En tiempos de IA, la carne del acrílico, la mancha de pintura y trampantojo de la realidad. Achiperres de pintura, mesita y caballete. Inteligencia emocional. De Lisboa, Huelva, Córdoba, de Madrid o con acento de la capital y de la tierra. Artistas pintando arte, en jardines, en parques y plazas con múltiples nomenclaturas. Carmen Matos no pierde la sonrisa, break para refrescarse y de vuelta al pincel. Pepe Bonaño, snack, birra y laca para su paleta ganadora. João Cabral luchando con los miles de verdes. Adela Carranza y su pantone casi de postal. Cándido Sánchez, trazos de Vivaldi con el rock metal progresivo como banda sonora en pleno San Andrés. José María Díaz, rebuscando el punto urbano de San Roque en un parque. Zenón Labrador y su paleta potente, distinta, casi de primer premio. Paletas, pinceles, espátulas, platos de plástico, botes de hojalata, una cartulina, todo vale para conseguir, como comentaba un participante de este concurso de pintura al aire libre de 2025 de Badajoz, pasar un buen rato, y manchar de arte y cultura la ciudad.
Miramos al cielo, las comparsas lo llevan haciendo desde hace semanas, casi como profesionales de la meteorología, marcan con tiza el cielo con un sol enorme, o al menos se lo imaginan. Da igual se hace frío, si caen tres gotas, si el viento descose parte del atuendo, si el disfraz sufre inclemencias del tiempo. Lo importante es desfilar, lucir el traje preparado con mimo durante meses. Los niños y niñas pueden con todo y hacen de guía de los mayores, un paraguas, un baile de precalentamiento, y una buena sonrisa, grande y natural, la endémica de este Carnaval que marca el camino para el gran desfile.
Ir a ver las fotografías de Alberto García-Alix es un verdadero embate y a la vez un verdadero lujo. Lo que realmente interesa es hablar con Alberto García-Alix. De todo, menos de fotografía. Pasearte por el Prado estando a tres días a caballo desde Badajoz a la pinacoteca madrileña, supone un artificio, un estipendio costoso para las ínfimas horas de vida que le podemos dedicar a los paseos por museos en nuestra corta vida. Alberto lo sabe, nosotros no. Y picamos encantados.
La fotografía bien hecha se carga con un filtro de cigarrillo pelado para que los grumos del artista no pasen a la jeringuilla. Los artistas suelen guardar este filtro porque después de ocho o diez tomas pueden extraer los negativos que han quedado almacenados y de esta manera tienen una dosis extra. Es el síndrome de abstinencia de arte, de la imagen que cuenta algo, lo que nos hace seguir enganchados. Aquí es donde García-Alix hace acto de presencia. Esa dosis extra.
Alberto García-Alix
Ver las fotos de Alix es sentir el crujido del barco de Shackelton, cada etapa de su vida una sobredosis de sinceridad, uno de los superviviente de la travesía de Magallanes que regreso a España, uno de los que pudo servir de alimento para la tragedia de los Andes, pero se recompuso, afeitó su pasado con honestidad y a golpe de tirar fotos desde las vísceras, salió a flote.
Alberto habla por los codos, charlar con él es embaucarse en la épica, esa de la que él, tanto discierne. Una Derbi, una carrera de motocross, una cámara, una fanzine de comic guiris, dos amigos nuevos en el rastro, Cesseppe y un cuarto de baño, una sala oscura, un pico, mil tatuajes, Teresa, Derecho, nada, Periodismo, nada, una pérdida, Ana Curra, perdido en Venecia, heroína, una sala en París, conocer a una mujer y su hija, sus paseos hasta el ecóle, un equipo de motos campeón de España, el retrato de Camarón, la camisa de su hermano Willy, la moto por cualquier barrio de Madrid, una llamada, archivo sonoro y visual para un documental, el Premio Nacional de Fotografía, China para escribir, Francia para gemir, más tatuajes, más entrevistas, más ronca su voz, más profunda su vida, un fotomatón sin pistolas y mucho arte.
Venas de arte en Santa Catalina. Arteria
Lo anterior no tiene sentido, sin la labor que se está implantando en Arteria, en el corazón de la ciudad de Badajoz, en Santa Catalina. Cuando nació tenía el propósito de construir un espacio de referencia en las distintas y multidisciplinares técnicas artísticas…y lo ha cumplido con creces. Abraham Lacalle, Yann Leto, Felicidad Moreno, Ruth Morán, Carlos León, Emilio Gañán y García Alix entre otros, han conseguido que la ciudad se abra al arte desde una óptica cercana, humana, ese lugar de lo social, donde se conjugan el verbo compartir, aprender, con el que se engendró el proyecto.
Fantasías en el Prado
Entramos en este espacio y el Cid, de Rosa Bonheur, de 1879 se convierte en un autorretrato de Alberto. – Cómo iba a desaprovechar esa oportunidad, dice riendo-. Esta foto y otras trece obras nos acompañan en Las Fantasías en el Prado. De su pinacoteca imaginaria y del Museo Nacional. Tras cuatro años entrando y saliendo del Museo del Prado para retratar y reinterpretar obras maestras de la pintura y la escultura. El resultado es una muestra imprescindible donde el mejor retratista de nuestra época usa la compleja técnica de la múltiple exposición sobre película analógica para fusionar imágenes de Goya, Velázquez o Van der Weyden. Detrás de este trabajo existe un guión, -todo lo guionizo-, comentaba en la charla. -Todo lo llevo a un trabajo previo, no tengo tiempo de tirar fotos con digitales, soy mayor para eso-, dice con sorna. Alberto baila en la Iglesia, con look motero, aunque de blanco impoluto, ese contraste siempre presente en sus imágenes y en la que proyecta, Alix revolotea con su vieja cámara en la dehesa extremeña que le sirve en plato de loza Carlos Tristancho. Amigos de aceras madrileñas y cemento de arte, los dos con esa bonhomía que hace grandes a los humanos. Alberto degusta los ingredientes de nuestra tierra mientras mira de reojo como queda su foto en el marco cultural que ofrece Santa Catalina. Allí, siguen danzando las mujeres de Rubens, bailando a la par con los ojos del fotógrafo, ojos que se repiten y resaltan en la mayoría de esta serie. Ahora tenemos la fortuna de verlo con nuestros propios ojos, en nuestra ciudad. Pasen, cierren los ojos, y vean.
Este trabajo, realizado durante los últimos tres años con entradas intermitentes al Museo del Prado, supone una búsqueda y la construcción de un imaginario propio con las grandes obras de la pintura y escultura que alberga el museo.
Ha sido un ejercicio fotográfico complejo y que realicé un tanto ciego al resultado, siempre aleatorio. En película analógica fundo dos o tres tomas en una sola y todas bajo la misma luz que hay en las salas. De las tomas, ¿cuál prevalecerá? ¿cómo acentuar la segunda? ¿cuánto debo cerrar el diafragma en la primera y cuánto abrir en la segunda?… ¿Y en la tercera? Hago estas cuentas mientras valoro los fragmentos de los cuadros y les busco un sentido. Sometido a este tipo de interrogantes me he movido por salas y pasillos sin concederme descanso. Es el trabajo y su tensión, su praxis y la fatiga, pero nada es valorable, ni comparable, con la emoción que me agitaba al trabajar con los cuadros.
