donde cada canción empuja a la que viene. No hay bajones. No hay silencios largos. No hay pausas innecesarias. Es ritmo. Es energía. Es raíz con pedal de aceleración.

    La escena extremeña: talento hay, salas no tantas.

    La conversación deriva hacia la música en Extremadura. No tardan en señalar un problema que viven y ven: las salas. Mejor dicho: la falta de ellas. Ya lo recordaba Robe Iniesta hace años al recoger la medalla de Extremadura.

    —Carlos: “En otros sitios la gente va a una sala aunque no sepa quién toca. Van a descubrir. Aquí eso no pasa tanto”.
    —Juan: “Y eso hace que muchos grupos se disuelvan. Empiezan, pero no tienen dónde tocar. Y si no tocas, no creces. Es imposible”.

    Lo dicen con pena, pero también con determinación. Por eso para ellos tocar en sala es casi un acto de rebeldía. No quieren caer en la lógica del concierto de pueblo donde la gente pasa, escucha dos canciones y sigue. Ellos quieren que el público vaya a verlos porque quiere, porque lo ha elegido, porque ha comprado una entrada para ello.

    —Víctor: “Para nosotros que alguien pague un ticket para venir a una sala a vernos… eso es la hostia. Eso es de verdad”.

    Un estilo que no deberían mezclar… pero han mezclado…y muy bien.

    Cuando hablamos de música, el trío se ilumina. Es como si de pronto todo encajara: de dónde vienen, hacia dónde van y por qué su propuesta funciona como funciona.

    —Víctor: “Alguien que quiera mezclar estilos que no ha mamado lo tiene complicado. Pero en nuestro caso sale solo. Es lo que hemos escuchado desde chicos”.
    —Carlos: “Queríamos hacer un disco y salió esto. Sin plan. Sin cálculo”.

    Cuando sale el tema de los referentes, todos sonríen. Sí, hablan de Los Chichos, de Los Chunguitos, de Extremoduro, del Porrina… pero hay un nombre que provoca un brillo especial: Los Cabales. El grupo de verbena de toda la vida. El que marcó a generaciones en fiestas de pueblo, carpas, plazas y ferias. El que forma parte de la memoria sentimental del terruño.

    —Juan: “Los Cabales son parte de nuestra banda sonora. Son verbena de verdad. Y eso está dentro de nosotros”.

    Esa herencia se nota, las melodías pegadizas, la alegría, el toque popular, el ritmo que invita a bailar sin pensarlo. Los Sanguijuelas lo dirigen hacia un territorio nuevo, lo digitalizan, lo llevan a la electrónica sin perder el corazón. Es la actualización de un sonido festivo, comunitario, rural… pero sin nostalgia: con futuro.

    Una pregunta inesperada de Estopa

    Antes de verlos le pedimos a José Muñoz, de Estopa, que nos mande una pregunta a los Sanguijuelas, y accede encantado y cuando les ponemos el audio se echan a reír…

    “Nosotros no podemos hacernos esta pregunta porque somos dos. Pero en un trío es clásica: ¿quién de los tres es el del medio de los Sanguijuelas?”

    …Se ríen los tres. “Esa sí que no nos la habían hecho”, comenta Juan. Y, aunque no responden, la broma se queda flotando en el camerino. Antes de lanzar la pregunta, José les recuerda que sus padres desde su casa, ven de noche las luces de la Siberia, los destellos de los pequeños pueblos que conforman esa zona de Extremadura. En cierto modo, les bendice por volver a su tierra, y desde ella, hacer música.

    Un proyecto serio que nació del desahogo

    Los Sanguijuelas tocan juntos desde los once o doce años. Era un hobby que empezaba, terminaba, resucitaba y volvía a desaparecer. Hasta que en 2023 decidieron dar un paso al frente.

    —Juan: “Habíamos hecho cosas, pero nunca en serio. En 2023 dijimos: vamos a hacerlo bien”.
    —Carlos: “Grabamos el disco un año antes de sacarlo y nos fuimos a tocar sin que hubiese salido. Eso nos dio vida”.
    —Víctor: “Y nos dejó claro que sí, que esto podía funcionar”.

    El momento del salto

    A veces parece que el éxito es una cosa grande, repentina y escandalosa. Pero para ellos ha sido más un zumbido que un estallido, algo que empezó bajito y ha ido creciendo poco a poco.

    —Carlos: “Sentimos que estamos dando un salto, sí. Pero no lo vivimos con presión. Lo vivimos con ilusión”.
    —Víctor: “Y con la sensación de que aún nos queda muchísimo por hacer”.
    —Juan: “Este es solo el primer disco. Hemos empezado ahora”.

    La sala se llena…y se entiende todo

    Cuando acaba la entrevista, las puertas se abren. La cola de fuera parece una procesión pagana. Jóvenes, mayores, familias enteras. Entran sin prisa pero sin pausa, buscando el mejor sitio. Los Sanguijuelas suben al escenario con esa mezcla de respeto y fuego. Suena la primera base: un bombo electrónico, una guitarra que recuerda al sur y una voz que parece venir directamente de una verbena de verano en mitad de la Siberia extremeña.

    Y entonces todo cobra sentido. La ida. La vuelta. El pueblo. Madrid. Lo rural. Lo electrónico. La tradición. La verbena. Extremadura arde. Sanguijuelas del Guadiana también. Y esto, claramente, no ha hecho más que empezar.

     

    Ángel Luis López / Fotografía: Félix Méndez

  • Patty Bonet «La verdadera inclusión llegará cuando la discapacidad deje de ser el conflicto de los personajes»

    Patty Bonet «La verdadera inclusión llegará cuando la discapacidad deje de ser el conflicto de los personajes»

    Hay películas que cambian una historia. Otras consiguen algo mucho más difícil: cambiar la mirada.

    El cine vive de la luz. De cómo ilumina un rostro, de aquello que decide enfocar y también de todo lo que permanece fuera del encuadre. Durante demasiado tiempo, la industria audiovisual ha dejado fuera de plano a muchas personas que forman parte de la vida cotidiana. No porque faltaran talento o historias que contar, sino porque alguien decidió que no respondían a una supuesta normalidad. Patty Bonet lleva años desmontando ese plano. Lo hace delante de una cámara, sobre un escenario o detrás de un micrófono, demostrando que la inclusión no consiste en ocupar un espacio reservado, sino en dejar de necesitarlo. Su albinismo nunca ha sido el argumento de su carrera; apenas una característica más de una profesional que ha construido su camino como periodista, actriz, presentadora y una de las voces más comprometidas con un audiovisual verdaderamente diverso.

    La encargada de conducir la gala de clausura del Festival Ibérico de Cinema. Y quizá exista cierta poesía en ello. Un festival dedicado al cortometraje, ese territorio donde nacen las historias más valientes, confía su escenario principal a una mujer que lleva años reclamando exactamente eso: personajes escritos sin prejuicios, oportunidades sin etiquetas y un cine capaz de reflejar la sociedad tal y como es, no como durante décadas se ha querido representar. Patty Bonet no quiere ser la excepción que confirma una regla. Aspira a algo mucho más revolucionario: que algún día deje de ser noticia que una actriz con albinismo presente una gala de cine, protagonice una serie o interprete un personaje cuya historia no tenga absolutamente nada que ver con su discapacidad. Ese día, dice, la inclusión habrá dejado de ser un discurso para convertirse, por fin, en una costumbre.

    Mientras tanto, sigue haciendo lo que mejor sabe hacer: subirse al escenario, encender las luces y demostrar que el talento nunca ha entendido de etiquetas.

    .…Festival Ibérico de Cinema. ¿Qué tiene que tener una gala para que no sea solo una entrega de premios y se convierta en un espectáculo con personalidad?

    Creo que, para que una entrega de premios se convierta en un espectáculo con personalidad, lo más importante es que mantenga la emoción propia de una gala, porque eso solo puede vivirse en el momento. En esta ocasión, además, el guion que ha escrito Paco, el director del festival, está muy completo y hace alusión a muchas cosas, incluida esa parte de comicidad.

    Creo que eso consigue que no sea simplemente una entrega de premios, donde se anuncia al ganador, se entrega el galardón y ya está. También tiene su parte de humor y, al final, el objetivo es que la gente se lo pase bien, mientras los participantes de la sección oficial viven esa emoción de descubrir si han sido premiados. Esa incertidumbre, ese «a ver si hay suerte y puedo subir a recoger el galardón», es lo que hace especiales estas noches. La emoción que se respira cuando se conocen los ganadores es única.

    Lo ideal sería que hubiera personajes con discapacidad interpretados por actores con discapacidad y que sus conflictos fueran los mismos que los de cualquier otra persona: no llegar a fin de mes, haber roto con la pareja… Que la discapacidad no fuera el conflicto principal del personaje.
    Eres periodista y actriz. Conoces cómo se cuentan las historias desde fuera y desde dentro. ¿Cuál de los dos mundos te parece hoy más difícil: informar o emocionar?

    La verdad es que tanto informar como emocionar es muy complicado. Las dos cosas tienen algo en común: la verdad. Hay que informar desde la verdad y emocionar también desde la verdad. Al final, son esas historias las que llegan a la gente. Tanto contar una historia desde fuera como interpretarla desde dentro tiene su dificultad, pero en ambos casos la verdad es imprescindible. Y muchas veces, todo hay que decirlo, es precisamente eso lo que más escasea.

    Durante años se ha hablado de inclusión en el cine. ¿Crees que la industria está cambiando de verdad o seguimos viendo demasiada inclusión de escaparate?

    Creo que se están dando pasos, pero siguen siendo pequeños. Al menos ahora, cuando quieren contar un personaje con albinismo, empiezan a plantearse contar con un actor o una actriz con albinismo, en lugar de poner una peluca blanca o decolorar el pelo, las cejas y las pestañas a otra persona. Pero siguen siendo personajes muy estereotipados y, casi siempre, secundarios. La industria audiovisual de este país continúa teniendo una mirada bastante cerrada y todavía existe mucha inclusión de escaparate. Hay proyectos que se venden como inclusivos, pero luego ves la película y piensas que supone un paso atrás respecto a todo el trabajo que llevan años haciendo muchas personas. El objetivo es normalizar la discapacidad, pero para llegar ahí primero hay que visibilizarla e incluirla. Y en España todavía estamos prácticamente en esa primera fase.

    Lo ideal sería que hubiera personajes con discapacidad interpretados por actores con discapacidad y que sus conflictos fueran los mismos que los de cualquier otra persona: no llegar a fin de mes, haber roto con la pareja… Que la discapacidad no fuera el conflicto principal del personaje. Aún estamos lejos de eso, pero empiezan a aparecer ejemplos como Buffalo Kids o Sorda, películas que van abriendo poco a poco ese camino. Detrás de esos proyectos hay personas que conocen la discapacidad y eso se nota en la forma de contar esas historias. Por eso animo a directores, productores y guionistas a tratar estos temas, pero siempre bien informados. Que acudan a la Academia de Cine, que cuenta con un departamento especializado y con coordinadores de acceso. Si vamos a contar estas historias, hagámoslo bien y no demos pasos atrás.

    En ocasiones parece que una persona con discapacidad tiene que demostrar el doble para obtener la mitad de oportunidades. ¿Has sentido esa presión en tu carrera?

    Sí. Creo que muchas veces a los actores y actrices con discapacidad se nos sigue etiquetando como intérpretes de segunda, cuando simplemente somos actores y actrices. Tenemos nuestra formación; la única diferencia es que, en algunos casos, la discapacidad es visible y, en otros, no. En mi caso tengo un físico considerado fuera de lo normativo, pero ¿qué ocurre? Que si nunca apareces en la pantalla, la gente seguirá viéndolo como algo poco habitual. Llevo ya casi cuatro años presentando los sorteos de la ONCE y entiendo que al principio llamara la atención ver a una persona albina en televisión. Pero cuando apareces cada noche en la pantalla, al final la gente lo normaliza. Ahí está la clave. Si hubiera más presencia de personas con discapacidad en los medios de comunicación y en la industria audiovisual, esa normalización llegaría también a la sociedad. Vivimos en una sociedad diversa y creo que el público también quiere conocer las historias de las personas que le rodean.

    Más que sentir presión, lo que he notado es que existen muchas menos oportunidades. A mí, por ejemplo, me han dicho que, por ser albina, no puedo trabajar en una serie diaria ambientada en otra época porque consideran que «no pega». Y eso resulta sorprendente, porque el albinismo es una condición genética que ha existido siempre. Esa idea hace que me cierren muchas puertas antes incluso de hacer una prueba. Al final solo puedo optar a personajes escritos pensando en alguien albino, cuando lo que yo quiero es presentarme a cualquier personaje. Si después consideran que soy la actriz adecuada, perfecto; y si no, no pasa nada. Pero quiero tener la oportunidad de optar a cualquier papel, no únicamente a aquellos en los que alguien haya decidido previamente que el personaje debe ser albino.

    ¿Qué te molesta más: que te definan antes por tu discapacidad que por tu trabajo o que todavía haya quien considere excepcional que una profesional como tú presente una gala de cine?

    Todavía hay personas que asocian discapacidad con falta de profesionalidad, con alguien amateur o sin formación. De hecho, hace apenas unos días un actor muy conocido hizo unas declaraciones en esa línea. Es verdad que muchas veces tienes que estar reafirmándote constantemente y diciendo: «No, es que yo soy profesional y me dedico a esto». Ahora, al aparecer en televisión presentando los sorteos de la ONCE, la gente ya sabe cuál es mi trabajo y no le resulta extraño que presente un evento como este.

    Pero mi ideal sería que me contrataran porque he hecho un buen casting como actriz y punto. No para cumplir una cuota. Estoy muy agradecida porque me llaman para presentar muchos actos relacionados con la discapacidad, pero todavía me hace más ilusión cuando me llaman para eventos que no tienen nada que ver con ella, como el Festival Ibérico de Cinema. Quiero pensar que me han elegido porque conocen mi forma de trabajar y quieren contar conmigo, no para ponerse una medalla diciendo que han contratado a una persona con discapacidad. Es verdad que durante la gala se habla de inclusión porque es importante hacerlo, pero no hace falta convertir mi presencia en el centro del discurso. La normalidad consiste precisamente en eso: en que yo presente una gala como cualquier otro presentador o presentadora. Por eso me hace tanta ilusión participar en esta clausura. Siento que estoy aquí por mi profesionalidad y por mi trabajo, no por mi discapacidad. Ojalá llegue el día en que eso deje de ser algo excepcional y pase a ser lo habitual.

    También debemos prestar atención a las pequeñas historias porque, muchas veces, emocionan muchísimo más que una gran producción comercial.
    El cortometraje suele ser el lugar donde nacen las ideas más arriesgadas, pero también el formato más olvidado. ¿El cine español cuida realmente a sus nuevos creadores o solo los aplaude cuando triunfan fuera?

