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«Es una ciudad extraña, porque cuanto más feo el tiempo, más hermosa la ciudad» Rem Koolhaas

  • Arturo Pérez-Reverte «La guerra a través de los ojos de quien estuvo allí»

    Arturo Pérez-Reverte «La guerra a través de los ojos de quien estuvo allí»

    La Sala Europa de Badajoz acoge ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’, una exposición que recupera la faceta menos conocida del escritor y periodista a través de 42 imágenes tomadas durante sus años como reportero en conflictos internacionales. La muestra, producida por La Fábrica, podrá visitarse hasta el 31 de enero de 2027.

    Antes de que Arturo Pérez-Reverte construyera algunos de los personajes más reconocibles de la literatura española contemporánea, antes de que el capitán Alatriste recorriera las calles del Madrid del Siglo de Oro o de que Lorenzo Falcó se moviera entre las sombras de la Guerra Civil, hubo otro Pérez-Reverte que recorrió el mundo con una libreta, una cámara fotográfica y la necesidad de contar aquello que estaba sucediendo. Durante más de dos décadas, el escritor cartagenero fue testigo de algunos de los conflictos armados que marcaron la segunda mitad del siglo XX. De aquella experiencia, que acabaría impregnando buena parte de su universo literario, nace ahora una exposición que permite acercarse a su trabajo desde una perspectiva menos conocida: la del fotógrafo de guerra.

    La Sala Europa de Badajoz acoge desde este viernes, 13 de noviembre, ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’, una muestra integrada por 42 fotografías y una pieza audiovisual procedente del archivo de RTVE que recupera parte de la memoria profesional de quien, durante veintiún años, ejerció el periodismo en algunos de los escenarios más convulsos del planeta. Producida por La Fábrica, la exposición reúne imágenes tomadas durante una década de viajes, conflictos y coberturas informativas, en las que la guerra aparece a través de sus consecuencias más inmediatas: la destrucción, los desplazamientos, la incertidumbre y la convivencia cotidiana con la violencia. Fotografías que nos trasladan a lugares y acontecimientos concretos, pero que, al mismo tiempo, nos devuelven una imagen reconocible de nuestro presente.

    El ser humano dentro de la guerra

    Hay una reflexión del propio Pérez-Reverte que permite entender el sentido de esta exposición: su intención no era fotografiar la guerra, sino «al ser humano dentro de ella». Una distinción que sitúa el foco de su trabajo en quienes padecen, protagonizan o sobreviven a los conflictos, en esas vidas que continúan desarrollándose mientras todo cuanto las rodea parece desmoronarse. En las fotografías reunidas en la Sala Europa hay ruinas, escenarios de enfrentamientos, rostros y silencios. También hay una voluntad de aproximarse a la realidad sin convertirla en un espectáculo, de documentar lo que sucede desde la cercanía de quien comparte, aunque sea temporalmente, el espacio y las circunstancias de las personas a las que fotografía.

    La condición de testigo resulta fundamental para comprender estas imágenes. Pérez-Reverte no llegó a aquellos lugares con la perspectiva retrospectiva de quien reconstruye un acontecimiento histórico, sino con la urgencia del periodista que necesita entender qué está ocurriendo mientras los acontecimientos todavía se están desarrollando. Esa inmediatez, inherente al oficio de reportero, proporciona a las fotografías una dimensión documental que el paso del tiempo no ha debilitado.

    Durante la inauguración de la muestra, el secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, José Luis Gil Soto, acompañado por Marcos de la Fuente, responsable de Desarrollo de Exposiciones de La Fábrica, destacó precisamente esa capacidad de las imágenes para interpelar al espectador y acercarlo a la fragilidad de la condición humana. Gil Soto incidió en la necesidad de recuperar una mirada más pausada y consciente en una sociedad sometida a un flujo constante de imágenes. Frente a la velocidad con la que consumimos hoy las noticias y las fotografías de los conflictos internacionales, la exposición propone detenerse ante cada escena, atender a sus detalles y tratar de comprender la historia que existe detrás de ella.

    Del diario Pueblo a los informativos de Televisión Española

    Arturo Pérez-Reverte (Cartagena, 1951) dedicó veintiún años de su vida al periodismo, entre 1973 y 1994. Durante doce años trabajó como reportero en el diario Pueblo y otros nueve en los servicios informativos de Televisión Española, donde se especializó en la cobertura de conflictos armados. Su trayectoria profesional constituye un recorrido por algunos de los episodios más complejos de la historia reciente. La guerra de Chipre, las distintas fases del conflicto del Líbano, Eritrea, el Sáhara, las Malvinas, El Salvador, Nicaragua, Chad, Mozambique o Angola forman parte de una experiencia que, en sus últimos años como reportero, le llevaría también a la revolución rumana, la guerra del Golfo y los conflictos de Croacia y Bosnia.

    Fueron años en los que el periodismo internacional dependía, en buena medida, de la presencia física del corresponsal sobre el terreno, de su capacidad para acceder a los acontecimientos, interpretar lo que estaba viendo y transmitirlo a una sociedad que, en muchos casos, apenas tenía otras vías para conocer lo que sucedía a miles de kilómetros de distancia. La exposición permite recuperar también esa dimensión del oficio a través de una pieza audiovisual cedida por RTVE, que complementa el conjunto fotográfico y devuelve al espectador al Pérez-Reverte de las crónicas televisivas. Su voz, sus intervenciones desde los escenarios de los conflictos y las imágenes de archivo amplían el contexto de una trayectoria profesional que terminaría en 1994, cuando decidió dedicarse plenamente a la literatura.

    Conviene distinguir, no obstante, entre el periodo al que pertenecen las fotografías expuestas, de 1974 a 1985, y el conjunto de su carrera periodística, que se prolongó durante casi una década más y que incluye acontecimientos posteriores como las guerras de Irak y Bosnia.

    De la experiencia del reportero a la memoria del escritor

    Resulta especialmente interesante acercarse a esta exposición desde la literatura. Quienes han seguido la trayectoria narrativa de Pérez-Reverte encontrarán en estas fotografías parte del territorio vital del que se alimentan muchos de sus libros: la convivencia con el peligro, los códigos de lealtad, la amistad, la supervivencia, el desencanto y las contradicciones del comportamiento humano en situaciones extremas. La experiencia de la guerra ocupa un lugar importante en su producción literaria. De manera particularmente explícita en Territorio comanche (1994), donde el escritor reconstruye el ambiente, los riesgos y las relaciones personales entre los reporteros que cubrieron la guerra de los Balcanes, pero también en novelas como El pintor de batallas (2006), protagonizada por un antiguo fotógrafo de guerra que se retira a pintar un mural en el que pretende condensar su experiencia y su conocimiento de la violencia humana.

    Esta última obra establece un vínculo especialmente sugerente con la exposición que ahora llega a Badajoz. En ella, Pérez-Reverte aborda cuestiones relacionadas con la responsabilidad del fotógrafo, la distancia entre quien observa y quien sufre, las consecuencias de una imagen y la memoria de aquellos acontecimientos que permanecen en quien los ha presenciado. La fotografía y la escritura comparten, en este sentido, una misma necesidad de ordenar la experiencia y transmitirla. Mientras el escritor dispone de las palabras para construir una escena, el fotógrafo trabaja con la luz, el encuadre y la elección de un instante. En ambos casos existe una selección, una manera de mirar y una decisión sobre aquello que merece ser contado.

    Desde El maestro de esgrima o La tabla de Flandes hasta El club Dumas, las aventuras del capitán Alatriste o la trilogía protagonizada por Lorenzo Falcó, Pérez-Reverte ha construido una extensa obra literaria traducida a más de cuarenta idiomas. En 2003 ingresó en la Real Academia Española con el discurso ‘El habla de un bravo del siglo XVII’. Sin embargo, en la Sala Europa, el visitante tiene la oportunidad de regresar a una etapa anterior a ese reconocimiento literario, cuando el oficio de contar historias exigía al autor desplazarse hasta los lugares donde estas estaban sucediendo.

    La vigencia de unas imágenes

    Han transcurrido más de cuarenta años desde que Pérez-Reverte tomó las últimas fotografías que integran esta exposición. Los escenarios internacionales han cambiado, algunos de aquellos conflictos han desaparecido de los titulares y otros han dejado heridas que todavía condicionan la vida de varias generaciones. Sin embargo, muchas de las situaciones que muestran las imágenes siguen formando parte de nuestra actualidad.

    La destrucción de ciudades, el desplazamiento de poblaciones civiles, la pérdida de hogares y la incertidumbre de quienes sobreviven a los enfrentamientos armados establecen una conexión inevitable entre estas fotografías y las imágenes que recibimos diariamente de los conflictos contemporáneos. Esa relación con el presente otorga a la exposición una dimensión que trasciende el interés histórico o biográfico. Nos permite reflexionar sobre cómo hemos aprendido a mirar la guerra, sobre el papel que desempeñan los medios de comunicación en la construcción de nuestra percepción de los conflictos y sobre la facilidad con la que el sufrimiento ajeno puede acabar convertido en una imagen más dentro de la sucesión de noticias.

    En ese contexto, la recuperación del archivo fotográfico de Pérez-Reverte supone también una reivindicación del periodismo sobre el terreno, de la importancia del testimonio directo y del trabajo de aquellos profesionales que han contribuido a documentar acontecimientos cuya memoria, sin sus crónicas y fotografías, sería necesariamente más incompleta.

    La Sala Europa, un espacio para la reflexión

    La llegada de ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’ a Badajoz forma parte de la programación expositiva estable de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, desarrollada a través de su circuito de espacios dedicados a las artes visuales. Junto a la Sala Europa, forman parte de esta red la Sala Santa Julia de Mérida y el Palacio de los Moctezuma-Toledo, sede del Archivo Histórico Provincial de Cáceres. Una programación que combina proyectos de artistas extremeños, producciones propias de la Administración y colaboraciones con entidades externas, como La Fábrica, responsable de esta exposición.

    La incorporación de propuestas de estas características permite ampliar el diálogo entre la creación artística, la memoria histórica, el periodismo y la sociedad, acercando al público extremeño trabajos que ofrecen diferentes formas de interpretar la realidad. Hasta el próximo 31 de enero, la Sala Europa ofrece la posibilidad de recorrer una parte de la historia reciente a través de la mirada de un periodista que estuvo allí. Un conjunto de fotografías que permite conocer mejor al reportero que precedió al novelista y comprender hasta qué punto aquellas experiencias contribuyeron a configurar su manera de entender el mundo.

    Quizá, al abandonar la exposición, el visitante vuelva a encontrarse con alguna de las imágenes de guerra que aparecen a diario en nuestros teléfonos, en los informativos o en las portadas de los periódicos. Y quizá entonces, después de haber recorrido estas cuatro décadas de memoria fotográfica, dedique unos segundos más a mirar el rostro de quienes aparecen en ellas.

    Datos de la exposición

    • Título: ‘Fotografías de Guerra. 1974-1985’.

    • Autor: Arturo Pérez-Reverte.

    • Lugar: Sala Europa, Badajoz.

    • Fechas: del 13 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027.

    • Contenido: 42 fotografías y una pieza audiovisual del archivo de RTVE.

    • Producción: La Fábrica.

    • Organización: Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura.

  • MAE 2026 «Tres días para descubrir los nuevos caminos de las artes escénicas»

    MAE 2026 «Tres días para descubrir los nuevos caminos de las artes escénicas»

    La undécima edición de la Muestra Ibérica de Artes Escénicas reúne del 10 al 12 de noviembre a quince compañías de España y Portugal, con un destacado protagonismo de la creación extremeña, dos estrenos y una programación que combina teatro, danza, circo y encuentros profesionales. Cerca de 1.200 propuestas presentadas reflejan el creciente interés por una cita que impulsa la circulación de espectáculos, el intercambio cultural y las oportunidades de futuro para el sector.

    Durante tres jornadas, el teatro, la danza, el circo y los títeres comparten escenarios, conversaciones y espacios de trabajo en la undécima edición de la Muestra Ibérica de Artes Escénicas (MAE). Una cita que, desde su nacimiento en 2016, ha ido consolidando un lugar de encuentro entre quienes crean espectáculos, quienes los programan y quienes finalmente se sientan frente al escenario para disfrutarlos. Del 10 al 12 de noviembre, Cáceres vuelve a acoger esta reunión de la escena ibérica, en la que participan compañías procedentes de diferentes comunidades autónomas españolas y de Portugal, con una programación que combina la creación contemporánea, la recuperación de los clásicos y la exploración de nuevos lenguajes artísticos.

    La MAE tiene una particularidad que explica buena parte de su importancia: no se limita a ofrecer una sucesión de representaciones. Su programación combina la exhibición artística con encuentros comerciales, presentaciones de proyectos, actividades formativas y conversaciones profesionales. Para las compañías supone la posibilidad de mostrar sus trabajos ante responsables de teatros, festivales y circuitos de distribución; para los programadores, una oportunidad de conocer nuevas producciones y establecer contactos; y para el público, la posibilidad de acercarse a propuestas escénicas de procedencias, lenguajes y sensibilidades muy diferentes. Organizada por la Asociación de Gestoras y Gestores Culturales de Extremadura (AGCEX) y el Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura (CEMART), de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, la muestra mantiene una atención especial a las compañías extremeñas y portuguesas, sin perder de vista el conjunto de la creación nacional e internacional.

    Una muestra que crece y mira más allá de sus escenarios

    Las cifras de esta undécima edición reflejan el interés que despierta la convocatoria. Cerca de 1.200 propuestas artísticas se han presentado para participar en la MAE 2026, frente a las 956 registradas el año anterior. El incremento, próximo al 25 %, confirma la capacidad de convocatoria de un encuentro que ha ido ampliando su alcance desde sus primeras ediciones. En sus diez primeros años, la muestra ha recibido 6.186 propuestas artísticas y ha acreditado a 3.310 profesionales de las artes escénicas. Durante ese periodo se han exhibido 163 espectáculos, más de la mitad de producción extremeña, mientras que a las compañías españolas y portuguesas se han sumado propuestas procedentes de países como Colombia, Brasil, México, Argentina, Cuba, República del Congo, Francia o Bélgica.

    Estos datos permiten entender la dimensión de la MAE dentro del sector. En un ámbito en el que la distribución y la continuidad de las giras constituyen desafíos habituales para las compañías, los encuentros profesionales resultan fundamentales para establecer relaciones y facilitar que los espectáculos encuentren nuevos escenarios. La edición de 2026 reúne quince compañías, con ocho propuestas extremeñas, dos portuguesas y otras procedentes de Cataluña, Comunidad Valenciana, Madrid, Castilla-La Mancha y Andalucía. Una selección que reúne diferentes generaciones de creadores y una amplia variedad de formatos, desde producciones teatrales hasta piezas breves de danza, espectáculos familiares y propuestas que combinan disciplinas, con la intención de mostrar una panorámica diversa de las artes escénicas que actualmente se desarrollan en la península ibérica.

    Extremadura, protagonista de la creación escénica

    La presencia extremeña vuelve a ser la más numerosa de la programación. Ocho montajes permiten recorrer diferentes formas de entender el teatro, la danza y las artes escénicas contemporáneas, con propuestas que abordan cuestiones como la memoria histórica, la enfermedad, la infancia, las relaciones humanas o la transformación del mundo rural. Entre ellas figura Lucía Joyce. Un pequeño drama en movimiento, de Karlik danza-teatro, una creación que se acerca a la figura de Lucía Joyce, hija del escritor irlandés James Joyce, desde el lenguaje del movimiento y la interpretación. La compañía extremeña vuelve a situar la danza y el teatro en un territorio compartido, donde el cuerpo se convierte en una herramienta narrativa. También desde Extremadura llega Lo que el cuerpo recuerda, del Colectivo Límite Suroeste, una pieza que explora las relaciones entre el cuerpo, el espacio y la memoria colectiva en los entornos rurales, conectando la creación contemporánea con cuestiones vinculadas al territorio y a las experiencias compartidas por quienes lo habitan.

    La memoria histórica aparece en Fosa. Memoria de un amor, de La Bola Producciones, que reconstruye la historia sentimental de una maestra republicana y un carpintero, interrumpida por el estallido de la Guerra Civil. Una obra que sitúa las consecuencias del conflicto en la intimidad de sus protagonistas y recupera, desde la ficción teatral, las vidas atravesadas por la violencia y la pérdida. El público familiar encuentra su espacio en Playtopía o el derecho a jugar, de Cíclica Teatro y El Teatro de las Bestias, un montaje que reivindica la importancia del juego y la imaginación en una sociedad marcada por la creciente presencia de las pantallas digitales. También dirigido a los espectadores más jóvenes, El traje nuevo del emprendedor, de Panduro Producciones, recupera el célebre cuento de Hans Christian Andersen para trasladarlo al universo empresarial mediante el lenguaje de los títeres. Por su parte, Antes de que alguien se vaya, de Rubén Fernández Compañía, propone una reflexión sobre el paso a la vida adulta a través de tres personajes cuyas experiencias se entrecruzan, combinando humor, metateatro y reinterpretaciones de los mitos clásicos.

    Dos estrenos que hablan de la fragilidad humana

    La programación extremeña incorpora además dos estrenos que sitúan cuestiones relacionadas con la salud, la memoria y las emociones en el centro de la creación artística. El primero es La tempestad, de Raquel Palma GP, que toma como punto de partida la obra homónima de William Shakespeare para construir una propuesta sobre la salud mental. El espectáculo recurre al humor, las canciones y la música para acercarse a una realidad compleja desde un lenguaje escénico que combina diferentes registros expresivos. El segundo estreno, El último juego de manos, de Las 4 Esquinas Producciones, aborda la enfermedad de Alzheimer mediante una combinación de teatro, magia, circo y danza, utilizando distintos recursos escénicos para aproximarse a la pérdida de memoria y a sus consecuencias personales y emocionales.

    Ambos montajes reflejan una de las características de esta edición: la presencia de historias que encuentran en las artes escénicas una manera de abordar asuntos difíciles sin renunciar a la imaginación, la emoción o el humor. La enfermedad, la fragilidad de la memoria y las dificultades de las relaciones humanas aparecen así transformadas en materiales para la creación, en un diálogo entre las posibilidades expresivas del escenario y las preocupaciones de la sociedad contemporánea.

    Danza, circo y nuevas formas de contar

    La diversidad de lenguajes constituye otro de los atractivos de la MAE 2026. Junto a las propuestas extremeñas, la programación incorpora espectáculos que exploran las posibilidades expresivas del cuerpo, el movimiento y la experimentación escénica. Desde Madrid llega Puente de plata, de Sara Cano Compañía de Danza, un solo de quince minutos que transita entre la danza contemporánea, el flamenco y el folclore, proponiendo un diálogo entre tradición y nuevas formas coreográficas. La Comunidad Valenciana está representada por Brava, de la compañía Irene de la Rosa, una creación de danza española y flamenco contemporáneo que vuelve la mirada hacia la infancia y sus recuerdos. En el ámbito circense, la compañía catalana Uta Circ presenta DA, una propuesta que utiliza estructuras metálicas, escaleras y diferentes lenguajes físicos para explorar el equilibrio, la fragilidad y las relaciones entre los cuerpos y su entorno.