Enfocando la cámara, sumergido en lo que veía, a veces se detenía mi aliento y parecía que el tiempo durmiera. Caminaba arrebatado entre pinturas que me convulsionaban. Muchas tienen un poder sublime y al acercarme a estudiarlas, hipnotizaban. Fotografié inmerso en un sinfín de resonancias y fantasmagorías. Percibiendo en lo subjetivo y en lo intuitivo. Busqué darle respiración a los retratados y carne a las estatuas. Miré, además, en comunicación con la historia, la política y el arte, apropiándome de tiempo, luz y pinceladas.
Si hubo alguien que salió a la calle con una cámara y la convirtió en un arma de precisión poética, fue Francesc Català-Roca. En una España gris, cerrada y llena de silencios forzados, él decidió mirar de frente. Sin dramatismos impostados. Sin propaganda. Solo verdad, geometría y vida. Català-Roca no fotografiaba escenas: cazaba instantes exactos. Un gesto suspendido, una sombra que corta la pared en dos, una mirada que lo dice todo. Sus imágenes tienen pulso, tienen ritmo, tienen calle. Son limpias, directas y afiladas. No necesitan subrayados porque ya están cargadas de intención. Mientras muchos buscaban épica, él encontraba humanidad. Mientras otros maquillaban la realidad, él la ordenaba con una composición impecable y la dejaba hablar. El resultado: una obra que sigue golpeando décadas después, moderna, fresca y brutalmente honesta.
Y menos mal que nos queda el legado de hijos, nietos y apasionados de la cultura, de la fotografía que reivindican el legado, ganado a méritos, una reivindicación de una mirada que cambió la forma de entender la fotografía en España y que, todavía hoy, nos recuerda que lo extraordinario siempre estuvo ahí, esperando a ser visto. Su hijo, Andreu Català-Roca, (El de la foto es su hermano Martí) repasa la vida con nosotros, el legado y la vigencia de uno de los grandes maestros de la fotografía española.
La fotografía, una de las grandes revoluciones
“Yo creo que una de las grandes revoluciones de la humanidad, junto con la rueda o el fuego, ha sido la fotografía. Si no hubiéramos tenido fotografía, muchas cosas no las habríamos capturado ni comprendido de la misma manera.” Andreu recuerda que su padre veía la fotografía como un milagro técnico y poético a la vez: una herramienta que permitía detener el tiempo. “Es como si a una persona de la Edad Media le hubieran dado un aparato que le permitiera viajar en el tiempo. Porque una fotografía es presente, pasado y futuro al mismo tiempo.”
Del blanco y negro al color
Francesc Català-Roca comenzó a fotografiar antes de la Guerra Civil, en un país cerrado y gris. Su evolución fue constante. “Mi padre fue de los últimos vanguardistas. Se le asocia con el blanco y negro, pero en 1973, cuando empieza su trabajo en América, abandona ese formato. Había trabajado en blanco y negro durante 25 años, pero necesitaba avanzar. No se conformaba nunca.” Su obra en blanco y negro, dice Andreu, no es fría ni meramente documental: “Muestra a la gente sencilla, cansada, pero digna. Los que se levantan a las cuatro de la mañana para llevar sus piezas al mercado. Los trataba con la misma dignidad con la que retrataría a un artista o a un político.”
Una fotografía generosa
“Hay quien dice que el estilo de mi padre era no tener estilo. Pero en realidad, lo que hacía era elegir dentro del caos. Sabía dónde mirar. Y eso es un acto de generosidad: mirar a los demás con respeto.” Català-Roca creía que la fotografía era una forma de aprender a mirar el mundo. “Su fotografía es generosa porque da valor a lo cotidiano. Consideraba que los artesanos, los trabajadores, los oficios, eran esenciales. Decía que los objetos acabarían en los museos, pero los artesanos desaparecerían. Por eso le interesaba tanto retratarlos, darles dignidad.”
De lo artesanal a lo digital
Andreu reflexiona sobre cómo ha cambiado la fotografía desde entonces: “Hoy todos podemos hacer fotos con un teléfono. Creo que mi padre estaría contento de ver lo accesible que se ha vuelto. No todo el mundo es músico o pintor, pero casi todos somos fotógrafos. Eso permite que aprendamos a mirar de otra forma.” Aun así, recuerda la disciplina con la que trabajaba su padre: “En sus viajes llevaba cientos de carretes. Tomaba notas detalladas sobre la luz, la exposición, el encuadre. Tenía un archivo enorme, con más de 10.000 negativos. Era meticuloso, pero también intuitivo. Sabía cuándo una imagen tenía alma.”
El testigo del siglo XX
Català-Roca fue testigo de un país que cambiaba rápidamente.
“La televisión transformó España y mi padre tuvo prisa por fotografiar lo que desaparecía. Sabía que ese mundo se estaba acabando. Su cámara fue una forma de preservar la memoria colectiva.”
Participó en la mítica exposición La familia del hombre, que recorrió el mundo en los años cincuenta, y trabajó en publicaciones y encargos editoriales que hoy forman parte del patrimonio visual español. “Era un hombre muy culto. Tenía una gran biblioteca y una colección de imágenes de Picasso y otros artistas. Además de fotógrafo, fue un teórico de la imagen. Como dice una tesis de Elisabeth de la Fotografía, fue uno de los más prolíficos en ese campo.”
El legado familiar y el archivo
La historia de los Català-Roca es también una saga familiar de fotógrafos. El padre de Francesc, Pere Català Pic, fue un pionero del medio en Cataluña y marcó el camino a sus descendientes. “Mi abuelo fue quien inició esta aventura familiar en el mundo de la fotografía. Sin él, nada de esto habría existido. De él heredamos la curiosidad y el respeto por la imagen.” Hoy, la tarea de conservar y dar forma al monumental archivo de Francesc recae en su familia.
“Mi sobrino Marc y su equipo están haciendo un trabajo enorme. Están dando forma a más de 200.000 negativos que mi padre guardaba ordenadamente en su semisótano de la Travesera de Dalt, en Barcelona. Ese archivo es una parte esencial de la historia visual del siglo XX.”
La crítica de Fontcuberta y el olvido institucional
No todos han compartido una visión idealizada de Francesc Català-Roca. El teórico y fotógrafo Joan Fontcuberta, figura clave de la posmodernidad fotográfica en Cataluña, ha señalado en varias ocasiones que la obra de Català-Roca, aunque impecable en su técnica y humanidad, “no cuestionaba la realidad”, sino que la mostraba con una cierta neutralidad estética. Fontcuberta, defensor de una fotografía más conceptual y crítica, lo ha descrito como un “testigo ejemplar” pero no un “autor problematizador” del medio, y ha lamentado que su reconocimiento institucional haya sido más lento que el de otros fotógrafos europeos de su generación.