    Creo que el cine español debería cuidar mucho más a sus cortometrajistas. Recuerdo una gala de los Goya en la que los premios al cortometraje se entregaban durante la publicidad y me pareció una falta de respeto. Es muy difícil emocionar y contar una buena historia en tan poco tiempo. Muchas veces un corto consigue llegar mucho más que una película. Además, hay cortometrajes que después se convierten en largometrajes y, personalmente, en ocasiones me ha emocionado mucho más el corto original que la película posterior. Creo que hay que darles mucho más valor. Muchas veces solo se les presta atención cuando un corto llega a los Oscar o consigue un reconocimiento internacional. Entonces todo el mundo dice: «Ah, pues debe de ser bueno». El cortometraje merece espacio por sí mismo. Es una plataforma extraordinaria para que muchos directores den el salto a otros proyectos y, además, en España tenemos una cantera magnífica. Creo que la industria todavía podría valorarlos mucho más.

    Como periodista, ¿crees que los medios siguen dedicando demasiado espacio al cine comercial y muy poco a los festivales que sostienen la creación independiente?

    Sí, porque al final el cine comercial es el que llena las salas y el que vende. Hacia ahí suelen dirigirse los medios y los periodistas. Muchas veces se dice que los festivales deberían reforzar más su comunicación o tener departamentos de prensa más combativos, pero la realidad es que, por mucho esfuerzo que hagan, lo que termina ocupando más espacio es aquello que resulta más comercial. Y es una pena, porque festivales como el Ibérico de Cinema tienen una calidad enorme en su sección oficial y, además, son preselección para los Premios Goya. Creo que deberían tener mucha más presencia en los medios. Eso también ayudaría a que el público viera más cortometrajes, los valorara mejor y, en consecuencia, la propia industria también les concediera la importancia que merecen. Todavía queda mucho por hacer. También debemos prestar atención a las pequeñas historias porque, muchas veces, emocionan muchísimo más que una gran producción comercial.

    El Festival Ibérico une a España y Portugal a través del cine. ¿Crees que compartimos una identidad cultural que todavía no sabemos aprovechar suficientemente?

    España y Portugal están muy cerca y creo que desde Badajoz esa relación se vive de una manera muy natural. Sin embargo, para muchas personas del resto de España, Portugal sigue siendo un gran desconocido, a pesar de estar al lado y de compartir tantas cosas. Creo que esa es una asignatura pendiente: estrechar mucho más la relación entre ambos países, no solo desde las zonas fronterizas, sino desde toda España. Hay que seguir fomentando esos vínculos culturales y, en ese sentido, el cine y los cortometrajes hacen un trabajo magnífico porque consiguen unir ambos territorios. Como dice el guion de la gala, el cine sirve para tender puentes en lugar de levantar fronteras. Ojalá esa idea pudiera trasladarse también al conjunto de la relación entre España y Portugal.

    ¿Qué historia echas de menos en el cine actual? Esa película que nadie parece dispuesto a producir.

    Se pueden contar tantísimas historias… Cada uno tenemos nuestros gustos. A mí, por ejemplo, me encantan las comedias románticas y creo que en España hay muy pocas realmente bien hechas. Es un género con el que nos atrevemos poco. Y, si pienso en una gran producción, me encantaría ver una película de superhéroes en la que el protagonista o la protagonista fuera una persona con discapacidad, pero que eso no se mencionara en ningún momento. O una comedia romántica en la que uno de los protagonistas tuviera una discapacidad y tampoco fuera el centro de la historia. Esa sería la verdadera normalización. Hay muchísimas historias por contar dentro de géneros que además atraen al público a las salas de cine, pero todavía existe mucho miedo y mucha ignorancia. Al final, yo también hablo desde mi experiencia. Me gustaría ver historias en las que hubiera personajes con discapacidad, pero en las que su conflicto no fuera precisamente la discapacidad.

    Cuando termine la gala y se apaguen las luces, ¿qué te gustaría que el público recordara de Patty Bonet: la presentadora, la actriz, la periodista o simplemente una mujer que ha hecho bien su trabajo?

    Me gustaría que, cuando termine la gala, la gente se marche contenta, haya ganado o no, y que disfrute de haber formado parte de la sección oficial del festival. Para mí eso es lo más satisfactorio de mi trabajo. Disfruto muchísimo presentando eventos porque, al final, estoy sobre un escenario y ahí también aflora esa parte de actriz que llevo dentro. El escenario es uno de los lugares donde más feliz soy; siento que es mi hábitat. Lo más gratificante es conseguir que alguien sentado en una butaca sonría, se olvide durante un rato de sus problemas y disfrute. La vida ya es bastante complicada. Si durante una hora y media conseguimos desconectar, reírnos y salir con una sonrisa, para mí esa es la mayor satisfacción. Ese sería mi objetivo esta noche. Si la gente se va sonriendo, sentiré que he cumplido.

    El objetivo es normalizar la discapacidad, pero para llegar ahí primero hay que visibilizarla e incluirla. Y en España todavía estamos prácticamente en esa primera fase.
    Si pudieras darle un consejo a un productor o director antes de escribir un personaje con discapacidad, ¿cuál sería?

    El primer consejo sería que se documentara. Le diría que se pusiera en contacto con la Academia de Cine y hablara con Inés Enciso, coordinadora de desarrollo, que conoce muy bien el ámbito de la discapacidad. Además, la Academia ha incorporado la figura del coordinador de acceso, una persona que se encarga de que, cuando trabaja alguien con discapacidad delante o detrás de la cámara, se cumplan todos los protocolos necesarios. Es una herramienta muy útil para documentarse, contactar con personas y colectivos, resolver dudas y saber cuál es el enfoque adecuado para un guion, independientemente del género. Sobre todo, ofrece tranquilidad al productor, al director o al guionista porque sabe que está contando esa historia de la manera correcta.

    Ha habido proyectos en los que se ha ofrecido esa ayuda y la han rechazado. Después, el resultado ha sido el que ha sido, precisamente porque no se habían documentado. Entiendo que exista miedo a la hora de abordar historias relacionadas con la discapacidad, porque siempre piensas que puedes ofender a alguien o que recibirás críticas. Pero cuando un proyecto está bien documentado y realizado de la mano de profesionales, el resultado cambia completamente. Por eso les animaría a dedicar tiempo a documentarse y a aprovechar todas las herramientas que ofrece la Academia de Cine. Es la principal institución audiovisual de nuestro país y puede ayudar muchísimo a contar estas historias de forma rigurosa. Y, sobre todo, les animo a escribirlas.

    Patty…banda sonora de tu vida…

    Me quedo con todas las bandas sonoras de cine, porque me encantan. Soy una auténtica friki de este tipo de música. He ido a conciertos de Ennio Morricone cuando aún vivía, de Danny Elfman o de Fernando Velázquez. Me dio mucha pena no poder llegar ayer al concierto de Roque Baños porque, cuando tengo que elegir qué escuchar, casi siempre termino poniendo bandas sonoras. El cine me ha acompañado durante toda mi vida y sé que seguirá haciéndolo.

    Radio, televisión, teatro o cine… ¿con qué te quedas?

    La verdad es que el escenario es lo que más viva me hace sentir. Lo siento como mi hábitat natural. También es cierto que, cuando llegas a un rodaje, la energía que se respira en el set es mágica. Esa adrenalina es casi como una droga: cuando pasa un tiempo sin vivirla, la echas de menos. Me siento muy afortunada por poder compaginar la radio, la presentación de eventos y de televisión con los trabajos que van surgiendo como actriz, tanto en el audiovisual como en el teatro. Hubo una época en la que pensaba: «Yo soy actriz y lo de presentar es algo secundario». Con el tiempo he descubierto que disfruto muchísimo de ambas facetas y que una no resta valor a la otra. No eres más actriz ni menos presentadora, ni al revés. Las personas tenemos muchas capas y yo disfruto enormemente de todas ellas.

    ¿En qué andas liada ahora mismo?

    Ahora mismo estoy participando con un pequeño papel en una serie que se está rodando y de la que, por el momento, no puedo contar mucho más. A principios del próximo año estaré en el Teatro Clásico de Madrid con una obra dirigida por el director portugués Marco Paiva. Es una coproducción con Terra Amarela y, si todo va según lo previsto, realizaremos una pequeña gira por Portugal. Además, acabo de poner en marcha una conferencia de carácter inspiracional en la que comparto mi trayectoria, los obstáculos que me he encontrado para abrirme camino como actriz y presentadora y la forma en la que he conseguido superarlos. Porque, aunque haya días difíciles y se reciban muchos «noes», cuando un sueño pesa más que los obstáculos merece la pena seguir adelante.

    Y una última. Si hoy pudieras conceder un premio honorífico a alguien del cine español por romper barreras, ¿a quién se lo entregarías y por qué?

    Se lo daría a Pedro Solís, director de Buffalo Kids. Fui a verla al cine con mi sobrina cuando tenía cuatro años y la película está inspirada en la historia de su hijo, Nico, que tiene parálisis cerebral. Lo más bonito es que, todavía hoy, seguimos hablando de esa película y seguimos hablando de Nico. Creo que la educación está en la base de todo porque ahí está nuestro futuro. Cuando un niño crece viendo películas como esta, con personajes diferentes completamente normalizados, adquiere otros referentes que en mi infancia no existían. Confío en que mi sobrina, al verla con cuatro años, empezara ya a normalizar la discapacidad, en este caso la discapacidad motriz, con total naturalidad. Por eso le daría ese reconocimiento a Pedro Solís. Me parece una película maravillosa y un ejemplo de cómo sembrar esa pequeña semilla en el público infantil para que las generaciones que vienen crezcan entendiendo la diversidad como algo completamente normal.

    ¡Que continúe el espectáculo!

    Las películas terminan cuando aparecen los créditos. Las historias capaces de transformar una sociedad empiezan, precisamente, cuando el público abandona la sala. Patty Bonet habla de cine, pero también de algo mucho más profundo: de quién merece ocupar el centro del plano. Sus respuestas no reclaman privilegios, sino la oportunidad de competir en igualdad de condiciones; no piden personajes escritos para la discapacidad, sino personajes escritos para las personas. Quizá esa sea la mejor definición de inclusión. Que un día nadie tenga que explicar por qué una actriz con albinismo presenta una gala, protagoniza una película o interpreta una heroína romántica. Que el único debate sea si emocionó, convenció o hizo bien su trabajo. Cuando ese día llegue, el cine habrá aprendido a mirar. Y, probablemente, la sociedad también.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Gema Matarranz: «Dysphoria» o cómo llevar las contradicciones de una sociedad al escenario

    Gema Matarranz: «Dysphoria» o cómo llevar las contradicciones de una sociedad al escenario

    La actriz llega al 49.º Festival Internacional de Teatro de Badajoz con «Dysphoria», un intenso monólogo de Histrión Teatro dirigido por María Goiricelaya que aborda la identidad de género, la maternidad y los conflictos sociales y legales que rodean a las personas trans. A sus 63 años, después de tres décadas sobre los escenarios, Matarranz reivindica su pasión por el oficio, el teatro como espacio para hacerse preguntas y las ganas de seguir explorando nuevos territorios interpretativos.

    Gema Matarranz tiene 63 años, lleva treinta subida a los escenarios con Histrión Teatro y asegura que todavía le quedan muchas cosas por hacer. Entre ellas, volver a la comedia, un territorio que también conoce, aunque reconoce que la profesión parece empeñada en reservarle los personajes más dramáticos. Habla con cercanía, se ríe de sí misma y confiesa, antes de comenzar nuestra conversación, que se defiende bastante mejor sobre las tablas que delante de una entrevista. Cuesta creerla. Enseguida aparecen el oficio, las ganas de contar y una relación con el teatro que, pese a los inevitables altibajos de la vida, sigue ocupando un lugar fundamental en su día a día. «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá», recuerda que le dijo a su compañera y socia Nines Carrascal. La oportunidad llegó de la mano de María Goiricelaya, dramaturga y directora con la que Histrión Teatro ya había trabajado en Nevenka. El resultado es Dysphoria, una propuesta que exige a Matarranz interpretar a varios personajes, desplazarse entre distintos tiempos narrativos y sostener prácticamente en solitario una historia que transita por la maternidad, la adolescencia, la identidad de género y los conflictos que surgen cuando la realidad familiar termina enfrentándose también a la justicia.

    La protagonista es una madre que descubre que su hija adolescente se identifica como un chico y quiere ser reconocido como Alex. A la dificultad inicial para comprender y aceptar esta nueva realidad se suma una acusación de abuso sexual contra el joven, que introduce a la familia en un complejo proceso judicial. El texto combina ficción y documentación, y evita ofrecer al espectador una respuesta cerrada. La escenografía parece sencilla: una plataforma circular giratoria y una silla. Sobre ese espacio se suceden habitaciones, conversaciones familiares, consultas y tribunales. Matarranz cambia de personajes con pequeños gestos, registros vocales y movimientos corporales. La iluminación y el sonido acompañan una narración que avanza y retrocede en el tiempo.

    La actriz llega ahora al 49 Festival Internacional de Teatro de Badajoz con una obra que ha encontrado una acogida que ella misma reconoce no haber imaginado. Durante nuestra conversación hablamos de Dysphoria, pero también de la adolescencia, de las nuevas dramaturgias, de las dificultades de mantener una compañía durante treinta años y de ese público que, algunas noches, se acerca al escenario para contarle que algo ha cambiado después de asistir a una representación.

    «Nosotros contamos. El público tiene que decidir dónde se emociona, dónde se incomoda y con qué no está de acuerdo»

    —Gema, comencemos por el principio. ¿Qué es Dysphoria y qué nos proponéis con esta obra?

    —En este caso hablamos de disforia de género. Disforia es lo contrario de euforia. La disforia de género es esa sensación de angustia, de ansiedad, que pueden experimentar determinadas personas desde pequeñas porque sienten que su identidad no se corresponde con el género que la sociedad les ha asignado. Hay muchos tipos de disforia, pero nosotros abordamos concretamente la de género.

    —La propuesta escénica resulta especialmente interesante. Una plataforma circular, una silla y una actriz que interpreta a varios personajes. ¿Cómo construís todos esos espacios y situaciones con tan pocos elementos?

    —El espacio escénico es una plataforma giratoria con una silla. Esa plataforma nos permite representar también todas las vueltas que damos a lo que está sucediendo durante la obra. A medida que gira, vamos creando distintos espacios: la casa, la cocina, una ventana, el juicio… Hay que jugar con la imaginación, pero de una manera muy cercana y sencilla. Además, tenemos un segundo círculo que permanece fijo y que es un espacio muy especial, sobre todo para el adolescente, y una zona frontal que utilizamos especialmente durante las escenas judiciales. Todo está planteado para que el público pueda seguir perfectamente la historia. De hecho, estamos haciendo funciones para adolescentes y no tienen ningún problema para comprenderla.