    Andalucía participa con Jaleo, el grito de Lorca, de Lapso Producciones, un recorrido poético y musical por el imaginario de Federico García Lorca. La obra se aproxima al universo simbólico y emocional del poeta granadino mediante una combinación de recursos escénicos que permiten establecer nuevas relaciones entre la música, la palabra y el movimiento. La programación incorpora también Cafelina, de Merlina, gracias a la colaboración con la Feira Ibérica de Teatro de Fundão, una propuesta circense que amplía la presencia portuguesa en las actividades de la muestra y refuerza el intercambio artístico entre los dos países.

    Portugal y el diálogo entre las dos orillas

    La relación con Portugal forma parte de la identidad de la Muestra Ibérica de Artes Escénicas desde sus comienzos. La proximidad geográfica y cultural, especialmente relevante para Extremadura, encuentra en este encuentro una oportunidad para fortalecer los vínculos profesionales entre compañías, programadores y estructuras culturales de ambos países. Entre las propuestas portuguesas destaca Así va el mundo, de Universo Paralelo, un espectáculo de títeres sin palabras protagonizado por una mujer embarazada que imagina el futuro de su hijo. La obra plantea una mirada sobre las injusticias del mundo contemporáneo, pero también sobre la posibilidad de encontrar belleza y esperanza en medio de sus contradicciones. La ausencia de texto hablado permite que el espectáculo se comunique a través de un lenguaje visual accesible para públicos de diferentes procedencias, una característica especialmente significativa en una muestra que reúne a profesionales de ambos lados de la frontera.

    La cooperación ibérica se extiende además a los encuentros profesionales y a las relaciones con la Feria Ibérica de Teatro de Fundão, reforzando una red de intercambios que trasciende las representaciones programadas. En este contexto, Extremadura ocupa una posición especialmente interesante como territorio de conexión entre las escenas española y portuguesa, con posibilidades de colaboración que afectan tanto a la circulación de espectáculos como al desarrollo de proyectos compartidos.

    El teatro como territorio de reflexión y humor

    La programación teatral se completa con La secta del Quijote, de la compañía castellano-manchega Antonio Campos, una propuesta construida a partir de textos cedidos por Rafael Álvarez, El Brujo. El montaje recupera elementos de la tradición oral y del arte de la juglaría para combinarlos con el pensamiento crítico y el humor, reivindicando una manera de contar historias que encuentra sus raíces en la palabra y en la relación directa con el espectador. Esta convivencia entre repertorios clásicos, reinterpretaciones contemporáneas y nuevas dramaturgias permite apreciar la amplitud de registros presentes en la muestra. Shakespeare, Cervantes, Andersen y Lorca conviven con historias sobre la vida cotidiana, la memoria rural, la enfermedad o las inquietudes de las nuevas generaciones, ofreciendo una selección que no responde a una única corriente estética, sino a distintas maneras de relacionarse con el público y de entender las posibilidades del escenario.

    Un espacio para crear, programar y establecer alianzas

    Más allá de las representaciones, la MAE dedica una parte importante de su actividad a los profesionales del sector. Los encuentros comerciales B2B permiten establecer reuniones entre compañías y responsables de programación, mientras que las sesiones de pitching ofrecen un espacio para presentar nuevos proyectos y explorar posibles vías de colaboración. La agenda incluye también reuniones de la Red de Teatros y otros Espacios Escénicos de Extremadura, encuentros con Extremadura Teatral y actividades relacionadas con la cooperación ibérica en las artes performativas. Entre las propuestas de esta edición figura el taller La silla de al lado, impartido por Carmen Ávila, dedicado al cuidado de las relaciones profesionales en las artes escénicas, así como un encuentro con Amparo Jiménez, directora del CEMART, en colaboración con ARTEMAD/MADFeria.

    Especial relevancia adquieren las jornadas europeas La cultura del futuro europeo (ECoCs), organizadas en colaboración con Cáceres 2031, que abordan la creación, la participación y la transformación cultural en el contexto de las Capitales Europeas de la Cultura. La presencia de esta iniciativa conecta la actividad de la MAE con un debate más amplio sobre el papel de la cultura en el desarrollo de las ciudades y los territorios, y sobre la capacidad de los proyectos artísticos para generar nuevas relaciones sociales y profesionales. La muestra se convierte así en un lugar donde las representaciones conviven con cuestiones relacionadas con la gestión cultural, la sostenibilidad de las compañías, las redes de distribución y las oportunidades de cooperación.

    Once ediciones construyendo un espacio común

    La undécima edición de la MAE se desarrolla en el Gran Teatro, el Teatro Capitol, el Auditorio del Complejo Cultural San Francisco y el Ateneo de Cáceres, además de otros espacios destinados a reuniones y actividades profesionales. Las representaciones están abiertas al público hasta completar aforo, con preferencia para los profesionales acreditados y, en determinadas sesiones matinales, para los centros educativos concertados. La muestra cuenta con la financiación y colaboración de las diputaciones provinciales de Cáceres y Badajoz y del Ayuntamiento de Cáceres, además de la participación de entidades como Extremadura Avante, la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura, la Universidad de Extremadura, la Red Maraña, el Observatorio Extremeño de la Cultura, COFAE y Cáceres 2031, entre otras.

    Después de once ediciones, la Muestra Ibérica de Artes Escénicas mantiene una doble vocación: ofrecer al público una selección de la creación contemporánea y proporcionar a las compañías herramientas para ampliar su recorrido profesional. En un sector donde levantar un espectáculo exige meses de trabajo y donde encontrar espacios para representarlo no siempre resulta sencillo, la posibilidad de reunir a artistas, distribuidores y programadores constituye una parte esencial de su propuesta. Durante estos tres días, las artes escénicas vuelven a ocupar teatros, auditorios y espacios de encuentro, con historias de memoria, amor, infancia, enfermedad, humor y transformación que conviven con conversaciones, contactos y proyectos compartidos capaces de abrir nuevas oportunidades.

    La MAE encuentra precisamente ahí buena parte de su sentido. Cada representación es también el resultado de un largo proceso creativo y de un esfuerzo colectivo que necesita continuidad para llegar a nuevos espectadores. Los encuentros entre compañías y programadores pueden convertirse en futuras contrataciones, giras o colaboraciones, mientras que el público tiene la oportunidad de descubrir propuestas que difícilmente coincidirían en una misma programación. Once ediciones después, la muestra sigue trabajando para que las historias que nacen sobre un escenario puedan continuar su recorrido en otros teatros, otras ciudades y otros territorios, prolongando la vida de los espectáculos mucho más allá del momento en que cae el telón.

    MAE 2026 | Información práctica

    La undécima Muestra Ibérica de Artes Escénicas se celebra del 10 al 12 de noviembre de 2026 en Cáceres, con representaciones en el Gran Teatro, el Teatro Capitol, el Complejo Cultural San Francisco y el Ateneo de Cáceres, además de actividades profesionales en otros espacios de la ciudad. Los espectáculos están abiertos al público hasta completar aforo, con las prioridades de acceso establecidas por la organización. Los encuentros comerciales y determinadas actividades formativas están reservados a profesionales acreditados.

     

  • Extremadura dibuja nuevas historias «Del Premio Nacional del Cómic a las editoriales independientes»

    Extremadura dibuja nuevas historias «Del Premio Nacional del Cómic a las editoriales independientes»

    Borja González, Fermín Solís y Fidel Martínez presentan nuevas novelas gráficas que transitan entre la fantasía, la memoria histórica y el periodismo de guerra. A ellos se suma la editorial extremeña Aristas Martínez, que amplía su catálogo con la obra de la artista luso-chilena Amanda Baeza. Cuatro publicaciones que muestran la diversidad y la proyección de un sector creativo cada vez más presente en el panorama editorial español.

    El cómic hace tiempo que dejó de necesitar explicaciones para ocupar un lugar propio en las librerías, las bibliotecas y las conversaciones sobre literatura. Sus autores han encontrado en la combinación del dibujo y la palabra una manera de contar historias que pueden recorrer territorios muy diferentes, desde los cuentos de hadas hasta los conflictos bélicos, pasando por las heridas de la memoria o los pequeños acontecimientos de la vida cotidiana. Extremadura participa de esa evolución con una generación de creadores que publica en algunas de las principales editoriales españolas, recibe reconocimientos nacionales y desarrolla un lenguaje gráfico que ha traspasado las fronteras de la región.

    Este otoño de 2026 ofrece una buena oportunidad para acercarse a ese panorama. El pacense Borja González, Premio Nacional del Cómic en 2023, regresa con una aventura fantástica en la que los bosques y el paso del tiempo adquieren un protagonismo especial. El cacereño Fermín Solís pone sus dibujos al servicio del periodismo de Almudena Ariza para reconstruir las historias humanas de Gaza y Cisjordania. Fidel Martínez, sevillano afincado en Extremadura, vuelve sobre la posguerra española con una narración acerca del miedo, la represión y las dificultades de recuperar una vida interrumpida por la violencia. Mientras tanto, la editorial extremeña Aristas Martínez prepara la publicación de Miti Mota, una antología de la artista Amanda Baeza que se mueve por los territorios más experimentales de la historieta contemporánea.

    Son cuatro propuestas muy diferentes que comparten una misma confianza en las posibilidades narrativas del dibujo y permiten observar la amplitud de un sector que también encuentra en Extremadura editoriales, espacios de formación y nuevas iniciativas para impulsar la creación.

    Borja González: un bosque de Badajoz y una reina de otoño

    El universo de Borja González (Badajoz, 1982) tiene algo de sueño infantil que, conforme avanzan las páginas, comienza a mostrar sus rincones más inquietantes. Sus personajes sin rostro, los paisajes silenciosos y las atmósferas próximas al cuento fantástico han convertido su obra en una de las más reconocibles del cómic español contemporáneo. En 2023 recibió el Premio Nacional del Cómic por Grito nocturno, una distinción que confirmó la proyección de un autor que ya había desarrollado una trayectoria singular.

    Ahora publica La reina de otoño (Reservoir Books), una novela gráfica que supone un cambio de registro respecto a sus trabajos anteriores. Tras cerrar el ciclo de Las tres noches, González ha querido aproximarse a una historia de aventuras más accesible, sin abandonar las particularidades de su lenguaje visual. La narración reúne a tres personajes que emprenden un viaje por un territorio fantástico: Lin, una loba blanca de carácter prudente; Olaf, un pequeño cerdo mudo que camina sobre dos patas, y una princesa caprichosa que disfruta inventando historias. Juntos atraviesan bosques, ruinas y paisajes cambiantes en busca de la misteriosa Reina de Otoño.

    Detrás de esta aventura aparece una referencia que el propio dibujante reconoce abiertamente: El mago de Oz. La película de 1939, que tanto le impresionó durante su infancia, ha dejado su huella en la estructura del viaje, los compañeros fantásticos y la incertidumbre que acompaña a los protagonistas. También están presentes los ecos de Alicia en el país de las maravillas, La historia interminable y otras narraciones donde la fantasía convive con una cierta sensación de peligro. Pero uno de los aspectos más interesantes del libro tiene que ver con su origen personal. González comenzó a imaginarlo pensando en su ahijada Alma, a quien quería dedicar una historia que pudiera comprender y disfrutar. Durante los más de dos años de trabajo, la niña fue creciendo y aquella transformación acabó incorporándose al argumento. El paso del tiempo, los cambios en las personas y la manera en que percibimos cuanto nos rodea se convirtieron en cuestiones centrales de la obra.

    También existe una conexión directa con Badajoz. El dibujante ha explicado a Canal Extremadura que los árboles retorcidos del parque de Castelar, escenario de sus juegos infantiles, han inspirado parte de los bosques que aparecen en el libro. Aquellas formas vegetales, capaces de parecer criaturas vivas, reaparecen transformadas en un paisaje donde las ramas adquieren una presencia amenazadora. En una entrevista concedida a RTVE, González ofrece además una reflexión sobre su manera de entender la narración gráfica: «Para mí el cómic es una cuestión de ritmo». Esa concepción explica la importancia que concede a la composición de las dobles páginas, a los silencios y a la velocidad con la que los personajes atraviesan la historia. La reina de otoño, publicada el 8 de octubre, mantiene su característica economía de líneas y su particular relación entre el dibujo y el espacio, pero incorpora un tono más aventurero, diálogos más abundantes y una voluntad de acercarse a lectores de distintas edades.

    Fermín Solís: poner rostro a las vidas de Gaza y Cisjordania

    El trabajo de Fermín Solís (Madroñera, Cáceres, 1972) recorre un territorio muy distinto. Su nueva publicación, Vidas con nombre. Historias reales de Gaza y Cisjordania (Salamandra Graphic), nace de la colaboración con la periodista y corresponsal internacional Almudena Ariza, que durante dos años ha seguido sobre el terreno las consecuencias humanas de la guerra en Gaza y de la ocupación de Cisjordania. El resultado es una crónica gráfica construida a partir de 35 testimonios reales. Médicos, periodistas, familias, activistas, niños y supervivientes protagonizan unas historias que buscan recuperar la dimensión individual de una tragedia frecuentemente expresada mediante cifras, balances de víctimas e imágenes de destrucción. La publicación plantea también una reflexión sobre el periodismo y su responsabilidad ante el sufrimiento humano. Ariza aporta las experiencias y los testimonios recogidos durante su trabajo como corresponsal, mientras Solís los transforma en secuencias dibujadas que permiten aproximarse a las personas y a sus circunstancias.

    Para el autor extremeño, este proyecto supone una nueva etapa dentro de una trayectoria que ha combinado la autobiografía, la ficción, la literatura infantil y las narraciones de contenido histórico y social. Su reconocimiento internacional llegó especialmente con Buñuel en el laberinto de las tortugas, publicada en 2008, finalista del Premio Nacional del Cómic y posteriormente adaptada al cine de animación. Aquella historia sobre el rodaje de Las Hurdes, tierra sin pan situó su trabajo en un espacio de encuentro entre la memoria, el cine y la historieta. En los últimos años ha publicado títulos como Medea a la deriva, Elia, Buñuel y los sueños del deseo y Charles loves Josefa, proyecto reconocido con el Premio FNAC-Salamandra Graphic 2025. Sus libros han llegado a lectores de distintos países europeos y norteamericanos.

    Con Vidas con nombre, Solís se aproxima a uno de los conflictos más dolorosos de nuestro tiempo desde una perspectiva vinculada al testimonio periodístico. La obra se presentará el próximo 3 de noviembre, a las 19.00 horas, en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid, en un encuentro en el que participarán Almudena Ariza, Fermín Solís y el periodista Carlos del Amor. La edición tiene prevista su llegada a las librerías el 5 de noviembre. El encuentro podrá seguirse también en directo por internet, una oportunidad para conocer cómo se ha desarrollado la colaboración entre la periodista y el dibujante y de qué manera las experiencias recogidas sobre el terreno se han trasladado al lenguaje de la novela gráfica.

    Fidel Martínez: las heridas que permanecen después de la guerra

    La memoria histórica ocupa el centro de Regreso a un mundo en llamas (Desfiladero Ediciones), el nuevo trabajo de Fidel Martínez, autor nacido en Sevilla en 1979 y afincado en Extremadura, cuya trayectoria se ha caracterizado por una especial atención a los conflictos sociales, la violencia política y las consecuencias humanas de la historia.

    La novela gráfica comienza después de la Guerra Civil española. Paco, su protagonista, regresa a su pueblo tras pasar varios años en prisión y trata de recuperar una existencia que la guerra y el encarcelamiento han transformado profundamente. Su deseo de reunirse con la familia y encontrar un medio de vida tropieza con una realidad dominada por el miedo, el rencor y las sospechas. La derrota continúa presente en las relaciones entre vecinos, en las instituciones y en la vida cotidiana. El pueblo, situado en algún lugar indeterminado del sur de España, representa una comunidad donde el final oficial de la guerra no ha significado la desaparición de sus consecuencias.

    Martínez construye así una narración sobre la dificultad del regreso, la vigilancia política, el silencio colectivo y las contradicciones de quienes intentan sobrevivir bajo un régimen autoritario. El protagonista debe afrontar decisiones que ponen a prueba sus convicciones y sus posibilidades de encontrar un lugar en aquella sociedad.

    La obra recupera algunas de las preocupaciones que han acompañado al dibujante desde sus primeros trabajos. En Cuerda de presas, realizado junto al guionista Jorge García, abordó la experiencia de las mujeres encarceladas durante la represión franquista. En otros títulos, como Sarajevo Pain o Fuga de la muerte, ha explorado distintas manifestaciones de la violencia y la memoria. En esta ocasión, además, el color adquiere una importancia particular. Frente al expresivo blanco y negro que ha caracterizado buena parte de su producción, el autor desarrolla una paleta cromática que contribuye a construir la atmósfera emocional del relato. Regreso a un mundo en llamas, una edición de 128 páginas publicada en octubre, fue objeto de una presentación organizada por el Ateneo de Badajoz el pasado 16 de octubre. La novela gráfica amplía una trayectoria que entiende el cómic como una herramienta para acercarse a episodios históricos desde las experiencias individuales de quienes los vivieron.

    Raulowsky: el baloncesto, la memoria y las mujeres que abrieron camino

    A este panorama se suma también el ilustrador extremeño Raulowsky, que junto al periodista Jacobo Rivero publicó el pasado mes de marzo La valise d’Éliane, una novela gráfica que recupera la extraordinaria historia de Éliane Girod, jugadora internacional de baloncesto suiza durante los años de la Guerra Fría, apasionada de la música —especialmente del jazz— y comprometida con el feminismo y la lucha contra el racismo.

    La obra, disponible en las librerías francesas desde el 7 de marzo y publicada también en Suiza, reconstruye la vida de una mujer que encontró en el deporte, la cultura y el compromiso social diferentes maneras de relacionarse con el mundo. Un proyecto que permitió a sus autores conocer a personas cercanas a la protagonista, como su hija Corine, Joaquim y Mirco, y que contó también con la participación de Miguel Font y la colaboración de la FIBA.

    Para Raulowsky, el libro tiene además una dimensión profundamente personal, pues lo dibujó mientras cuidaba de su madre, a cuya memoria está dedicado, junto a la de tantas mujeres cuyas historias merecen ser recuperadas. Una publicación que amplía la presencia de los creadores extremeños en el cómic internacional y reivindica el poder de la ilustración para rescatar vidas que no deberían caer en el olvido.