Andreu responde sin resentimiento, pero con claridad: “Es cierto que mi padre no hacía una fotografía política, pero sí una fotografía profundamente ética. No pretendía denunciar, sino comprender. Miraba con respeto y sin juicios. Y eso también tiene un enorme valor.” Más dolorosa que la crítica, admite, ha sido la dejadez institucional en Cataluña hacia el legado de su padre. “Cataluña no ha sabido cuidar su memoria. El archivo de mi padre, con más de 200.000 negativos, ha estado durante años guardado en un semisótano familiar. Ni el Ayuntamiento de Barcelona ni la Generalitat mostraron verdadero interés por preservarlo. Hemos sentido una cierta indiferencia hacia una figura que retrató medio siglo de la vida del país.” “Lo que se está haciendo ahora desde Extremadura o el Ministerio de Cultura debería haberse hecho hace mucho en Cataluña. Pero, afortunadamente, la obra se conserva y sigue viva gracias al trabajo de la familia.”
“La piel de Barcelona”: un retrato emocional de su ciudad
Entre los proyectos más personales de Català-Roca se encuentra La piel de Barcelona, un trabajo que sintetiza su relación más íntima con la ciudad donde nació y que lo definió como fotógrafo. “Ese libro fue muy importante para él. Lo hizo con un cariño enorme, casi como un homenaje a su ciudad. Quiso mostrar no solo la arquitectura o las calles, sino la vida que las habitaba: la piel humana de Barcelona.” Publicar aquel volumen no fue fácil. El proyecto, que había ido gestando durante años, se enfrentó a limitaciones económicas y técnicas.
“Le costó muchísimo sacarlo adelante —recuerda Andreu—. Tuvo que buscar apoyos, convencer a editores, y trabajó incansablemente en la selección de las imágenes. Era un proyecto casi artesanal, hecho con las manos y la memoria.”
La piel de Barcelona fue, en cierto modo, su equivalente local a lo que William Klein hizo con New York o Robert Frank con The Americans.
“Mi padre admiraba mucho a esos fotógrafos —dice Andreu—, pero su mirada era distinta. Klein y Frank rompían con la tradición documental para mostrar la crudeza y el desorden del mundo. Mi padre no era agresivo: observaba con calma, con respeto. En eso radica su diferencia y también su fuerza. Su Barcelona no era un escenario, era un cuerpo vivo.” El libro se convirtió con el tiempo en un documento esencial sobre la Barcelona de mediados del siglo XX: una ciudad que despertaba entre la posguerra y la modernidad, retratada con ternura, sin artificios y con una elegancia visual que hoy sigue asombrando.
Retratos de Extremadura
Dentro de este mundo donde, de repente, la vida se congela dentro de una cámara, el pasado resurge de la memoria. Ahí está la generosidad de Català-Roca y otros tantos de miles, fotógrafos, hombres y mujeres de las estrellas, que nos devuelven con un fogonazo, el alma de todos nosotros. Durante la exposición en el MEIAC, con la exposición “La elocuencia de la imagen”, Francesc nos lleva a la nostalgia, un segundo en un pueblo extremeño, Jerez de los Caballeros, Manolo, Feli y Camilo. El primero, padre de Miguel Galván que rescata la foto actual, por entonces pensando en como divertirse sin saber que sería jefe del parque de bomberos. Feli y Camilo hermanos, hijos de Pilar, la Cana, y Francisco, el del carbón. Ingenuidad en blanco y negro que representa la importancia de mantener un legado de emociones difícil de secuenciar con palabras.
La elocuencia de la imagen: la exposición en el MEIAC
El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), en Badajoz, acoge la exposición “La elocuencia de la imagen”, una muestra que redescubre el trabajo inédito de Francesc Català-Roca y que ha sido organizada por el Ministerio de Cultura junto con la familia del fotógrafo.
“Esta exposición tiene un valor muy especial —explica Andreu—. Por un lado, es un archivo histórico, porque rescata fotografías inéditas, muchas de ellas tomadas en Extremadura en los años cincuenta. Pero, además, encaja perfectamente con la vocación del MEIAC de establecer puentes entre España y el arte iberoamericano, en este caso a través de la fotografía.” La muestra presenta imágenes nunca antes vistas, seleccionadas entre miles de negativos del archivo familiar.
“El trabajo del museo y del Ministerio ha sido impresionante. Han sabido entender la esencia de mi padre, su mirada limpia y honesta. Es una exposición que no solo documenta una época, sino que nos invita a reflexionar sobre la fuerza de la imagen como lenguaje universal.” Francesc Català-Roca murió en 1998, pero su obra sigue viva en cada gesto, en cada sombra, en cada rostro anónimo que retrató con humanidad. Su hijo lo resume con una frase que bien podría definir toda una vida dedicada a la luz:
“La fotografía es mágica. En manos de alguien que sabe mirar, se convierte en una forma de hacer más humano el mundo”
En el 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz, la compañía Aracaladanza se presenta en las tablas de la ciudad para corroborar por qué es una de las más originales y queridas del panorama escénico español. Su nuevo espectáculo, Va de Bach, dirigido por Enrique Cabrera, transforma la música de Johann Sebastian Bach en una celebración del movimiento, el humor y la imaginación.
Lejos de la solemnidad barroca, esta pieza abre un portal donde un gorila gigante, una mano descomunal, títeres, y hasta ecos de The Beatles y Muse conviven con el genio alemán en un diálogo entre siglos, ritmos y emociones.
Una experiencia visual que rompe el clasicismo
En escena, cinco intérpretes —Carolina Arija, Lydia Martínez, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Jonatan de Luis— despliegan una coreografía que desborda alegría, precisión y libertad. Lo que podría haber sido una obra sobre Bach se convierte en una invitación a imaginar, en un universo donde el orden matemático del compositor se funde con lo imprevisible del juego escénico.
La escenografía, diseñada por Elisa Sanz, está llena de sorpresas: una mano gigante emerge del suelo como símbolo del poder creador; títeres y marionetas cobran vida como si fueran extensiones del cuerpo humano; pelucas barrocas flotan, objetos se transforman y globos “cantan” bajo la luz cambiante diseñada por Pedro Yagüe.
Todo respira fantasía, ironía y belleza visual. La escena deja de ser un espacio realista para convertirse en un paisaje mental, donde Bach, reinterpretado, se mueve entre la disciplina y el delirio.
El gorila que desafía la razón
Uno de los momentos más memorables llega con la aparición de un enorme gorila escénico, tan divertido como enigmático. Este ser peludo, que irrumpe en medio de la armonía perfecta, actúa como una metáfora de la libertad. Representa lo irracional, lo lúdico, lo que escapa a las normas.
Para Enrique Cabrera, “Bach es la estructura; el gorila, la imaginación. El arte ocurre en el punto donde ambos se abrazan.” Su presencia rompe el clasicismo de raíz: el animal gigante no destruye el orden, sino que lo transforma, lo humaniza, lo llena de ternura y humor. Es el contrapunto perfecto a la perfección del compositor alemán.