    —Interpretas a una madre, a su hijo, a profesionales del ámbito judicial y sanitario… ¿Cómo preparas tantos personajes y consigues pasar de uno a otro prácticamente sin cambiar de vestuario?

    —Desde el principio, María Goiricelaya y yo hablamos de utilizar la menor cantidad posible de elementos. No hay prácticamente cambios de vestuario. Solamente llevo una sudadera con capucha, que utilizo para determinados personajes. He trabajado muchísimo la voz, los registros y también el cuerpo. El propio texto está escrito de manera que cada personaje tiene un lenguaje muy particular. Para construir al adolescente, por ejemplo, me he fijado en cómo hablan los chicos de quince años, en esas pocas palabras que a veces utilizan, en los tonos que van hacia abajo, en esa dificultad para expresar lo que quieren decir. La madre, para mí, es el público. La he construido desde esa cercanía, como si yo misma fuera quien está sentado en el patio de butacas.

    Después están los personajes del juicio. El fiscal y la abogada tienen un lenguaje tan específico que prácticamente te obliga a adoptar otra disposición corporal. En un juicio, muchas veces, resulta difícil comprender lo que están contando. Entran en una discusión que parece casi ajena al niño y a su madre. Y está la psicóloga o psiquiatra, que es un personaje muy importante. Es probablemente el que más se parece a mí. Quería que fuera cercano, cálido, que acompañara todo lo que sucede. Es quien va aportando información sobre los procesos de transición, sobre la legislación y sobre muchas cuestiones que María ha documentado extraordinariamente bien.

    —La historia plantea un conflicto familiar, pero también judicial y social. ¿Buscáis que el espectador tome partido o preferís dejar abiertas las preguntas?

    —Nosotros no juzgamos. Nosotros contamos. El público tiene que decidir qué separa, qué une, con qué se emociona, con qué no está de acuerdo, dónde se incomoda, dónde quiere marcharse o dónde está deseando darme un abrazo al terminar. La historia, además, no está contada cronológicamente. Vamos hacia atrás y hacia adelante. Puedes estar en el momento en que el adolescente le cuenta a su madre lo que siente y, de repente, encontrarte en el juicio o regresar a una situación anterior. Eso permite un juego escénico maravilloso, apoyado por la iluminación, el sonido y la música. Para una actriz es un ejercicio extraordinario porque tienes que estar permanentemente situada en el momento emocional de cada personaje. Y también tiene algo de thriller. El público quiere saber qué va a pasar al final.

    —Cuando trabajamos sobre una realidad que desconocemos, a veces descubrimos que nuestras propias ideas necesitan una revisión. ¿Te ha cambiado personalmente la mirada durante este proceso?

    —Los procesos teatrales siempre te cambian. Siempre. Eso no significa que el cambio tenga que ser drástico. A veces es solamente una pequeña pincelada, pero cambia algo porque estás investigando, conociendo otras realidades y hablando mucho sobre ellas. María y yo hemos pasado muchísimas horas juntas durante los ensayos. Ella tiene una hija pequeña. Yo no tengo hijos, pero tengo muy cerca al hijo de mi compañera Nines, que tiene quince años y que me ha inspirado muchísimo para esta historia. No soy madre y, sin embargo, me he sentido madre interpretando este personaje. Supongo que en mi cabeza están mi propia madre y todas las madres que me han rodeado a lo largo de la vida.

    El conocimiento te ayuda a cambiar o, al menos, a decidir de otra manera. Y eso también le sucede al público. Recuerdo una experiencia que me emocionó muchísimo. Después de una función, mientras estábamos recogiendo el escenario, se acercó un hombre que tendría setenta y tantos años. Me dijo que quería hablar conmigo. Empezó a emocionarse y me contó que había llegado al teatro con unas ideas muy claras, muy firmes. Pero que ahora tenía que regresar a casa y pensar en todo lo que había escuchado. Me dijo que a veces había que cambiar, darle una vuelta a las cosas. Nos emocionó a todos los que estábamos allí. Me abrazó, me dio la mano y me dijo: «Menos mal que he venido al teatro».

    —También estáis representando Dysphoria ante adolescentes, precisamente en edades en las que aparecen muchas de estas preguntas. ¿Cómo reaccionan los chicos y las chicas ante la obra?

    —Hay inquietud y también cierto desasosiego porque se aborda el acoso escolar y no puedes separar unas cosas de otras. Trabajamos con adolescentes de quince, dieciséis y diecisiete años, y hay diferencias importantes entre esas edades, incluso desde el punto de vista legal. Hay jóvenes que tienen muy claro lo que sienten y que necesitan que se les permita ser como son. Otros están en un proceso de descubrimiento, intentando comprender lo que les sucede. También interviene todo lo que reciben de su entorno, de las redes sociales y de la información que tienen a su alcance. Ellos saben muchísimas cosas. Otra cuestión es cómo las filtran y de dónde procede esa información. Ahí tenemos un trabajo muy importante los adultos. Ellos no tienen la mochila de experiencias que tenemos nosotros y necesitan que los ayudemos. Pero también tienen sus derechos y hay que respetarlos. En eso soy tajante.

    —Histrión Teatro cumple treinta años y tú llevas todo ese tiempo vinculada a la compañía. ¿Qué tiene de particular este personaje dentro de tu trayectoria?

    —Tiene algo diferente porque, aunque no era completamente ajena al tema, sí lo desconocía bastante. Para mí ha sido un descubrimiento desde el punto de vista de la investigación y también de la interpretación. Histrión siempre ha tenido una tendencia hacia el teatro social, hacia un teatro de piel, comprometido con lo que sucede. Pero, además, personalmente estaba en un momento en el que le decía a Nines Carrascal: «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá». Tengo 63 años y sentía que era el momento. Me encontraba fuerte, tenía ganas y este trabajo me ha ayudado muchísimo. Tener que interpretar cinco o seis personajes, cambiar continuamente de registro y hacerlo de la mano de María ha sido una experiencia maravillosa.

    —Después de treinta años de profesión, ¿en qué momento personal y artístico se encuentra Gema Matarranz? ¿Sigue siendo el teatro el amor de tu vida?

    —Ahora mismo, aquí y ahora, sí. Sigue siendo el amor de mi vida. Ha habido altibajos, naturalmente, porque pasan muchas cosas y también tengo una vida personal. Pero quiero seguir. Quiero seguir investigando, creando, que nos dejen hablar y que el teatro sea ese altavoz que considero que tiene que ser para exponer determinadas cuestiones. Todo el mundo dice que soy una actriz trágica, pero también soy cómica. Lo que ocurre es que no tengo tantas oportunidades para demostrarlo. Me encantaría volver a trabajar desde el humor, desde la ironía, desde la ternura, y poner otros asuntos sobre la mesa. Cuando pienso en todas las cosas que me gustaría hacer, ahí tengo la respuesta. Sí, quiero continuar. Me siento fuerte y, además, con Dysphoria la profesión me está devolviendo muchas cosas. Está siendo muy amable, muy cariñosa y muy generosa con mi trabajo.

    —Precisamente hablas de la comedia y del humor como herramientas para abordar asuntos complejos. ¿Podría haberse contado Dysphoria desde una perspectiva más cómica o necesitaba este tratamiento dramático?

    —Yo creo que Dysphoria, no. Al menos, no desde mi manera de entenderla ahora mismo. Hay determinados asuntos, como la violencia de género y otras realidades muy dolorosas, que personalmente necesito abordar desde otro lugar. Eso no quiere decir que no se puedan tratar desde el humor. Seguramente alguien podría hacerlo y funcionaría estupendamente. Pero yo, aquí y ahora, prefiero hablar de estas cuestiones desde la documentación y con la intensidad que considero necesaria. Están pasando muchas cosas. Hay situaciones muy preocupantes relacionadas con la adolescencia y la salud mental. Me parece que la manera en la que estamos contando esta historia es muy oportuna. Quizá en otro momento alguien encuentre una forma de abordarla desde la comedia, quitándole hierro sin perder lo importante, pero ahora mismo yo no lo veo así.

    —Hablamos de treinta años de compañía, pero también de treinta años atravesando las dificultades del sector. ¿Cómo ves actualmente la salud del teatro español? ¿Seguimos instalados en esa eterna crisis?

    —La palabra crisis siempre ha estado asociada al teatro y seguramente continuará estándolo porque es una realidad. Otra cuestión es cómo se gestionan esas crisis, dependiendo de las administraciones, las comunidades autónomas y los gobiernos. Pero hay una parte que me alegra muchísimo. Con Dysphoria, por ejemplo, estamos teniendo bastante público. Yo pensaba que quizá el tema podía resultar poco atractivo para alguien que decide ir al teatro un domingo por la tarde. Y, sin embargo, la respuesta está siendo muy buena. Además, están apareciendo nuevas dramaturgias, dramaturgas, directoras, autoras… Hay una cantidad de gente joven extraordinaria. Tenemos una cantera de actores y actrices estupenda y también intérpretes de mi generación que nos hemos formado trabajando sobre los escenarios, junto al público. Se están haciendo espectáculos maravillosos. Todo eso ha generado una red creativa muy potente. Luego está la otra parte, la de las dificultades, que por supuesto existe. Pero el teatro es un instrumento tan fuerte, tan válido y tan potente que, si lo cuidamos, puede ser una auténtica maravilla.

    —Llegas por primera vez al Festival Internacional de Teatro de Badajoz, que celebra su 49.ª edición. ¿Qué supone para vosotros formar parte de un certamen con casi medio siglo de historia?

    —Me llevé una sorpresa enorme. Nosotros trabajamos en Extremadura con Marta, de Proyecto Cultura, que es una mujer de teatro maravillosa. Quiero nombrarla porque hace un trabajo extraordinario. Cuando me dijo que íbamos a estar en Badajoz, no me lo podía creer. Estoy feliz. Ojalá el público también salga contento, descubra a esta compañía que quizá no había visto nunca y tenga curiosidad por seguir nuestros pasos. Con eso ya vamos muy bien. Estoy muy agradecida al festival por confiar en nosotros y también a Marta por su trabajo.

    —Los festivales también pueden ser espacios para prolongar las conversaciones más allá de la representación. ¿Crees que obras como Dysphoria necesitan ese encuentro posterior con los espectadores?

    —Es muy interesante. En algunos festivales y funciones hacemos encuentros con el público. A veces alguien de la compañía participa en charlas, clases o actividades paralelas. Hay muchas posibilidades. Pero también hay que tener en cuenta cómo trabajamos las compañías. Yo llevo una gira muy apretada. Voy de Badajoz a Palencia, de Palencia a Bolaños… Y estoy encantada, pero hay jornadas en las que empezamos a montar a las nueve de la mañana. Yo participo en el montaje porque es mi compañía y también llevo la producción en gira. Montamos, me preparo, hago la función y después desmontamos. Si a todo eso le añades coloquios y actividades, a veces resulta complicado. Dicho esto, cuando hacemos campañas escolares me encanta hablar con los chavales después de la función. Pueden salirte por lugares absolutamente maravillosos. Es otra manera de conocerlos y de conocer también cómo reciben nuestro trabajo. Con Dysphoria he participado en algunos coloquios muy interesantes. Hay conversaciones que realmente merecen la pena.

    —Detrás de una actriz sola sobre el escenario hay muchas personas trabajando para que esa función pueda llegar a Badajoz y seguir recorriendo teatros. Háblame de ese equipo que sostiene Histrión Teatro.

    —Hay muchísima gente detrás. En la producción estamos Sonia Espinosa, Nines Carrascal y yo. Nines es mi socia y llevamos treinta años juntas con Histrión. Es una productora maravillosa y también está vinculada a Mercartes. Después tenemos un equipo con personas que llevan muchos años trabajando con nosotras. Está Juan Felipe, «Tomatierra», que se encarga del diseño de iluminación y del trabajo técnico. Está Álvaro Gómez Candela, mi pareja desde hace treinta y cinco años, que es un escenógrafo maravilloso. También contamos con el equipo técnico que nos acompaña en las giras. Y, por supuesto, está María Goiricelaya, que es el alma de esta propuesta.

    —¿Cómo nace vuestra relación con María Goiricelaya y qué ha significado trabajar con ella?

    —Nos conocíamos del circuito teatral, especialmente de las ferias y de nuestra relación con el País Vasco, donde trabajamos bastante. Nines ya la conocía y me animaron a leer sus textos. Empecé a leerla, fui a ver una de sus obras y pensamos que teníamos que trabajar juntas. Le propusimos hacer algo con nosotras, pero queríamos encontrar un proyecto que realmente le apeteciera, que nos acercara a su universo y en el que todas nos sintiéramos cómodas. Así surgió primero Nevenka y después Dysphoria. ¿Qué puedo decir de María? Es maravillosa. Es inteligente, alegre, cercana, tiene una capacidad extraordinaria para trabajar y para comprender lo que quiere contar. Para mí, María es una hermana.

    —Dysphoria también está recibiendo reconocimientos. ¿Cómo estáis viviendo ese recorrido?

    —Estrenamos en la Feria de Teatro de Castilla y León, en Ciudad Rodrigo, donde recibimos un premio. Después llegaron también reconocimientos en los premios del teatro andaluz. Todo eso hace mucha ilusión, naturalmente. Los premios son otra cuestión. Hay espectáculos impresionantes que nunca han recibido ninguno. Pero está bien que se reconozca el trabajo. También he sido finalista en otros premios y me hizo muchísima ilusión compartir nominación con compañeras extraordinarias. Al final, lo importante es seguir trabajando y encontrarse con el público, pero cuando la profesión reconoce lo que haces, claro que emociona.

    Al despedirnos, Gema Matarranz continúa hablando del teatro con la misma energía con la que ha recorrido sus treinta años de profesión. La gira no concede demasiadas treguas. Cada función implica desplazamientos, horas de montaje, pruebas técnicas, interpretación y desmontaje antes de volver a cargar el equipo y emprender camino hacia otra ciudad. En Badajoz la espera el escenario del López de Ayala, un teatro que visitará por primera vez como intérprete y donde presentará una obra que le ha permitido asumir uno de los retos más exigentes de su carrera. También encontrarse con un público nuevo, al que no pretende convencer de nada, sino ofrecerle una historia para que cada espectador decida qué hacer con ella.

    Willy López / Imagen Histrión Teatro

  • Sergio del Molino: «La verdad del periodista y la libertad del escritor»

    Sergio del Molino: «La verdad del periodista y la libertad del escritor»

    El escritor conversa con Willy López sobre La hija, Rosario Weiss, Goya, la paternidad, el arte y esa frontera que separa la obligación de verdad del periodista de la libertad del novelista. Una charla sin demasiada liturgia, con la Feria del Libro de Badajoz como escenario, que acaba llevando a Godoy, las majas y todas esas preguntas que la Historia dejó sin responder.