    Aristas Martínez y Amanda Baeza: las posibilidades infinitas de la historieta

    La cuarta novedad llega desde el ámbito editorial extremeño. Aristas Martínez, uno de los sellos independientes que han contribuido a ampliar el panorama cultural y literario de la región, publicará el próximo 18 de noviembre Miti Mota, de Amanda Baeza, dentro de su colección Aristas Gráfica. La autora, nacida en 1990 y de origen luso-chileno, desarrolla una obra situada entre el cómic experimental, la ilustración y los fanzines. Graduada en Diseño Gráfico en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa, ha publicado historietas en antologías internacionales y ha participado en proyectos editoriales vinculados a la creación gráfica independiente. Desde 2016 también ejerce como profesora de ilustración y cómic en la escuela de arte Ar.Co, en Lisboa.

    Su nueva publicación reúne distintas historietas que exploran las relaciones humanas, el mundo y el amor mediante una amplia variedad de técnicas, estructuras y recursos narrativos. Las imágenes se alejan con frecuencia de los códigos convencionales de la historieta para desarrollar composiciones donde el color, las formas y la experimentación visual tienen tanta importancia como las palabras. En las páginas de Miti Mota conviven figuras humanas de apariencia cambiante, paisajes imaginarios, elementos abstractos y escenas de una intensa expresividad cromática. La diversidad de estilos permite reconocer una autora interesada en ampliar las posibilidades del lenguaje gráfico.

    El ilustrador Puño ha descrito su trabajo con una imagen especialmente sugerente: «Amanda Baeza dibuja desde el futuro o desde otro planeta». Por su parte, el crítico e historiador del cómic Gerardo Vilches ha definido la obra como una «Autobiografía de vanguardia para el siglo XXI». La trayectoria de Baeza incluye publicaciones en sellos europeos como kuš!, Chili Com Carne y Kuti Kuti. En España, sus historietas fueron recopiladas anteriormente en Nubes de talco, editado por Fulgencio Pimentel en 2016. Su trabajo ha alcanzado también reconocimiento internacional, con nominaciones al premio Ignatz y al Astrid Lindgren Memorial Award, según la información editorial facilitada por Aristas Martínez. La nueva edición tendrá 128 páginas a color, formato de 16,3 por 23 centímetros y un precio de 20,90 euros. Su publicación confirma el interés de Aristas Martínez por una historieta contemporánea que dialoga con la experimentación artística y las nuevas formas de expresión visual.

    Un sector que también necesita editoriales, lectores y espacios de encuentro

    La coincidencia de estas cuatro publicaciones permite contemplar el cómic extremeño desde perspectivas complementarias. Borja González representa una autoría reconocida con el Premio Nacional y una identidad gráfica consolidada; Fermín Solís mantiene una trayectoria internacional que ahora se acerca al periodismo de guerra; Fidel Martínez continúa explorando la memoria histórica desde la narración dibujada, mientras Aristas Martínez desarrolla una labor editorial que conecta Extremadura con las corrientes internacionales de la historieta. Junto a ellos existe un tejido creativo que incorpora otros nombres, proyectos y espacios de difusión. Autoras como Mayte Alvarado y distintas iniciativas de autoedición, ilustración y formación han contribuido a que el cómic forme parte de la actividad cultural de la región. La existencia de premios y convocatorias específicas también resulta importante para favorecer la aparición de nuevas obras.

    En este terreno destaca el Premio Aristas de Novela Gráfica PANG!, impulsado por la editorial extremeña con la colaboración del Ayuntamiento de Badajoz. Su convocatoria de 2026 permanece abierta hasta el 30 de octubre y contempla la publicación del proyecto ganador, además de un anticipo de derechos de al menos 2.500 euros. Entre las obras reconocidas en ediciones anteriores se encuentran Tensión de rotura, de Antonio Hitos, y Manos de pobre, de Silvia Bezos. La actividad de estos autores y editoriales permite hablar de una escena que no responde a un único estilo ni a una temática común. Hay creadores que trabajan desde la fantasía y la experimentación, otros que encuentran en la historia y la memoria sus principales argumentos, y también quienes utilizan el dibujo para ampliar las posibilidades del periodismo y el testimonio. El otoño editorial reúne así cuatro maneras de entender el cómic que parten de trayectorias vinculadas a Extremadura y alcanzan lectores mucho más allá de sus límites geográficos. Una diversidad que refleja la madurez de un lenguaje artístico capaz de abordar prácticamente cualquier asunto y que encuentra en la región autores, editoriales e iniciativas con presencia propia en la cultura contemporánea.

  • #ETFEST: cuatro estrenos absolutos para explorar los nuevos territorios de la creación escénica en Portugal

    #ETFEST: cuatro estrenos absolutos para explorar los nuevos territorios de la creación escénica en Portugal

    El festival dedicado a la creación artística emergente reúne en la localidad alentejana cuatro estrenos absolutos y ocho representaciones durante los días 13 y 14 y 27 y 28 de noviembre. La cita culminará con el anuncio de los nuevos ganadores de las Becas de Creación de O Espaço do Tempo.

    La creación contemporánea vuelve a encontrar en Montemor-o-Novo un espacio para la experimentación, el diálogo entre disciplinas y la búsqueda de nuevos lenguajes escénicos. O Espaço do Tempo recupera una nueva edición de #ETFEST, su festival dedicado a la creación artística emergente, con cuatro propuestas que transitan entre la danza, el teatro, la música, las artes visuales y la performance.

    Subirán al escenario los cuatro proyectos ganadores de la sexta edición de las Becas de Creación, concedidas en 2025, que llegan al festival después de dos semanas de residencia artística. Estas ayudas, creadas en 2019 por O Espaço do Tempo, constituyen, según la propia entidad, «actualmente el mayor estímulo a la creación en los ámbitos de la danza, el teatro, la performance y los cruces disciplinares». La dotación global asciende a 100.000 euros, repartidos en cuatro becas de 25.000 euros, con el apoyo de la Fundación ”la Caixa” y en colaboración con el Banco BPI. Un respaldo económico que permite a los artistas desarrollar sus proyectos desde la investigación y la experimentación, y que encuentra en #ETFEST el espacio para compartir con el público los resultados de ese proceso creativo.

    As Docinhas: el punk toma las calles de Montemor

    El festival abre el 13 de noviembre con Heroas do Mar, de la dupla musical As Docinhas, un proyecto que, según la organización, «cruza música, performance y artes visuales para repensar el punk como fuerza estética, política e identitaria». El estreno se desarrollará en dos momentos. Entre las 14.00 y las 16.00 horas, una performance itinerante recorrerá la ciudad hasta llegar a la XL Box, donde tendrá lugar la actuación final a las 18.00 horas. El día 14 se repetirá el recorrido urbano a las 14.00 horas, mientras que la actuación final comenzará a las 21.30 horas.

    As Docinhas está integrado por Cire Ndiaye (voz y violín) y Lee Meneres (voz y guitarra). Su sonido es, en palabras de O Espaço do Tempo, «una mezcla explosiva de punk, rock, jazz y electrónica». La formación publicó su álbum de debut, XANDO, en 2021, al que siguió en 2024 Que Pesadelo!, considerado por la revista Blitz uno de los cincuenta mejores discos portugueses de aquel año. Sus actuaciones en directo, viscerales e innovadoras, han sido descritas como una suerte de Roxy Music en clave hyperpop o una versión queer portuguesa de Fat White Family. As Docinhas ha pasado por escenarios como el Festival Zigurfest, el Festival Tremor, Musicbox Lisboa y la Fundación de Serralves, consolidando una propuesta musical que encuentra en la performance y la provocación estética algunas de sus principales señas de identidad.

    Bruno Brandolino: una ficción coreográfica sobre lo desconocido

    También el 13 de noviembre, a las 21.30 horas, se estrenará Se Fosse o Profundo Superfície, de Bruno Brandolino. La organización define la pieza como «una ficción coreográfica especulativa que acompaña el encuentro de una comunidad humana con una forma de vida desconocida». El montaje combina teatralidad, coreografía y música experimental para examinar las reacciones humanas en tiempos de crisis e invitar al espectador a participar de ese encuentro con lo desconocido. La obra volverá a representarse el día 14, a las 19.00 horas. Bruno Brandolino es un coreógrafo y performer uruguayo afincado en Lisboa. Su trabajo investiga los cruces entre ficción, coreografía y dramaturgia, mediante formatos en los que se entrelazan la teatralidad, la danza, la voz y la música. Es autor de piezas como Melodrama: senza te, LA BURLA y El Universo no se asemeja a nada.

    Ha sido artista residente en el K3 – Zentrum für Choreographie y ha formado parte de la última selección de artistas de CommonStories. A lo largo de su trayectoria ha colaborado con Tamara Cubas, Sofia Dias & Vítor Roriz, João Fiadeiro, Catarina Miranda, Ana Rita Teodoro, Cristian Duarte y Julián Pacomio. Formado en Interpretación en la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático y en Danza en inDANS, en Uruguay, Brandolino también participó en el Programa Avanzado de Creación en Artes Performativas (PACAP) de Fórum Dança.

    Lila Vivo: una celda, un manifiesto y la aparición de Kate Bush

    El último fin de semana de noviembre, #ETFEST propone Uma Cela em Urano, Lisboa (1980), de Lila Vivo. El día 27, a las 19.00 horas, en la XL Box, la artista presentará una pieza teatral ambientada en una celda de prisión, donde «un manifiesto desencantado de la utopía se transforma en musical cuando Kate Bush aparece de visita». La propuesta, que volverá a representarse el 28 de noviembre a las 21.30 horas, reúne algunos de los territorios creativos que han marcado la trayectoria de Lila Vivo: la música, la palabra, la teatralidad y el activismo. Cantante y poeta nacida en Arrouquelas, en la región portuguesa del Ribatejo, Lila Vivo posee un máster en Psicología Clínica Sistémica por la Universidad de Lisboa y formó parte de un grupo de teatro universitario entre 2004 y 2013. Posteriormente vivió en Atenas, donde trabajó en una organización no gubernamental pacifista y antirracista. En 2017 regresó a Lisboa y puso en marcha, junto a João Caçador, el proyecto Fado Bicha, del que es vocalista, letrista y compositora. La formación, que ha abierto nuevos caminos en la tradición del fado portugués desde una perspectiva queer, publicó su primer álbum, Ocupação, en 2022. Más allá de la música, Lila Vivo desarrolla su actividad en el teatro, el cine, la performance y el activismo.

    Natacha Campos: bailar entre mundos, lenguas y memorias

    I-Hón, de Natacha Campos, será el último estreno absoluto del festival. El 27 de noviembre, a las 21.30 horas, en Magina, la coreógrafa presentará un solo que, según la organización, «se construye en la frontera entre lo cómico y lo trágico, lo íntimo y lo político, en una reflexión performativa sobre lo que permanece y lo que se transforma cuando el cuerpo intenta bailar entre mundos, lenguas y memorias». La pieza contará con una segunda representación el 28 de noviembre, a las 19.00 horas.

    Nacida a finales de los años noventa, hija de padres angoleños, Natacha Campos ha desarrollado su trayectoria artística entre los lenguajes de la danza, el teatro y la performance. Su investigación, señala O Espaço do Tempo, se centra «en la confrontación entre lo visible y lo invisible, lo íntimo y lo público, en un intento de encontrar los denominadores comunes en lo aparentemente antagónico». En I-Hón, esa búsqueda se traslada a un cuerpo atravesado por diferentes lenguas, experiencias y memorias, desde el que la artista explora las relaciones entre la identidad individual y su dimensión colectiva.

    Nuevas becas para seguir impulsando la creación contemporánea

    El último fin de semana del festival se anunciarán también los ganadores de la séptima edición de las Becas de Creación de O Espaço do Tempo. El anuncio tendrá lugar en Magina, después de la representación de I-Hón, y contará con la presencia de Elisabetta Bisaro, futura directora artística de la institución. También han sido invitados los restantes miembros del jurado de esta edición: Cláudia Galhós, Gaya de Medeiros, Rui Torrinha y Sónia Fernandez Lage. Con #ETFEST, O Espaço do Tempo vuelve a situar Montemor-o-Novo en el mapa de la creación escénica contemporánea portuguesa, consolidando un modelo de trabajo que acompaña a los artistas desde las primeras fases de investigación hasta el encuentro con el público.

    Una iniciativa que merece también la atención desde Extremadura, por cuanto sucede en un territorio próximo, el Alentejo, donde las artes escénicas contemporáneas han encontrado espacios de producción, residencia y exhibición capaces de generar nuevas oportunidades para los creadores. La proximidad entre ambos territorios invita a conocer estas experiencias y a seguir estrechando los vínculos culturales a ambos lados de la Raya.

    Artículo del medio de comunicación portugués Alentejo Ilustrado. (Colaboración mutua para conectar la frontera desde el Territorio, la Sociedad y la Cultura). 

    Texto original; https://alentejoilustrado.pt/o-espaco-do-tempo-quatro-estreias-marcam-regresso-do-etfest-a-montemor/

  • Ana Torrecillas «Una nueva mirada al Derecho desde la mujer y el territorio»

    Ana Torrecillas «Una nueva mirada al Derecho desde la mujer y el territorio»

    Ana Torrecillas, la profesora de Derecho Constitucional de la Universidad de Extremadura, investiga cómo las leyes y las políticas públicas responden a las necesidades de los pequeños municipios. Llegó a Cáceres para desarrollar su tesis doctoral y decidió quedarse. Hoy reivindica el papel de las mujeres, la importancia de la cultura y la necesidad de comprender las diferentes realidades de una Extremadura de la que se declara enamorada.

    Ana Torrecillas llegó a Extremadura por una investigación universitaria. Estudiaba las relaciones entre municipalismo, despoblación y territorio cuando surgió la posibilidad de incorporarse a un proyecto en la Universidad de Extremadura. Hasta entonces su vida académica había transcurrido en Valencia, donde había cursado Derecho y continuado su formación. Su lugar de origen era Villamalea, un municipio albaceteño próximo a la Comunidad Valenciana, de esos en los que estudiar una carrera universitaria obliga a preparar una maleta y marcharse a otra ciudad.

    Llegó a Cáceres con un contrato de investigación y una tesis doctoral por desarrollar. Después vinieron las primeras sustituciones docentes, la finalización del doctorado y una plaza de profesora ayudante doctora. Por el camino conoció a personas que terminaron formando parte de su vida, encontró una ciudad que le gustaba y descubrió una región en la que decidió quedarse. A veces le cuesta entender por qué tantos jóvenes extremeños contemplan la marcha como una condición casi imprescindible para alcanzar el éxito profesional. Lo dice una mujer que también tuvo que salir de su pueblo para estudiar y que conoce las dificultades de desarrollar un proyecto de vida lejos de las grandes ciudades. Pero Ana no ha convertido Extremadura en una postal. Su trabajo como investigadora le ha permitido recorrer municipios, hablar con alcaldes y vecinos, estudiar las limitaciones de las administraciones locales y comprobar que una misma ley puede tener consecuencias muy diferentes cuando se aplica en Madrid o en una pequeña localidad cacereña.

    En su despacho de la Facultad de Derecho de Cáceres hablamos de todo ello. Sobre la mesa aparecen unas tarjetas con nombres de mujeres que han dejado su huella en la historia. Las utiliza en sus clases de Derecho Constitucional para que sus estudiantes descubran referentes femeninos que difícilmente aparecen cuando se les pide recordar a grandes figuras del pensamiento jurídico, político o social. Cada intervención en clase permite conseguir una tarjeta; después deben investigar y escribir a mano una pequeña biografía de la protagonista. Es una de las maneras que ha encontrado de incorporar otras miradas a la enseñanza.

    Ana habla deprisa, enlaza argumentos, se detiene para explicar un concepto jurídico y vuelve enseguida a la realidad de los pueblos extremeños. Le interesa especialmente lo que sucede cuando las normas, redactadas desde las grandes estructuras administrativas, llegan a municipios que apenas cuentan con medios para cumplirlas. También la situación de las mujeres rurales, protagonistas de buena parte de la actividad asociativa y cultural de sus localidades, pero sobre las que continúa recayendo una enorme responsabilidad en los cuidados familiares. Su investigación parte de una idea que repite durante nuestra conversación: la ruralidad no puede tratarse como una realidad homogénea. Las necesidades de La Siberia no son necesariamente las mismas que las de Las Hurdes, Sierra de Gata o Valencia de Alcántara. Y si las dificultades son distintas, las soluciones también deberían serlo.

    En esta nueva entrega de una mueva mirada de la mujer rural en Extremadura, conocemos a una profesora que entiende el Derecho como una herramienta para interpretar la sociedad, a una investigadora que reclama mayor atención hacia los pequeños municipios y a una mujer que ha elegido Extremadura para desarrollar su vida personal y profesional.

    «Me vine a investigar a Extremadura y terminé haciendo aquí mi proyecto de vida»

    —Ana, antes de entrar en el Derecho, la universidad y tus investigaciones, vamos a conocerte un poco. ¿De dónde vienes y cómo terminas en Extremadura?

    —Yo soy de Villamalea, un pueblo de Albacete que está muy cerca de la Comunidad Valenciana. Es un municipio de unos cinco mil habitantes y, como ocurre en tantos pueblos pequeños, cuando quieres estudiar en la universidad tienes que marcharte. En mi caso, muchos amigos se fueron a Valencia y yo terminé haciendo lo mismo. Allí estudié la carrera, cursé el máster y comencé mi programa de doctorado. Mi tesis estaba relacionada con el municipalismo, la ruralidad, el reto demográfico y la despoblación. En aquel momento mi director me comentó que en Extremadura se estaban desarrollando proyectos de investigación muy vinculados a esos asuntos. Surgió un contrato de investigación, me presenté, conseguí la plaza y me vine.

    —¿Y qué ocurrió para que aquella estancia académica terminara convirtiéndose en una decisión de vida?

    —Pues que me gustó muchísimo Extremadura. A veces no entiendo muy bien por qué hay tanta gente que no quiere venirse aquí o por qué algunas personas se marchan en cuanto tienen oportunidad. Yo tuve mucha suerte, también a nivel personal. Conocí a mi pareja, que es cacereño, hice muchos amigos y fui construyendo aquí mi vida. Profesionalmente también fueron surgiendo oportunidades. Después del contrato de investigación llegaron contratos de profesora sustituta y, cuando terminé la tesis, conseguí una plaza de ayudante doctora. Todo fue sucediendo a lo largo de varios años y terminé decidiendo que quería quedarme.

    —Hablas de Extremadura con un cariño que sorprende cuando tantas veces escuchamos a quienes han nacido aquí explicar las razones por las que quieren marcharse.