Bach, The Beatles y Muse: una partitura imposible
Aunque el punto de partida es la música de Johann Sebastian Bach, el espectáculo la reinterpreta con total libertad. El compositor Luis Miguel Cobo ha creado una banda sonora que combina adaptaciones barrocas con influencias contemporáneas: armonías de The Beatles, crescendos de Muse y texturas electrónicas que expanden los límites del clasicismo. De los Beatles toma la melodía y el humor; de Muse, la energía casi sinfónica y la teatralidad. El resultado es un collage musical donde el espíritu de Bach convive con guitarras, sintetizadores y voces humanas sin perder su esencia.
Sheila Blanco: el alma vocal del espectáculo
Entre los grandes aciertos de Va de Bach destaca la colaboración de Sheila Blanco, cuya voz aporta calidez y cercanía. La cantante, conocida por su proyecto Bach es Dios, convierte las composiciones instrumentales en piezas cantadas con letra, ritmo y emoción contemporánea.
Su intervención otorga una nueva dimensión al espectáculo: Bach se vuelve humano, divertido, incluso pop. Blanco actúa como un puente emocional entre siglos, llevando el lenguaje barroco al terreno del público actual.
La danza-teatro como lenguaje de libertad
Va de Bach es también una reivindicación del poder expresivo de la danza-teatro. Aracaladanza utiliza el cuerpo como instrumento narrativo: no hay texto, pero sí historia, emoción y pensamiento. Cada gesto, cada salto, cada caída contiene una idea.
La compañía demuestra que la danza puede ser teatro sin palabras, un lenguaje que comunica desde el cuerpo y la emoción. Los bailarines no solo ejecutan movimientos: interpretan, sienten, provocan, imaginan.
En un festival tradicionalmente centrado en el teatro de texto, Va de Bach representa la expansión de las fronteras escénicas, un ejemplo de cómo la danza-teatro puede reunir al público familiar, infantil y adulto en una misma experiencia artística.
Una escenografía que juega con lo imposible
La propuesta visual de Aracaladanza es uno de sus sellos de identidad. En Va de Bach, los objetos parecen tener voluntad propia: una mano gigante se abre como si fuera la del mismísimo creador; títeres se entremezclan con los bailarines en un diálogo entre lo real y lo fantástico; elementos del vestuario barroco se distorsionan, multiplican o desmontan en clave contemporánea. Esa mezcla de clasicismo y juego visual genera un mundo donde lo solemne se convierte en lúdico, donde lo académico se vuelve travieso. El público ríe, se asombra y, sobre todo, se deja llevar por la poesía del movimiento.
Bach para todos
La obra está pensada para el público familiar, pero su lectura es múltiple. Los niños disfrutan del color, los objetos y el humor; los adultos descubren una reflexión sobre la libertad creativa y la necesidad de imaginar.
En el marco del 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz, esta propuesta confirma la línea del certamen hacia la innovación, la diversidad y la emoción escénica.
El arte de sorprender
Cuando el telón cae, queda flotando una sensación de asombro y alegría. Va de Bach no es solo un homenaje a la música, sino una celebración del arte como juego, imaginación y libertad.
“Bach nos enseña que el orden puede ser bello. Nosotros solo recordamos que la belleza también puede ser divertida.”
El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) cumple este año su 30 aniversario, para celebrarlo ha programado distintas actividades a lo largo del año. Una de ellas es el ciclo de conciertos al aire libre Conciertos en los Jardines, que se celebrará en tres fechas: sábado 24 de mayo, jueves 24 de julio y viernes 19 de septiembre, con propuestas musicales que unen proyectos emergentes y consolidados de Extremadura con artistas de referencia a nivel nacional en cada una de ellas.
Desde el MEIAC queremos invitar a todos y todas a participar de esta celebración y disfrutar de una programación cuidada, diversa y emocionante. Será una oportunidad inmejorable para descubrir música en directo en un espacio único de Badajoz; tres veladas muy especiales de encuentro entre el arte contemporáneo y la música pop en directo, en un ambiente festivo y relajado, pensado para disfrutar del museo de una manera distinta.
PROGRAMACIÓN
Sábado 24 mayo · 21:00h
JULIEN ELSIE (Badajoz) Uno de los secretos mejor guardados del rock nacional. Presenta con banda completa su último disco, producido por él mismo y mezclado por Paco Loco.
TULSA (Donostia) La galardonada compositora Miren Iza, Premio Nacional de Músicas Actuales 2024, llega al MEIAC con su último disco “Amadora”, aclamado por crítica y público.
Jueves 24 julio · 21:30h
PABLO WILSON (Badajoz) Guitarras y unas letras que combinan ternura y sarcasmo. En su segundo disco, Piti Stardust y las arañas de Malasaña, construye un universo propio entre la risa amarga y la emoción sincera.
SALVAR DOÑANA (Sevilla) El nuevo proyecto de S Curro (Narco, ex Califato ¾) junto a Rosana Pappalardo (ex Califato ¾) es un torbellino sonoro en el que convergen el flamenco cósmico y el punk electrónico. Será su primera actuación en Extremadura.
Viernes 19 septiembre · 20:30h
LLUVIA (Badajoz) Poética y emoción en formato banda, una joya sonora que fusiona jazz, folk y canción íntima con acento local.
CÓMO VIVIR EN EL CAMPO (Madrid) Grupo nacional de culto, habitual en festivales como Primavera Sound o Sonorama. Pop en castellano, tanto luminoso y radiante como oscuro y ambiguo. Presentan NAZARENA, su nuevo trabajo, eléctrico y vibrante.
BOLSA DE MOSCAS (Don Benito) Electropop punk de etiqueta propia, con nuevo disco y formación. Una de las bandas emergentes más activas y originales del panorama regional.
Este ciclo forma parte de las actividades especiales con motivo del 30 aniversario del MEIAC, reafirmando nuestro compromiso de acercar el arte, la música y la cultura contemporánea a la ciudad de Badajoz. Os esperamos en los jardines del museo para celebrar juntos estas noches inolvidables de música y comunidad.
Acceso libre hasta completar aforo. Se recomienda llegar con antelación. Se permitirá el picnic en el recinto, creando así una experiencia cultural abierta, festiva y accesible.
Galindo puede ser un Guardia Civil, inmerso en la trama de los GAL. Galindo puede ser un pequeño actor, reclutado como mero entertainment por Sardá. Galindo, puede ser esa chica del instituto, que te hizo ojitos. Galindo, puede ser el bar de tu barrio, el refugio del sol y sombra que te hace olvidar un día de mierda. Galindo puede ser el líder de una banda del cartel de Cali. Galindo puede ser tu taller, el de toda la vida, chapa y pintura.
Galindo puede ser todos los anteriores o ninguno de ellos. Nosotros nos quedamos con el Galindo madrileño, el pequeño que pintaba boxeadores a los seis años, el Galindo que puso bombas de color en las galerías de la capital, el que tenía loco a Helga, el que supo zambullirse en Soledad Lorenzo, el envés de Felicidad Moreno, el tipo que toma cañas en un bar de un pueblo de Toledo o una esferificación de jamón de montanera en Atrio. El señor que moldea chapa, fotos y pinturas en una antigua bodega portuguesa, el encargado de delimitar el encuadre de Pedro Almodóvar con sus obras, el artista que se dejó llevar por los consejos de Carlos León, por la visión de Rafa Doctor y por la explosividad de Julian Schnabel.