    Sergio del Molino tiene unos cuantos meses menos que yo. Generación del 79. Aquella en la que nos engañaron para ser periodistas haciéndonos creer que José Ángel de la Casa se iba a jubilar pronto después de quedarse afónico con aquel gol de Señor en el 12-1 contra Malta, o que todavía podríamos sentarnos delante de Francisco Umbral, pedirle que hablase de su libro y sustituir así a una Mercedes Milá en plena salsa televisiva. Sergio es madrileño de nacimiento y maño de adopción. Periodista, reportero, columnista, escritor, bibliófilo, amante del arte, de quienes aman el arte y habitante habitual de ese exilio librero que obliga a estaciones, aeropuertos, hoteles, restaurantes y conversaciones repetidas alrededor de los libros. Y, sobre todo, padre.

    Esto último no es un añadido biográfico cuando se habla de Sergio del Molino. La paternidad atraviesa su vida y su literatura desde La hora violeta, el libro en el que narró la enfermedad y muerte de su hijo Pablo, fallecido de leucemia con apenas dos años. Una obra durísima que terminó hablando, por encima de cualquier otra cosa, del amor entre un padre y un hijo. Después llegarían otros libros y aparentemente otros asuntos, pero la familia nunca terminó de marcharse. En La España vacía consiguió algo reservado a muy pocos escritores: ponerle nombre a una realidad que estaba ahí y que, después del libro, comenzó a formar parte del lenguaje político, periodístico y social de todo un país. La expresión escapó de sus páginas y terminó teniendo una vida propia, incluso a veces alejada de aquello que su autor había querido contar.

    Con Los alemanes, Premio Alfaguara de Novela en 2024, volvió a entrar por una pequeña rendija de la Historia para terminar hablando nuevamente de una familia. Partió de aquellos alemanes procedentes de Camerún que, durante la Primera Guerra Mundial, terminaron recalando en España, pero debajo de la gran historia volvieron a aparecer los padres, los hijos, los hermanos, las culpas, los silencios y todo aquello que una generación deja sin resolver para que lo herede la siguiente. Y ahora llega La hija. Otra vez la Historia. Otra vez la familia. Otra vez un padre. Quizá no sea casualidad.

    Escribir lo que le viene en gana

    Entre novela y novela, Sergio del Molino lleva años viviendo también en los periódicos y la radio. Escribe en El País desde hace tiempo y lo hace con una libertad bastante reconocible. Política, libros, televisión, personajes, pequeñas irritaciones contemporáneas, compañeros de profesión o cualquier asunto que considere merecedor de una columna. En definitiva, escribe bastante sobre lo que le viene en gana. Y lo hace de una manera afable, ácida y propia. Puede meter el dedo en el ojo sin necesidad de levantar la voz. Hay ironía, pero pocas veces estridencia. Y esa manera de mirar la actualidad se parece bastante a su manera de conversar. La radio ha sido otro de sus territorios. Durante años ha compartido mañanas y conversación con Carlos Alsina en Más de uno, en Onda Cero. Una relación profesional y personal que ahora cambia de formato después de que Alsina haya decidido abandonar el primer tramo informativo del programa tras once años, aunque seguirá en la emisora y en el segundo tramo de Más de uno.

    Del Molino le dedicó recientemente una columna en la que había bastante más de afecto y despedida entre compañeros que de análisis radiofónico. No perderá a Alsina, pero sí esa liturgia de comenzar el día escuchando su lectura de la actualidad. Periodismo, literatura y radio. Todas esas capas llegan también a Badajoz. Pero hemos quedado fundamentalmente para hablar de una mujer que murió hace casi dos siglos: Rosario Weiss.

    Media barba, Goya y un pacense llamado Godoy

    Sergio tiene media barba, como quien escribe estas líneas. Puede ser por hacernos los maduritos, por comodidad, en mi caso, o como cuenta en La piel, porque hay ocasiones en las que afeitarse no resulta precisamente amable con la psoriasis. Gafas oscuras de carey, pelo alborotado con algún conato de rizo y destellos canosos. Mirada afable y sonrisa tranquila que, metidos ya en faenas de retratistas del Prado, podría aparecer perfectamente en alguna litografía de tiempos del Trienio Liberal.

    La Feria del Libro nos ha puesto esta vez mesa y sillas, pero la conversación podía haber sucedido casi en cualquier otro lugar. Para Del Molino ha sido además un placer viajar hasta Badajoz y regresar a Extremadura, una tierra que conoce de anteriores visitas. Muchas de ellas han estado precisamente relacionadas con la literatura: encuentros y viajes que le han permitido conocer pueblos, paisajes y algunos de esos parajes maravillosos que convierten una presentación literaria en algo bastante más amplio. Porque los viajes alrededor de los libros terminan siendo también viajes por el territorio. Y Extremadura se presta especialmente a ello. Paisaje, patrimonio y, por supuesto, gastronomía. Esa otra manera de conocer un lugar que inevitablemente termina colándose entre una presentación y la siguiente. Esta vez toca Badajoz. Y Badajoz, cuando uno empieza a hablar de Francisco de Goya, permite sacar rápidamente de la chistera a Manuel Godoy. Pero llegaremos a él. Primero está La hija. La hija, para muchos, de Goya. Para Rosario Weiss, posiblemente un padre. Para Goya, quizá una verdadera hija, lo fuera o no biológicamente. Y para Sergio del Molino, Mariquita, después de años de lecturas, viajes, cuadros, documentos y preguntas. Más de seiscientas páginas. Dos manuscritos. Y muchas dudas.

     

    Una vida nómada de baja intensidad

    Estás en una especie de exilio literario permanente. Zaragoza por la mañana, Badajoz por la tarde, presentaciones, hoteles… ¿Cómo lo llevas?

    Lo llevo bien porque llevo mucho tiempo acostumbrado a esta vida nómada de baja intensidad, que te lleva a estar por todas partes, sobre todo por España, también un poquito por el extranjero y a veces por América.

    Del Molino reconoce que semejante rutina termina provocando situaciones extrañas.

    A veces me despierto y, como todos los hoteles son iguales, no sé dónde estoy. Incluso alguna vez salgo a la calle y todavía no sé dónde estoy. Pero más o menos llevo bien esta neurosis.

    La tarde es lluviosa y el escritor aprovecha para establecer otra de esas divisiones territoriales que tanto le gustan.

    Además de aquella España llena y vacía que contribuyó a colocar en la conversación pública, existe también una España húmeda y otra seca. En Oviedo, cuando llueve, la gente sale. Si hace sol, se marcha a tomar unas cañas. En Zaragoza, en cambio, cuando empieza a caer agua parece que está ocurriendo algo verdaderamente grave.

    Badajoz pertenece claramente a esa segunda España.

    Rosario Weiss aparece poco a poco

    La hija. No has puesto La hija de Goya. Tendrás tus motivos. ¿Cuándo aparece Rosario? ¿Cuándo surge ese chispazo? ¿En aquella sala 62A del Museo del Prado?

    Sergio del Molino niega que sus libros nazcan de iluminaciones repentinas.

    Yo no tengo momentos eureka. Tardo en darme cuenta de que estoy escribiendo los libros porque vienen de obsesiones muy añejas. Primero aparece un personaje. Después una época. Una lectura conduce a otra. Se acumulan libros, documentos, anotaciones, cuadros y viajes.

    Hasta que descubre que lleva meses, incluso años, preparando un libro sin haber decidido conscientemente escribirlo. Goya pertenece a esas obsesiones antiguas. Durante sus años universitarios en Madrid, Del Molino repartía buena parte de su tiempo entre dos lugares. El Prado y la Filmoteca.

    Yo no iba nunca a clase. No hagáis esto, bromea. Repartía el tiempo entre el Prado y la Filmoteca. Me vi todo el cine posible y me empapé mucho del Prado.

    Era otro museo. Mucho menos transitado. Podía recorrerse casi en silencio. Los pasos resonaban por las salas y los vigilantes terminaban reconociendo a aquel estudiante que regresaba una y otra vez.

    Goya siempre ha estado muy presente en mi forma de entender el mundo. Rosario Weiss fue apareciendo lentamente dentro de ese paisaje. Fue cobrando fuerza desde el asombro que me provocaba que nadie se hubiera fijado en ella. Ningún gran escritor, ningún gran director de cine se había puesto a trabajar sobre Rosario Weiss. Lo sorprendente es que todavía carezca de una gran biografía. Hay investigaciones parciales, artículos académicos, estudios y catálogos. Pero faltaba una narración capaz de reunir las piezas. Entonces el Museo del Prado adquirió La atención, el último autorretrato de Rosario Weiss, fechado en 1841.

    Y Del Molino ya estaba dentro del personaje.

    Todo el libro parte de la contemplación de ese cuadro y de intentar demostrarle al lector que lo que percibo ahí es cierto. Yo percibo inmediatamente una fuerza, un descaro. Quería convencerme primero a mí mismo de que Rosario Weiss era un personaje único y luego convencer al lector. Para eso he escrito La hija.

    Dos libros para contar una historia

    La estructura de La hija puede parecer extraña hasta que se entiende lo que Del Molino pretende hacer. Son dos libros. Y al mismo tiempo resultan indisociables.

    Es un dos por uno. Sale estupendamente la relación calidad-precio por página, bromea.

    La primera parte, Manuscrito encontrado por Juan Antonio Rascón, es ficción. Del Molino toma a un personaje histórico y le presta una voz. Rascón contempla las Pinturas Negras en París en 1878 y aquella visión despierta el recuerdo de Rosario Weiss, una mujer de la que estuvo enamorado y a la que considera injustamente olvidada. La segunda parte cambia las reglas. Es el manuscrito de Sergio del Molino. Un ensayo narrativo que comenta, cuestiona y amplía lo que acaba de contar la ficción.

    Me he dado cuenta, viajando y encontrándome con lectores, de que a la gente le gusta mucho hablar de los libros. Lees uno, lo cierras, pero quedan cosas flotando. Te apetece compartirlas, seguir investigando, ir a otros libros. Quería incorporar esa experiencia al propio libro. Yo fui escribiendo las dos partes al mismo tiempo porque me di cuenta de que tanto la ficción como el ensayo se me quedaban cortos. Si elegía solamente uno de los caminos, Rosario quedaba incompleta.

    La paternidad como territorio

    Hay palabras que en determinados escritores pesan de manera diferente. Padre es una de ellas cuando se habla con Sergio del Molino.

    La familia está siempre presente en tus obras. Evidentemente en La hora violeta, también en Los alemanes y ahora en La hija. Abordas asuntos enormes, históricos, políticos, artísticos, pero muchas veces el subsuelo termina siendo mucho más carnal, más sencillo y seguramente más complicado: las relaciones entre los miembros de una familia. La paternidad. ¿Qué te lleva una y otra vez hasta ahí?

    Porque La hija puede leerse como un libro sobre Rosario Weiss. Sobre Goya. Sobre pintura. Sobre el exilio. Sobre una mujer intentando hacerse un hueco en el mundo artístico del XIX. Pero también alrededor de una pregunta extraordinariamente sencilla: ¿Qué ocurre cuando un hombre se siente padre? Goya tiene más de setenta años cuando Rosario entra definitivamente en su vida. Ha enterrado hijos, solo Javier sobrevivió de los que tuvo con Josefa Bayeu, ha enviudado, está sordo, ha atravesado enfermedades, guerras, absolutismos, liberalismos y una España que comienza a resultarle incómoda.

    Entonces aparecen Leocadia y Rosario. Y Del Molino dirige la mirada precisamente hacia ese lugar. No tanto hacia el Goya universal como hacia Paco. El hombre dentro del pintor. El anciano dentro del genio. El posible padre detrás del apellido. Del Molino habla de los dos grandes Goyas que hemos heredado.

    Por un lado, está el francés: romántico, atormentado, pendenciero, maldito, amante de la duquesa de Alba, enemigo de las convenciones. Por otro, el Goya construido por buena parte de la tradición española: sobrio, católico, pegado a la tierra y menos fantasioso…y también bastante más aburrido.

    Pero falta un tercero. El Goya familiar. El Goya familiar tardío.

    Ahí se encuentra una de las obsesiones más interesantes de La hija. No tanto demostrar mediante una suerte de ADN literario si Rosario Weiss era biológicamente hija de Francisco de Goya, algo que probablemente nunca sabremos, sino preguntarse si Goya ejerció de padre. Quizá sea una cuestión mucho más importante. La Quinta del Sordo cambia entonces de aspecto. Deja de ser únicamente el escenario lúgubre en el que un anciano atormentado pinta algunas de las imágenes más oscuras de la historia del arte. También era una casa. Y allí vivían personas. Yo no imagino la Quinta solo como un espacio de locura, como un lugar donde Goya pierde pie con la realidad. También la imagino como un espacio de paz. Allí está Leocadia Zorrilla. Y está Rosario. La famosa «ama de llaves» siempre le había provocado sospechas. Yo pensaba: ¿por qué hay dos párrafos de Goya y uno acaba hablando del ama de llaves? No sabemos quién fue el ama de llaves de Velázquez, de Renoir, de Picasso…Si aparece en la Historia quizá sea porque no era simplemente eso.

    Y alrededor de Leocadia aparece una familia, distinta, tardía, probablemente imperfecta, pero familia.

    Creo que, si miras bien la obra, los textos y los estudios, se adivina una armonía nueva. Tiene necesariamente que estar relacionada con que Goya ha encontrado una paz que antes no tenía. Esa paz es la familia y esa paz es Rosario.

    Quizá por eso importa menos preguntar si Rosario era hija de Goya que preguntarse: ¿Goya la sintió como una hija? La sangre pertenece al historiador. El vínculo empieza a pertenecer a la literatura.

     

    Aquí también hay un malo

    Y toda familia necesita algún conflicto para convertirse en literatura. Aquí aparece Javier de Goya. El hijo legítimo.

    Aquí está la hija, pero también está el hijo. La historia tiene algo de culebrón decimonónico. Leocadia Zorrilla era prima de la mujer de Javier. Cuando Goya enviuda, su hijo descubre la relación de su padre con una mujer cuarenta años menor. Tenemos Falcon Crest de fondo. Javier teme además que aquella nueva familia pueda quedarse con parte de la herencia. Es un zote y una mala persona. Al menos así lo pinto yo.

    Después de la muerte de Goya, Leocadia y Rosario quedan prácticamente fuera de la herencia y Del Molino sostiene que Javier dificultará posteriormente la carrera artística de la joven.