    —Es que a mí Extremadura me gusta mucho. Me gusta su gente, su idiosincrasia, esa dimensión de comunidad pequeña pero al mismo tiempo muy familiar. Cáceres me gusta muchísimo como ciudad. Siempre he tenido un poco el corazón dividido entre Albacete y Cáceres, pero he decidido desarrollar aquí mi proyecto de vida. Lo que sí me produce tristeza es ver cómo muchos de los amigos con los que empecé se han marchado. Prácticamente todos los de aquella primera etapa han emigrado a otros lugares. Cuando empiezas a construir relaciones personales y ves cómo esas personas se van, resulta duro. Ojalá algún día puedan volver.

    El Derecho Constitucional también está en la calle

    —Eres profesora de Derecho Constitucional. Para quienes no están familiarizados con la materia, ¿qué enseñas y qué importancia tiene en nuestra vida cotidiana?

    —He impartido muchas asignaturas, aunque hay una que llevo dando prácticamente desde que empecé, Constitucional II, donde estudiamos el sistema parlamentario, los poderes ejecutivo, legislativo y judicial y la justicia constitucional. También he impartido teoría política, fuentes del Derecho, evaluación de programas y políticas públicas y otras materias. A veces se piensa que el Derecho Constitucional es algo aburrido o muy alejado de la realidad, pero ocurre exactamente lo contrario. Estamos constantemente rodeados de debates constitucionales. La vivienda, por ejemplo, plantea cuestiones jurídicas importantísimas: qué tipo de derecho es, qué obligaciones genera, qué administraciones tienen competencias y a quién podemos exigir determinadas actuaciones. Todo eso forma parte de nuestra vida diaria.

    —Sin embargo, parece que la ciudadanía mantiene cierta distancia con el conocimiento de sus propios derechos y del funcionamiento de las instituciones.

    —Yo creo que el Derecho Constitucional tiene una dimensión ciudadana fundamental. No es una cuestión exclusiva de juristas. Conocer nuestros derechos, saber cómo funciona el Estado, cómo se organiza nuestro modelo territorial o qué competencias tiene cada administración debería formar parte de nuestra cultura cívica. Nosotros intentamos que el alumnado comprenda esa importancia y que no se limite a abordar los debates desde una posición ideológica o una opinión personal, sino también desde el conocimiento jurídico.

    —¿Y cómo se consigue eso en una sociedad donde buena parte de los debates se resuelven con una frase o un vídeo de unos segundos?

    —Ese es uno de los grandes problemas actuales. Ahora parece que gana el relato quien consigue condensarlo en un vídeo de TikTok. Pero los problemas que atraviesan nuestra sociedad no caben en un vídeo de TikTok. Son mucho más complejos, tienen causas estructurales y están atravesados por diferentes circunstancias que debemos comprender. Si reducimos todo a una frase sencilla, terminamos construyendo una visión parcial de la realidad. Por eso creo que desde la universidad debemos fomentar el pensamiento crítico y enseñar a analizar los problemas con rigor.

    «Mis alumnos descubren a mujeres que han cambiado la historia y de las que nunca habían oído hablar»

    —En tus clases utilizas una metodología bastante particular para incorporar referentes femeninos. ¿Cómo funciona?

    —Hace tiempo empecé a preguntar a mis alumnos quiénes eran sus referentes jurídicos, históricos o políticos. Casi siempre me hablaban de hombres, incluso las propias alumnas. Entonces decidí introducir un ejercicio en la evaluación continua. Cada vez que participan en clase reciben una tarjeta con el nombre de una mujer que ha tenido alguna relevancia histórica. Muchas son juristas, constitucionalistas o políticas, pero también hay mujeres de otros ámbitos. Para completar esa parte de la evaluación tienen que investigar quiénes fueron y elaborar una biografía.

    —Y además les pides que escriban esas biografías a mano.

    —Sí. En mis clases no permito pantallas y les pido que hagan esos trabajos a mano. Si les pidiera que me entregaran una biografía digital, podrían recurrir a una herramienta de inteligencia artificial y presentarla sin haber leído prácticamente nada. Lo que quiero es que investiguen, que conozcan a esas mujeres y que descubran sus aportaciones. No se trata solamente de memorizar un nombre, sino de entender quién fue esa persona y qué hizo.

    —¿Nunca te han preguntado por qué todas las tarjetas llevan nombres de mujeres?

    —No, porque lo explico desde el primer día. Referentes masculinos no nos faltan. Si pedimos a cualquier persona que nombre diez hombres que hayan realizado aportaciones importantes a la historia, seguramente pueda hacerlo sin demasiada dificultad. Pero cuando pedimos diez mujeres, la cosa cambia. Y no es porque no hayan existido, sino porque sus aportaciones no han recibido la misma visibilidad. Creo que es importante que los estudiantes conozcan también esas historias.

    —Hay otra dimensión interesante en ese ejercicio: descubrir a la persona que existe detrás de un personaje público.

    —Exactamente. A veces nos quedamos únicamente con el cargo que ocupa alguien o con las declaraciones que aparecen en los medios. Pero detrás de ese cargo hay una persona, con su historia, su familia, sus dificultades y sus circunstancias. Creo que humanizar a quienes tenemos delante también ayuda a comprender mejor la realidad y a no reducirlo todo a posiciones enfrentadas.

    «Las leyes están pensadas desde las ciudades y muchas veces no funcionan en los pueblos»

    —Tu tesis doctoral se adentra en una cuestión especialmente interesante: la ruralidad como categoría jurídica. ¿Qué significa exactamente?

    —Cuando empecé a investigar me planteé una pregunta aparentemente sencilla: ¿qué es la ruralidad? Y descubrí que no era nada fácil responder. Muchas veces confundimos ruralidad con despoblación, reto demográfico o cohesión territorial, pero no son lo mismo. Son cuestiones relacionadas, por supuesto, pero la ruralidad es otra cosa. Desde el punto de vista jurídico me interesaba encontrar una manera de definirla, porque el Derecho necesita traducir la realidad a categorías que permitan elaborar y aplicar las normas.

    —Y llegaste a una conclusión que cambia bastante la manera de entender nuestros pueblos.

    —Sí. Una de las conclusiones más importantes de mi investigación es que no existe una única ruralidad, sino ruralidades, en plural. La ruralidad de Canarias no es la misma que la de Castilla-La Mancha, ni la de Extremadura es la del País Vasco. Y dentro de nuestra propia comunidad autónoma sucede exactamente lo mismo. La Siberia no es Las Hurdes. Cada territorio tiene sus características, sus dinámicas demográficas, sus necesidades y sus dificultades. No podemos tratar todas esas realidades como si fueran idénticas.

    —¿Qué consecuencias tiene esa diversidad cuando se elaboran las leyes?

    —Que necesitamos incorporar una perspectiva de ruralidad al ordenamiento jurídico. Actualmente existe una brecha urbano-rural muy importante. Las normas se elaboran mayoritariamente desde las ciudades y, además, pensando en las ciudades. Tenemos un ordenamiento jurídico profundamente urbanocéntrico. Cuando esas normas llegan a los pequeños municipios, muchas veces aparecen problemas para aplicarlas porque no se han tenido en cuenta sus capacidades y sus circunstancias.

    —¿Puedes ponernos algún ejemplo concreto?

    —La Ley de Contratos del Sector Público es un buen ejemplo. No tiene las mismas capacidades administrativas el Ayuntamiento de Madrid que un municipio como Garrovillas de Alconétar, Cedillo o los Santos de Maimona, pero deben aplicar una normativa común. También sucede con determinadas exigencias de otras leyes. Recuerdo hablar con alcaldes de pueblos pequeños que me decían que no disponían siquiera de secretario-interventor y, sin embargo, se les exigían determinados servicios que difícilmente podían prestar con sus recursos. Tenemos que adaptar las normas a la escala de los municipios y a sus posibilidades reales.

    —¿Y consideras que las administraciones están haciendo ese esfuerzo de adaptación?

    —Creo que los esfuerzos son insuficientes. Tenemos una deuda territorial, una brecha entre el mundo urbano y el rural que es estructural y que no puede resolverse con medidas pensadas para una sola legislatura. Muchas políticas públicas son demasiado cortoplacistas. Se diseñan actuaciones que pueden anunciarse y ejecutarse durante un mandato, pero los problemas de fondo necesitan mucho más tiempo y una estrategia continuada.

    Una ley para las distintas ruralidades de Extremadura

    —Estás trabajando en una propuesta legislativa relacionada precisamente con esas diferencias territoriales.

    —Sí. Estoy escribiendo un estudio en el que propongo una nueva ley de ruralidad para Extremadura, con un enfoque que tenga en cuenta las particularidades de los diferentes territorios y que incorpore una colaboración real con los gobiernos locales. Tenemos un problema importante: desde las grandes escalas administrativas no siempre se puede comprender lo que sucede en la pequeña escala. Los ayuntamientos son quienes gestionan diariamente la realidad de sus municipios y, sin embargo, muchas veces no se les tiene suficientemente en cuenta cuando se diseñan las políticas públicas.

    —¿Defiendes entonces que los gobiernos locales deberían tener mayor protagonismo en las decisiones que afectan a sus territorios?

    —Por supuesto. ¿Cómo vamos a diseñar una política pública para Las Hurdes, Sierra de Gata o La Siberia sin contar con los ayuntamientos de esas zonas? Son quienes conocen de primera mano las necesidades de sus vecinos. Nuestro sistema dispone de instrumentos para establecer esa comunicación entre administraciones, pero creo que no se están aprovechando suficientemente.

    —Y tampoco todas las comarcas necesitan las mismas soluciones.

    —Exactamente. En una zona el principal problema puede ser la vivienda, en otra el empleo, en otra la falta de infraestructuras y en otra la insuficiencia de determinados servicios públicos. No podemos aplicar una política homogénea a territorios con problemas diferentes. Primero tenemos que conocer y analizar las necesidades concretas y después actuar de manera diferenciada. Extremadura es una región muy extensa y con dinámicas demográficas diversas. Eso exige también respuestas normativas diferentes.

    La mujer rural: entre el dinamismo cultural y el peso de los cuidados

    —Dentro de esas ruralidades que investigas, ¿qué papel desempeñan las mujeres? ¿Cómo ha cambiado su presencia en la vida de los pueblos?

    —Creo que tenemos que evitar hablar de la mujer rural como si existiera un único modelo. Hay muchas mujeres diferentes, con situaciones personales, profesionales y sociales muy diversas. Pero sí hay algunas cuestiones que podemos destacar. Una de las más positivas es el papel que desempeñan las asociaciones de mujeres en los pequeños municipios. Muchas se responsabilizan de buena parte de la actividad cultural y social de sus pueblos. Organizan encuentros, talleres, actividades y generan espacios de relación entre los vecinos.

    —Es algo que también hemos encontrado en otras entrevistas de este proyecto. Las mujeres aparecen como grandes dinamizadoras culturales del territorio.

    —Y es una realidad muy importante. En nuestro ámbito universitario se desarrolló un proyecto de investigación sobre igualdad de género en los entornos rurales de Extremadura, dirigido por Silvia Soriano Moreno, que permitió constatar ese protagonismo. Las asociaciones de mujeres tienen una capacidad extraordinaria para dinamizar la vida cultural de los pueblos. Muchas veces, cuando no existe una actividad o un espacio de encuentro, son ellas quienes deciden crearlo. Hay una dimensión de autogestión y de responsabilidad colectiva muy valiosa.

    —Pero también hablas de otra realidad bastante menos amable: la responsabilidad de los cuidados.

    —Sí. Esa es la parte más dura. Estoy comenzando una nueva línea de investigación sobre los derechos de las personas mayores en entornos rurales, muy relacionada con los cuidados. Tenemos una población envejecida y una demanda creciente de atención. Cuando los servicios públicos no ofrecen una respuesta suficiente, esas necesidades no desaparecen. Alguien tiene que asumirlas. Y casi siempre aparece una mujer.

    —¿Qué consecuencias tiene esa responsabilidad para las mujeres rurales?

    —Muchas. Hay que diferenciar entre los cuidados formales y los informales. En el sistema profesional de cuidados la presencia femenina es abrumadora. Pero cuando hablamos de cuidados informales, realizados dentro de la familia o mediante relaciones laborales precarias, las consecuencias pueden ser todavía más graves. Hay mujeres que dedican años a cuidar a familiares sin contrato, sin cotización y sin reconocimiento laboral. Eso condiciona su desarrollo profesional y sus futuras prestaciones sociales. Es un trabajo imprescindible que muchas veces permanece invisible.

    —También introduces en tus investigaciones la situación de las mujeres migrantes que trabajan en el ámbito de los cuidados.

    —Sí, porque la mujer rural actual también tiene un rostro multicultural. Hay mujeres migrantes que trabajan cuidando a personas mayores o dependientes en situaciones de enorme vulnerabilidad. Algunas se encuentran en situación administrativa irregular y aceptan condiciones laborales muy precarias. En determinados casos se les ofrece alojamiento como internas, pero esa supuesta oportunidad puede esconder jornadas abusivas, salarios muy bajos y ausencia de derechos laborales. Es una realidad que debemos analizar porque forma parte también de la vida de nuestros pueblos.

    —Por tanto, la mujer rural aparece en dos situaciones aparentemente contradictorias: como motor de la actividad social y cultural y como principal responsable de trabajos de cuidado que siguen siendo poco reconocidos.

    —Exactamente. Y creo que es importante mostrar ambas realidades. Podemos reconocer y valorar muchísimo el trabajo que realizan las asociaciones de mujeres, pero no podemos olvidar las desigualdades que siguen existiendo. Son dimensiones diferentes de una misma realidad y ambas necesitan atención.

    «Muchos jóvenes siguen pensando que marcharse de Extremadura es una forma de alcanzar el éxito»

    —Como profesora universitaria tienes contacto con jóvenes procedentes de muchos municipios extremeños. ¿Qué relación mantienen con sus pueblos?

    —Todos los años pregunto en clase cuántos estudiantes proceden de municipios de menos de cinco mil habitantes y siempre levantan la mano bastantes. Pero venir de un pueblo no significa necesariamente tener una conciencia de ruralidad. Vivimos en una sociedad muy urbanocéntrica y esa manera de mirar el mundo también influye en quienes han crecido en localidades pequeñas.

    —¿Sigue existiendo la idea de que para triunfar profesionalmente hay que marcharse?

    —Muchísimo. Me encuentro con estudiantes y personas de mi entorno que consideran que irse a Madrid o a otra gran ciudad es una especie de éxito en sí mismo. Y yo muchas veces me pregunto por qué. Entiendo perfectamente que alguien quiera vivir en una gran ciudad, pero no creo que sea necesariamente mejor. Aquí puedes tener una calidad de vida extraordinaria, desarrollar una carrera profesional y disfrutar de un entorno que ofrece muchas posibilidades. A veces parece que hemos interiorizado que todo lo importante sucede fuera de Extremadura.

    —¿También ocurre con la elección de universidad?

    —Sí. Hay estudiantes que consideran que estudiar en Madrid, Salamanca o Sevilla tiene necesariamente más prestigio que hacerlo en la Universidad de Extremadura. Y creo que esa visión está bastante desactualizada. La calidad de una universidad no depende únicamente de su tamaño o de la ciudad donde se encuentra. En nuestra área de Derecho Constitucional desarrollamos investigaciones y proyectos pioneros, con profesorado que está trabajando en cuestiones de enorme actualidad. La Universidad de Extremadura tiene muchísimo que ofrecer.

    —Sin embargo, también te preocupa la salida constante de población joven y sus consecuencias para el futuro de la región.

    —Me preocupa muchísimo. Estamos consolidando dinámicas demográficas que considero insostenibles. Hay territorios que pierden población mientras las grandes áreas metropolitanas siguen concentrando habitantes, servicios y oportunidades. Eso tiene consecuencias en la vivienda, el empleo, los servicios públicos, la fiscalidad y prácticamente todos los ámbitos de nuestra vida. Desde la universidad investigamos estos problemas, elaboramos estudios y proponemos soluciones, pero después necesitamos que los poderes públicos utilicen ese conocimiento.

    La cultura como herramienta para construir territorio

    —Hay otra cuestión que me interesa especialmente por nuestro trabajo en OverDose: la cultura como elemento de desarrollo rural. ¿Qué importancia le das?

    —Muchísima. Creo que en Extremadura existen experiencias culturales extraordinarias que funcionan gracias a pequeñas comunidades de personas muy comprometidas con sus territorios. Son grupos que se organizan, crean proyectos y dinamizan sus localidades, muchas veces con una enorme capacidad de autogestión.

    —Has mencionado durante nuestra conversación el caso de Los Santos de Maimona.

    —Sí. En Los Santos de Maimona hay experiencias sociales con estrecha relación con la mujer rural como Raíces y culturales muy interesantes, como las vinculadas a la Sala Guirigai y a otros proyectos del territorio. Son iniciativas que funcionan porque hay personas que tienen la voluntad de hacerlas funcionar. Y eso es importantísimo, porque generan espacios de encuentro, actividad cultural y razones para que la gente quiera vivir en esos lugares.

    —¿Y qué papel deberían desempeñar las administraciones ante esas iniciativas?

    —Facilitar su desarrollo. Si hay personas que están haciendo un trabajo extraordinario para dinamizar culturalmente sus pueblos, lo lógico sería ayudarles a continuar, no ponerles obstáculos. Muchas veces esas comunidades funcionan incluso sin un apoyo público suficiente. Precisamente por eso creo que las administraciones deberían prestarles más atención y favorecer su continuidad.

    —También has impulsado encuentros universitarios para reflexionar sobre cultura y ruralidad.

    —Sí. Organizamos unas jornadas entre Valverde de Burguillos y Los Santos de Maimona, con participación de agentes culturales y sociales de diferentes lugares. Hablamos de juventud, multiculturalismo, cultura y dificultades del mundo rural. Participaron proyectos e iniciativas muy diversos. Fue una experiencia muy interesante porque permitió reunir a personas que están trabajando directamente sobre el territorio y ponerlas en contacto con la investigación universitaria.

    —En ese sentido, ¿crees que la cultura puede ayudar a cambiar la imagen que tenemos de los pueblos extremeños?

    —Por supuesto. La cultura puede hacer que un lugar resulte más atractivo para vivir, que exista actividad, que se generen relaciones sociales y que las personas encuentren motivos para quedarse. Hay mucha gente que llega de fuera de Extremadura, descubre la región, se enamora de ella y termina desarrollando proyectos que contribuyen a dinamizarla. Creo que deberíamos valorar mucho más esas experiencias.

    Otra manera de enseñar y entender la universidad

    —Antes hablabas de una universidad que debe enseñar a pensar y no solamente a memorizar leyes. ¿Está cambiando la manera de impartir Derecho?

