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  • Manual para instalar una Feria del Libro sin caer en una lectura tediosa

    Manual para instalar una Feria del Libro sin caer en una lectura tediosa

    Toda feria dedicada al libro que se precie, debe tener unas buenas casetas. Casetas o habitáculos que rodeen la plaza, parque o avenida. Es de interés público, establecer un orden por sorteo de inscripción o también, siendo una apuesta la mar de bonita, montarlas sin orden, al tuntún, mezclando librerías de ediciones enanas para miopes, editoriales vernáculas para instituciones ventrílocuas y empresas vintage con libros progres al por mayor. Estos últimos, agónicos y chirriantes, entre gafas pin-up o tazas “Me tienes Lorca” o “Ahora Soto Ivars y lo cuentas”.

    En la instalación la simetría es clave, generando una especie de domus romana, donde el peristilo acoja con vehemencia y amplitud a escritoras, cuentacuentos y voceros de la literatura. Allí, de ahí su espacio, niños y niñas podrán imaginar ser escritores, editores, lectores, técnicos de sonido, azafatas, intérpretes de Lengua de Signos, fotógrafos o periodistas, y estos últimos, como caso empírico, para su renuncia inmediata.

    Se recomienda instalar un equipo de refrigeración, en este tipo de ferias se puede pasar de una helada a temperaturas tropicales en una semana, como suele pasar con alguna novela de Juan del Val. Es aconsejable instalar un puesto de información para dar a conocer el programa, y aún más importante, instalar un puesto con dispensadores de antihistamínicos y pañuelos de papel con textos extraídos del Han cantando Bingo de Lana Corujo. Importante también, instalar un hilo musical en el recinto, con sonidos de Cortázar estornudando con la r mocha y en bucle, a Francisco Umbral queriendo hablar de su libro.

    El diámetro de cada caseta, clave para no generar conflictos libreros, debe ser el mismo, y la puerta trasera, debe estar engrasada para escapar de lectores que pregunten por la edición para niños del Evangelio según Caravaggio. Actualmente se están montando churrerías con los Premios Planeta y chocolate caliente, pero es una opción que se debe plantear desde la organización, con un millón de dudas al respecto.

    El montaje de las casetas debe ser fino, con ángulos rectos y severos como la prosa de Juan Manuel de Prada, para que su pregón retumbe sin mecer los libros expuestos. Es recomendable el color blanco de su tapicería interior, para lucir mejor los colores de las portadas de las novedades.  Dentro de las casetas, se debe indicar a libreros y marchantes, a modo siempre de consejo, que coloquen los libros de los autores firmantes, en primer plano. Se pueden utilizar varias fórmulas; hoy firma y poner el libro de Lorenzo Silva, Espido Freire o Santiago Díaz, debajo, o directamente, señalar con el dedo la cola de la caseta de firmas, y que el lector se las apañe.

    Dentro de este montaje, es importante dejar caminos libres entre arriates llenos de alergia y mostradores de librerías, una especie de Ormuz de la literatura donde el petróleo se convierta en libros, subiendo o bajando su precio en bolsa, dependiendo de la calidad del mismo; no de las ventas. Es importante no dejarse llevar por las recomendaciones de cualquier Trump al estilo Fahrenheit 451 de tres al cuarto. Ahí, en esa hilera de gente, se deben negociar al alza los Sergios del Molino, los Ismael Martínez Biurrum, Fernandos Bonetes o Fideles -Martínez. Todos ellos con buena mirada, con maravillosa voz.

    Una vez montada la feria, se ha de esperar que venga la gente, en manada, en procesión escolar o a título póstumo, enterrando malas historias y cegando la poesía barata con flores de tumbas literarias. Para ello sólo hay que animarse a comprar un libro al voleo, sin mirar el autor, sin descubrir su sexo, sin saber si es un ensayo, un cuento o la cartilla de racionamiento de las letras, una carta, grande, pongamos de color verde, con huecos, para estampar la firma por cada pieza leída. Una historia más con la que alimentar el alma a un precio asequible, en un lugar especial, donde el escritor y el lector se miran los ojos, soñando un 4% de IVA, implorando una subida para algunas escritoras y una bajada para muchos bolsillos de adeptos a la Cultura.

  • Se espera murga para la final: Razón aquí

    Se espera murga para la final: Razón aquí

    «Se esperaba» es la forma del pretérito imperfecto del verbo esperar, conjugado en tercera persona del singular (él/ella/usted) o como construcción impersonal, indicando que algo se anticipaba, preveía o aguardaba en el pasado. También puede usarse reflexivamente («se esperaba»).

    Toca reflexionar. Toca reflexionar, prever y aguardar que una murga sepa que le esperen en la final de un concurso. Jerga lícita que las plumillas nos permitimos, y no por esperado, aburrida crónica prediseñada con IA. Esa misma que vigila a Marwan, sus albañiles muladíes, los médicos de familia que recetan jaleos de 5mg. y un fandango en sobre al día al Marqués de Porrina y al Valentín, ese entrenador infantil que aprendió chutando en las murallas a ritmo de saeta costalera. Pasan esos seis, se esperaban o eso dicen. Toca disfrutar de nuevo.

    También se habla de tanking. Eso que se hace en la NBA para pillar a los mejores jugadores universitarios en el draft, perder partidos a posta, hacer el canelo, hacer un dive como dicen el boxeo, para quedar último y entallar en el sorteo al figura de dieciocho años que mete puntos desde los camerinos a ritmo de Bad Bunny. El cantante, no el conejo. Ahí andan algunos, participando al límite, hasta el día que falte la creatividad, el cansancio, la edad o simplemente la aplastante y aburrida verborrea de chistes sacados de una casete de Arévalo. Pero la calidad no se pierde nunca, ahí está la emoción de ir todos los días a tararear sus estribillos.

    Hay cantera que ya empieza a poner Jr en el dorsal de la camiseta, chicos y chicas que ya sacan cabeza. También hay hermanos tránsfugas, a los que queremos muchos, hermanos gemelos que almaridean desde inmemoriales, padres e hijos que trabajan juntos, uno transcribe los estribillos y el otro le pone la imagen, padre que toca la guitarra e hija que le canta un Queen-Cuplé, gente que aplaude hasta hacerse sangre en las manos, gritonas que guapean a sus murgueros, público que saluda por wasap, presentador que aúlla con emoción cada entrega murguera, personal de vigilancia que vigila las constantes vitales de los servicios sanitarios, que a su vez cuidan que nadie bostece sin peligro de esguince bucal. Todo por amor al Carnaval ese espacio fiestero en el calendario de la ciudad, donde la competición se convierte en eso que se esperaba…o algunos esperan.