    Rosario vuelve desde Burdeos. Tiene veinte años y ha recibido formación y sobre todo está relacionada con pintores franceses. Tiene talento. Pero llega a un Madrid artísticamente dominado por los Madrazo. Y Federico de Madrazo es amigo íntimo de Javier de Goya. Nada se movía en Madrid sin los Madrazo. Pese a todo, Rosario consigue abrirse camino, trabaja como copista en el Prado, da clases, recibe encargos y sobre todo retrata, es una gran retratista del Madrid romántico. Conocemos la cara de muchos personajes de aquella época gracias a ella. Lo consigue siendo mujer, y siendo joven, y teniendo buena parte del sistema artístico en contra.

    El misterio de La lechera de Burdeos

    Hay otro cuadro que acompaña toda la conversación. La lechera de Burdeos. Una obra discutida durante décadas y especialmente importante dentro de La hija. Del Molino se apoya en un estudio heterodoxo que plantea que el cuadro podría haberse realizado, al menos parcialmente, a cuatro manos; Goya y Rosario Weiss.

    Esa aproximación a la relación entre Goya y Rosario me influyó muchísimo. Algunos especialistas consideran la pintura una obra menor. Otros han discutido incluso su atribución. Otros encuentran su ejecución perfectamente coherente con el último Goya. Pero existe además un detalle. Después de la muerte del pintor, cuando Leocadia y Rosario quedan prácticamente sin nada, una de las pocas obras que conservan es precisamente La lechera de Burdeos.

    Leocadia asegura que había sido un regalo para Rosario, pero para Sergio no es un dato menor.

    Me gustaría que algún día la discusión desembocara en que cambiaran la cartela del Prado e incluyesen también a Weiss. Aunque fuera con una interrogación. Goya-Weiss. Creo que Rosario intervino lo suficiente como para plantearlo.

    Si Rosario y Leocadia aparecieran ahora

    En La hija, Del Molino llega a imaginar qué ocurriría si Rosario y Leocadia aparecieran delante de él. Después de perseguirlas durante años entre documentos, calles, cuadros y archivos.

    Supongo que las invitaría a un buen restaurante, si se dejaran. Pasaron mucha hambre y mucho frío en Burdeos.

    Pero detrás de la ocurrencia aparece una pregunta mucho más seria, tiene que ver con el oficio de escribir.

    Todos los escritores, cuando estamos atrapados en una historia, terminamos preguntándonos quiénes carajos somos nosotros para contarla. Porque escribir sobre alguien implica inevitablemente inventarlo un poco. Suponer. Imaginar. Completar huecos. Suponemos qué sentían, qué deseaban, qué les frustraba. Y podemos equivocarnos de arriba abajo.

    Entonces aparece otra cuestión. Cuando Sergio del Molino escribe sobre Rosario Weiss, ¿está escribiendo realmente sobre Rosario? ¿O sobre Sergio del Molino?… Flaubert resolvió el asunto con su célebre Madame Bovary, c’est moi.

    La frontera entre el retrato y el autorretrato es mucho más difusa de lo que parece. Rosario Weiss fue retratista y también se retrató a sí misma. ¿Hasta qué punto estoy colocándole a Rosario cosas que son mías, mis obsesiones, mis preocupaciones? Todos nuestros protagonistas somos nosotros. Pero incluso un personaje muerto hace doscientos años conserva algo que debe respetarse, su dignidad, parece que como están muertos y no pueden replicar tenemos bula, y no. ¿Con qué derecho tengo yo a especular sobre las vidas ajenas? Ese es el núcleo, el corazón de la literatura y de todo lo que hago.

    La verdad del periodista y la libertad del escritor

    Aquí aparece inevitablemente el otro Sergio del Molino. El periodista. Apenas unos días antes de nuestro encuentro había dedicado en El País una columna a Sol Gallego-Díaz. Más que un recuerdo afectuoso a una compañera y referente del oficio, era también una reivindicación de algo que en tiempos de relatos, trincheras y posverdades parece casi revolucionario: los hechos existen y el periodista tiene la obligación de demostrarlos. Y esa idea nos devuelve directamente a La hija. Porque llevamos un buen rato hablando de un libro en el que Del Molino hace justamente aquello que jamás podría permitirse en una noticia: imaginar emociones, reconstruir relaciones sin pruebas concluyentes y adentrarse en los lugares donde los documentos dejaron de hablar.

    En tu último artículo en El País, donde recuerdas a la buena de Sol Gallego-Díaz, escribes que el trabajo del periodista consiste en demostrarle al lector que lo que cuenta es cierto, más allá de cualquier interpretación u opinión. La escritura, el libro, la novela —aunque haya mucho ensayo en tus obras—, ¿te permite respirar? ¿Te permite dejarte llevar frente a esa realidad que los periodistas nos tenemos que «comer» todos los días? ¿Es tu posverdad periodística?

    Claro. Porque no es periodismo. La literatura se mueve con otros códigos. Yo defiendo que la columna es un género literario. Cuando escribo columnas no estoy ejerciendo el periodismo; estoy trasladando al periódico una faceta de comentarista desde la literatura. Mentir en una columna es un delito deontológico. Eso sí es periodismo y se debe a la verdad: hasta donde yo puedo demostrar, sé que esto es cierto y, por tanto, puedo contarlo. Fantaseo, especulo, fabulo, pero no me despego excesivamente de los hechos históricos. No lo hago por periodista, sino porque creo que la historia tiene suficientes zonas de sombra y ambigüedad como para permitirnos jugar literariamente con ella. La realidad de la que disponemos ya es lo bastante apasionante como para jugar con ella y no tener que inventarnos otra.

    Sabemos mucho de Goya. Y casi nada

    Después de miles de libros, investigaciones, exposiciones y estudios, cabría pensar que poco. ¿Cuánto queda realmente por descubrir sobre Francisco de Goya?

    Históricamente nos queda poco por saber. Es muy difícil que aparezca ahora un documento desconocido que cambie completamente lo que sabemos de Goya. Lo que tenemos es muy poquito. Goya nos resulta familiar, está en los libros, en el Prado, en los premios del cine español, conocemos perfectamente su cara, y, sin embargo, desconocemos casi todo aquello que permite conocer íntimamente a una persona. No concedió entrevistas. No escribió memorias. No sabemos exactamente qué pensaba políticamente, podemos deducirlo por sus amistades liberales, pero él nunca dejó una declaración inequívoca, tenemos documentación administrativa, facturas, encargos, cartas. Sabemos cuánto le costaban los cuadros, pero no sabemos si quería a su mujer. No sabemos hasta qué punto quería a su hijo. Vamos a seguir escribiendo muchísimo sobre Goya porque nos lo permite.

     Y apareció Godoy

    Si la conversación sucede en Badajoz, Manuel Godoy termina entrando aunque nadie lo invite. Una pregunta nos lleva hasta La maja desnuda. ¿Era realmente la duquesa de Alba?

    Con certeza, no. Existe cierto consenso alrededor de Pepita Tudó, amante de Godoy, aunque tampoco existe seguridad absoluta. Se comparan dibujos, rasgos, narices, perfiles, y cada especialista termina encontrando cosas distintas.

    La conversación deriva entonces hacia aquellas dos majas, vestida y desnuda, que estuvieron en poder del extremeño, y hacia el célebre mecanismo que supuestamente permitía mostrar una u otra pintura dependiendo de la ocasión y de quién estuviera delante. Sergio sonríe.

    Godoy tenía ese punto de refinamiento y brutalidad que lo convierte en un personaje fascinante.

    Y entonces queda lanzada la propuesta. Ya que está en Badajoz, quizá pueda quedarse unos días, rescatamos a Godoy, buscamos un manuscrito. Y tenemos libro nuevo. Del Molino tampoco parece necesitar demasiada presión…

    …Godoy es un personaje que atacaré en algún momento…me encanta Godoy…

    Quizá sea una buena manera de terminar una conversación con Sergio del Molino. Sin demasiadas conclusiones, con otro personaje esperando, otro libro posible, quizá otro cuadro y otra duda. Porque después de hablar de Rosario Weiss, Francisco de Goya, Leocadia Zorrilla, Javier de Goya, los Madrazo, La hora violeta, padres, hijos, verdad, periodismo y literatura, queda la sensación de que el verdadero territorio de Sergio del Molino no está exactamente en la novela ni en el ensayo. Tampoco únicamente en el periodismo. Está un poco antes. En ese lugar donde los hechos terminan, aparece una pregunta y todavía nadie sabe responderla.

     

  • El Brujo «Un santo triste es un triste santo…¡Qué sería yo sin el humor!»

    El Brujo «Un santo triste es un triste santo…¡Qué sería yo sin el humor!»

    Se respira tranquilidad en los instantes previos a la obra de Teresa o el sol por dentro que Rafael Álvarez “El Brujo” interpretará en lo que otra época fue el huerto del Convento de San Benito. Alcántara es una localidad que ya posee versos del maestro entre sus muros, un pueblo que acoge al dramaturgo como un paisano más, le da cobijo y lo fija con pegamento en la maqueta imaginaria donde emergen en alzados majestuosos las dos bestias arquitectónicas, el puente romano y la presa. La otra bestia, el animal del teatro, El Brujo, nos concede una entrevista, nos cede el único hueco del que dispone, llega con muy poco tiempo para actuar, llega con ropa cómoda, de lino blanco, como un yogui made in Spain, con su anahata chakra en forma de teatro, una cajita de polvo de maquillaje, un cepillo, un peine y una foto de dos de sus hijos, los más pequeños, los que le exigen verbena a cada instante. Extremadura le ofrece un terreno donde descansar, una cercanía que le permite meditar, escribir para no fregar muchos platos, un lugar donde hacer reír como propósito, un sitio escondido lleno de magia para sus textos y sus interpretaciones llenas de soledad y rebosantes de personajes que pululan por las esquinas del escenario. Una foto, la última, tras la parsimoniosa e hipnótica voz del artista, una foto con el cúbito y el radio como trípode natural, una foto de uno que fue cómico a otro que lo sigue siendo. La luz descubre que no está solo con la carmelita, la luz, como aquella que sentía en el corazón Teresa, irradia un público con lágrimas en los ojos y agujetas en el abdomen, espectadores emocionados que acompañan en un aplauso místico la verdadera esencia del teatro.

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    ¿Es Teresa o el sol por dentro la continuidad de La luz oscura de la fe?

    La obra de San Juan de la Cruz vino cuando yo ya estaba trabajando el espectáculo sobre Teresa. Entonces fue como una ampliación del tema de investigación, porque la conexión entre los dos místicos, como se sabe es muy fuerte y los dos intervienen en la misma etapa histórica en la orden del Carmelo. Esta obra vino porque me propusieron en Úbeda, que fue donde murió San Juan de la Cruz, realizar una obra sobre él para conmemorar el aniversario de su muerte. Y ya que estaba con lo de Santa Teresa, amplié el tema y me metí en la vida del Santo. Las dos las tengo en repertorio.

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    Teresa o el Sol por dentro, ¿De dónde sale este título?

    La frase es de un buen biógrafo de la Santa, pero no es exactamente así, un invierno concreto en la vida de Teresa, relata el biógrafo, que le nació un sol por dentro. Me gusto la frase y la utilice para mi obra y le hice un homenaje que es la forma elegante de plagiar a alguien….[Ríe]…además sin que se mosqué.

     

    Obra sobre una mística, sobre una mujer impregnada de meditación, quizá, y me refiero a la meditación, un apartado espiritual muy importante en tu propia vida… 

    …Evidentemente , tiene una importancia decisiva el hecho de que la meditación tal y como yo la conozco a través de las técnicas que vienen del oriente, de la India, del yoga, la tradición yóguica de la india milenaria y la oración contemplativa de la mística carmelita realmente tienen mucho que ver. Son dos caminos muy similares que persiguen el mismo objetivo: la comunión con la divinidad a través del silencio de la mente. Utilizando la supramente o la mente cósmica como diría un yogui o con Dios que te diría una mística carmelita del siglo XVI o incluso de este siglo.

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    Es posible que el lenguaje en estos países donde la meditación forma fundamental de la vida diaria esté más desprovisto de ese dogmatismo moral…

    Sin duda, es más importante la sabiduría del místico, que la moral…se llega a la  moral porque se es sabio no se llega a la sabiduría por la moralidad. En este aspecto la moralidad deja al hombre en un estado intermedio, que hace el bien y evita el mal, pero en algunos momentos, cuando se cabrea y le gusta hacer el mal, y quiere desquitarse se pregunta ¿Por qué cojones tengo que ser tan gilipollas? Ya la sabiduría no está ahí para darle una respuesta. Se queda estreñido y viene el cura y le dice que si no es así, de otra manera irá al infierno…!Pues seguiré siendo gilipollas para no ir al infierno!…[Ríe]… Conflicto interno que demuestran un lenguaje más higiénico en la sabiduría y la espiritualidad.

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    Comentas que para ti la risa debe ser un propósito… ¿Misticismo y humor están reñidos?

    [Ríe]…qué sería yo sin el humor…y un santo triste es un triste santo…esto lo dijo uno de los más grandes maestros yogui de la India, Paramahansa Yogananda…sin duda la mejor manera de demostrar que ambos aspectos, humor y meditación, se dan la mano. El sol que lleva Santa Teresa en la obra por dentro es en el lenguaje sanscrito; el anahata chakra, el chakra del corazón que es un sol, un corazón no herido, corazón que no teme a amar sin condiciones y corazón invulnerable …el sol que lleva Santa Teresa por dentro es el corazón que no tiene miedo amar.

    “El sol que lleva Santa Teresa por dentro es el corazón que no tiene miedo amar”

    Rafael, ¿Puede resultar algo complejo el llevar al público estos elementos tan espirituales en tu obra?

    No, sencillamente porque yo trabajo para la gente y vivo de esto. Ya me cuido yo de que mis obras no sean para una minoría, porque si mi trabajo no fuera para estos mil espectadores, durante estos veinte años, y fuera para quinientos, tú no vendrías.

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    ¿Se queja la gente de que siempre viene El Brujo a festivales como este de Alcántara? ¿Crees que no miran con buenos ojos que una persona esté durante dos horas, sola subida en el escenario sin parar de hablar y sin casi ningún decorado que deleitarse?

    Para que yo esté aquí hoy tengo que ser la rehostia, otro puede venir y no necesita llenar, yo cada vez que actúo tengo que superarme porque esperan mucho de mí. Es la manera de justificar mi presencia, aunque siempre habrá gente que exija otros nombres. Yo también lo diría. Los que vienen a verme hoy están aquí porque ya vieron a un hombre solo haciendo teatro encima de un escenario otros años.

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    ¿Qué supone Alcántara, Extremadura, actuar en esta tierra amante del teatro?