    —Creo que sí. Yo no puedo comparar directamente con etapas anteriores porque no estaba aquí, pero sí creo que ahora existe una diversidad metodológica, generacional e ideológica muy interesante. Hay muchas maneras de enseñar Derecho. Algunas son más tradicionales y otras intentamos ofrecer herramientas para que el alumnado pueda mirar más allá de los límites del propio sistema, analizarlo críticamente y construir sus propias conclusiones.

    —¿Esa es la universidad que te interesa?

    —Sí. Una universidad que permita pensar, que proporcione conocimientos, pero también herramientas para interpretarlos y cuestionarlos. Yo tuve profesores y profesoras maravillosos que influyeron muchísimo en mi decisión de dedicarme a la docencia. También tuve otros que se limitaban a abrir un manual y leerlo. Creo que ahora tenemos la oportunidad de combinar diferentes formas de enseñar y eso puede resultar muy enriquecedor.

    Ana Torrecillas llegó a Cáceres para estudiar jurídicamente un territorio que todavía no conocía demasiado. Hoy trabaja desde la Universidad de Extremadura en una propuesta que pretende incorporar las distintas ruralidades a la legislación, investiga las condiciones de vida de las personas mayores y los cuidados, y continúa defendiendo que los pequeños municipios necesitan ser escuchados cuando se toman decisiones que afectan a su futuro. En su despacho quedan aquellas tarjetas con nombres de mujeres que sus alumnos tendrán que investigar.  Ella decidió quedarse. Le gusta Cáceres, le gusta Extremadura y le interesa especialmente esa capacidad que tienen algunos pueblos para organizarse y sacar adelante iniciativas culturales y sociales incluso cuando los recursos son escasos. No oculta los problemas del territorio ni suaviza sus críticas a unas políticas públicas que considera insuficientemente adaptadas a la realidad rural. Su trabajo consiste precisamente en estudiar esas dificultades y plantear alternativas desde el Derecho. Durante nuestra conversación ha insistido en que las necesidades de una localidad de La Siberia no tienen por qué coincidir con las de un municipio de Las Hurdes. También en que las mujeres desempeñan funciones muy diferentes dentro del mundo rural, desde la creación de espacios culturales y asociativos hasta la responsabilidad, muchas veces invisible, de cuidar a quienes lo necesitan.

    Ana sigue investigando, dando clases y preparando nuevas propuestas. Lo hace desde una universidad pública situada en una región que eligió para vivir y en la que ha encontrado motivos suficientes para desarrollar su carrera. Cuando recuerda a quienes se han marchado y expresa su deseo de que algún día regresen, aparece también la mujer que llegó a Extremadura con una tesis doctoral por delante y terminó haciendo de Cáceres su casa.

    Willy López / Félix Méndez

  • «De Aristófanes a la IA: una tarde con Arsuaga y Millás en el Teatro Romano de Mérida»

    «De Aristófanes a la IA: una tarde con Arsuaga y Millás en el Teatro Romano de Mérida»

    El Teatro Romano de Mérida reunió a Juan Luis Arsuaga y Juan José Millás ante un graderío prácticamente lleno para hablar de evolución, literatura, fuego, conciencia, amor o inteligencia artificial. Esta segunda edición de «Palabras Mayores» del Plan de Fomento de la Lectura de la Junta de Extremadura comenzó algunas horas antes, entre las piezas del Museo Nacional de Arte Romano, y terminó entre lectores y libros en el peristilo.

    «Lo más difícil en una sociedad humana es llevar la contraria. El discrepante paga un precio.» Juan Luis Arsuaga, Juan José Millás en La vida contada por un sapiens a un neandertal

    Juan José Millás escucha su propia voz regresar desde las piedras del Teatro Romano. Habla y vuelve a escucharse. El eco le llama la atención nada más comenzar y durante unos instantes prueba las posibilidades de un espacio construido para que las palabras llegaran mucho más lejos que cualquier conversación privada. A su lado está Juan Luis Arsuaga. Entre ambos, Beatriz Mariño. Delante, un graderío prácticamente lleno en una tarde espléndida en Mérida. La conversación, en realidad, había empezado antes. Arsuaga y Millás habían aprovechado su paso por la ciudad para visitar el Museo Nacional de Arte Romano y pasearse entre algunas de las piezas de esa Mérida que continúa apareciendo bajo la Mérida actual. La visita encajaba con la manera en la que ambos llevan años trabajando juntos: salir, caminar, mirar, detenerse ante algo y comenzar a hacerse preguntas. Un museo, una calle, un parque, una tienda o un restaurante pueden terminar convertidos en escenario para hablar del ser humano.

    Especialmente un restaurante. La gastronomía forma parte de esa particular ruta de encuentros que ambos han ido construyendo alrededor de sus libros. Comer juntos ofrece tiempo para hablar, aunque precisamente allí la evolución humana pueda quedarse fuera de la conversación. Millás recordó en Mérida que hay gente que hace sus propias rutas de restaurantes. Ellos también han ido trazando la suya, con mesas y lugares asociados a viajes, encuentros y conversaciones que no siempre necesitan terminar convertidas en una explicación sobre sapiens y neandertales.

    Sus tres libros tienen mucho de ese desplazamiento. La vida contada por un sapiens a un neandertal, La muerte contada por un sapiens a un neandertal y La conciencia contada por un sapiens a un neandertal acumulan kilómetros, paseos, visitas, comidas, observaciones y conversaciones que empiezan por una cosa y pueden terminar bastante lejos de ella.

    En La extraña pareja, donde Jack Lemmon y Walter Matthau compartían apartamento, discusiones y una amistad construida desde dos maneras casi incompatibles de relacionarse con el mundo. Algo de esa relación cinematográfica planea sobre Juan Luis Arsuaga y Juan José Millás, donde ni siquiera terminan de reconocerse como amigos después de tres libros, viajes, comidas y muchas horas juntos. Uno viene de la paleoantropología y el otro de la literatura; uno busca explicaciones y el otro tiene facilidad para encontrar otra pregunta dentro de la respuesta.

    Beatriz Mariño conoce bien pronto el terreno por el que se moverá el encuentro. Pregunta, escucha, reconduce y abre otro asunto. Ellos entran y salen, se contradicen, bromean y recuperan cuestiones anteriores. El fuego lleva hasta la inteligencia artificial; la ciencia termina hablando de literatura; Richard Dawkins aparece junto a los memes; Melville presta a Bartleby para responder a un desacuerdo y Aristófanes coloca sobre el escenario discusiones que ya ocupaban a los atenienses hace más de dos mil cuatrocientos años. La distribución de papeles parece sencilla: Millás acepta el lugar del neandertal desconcertado ante el mundo; Arsuaga, el del sapiens que intenta explicárselo…o puede que al revés. A medida que avanza la conversación, los límites se mueven bastante más de lo previsto.

    El fuego y todo lo que vino después

    La conversación llega a los grandes avances de la humanidad y Arsuaga se va al fuego. No al teléfono, a internet o a la inteligencia artificial, sino al momento en que su dominio modificó la alimentación, nuestra relación con el entorno y la propia evolución del ser humano. La IA aparece inmediatamente después y el antropólogo madrileño observa con ironía la cantidad de energía, materiales, espacio y recursos que estamos empleando para conseguir que una máquina termine haciendo algo parecido a lo que hacemos nosotros, quizá bastante más rápido. Para el periodista, al IA es un avance ineludible, algo que ni se pergeñaba desde el descubrimiento del fuego.

    Arsuaga está más cerca de las ciencias; Millás, de las letras. Mariño coloca esa diferencia sobre la mesa y la frontera comienza a desdibujarse. Para Arsuaga, una novela, un artículo científico o una conversación participan también de la necesidad de explicar, transmitir y ordenar el conocimiento a través de las palabras. Millás escucha y lleva el asunto hacia otro sitio. Si la ciencia, la filosofía y la vida consisten en buena medida en hacerse preguntas, ¿quién inventó la palabra «pregunta»? ¿Quién decidió que aquella manera de formular una duda necesitaba un nombre?

    Entre una explicación y la siguiente, la dinámica se repite. Arsuaga desarrolla una idea desde el conocimiento científico y Millás encuentra algún extremo del que tirar para llevarla hacia la literatura, la experiencia cotidiana o una nueva duda. Algo parecido puede ocurrir durante una visita a un museo, caminando por una ciudad o delante de una mesa cuando, entre plato y plato, han decidido que por un rato se puede hablar de todo menos de la evolución del hombre.

    «Preferiría no hacerlo»

    El humor acompaña buena parte del encuentro. Arsuaga comenta una de esas fórmulas utilizadas en inglés para expresar una opinión o introducir un desacuerdo desde el «desde mi punto de vista». Millás encuentra una alternativa bastante más literaria y recuerda a Bartleby, el personaje de Herman Melville que convirtió su «preferiría no hacerlo» en respuesta ante aquello que no deseaba hacer. Bartleby no volvería a aparecer más adelante, pero el punto de vista siempre estuvo en la jerga de la charla, ahí estuvo el desenfado encuentro intelectual que sacó la sonrisa del público.

    Arsuaga introduce después la palabra «meme». Suena inevitablemente a internet, teléfonos móviles y redes sociales, pero recuerda que fue Richard Dawkins quien acuñó el término en 1976 para explicar la transmisión de determinados elementos culturales de unas personas a otras. Desde Dawkins, la conversación retrocede mucho más y Arsuaga llega hasta el 423 a. C. y Las nubes de Aristófanes. Habla de educación, del enfrentamiento entre generaciones, de las nuevas corrientes de pensamiento, de padres e hijos, de cambios en las costumbres y de la desconfianza con la que una generación puede observar a la siguiente. El público escucha desde las gradas del Teatro Romano problemas planteados varios siglos antes de que aquel espacio fuese construido y que, con otros nombres y otras circunstancias, continúan formando parte de las conversaciones actuales.

    ¿Sí o no?

    Beatriz Mariño lleva después la conversación hacia el amor, el romántico. Arsuaga habla del vínculo materno y del cuidado, de aquello que compartimos con otros seres vivos. Desde ahí llegan el amor romántico, las construcciones culturales levantadas alrededor de él y las explicaciones que ya no resultan tan fáciles de colocar únicamente en el terreno de la biología. Millás acaba sintiéndose despechado por Arsuaga. O al menos eso dice. Arsuaga parece tener amor suficiente para repartirlo mucho más ampliamente. Las risas acompañan el intercambio y Mariño continúa hacia otra cuestión: el alma humana.

    Millás recupera a Bartleby. Arsuaga quiere una respuesta más concreta. ¿Sí o no? Mientras hablan, desde el entorno del peristilo comienzan a escucharse los sonidos de los pájaros. Las voces del escenario dejan espacio durante unos instantes a los cantos que llegan desde fuera. Arsuaga presta atención, saca el teléfono móvil e intenta averiguar qué especies están escuchando…demasiada energía para saber qué tipo de ave trina, deja caer Millás. La conversación incorpora así lo que está ocurriendo alrededor. El paleoantropólogo consulta el móvil para identificar los sonidos de los pájaros en mitad de un encuentro sobre evolución, conciencia y naturaleza humana, mientras detrás de los tres permanece la gran figura femenina que preside el frente escénico. Arsuaga se fija también en ella y recuerda la discusión sobre su tradicional identificación con Ceres y su posible relación con Livia Drusila.

    Del Museo al Teatro y del Teatro al peristilo

    Durante la tarde han pasado por el fuego y la inteligencia artificial, el cazador-recolector y las redes sociales, Aristófanes y Richard Dawkins, Melville, el amor, el alma, la conciencia, la ciencia y la literatura. La jornada había comenzado algunas horas antes caminando por el Museo Nacional de Arte Romano y todavía continuaría unos metros más allá del escenario.

    El encuentro formaba parte del Plan de Fomento de la Lectura de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura y planteaba la presentación de los tres libros desde la conversación abierta entre sus autores y el público. Al terminar, buena parte de los asistentes salió hacia el peristilo. Allí estaban de nuevo La vida contada por un sapiens a un neandertal, La muerte contada por un sapiens a un neandertal y La conciencia contada por un sapiens a un neandertal, ahora bajo los brazos o entre las manos de quienes habían seguido el encuentro desde las gradas. Una larga cola esperaba a Arsuaga y Millás para la firma de ejemplares, entre libros abiertos, dedicatorias, fotografías y lectores aguardando su turno.

    Los dos volvieron a sentarse juntos, ahora al otro lado del escenario y delante de los libros. La imagen permite recuperar aquella Extraña pareja de Lemmon y Matthau con la que también se puede mirar la relación entre ambos. Félix y Oscar convivían desde dos caracteres opuestos y, cuando aquella convivencia terminaba, algunas costumbres de uno ya habían pasado al otro.

    Arsuaga y Millás llevan tres libros diciendo que tampoco terminan de ser amigos. En medio quedan viajes, museos, paseos, restaurantes, conversaciones y muchas páginas escritas a cuatro manos. Uno continúa preguntando; el otro, buscando respuestas. Y en la siguiente mesa, museo, paseo o escenario volverán a cambiar los papeles unas cuantas veces.

     

    Félix Méndéz / Willy López

  • FestCineQueer convierte Extremadura en un gran escenario para el cine, la diversidad y los derechos LGBTI

    FestCineQueer convierte Extremadura en un gran escenario para el cine, la diversidad y los derechos LGBTI

    El Festival Internacional de Cine LGBTI de Extremadura celebra su 29ª edición del 6 al 15 de noviembre con una programación que llegará a 22 localidades, diez largometrajes, 21 cortometrajes en la selección oficial y actividades educativas en 35 centros. Organizado por Fundación Triángulo Extremadura, el certamen vuelve a reunir cine, creación artística, memoria, reflexión social y participación ciudadana, con una mirada especialmente atenta al territorio rural.

    El cine tiene la capacidad de acercarnos a vidas que desconocemos, de cuestionar aquello que durante demasiado tiempo hemos considerado normal y de recuperar historias que permanecieron fuera de la pantalla, muchas veces porque tampoco encontraron espacio en la sociedad. Hace casi tres décadas, Extremadura comenzó a construir un festival alrededor de esa idea, convencida de que las imágenes podían contribuir a ampliar derechos, reconocer identidades y generar conversaciones que difícilmente se producían en otros ámbitos. Aquel proyecto ha llegado a su vigesimonovena edición convertido en una de las citas culturales más consolidadas de la región en torno a la diversidad sexual y de género.

    Del 6 al 15 de noviembre, el Festival Internacional de Cine LGBTI de Extremadura, FestCineQueer (FCQ), desplegará una programación que combina cinematografías internacionales, producciones españolas, documentales, cortometrajes y encuentros con profesionales de la cultura. La propuesta mantiene una de sus características fundamentales: extender la actividad más allá de las grandes ciudades y llevar el audiovisual a municipios donde las oportunidades de acceder a estas películas y participar en debates sobre diversidad son considerablemente menores.

    La edición de 2026 contará con sesiones en 22 localidades extremeñas, diez largometrajes y 21 cortometrajes en la selección oficial. A ello se suma una programación educativa que alcanzará 35 centros, además de talleres, conversaciones, podcasts en directo y actividades relacionadas con las artes escénicas, la moda y la creación contemporánea. Una dimensión territorial y pedagógica que ayuda a comprender la evolución de un festival que ha ido ampliando sus formatos sin abandonar su principal compromiso con la visibilidad y los derechos de las personas LGBTI.

    Diez largometrajes para recorrer diferentes realidades

    La selección de largometrajes ofrece una panorámica de las inquietudes que atraviesan buena parte del cine queer contemporáneo. La identidad, la familia, el deseo, la memoria, la represión política, la migración y las distintas formas de construir relaciones afectivas aparecen en películas procedentes de países como Francia, Canadá, Bélgica, Paraguay y España.

    Entre los títulos seleccionados figura 9 lunas, de Patricia Ortega, una producción española de 2026 que cuenta la historia de Ángel, un entrenador personal y hombre trans cuya vida cambia cuando descubre que está embarazado. La película aborda las contradicciones, decisiones y expectativas que acompañan a su protagonista, especialmente en relación con la masculinidad y su proyecto vital. Podrá verse en Villanueva de la Serena, Puebla de Obando y Alburquerque. También alrededor de la familia se desarrolla 15 pruebas de amor, de la directora francesa Alice Douard. Su protagonista, Céline, espera el nacimiento de la hija que tendrá con su esposa Nadia, pero debe enfrentarse a las dificultades legales y sociales para conseguir el reconocimiento de su maternidad. La película se proyectará en Plasencia, Villanueva de la Vera y Cáceres.

    El canadiense Eric K. Boulianne presenta Follies, una historia sobre una pareja que, después de dieciséis años de convivencia, decide abrir su relación y explorar nuevas experiencias sexuales y afectivas. Una decisión que obliga a sus protagonistas a revisar sus certezas sobre la intimidad, el compromiso y la convivencia. La película llegará a Badajoz y Jaraíz de la Vera. El humor y la animación tienen presencia con Jim Queen, de Marco Nguyen y Nicolas Athane, una producción francesa que plantea una disparatada epidemia capaz de transformar a los hombres homosexuales en heterosexuales. A través de esta premisa, sus responsables construyen una aventura por la escena gay parisina que utiliza la sátira para hablar de identidad, comunidad y pertenencia.

    La programación incorpora igualmente Cobarde, del realizador belga Lukas Dhont, ambientada durante la Primera Guerra Mundial. La película sigue a dos soldados que encuentran en el teatro una forma de escapar momentáneamente de la brutalidad del frente, mientras se enfrentan a las ideas tradicionales sobre el heroísmo y la cobardía. La relación entre sexualidad y represión política aparece en Narciso, de Marcelo Martinessi, situada en el Paraguay de 1959, bajo la dictadura de Alfredo Stroessner. Su protagonista es un joven que regresa de Buenos Aires con el rock and roll como expresión de libertad y termina convertido en una figura incómoda para una sociedad dominada por el miedo y la vigilancia. Su asesinato abre una historia que conecta deseo, violencia y autoritarismo. Completa esta parte de la selección Tangles, de Leah Nelson, una producción canadiense-estadounidense que aborda el regreso de una persona a su ciudad de origen tras el diagnóstico de alzhéimer de su madre, una experiencia que obliga a reconsiderar las relaciones familiares, los cuidados y los vínculos personales.

    El documental como espacio de memoria y reconocimiento

    El documental ocupa un lugar relevante dentro de la programación, especialmente por su capacidad para recuperar testimonios y acercarse a experiencias que todavía encuentran dificultades para obtener reconocimiento público. Lo que hacíamos en las sombras, dirigido por Sara Moralo, aborda la realidad de las personas mayores queer en España que vivieron durante la dictadura franquista la persecución de sus identidades y relaciones afectivas. A partir de un espacio comunitario en Madrid, el documental recupera las voces de quienes atravesaron décadas de represión y encuentran ahora un lugar para compartir su memoria y reconstruir vínculos. La película se proyectará el 12 de noviembre en Mérida, en la Sala Trajano, con un coloquio posterior con su directora.