    Félix Méndez / Willy López

  • Abraham Lacalle y la tensión del paisaje contemporáneo

    Abraham Lacalle y la tensión del paisaje contemporáneo

    Tres sombras frente a una detonación de color. No son espectadores cualesquiera: son los que mueven el tablero. En negro, recortados contra la pared dorada de Santa Catalina, aparecen Julián Mesa, artífice de Arteria y agitador cultural incansable; Fer Francés, el galerista que ha sabido leer el pulso del mercado antes que nadie; y el propio Abraham Lacalle, autor del incendio que tienen delante. Tres perfiles en penumbra frente a un caballo rosa que no pide permiso.

    El lienzo estalla. Un caballo encabritado, casi carnal, late bajo un árbol cuyo tronco parece abrirse como una grieta en la tierra. El verde no es bucólico: es ácido, vibrante, excesivo. Es naturaleza sin postal. Es el “verdor terrible” del que habla Lacalle, esa idea de que lo vegetal nos sobrevivirá, nos cubrirá, nos borrará. Y ellos, ahí, de espaldas. No posan. No sonríen. No se exhiben. Observan. La imagen es pura metáfora: el creador, el comisario y el galerista enfrentados a la bestia pictórica. Cultura frente a naturaleza. Mercado frente a impulso. Discurso frente a instinto.

    El caballo, sin jinete, parece a punto de salirse del cuadro. La cuerda —si existe— está rota. Aquí no hay triunfo militar ni iconografía clásica. Hay tensión. Hay ruptura. Hay pintura que no decora, que desafía. La fotografía captura algo más que una inauguración: captura un momento de poder. El poder de la pintura cuando todavía importa. El instante en que tres figuras clave del ecosistema artístico quedan reducidas a sombra porque lo único que brilla es el cuadro. Santa Catalina no es un fondo. Es un ring. Y en el centro, un caballo rosa que dice: aquí mando yo.

    Abraham no sabe si está desterrado o desesperado. Johnny Cash diría “desperado”. Él escuchó otra cosa. Y de ese malentendido nació una exposición.

    Recién llegado de Pekín, tras un mes de trabajo en China, el pintor vuelve a una tierra que siente propia. A Badajoz. A Extremadura. Al espacio cultural de Santa Catalina, en el proyecto Arteria, donde presenta Desterrados, una muestra atravesada por el paisaje, la memoria y esa tensión constante entre cultura y naturaleza.

    Abraham Lacalle es una de las figuras clave de la pintura española contemporánea. Con obra presente en colecciones nacionales e internacionales y una trayectoria consolidada desde los años noventa, su trabajo se mueve bajo un sello que lo hace único, la reflexión contemporánea frente al talento del almeriense. En Santa Catalina, sus grandes formatos dialogan con caballos encabritados, arcos despellejados y verdes que parecen a punto de devorarlo todo…pero antes de la teoría, está la raíz.

    “Siempre he tenido acento extremeño”

    Vienes de China y aterrizas en Badajoz. ¿Qué supone ver tu obra en las antípodas y después aquí, en tu tierra?

    Es una sensación muy particular y agradable. Ver que tu trabajo puede estar en muchos sitios del mundo y que lo vea mucha gente es muy chulo. Pero con respecto a Badajoz… yo tengo muchos vínculos con esta tierra. Nací en Extremadura y me fui con cinco años. No recuerdo cuándo me fui exactamente, pero siempre he mantenido la relación. Incluso el acento. En Andalucía me dicen: “Tú no tienes acento andaluz, tienes acento extremeño”. Y digo: ¡eso es! Hay algo circular en ese regreso. Exponer en Pekín y, poco después, hacerlo en Santa Catalina. La distancia geográfica no diluye la memoria; la refuerza.

     

    Pintar como destino…sin épica

    ¿Recuerdas el instante en que decidiste dedicarte a la pintura?

    No hay un momento. Es desde el principio. Desde pequeño ando dibujando. Siempre con un cuaderno. No hubo una epifanía. Siempre quise dedicarme a esto. Sin embargo, mi trayectoria no fue romántica ni inconsciente. Estudié Bellas Artes y gané una oposición como profesor. Durante años compaginé la docencia con la pintura. No quería salir de la facultad con la presión de tener que vender para poder hacer lo que me daba la gana. Busqué un sustento económico dando clases. Y un buen día me di cuenta de que podía vivir de mis cuadros. Pedí una excedencia y pensé: esto es lo que quería cuando tenía diez años.

    ¿Desde entonces, principios de los 90 vives exclusivamente de tu obra?

    Sí. Si te marcas un objetivo, no puedes estar mirándolo todo el rato. Márcalo y deja de mirarlo. Mira al suelo, camina. Y un día llegas. Tuve esa suerte.

     

    Paisaje como género y como construcción

    En Desterrados predominan los paisajes. Pero no son paisajes descriptivos. Son construcciones mentales. ¿Por qué el paisaje?

    Me interesa el género. Como en la literatura de aventuras o la ciencia ficción. El género no cuestiona el lenguaje, lo utiliza. Yo tomo como referente la pre-vanguardia, finales del XIX, principios del XX. Pintores que utilizaban la memoria visual para construir un relato con la naturaleza.

    Para ti, el paisaje no es simple naturaleza: es cultura en todas sus aristas…

    …El paisaje es un constructo del hombre. Existe sin nosotros, pero el que pintamos es una construcción nuestra. Cada color, cada forma, es como un adjetivo. Yo construyo paisajes inventados para contar algo: la relación del hombre con la naturaleza y la huella que dejamos en ella.

     

    El “verdor terrible” y el errante

    Me has hablado de una idea que vertebra la exposición: el “verdor terrible”. ¿Es una referencia a la expansión incontrolable de la naturaleza?

    Nosotros nos quedamos quietos cincuenta años y desaparece todo esto. El verde nos come. Las plantas nos sobrevivirán. Eso me interesa: el tránsito, el errante, el que va dejando huella pero tiene que moverse.

    ¿De ahí Desterrados?