    Siempre que vengo aquí a Extremadura tengo muy buena onda con el público. Cáceres, Mérida y Alcántara son un lujo. Tengo muy buena conexión con estos tres festivales, con mucho público, se convierten en noches mágicas, noches que yo vivo con deleite y con sentimiento de que es un momento único.

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    “Los que vienen a verme hoy están aquí porque ya vieron a un hombre solo haciendo teatro encima de un escenario otros años”

    Del “juego de los insectos” a “Teresa o el sol por dentro” han pasado muchos años, Rafael ¿Con qué momento te quedas?

    De todas las obras que he hecho, de la última etapa me siento muy orgulloso del Evangelio de San Juan y de Teresa o el sol por dentro, del texto, de su elaboración y resultado…y en El juego de los insectos de un texto de los hermanos Kappeck y que dirigió Luis Alonso de Santos, yo hacía un papel, un protagonista dentro de esa obra, y de ahí hasta yo poder escribir e interpretar mis propios textos  ha habido mucho aprendizaje, muchas horas de teatro y mucho estudio. Si lo miras así, yo soy duro, un alumno torpe pero que le ha dedicado una enorme cantidad de horas para poder llegar a donde estoy ahora.

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    “Soy un alumno torpe pero que le ha dedicado una enorme cantidad de horas para poder llegar a donde estoy ahora”

    ¿Puede ser fruto de este esfuerzo teatral, la capacidad de evolucionar dentro de tu obra?

    Es una de las características fundamentales de lo que yo entiendo por teatro: la evolución. Hay una opinión generalizada que dice que yo me repito, y es cierto, pero me repito como en la música minimalista, que se repite siempre la melodía pero con ligeras variantes. Eso es lo que yo hago con mis obras pero al mismo tiempo también yo nunca he hecho lo mismo. Si yo hubiera hecho la Taberna fantástica y el Avaro de Moliere y me hubiera conformado con llegar a ser el protagonista, quizá sólo me tocaba esperar para hacer el Rey Lear, al año siguiente Antígona, al otro con José Carlos Plaza y al otro con Mario Gas, y así otra obra y otro personaje y vas envejeciendo y los papeles de prota son para otros, sería el abuelo del protagonista, el padre de Antígona y así hasta que un día te dicen: ¡Uy! has hecho muchos papeles…no disculpa, has hecho siempre el mismo papel: el de esperar al que le llame el director…[Ríe] …

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    …de esta manera has construido un futuro dramatúrgico a tu medida…

    Efectivamente. Cada vez que he dado un paso, el siguiente ha sido distinto.

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    ¿Y cuál será tu siguiente paso tras Teresa?

    El paso siguiente que quiero dar es escribir una obra en la que yo no haga ni de Santa Teresa, ni de San Juan, quiero hacer un texto totalmente original, sin base de personajes históricos, sin mujeres de Shakespeare, sin Homero…sino directamente un texto, ya tengo un espectáculo así que se llama Cómico, pero es solamente un show de un triste cómico que hace reír al público nada más…[Ríe]…quiero hacer lo mismo pero con un tema…

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    Entrevista. Willy López / Fotografía. Félix Méndez

  • Fernando Bonete «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros»

    Fernando Bonete «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros»

    Más apuestas que libros: una comparación incómoda

    Antes de meternos en faena con nuestro entrevistado, y sin hacer spoiler, hacemos scroll con datos a modo de trailer de la entrevista. Todo con jerga anglófona para intentar alejarnos de la semántica castellana de algo que ocurre, como una invasión silenciosa, en España.

    Hay una frase de Fernando Bonete durante la conversación que sirve para poner en perspectiva nuestra relación con la lectura: «Somos un país que gasta más en apuestas que en libros». Y la comparación, más allá de su contundencia, dibuja una diferencia considerable entre ambos hábitos de consumo. Según los últimos datos de la Dirección General de Ordenación del Juego del Gobierno de España, el gasto relacionado con el juego y las apuestas ronda los 12.000 millones de euros anuales, sumando la actividad presencial y el creciente peso del juego en línea. El gasto real de hogares y usuarios se sitúa cerca del 0,78 % del PIB español. Frente a estas cifras, el desembolso destinado a los libros resulta mucho más modesto. Los datos del Plan Estadístico del Ministerio de Cultura sitúan el gasto medio en torno a los 32,60 euros anuales por habitante, aproximadamente 80 euros por hogar. En conjunto, las familias españolas destinan a la compra de libros más de 1.580 millones de euros al año, mientras que la facturación global del sector editorial se mueve alrededor de los 3.138 millones. Las magnitudes no son directamente equiparables, gasto de los usuarios, gasto de los hogares y facturación editorial responden a indicadores estadísticos diferentes, pero permiten entender la reflexión de Bonete. En un país en el que las pantallas compiten cada día por nuestro tiempo y nuestra atención, el reto de la lectura no consiste únicamente en vender más libros, sino en conseguir que vuelvan a ocupar un espacio cotidiano. Y ahí Bonete regresa a una idea mucho más sencilla que cualquier estadística: si queremos que los más jóvenes lean, quizá lo primero sea que nos vean a los adultos con un libro entre las manos.

    Periodista, profesor, investigador, músico, divulgador literario y ahora también novelista, Fernando Bonete se ha convertido, bajo el nombre de @en_bookle, en una de las voces más reconocibles de la literatura en redes sociales. Lee más de un centenar de libros al año y los recomienda sin levantar fronteras entre la literatura popular y la considerada más exigente. Con La hija del Fénix, su primera novela, cambia de lado: quien lleva años recomendando las historias de otros se enfrenta ahora al juicio de sus propios lectores. Hay algo aparentemente contradictorio en hablar de libros en Instagram. La literatura exige tiempo, silencio y cierta lentitud; las redes sociales reclaman velocidad, impacto y apenas unos segundos de atención. Fernando Bonete ha conseguido encontrar un espacio entre ambos mundos. Detrás de @en_bookle hay un periodista y humanista, pero también un músico formado en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde se licenció en la especialidad de Violín. Profesor e investigador universitario, Bonete ha desarrollado igualmente una intensa actividad académica vinculada a la comunicación, los medios y la cultura. Como escritor ha publicado Cultura de la cancelación. No hables, no preguntes, no pienses; La guerra imaginaria. Desmontando el mito de la inteligencia artificial con Asimov; Malas lenguas. 100 anécdotas de escritores de casi todos los tiempos y Un libro para cada año de tu vida. Ahora da un paso diferente con La hija del Fénix, su primera novela, publicada por Espasa. La literatura sigue siendo el centro, pero esta vez Bonete no recomienda el libro: lo ha escrito él.

    «En redes sociales estamos compartiendo lecturas entre iguales»

    —Has conseguido algo que no parece sencillo: hablar de literatura en redes sociales sin hacerla pesada, pero también sin banalizarla. Recomiendas tanto libros accesibles como obras más complejas. ¿Dónde está el equilibrio?

    —Creo que el equilibrio pasa por saber y reconocer dónde estás y qué haces cuando hablas de libros. Cuando estás en redes sociales hablando de literatura o de cultura no estás, por ejemplo, en una clase universitaria, donde tienes que desentrañar, profundizar, analizar y reflexionar acerca de todos los detalles porque tienes una o dos horas por delante. Tampoco se trata de hacer lo mismo que puede hacer un crítico cultural en un medio más tradicional, reflexionando y analizando profundamente el fondo y lo que aporta una novela. En redes sociales se trata de conectar con la experiencia que te ha proporcionado esa novela o ese libro y con la experiencia de quienes te siguen, que son lectores como tú. No son ni más ni menos que tú: son iguales, gente a la que, como a ti, le encanta leer y que está ahí para compartir lecturas e impresiones.

    Poner la atención en las emociones y en la experiencia que te ha producido una lectura es lo que diferencia el trabajo de divulgación en redes sociales de lo que puede hacerse en medios más tradicionales o en la academia, la investigación y la docencia. Sabiendo esto creo que es más fácil encontrar el equilibrio entre la profundidad, el lenguaje más sesudo y complejo, y lo que haces en redes sociales, sin caer tampoco en la broma o en convertirlo en algo que no es.

    «Nunca utilizaría a mis hijos para conseguir alcance o seguidores»

    —Las redes sociales también desgastan y obligan a exponer una parte de la vida privada. ¿Dónde colocas tú el límite?

    —En cuanto a la relación entre las redes sociales y la familia lo tengo muy claro: no sacar a los niños nunca en redes sociales. Y tampoco aprovechar a los niños, ni nada que tenga que ver con mis hijos, para hacer números, crecer en alcance, engagement o seguidores. Lo considero un uso instrumental de las personas y, en este caso, de mi familia. He trazado una línea muy dura, pero muy clara, entre aquello que pertenece a las redes sociales y aquello que pertenece a mi intimidad.

    Del ensayo a inventar una historia

    —Has recomendado miles de páginas escritas por otros, has escrito ensayo y has investigado la literatura desde un punto de vista académico. ¿En qué momento decides: ahora quiero escribir ficción?

    —El ensayo era el modo más accesible y más fácil para mí de empezar con la escritura porque tiene mucho que ver con un trabajo universitario que es la investigación, algo a lo que estamos acostumbrados los profesores universitarios. Existe una evolución bastante clara desde el paper científico o el capítulo de un libro científico hacia el ensayo más divulgativo. Una vez que probé suerte con el ensayo, funcionó y me sentí cómodo, el siguiente paso natural era atreverme con la ficción. Además, el tema que escogí para esa primera ficción se prestaba a ello. Querer tratar sobre ella te empujaba a la hipótesis, a la invención, a la imaginación. Había que dejarla volar para construir su vida y, especialmente, la relación que mantuvo con su padre. No era suficiente con historizar. No bastaba con desentrañar el lado académico o histórico. Había que dar ese paso hacia la ficción.

    Marcela, la hija escritora de Lope de Vega

    —Y ahí aparece Marcela de San Félix, hija de Lope de Vega. ¿Qué encontraste en ella para convertirla en protagonista de tu primera novela?

    —Marcela es una escritora que no tiene nada que envidiar a otros escritores del Siglo de Oro. Es una gran escritora, pero por su condición de mujer, por su condición de hija ilegítima y por ser hija de quien era, de Lope, que conocía su talento pero no se lo reconoció, terminó quedando en la sombra. Tuvo que encerrarse en un convento para poder liberarse y poder escribir. Lo primero que me sorprendió fue descubrir que Lope de Vega tenía una hija escritora. Entre once y quince hijos, porque las cifras bailan y realmente no sabemos cuántos tuvo debido a las numerosas relaciones que mantuvo, solo una terminó siendo escritora. Que uno de los hijos del gran dramaturgo de la literatura universal fuera también escritor ya me hizo ponerme tras la pista de esta persona. Quería saber cómo escribía, qué hizo y qué relación tuvo con la literatura. Después descubrí la complicada relación con su padre. Durante muchos años Lope la mantuvo apartada de su vida y la rechazó. Y cuando finalmente entró en el hogar paterno tampoco reconoció verdaderamente su talento. Y hay un tercer elemento que me interesa especialmente: cómo, con las herramientas que tenían ella y otras mujeres de aquella época, consiguió encontrar finalmente un lugar desde el que cumplir aquello que anhelaba: escribir. Esos tres acontecimientos son los que me maravillaron de Marcela y los que me animaron a investigar su vida.

    Calderón, Cervantes y las mujeres del Siglo de Oro

    —Y alrededor de ella aparecen además algunos de los grandes nombres de nuestra literatura.

    —Sí. Hay cosas divertidísimas que solamente podían ocurrir en el Siglo de Oro, como que Marcela se enfrentara con Calderón de la Barca dentro del convento. También planteo la posibilidad de que hubiera podido encontrarse con la hija ilegítima de Cervantes y que ambas mantuvieran un diálogo sobre sus padres. Son curiosidades y posibilidades que el lector puede descubrir en la novela.

    «Lope fue un extraordinario dramaturgo, pero una persona terrible con sus allegados»

    —Tú, que además has escrito sobre la cultura de la cancelación: si Lope de Vega viviera hoy, ¿estaría tranquilamente firmando libros en una feria o terminaríamos cancelándolo?

    —Creo que estaría en una feria del libro. Cuando hablamos de cancelación dentro de una democracia liberal no estamos hablando de una cancelación dura como la que se produce en un totalitarismo, como las que hemos vivido durante los grandes terrores del siglo XX. Ahí ni siquiera habría una feria del libro en la que pudiéramos rechazar a un autor. Lope sí estaría en una feria. Otra cosa es que junto a él probablemente hubiera grupos de personas o manifestantes intentando cancelar su presentación o tratando de impedir que se produjera con normalidad. Y hay que reconocerlo: junto al hecho de que fue uno de los grandes dramaturgos de la literatura universal, fue una persona que no trató bien a su familia. No trató nada bien ni a sus esposas ni a sus amantes. Fue una persona terrible con sus allegados porque supeditaba muchas cosas a su propio logro, a su medro personal y a su afán por prosperar en la Corte.

    ¿España lee poco?

    —Hablemos de lectores. Tú manejas libros constantemente y tienes una comunidad enorme alrededor de la lectura. ¿Se lee realmente poco en España?

    —El resultado final es bastante pobre. La mayor parte de los informes muestran que aproximadamente entre un 50 y un 60 % de la población española lee cinco libros o menos al año. Es muy poquito. Somos un país en el que una familia gasta al año más dinero en apuestas que en libros. Y eso, además de duro, es muy triste. También tenemos cifras de préstamo bibliotecario muy bajas, alrededor de 1,3 libros anuales por habitante. Por tanto, si hacemos una lectura absoluta de las cifras, el resultado es pobre. Pero al mismo tiempo podemos hacer una lectura relativa más esperanzadora: durante los últimos años han crecido los índices de lectura y cada vez existe un mayor interés por la cultura y por los libros.

    Para que un niño lea, que primero vea leer

    —Una pregunta que seguramente te harán constantemente: «¿Qué hago para que mi hijo lea?». ¿Qué respondes?

    —Lo primero que pregunto es: «¿Pero tú lees?». Lo digo porque lo más habitual en casa es que nuestros hijos nos vean con el móvil en la mano y no con un libro. Y a mí también me ocurre muchas veces. La primera forma de educar es ejemplificar con nuestro propio comportamiento. El hecho de que nuestros hijos nos vieran más veces con un libro en las manos que con un móvil ya sería algo muy bueno. Al final, cuando un niño ve que tú haces mucho una determinada cosa, presupone que la haces porque es buena y, por tanto, quiere replicarla. Si nos vieran más con un libro, entenderían, y estarían en lo cierto, que leer es algo bueno.

    Cuando el recomendador se convierte en recomendado

    —Durante mucho tiempo has sido tú quien decía a los demás qué libro podía merecer la pena. Ahora recorres ferias y encuentros con lectores que llegan para hablarte de tu propio libro. ¿Qué cambia cuando estás al otro lado?