    La migración y la vulnerabilidad protagonizan Cobijo, de Adrián Silvestre, que sigue las experiencias de jóvenes LGBTQ+ que, después de intentar llegar a Estados Unidos, encuentran protección en un albergue de Ciudad de Guatemala. El documental presenta las historias de Madai, Shanel, Rosmer y Victoria, personas desplazadas que deben reconstruir sus vidas después de procesos migratorios marcados por la incertidumbre y el rechazo. Por su parte, Este cuerpo mío, codirigido por Afioco Gnecco y la actriz Carolina Yuste, acompaña a Rafael durante los primeros años de su transición de género. El viaje compartido por ambos protagonistas sitúa la amistad, la aceptación y el acompañamiento en el centro de una película que se aproxima a la identidad desde una perspectiva íntima. Podrá verse el 10 de noviembre en Badajoz. Estas tres producciones permiten apreciar la amplitud de registros del documental contemporáneo, desde la recuperación de la memoria histórica hasta el relato personal, pasando por las consecuencias sociales de la discriminación y los desplazamientos forzosos.

    Los cortometrajes y las nuevas miradas

    La selección de cortometrajes vuelve a constituir uno de los principales espacios de descubrimiento del festival. El programa reúne 21 trabajos en competición, distribuidos en las sesiones denominadas Sala Deseo, Sala Disidencia, Sala Destino y Ciclo Documental. Esta organización permite agrupar propuestas con diferentes enfoques narrativos y temáticos, desde las relaciones afectivas y el deseo hasta las experiencias de disidencia, los procesos de identidad y la representación documental de realidades LGBTI. Los ciclos recorrerán localidades como Almendralejo, Mérida, Badajoz, Plasencia, Guareña, Hervás, Hornachos, Casas de Don Pedro, Herrera del Duque, Talavera la Real y Valencia de Alcántara, entre otras.

    La programación reserva asimismo un espacio específico a Vihvo. Ciclo de cine por la dignidad de las personas con VIH, compuesto por cinco cortometrajes que abordan distintas experiencias relacionadas con el virus y su estigmatización. La sesión se celebrará el 9 de noviembre en Cáceres y permitirá acercarse a una realidad en la que los avances médicos conviven todavía con prejuicios y barreras sociales.

    El cine llega a las aulas

    Una de las dimensiones más significativas de FestCineQueer es su trabajo educativo. La Sala Joven alcanzará este año 35 centros repartidos por 19 localidades, con actividades dirigidas a estudiantes y otros colectivos que encuentran en el audiovisual una herramienta para abordar la diversidad, las relaciones personales y los derechos humanos. La iniciativa llegará a institutos y centros educativos de Badajoz, Mérida, Almendralejo, Plasencia, Montijo, Zafra, Guareña, Navalmoral de la Mata, Villafranca de los Barros y otros municipios extremeños.

    La programación contempla también propuestas vinculadas a las realidades LGBTI en el mundo y a los derechos humanos, ampliando la perspectiva hacia situaciones sociales y culturales que trascienden el contexto español. La presencia del festival en los centros educativos permite desarrollar una labor que va más allá de la exhibición cinematográfica. Las películas se convierten en materiales para conversar sobre convivencia, respeto, discriminación e identidad, especialmente entre públicos jóvenes que están construyendo su manera de relacionarse con los demás.

    Del arte drag a la moda: la diversidad también se crea sobre el escenario

    FestCineQueer amplía su propuesta con actividades que conectan el cine con otras disciplinas artísticas y con los debates culturales contemporáneos. Badajoz acogerá los días 7 y 8 de noviembre el Laboratorio Drag: creación escénica y narrativas de diversidad, dirigido por el cineasta Nacho Vegas y el actor y drag queen Jorge Rivero. La actividad propone una experiencia práctica de creación en la que las personas participantes trabajarán en la construcción de personajes, su expresión escénica y su adaptación al lenguaje audiovisual. El laboratorio incluirá trabajo interpretativo, rodaje y proyección de los resultados.

    El arte drag tendrá otra cita en Guareña, el 12 de noviembre, con una sesión participativa protagonizada por la drag queen Femurosa. Bajo el título El arte drag como patrimonio escénico contemporáneo y cultura popular, la propuesta recorrerá sus orígenes, evolución y principales referentes, prestando especial atención a su dimensión artística y a su relación con la cultura española y extremeña. La moda será protagonista en Plasencia el 9 de noviembre, con un encuentro conducido por el artista extremeño JM Cruz. La conversación abordará la indumentaria como herramienta de expresión e identidad, estableciendo conexiones entre la tradición textil de Extremadura, la artesanía y las reinterpretaciones contemporáneas de la moda.

    También se celebrarán encuentros vinculados al audiovisual y a la creación cultural. En Mérida, Sara Moralo, Pilar Díaz y Eneida Sosa participarán el 10 de noviembre en un diálogo dirigido a futuros profesionales del sector, donde se reflexionará sobre la relación entre cultura, género y creación contemporánea. A estas propuestas se suman las sesiones de Desenfocadas, centradas en las experiencias de mujeres lesbianas, bisexuales y trans, que tendrán lugar en Mérida y Montijo, así como un cinefórum dedicado a repensar la masculinidad, programado en Badajoz el 13 de noviembre.

    El orgullo también vive en los pueblos

    La extensión territorial del festival constituye una de sus principales señas de identidad. Fundación Triángulo Extremadura mantiene su apuesta por acercar el cine LGBTI a las zonas rurales mediante el Circuito Rural Queer, una iniciativa que pretende favorecer el acceso a la cultura, generar referentes y promover espacios de encuentro en municipios alejados de los principales circuitos cinematográficos. La propuesta adquiere especial relevancia en una comunidad como Extremadura, donde la dispersión geográfica y las diferencias de acceso a determinadas actividades culturales pueden condicionar las oportunidades de participación.

    Dentro de esta línea se desarrolla Mi pueblo también es mi orgullo, un podcast en directo inspirado en las conversaciones tradicionales al fresco. La iniciativa llegará a Hornachos el 12 de noviembre y a Hervás el día 13, reuniendo testimonios sobre diversidad, vida rural, LGBTIfobia y espacios seguros. La actividad plantea una conversación abierta con personas LGBTI que viven o han vivido en entornos rurales, donde las relaciones comunitarias, la cercanía y la visibilidad pública pueden adquirir características muy diferentes a las de las grandes ciudades. El programa combina estas conversaciones con actuaciones culturales y participación del público, reforzando una de las ideas que atraviesan esta edición: el acceso a la cultura y a la representación de la diversidad no debería depender del tamaño de la localidad en la que se vive.

    De Cáceres a Badajoz, diez días de festival

    La vigesimonovena edición comenzará oficialmente el viernes 6 de noviembre con una gala inaugural en la Filmoteca de Extremadura de Cáceres, a partir de las 20.30 horas. La jornada concluirá con una fiesta de inauguración, dando paso a diez días de proyecciones y actividades repartidas por la región. Badajoz tendrá una presencia destacada en la programación. Además del laboratorio drag y el cinefórum sobre masculinidades, la ciudad acogerá diferentes sesiones cinematográficas en la Filmoteca de Extremadura, ubicada en Factoría Joven, y en la Residencia Universitaria Hernán Cortés. El martes 10 de noviembre se proyectarán Este cuerpo mío, a las 18.00 horas, y Follies, a las 20.30. El jueves 12 será el turno de Tangles, a las 18.00 horas, y Jim Queen, a las 20.30. Mérida, por su parte, contará con proyecciones como Tangles, Lo que hacíamos en las sombras y Cobarde, además de encuentros profesionales y actividades participativas. Cáceres acogerá, entre otras propuestas, Cobijo, 15 pruebas de amor y Cobarde.

    El sábado 14 de noviembre tendrá lugar la gala de clausura en el Palacio de Congresos Manuel Rojas de Badajoz, a partir de las 20.30 horas. La celebración continuará con una fiesta en Ku Bar, con la participación de la drag queen Skoria. La programación todavía se extenderá hasta el domingo 15, con sesiones en localidades como Alburquerque, Talavera la Real y Navalmoral de la Mata.

    Veintinueve ediciones construyendo cultura y visibilidad

    La trayectoria de FestCineQueer permite observar cómo han cambiado las formas de representar la diversidad sexual y de género en el audiovisual, pero también cómo han evolucionado las conversaciones sociales que acompañan a esas imágenes. Durante estos años, el festival ha mantenido una relación estrecha entre creación cinematográfica, participación ciudadana y defensa de los derechos humanos. Su programación de 2026 vuelve a demostrar que el cine puede abordar cuestiones complejas desde registros muy diferentes, incorporando el humor, la ficción histórica, el documental, la animación o el relato autobiográfico.

    La presencia de nuevas producciones internacionales convive con historias sobre la memoria de la represión franquista, las dificultades de las familias diversas, las experiencias de las personas trans y la vida LGBTI en entornos rurales. Al mismo tiempo, los encuentros y actividades paralelas permiten que esas cuestiones continúen desarrollándose fuera de las salas de proyección. A las puertas de cumplir treinta ediciones, FestCineQueer mantiene así un modelo de festival que entiende la cultura como una herramienta de participación y transformación social, con una programación que conecta ciudades y pueblos, generaciones y disciplinas artísticas. Una propuesta que vuelve a situar a Extremadura en el mapa del cine LGBTI y que, durante diez días de noviembre, ofrecerá nuevas oportunidades para descubrir películas, escuchar experiencias y ampliar las miradas sobre una sociedad diversa.

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  • Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    Museo Vostell Malpartida «50 años de una vanguardia que encontró su lugar en Extremadura»

    En 1976 Wolf Vostell convirtió Los Barruecos en el punto de partida de uno de los proyectos artísticos más singulares de España. Cincuenta años después, el Museo Vostell Malpartida reúne paisaje, patrimonio industrial, Fluxus, videoarte, instalaciones, memoria documental y algunos de los nombres esenciales de la creación contemporánea internacional.

    En 1976 el Museo Vostell Malpartida todavía no tenía la dimensión, las colecciones ni la estructura que hoy conocemos. Los Barruecos eran ya ese extraordinario paisaje de granito y agua modelado durante siglos por la naturaleza y por la actividad humana, pero resultaba difícil anticipar que aquel espacio, situado a pocos kilómetros de Cáceres y lejos de los grandes centros europeos del arte, terminaría formando parte de una de las experiencias culturales más singulares nacidas en Extremadura durante la segunda mitad del siglo XX.

    España acababa de entrar en una etapa completamente nueva tras la muerte de Franco y Extremadura estaba todavía lejos de contar con la estructura institucional y cultural que desarrollaría con la democracia y la autonomía. Madrid concentraba buena parte de la actividad artística nacional y ciudades como París, Berlín, Colonia o Nueva York marcaban algunas de las coordenadas internacionales de la creación contemporánea. Malpartida de Cáceres quedaba aparentemente fuera de aquel mapa, aunque esa posición periférica terminaría formando parte de la personalidad del proyecto.

    Wolf Vostell encontró en Los Barruecos un territorio que conectaba con su manera de entender el arte y con una idea que había recorrido buena parte de su trayectoria: acercar creación y vida hasta hacer difícil distinguir dónde terminaba una y comenzaba la otra. Entre las grandes rocas graníticas, las charcas, el ganado, las aves y las construcciones vinculadas durante siglos a la actividad ganadera comenzó a tomar forma un museo que no había sido diseñado previamente para buscar después una ubicación. Fue el encuentro con el lugar el que terminó provocando el proyecto. El 30 de octubre de 1976, VOAEX (Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura) situó un automóvil envuelto en hormigón entre las rocas de Los Barruecos. Aquella intervención marcaría el punto de partida de una historia que durante los siguientes cincuenta años conectaría Malpartida con algunas de las corrientes, artistas y debates fundamentales del arte contemporáneo internacional.

    De Alemania a Extremadura

    Wolf Vostell había nacido en Leverkusen en 1932 y su infancia quedó atravesada por la Segunda Guerra Mundial, una experiencia que posteriormente aparecería, directa o indirectamente, en numerosas obras. Violencia, destrucción, medios de comunicación, tecnología, información y comportamiento humano fueron incorporándose a un lenguaje artístico que acabaría situándolo entre las figuras relevantes de la renovación artística europea de la segunda mitad del siglo XX. Durante su juventud viajó a París y entró en contacto con los nuevos lenguajes que estaban transformando el arte europeo. España comenzó también a ocupar un lugar importante en su trayectoria. Goya, Zurbarán y la tradición artística española despertaron su interés y en París conoció Las Hurdes, tierra sin pan, de Luis Buñuel, una película que introducía Extremadura en su imaginario antes de que la región adquiriera una dimensión mucho más personal en su vida.

    Ese interés lo condujo hasta Guadalupe, donde buscaba acercarse a la obra de Zurbarán conservada en el monasterio y donde se produjo un encuentro que acabaría modificando definitivamente su relación con Extremadura. Allí conoció a Mercedes Guardado, una joven extremeña que acababa de terminar sus estudios de Magisterio. La relación avanzó rápidamente y ambos se casaron en enero de 1959 en la iglesia de Santiago de Cáceres. Desde entonces Extremadura dejó de ser para Vostell únicamente un territorio de interés artístico para convertirse también en espacio familiar y vital. Mercedes acompañaría buena parte de su trayectoria, participaría activamente en el entorno artístico que fue creciendo alrededor del creador alemán y desempeñaría posteriormente un papel decisivo en la continuidad del proyecto de Malpartida. Su casa se convirtió en lugar de encuentro para artistas y su presencia fue inseparable de una historia que hoy reconoce esa aportación en la Colección Wolf y Mercedes Vostell.

    Los Barruecos

    Vostell llegó por primera vez a Malpartida de Cáceres en 1974 y encontró un paisaje muy diferente al de los espacios convencionales en los que acostumbraba a presentarse el arte contemporáneo. Los Barruecos reunían enormes formaciones graníticas, agua, caminos, aves, ganado y restos de actividades económicas desarrolladas durante siglos, además del antiguo Lavadero de Lanas, estrechamente relacionado con la trashumancia y con una parte importante de la memoria rural extremeña.

    Su interés por aquel entorno superó pronto la contemplación estética. Vostell entendió que el paisaje podía incorporarse al propio discurso artístico y que la relación entre naturaleza, actividad humana y creación ofrecía posibilidades que difícilmente podían reproducirse en una sala convencional. De esa mirada surgió el museo. Los Barruecos no fueron elegidos para albergar un proyecto previamente definido, sino que participaron en su propia concepción. Desde entonces, el territorio dejó de funcionar únicamente como fondo de las obras y pasó a convertirse en uno de los elementos que explican su identidad. Esa relación continúa determinando la experiencia de la visita cincuenta años después. El museo comienza antes de atravesar sus puertas. La carretera, las grandes rocas, las charcas, las cigüeñas, el ganado y los cambios del paisaje acompañan el recorrido hasta el antiguo Lavadero de Lanas y sitúan al visitante en un espacio donde patrimonio natural, memoria histórica y creación contemporánea conviven de una manera difícil de encontrar en otros museos.

    Del Lavadero de Lanas al museo

    La incorporación del antiguo Lavadero de Lanas permitió ampliar considerablemente las posibilidades del proyecto. El Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres consiguió adquirir el conjunto de edificios, entonces muy deteriorados, y ponerlos a disposición de su desarrollo, una decisión fundamental para que las primeras intervenciones en Los Barruecos pudieran avanzar hacia una estructura museística más ambiciosa.

    El edificio aportaba además una dimensión que encajaba especialmente bien con la concepción de Vostell. Su historia estaba relacionada con la lana, la trashumancia, el trabajo y las rutas que durante siglos habían atravesado Extremadura. La llegada del arte contemporáneo no borró esa memoria, sino que añadió una nueva capa a un lugar que ya tenía una historia propia. El respaldo institucional resultó esencial desde aquellos primeros años. El Ayuntamiento desempeñó un papel determinante y la Universidad de Extremadura aportó también el apoyo de profesores que conocían la trayectoria internacional de Vostell y comprendieron la relevancia de lo que comenzaba a desarrollarse en Malpartida. Con el paso de los años se incorporaría de manera decisiva la Junta de Extremadura, especialmente durante el proceso de consolidación institucional y recuperación arquitectónica que permitiría la apertura estable del museo en la década de los noventa.

    El recorrido no fue sencillo ni lineal. Hubo avances, dificultades y desencuentros en una Extremadura que construía al mismo tiempo su autonomía y debía atender importantes necesidades sociales y de infraestructuras. En ese contexto fue tomando cuerpo una institución dedicada a lenguajes artísticos que todavía resultaban desconocidos para una parte considerable de la sociedad.

    Malpartida entra en el mapa internacional

    Mientras el proyecto avanzaba institucionalmente, la trayectoria de Vostell conectaba Malpartida con una red artística que llevaba años atravesando Europa y Estados Unidos. El creador alemán había trabajado con el dé-coll/age, el happening, las acciones y la televisión como material artístico y mantenía una relación estrecha, aunque siempre desde su propia independencia creativa, con el universo Fluxus.

    Fluxus había reunido desde comienzos de los años sesenta a creadores interesados en cuestionar las fronteras entre música, artes visuales, literatura, performance y vida cotidiana. El objeto común, el sonido, el gesto, el azar, el humor o una acción aparentemente insignificante podían adquirir una nueva dimensión artística y desplazar los límites tradicionales de la obra de arte. Esa red internacional comenzó a encontrar también su espacio en Extremadura. Artistas, críticos, coleccionistas, investigadores y responsables de instituciones culturales viajaron hasta Malpartida y participaron en actividades, encuentros y proyectos que situaron a la localidad dentro de un circuito que hasta entonces parecía muy alejado de la región.

    Nombres como Nam June Paik, Yoko Ono, George Maciunas, George Brecht, Robert Filliou, Ben Vautier o Daniel Spoerri forman parte del contexto artístico y de las colecciones vinculadas a Fluxus que permiten entender la dimensión internacional alcanzada por el museo. Malpartida no necesitó reproducir los modelos de Berlín, París, Colonia o Nueva York para incorporarse a esa geografía. Su singularidad estaba precisamente en conservar aquello que ninguna de esas ciudades podía ofrecer: Los Barruecos, el paisaje extremeño, el antiguo Lavadero de Lanas y una relación entre arte y territorio imposible de trasladar intacta a otro lugar.