    Escuchaba una canción de Johnny Cash y yo entendía “desterrado”. No decía eso, lo oía mal. Pero esa palabra me dio la clave. El desterrado es el errante. En la exposición aparece un caballo encabritado, sin jinete y con la cuerda rota. El caballo encabritado era el triunfo del general en la batalla. Aquí no tiene jinete. Si la doma es la cultura, la cultura es lo que nos doma. Este caballo tiene la cuerda rota. Es una metáfora. Una tensión entre cultura y naturaleza.

    Arte, lujo y acceso

    Lacalle no idealiza el sistema artístico. ¿Existe una política cultural sólida en España?

    Existe, pero las artes visuales siempre están un poco en los márgenes frente al teatro o el cine. De todas formas, quejarse es de tontos. Hay que hacer. Un cuadro es cultura, pero también es un objeto de consumo de lujo. Solo lo puede comprar alguien con cierto poder adquisitivo. Eso hay que encajarlo. Para acercarlo a la gente están los museos.

    Pero en cierta medida, y en contraposición, a medida que el arte se dispara, también ha crecido el acceso cultural, se ha democratizado…

    …Ahora a esta exposición vendrán chavales de instituto. Eso antes no pasaba. Yo de pequeño no iba a museos; me llevaban al fútbol.

    Entre el sol y la sombra

    En Santa Catalina el sol entra con fuerza. Frente a los grandes formatos, el espectador no mira por una ventana; se introduce en el color. “Vamos a quitar la ventana”, dice Lacalle. “Que el color te meta dentro”. Quizá eso sea Desterrados: no un exilio, sino una posición. El hombre como errante. La cultura como doma. El verde esperando.

    Y en algún lugar de fondo, una canción mal escuchada que termina dando nombre a todo. Ahí queda para la memoria de la ciudad extremeña, esos hombres de negro, artífices de dejar una esquirla de arte en alguno de los poros de Santa Catalina.

    Félix Méndez / Willy Méndez

  • La Noche Mágica de los Reyes Magos

    La Noche Mágica de los Reyes Magos

    Historia de la Cabalgata de Reyes en Badajoz

    La Cabalgata de Reyes Magos es una tradición profundamente arraigada en España y en Badajoz. Se celebra cada 5 de enero en vísperas de la festividad de la Epifanía (6 de enero), día en que, según la tradición cristiana, los Reyes Magos visitaron al Niño Jesús para ofrecerle regalos. Esta costumbre se remonta al siglo XIX en España y con el tiempo se fue transformando en un desfile popular en las ciudades y pueblos, con carrozas, música y reparto de caramelos.

    En Badajoz, la Cabalgata ha evolucionado hasta convertirse en uno de los eventos más esperados de la Navidad local. Tras el paréntesis por la pandemia, el desfile se recuperó con fuerza, incorporando medidas de seguridad, tramos sin ruido para personas con sensibilidad auditiva y una mayor participación vecinal.

    El concejal de Cultura, José Antonio Casablanca, ha subrayado la elevada implicación infantil en la Cabalgata, con la participación de alrededor de 400 niños distribuidos en distintas carrozas, tanto temáticas como las dedicadas al Belén y a Sus Majestades los Reyes Magos. Asimismo, ha destacado la presencia de pasacalles y dispositivos de seguridad a lo largo de todo el itinerario del desfile.

     

    Acompañantes de los Reyes Magos 2026

    Este año ya se han hecho públicos los nombres de los acompañantes que ayudarán a los Reyes Magos durante la Cabalgata de Badajoz:

    • Jorge Mendoza acompaña al Rey Baltasar; conocido en la ciudad, con más de 25 años participando y una larga trayectoria como zapatero.
    • Pedro Martínez asiste al Rey Melchor; empresario local ligado a causas sociales y asociaciones de la ciudad.
    • Jesús Ortega acompaña al Rey Gaspar; bailaor, coreógrafo y docente con amplia experiencia en cultura y flamenco.

    Estos acompañantes forman parte de ese “séquito real” que, junto a las carrozas, pasacalles y grupos de animación, dan vida al desfile y ayudan a interactuar con el público asistente.

    Recorrido y puntos clave del desfile

    La Cabalgata de Badajoz 2026 sigue un trazado tradicional que permite a miles de espectadores verla sin perderse detalle: Itinerario principal:

    • Estación de Renfe (llegada de los Reyes)
    • Avenida Carolina Coronado
    • Puente de Palmas
    • Avenida Santa Marina
    • Avenida Europa
    • Calles como Dragones Hernán Cortés y Alonso de Celada
    • Paseo de San Francisco (recepción oficial)

    Tramo sin ruido: Entre Puerta de Palmas y Santa Marina existirá un tramo con menos sonido y sin lanzamiento de caramelos para facilitar la experiencia de personas con sensibilidad auditiva o autismo.

    Seguridad: El recorrido estará totalmente vallado, con puntos de evacuación y control para garantizar la seguridad de todos.

    En cuanto a la posible inestabilidad meteorológica prevista para el 5 de enero, el concejal de Cultura ha explicado que el Ayuntamiento contempla diferentes opciones en caso de lluvia, como modificar ligeramente el horario, ya sea adelantando o retrasando el inicio, o agilizar el paso de las carrozas.


    Más actividades y ambiente festivo

    Además de la Cabalgata en sí: Por la mañana (antes del desfile)

    • En el Paseo de San Francisco se reparten 6 000 porciones de roscón de Reyes, con opciones sin nata, sin gluten y aptas para diabéticos.
    • Animación infantil, talleres, globoflexia y actividades para niños.

    Se lanzarán aproximadamente 8 000 kg de caramelos a lo largo del recorrido, y habrá espectáculos itinerantes como “Confeti Show”, el “Bosque Encantado” o incluso personajes como el Grinch y sus amigos.

    Casablanca ha recordado las actividades previas a la Cabalgata, entre las que destaca el tradicional reparto de roscón de Reyes en el Paseo de San Francisco durante la mañana, con opciones adaptadas a diferentes necesidades alimentarias. El concejal ha querido agradecer la colaboración de las asociaciones participantes y del personal encargado de la animación infantil.

    Mejores lugares para ver la Cabalgata

    Si quieres disfrutarla con buena vista y sin aglomeraciones excesivas, aquí van algunas recomendaciones locales:

    Antes y sobre el Puente de Palmas

    • Tiene un amplio espacio para mirar el inicio del desfile mientras avanza hacia el centro.
    • Buena opción para familias con niños.