Galindo, Jorge, de ese hablamos, todos los anteriores pueden o no existir, éste, Jorge Galindo, es de carne y hueso, existe y anda entre las paredes de Santa Catalina. Es su Altar, de momento. Y por allí andan sus flores, sus tallos, sus, jirones de arte, su matérico trabajo de metros de altura, su pequeña fábula de J.J. Grandville con forma de cruz, sus libros de autor mecidos de colores por las tapas de su padre, y venga tela, lonas, albaranes de máquinas Singer rescatados de los rastros, y todo pintado a pulsaciones, con las yemas de los dedos y con esencia. Repetimos, puede ser todo lo que tú quieras, pero quédate con el último, toda la parafernalia que podamos escribir para definir al artista puede que te abrume, pero deja ese tema para los afiches de las bienales y disfruta. Simplemente, pasen y vean, sencillamente y con todos ustedes, Jorge Galindo, o todos los anteriores.
Hijas del Olvido, la historia de una familia víctima de un crimen de lesa humanidad.
Roberto Palomo posa con una maqueta manual de su fotolibro Hijas del Olvido. Fotografía: Katherin Wermke.
Roberto Palomo, autor visual de Badajoz, ha lanzado una campaña para recaudar fondos para contar la historia de su bisabuelo y de cómo, 87 años después de su desaparición, sus abuelas recuperaron los restos de su padre y los de todo un país. Roberto, fotógrafo documental nacido en Badajoz y con más de 10 años de experiencia, lleva más de cuatro años documentando la vida de su bisabuelo Silvestre.
Silvestre Indias Carvajal desapareció en agosto de 1936 al inicio de la Guerra Civil en Feria, Badajoz. Nunca se supo realmente qué pasó con él más allá de los rumores que corrían por el pueblo. Su abuela Silvestra solo tenía tres años y su tía abuela María no había nacido cuando este hecho cambió por completo el resto de sus vidas.
“Mi madre fue a la escuela y dice, vengo a por la niña. Y yo le digo: mamá yo no me voy, que yo no, que yo estoy aquí mu bien, que yo estoy aprendiendo a leé y escribí…No no no que te tiene que vení de niñera a sacá a un niño de paseo.” Relata María Indias, tía abuela de Roberto Palomo, cuando tenía 85 años de edad.
María Indias Sánchez posa en su casa de Badajoz. Fotografía: Roberto Palomo.
Ochenta y siete años después, en 2021, un pequeño cachito de hueso certificó que Silvestre Indias Carvajal estaba entre las veinte personas exhumadas en un pozo a treinta y un metros de profundidad a las afueras del pueblo, Feria (Badajoz).Relatar una historia sucedida hace tanto tiempo y con tan pocos supervivientes aún vivos no ha sido tarea fácil.
“Para armar las piezas de este puzle he tenido que indagar en archivos militares, plenos de ayuntamiento de Feria de los años veinte, consultar el registro civil de varias poblaciones, preguntar por el pueblo, buscar imágenes históricas, tomar mis propias fotografías y conversar horas y horas con mis abuelas para entender y plasmar visualmente como este suceso marcó sus vidas.”
Camino de Feria, Badajoz, hasta la finca Salamanco Chico donde se encontraron los restos en un pozo a más de 30 metros de profundidad.
Ahora Roberto quiere recopilar la historia de su familia y la de todo un país en un fotolibro que combina sus propias fotografías, testimonios en primera persona de sus abuelas y documentos históricos y familiares. Para hacer posible su fotolibro acaba de lanzar una campaña de crowdfunding en la plataforma Verkami ( https://vkm.is/hijasdelolvido ) donde los interesados pueden hacerse con recompensas exclusivas. La campaña estará activa hasta el cinco de Octubre y las recompensas ofrecen desde el envío gratuito del fotolibro, fotografías impresas, sorteos, la visualización de un vídeo corto documental en exclusiva o un taller sobre cómo hacer tu propio fotolibro. Además, existe la posibilidad de patrocinar el proyecto incluyendo un logo en los créditos de fotolibro. Contará además con una versión en inglés.Portada del fotolibro Hijas del Olvido de Roberto Palomo.
“A mi bisabuelo se lo arrebataron todo. Solo nos dejó su historia. Yo, lo único que puedo hacer, es contarla. Aunque el proyecto se plasmará también con una exposición y un vídeo corto documental, creí que era muy importante contar esta historia en un fotolibro porque las nuevas generaciones ya han perdido la conexión con los protagonistas.” Cuenta Roberto Palomo.
Este libro cuenta además con el trabajo de grandes profesionales de las artes visuales y el periodismo como Alex Llovet (editor gráfico), Arianna Rinaldo (curadora), Ignasi López (diseñador), Guillermina Torresi (editora), María López (comunicadora) y Candela Chaves (historiadora). Además, Hijas del Olvido alberga fotografías históricas de la Guerra Civil del fotoperiodista Antonio Pesini del Centro de la Documentación y de la Imagen de Extremadura (CDIEX)-Fundación CB.
¿Qué dicen las Naciones Unidas?
La Carta de las Naciones Unidas impone a los Estados la obligación de promover el respeto universal y efectivo de los derechos humanos y libertades fundamentales. Conscientes de la extrema gravedad de la desaparición forzada, que constituye un delito y, en determinadas circunstancias definidas por el derecho internacional, un crimen de lesa humanidad.
La Convención Internacional de las Naciones Unidas garantiza el derecho a conocer la verdad sobre las circunstancias de una desaparición forzada y la suerte de la persona desaparecida, así como el respeto del derecho a la libertad de buscar, recibir y difundir informaciones a este fin para garantizar la verdad, justicia, reparación, memoria y garantía de no repetición en casos de violación de derechos humanos.
Retrato de Silvestra Indias Sánchez tomado por Roberto Palomo.
“Yo creo que era mejó sacarlos, ¿a qué eso está bien? ¿Y cómo pudieron hacé esas cosas? ¿Eso no lo harán ya nunca más no? Porque cuántos habrá pahí que no han aparecido nunca.” Reflexionaba Silvestra Indias a sus 90 años de edad. María Indias Sánchez entregó su saliva para realizar el análisis genético que certificó la identidad de su padre. Falleció un mes antes de recibir los restos de su padre. No pudo abrazarlo ni vivo ni muerto. Silvestra en cambió recibió los restos de su padre en 2023 y falleció este verano. Hoy descansan los tres juntos en el cementerio de Badajoz.
Los emigrantes tocan tierra firme, y desde el Quirinale los gritos engullen el tráfico romano. La chepa de Giulio Andreotti se estira desde tu tumba, Salvini hace inteligente a Berlusconi y a Bettino Craxi le han quitado su retrato del Senado. El Papa mira de reojo, a 1184 kilómetros del Vaticano rebosan los cuerpos salitrados muy cerca de una islita mediterránea. Mientras, las madres, al sur del Lazio siguen mandando desde la cocina, cocinan, a fuego lento, pasta e fagioli, cocinan y ordenan. Mandan coger limones para hacer licor, ejecutan con un chasquido de lengua el calendario a seguir. Un banquete de amantes amputados, barcos repletos de textos de Horacio, Ovidio y lanchas recogiendo obras de Shakespeare. Una aún no se ahogado, un paquebote que ha salido del puerto del Noctámbulo rescata a Tito Andrónico.