    La vanguardia y el pueblo

    La dimensión internacional convivió desde muy pronto con la voluntad de conectar el proyecto con Malpartida. Vostell incorporó a las primeras actividades elementos procedentes de los conocimientos, costumbres y formas de vida del pueblo, estableciendo un diálogo entre la experimentación artística y una cultura popular que formaba parte del territorio. Durante las primeras Semanas de Arte Contemporáneo, a finales de los setenta, happenings, performances y conciertos Fluxus compartieron espacio con fotografías, herramientas de trabajo, objetos tradicionales, gastronomía y otras manifestaciones relacionadas con la vida cotidiana. Mujeres, personas mayores y vecinos participaron en distintas experiencias y dejaron de ocupar exclusivamente el papel de espectadores de una vanguardia llegada desde fuera. Aquella convivencia entre prácticas aparentemente tan alejadas respondía a una de las ideas que Vostell defendió durante su relación con Extremadura: «No hay tradición sin vanguardia ni vanguardia sin tradición». Los Barruecos permitían comprobar esa relación de una manera especialmente directa. El arte internacional no sustituía la identidad del lugar, sino que se incorporaba a ella.

    Dalí y Parsifal

    Otro momento importante en la consolidación del museo llegó en 1988 con la instalación del monumental telón de Parsifal, realizado por Salvador Dalí para la representación de la ópera de Richard Wagner dirigida por Vostell. La obra incorporaba al museo una de las firmas más reconocibles del arte del siglo XX, pero su importancia iba más allá del nombre de Dalí. El telón estaba relacionado con la lectura escénica realizada por Vostell sobre la obra de Wagner y establecía un nuevo vínculo entre artes plásticas, música y representación. Su llegada proporcionó además una enorme visibilidad al proyecto extremeño y coincidió con una etapa de mayor implicación institucional de la Junta de Extremadura. El museo avanzaba así desde las primeras intervenciones y actividades de los setenta hacia una estructura cultural cada vez más consolidada, capaz de conservar obras de gran formato y de relacionar su colección con figuras fundamentales de la creación internacional.

    Fluxus en Los Barruecos

    Una de las principales fortalezas actuales del Museo Vostell Malpartida se encuentra en sus colecciones y en la posibilidad de recorrer a través de ellas algunos de los grandes cambios que experimentó el arte durante la segunda mitad del siglo XX. La Colección Fluxus reúne obras y documentación relacionadas con protagonistas esenciales del movimiento. A ella se suman la colección conceptual y el conjunto dedicado a Wolf y Mercedes Vostell, configurando un recorrido en el que aparecen televisores, automóviles, hormigón, pianos, motocicletas, objetos domésticos, instalaciones, fotografías y documentos. Aquellos artistas cuestionaron hace décadas asuntos que hoy forman parte de nuestra relación cotidiana con la imagen, los medios y la tecnología. Vostell comenzó a introducir televisores en sus obras cuando el aparato todavía representaba una novedad capaz de concentrar la atención de quienes se detenían ante un escaparate. En 2026, esa relación con la pantalla se ha multiplicado hasta acompañarnos prácticamente durante todo el día. La obra adquiere así nuevas lecturas sin necesidad de separarla del momento histórico en el que fue creada. La saturación de imágenes, la relación entre información y violencia, el poder de los medios de comunicación o la transformación tecnológica de nuestra percepción continúan formando parte de debates plenamente contemporáneos.

    De aquellas primeras televisiones a la cultura digital

    Cáceres ocupa además un lugar curioso en la relación de Vostell con la televisión. A finales de los años cincuenta, durante sus paseos por la ciudad junto a Mercedes, el artista observó a numerosas personas detenidas frente al escaparate de un establecimiento donde se exhibía uno de aquellos primeros aparatos. La capacidad de la televisión para atraer las miradas despertó su interés y terminó vinculándose a una investigación artística que lo situaría entre los pioneros en utilizar este medio como material creativo. Vostell comenzó a filmar, intervenir y alterar la imagen televisiva en una época en la que la tecnología audiovisual apenas había comenzado a transformar los hogares. Aquellas investigaciones se desarrollaron en paralelo a las experiencias de otros artistas fundamentales como Nam June Paik y contribuyeron a ampliar las posibilidades del videoarte.

    Sesenta años después, esa condición pionera plantea también problemas muy concretos de conservación. El museo mantiene numerosas pantallas integradas en instalaciones concebidas con tecnologías que han desaparecido del mercado. Algunos televisores ya no pueden sustituirse por modelos equivalentes y cada intervención obliga a estudiar cómo preservar tanto el funcionamiento técnico como la naturaleza artística de la pieza. El desarrollo tecnológico que dio sentido a muchas de aquellas obras se ha convertido así en uno de los grandes desafíos para conservarlas.

    Sol en tu cabeza: cincuenta años después, Vostell vuelve a mirar las pantallas

    El Museo Vostell Malpartida celebra su cincuenta aniversario con una exposición que recupera una de las investigaciones fundamentales del artista alemán y la pone en relación con la creación audiovisual contemporánea. Bajo el título Sol en tu cabeza (Sun in Your Head), la muestra, comisariada por Levin Vostell, director artístico del museo, podrá visitarse desde el 17 de octubre de 2026 hasta el 14 de marzo de 2027. La propuesta, coproducida con el Goethe-Institut Madrid y apoyada por la Embajada de Alemania en Madrid, revisa la manera en que Wolf Vostell comenzó a utilizar la imagen televisiva como material artístico a finales de los años cincuenta, cuando la televisión apenas había iniciado su expansión en los hogares europeos.

    La exposición toma su nombre de Sun in Your Head, la película que Vostell realizó en 1963 y transfirió a vídeo en 1967. En ella filmó directamente la pantalla de un televisor, interviniendo sobre la emisión hasta descomponer las imágenes y alterar su continuidad. Aquella experimentación, desarrollada cuando el medio televisivo comenzaba a transformar la comunicación de masas, anticipó algunas de las posibilidades que posteriormente explorarían el videoarte y las instalaciones audiovisuales. La muestra presenta la película junto al televisor Grundig original utilizado por el artista durante su producción. El recorrido permite además regresar a Cáceres y a 1958, cuando Vostell comenzó el ciclo Transmigración, integrado por sus primeras pinturas con televisores en funcionamiento. Entre las piezas seleccionadas figura Transmigración III, realizada aquel año en Cáceres y perteneciente a la colección del museo. La ciudad extremeña ocupa así un lugar significativo en los comienzos de una investigación artística que continuaría desarrollándose durante las décadas siguientes, desde las primeras intervenciones sobre la imagen televisiva hasta su incorporación a espacios e instalaciones cada vez más complejos.

    Entre las obras reunidas destaca también 6 TV Dé-coll/age, presentada originalmente en 1963 en la Smolin Gallery de Nueva York y representada en la exposición mediante su reconstrucción de 1995, perteneciente al Museo Reina Sofía. La instalación reúne seis televisores cuyas emisiones manipuladas transforman la pantalla en parte de un espacio que el espectador puede recorrer, una experiencia considerada entre los antecedentes de la videoinstalación. Junto a ella aparece You, de 1964, reconstruida también en 1995, que incorpora camas de hospital, televisores y antenas y permite observar cómo Vostell relacionó sus investigaciones audiovisuales con el happening, la participación del espectador y la presencia física del cuerpo.

    La revisión histórica se amplía con la participación del artista alemán Julian Rosefeldt, cuya obra establece un diálogo con las investigaciones de Vostell desde una perspectiva contemporánea. Mientras este último intervenía sobre las emisiones televisivas hasta alterar y fragmentar las imágenes, Rosefeldt examina los mecanismos de construcción visual del cine y de los medios de comunicación mediante instalaciones cuidadosamente coreografiadas. La exposición incluye tres de sus trabajos: Deep Gold (2013-2014), relacionado con una reinterpretación de La edad de oro de Luis Buñuel; The Swap (2015), donde una escena de intercambio entre bandas se transforma en una coreografía repetitiva; y Meine Heimat ist ein düsteres, wolkenverhangenes Land (2011), una instalación de cuatro canales que aborda las representaciones culturales e ideológicas del paisaje alemán.

    El diálogo continúa con un programa internacional de vídeo distribuido por el antiguo Lavadero de Lanas, con obras de Nevin Aladağ, Natalie Bookchin, Daniel Canogar, Nezaket Ekici, Eva & Franco Mattes, Björn Melhus, Rosa Menkman y Sabrina Ratté. Sus propuestas trabajan con imágenes encontradas, interferencias, alteraciones de señal, errores digitales y distorsiones algorítmicas, procedimientos que permiten establecer conexiones con las investigaciones que Vostell desarrolló sobre la televisión analógica hace más de sesenta años.

    La exposición introduce de este modo una perspectiva contemporánea en el aniversario del museo. En una época marcada por la circulación constante de imágenes, las redes sociales, la inteligencia artificial y la producción audiovisual mediante algoritmos, las primeras experiencias de Vostell permiten revisar la relación entre las imágenes y nuestra percepción de la realidad. Aquella fascinación inicial ante los televisores que comenzaban a aparecer en los escaparates de finales de los cincuenta encuentra ahora un escenario muy diferente, con pantallas presentes en prácticamente todos los ámbitos de la vida cotidiana. Sol en tu cabeza recupera así una parte esencial de la trayectoria de Wolf Vostell y amplía el recorrido del cincuentenario hacia artistas que continúan investigando las posibilidades expresivas y críticas de la imagen. La celebración incorpora una exposición que relaciona el nacimiento del videoarte, la historia del museo y algunas de las cuestiones que atraviesan actualmente la creación audiovisual internacional.

    El Archivo Happening Vostell

    Las salas y las obras expuestas representan solamente una parte del patrimonio conservado en Malpartida. El Archivo Happening Vostell reúne un importante fondo de documentos, fotografías, correspondencia, publicaciones, materiales gráficos y testimonios relacionados con Vostell, Fluxus, el happening y las redes internacionales del arte experimental.

    Su importancia amplía la función del museo hacia la investigación y la documentación. Historiadores, especialistas y universidades encuentran en estos fondos materiales capaces de reconstruir proyectos, relaciones personales y profesionales entre artistas, acciones desaparecidas y procesos creativos que de otra manera resultarían difíciles de estudiar. Cartas, fotografías, bocetos y publicaciones permiten además seguir el funcionamiento de una red artística internacional construida mucho antes de la comunicación digital. Malpartida conserva así no solamente las obras, sino también una parte de la documentación necesaria para comprender cómo fueron concebidas, compartidas y desarrolladas. La catalogación, investigación y digitalización progresiva de estos fondos representa una de las principales posibilidades de crecimiento del museo como centro de referencia para el estudio de Vostell, Fluxus y el happening.

    Cincuenta años después

    El Museo Vostell Malpartida alcanza su cincuentenario con un patrimonio excepcional y con necesidades derivadas precisamente de su historia y de las características del lugar donde se encuentra.  El cincuentenario permite observar el camino recorrido desde 1976, pero también sitúa al museo ante una nueva etapa. Investigación, digitalización, conservación, conexión con universidades, programación y relación con nuevas generaciones forman parte de un futuro de crecimiento como espacio cultural. Dentro de ese contexto, el Museo Vostell aporta algo construido durante cinco décadas: una conexión real entre Extremadura y la creación contemporánea internacional, sostenida a través de artistas, exposiciones, colecciones, investigaciones y encuentros que han convertido Malpartida en un punto reconocible dentro de la historia del arte experimental europeo.

    Un museo ligado a su lugar

    Imaginar el Museo Vostell en Berlín, París, Londres o Nueva York supone eliminar precisamente una parte esencial de aquello que explica su singularidad. Los Barruecos, el Lavadero de Lanas, la memoria de la trashumancia, el paisaje, las aves, el ganado y la propia relación histórica con Malpartida forman parte de una identidad construida durante cincuenta años.

    También pertenecen a ella aquel encuentro entre Wolf Vostell y Mercedes Guardado, las primeras intervenciones entre las rocas, los vecinos participando en happenings, los artistas internacionales viajando hasta Extremadura, el automóvil cubierto de hormigón en 1976, el telón de Dalí, las colecciones Fluxus y un archivo que continúa proporcionando nuevas posibilidades de investigación. El Museo Vostell Malpartida no necesitó parecerse a los grandes centros internacionales del arte contemporáneo para formar parte de esa historia. Su aportación procede precisamente de haber desarrollado desde Extremadura un modelo propio en el que creación internacional, patrimonio, naturaleza y memoria rural han convivido durante medio siglo. Wolf Vostell encontró en Los Barruecos el lugar desde el que desarrollar aquella idea. Cincuenta años después, el paisaje que la hizo posible continúa formando parte inseparable del museo.

  • «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    «Muro Crítico», del arte urbano al nuevo patrimonio de los pueblos cacereños

    El proyecto impulsado por la Diputación de Cáceres y coordinado por el artista extremeño Sojo ha convertido los muros de numerosas localidades de la provincia en espacios de creación, convivencia y patrimonio contemporáneo. En su undécima edición, Muro Crítico ha consolidado un modelo que traspasa Extremadura y que entiende el arte urbano desde el territorio, la identidad de los pueblos y la relación directa entre artistas y vecinos.

    Llegamos a Portaje y los artistas ya forman parte durante unos días del paisaje cotidiano del pueblo. Hay pintura, escaleras, plataformas, grúas, paredes que comienzan a transformarse y vecinos que se detienen, preguntan o simplemente observan cómo avanza un trabajo que dentro de unos días permanecerá allí cuando quienes lo están realizando hayan seguido camino hacia otro lugar. No se trata únicamente de contemplar una obra terminada. Una parte importante de Muro Crítico sucede precisamente durante ese proceso.

    El portugués Tiago Hesp, el vasco Nex y el gallego Joseba MP trabajan esta semana en la localidad cacereña bajo el comisariado de Sojo, ilustrador y artista urbano extremeño que comenzó vinculado al grafiti y que hoy desarrolla una trayectoria profesional que combina su propia creación con la coordinación de un proyecto que cumple once ediciones.

    Muro Crítico nació en 2016 de la mano de la Diputación de Cáceres y ha crecido al mismo tiempo que lo hacía el muralismo contemporáneo en Extremadura. Lo que comenzó con un mural por localidad se ha convertido en una intervención mucho más amplia: tres artistas, tres obras, varios días de convivencia, talleres participativos y una visita final en la que los propios creadores explican qué han hecho, por qué lo han hecho y de qué manera el lugar ha influido en su propuesta. Once años después, la llegada de Muro Crítico a una localidad ya no provoca aquella extrañeza de las primeras ediciones. Sojo asegura que ahora es frecuente escuchar una frase que resume hasta qué punto el proyecto ha conseguido hacerse reconocible en la provincia: «Por fin nos ha tocado a nosotros».

    Una red de arte contemporáneo en el territorio

    Jonatan Carranza Sojo, artista y coordinador del proyecto, sitúa los antecedentes del proyecto alrededor de 2015, en un momento especialmente interesante para el arte urbano extremeño. Muchos artistas que llevaban años trabajando comenzaban a desarrollar proyectos de mayor dimensión y visibilidad, mientras el muralismo avanzaba hacia una profesionalización que permitía afrontar trabajos cada vez más complejos. Él mismo pinta desde 1993, aunque no fue hasta 2015 cuando decidió dar el salto profesional. En aquel contexto se produjo el encuentro con la Diputación de Cáceres, interesados en poner en marcha alguna iniciativa relacionada con el arte urbano, apostando con más fuerza por este atractivo cultural y patrimonial de la provincia cacereña.

    —Muro Crítico cumple once ediciones. ¿Cómo surge realmente el proyecto?

    —Coincidieron varias circunstancias. Por una parte, empezábamos a despuntar muchos artistas urbanos de la región, desarrollando proyectos grandes, con visibilidad y calidad. Nosotros llevábamos pintando toda la vida; yo, por ejemplo, desde 1993. Había llegado un momento de mucha profesionalidad entre los artistas extremeños y, al mismo tiempo, desde Diputación existía interés por hacer algo relacionado con el arte urbano. Nos reunimos y, entre las posibilidades de la administración y nuestro conocimiento de cómo funcionaba el muralismo, dimos forma al primer Muro Crítico.

    Aquella primera experiencia poco tenía que ver con la dimensión que alcanzaría posteriormente. Sojo recuerda Coria como una de las primeras localidades. El mural se realizó en un parque de una zona residencial y prácticamente pasó inadvertido. Después llegaron otros pueblos y comenzó a producirse algo que acabaría siendo fundamental para entender el proyecto: los habitantes empezaron a apropiarse de la actividad. En algunas localidades aparecieron carpas, música, comida y vecinos acompañando durante horas a los artistas. El mural dejaba de ser únicamente el resultado final para convertirse durante varios días en un acontecimiento cultural y social.

    —¿Ahí descubrís que alrededor de una pared podían suceder muchas más cosas?

    —Es una consecuencia del propio arte urbano. Estás pintando en la calle, completamente expuesto, y durante ese tiempo eres un vecino más. La gente se acerca, habla contigo, pregunta, te ofrece agua, fruta o lo que tenga. Se genera comunidad. Si sabes articular todo eso, puedes reactivar durante unos días la vida de un pueblo.

    De un mural a una semana de convivencia

    El formato ha cambiado considerablemente durante estos once años. Muro Crítico comenzó realizando un mural por pueblo durante un fin de semana. Actualmente son tres obras por localidad y los artistas trabajan de lunes a viernes. Detrás de ese cambio existe también una reivindicación profesional que Sojo considera importante. Quienes participan son artistas, pero también trabajadores autónomos con horarios, familias y necesidades de conciliación. El proyecto ha intentado incorporar esa realidad a medida que ha madurado. A los tres murales se suma un taller participativo, normalmente al final de la semana. Los vecinos que durante varios días han contemplado cómo una pared se transforma pueden experimentar entonces el proceso desde dentro y realizar conjuntamente su propia intervención.

    —¿Qué aporta esa participación vecinal?

    —Cierra el círculo. Han visto durante toda la semana cómo arrancan los murales y cómo de la nada empiezan a aparecer las obras; han hablado con los artistas y les han preguntado. Al final les ofrecemos la posibilidad de participar ellos mismos en un proceso creativo y de ejecución. Además, tienen que ponerse de acuerdo y trabajar juntos. Personas que quizá habitualmente no se relacionan terminan compartiendo una experiencia. La semana concluye con una visita guiada que dirige el propio Sojo. Allí se contextualiza Muro Crítico, se explica la apuesta cultural de la Diputación de Cáceres y, sobre todo, se cede la palabra a los autores para que expliquen sus obras directamente a quienes van a convivir con ellas.

    Portaje: leer un pueblo antes de pintar su pared

    Uno de los ejemplos más interesantes de esta edición está en Portaje. Frente a nosotros aparece la intervención de Tiago Hesp, una composición abstracta que aparentemente podría haber sido concebida en cualquier otro lugar. Sin embargo, Sojo comienza a desmenuzarla y el mural cambia por completo. Antes de trabajar sobre la pared ha existido una investigación. El artista portugués estudió el origen de Portaje, su nombre y su condición histórica como zona de paso, vinculada a la orografía del territorio. A partir de ahí aparecen referencias al relieve, al cuarzo, a los ríos Tajo y Alagón y a diferentes formas geométricas presentes en el entorno. La letra V se repite de manera sutil en la confluencia de los ríos, en las montañas y en elementos arquitectónicos del municipio.