    Avenida Santa Marina

    • Es uno de los tramos más “anchos” y permite ver el paso de carrozas completos.
    • Ideal para fotos y vídeos.

    Avenida de Europa / Dragones Hernán Cortés

    • Menos concurrida que el Paseo de San Francisco, con sitio para colocarse con antelación.

    Paseo de San Francisco (final)

    • Aquí se vive el ambiente culminante: la llegada oficial de Sus Majestades y el saludo final.
    • Recomendado llegar con antelación para coger buen lugar.

    Consejos prácticos

    Llega temprano: desde 16:30 h —sobre todo si quieres espacio para ver a los Reyes al subir a las carrozas. Sitios elevados o aceras amplias: ayudan a que los niños no se queden detrás de adultos. Ropa cómoda y abrigo: aunque la previsión pueda ser buena, el frío y la lluvia siempre pueden aparecer. Cámara o móvil con batería cargada: hay muchas escenas y momentos para inmortalizar (entre carrozas, música y caramelos).

  • Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    Luis Pavão y la memoria de una ciudad que ya no existe: «Lisboa frágil»

    En la sala cuelgan imágenes que parecen susurrar. Hombres apoyados en barras de madera oscurecida por el vino. Mesas pequeñas. Miradas directas. Carteles de licores. Un mundo suspendido en el tiempo. No es una Lisboa monumental ni turística. No es la postal. Es otra cosa….es la Lisboa que ya no está.

    El fotógrafo portugués Luis Pavão presentó en Extremadura su proyecto Lisboa Frágil, una obra iniciada en 1979 que documenta las tabernas, colectividades y bailes populares de la capital portuguesa antes de su transformación acelerada por el turismo y el capital internacional.

    Los encuentros con el artista se celebraron, por un lado, en el MEIAC – Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, y, por otro, en Lisboa, en la sede de LUPA, su estudio y empresa especializada en conservación y digitalización de colecciones fotográficas. Un viaje donde la Fundación CB y su pasión por conservar el pasado fotográfico, lo que contiene de veraz, documental y estético el mundo de la imagen, siguen poniendo su piedra institucional con este viaje de fronteras.

    La exposición fue comisariada por la fotógrafa extremeña Laura Covarsí, profundamente vinculada al medio fotográfico tanto por su formación superior como por su trayectoria artística y su historia familiar —con abuelo y padre ligados al arte—, además de su estancia durante un tiempo en la capital portuguesa, una experiencia que refuerza el diálogo entre ambas orillas.

    La intuición de que algo iba a desaparecer

    En 1979, Pavão trabajaba en el Museo de Arqueología, en la zona de Belém. Tenía poco más de veinte años cuando comenzó a fotografiar las tabernas de Alcántara, un barrio entonces obrero. “Ya en los años 80 sentíamos que la ciudad estaba cambiando”, explica. “Comencé a fotografiar con la idea de que esto, un día, iba a desaparecer.” No era una hipótesis académica. Era una intuición urbana.

    ¿Qué es exactamente Lisboa Frágil?

    Es el recuerdo de una ciudad que ya no existe. Fue extinguida, absorbida por la evolución del capital, del turismo y de la industria. Si hoy vas a Lisboa, no ves nada de eso. La modificación de la ciudad fue tornándose cada vez más rápida. Lo que parecía estable empezó a transformarse sin pausa.

    Más de cien tabernas

    Pavão no trabajaba como reportero de prensa. No fotografiaba para el periódico del día siguiente. Su mirada era más lenta, casi arqueológica. Había más de cien tabernas en Lisboa. No entraba con la cámara sin más. Elaboraba fichas. Registraba cuántos baños tenía el local, si servía comida, si había animales, cuántas mesas, cuántos clientes. Guardaba hojas de contacto, tarjetas, notas. “Era también una estrategia”, admite.

    ¿Por qué documentar de forma tan meticulosa?

    Por dos razones. Primero, porque había muchas tabernas y quería organizarlas. Segundo, porque ese registro era mi carta de presentación. Yo no era un vagabundo que entraba a hacer fotos. Estaba haciendo un estudio. Eso cambiaba mi estatuto dentro del lugar. Eran espacios semiprivados. Cerrados. No cualquiera era bienvenido. Aceptado, entonces sí: fotografiado.

    De las tabernas a los bailes populares

    A finales de los 80 amplió el foco hacia las colectividades culturales y los bailes nocturnos. Asociaciones populares donde vecinos se reunían a bailar, conversar y reconocerse. La Lisboa de barrio era una red de relaciones. Las personas se conocían. El anonimato no era la norma. Hoy muchos de esos espacios están cerrados. O convertidos en otra cosa. “Fui recientemente a visitar una sociedad donde hice buenas fotografías”, cuenta. “Está cerrada. Ya no existen personas así para venir a jugar. Ahora son condominios vendidos por un millón a extranjeros.”

    La ciudad del lujo y la sustitución

    La transformación no es solo estética. Es estructural. Locales tradicionales se convierten en cadenas internacionales. Cafés históricos desaparecen. Restaurantes familiares son sustituidos por franquicias. “Estos sitios no eran económicamente muy rentables”, explica. “Después se transforman en McDonald’s o Starbucks.” El fenómeno no es exclusivo de Lisboa. Pavão lo ha visto en Barcelona, París o Roma. Los monumentos cambian, pero el paisaje comercial se uniformiza.

    ¿Es por eso que la llama frágil?
    Lisboa es frágil. Aquella Lisboa era frágil. La de ahora tal vez no lo sea tanto, porque tiene un gran capital por detrás. Pero incluso hoy ves que los restaurantes y pequeños hoteles duran dos o tres años. Después cierran. Todo está siempre cambiando. Una ciudad en permanente sustitución.

    El impacto del pasado en el presente

    Cuando la exposición se mostró en Lisboa, el éxito fue inesperado. Miles de visitantes. El libro se agotó. Había dos tipos de público, recuerda: los que vivieron esa ciudad los que nunca la conocieron. Los primeros miraban con nostalgia y, a veces, con rabia. Los segundos con curiosidad histórica. “Hoy Lisboa es más cosmopolita, más anónima”, dice. “Antes, en los barrios, las personas se conocían.”