Nando López fiel a la versión, elegante y cercana a la mirada del espectador de este siglo, Antonio Castro Guijosa al mando del timón, rescatando un elenco potente de actores que nadan día a día entre olas de dramaturgias a precio de coste y tiburones de la industria. De entre ellos sobresale nuestro Tito, un tipo capaz de meterte en vena dosis de buen teatro desde el primer segundo. José Vicente Moirón. Su primera obra como actor Tito Andrónico, haciendo de Quirón, la última, la misma de Shakespeare pero al mando del papel con mayores aristas de la obra.
Cuatro Titos Andrónicos han desfilado por la arena del Teatro romano de Mérida, cuatro puestas en escena arriesgadas y dotadas de un contexto social muy diverso. 1957, la versión de José Tamayo con Adolfo Marsillach, en 1983 el fabuloso destilado de Manuel Martínez Mediero, en 2009 la animalada de Animalario, con Alberto San Juan en traje de chaqueta y Andrés Lima tarantineando salvajemente la obra, y diez años después, el extremeño José Vicente Moirón engullendo una pura y poderosa escenificación en este mundo artístico de contar historias sobre un escenario.
El escritor Leonardo Sciascia, pocos días antes de su muerte le entregó a su esposa, Maria Andrónico, un trocito de papel con la frase escrita a mano, explicándole que deseaba que dicha frase se escribiera sobre su tumba, pero rogándole al mismo tiempo que la aprendiese de memoria y que después quemase el papel… Nos acordaremos, de este planeta…Una tumba desfile para sus enemigos mafiosos, un epitafio misterioso cincelado a muy pocas millas de Lampedusa. Una conexión sibilina entre el poder, la familia, la traición y el olvido. Ingredientes elementales para continuar esta marcha fúnebre real que supera cualquier obra de teatro. De momento nos acordaremos del Tito Andrónico, del maravilloso Jose Vicente Moirón de este planeta.
Quién tengo delante, ¿A José Vicente Moirón o Tito Andrónico?
[Ríe]…estás ante José Vicente Moirón…yo dejo el personaje colgado en la burra del camerino cuando termino el ensayo. Me olvido, aunque siempre está muy presente en mí. Llevo mucho tiempo focalizado en este personaje, pero en el estudio del personaje, no en el texto de Tito Andrónico. En ese tiempo sí que me interesa saber dónde nace, dónde viene, qué mochila trae, qué le quiero aportar de nuevo al personaje, qué le tengo que dar con certeza…
…¿Tener que dar de manera obligatoria?
Tenemos que ser fiel a lo que ha escrito Shakespeare y sobre todo fiel al arco del personaje que representa Tito.
De Quirón a Tito Andrónico…un gran salto y círculo teatral que se cierra…
…[Ríe]…debuté profesionalmente con ese montaje, la primera vez que me pagaban por hacer teatro, estamos hablando de hace 33 años. En aquel momento yo me sometí a un rigurosísimo espectáculo que yo desconocía por la profesionalidad, con actores extremeños extraordinarios, y que tenían una trayectoria y experiencia que yo no tenía ni por asomo. Me encontré con una disciplina que no conocía, con mucha exigencia por parte de la dirección y producción y yo hice la mili en esa obra…[Ríe]…por entonces unos de los príncipes malos hijo de Tamora, que destroza a Lavinia y ahora ponerme delante de Tito me ha traído muchos miedos, porque tenía muchos recuerdos de aquel montaje. Por lo que significó aquel montaje y por la repercusión que tuvo. Pero asumir el personaje de Tito era cerrar una etapa…esperando que este no sea el final…[Ríe].
33 años luchando, actuando, buscando, con muescas en tu cuerpo y alma…
…Un viaje de mi carrera, una trayectoria que reúne una de las profesiones más hermosas pero de las más complejas, sobre todo de mantener. Yo he pasado por todos los estadios, de estar en lo más alto, en el Centro Dramático Nacional o en las producciones con Siracusa, a estar en el paro más absoluto, en la miseria más absoluta. He tenido que reflotar mi empresa porque el teatro que me ofrecían no me gustaba o simplemente porque tenía que vomitar otro teatro que quería desarrollar y no me ofrecían. Y de toda esa trayectoria si tengo que destacar algo es por la permanencia y la consolidación de la compañía. Teatro del Noctámbulo solo estuvo inactiva tres años por mi trabajo en proyectos en Madrid pero la compañía ha sido el verdadero acicate para agarrarme al teatro de textos comprometidos que estoy seguro que no hubiese hecho con otras compañías.
Este Tito Andrónico tiene mucha carga de ese teatro comprometido al que haces mención…una obra con aristas críticas, con sabores sociales y cargado de contenido.
Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer. Si nosotros nos quedamos solamente con lo brutal de las noticias fijaremos la mirada en ese momento exclusivo, pero los teatreros debemos mostrar esa realidad de una manera dura y directa, pero en clave de esperanza, buscando el trasfondo del teatro. Hasta el teatro menos político es irreverente y nosotros representamos obras ácidas y críticas, menos comerciales que adolece de grandes ventas pero tras ese teatro, está nuestro sello social y de trabajo dramatúrgico. No me apetece hacer otra cosa. Este Tito de Shakespeare trató mucho la lucha de poder y de la ambición que lleva a la decadencia política. Hoy estamos viendo continuamente a Shakespeare en las noticias, conflictos entre hermanos para arrebatar el poder. Ese es el conflicto de la obra.
Una obra del siglo XV, sobre el ocaso del Imperio romano e interpretada en pleno siglo XXI…una obra cargada de contemporaneidad pero fiel a la época del texto…de vigencia perenne…
…No es una obra que hemos querido acercar a lo contemporáneo de manera directa, donde conviven gestos de finales del Imperio romano con una pistola del 2019, y sin embargo no existe ningún anacronismo. Queremos que el espectador ni entre en una época no salga de la otra…[Ríe] La obra transita por un espacio que debe ser reconocible por el espectador.
Es una obligación la que tenemos, no sólo los que nos dedicamos a la cultura o al arte en todas en sus disciplinas, es una obligación reflejar la sociedad de hoy en día, es la manera más elegante y más poética de hacer
No existen Titos Andrónicos en la política actual, y sin hacer spoiler ¿Qué lo hace diferente?
En el caso de Tito existe una característica irreductible y que es la idea del mal, uno de los temas principales de esta obra. No existen Titos Andrónicos como dices…[Ríe]…Tito se debe a la ley, es fiel a su pueblo y le otorga el poder al déspota, no sabe cómo han crecido Saturnino y Bassiano, ahí está su error, pero la idea del mal está vigente a lo largo de todos los siglos, Aarón, interpretado magníficamente por Guillermo Serrano, es el pergeñador de ese mal que nos hará reflexionar.
Dentro de esa crueldad, de lo volcánico del sus elementos, lejos de lo gore que puede resultar el final, ¿Qué detalles tiene esta obra que la hace diferente?