    —Lo más importante es encontrarte personalmente con los lectores. Que te cuenten qué les ha gustado y también aquello que no les ha convencido de la novela. Porque escribir también es un proceso de aprendizaje y se aprende escribiendo. Es muy ilusionante que alguien te diga: «He conectado con este personaje», «me he emocionado en este momento de la novela» o «he estado atrapado por tu historia». El hecho de que un lector conecte con tu historia es fundamental. Para mí es lo que más me emociona de estos viajes y de estos encuentros.

    Más de cien libros al año

    —Tú estás acostumbrado a leer unas cantidades que para muchos parecen directamente imposibles. ¿Cuántos libros pasan por tus manos cada año?

    —Normalmente más de cien. Hubo años de unos 130, otros de alrededor de 140. Este año, si llego a cien, será casi un milagro porque estoy escribiendo mucho. Y cuanto más escribes, casi menos lees, porque el tiempo que dedicas a una cosa se lo estás quitando a otra. Pero normalmente siempre paso del centenar de libros al año.

    El escritor que ahora recomienda Bonete

    —Con más de cien libros al año resulta complicado elegir. ¿Qué autor has descubierto recientemente y estás recomendando especialmente?

    —Thomas Bernhard. Sigue la estela de los escritores de frase larga, como pueden ser Javier Marías o Virginia Woolf, y tiene también esa complejidad y profundidad en la mezcla de ideas. Es un escritor del que estoy leyendo prácticamente toda su obra. Lo descubrí a finales de 2025 y durante 2026 he seguido leyéndolo. Es uno de esos autores que allá donde voy estoy recomendando mucho.

    De la pantalla al papel

    Fernando Bonete vive en una paradoja particularmente contemporánea: utiliza uno de los territorios asociados a la inmediatez, Instagram, para reivindicar una de las actividades que menos admite las prisas: leer. Quizá por eso su discurso rehúye la división entre lectores cultos y lectores populares. Hay libros más sencillos y libros más exigentes; clásicos y novedades; escritores capaces de cambiar nuestra manera de entender la literatura y novelas que simplemente consiguen acompañarnos durante unos días. Todos pueden encontrar su lector. Durante años, @en_bookle ha intentado precisamente provocar esos encuentros. No dictar qué debe leerse, sino hacer que alguien encuentre el libro que estaba buscando sin saber todavía que lo buscaba. Ahora la dirección de ese viaje se ha invertido. Con La hija del Fénix, Bonete ha dejado durante unas páginas el papel de prescriptor, profesor, investigador y lector para ocupar el lugar más vulnerable de todos: el del escritor que entrega una historia y espera. Y quizá ahí termina cerrándose el círculo del que hablaba al principio de la conversación. Porque después de algoritmos, seguidores, crítica, universidad, investigación y miles de libros recomendados, queda algo bastante más sencillo: un escritor, un libro y un lector que conecta con él.

     

    Willy López / Félix Méndez

  • Gala Knörr «Suave es la noche, salvaje la pintura»

    Gala Knörr «Suave es la noche, salvaje la pintura»

    La artista vasca aterriza en Arteria, en Badajoz, con «Suave es la noche»: pintura, cultura digital, memoria, cine y música para una generación que dejó de rebobinar.

    Uri Geller dobla cucharas, Ronaldo Nazario de Lima mete goles, Margarita Landi fuma en pipa, María Jesús toca el acordeón y Gala Knörr pinta. Y pinta a saco, y se deja los botes y tubos de acrílicos en pintar, y repinta telas y mucho rage against the machine de su década londinense. Todos ellos en su momento, con su estilo, su mancha, su chute, su tabaco, sus pajaritos, su inherencia con el arte, su compromiso hooligan, alejados de un kale borroka de postureo, en el quinto carajo del gamberrismo, ahuyentados del sustantivo común, masculino y abstracto. Ahí arranca Gala. Un rato Brexit para conseguir visados de arte, una artista en medio de una manifestación legal para una ilegalidad espontánea. Ahí surge la mirada de la artista, y los sudores por vomitar lo que proyectan sus ojos azules, desde Bilbao hasta Ibiza pasando por Amberes, hasta llegar, de a poquito, sorteando el calor y bicheando a sus compis en el Santa Catalina, a Badajoz, donde “Sueve es la noche” promete juerga pictórica, rave visual y una sala con las arterias bombeando sangre a todo quisqui.

    Gala Knörr, dos besos, enhorabuena por la expo y taconeo flamenco en la Plaza Alta

    No se nos olvide que antes había que rebobinar. Las canciones vivían dentro de una cinta TDK, las películas había que devolverlas al videoclub y las fotografías malas terminaban olvidadas en un cajón. Ahora no. Ahora todo permanece en algún sitio. Un videoclip, una captura de pantalla, una escena de una película, una foto subida hace quince años, un GIF, una canción, un rostro desconocido. Internet se ha convertido en el trastero emocional más grande de la historia.

    Y Gala Knörr entra ahí sin guantes. A pelo. Hay algo de Stephan Jenkins en su manera de entender la imagen: ruido, distorsión y belleza cuando aparentemente las cosas empiezan a romperse. Algo de Ewan McGregor cagando leches con el lust for life de Iggy Pop en su mollera, también, en esa generación que aprendió que la cultura podía encontrarse tanto dentro de un museo como en una canción escuchada demasiado fuerte a las cuatro de la mañana. Y algo del Dayday que saquea géneros, músicas e imágenes para construir otra cosa con los restos. Porque quizá llevemos décadas haciendo exactamente eso. Copiar. Cortar. Pegar. Recordar mal. Y llamarlo cultura.

    Knörr trabaja precisamente en ese territorio resbaladizo. Pintura, vídeo, texto, cine, música, cultura digital, memoria, deseo e identidad aparecen y desaparecen en una obra que parece preguntarse constantemente qué demonios hacemos con todas las imágenes que consumimos cada día. No pinta únicamente imágenes, pinta después de ellas. Después del videoclip, después de Instagram, del cine. Después del archivo, de David Hockney, de Barbara Kruger. Después de que millones de fotografías hayan pasado delante de nuestros ojos a la velocidad de un dedo deslizando una pantalla. Y ahí la pintura adquiere algo casi provocadoramente lento. Pararse. Mirar. Volver a mirar. Qué cosa tan extraña en 2026. Gala Knörr pertenece a una generación que ya no necesita pedir permiso para mezclar el museo con YouTube, el óleo con una captura de pantalla o la historia del arte con la cultura pop. Para comprobarlo pasen y vean su obra en ese espacio, tan potente y orgánico, que habita en una placita de un rincón de Extremadura, en Badajoz, en Santa Catalina, en Arteria.

    Willy López / Félix Méndez

  • Iris Jugo «Cáceres 2031, la Cultura puede transformar un territorio»

    Iris Jugo «Cáceres 2031, la Cultura puede transformar un territorio»

    «El patrimonio no es la piedra; el patrimonio somos nosotros y lo que hacemos con esa piedra»

    Música, violonchelista, docente, gestora cultural, investigadora, europea convencida y llegada a Cáceres casi por una concatenación de casualidades, Iris Jugo dirige, aunque prefiere hablar de coordinar y, todavía más, de equipo, una candidatura que ha conseguido colarse entre las cuatro finalistas españolas para ser Capital Europea de la Cultura en 2031. Cáceres compite, pero Jugo insiste en cambiar el verbo: esto no va solamente de competir, sino de transformar. De dejar de sobrevivir culturalmente, ganar autoestima, abrir Extremadura a Europa y conseguir que dentro de cinco años la cultura haya dejado de ser algo que sucede en determinados edificios para convertirse en una manera diferente de habitar el territorio.

    Hay personas que llegan a un puesto siguiendo una escalera perfectamente trazada y otras que aparecen allí después de recorrer media Europa con un violonchelo, trabajar con artistas en Latinoamérica y Ghana, entrar en campos de refugiados en Grecia, investigar sobre liderazgo europeo, vivir en Madrid, dar clases en un conservatorio y acabar, casi sin pretenderlo, viendo cómo anidan cigüeñas en  una terraza de la plaza de Santiago de Cáceres mientras escucha las conversaciones de las mesas de alrededor. Iris Jugo pertenece claramente al segundo grupo.

    Cuando aterrizó en Cáceres apenas conocía Extremadura. Había pasado por aquí un par de veces. No tenía familia, amigos, compromisos adquiridos ni esa cartografía invisible de nombres, instituciones, filias y fobias que acompaña inevitablemente a quien lleva toda una vida en un territorio. Llegó prácticamente virgen de prejuicios. Y aquello que podía parecer una desventaja terminó convirtiéndose en una forma bastante particular de mirar.

    En junio de 2025 comenzó a levantar una candidatura que, según cuenta, arrancó con muy poquito y con ciudades competidoras que llevaban años haciendo los deberes. Hoy Cáceres está entre las cuatro finalistas españolas que optan a convertirse en Capital Europea de la Cultura 2031. El apoyo del consistorio cacereño, las diputaciones de la región y la Junta hicieron el resto. Entre medias ha habido reuniones, kilómetros, Europa, pueblos, artistas, instituciones, adolescentes, Beethoven, ovejas, iglesias, Portugal, proyectos rurales, muchas horas sin dormir y una pequeña oficina en la que casi nadie parece tener una única función. Aquí todo el mundo hace muchas cosas. Quizá porque, desde el principio, tampoco se trataba simplemente de organizar una agenda cultural, se trataba de otra cosa…de caminar.

    «Soy música. Y este proyecto europeo tiene mucho que ver con mi propia vida»

    Antes de hablar de Cáceres 2031, ¿Quién es Iris Jugo? ¿Quién llega hasta aquí y por qué termina coordinando una candidatura europea?

    Yo soy música. Soy música profesional y sigo tocando el violonchelo. Estudié en Holanda y en Inglaterra, así que Europa forma parte de mi propia esencia. Siempre he sentido que somos muy afortunados de ser europeos. También soy docente. Cuando terminé mi etapa en Inglaterra sentí que tenía que devolver algo de lo que había recibido y lo hice a través de la enseñanza, trabajando como profesora de conservatorio. Pero muy pronto empecé también con la gestión cultural y la cooperación internacional. Creamos nuestra propia ONG y trabajamos mucho con intercambio de artistas y músicos, fundamentalmente en Latinoamérica. Después estuvimos en Ghana y acabamos trabajando también en campos de refugiados en Grecia. Más adelante fui seleccionada para un programa europeo de investigación y liderazgo que me permitió trabajar en equipos multidisciplinares internacionales sobre algunos de los grandes retos de Europa. Estuvimos en contacto con instituciones, primeros ministros, la OTAN, la Comisión Europea… y ahí empecé a profundizar mucho más en liderazgo artístico y en cómo las artes pueden intervenir en procesos sociales y políticos. Y, de alguna manera bastante extraña, todo aquello acabó llevándome hasta Cáceres.

    ¿Extraña hasta qué punto?

    Bastante. Yo estaba trabajando en un conservatorio, colaborando también con una universidad y metida en investigación. Y por coincidencias de la vida, apareció una persona de Cáceres que empezó a enviarme convocatorias y a presentarme gente de aquí. Un día me llamaron para participar en una ponencia sobre gestión cultural y fue allí donde supe que iban a sacar una convocatoria para coordinar la candidatura y fui ahí donde mi perfil podía encajar. Me presenté. Y mientras preparaba los méritos pensé: «Yo no quiero este puesto». Yo estaba muy bien en Madrid. Mi familia estaba allí, tenía conciertos, mi trabajo, había encontrado un equilibrio bastante bueno… No sentía ninguna necesidad de cambiar de vida…Y entonces gané la convocatoria. Mis dudas se disiparon en una caminata por Roma…fue allí, en una especie de conversación especial, donde decidí dar todo lo que tengo para luchar por esta candidatura.

    …Y el 18 de junio llegas a Cáceres.

    Llego, conozco al alcalde, entro en el Consejo Rector y empiezo. Había muy poquito para empezar, pero esa incipiente fase me animó a desarrollar el proyecto sin fisuras ni miedos. A principios de julio ya estábamos organizando un gran evento de presentación para intentar poner en marcha algo en lo que otras ciudades llevaban tres, cuatro o cinco años trabajando. Además, no conocía a nadie aquí. Eso también ha tenido una parte positiva. No tengo ningún primo en esta tierra ni ningún compromiso con nadie. No vengo de ningún espacio político y desde el principio dejé muy claro que no iba a trabajar para ningún color político. Esa libertad es fundamental. Soy funcionaria en otra administración. Estoy aquí porque he elegido estar y porque creo en el proyecto. Eso también te permite trabajar de una manera determinada. Aunque duermo poco, trabajo prácticamente todos los días de la semana y hay días en los que empiezo a las seis de la mañana. Es todo un reto, una motivación, es mi elección. Y lo importante es que esto ya no depende de una sola persona. Ahora existe un equipo y cada vez empieza a pertenecer a más gente.

    Escuchar Cáceres desde una terraza

    Llegas prácticamente sin conocer la ciudad ni Extremadura. ¿Eso fue un problema o terminó convirtiéndose en una ventaja?

    Creo que me ayudó porque llegué sin una visión parcelada del territorio. Tenía que identificar cuáles eran los retos de Extremadura y no tenía todavía un equipo que pudiera proporcionarme esa información. Evidentemente podía preguntar a determinadas instituciones o responsables políticos, pero sabía que aquello me iba a ofrecer una visión sesgada. Así que hacía una cosa bastante sencilla. Me sentaba sola en una terraza de la plaza de Santiago, me tomaba algo y pasaba horas escuchando lo que decía la gente de las mesas de alrededor. Fue una de mis primeras formas de entender el territorio. Después empezaron a llegar muchísimas personas. Durante los primeros meses también dediqué mucho tiempo a escuchar a artistas y gestores, a conocer sus inquietudes y, sobre todo, a explicar qué significa realmente una Capital Europea de la Cultura. Porque no se trata únicamente de disponer de recursos o de ampliar una programación, sino de construir un proyecto mucho más amplio, con una dimensión europea y una mirada a largo plazo. Creo que todavía estamos aprendiendo entre todos a entender el verdadero alcance de una capitalidad. Y precisamente para eso estamos todos embarcados en este proyecto.

    «La capitalidad no es sólo un concepto material»

    Entonces expliquémoslo para quien todavía vea 2031 como una especie de enorme festival cultural. ¿Qué se está decidiendo realmente?