    LUPA: conservar la memoria

    La segunda conversación tuvo lugar en Lisboa, en la sede de LUPA, la empresa fundada por Pavão junto a su padre en 1982. LUPA nació para encuadrar y organizar su producción fotográfica, pero evolucionó hacia la conservación y digitalización de colecciones. Pavão se formó en Estados Unidos en conservación de fotografía y, a su regreso, amplió el campo de trabajo. La empresa está especializada en la preservación de fondos históricos y ha trabajado con instituciones como la Fundação Calouste Gulbenkian. Además, Pavão ha ejercido como conservador del Archivo Municipal de Lisboa durante años. Llegó a tener 25 empleados. Hoy el equipo es más reducido, pero la actividad continúa. “El milagro es que LUPA tiene 42 años sin interrupción”, afirma.

    Analógico frente a digital

    Pavão sigue trabajando en analógico para su obra personal. Mantiene el cuarto oscuro. La materialidad. La lentitud. Pero la llegada del digital transformó el mercado profesional. “En el 98, 99, 2000 tenía muchos encargos fotografiando palacios, bancos, hoteles, en diapositiva. Era un trabajo difícil y bien pagado. Después vino el digital y lo mató. Ahora cualquiera con una cámara —o con un teléfono— puede hacerlo.” La democratización técnica alteró el valor del oficio y también el tiempo de la mirada.

    La banda sonora de Lisboa

    Al final de la conversación, surge una pregunta inesperada.

    Si tuviera que poner una canción a esta exposición, ¿cuál sería? “Tal vez un fado fuerte. Un fado de Amália.” Pavão lógicamente se refiere a Amália Rodrigues, la voz que convirtió Lisboa en sonido universal. Porque la ciudad que fotografió Pavão no solo se veía: se escuchaba.

    Entre el archivo y el escenario: dos formas de mirar

    La conversación con Luis Pavão no terminó en la sala expositiva. Continuó en Lisboa, en un recorrido que amplió el sentido de Lisboa Frágil. Visitamos junto al maestro el Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa, institución fundamental para la memoria visual de la ciudad y espacio con el que Pavão ha mantenido una estrecha relación profesional como conservador. Entre depósitos, cajas y fondos históricos, la fotografía deja de ser imagen colgada en pared para convertirse en patrimonio, en responsabilidad pública, en tiempo preservado.

    Allí, el gesto cambia. La mirada se vuelve técnica. Se habla de conservación, de emulsiones, de digitalización, de la fragilidad material del soporte, se venden libros inéditos de autores que íneditos. La ciudad no solo desaparece por el mercado; también puede desvanecerse si no se protege su memoria visual. Horas después, el itinerario nos llevó al MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, donde se exhibía “O Mundo Inteiro é um Palco” del fotógrafo estadounidense William Klein.

    La contraposición era inevitable. Si Pavão documenta la Lisboa íntima, contenida, casi silenciosa de tabernas y colectividades, Klein convierte la calle en escenario y el mundo en espectáculo. En uno, la proximidad; en otro, la intensidad visual desbordada. En uno, el registro paciente; en otro, la provocación gráfica. Dos miradas únicas detrás de un pequeño aparato llamado cámara fotográfica.

    ¿Se siente cercano a esa otra forma de mirar?

    Pavão observa las imágenes de Klein con respeto. No hay rivalidad en el gesto. Solo conciencia de lenguaje. La cámara puede ser documento o teatro. Archivo o escena. Memoria o energía. Entre el Arquivo Municipal y el MAAT, entre la Lisboa frágil y el mundo como palco, el recorrido revela algo esencial: la fotografía no es solo técnica ni solo arte. Es una forma de habitar el tiempo.

    Y mientras la ciudad continúa transformándose, acelerada e imprevisible, las imágenes —ya sean las íntimas de Pavão o las expansivas de Klein— permanecen como prueba de que toda ciudad, antes de convertirse en marca global, fue vida compartida. Y alguien estuvo allí para mirarla.

    La ciudad invisible

    En una de sus imágenes más evocadoras —una calle desenfocada tras gotas de agua— Lisboa aparece sin mostrarse completamente. Se intuye en el pavimento, en la luz, en la atmósfera. Hoy la ciudad es otra. Más internacional. Más cara. Más luminosa. Quizá menos íntima. Pero gracias a este archivo paciente y meticuloso, aquella Lisboa no ha desaparecido del todo. Permanece en la memoria química del papel fotográfico.
    Y en la conversación entre dos ciudades —Extremadura y Lisboa— que, durante estos encuentros, volvieron a mirarse a través de la fotografía.

    Félix Méndez / Willy López

  • La Diputación de Badajoz reconoce a quienes hacen crecer su tierra

    La Diputación de Badajoz reconoce a quienes hacen crecer su tierra

    La provincia de Badajoz ha vuelto a celebrar una de sus citas más representativas con la entrega de los Premios de la Provincia 2026, organizados por la Diputación de Badajoz. El acto, celebrado en el Paraninfo del Palacio Provincial, se enmarca en la conmemoración del Día de la Provincia, cuyo evento institucional tendrá lugar este domingo en Calamonte.

    La gala ha reconocido a personas, entidades y proyectos que destacan por su contribución al desarrollo social, económico y cultural del territorio, consolidándose como un escaparate del talento local y del compromiso colectivo.

    Un reconocimiento al talento que permanece

    Durante su intervención, la presidenta de la Diputación, Raquel del Puerto, puso en valor el significado profundo de estos galardones:

    “Reconocer el talento que nace, que crece y que se queda en nuestra tierra, demostrando que no hace falta renegar de sus orígenes ni cruzar fronteras para alcanzar el éxito”.

    Del Puerto destacó además el carácter colectivo de estos premios, subrayando que permiten “conocernos, reconocer el trabajo de quienes contribuyen al progreso de la provincia y celebrar lo que somos como sociedad”. En esa misma línea, apeló al sentimiento compartido de identidad:

    “Debemos estar muy orgullosos de pertenecer a esta provincia que, aunque humilde y sencilla, es fuerte, ambiciosa, talentosa y valiente”.

    Ocho categorías que reflejan una provincia diversa

    Los Premios de la Provincia distinguen cada año iniciativas en ámbitos clave, y en esta edición han reconocido a ocho referentes que simbolizan la diversidad y el dinamismo de Badajoz.

    En Cultura, el galardón fue para Florián Recio Terraza, por su destacada trayectoria vinculada al Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, acercando los clásicos al gran público.