Nosotros no nos centramos en el canibalismo, en la dureza de las acciones, y no se trata de una obra inofensiva, es una obra de impacto, pero nosotros potenciamos el protagonismo de la poética y genialidad de la obra en sí. El texto asume todo el protagonismo, priorizando esa parte, donde el reparto de esta obra, con actores jóvenes pero muy preparados se apoderan de las palabras de Shakespeare como si fueran suyas. Perturbar la genialidad de esta obra con otros ingredientes carece de lógica. La obra es ambigua y misteriosa y eso la hace muy diferente.
Festival de Teatro Clásico de Mérida
El corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único
De comer bifanas en Lisboa a poder pedirte un bocadillo de jamón, muchos años en la senda del Teatro del Noctámbulo…
[Ríe]…puede resultarte un tópico pero Leandro Rey y yo en Portugal pasamos mucha hambre, y es un claro ejemplo de cómo creció el Noctámbulo, de la nada, de lo más bajo, poco a poco, con muchas ilusiones y en un estado del que no éramos conscientes de lo que queríamos hacer. Sí teníamos claro lo que queríamos reflejar, pero no el camino para llegar. Leandro y yo teníamos un lenguaje común…y muy poco dinero…[Ríe]…pedimos prestado dinero a los amigos de aquí para mantenernos allí. Con el primer montaje no conseguimos lo que queríamos pero con el segundo sí, conseguimos con Pedro y el Capitán de Mario Benedetti, con la dirección de Paco Carrillo, el Premio Honra 1998 en el Festival Internacional de Teatro de Almada. Un verdadero espaldarazo para a pesar de no ver un duro seguir creyendo en nuestro trabajo teatral.
Existe mucho trabajo previo para ponerte la máscara de Tito Andrónico, Áyax o Edipo Rey…cuéntanos lo que cuesta llegar ahí.
Hay mucho trabajo detrás. Además esta obra es larga, donde hay mucho texto, mucha acción, y eso exige muchos meses de trabajo sin descanso. Hay un estudio muy profundo del texto y del personaje, donde todos los días de ensayos se han optimizado al máximo para plantarnos en el escenario del romano en las mejores condiciones. Antonio Castro, premio Max este año, y con el que ya he trabajado en Contra la democracia ha currado día y noche para dirigir su primera obra en el Festival de Teatro de Mérida. Pero no sólo el director, el reparto, el equipo técnico y artístico se está dejando la piel. El tópico de llegar, ensayar un poco y representar la obra es un mito que carece de validez. Aquí no se ha escatimado en horas y esfuerzo.
Segundos antes de empezar la obra, y ya has actuado catorce veces en el Festival de Teatro Clásico de Merida, ¿Qué es lo experimentas?
Yo le llamo el embudo…[Ríe]…cuando salgo por la valva regia y ves esa especie de embudo humano, el público que se hace más amplio conforme miras hacia arriba…el corazón se te acelera tanto que piensas que vas a morir, es un escenario sin igual, es un sitio único. Una vez que arrancas, que hablas y consigues poco a poco aclimatarte al espacio, a la luz, al espectador, al silencio, el actor comienza a emerger de una manera tan particular que la hace diferente a otros escenarios del mundo.
Festival de Teatro Clásico de Mérida 2025
Los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público
Tú te mueves por todos lados, mantienes relación con otras ciudades, otros países y muchos actores y gente del gremio, ¿Qué eco tiene este Festival de teatro clásico de Mérida fuera de nuestros límites?
Es uno de los festivales más importantes del mundo y su obligación es mantenerse, mantener la calidad obra tras obra y luego por otro lado hay que reconocer que este festival traspasa fronteras, se oye mucho en todos los circuitos culturales y yo como actor y extremeño me siento muy contento de que así sea.
¿Cómo está la salud del teatro?
Está como un toro, todos tenemos ganas hacer teatro, ganas de trabajar, con buenos proyectos, y la proliferación de nuevos espacios para el desarrollo teatral crea una competencia que te hace reciclar y buscar nuevas fórmulas para seguir creciendo. Las nuevas hornadas de actores y actrices vienen preparadísimos, la gran pega es que no contamos con los medios necesarios para sacar todo ese trabajo. Los actores y todo el equipo que genera una obra de teatro deben de cobrar, y cobrar dignamente. La programación también anda un poco resfriada, yo entiendo que un empresario quiera tener su teatro lleno, dentro del mundo privado pueden hacer los que quieran pero los teatros públicos no pueden tener una programación en base al gusto del programador, tiene que ponerse en la piel del ciudadano y el ciudadano necesita un abanico plural, de la otra manera estamos aborregando al público. Tienen que generar la necesidad de que otros estilos convivan para ser sociales y plurales ante el espectador.
Extremadura colonizaba tierras en época de hambre. Madrid era una calle más del mapa. Barcelona un barrio donde levantar familias. Bilbao un parque gris donde machacar la nostalgia soleada de Tornavacas para abajo.
En ese nuevo callejero octosílabo. Berzocana, sin conexión AVE pero con un caminito desgastado entre las jaras, escupe a un niño larguilucho dirección Vallecas. En ese suspiro de alta velocidad una ilusión agridulce, una maleta de transición y un petate protestón.
En los 70 voz engolada a lo Paco Ibáñez. En los 80 voz para adentro, estilo brasileño, Caetano Veloso, Milton Nascimnento o Djavan. En los 90 voz poética, recuerdos de su tierra y su amada Portugal. Ahora, en la actualidad, asegura cantar afónico si hace falta. Luis Pastor utiliza la escritura como un espejo donde reflejar las emociones, los estados de ánimo, donde buscarse y donde encontrarse. Es en esa búsqueda, y a las dos de la madrugada, esperando el barco destino la isla de Troia con Javier Ruibal, Pablo Guerrero y la voz de Dulce Pontes donde llegan las lluvias de mayo que mojan el cuerpo pero su alma no.
Seis de la tarde y Luis Pastor y Lourdes Guerra preparan sus voces desde el barco de la cultura que la Fundación CB mantiene viva en la sede de la Residencia Universitaria RUCAB. Espacio mágico para gente tocada por la varita del virtuosismo como el cantautor extremeño.
Luis Pastor y tres minutos para resumir sus cuarenta años de vida. Tres folios escritos con callos y acento lanzatremeño…Qué fue de los cantautores preguntan con aires extraños cada cuatro o cinco años despistados periodistas que perdieron nuestra posta y enterraron nuestra voz. Y así van más de treinta con la pregunta de marras tocándome los bemoles, tomen nota señores que no lo repito más.
Luis, disculpa… ¿Qué fue de los cantautores?
…[Sonríe]…Cuando vuelvo al escenario en el 81, todos aquellos que me ensalzaban, una vez muerto Franco, decidieron que nuestra música ya no tenía razón de ser. Nos pone una etiqueta de tíos aburridos, barbudos con una simple guitarra. Y eso queda para que mucha gente no se acerque a oír a los cantautores en los años 90. Es verdad que esa sensación se ha ido diluyendo, primero por la aparición en décadas diferentes de jóvenes creadores y porque alguno de nosotros no nos hemos rendido. Yo he sido capaz de cantar cuarenta años de historia de este país en tres folios, ¿Por qué no escribir mi vida en verso? Yo he aprendido a escribir de mayor, yo no sabía escribir, musicaba los poemas, y fruto de mis lecturas poéticas y de saber encontrar mi voz en la palabra.