    Una Capital Europea de la Cultura es un proceso muchísimo más complejo. Tienes que elaborar un bid book, un documento extremadamente preciso en el que Europa te plantea cuestiones muy concretas: por qué quieres ser Capital Europea, cuál es el concepto de tu candidatura, cómo involucras al territorio, cuál es tu dimensión europea, qué aporta la ciudad a Europa, cómo se integra el proyecto dentro de una estrategia cultural a largo plazo…Y nosotros teníamos un problema de partida muy importante: reelaborar una estrategia cultural de Cáceres. Así que hubo que hacerla. La desarrollamos, se trabajó y se aprobó en pleno. Paralelamente tuvimos que realizar el primer bid book. La introducción, por ejemplo, solamente podía ocupar tres páginas y creo que tardé dos meses y medio en escribirla. Llegamos a la versión dieciséis. Todo está extremadamente medido. Y todo se presenta en español y en inglés.

    TRANSCULTURA: EXTREMADURA CAMINA

    ¿Y cómo consigues meter Extremadura dentro de unas páginas?

    Esa era precisamente una de las grandes preguntas. Nosotros empezamos trabajando alrededor del concepto de transcultura, tomando como referencia la transhumancia. La idea es muy sencilla y, a la vez, muy profunda: no existen fronteras rígidas, aprendemos caminando y, cuando caminamos juntos y nos encontramos con otros, regresamos transformados. Queremos caminar desde Extremadura hacia Europa y desde Europa hacia Extremadura. Inicialmente trabajamos con tres dimensiones: tierra, camino y encuentro. Tierra es aquello que tenemos y hemos heredado: nuestro patrimonio material e inmaterial, nuestra identidad, aquello que pertenece al territorio. Camino es lo que necesitamos encontrar, esa diversidad, proyectos para jóvenes, trabajo intergeneracional, cooperación europea…

    Y después está el encuentro. Porque los retos que tenemos en Extremadura no son exclusivamente extremeños. Muchos son problemas compartidos con otros territorios europeos. Ahí aparecen cuestiones como los derechos culturales, la despoblación o cómo ofrecer oportunidades a los territorios rurales y periféricos. Al final, lo casi anecdótico es que haya un programa cultural. Lo verdaderamente importante es la transformación que puede provocar.

    «Tenemos que terminar con el espíritu de supervivencia»

    Hablas mucho de capacitación. ¿Qué has detectado en el ecosistema cultural extremeño?

    Que tenemos muchísimo valor, pero hemos vivido muy fragmentados y muchas veces dentro de una especie de cultura de supervivencia. Tenemos que terminar con ese espíritu. Y para hacerlo necesitamos formación y capacitación. Si el dinero no viene de un lugar tendrá que venir de otro. Tenemos que aprender a buscar recursos, a colaborar, a trabajar con Europa, a generar redes. Y necesitamos dejar espacio a los jóvenes. Eso es fundamental. Una de las líneas en las que estamos trabajando es Generación 31. Los adolescentes que ahora tienen doce o trece años serán quienes tengan veinte en 2031. Yo no puedo programar por ellos. Sería absurdo. Lo que puedo hacer es darles herramientas, capacitarlos, escucharlos y conseguir que sean ellos quienes formen parte de esa programación cuando llegue el momento. También estamos trabajando en diversidad. ¿Quién no aparece normalmente sobre los escenarios? ¿Quién suele ser solamente receptor de cultura, pero casi nunca protagonista? Si queremos hablar realmente de diversidad tenemos que conseguir que esas personas formen parte activa del proyecto. Pero eso requiere tiempo. Por eso necesitamos que el proceso continúe.

    NO VA DE PIEDRAS

    Cáceres tiene un patrimonio monumental evidente. Pero insistes mucho en que la candidatura no puede descansar sobre eso.

    Porque existe un malentendido enorme. Esto no consiste en decidir qué ciudad tiene las piedras más bonitas. Granada es bellísima. Cáceres es bellísima. Mérida es bellísima. Pero una Capital Europea de la Cultura no va de eso. El patrimonio no es la piedra. El patrimonio somos nosotros y lo que hacemos con esa piedra. ¿Qué significado le damos? ¿Cómo la habitamos? ¿Cómo la relacionamos con nuestro presente?

    Y para mí la candidatura de Cáceres tampoco son las instituciones, que son básicas indudablemente. Son las personas que hacen funcionar esas instituciones. Hay algo que he descubierto aquí y que quizá los extremeños no valoráis suficientemente porque estáis acostumbrados a ello: la escala humana. La manera de recibir. La amabilidad. El trato. Cuando has vivido fuera te das cuenta de que determinadas formas de relacionarnos están desapareciendo en Europa. Y eso también es patrimonio. Un artista que venga hasta aquí puede encontrarse con dificultades para llegar, evidentemente, pero cuando llegue va a descubrir silencio, espacio, paz, territorio y una determinada forma de relacionarse con las personas. Eso también tenemos que saber contarlo.

    «Cuando has vivido fuera te das cuenta de que determinadas formas de relacionarnos están desapareciendo en Europa. Y eso también es patrimonio»

    ¿Cuál ha sido la piedra más difícil de apartar durante este proceso?

    La falta de autoestima. Sin duda. Esa sensación permanente de: «Granada es más bonita», «Las Palmas se lo va a llevar» …Antes incluso de saber exactamente qué se está valorando. Tenemos que entender que Europa no está buscando simplemente una ciudad bonita. Y tenemos que empezar a reconocer el valor de lo que tenemos. También existe una distancia psicológica respecto a Europa. Cuanto más rural es un territorio, muchas veces más lejos se siente de las instituciones europeas y, paradójicamente, esos territorios han recibido enormes cantidades de fondos europeos. Ahí existe una contradicción muy interesante.

    EUROPA ANTE SUS PROPIOS RETOS

    Has vivido y trabajado en diferentes países europeos. ¿Notas una Europa más débil que hace unos años? ¿Con fisuras sociales, democráticas, con un nuevo escenario más complejo?

    Sí. Durante mucho tiempo Europa se presentó ante el mundo como la abanderada de determinados valores. Democracia. Libertad. Cultura. Derechos. Y algunos de esos valores empiezan a estar en riesgo. La democracia ya no puede darse por sentada. La cultura está fragmentada y puede ser manipulada. Tenemos artistas en determinados lugares de Europa que encuentran dificultades para expresarse y vemos cómo parte de la juventud empieza incluso a valorar modelos políticos que no representan esos principios democráticos. Si los valores que utilizábamos para definirnos empiezan a diluirse y, al mismo tiempo, Europa pierde peso geopolítico, tenemos que preguntarnos qué significa hoy ser europeos.

    Nos invitaron, a través de la Fundación Yuste, a participar en Soul for Europe, un espacio que precisamente reflexiona sobre cuál es el alma de Europa. Y de repente parece que una parte de esa responsabilidad recae sobre los artistas. Como artista, eso me interpela muchísimo. ¿Somos nosotros quienes tenemos que reconstruir una identidad europea? No lo sé. Pero sí creo que en este momento proyectos como las Capitales Europeas de la Cultura son más necesarios que nunca. No solamente importantes. Necesarios.

     

    CÁCERES, ÉVORA Y UNA FRONTERA QUE DEBERÍA DEJAR DE SERLO

    Para nosotros, desde Badajoz, Portugal forma parte prácticamente de la vida cotidiana. ¿Dónde aparece Portugal dentro de Cáceres 2031?

    Portugal es uno de nuestros grandes aliados. Y Évora especialmente. Desde el principio hemos intentado que aquello que escribimos en la candidatura tenga una experiencia real detrás. No queremos decir en un documento que somos europeos si previamente no hemos trabajado con europeos. Uno de los proyectos que hicimos fue reconstruir la Novena Sinfonía de Beethoven, que contiene el himno europeo. Si estamos diciendo que Europa necesita repensar sus valores, pensamos: reconstruyamos simbólicamente la Novena. Dividimos sus movimientos y uno de ellos se lo entregamos a jóvenes músicos de Évora. A partir de ahí surgió una relación muy bonita. Fuimos a Évora, conocimos al equipo de su Capital Europea de la Cultura y hoy existe una colaboración muy estrecha. Portugal no puede ser un añadido decorativo. Está ahí. Compartimos territorio, problemas, recursos, patrimonio y muchísimas posibilidades. Tenemos que dejar de mirar siempre hacia Madrid y empezar a mirar también hacia aquello que tenemos a unos kilómetros.

    «La cultura es un poder blando»

    Pero esa conexión entre Extremadura y Portugal lleva décadas apareciendo en discursos políticos y, sin embargo, sigue sin desarrollarse plenamente.

    Porque seguimos dejando demasiadas cosas exclusivamente en manos de la política. La cultura funciona de otra manera. La cultura es un poder blando. Y somos nosotros quienes tenemos que generar los movimientos. Después las instituciones pueden acompañarlos. No podemos esperar siempre a que alguien desde arriba decida que ahora toca colaborar. Los proyectos tienen que surgir de artistas, gestores, universidades, medios, asociaciones, ciudadanía… Y después conseguir que las instituciones los hagan posibles.

    A veces desde la cultura nos quejamos de que un concejal no nos escucha. Pero quizá ese concejal tiene quinientas cosas encima, ochocientas llamadas y tú has llegado con un proyecto que consideras maravilloso pero que no has sabido explicar en cinco minutos. Tenemos que sentarnos unos al lado de otros. Entendernos. Los artistas también debemos estar cerca de la política porque, si no, corremos el riesgo de convertirnos únicamente en personas que se quejan de aquello que debería ocurrir. La pregunta entonces es: ¿Qué estás haciendo tú para que ocurra?

     

    UN MERCADO VACÍO PARA VOLVER A LLENARLO DE VIDA

    Frente a otras candidaturas que presentan grandes infraestructuras nuevas, vosotros habláis de regenerar espacios.

    Exactamente. No queremos que todo consista en volver a poner hormigón. Detectamos, por ejemplo, que necesitábamos espacios y localizamos el Mercado de Abastos, que tiene zonas sin uso. Estamos trabajando para que forme parte del proyecto de capitalidad. Eso significa regenerar, reactivar, volver a darle vida a algo que ya existe. Los artesanos y comerciantes que están allí pueden beneficiarse, los artistas pueden disponer de nuevos espacios y la ciudad recupera un edificio. Eso representa mucho mejor nuestra filosofía que construir algo desde cero simplemente para poder decir que tenemos un edificio nuevo.

    UN EQUIPO DONDE SE TRABAJA EN EQUIPO

    Hablas continuamente del equipo y muy poco de ti.

    Porque el proyecto no soy yo. De hecho, una de las cosas particulares de nuestra candidatura es que no tenemos un director artístico. Tenemos una curaduría colectiva. Hay varias personas trabajando y construyendo conjuntamente el concepto y la programación. ¿Es más difícil? Muchísimo. Porque cuando existe una única persona que decide, llega un momento en el que dice: «Esto es lo que hay». Nosotros necesitamos discutir, contrastar, consensuar. Requiere muchísimo más tiempo. Pero creo que al final también genera un proyecto mucho más rico.

    Yo vengo de estudiar y trabajar en lugares donde las estructuras son bastante más horizontales. Cada persona tiene una especialización y tiene que liderar aquello que conoce. Si alguien está llevando un proyecto, esa persona tiene que explicarlo públicamente, salir en la fotografía y asumirlo. No tengo que aparecer yo siempre. Eso también nos ha costado aprenderlo y explicarlo. Pero ahora empieza a suceder.

    CUATRO FINALISTAS. UNA CIUDAD. CINCO AÑOS.

    Cáceres ha llegado hasta aquí. De las ciudades españolas que comenzaron el camino hacia 2031 quedan cuatro candidaturas finalistas. Ahora llegará otro bid book, otra defensa, otra habitación con expertos delante y unos minutos contados para condensar años de trabajo, territorio, cultura y Europa.

    ¿Qué sensación tienes ante la decisión final?

    Que estamos preparados. Después hay muchísimos factores. Está lo que escribes en el bid book, que en nuestro caso creo que es muy honesto. Lo que ves es lo que hay. Después tienes que ser capaz de explicárselo al panel de expertos. Tenemos 45 minutos de intervención y otros 45 de preguntas. Es poquísimo tiempo para contar todo esto. Así que no depende solamente de lo que hayas escrito. Depende también de la capacidad de emocionar, explicar, condensar y conseguir que las personas que tienes delante comprendan lo que quieres hacer. Pero siento que el movimiento existe. Es potente. Y si tenemos la oportunidad de desarrollarlo durante estos cinco años creo que podemos construir una Capital Europea de la Cultura muy especial.

    Porque estamos buscando capilaridad. Que haya proyectos en Cáceres, pero también en otros lugares de Extremadura, que el territorio forme parte, que los jóvenes formen parte, que las personas que normalmente no ocupan los escenarios suban a ellos y que todo esto no termine siendo solamente una programación cultural en 2031. Eso sería lo menos interesante. Lo importante será comprobar qué ha cambiado cuando lleguemos hasta allí.

    LA CULTURA ES EL CAMINO

    En la oficina de Cáceres 2031 todavía faltan cosas. Iris Jugo recuerda que llegaron sin ordenador, sin equipo y casi sin espacio; que han aprendido mientras corrían y que, frente a candidaturas con años de ventaja, aquí muchas veces ha tocado construir mientras ya estaban caminando. Quizá por eso eligieron precisamente ese verbo. Caminar. La transhumancia convertida en transcultura. Salir, atravesar territorios, encontrarse con otros y regresar diferente. Cáceres quiere ser Capital Europea de la Cultura en 2031, pero Iris Jugo parece mucho más interesada en otra pregunta: qué Cáceres, qué Extremadura y qué Europa encontraríamos al final del camino si realmente utilizáramos estos cinco años para cambiar algo.

    Porque la piedra seguirá allí. Las murallas seguirán allí. Las torres, las plazas, los palacios y las iglesias seguirán donde llevan siglos. Lo complicado es conseguir que alrededor de ellas sucedan cosas. Que un adolescente de trece años descubra que en 2031 también puede decidir qué cultura quiere. Que un artista europeo termine trabajando en un pueblo extremeño que no sabía situar en el mapa. Que un mercado vacío vuelva a tener voces. Que Évora deje de parecer otro país cuando está a un paseo de nuestra frontera. Que Badajoz, Cáceres, los pueblos, Portugal y Europa puedan formar parte de una misma conversación sin pedir permiso continuamente a la geografía. Y, sobre todo, que Extremadura deje de mirarse desde abajo.

    Iris Jugo lo resume casi sin pretenderlo cuando identifica la mayor dificultad que ha encontrado desde que llegó: la falta de autoestima. Quizá 2031 empiece precisamente ahí. No el día que un jurado pronuncie el nombre de una ciudad. Mucho antes. En el momento en que un territorio deje de preguntarse si es suficientemente bueno para Europa y empiece a preguntarse qué puede aportar él a Europa. Entonces la piedra deja de ser decorado. La frontera deja de ser raya. Y la cultura, efectivamente, se convierte en camino.

    Willy López / Félix Méndez