    El premio de Deporte y Vida Saludable recayó en Motor Club Villafranca Motorsport, por su impulso al automovilismo y la proyección internacional de la provincia mediante competiciones como el Rally Raid Portugal-Extremadura.

    En Economía Verde y Circular, fue distinguida La Hormiga Verde, ejemplo de innovación ambiental y social en la gestión de residuos electrónicos, combinando sostenibilidad e inclusión laboral.

    El premio de Emprendimiento reconoció a la Escuela de Micronegocios de la Fundación Maimona, por su labor en el impulso de iniciativas empresariales en el ámbito rural.

    En la categoría de Igualdad, el galardón fue para la Asociación Consejo Comarcal La Siberia, por su compromiso con el empoderamiento de las mujeres en el medio rural.

    El premio de Innovación y Calidad Turística se concedió a las Termas Aqua Libera, por su apuesta por un turismo experiencial basado en el rigor histórico y la sostenibilidad.

    En Integración Social y Laboral de Personas con Discapacidad, fue reconocida la Asociación ELA Extremadura, por su apoyo integral a personas afectadas por esta enfermedad y sus familias.

    Por último, el premio a los Objetivos de Desarrollo Sostenible recayó en el IES Sierra La Mesta, por su innovador proyecto educativo centrado en sostenibilidad y tecnología.

    Inclusión, mundo rural y mujer: ejes del presente y del futuro

    La presidenta incidió en que la temática de esta edición gira en torno a la inclusión, una línea estratégica presente en muchos de los proyectos premiados:

    “Nuestras pretensiones es seguir avanzando en conseguir una provincia más inclusiva, en todos los aspectos”.

    Asimismo, puso el foco en el papel clave del mundo rural y de la mujer en el desarrollo territorial:

    “No se concibe el futuro del mundo rural sin la presencia de las mujeres”, a las que definió como “garantía de supervivencia”.

    Un premio que nace de la sociedad

    En el tramo final de su discurso, Raquel del Puerto trasladó a los galardonados el verdadero significado del reconocimiento:

    “El premio que hoy habéis recibido no es un premio de la Diputación, es un premio que os otorgan vuestras vecinas y vuestros vecinos”.

    El acto, presentado por los periodistas Susana Mangut y Manu Pérez, contó con la actuación musical de Esther Merino, en una ceremonia que volvió a poner de manifiesto el dinamismo de la provincia.

    Los Premios de la Provincia 2026 han reafirmado, una vez más, que Badajoz es un territorio vivo, comprometido y lleno de talento. Una provincia que avanza con paso firme, apoyándose en sus raíces y proyectándose hacia el futuro con orgullo colectivo.

    Medallas de oro

    La Medalla de Oro de la Provincia de Badajoz tiene como fin reconocer, de manera pública y solemne, a las personas naturales o jurídicas, grupos de personas, corporaciones, sectores, instituciones o colectivos, que se hayan distinguido en el cumplimiento de sus tareas, o en sus obras, por la ejemplaridad y trascendencia de las mismas, en cualquier ámbito de actividad humana, que tengan o hayan tenido una especial relación con la provincia de Badajoz, o cualquiera de sus municipios o comarcas, aunque su actividad o su obra se haya realizado fuera de la misma.

    Para esta edición, la Diputación de Badajoz ha otorgado sus máximas distinciones con motivo del Día de la Provincia, que se celebra oficialmente el 26 de abril en Calamonte.

     Marina Conde («La Condesa»): Diseñadora de moda natural de Badajoz y fundadora de la marca de ropa La Condesa.

    Asociación Oncológica Extremeña (AOEx): Entidad sin ánimo de lucro reconocida por su labor de apoyo a pacientes con cáncer y sus familias en la región.

    Cajalmendralejo: Entidad financiera distinguida por su trayectoria histórica (más de 120 años) y su contribución al desarrollo económico y social de Extremadura.

  • Kiko Veneno «El «yoísmo» es la nueva religión. Y nos está llevando a la estupidez colectiva»

    Kiko Veneno «El «yoísmo» es la nueva religión. Y nos está llevando a la estupidez colectiva»

    Hay artistas que esquivan el barro. Kiko Veneno no. Se mete hasta las rodillas. Habla sin red, sin nostalgia impostada y sin diplomacia cultural. Habla de guerra, de capitalismo, de una izquierda desactivada, del miedo como atmósfera y de una música que —según él— ha perdido el alma. Pero también habla del teatro, del silencio compartido y de tocar en grupo como acto de resistencia.

    Kiko volverá pronto a Extremadura, al Teatro López de Ayala. Y la visita tiene memoria. Ya estuvo en Badajoz hace más de diez años, cuando lo entrevistamos en la mítica Sala Mercantil —hoy convertida en La Santa— y nos confesó, casi con sorpresa, que era la primera vez que actuaba en la ciudad. Aquella frase quedó flotando como una anomalía histórica: uno de los nombres esenciales de la música española pisando por primera vez la capital pacense en pleno siglo XXI. Ahora regresa con más carga reflexiva que nunca. Y con un nuevo capítulo musical bajo el brazo. Con esa mezcla de sabiduría callejera y mirada larga que siempre ha tenido. La conversación arranca en el presente —ese presente acelerado que parece mutar cada mañana— y acaba atravesando la historia, la cultura y el ego humano como si fueran el mismo problema con distintos disfraces.

    “Te levantas, lees el periódico y da miedo”

    Kiko, comentabas recientemente sobre esa sensación de acostarte y despertarte con la impresión de que el mundo ha cambiado de repente.

    Sí. Vivimos una sensación constante de aceleración. Todo parece ir en contra de la naturaleza humana: a favor del dinero, de la crueldad, de lo peor del ser humano. Estamos en un valle muy bajo de la onda. Y lo peor es que no es casualidad: estamos recogiendo lo que hemos sembrado durante siglos. No es que antes existiera una solución clara, pero ahora te levantas, lees el periódico y da miedo. Da miedo leerlo.

    “No creo que la historia sea cíclica”

    Hay quien dice que la historia se repite.