Poesía desde tus canciones, ahora al papel del libro…
…Cierto es que mis libros discos sacaba treinta poemas en cada disco pero no era como tal un disco de poesía. Es la primera vez que yo me meto a hacer libros, por un lado el de poesía con Jose Manuel Díez “Josele” y ahora este ¿Qué fue de los cantautores?.
¿Por qué en octosílabos?
Yo creo que por Martín Fierro, ese emblemático poemario argentino que cuenta la historia del pueblo gaucho de final del siglo XIX. Me acuerdo de haberle comprado una edición de lujo a tres euros para mi hijo de Martín Fierro. Al volver a releerlo influyó en mi estructura en octosílabo en sexteto. Después de cuarenta estrofas, fue también mi hijo quien me dijo ¿Padre, cuenta las sílabas? Apenas sabía las reglas. Sonaba bien, pero había que corregir.
¿Cuándo surge?
La verdad es que fue una especie de broma, cuando en el homenaje al 40 aniversario de mi disco Vallecas, y dije que estaba harto de homenajear a los compañeros muertos, Hilario Camacho, Tintín Cabrera, Imanol, Labordeta y pensé que molaba más auto homenajearse…[Risas]…y voy a editar tres libros. Uno de poesía, otro de letras de canciones que saldrá con Akal y uno de memorias que iba a hacer con un periodista pero antes las editoriales Capitán Swing y Nórdica Libros me persiguieron hasta sacar este libro tan fabuloso. Algo tienen los hermanos (directores de ambas editoriales) para estar detrás de mí todo un año. Ellos no sabían que iba a escribir en verso, se esperaban para otra biografía con el periodista. Lo sorprendente es que dedican este libro a sus padres.
En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso
Memorias en verso, pero hasta el año 79…
…hasta mi primer desencanto político, donde vivimos la desilusión de sentir que nada es como nos creíamos. Que las grandes verdades se diluían, que la izquierda se dividía, que la revolución que creíamos y soñábamos no llegaba, que las utopías se desvanecían, ahí hubo un momento de duda de la canción política, de su utilidad, y de duda personal de saber si nuestro éxito, mi éxito era debido a mí o a un movimiento social y político que nos empujaba. En ese momento me retiré de cantar dos años, y en ese tiempo aprendí a cantar…[Ríe]…durante ese tiempo fui a clases de canto, hice expresión corporal, compuse para obras de teatro. Me metí en el Gallo Vallecano, allí estuve seis meses de obrero, con los focos, butacas, escenarios con Fermín Cabal, Matilla y Juan Margallo entre otros. Allí me abrí a otro mundo, llegué a componer música para una obra de Alfonso Sastre y para dos obras infantiles de Luis Matilla.
Época complicada pero a la vez emocionante…
…en esa época cuando se hace tabla rasa y se dice que llegó la democracia en las primeras elecciones es mentira. En el 79 la extrema derecha aún mataba y pintaba en las paredes Franco resucita. Cuando yo me retiro en enero de ese año sale una nota en El País donde yo aparezco como amenazado. Ahí acaban las memorias y ahí acaba una etapa, posiblemente de un movimiento de cantantes que no se ha repetido, que tenía una presencia real en lo que sucedía en la sociedad. La reivindicación a través de la música. Un fenómeno que se estaba dando en todo el mundo. Latinoamérica y hasta en Estados unidos con Joan Baez y el Dylan de la primera etapa. Apostábamos por una canción diferente, con letras comprometidas y algo de amor.
Siento algo de frustración en tu discurso.
No, yo sigo creyendo en muchas cosas desde mi ingenuidad de niño, sigo creyendo en muchas cosas buenas del ser humano, por tanto creo que siempre hay una esperanza en mi propuesta, no hay una negatividad absoluta. En los análisis de muchas canciones políticas también te puedes encontrar esa esperanza, en este libro no hay rencor, sí ternura e ironía. No existe un ajuste de cuentas en mi discurso.
Cuéntanos esa etapa canaria, que te ha dado las islas, ese contacto con Saramago…
Hay un antes y un después que viene del año 93 cuando conozco a Pedro Guerra de manera más directa. Un día le invité a cantar en el bar del teatro María Guerrero y me cantó Peten Pan y yo aluciné. Cuando la trayectoria de uno es tan larga hay momentos en la que no sabes que contar, la creatividad se agota y musicalmente parece que has agotado todo. Es ese el momento que pilla con Pedro, donde él me aporta unas armonías en mis letras que me abren mi voz. En Diario de a bordo se puede ver esa etapa creativa, en Soy o en Piedra de sol grabada en Mérida que es una revisión de los temas de los 70 con poetas que vuelvo a rescatar. Vuelvo a disfrutar, vuelvo a embelesar en los conciertos. Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta.
Tu conexión con Extremadura ¿Cómo anda?
Es buena. La he recuperado, a nivel de vivencias, de memoria, es decir, que soy de un tiempo de cerezas, con Berzocana como cuartel, con mis hijos cuando eran pequeños. Es ahí donde he escrito mis memorias, mis añoranzas, mi infancia y mis paisajes. Cuando hablo de Extremadura, de las Villuercas en cualquier sitio parezco un embajador, sólo puedo recomendar maravillas de nuestra tierra. Yo siempre he estado conectado con la tierra, desde Pablo Guerrero, mi hermano, donde hemos tocado en miles de sitios, pasando por la cooperativa de músicos Jammin donde estaba Perroflauta por ejemplo hasta Bebe la conozco estando aún en Vanagloria. Siempre he estado abierto a voces nuevas y a gente que yo sé que están ahí y a veces no tienen un altavoz donde poder llegar. Me acuerdo como pudimos conectar nuestros proyectos con Dulce Chacón antes de fallecer, manteniendo una bella conexión la tierra.
Conocer a Saramago ha sido abrumador. Llevar a la música su poesía, escrita hace 50 años fue un viaje al recuerdo, al surrealismo que tanto me gusta
¿Tenemos relevo generacional con tu hijo Pedro?
Las cosas han cambiado, quizá hemos retrocedido en algunas luchas pero Pedro es un ser valiente que se plata en Latinoamérica con su mochila parta recorrerla durante tres meses para recolectar sonidos, escuchar a la gente y cantar con ellos. Tiene un gran talento escribiendo y su capacidad desde los 16 años para hablar de cosas que yo muchas veces me he preguntado cómo las ha podido vivir. Jamás pensé que se dedicara a esto, primero porque no le gustaban los cantautores…[Ríe]…de pequeño estaba con Estopa, el rap y el flamenquito facilón…recuerdo con trece años que le regalé la colección de poesía que editaba el País y desde entonces se lo ha guiado todo él solito. Abrió su mundo con la lectura y ahora está desarrollando un gran trabajo musical.