    —Precisamente una obra abstracta puede resultar más difícil de interpretar para un vecino. ¿Es importante explicar todo ese proceso?

    —Muchísimo. Alguien podría pensar que Tiago ha cogido un cuadro suyo y simplemente lo ha colocado aquí, pero no es así. Está completamente contextualizado. Hay una investigación del pueblo y muchos elementos muy sutiles. Cuando hagamos la visita final, él podrá explicarlo y los vecinos podrán preguntarle directamente. Después serán ellos mismos quienes puedan transmitir esa historia.

    Esta forma de trabajar resume una de las claves de Muro Crítico. Los artistas no llegan con un catálogo de imágenes predeterminadas para reproducirlas en cualquier pared. Existe un estudio previo de cada municipio y un trabajo de comisariado para encontrar la relación adecuada entre creador, espacio y territorio.

    «En el trabajo de comisariado hago un poco de casamentero»

    Las localidades participantes son seleccionadas por la Diputación de Cáceres dentro de su programación cultural, atendiendo también a las solicitudes de los propios municipios. A partir de ahí comienza el trabajo de campo. Sojo visita los pueblos, conversa con los ayuntamientos, explica el proyecto, localiza paredes y estudia posibles temas. Los muros pueden ser públicos o privados; lo importante es que funcionen dentro del conjunto y permitan establecer posteriormente un recorrido coherente por la localidad. Después llega la selección de los artistas.

    —¿Cómo decides que Tiago, Nex, Joseba MP o cualquier otro creador tiene que estar precisamente en un pueblo y en un muro concreto?

    —Con toda la información que he recopilado sobre el pueblo la cruzo con la que tengo de los artistas que están en activo, los temas que trabajan, sus líneas creativas, los colores, las formas o los matices. Siempre digo que el comisario hace un poco de casamentero. Uno al pueblo con un artista que todavía no sabe que quiere a ese artista. El éxito está en conseguir que su lenguaje pictórico y su trabajo terminen precisamente en el muro en el que mejor podían estar. Esa filosofía evita convertir Muro Crítico en una sucesión de encargos decorativos. El artista conserva su lenguaje y su capacidad creativa.

    —Por tanto, no pedís al artista que llegue y pinte aquello que tradicionalmente identifica al pueblo.

    —No. No son murales de encargo. No obligamos a nadie a pintar unas gallinas, un burro o una escena tradicional determinada. Puede aparecer, por supuesto, si forma parte del proceso creativo, pero el artista tiene capacidad para crear y aportar un patrimonio que antes no existía.

    Del grafiti al arte urbano y del arte urbano al «arte rural»

    La propia evolución del proyecto permite observar también cómo ha cambiado la percepción social del muralismo. Sojo procede del grafiti y reivindica esa parte de su historia, pero considera que reducir el arte urbano contemporáneo al grafiti significa ignorar varias décadas de evolución. Hoy conviven artistas procedentes de aquella cultura con otros formados en Bellas Artes que jamás han realizado grafiti. Muchos tienen una trayectoria consolidada, trabajan internacionalmente y participan en circuitos de arte contemporáneo, galerías y ferias.

    —¿Todavía hay que explicar la diferencia?

    —Cada vez menos aquí. En la provincia de Cáceres hemos conseguido que la gente entienda de qué va el arte urbano. Sabe que somos profesionales y que detrás existe un trabajo artístico. Hace un par de años estuvimos en un proyecto en la Sierra de Madrid y todavía escuchabas aquello de «nos van a hacer unos grafitis». Aquí eso prácticamente no pasa. Existe ya una cultura de mural.

    —Has hablado de arte urbano, pero buena parte de Muro Crítico sucede en localidades rurales.

    —Realmente aquí podríamos hablar de arte rural. Una obra no tiene el mismo impacto en una gran ciudad que en un pueblo. La relación con el entorno y con las personas es distinta. En las zonas rurales el arte urbano adquiere sus propios matices y se relaciona de otra manera con la población.

    ¿Por qué Muro Crítico?

    El nombre procede de los propios orígenes del programa. La iniciativa nació vinculada a una línea de Cultura Crítica de la Diputación de Cáceres, donde convivían teatro, danza, poesía y otras disciplinas con la intención de entender la cultura no solamente como entretenimiento, sino también como una herramienta capaz de provocar preguntas y conversación. En las primeras ediciones esa dimensión crítica tenía un peso especialmente fuerte. Los murales abordaban cuestiones como las guerras, la vivienda, la inmigración u otros asuntos sociales. Con los años, el propio proyecto volvió a plantearse qué significaba intervenir en municipios de pocos cientos de habitantes.

    —¿Cambió entonces vuestra manera de entender lo «crítico»?

    —Fuimos viendo que un mural sobre un conflicto internacional podía ser interesante, pero también nos preguntábamos hasta qué punto estaba contextualizado en un pueblo de doscientos habitantes. Quizá allí era necesario reforzar también la calidad artística, la creación y la identidad del propio pueblo. Hemos mantenido esa posibilidad crítica, pero la hemos unido a la creatividad y a la inspiración que proporciona cada localidad. La evolución no ha eliminado, por tanto, el significado original del nombre, sino que ha ampliado su campo de acción. La mirada crítica puede estar en un problema global, pero también en la capacidad de observar de otra manera aquello que una comunidad tiene delante todos los días.

    El pueblo como parte de la obra

    Muro Crítico deja murales, pero durante una semana también altera de manera temporal las relaciones cotidianas del municipio. Los artistas comen allí, trabajan durante horas en la calle, conversan con quienes pasan y terminan conociendo historias que difícilmente aparecerían en una investigación previa. Sojo recuerda lo sucedido unos días antes en Huélaga, otra de las localidades participantes en esta edición, donde han trabajado también Moxaico, Zaida Escobar y Jaikü 187. Al finalizar la semana y después de la visita guiada, algunos vecinos se acercaron para despedirse de los artistas con dos besos y desearles suerte en su siguiente destino. Puede parecer una anécdota menor, pero para el coordinador explica buena parte, del proyecto.

    —Después de once años, ¿qué respuesta encontráis en los pueblos?

    —Por regla general es muy positiva. Llegamos durante una semana, convivimos con ellos y hacemos algo que quizá han visto terminado en otros lugares, pero cuyo proceso nunca habían contemplado. Ven cómo trabajamos, la pasión que tenemos por el arte y cómo intentamos transformar el espacio público. Durante esos días consigues que la gente hable de arte: de lo que ha pintado uno, de lo que transmite otro, de una forma o de un color.

    Pero existe una segunda parte: los artistas se marchan y la obra permanece. La pared que hasta entonces podía pasar inadvertida se incorpora al paisaje del municipio y comienza otra vida para el mural. Lo enseñarán los vecinos, lo descubrirán quienes regresen al pueblo y lo fotografiarán quienes lleguen desde fuera. Para Sojo, esa permanencia permite hablar directamente de patrimonio contemporáneo.

    —¿Una pintura realizada esta semana puede convertirse ya en patrimonio de un pueblo?

    —Claro. Estamos generando de la nada un patrimonio nuevo. Son obras de autor, realizadas por artistas con una trayectoria y una línea de trabajo propia. Algunos de los artistas que han pasado por Muro Crítico están presentes después en ferias como Estampa o ARCO y trabajan internacionalmente. Ese arte contemporáneo queda en los pueblos de la provincia de Cáceres.

    Un modelo que ha salido de Extremadura

    Once ediciones han permitido también que la experiencia desarrollada en Cáceres sea observada desde otros territorios. El equipo de Muro Crítico ha sido requerido para desarrollar proyectos fuera de Extremadura, entre ellos una intervención de 43 murales en la Sierra Norte de Madrid, gestionada por el propio equipo.

    Sojo considera que el proyecto se ha convertido en referencia no solamente por la calidad de las obras, sino por su metodología: investigación previa, relación con los municipios, selección de artistas, contextualización de las intervenciones, convivencia y participación ciudadana. Un modelo que, como sucede con frecuencia cuando una idea funciona, también ha encontrado imitaciones y propuestas muy próximas en otros lugares.

    —¿Después de once años se puede decir que Muro Crítico ha creado una manera propia de hacer las cosas?

    —Creo que sí. Somos referentes a nivel nacional en cómo una administración puede desarrollar un proyecto de este tipo y también dentro del propio ámbito artístico, especialmente por nuestra forma de trabajar en el entorno rural. Pero eso no depende solamente de una estructura. Depende muchísimo del equipo humano.

    —Defiendes mucho al equipo cuando hablas de Muro Crítico.

    —Porque somos una familia y, además, somos artistas. No somos gestores culturales ajenos al arte urbano que hayan decidido organizar un festival. Somos artistas que hemos dado el paso de gestionar este proyecto porque queríamos hacerlo de la mejor manera posible. Entendemos cómo funciona esto, cuidamos a quienes vienen y sabemos qué necesitan. Ese cuidado se extiende también a la experiencia que se ofrece a quienes llegan desde otros lugares. Participar en Muro Crítico no significa aterrizar, pintar una pared y marcharse. El equipo intenta que los artistas conozcan Extremadura, sus pueblos, su gastronomía y su forma de vida.

    «No vienen solamente a pintar un mural; vienen a descubrir Extremadura y a formar parte de la familia de Muro Crítico»

    Sojo, del grafiti a una trayectoria internacional

    La historia de Muro Crítico también discurre paralela a la evolución profesional de su coordinador. Sojo comenzó a pintar en 1993 y dio el salto definitivo hacia la profesionalización alrededor de 2015. Desde entonces ha consolidado un lenguaje personal estrechamente relacionado con la identidad, el folclore, la cultura popular, la música y la figura femenina. Su interés por las tradiciones no parte de una lectura puramente costumbrista. Le atrae aquello que sucede cuando una persona se viste para participar en una celebración y, durante unas horas, pasa a formar parte de algo colectivo y transmitido entre generaciones. Las indumentarias, las máscaras y los rituales populares se convierten así en material para una obra contemporánea.

    —¿En qué momento profesional te encuentras ahora?

    —Estoy muy contento con cómo ha evolucionado todo. He ido creciendo como artista y consolidando mi trabajo, y eso ha hecho que me llamen para proyectos cada vez más importantes. Al mismo tiempo apareció Muro Crítico y terminé desarrollando también esta faceta como comisario. El balance es muy positivo.

    Su trabajo le ha llevado fuera de Extremadura y de España. Recuerda especialmente un mural realizado en el entorno de París, de alrededor de 47 metros de altura, donde trabajó alrededor de la música y la mujer en un área marcada por una fuerte diversidad cultural. También tiene previsto viajar a Italia, a la zona de Sorrento, para desarrollar una intervención vinculada con la indumentaria tradicional. El vínculo entre creación contemporánea e identidad que Muro Crítico persigue en los pueblos cacereños aparece así también en su propia trayectoria.

    Once años después, los muros siguen hablando

    Muro Crítico comenzó en 2016 buscando un espacio para el arte urbano dentro de la programación cultural de la Diputación de Cáceres. Once ediciones después, el proyecto ha construido algo bastante más amplio que una colección de murales. Ha generado un mapa artístico disperso por la provincia, ha llevado obra contemporánea hasta municipios alejados de los grandes circuitos culturales, ha creado relaciones entre artistas de diferentes procedencias y ha permitido que los habitantes participen en procesos creativos que normalmente contemplarían desde fuera.

    Portaje es ahora una parada más de ese recorrido. Tiago Hesp, Nex y Joseba MP terminarán sus obras, recogerán materiales y continuarán sus respectivos caminos. Como sucedió días antes en Huélaga y como ha sucedido durante once años en numerosos puntos de la provincia, ellos se marcharán y los murales permanecerán. Pero quedará también algo menos visible: las conversaciones alrededor de las paredes, las preguntas de los vecinos, el taller compartido, la explicación final de los artistas y la posibilidad de mirar de otra manera un espacio por el que se había pasado cientos de veces. Quizá ahí se encuentre una de las claves que explican la continuidad de Muro Crítico. El proyecto ha conseguido trasladar el arte contemporáneo fuera de sus espacios habituales sin convertir el territorio rural en un simple soporte. El pueblo no es el lugar donde se coloca la obra: forma parte de ella.

    Willy López / Félix Méndez

  • «Ray Loriga y David Trueba en Escribidores: una novela y una película nunca hablan exactamente el mismo idioma»

    «Ray Loriga y David Trueba en Escribidores: una novela y una película nunca hablan exactamente el mismo idioma»

    Ray Loriga y David Trueba protagonizaron, junto a Raúl Tola, la conversación inaugural de Escribidores 2026, una primera jornada que abordó las dificultades de trasladar una novela al cine, las dimensiones de la gran pantalla, el trabajo del guion y la necesidad de que el escritor aprenda a desprenderse de su propia obra.

    La literatura y el cine comparten historias, personajes, emociones y conflictos, pero hablan idiomas diferentes. Sobre esa distancia, y sobre todo lo que ocurre cuando un libro abandona la página para enfrentarse a una pantalla, comenzó en Cáceres una nueva edición de Escribidores, el Festival Literario de América y Europa, que este año se presenta bajo el lema «Pantallas y Literatura».

    El Teatro Capitol acogió una conversación inaugural en la que Ray Loriga y David Trueba, acompañados por Raúl Tola, director de la Cátedra Vargas Llosa, recorrieron varias décadas de cine y literatura para hablar de adaptaciones, guiones, recuerdos como espectadores y de esa relación no siempre sencilla entre quien escribe una novela y quien posteriormente debe convertirla en imágenes. Loriga introdujo una cuestión que muchas veces se pierde cuando hablamos del cine desde casa: la dimensión física de la pantalla también forma parte de su lenguaje. El cine hizo enormes a sus protagonistas porque literalmente los colocaba ante el espectador con unas dimensiones extraordinarias. No era lo mismo contemplar a Marilyn Monroe o Burt Lancaster ocupando una gran pantalla que ver hoy una película en el salón de casa y comprobar que, físicamente, el propio espectador puede resultar más grande que Tom Cruise.

    Esa pérdida de escala sirve también para entender que cada medio posee sus propios códigos. La literatura puede detenerse en una frase, trabajar su ritmo, entrar en un pensamiento o construir durante páginas una sensación que difícilmente encuentra una correspondencia exacta en imágenes. El fraseo literario no tiene una traducción directa al cine, del mismo modo que determinados recursos cinematográficos pierden su naturaleza cuando se intenta trasladarlos a palabras. Para Loriga, adaptar una novela exige además un ejercicio previo especialmente complicado para cualquier autor: despegarse de la vanidad y rebajar el ego. Una película necesita independizarse del libro para encontrar su propio lenguaje, incluso cuando eso supone modificar, eliminar o transformar elementos que en la obra original parecían fundamentales.

    David Trueba llevó la conversación hacia un problema mucho más práctico: el tiempo. Recordó esa referencia habitual en la escritura cinematográfica según la cual una página de guion equivale aproximadamente a un minuto de película. Una novela, por extensión, no puede trasladarse íntegramente al cine sin asumir una enorme labor de selección. Superar determinados tiempos termina pesando sobre la propia película y sobre el espectador, como recuerda aquella máxima atribuida a Alfred Hitchcock que relacionaba la duración de una película con la capacidad de la vejiga humana. Adaptar significa, por tanto, elegir. Decidir qué permanece, qué desaparece y qué puede transformarse sin que la película pierda aquello que hizo interesante al libro.

    La conversación permitió también recuperar nombres y películas que forman parte de la educación cinematográfica de varias generaciones. Trueba recordó especialmente El cochecito, de Marco Ferreri, y el impacto que le produjo verla siendo todavía muy joven dentro de La clave, el histórico programa presentado por José Luis Balbín. Aquella televisión permitía encontrarse con películas sin demasiadas clasificaciones previas por edades y exponía al espectador joven a obras que probablemente no habría elegido por sí mismo. De esos encuentros inesperados surgían descubrimientos capaces de permanecer durante décadas.

    Raúl Tola recuperó entonces el conocido juego de palabras italiano «traduttore, traditore», el traductor como traidor, para trasladarlo a las adaptaciones cinematográficas. Porque el resultado de llevar una novela al cine siempre contiene un componente incierto: respetar escrupulosamente el original no garantiza una buena película y alejarse de él tampoco supone necesariamente traicionarlo. La historia del cine ofrece suficientes ejemplos. Mario Puzo escribió El Padrino condicionado también por la necesidad de obtener ingresos, y aquella novela acabaría convertida, bajo la dirección de Francis Ford Coppola, en una de las grandes referencias cinematográficas del siglo XX. El origen o incluso la consideración literaria inicial de una obra no determinan necesariamente el destino que puede alcanzar cuando cambia de lenguaje.

    Trueba recurrió igualmente a su propia experiencia con Soldados de Salamina, la novela de Javier Cercas que llevó al cine en 2003. Recordó las circunstancias que terminaron acercándolo al proyecto y cómo aquella historia tuvo que encontrar una construcción cinematográfica propia. El paso de una obra literaria a una película volvía a demostrar que la adaptación no consiste en colocar imágenes detrás de las palabras, sino en reconstruir el material desde las herramientas del cine. También apareció durante la conversación Billy Wilder y su manera de entender el guion, dentro de un recorrido que permitió comprobar hasta qué punto detrás de una película existe una arquitectura narrativa sometida a reglas, tiempos y decisiones muy diferentes de las que maneja un novelista.

    La sesión inaugural terminó convirtiéndose así en algo más amplio que una conversación sobre adaptaciones. Loriga y Trueba hablaron también de cómo hemos aprendido a mirar cine, de las películas que aparecían inesperadamente en televisión, del tamaño de las pantallas, de la memoria del espectador y de una época en la que una película podía llegar hasta nosotros sin que un algoritmo, una clasificación o una recomendación previa hubiese decidido que estaba destinada a nuestro perfil.

    Escribidores encuentra precisamente ahí uno de los caminos más interesantes de esta edición. «Pantallas y Literatura» no plantea únicamente qué sucede cuando una novela llega al cine, sino cómo están cambiando nuestras formas de leer, mirar y consumir historias. La primera conversación dejó además una conclusión menos cerrada de lo que pudiera parecer: una adaptación no tiene por qué aspirar a reproducir una novela. Literatura y cine pueden partir de una misma historia, pero cada uno necesita encontrar su ritmo, su dimensión y su lenguaje. Entre ambos queda ese territorio incierto en el que unas veces surge una película olvidable y otras aparece, casi inesperadamente, un clásico.

    Willy López / Félix Méndez.