    Yo no lo creo. Para mí la historia no es cíclica. No estamos simplemente repitiendo una fase anterior. En los años sesenta, por ejemplo, había esperanza. John Lennon representaba, con todas sus contradicciones, una idea de convivencia, de humanidad, de un mundo sin guerras. Hoy estamos en otra cosa. Estamos en el videojuego de la guerra y en la guerra real. En las opiniones generadas por robots, en campañas de odio automatizadas, en la deshumanización del otro. Se difunden mentiras, se alimenta la homofobia, el racismo, el desprecio al inmigrante. Una crueldad sin razón se ha apoderado de una parte de la raza humana.

    “La izquierda dejó de dar respuestas”

    ¿Dónde sitúas el origen de este deterioro?

    En gran parte en el fracaso histórico de la izquierda. Durante los últimos sesenta o cien años no ha sabido dar respuestas reales a la inquietud de la gente por cambiar las cosas. Después de Hitler, de la Segunda Guerra Mundial, y con el miedo a Estados Unidos, la izquierda eligió aceptar el capitalismo e intentar suavizarlo. Pero cuando abrazas el capital, te conviertes en capitalista. Dejas de representar a la clase trabajadora y pierdes la posibilidad de ofrecer una salida distinta. Hoy la única salida verdaderamente humana pasa por la cooperación, por lo social, por volver a una idea de socialismo basada en colaborar. El camino individualista solo ha conseguido que triunfen los más crueles, los más despiadados, los más egoístas.

    “La historia de la guerra se ha contado mal”

    También cuestionas el relato histórico dominante.

    Claro. La Segunda Guerra Mundial la ganaron los rusos, y eso se ha ocultado. Estados Unidos llegó a Europa cuando la guerra estaba prácticamente ganada. Y, sin embargo, se construyó un relato que les colocaba como salvadores. Si estudiamos un poco la historia, vemos que Estados Unidos vendió el acero que Hitler necesitaba en los años treinta para prepararse para la guerra. Desde ahí se construye un mundo dirigido por ellos, y la izquierda entra en un proceso de aceptación, de corrupción, de puertas giratorias. Eso pasó en España y en todo el mundo. Hoy no existen medios de comunicación de izquierda fuertes, ni partidos que representen de verdad una alternativa. El abanico ideológico ha desaparecido.

    Cultura, salas y dinero

    En 2014 ya hablabas de la falta de salas para tocar.

    Y sigue igual o peor. No hay una política cultural real. En los años setenta se pensaba que habría una política social y cultural que haría las ciudades más habitables. Pero eso no ocurrió. Hoy todo gira en torno al dinero. Al capital no le interesan las pequeñas culturas, ni los espacios donde se crea comunidad. Le interesan los grandes conciertos, los estadios, el fútbol, los videojuegos. Eso es lo que genera beneficio, y lo demás se abandona.  El tejido pequeño se desangra, el silencio del público es la base del respeto. Ahí empieza todo.”

    Y lo dices sin retórica alguna: tocar sentado, escuchar respiraciones, sentir la atención.

    Claro que sí, eso es cultura de verdad.

    El teatro como resistencia

    Ahora vuelves al teatro con un formato más íntimo.

    El teatro genera una complicidad única. El silencio del público es la base del respeto y de la creatividad. Es un diálogo muy limpio. Ellos están sentados, nosotros también. Escuchamos. Me gusta esa cercanía, incluso reducir el espacio, hacerlo más humano. Repito, eso es cultura de verdad: el encuentro entre personas.

    “La música ha perdido alma”

    Raimundo Amador nos decía en una entrevista que la música actual es menos auténtica.

    Estoy de acuerdo. Hay buenos músicos y grandes profesionales, pero falta entrega. Falta alma. Hoy se usa el autotune para disimular carencias. Es una música formalmente infantil y artísticamente pobre. Ya no hay canciones que cuenten la vida. Antes el pop hablaba de historias, de personajes, de emociones colectivas. Ahora todo es “yo, yo, yo”. Ese yoísmo no lleva a la plenitud, lleva a la miseria y a la estupidez.

    “No aprendimos nada de la pandemia”

    ¿La pandemia marcó algún cambio?

    No. Se utilizó para esperar a que pasara y volver exactamente a lo mismo. No hemos aprendido nada. Seguimos reaccionando con estupidez incluso ante nuestra propia supervivencia.

    El valor del grupo

    Para terminar, ¿sigues creyendo en el trabajo colectivo?

    Absolutamente. Los grupos son difíciles, pero son lo más bonito. Yo vengo de Veneno y sigo defendiendo esa idea: un conjunto de iguales, una asociación creativa. Eso es resistencia. Cuando varias personas crean algo que no podrían hacer solas, ahí hay verdad. En tiempos de hiperindividualismo, tocar en banda es casi una postura ideológica.

    “La música compartida es resistencia”

    Nuevo trabajo, nueva etapa

    El regreso a Extremadura coincide con un momento creativo clave. Su último trabajo destacado es la grabación en directo Kiko Veneno en La Carbonería, un miniálbum publicado a finales de 2025 que recoge siete canciones inéditas registradas en formato acústico.cEl proyecto funciona como adelanto de lo que viene: un nuevo álbum de estudio previsto para 2026, ya bajo el paraguas de Subterfuge Records, sello histórico del indie nacional. El fichaje marca una nueva etapa en su carrera, demostrando que Kiko no vive de aniversarios ni de homenajes, sino de movimiento. La grabación en La Carbonería no es un gesto nostálgico: es una declaración de intenciones. Canciones desnudas. Sin artificio. Sin armadura tecnológica. Solo voz, guitarra y verdad.

    Regreso con memoria

    Cuando vuelva a Badajoz, no será la primera vez. Pero sí será otro capítulo en una relación curiosa con la ciudad que tardó décadas en estrenarse. Aquella vez, en la vieja Sala Mercantil, decía sorprendido que era su debut en la capital pacense. Hoy regresa con más historia encima, más desencanto político, más claridad crítica… y nuevas canciones. No viene a celebrar nada. Viene a tocar. Y quizá, entre canción y canción, a recordarnos que el problema no es solo económico o ideológico. Quizá el problema —insiste— es que hemos confundido libertad con ego. Y mientras discutimos quién grita más fuerte, el mundo sigue girando hacia un lugar donde el silencio —el verdadero silencio— se ha convertido en un lujo. Por eso el teatro importa. Por eso la canción importa. Porque durante una hora y media, al menos, dejamos de decir “yo” y empezamos a escuchar.

    Willy López / Félix Méndez

  • Cultura líquida «La revolución pacífica de las catas en Extremadura»

    Cultura líquida «La revolución pacífica de las catas en Extremadura»

    Probar vinos de otras tierras sin salir de Extremadura es posible gracias a iniciativas que acercan la cultura del vino al público local. Paco Balsera, enólogo extremeño en Clos d’Agon, fue el protagonista de una de las catas organizadas en la tienda pacense de Bodega Santa Marina.

    En los últimos años, Badajoz se ha convertido en un punto de encuentro para los amantes del vino. Espacios como la Bodega Santa Marina, situada en pleno corazón de la ciudad, están apostando por un formato que va más allá de la simple venta de botellas: las catas. En estos encuentros, el vino deja de ser un producto para convertirse en una experiencia sensorial y cultural, donde los asistentes aprenden a degustar, comparar y comprender los matices que hay detrás de cada copa. Y es precisamente esa cercanía la que está transformando la relación del público extremeño con el vino.

    Catas que acercan el mundo a Extremadura

    En la Bodega Santa Marina, en Badajoz, se celebran con frecuencia catas que acercan al público vinos de distintas regiones de España y del mundo. En una de estas sesiones, el enólogo extremeño Paco Balsera, actualmente responsable técnico en Clos d’Agon, una prestigiosa bodega situada en Calonge (Girona), compartió su experiencia y su manera de entender el vino, guiando a los asistentes por un recorrido sensorial a través de diferentes variedades y estilos.

    Clos d’Agon articula su historia en torno a la masía principal de la finca, Mas Gil, cuyos registros de viñedo datan del siglo XV. A finales de los años 80 comenzó la etapa moderna de la bodega, consolidándose como un referente de los vinos mediterráneos de alta gama, elaborados a partir de variedades como Syrah, Cabernet Franc, Merlot o Viognier, que expresan el carácter marino y mineral de la Costa Brava. Mientras tanto, en Extremadura, la tradición vitivinícola se ha desarrollado en torno a variedades autóctonas y suelos más continentales, donde los tintos suelen ser más maduros y los blancos más cálidos. “Cada zona tiene su alma”, comenta Balsera, “y lo fascinante de catar es poder apreciar cómo el clima, el suelo y la historia se reflejan en el vino.”

    Del Guadiana al Mediterráneo: el camino de un enólogo extremeño

    El recorrido de Paco Balsera hasta llegar a Clos d’Agon es una historia de curiosidad y reinvención. Ingeniero agrícola de formación, comenzó su carrera lejos del vino, pasando por el mundo de la hostelería y el diseño gráfico. Sin embargo, su inquietud por la tecnología y la naturaleza lo llevó a estudiar Enología y Tecnología de los Alimentos mientras trabajaba en la Confederación Hidrográfica del Guadiana. Tras unas prácticas en una bodega de Portugal y un breve paréntesis laboral, un compañero le propuso participar en una vendimia en Girona. Aquella experiencia, que parecía temporal, se convirtió en un giro decisivo en su vida profesional.
    “Cuando llegué a Clos d’Agon —recuerda— supe que quería quedarme. Era como entrar en un taller de precisión, donde cada detalle cuenta y el paisaje lo impregna todo. Desde entonces, no he dejado de aprender.”

    “El vino necesita cercanía, conversación y emoción”

    Paco, ¿qué valor tienen las catas en tiendas o bodegas locales como Santa Marina?
    Muchísimo. Es donde el vino se humaniza. Cuando el consumidor puede oler, probar y preguntar, deja de verlo como algo inaccesible. Además, en Extremadura hay mucha curiosidad y ganas de aprender. Traer vinos de fuera —como los de Clos d’Agon— enriquece y amplía la mirada de quienes disfrutan del vino.

     ¿Notas que el público extremeño se está acercando más al vino?
    Sí, cada vez más. Aquí siempre ha existido buena materia prima y tradición, pero faltaba ese paso hacia la cultura del disfrute. En las catas se genera diálogo, emoción, interés. Nadie dice “yo no sé de cerveza”, pero con el vino aún hay timidez. Por eso estos encuentros son tan importantes: el vino no se impone, se comparte.

    La cata como puente entre bodegas y personas

    Actividades como las que organiza la Bodega Santa Marina contribuyen a crear una comunidad en torno al vino. Permiten que quienes viven en Badajoz puedan descubrir los aromas del Mediterráneo, los contrastes del norte o las texturas del Priorat, sin moverse de su ciudad. Además, suponen un impulso para el comercio local y una forma de dinamizar el consumo responsable, con educación, curiosidad y respeto por el producto.

    La reciente Wine Experience celebrada en Badajoz ha demostrado que existe un público deseoso de aprender. Pero es en espacios como Santa Marina, con sus catas continuas y su trato cercano, donde esa pasión se consolida. Paco Balsera lo resume con una sonrisa:

    “El vino es una excusa para conversar, para detenerse y disfrutar. Y si además lo haces en tu tierra, aún mejor.”

    Willy López / Félix Méndez

  • «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    “El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

    Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

    Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

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    De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

    En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

     La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

    Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

    …La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

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    ¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

    La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

    ¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

    Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

    Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

    El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

     

    El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

    Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante  blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

     La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

    La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

    Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

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  • La noche pacense para una Cultura en abierto

    La noche pacense para una Cultura en abierto

    Si existe un evento, una actividad a lo largo del año donde la ciudad de Badajoz y sus ciudadanos se conjuran para disfrutar al máximo de la cultura y el ocio, esa es la Noche en Blanco. Un noche marcada con un tinte especial, un sello único que desde hace trece años se viene realizando y con mucho éxito en Badajoz.

    171 actividades en los más de 80 puntos localizados en el mapa de la ciudad con la estrecha colaboración de la gran mayoría de establecimientos de Badajoz. Museos, Salas de exposiciones, más de 30 edificios monumentales abiertos al público, librerías, bares y un espacio muy especial como cada año, el Circo del Paseo de San Francisco, una de las actividades más destacadas donde los malabares, el clown y el funambulismo se apoderarán de los más pequeños.

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    ¿El punto y hora de partida? El 6 de septiembre a las 21:30 en el Ayuntamiento, Plaza de España. De 21:30 a 22:00 con el  ESPECTÁCULO INAUGURACIÓN A CARGO DEL GRUPO “ENCLAVE GOSPEL EXTREMADURA”. Disfruten de una noche extracultural.

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