Melendi, pone la nota musical en Badajoz con uno de los conciertos de la Feria de San Juan de este año 2024. El cantante Melendi se suma al cartel de la Feria de San Juan de Badajoz con un concierto enmarcado en su gira ’20 años sin noticias’ el jueves, 27 de junio, en el Auditorio del Recinto Ferial. Las entradas para el concierto, en el que ofrecerá parte del repertorio de sus primeros discos, alguna de las cuales «no ha cantado desde hace más de 15 años», se pondrán a la venta desde este viernes, 2 de febrero, a partir de las 10,00 horas en la web del cantante.
Sobre la gira ‘20 años sin noticias‘, la productora ha señalado en nota de prensa que «sigue recogiendo éxitos» con una «espectacular acogida» que obtuvo en 2023 de más de 185.000 personas, por lo que este 2024 «sigue imparable para el artista asturiano». En este sentido, ha asegurado que la demanda por ver a Melendi en esta nueva gira «sigue in crescendo y nadie se quiere perder volver a escuchar en directo los grandes éxitos que catapultaron al artista al éxito internacional». Durante el anuncio de esta nueva gira, el cantante ha afirmado que comprobaron que las canciones que «creía caducadas están más vivas que nunca» y que ello ha conseguido «que sea la gira más divertida de los últimos años».
Al mismo tiempo, tanto el equipo como el artista asturiano han confesado que se encuentran «absolutamente sobrepasados por la aceptación, el cariño y la energía» que los espectadores comparten con ellos «noche tras noche».
La gira ‘20 años sin noticias‘ continuará su andadura todo 2024 recorriendo, no solo por todo el territorio nacional, sino que dará el salto Latinoamérica y Estados Unidos, donde las primeras fechas ya han sido anunciadas.
Arranca la Feria de Badajoz. Este año, diez días de fiesta dentro de un recinto con 70 puestos, 74 atracciones, 56 espacios de comida, y una feria de día con las barras en la calle.
Este viernes arranca San Juan con la inauguración este viernes del tradicional encendido a las 22:30 de laniche. La víspera de San Juan los fuegos artificiales volverán a erigirse como protagonistas, con un espectáculo que comenzará a las 23:30 horas.
Los platos fuertes musicales de esta edición serán los conciertos de Camela, este sábado, y de Melendi el jueves 27 de junio, ambos en el recinto de Caya. Los gigantes y cabezudos y el concierto de la Banda Municipal de Música se presentan como atractivos del Día de San Juan, y el día del Niño en los cacharritos se reserva para el miércoles 26 de junio.
Lo que te hace grande no consiste en subir un puerto sin agonía en el Tour de Francia, emulando sin una bicicleta entre las nalgas, lo duro que supone gemir al respirar. Lo que te hace grande no es esperar en plena flama de verano que los pirómanos vomiten fósforos y de su fuego salgan mapas ennegrecidos, mapas con olor a chamusquina esperando un pequeño desastre animal. Lo que te hace grande, no es para nada, hacerte un héroe de otoño en pleno rastro, ni mucho menos, amotinarte en un cuartel de invierno disfrazado de soldado en chanclas y con pistola de agua. Dosis de autocrítica para analizar lo que te hace grande; 1º No afanar besos en cenas ajenas, 2º Tararear canciones con esa maldita dulzura que caracteriza a Pucho en salas de espera, 3º Sentirse hombre de hojalata cada vez que pises baldosas amarillas. Para todo lo anterior se necesita ser valiente, forrarse de kilómetros en furgoneta e incendiar tablas de surf con restos de la marea. Desquiciarse, durante ese viaje, con las sonatas fantasmas de la radio del coche no te hacen grande, te convierten en el hombre de saco del distrito, el encargado de gritar ¡Alto! en la aduana que separa la nevera de la cocina con la tienda de discos de la calle Preciados, el encargado de despedazar la cuadratura del círculo y quedar sin vino tinto a todo Copenhague. Lo que te hace grande nace de los días raros, de aquello que surge de la boca de la tierra, del lodo de mugre que nos roza cada día, y que provoca que andemos a la deriva. Lo que te hace grande es escribir aquello que el público espera de ti, dar un verdadero golpe maestro con letras que hagan merecer, al menos, que pasemos un día en el mundo.
Lo que te hace grande, lo que hace grande a Vetusta Morla, es la sencillez y calidad humana que exponen en cada gramo de música que componen, arreglan, visten, maquillan, tocan y disfrutan, pero de momento, toca descansar.
La banda ha sorprendido a sus seguidores al anunciar que se tomarán un “receso” temporal y planean reunirse nuevamente en 2026, al concluir su gira veraniega. Con un toque de humor, el grupo compartió la noticia en ‘X’, señalando que originalmente querían compartir la noticia ayer, pero fueron “contraprogramados”.
“Hace aproximadamente un año, durante el tramo final de la gira de Cable a tierra, los seis miembros de la banda tomamos la decisión de tomarnos un receso. No habrá una gira de dos años como es habitual, ni grandes eventos ni conciertos de Navidad. Si todo va bien, nos reuniremos nuevamente en 2026″, explicó el grupo.
Vetusta Morla destacó que el nivel de exigencia musical y extra musical a veces es “enfermizo”. “Necesitamos alejarnos para fortalecernos. Es una cuestión de salud”, subrayaron, mencionando que buscan protegerse del desgaste asociado a la industria y su entorno.
¿Qué supone para vosotros actuar en un festival indie como el Contempopránea?
Forma parte de nuestra profesión, es a lo que nos dedicamos, tocamos y nos da iguale el lugar. Somos conscientes de la suerte que tenemos por dedicarnos a esto y también somos conscientes de lo bien que no has ido pero también tiene lógica porque venir a festivales supone mostrar nuestra música a mucha más gente. Estamos encantados de formar parte de los carteles de los promotores de este tipo de eventos.
“En los escenarios de los festivales puedes disfrutar de una marea de personas, y eso transmite una energía que da mucha fuerza”
¿Dónde os encontráis más cómodos en escenarios grandes como el del festival extremeño o en locales más pequeños?
Nosotros nos hemos criado en escenarios pequeños, y quizá gana el hecho de actuar en estos lugares que en escenarios grandes…pero es que llevamos seis años, tres discos sin parar de tocar en escenarios tochos y tiene una sensación que complementa muy bien a la otra…es como tener dos mujeres… [Ríen]… ¡A mí me gustan las dos! Aunque el punto de cercanía de las salas es genuino, los monitorajes que tenemos en los oídos te los puedes quitar, y haces un poco más de tú a tú, una conexión más fluida entre todos los miembros del grupo, es algo muy atractivo, muy chulo…aunque no hay que olvidar que en los escenarios grandes puedes disfrutar de una marea de personas, y eso transmite una energía que da mucha fuerza.
Tres discos ya publicados, el último La Deriva, un disco que hay que escuchar entero, sin pausas, que cada canción conforma un todo melódico de gran potencia…
…La Deriva nos está dando muchas alegrías, es un álbum que ha tenido como una reacción por parte de la gente mucho más instantánea que con los dos anteriores discos. Quizá por las características que tiene el álbum de ser mucho más directo, tanto en el sonido como en los textos, se trata de un disco que busca más la i inmediatez y menos la metáfora. De ahí que el público lo hayan adoptado como algo propio. Las canciones de La Deriva ya la cantaban desde el primer día de concierto.
…es un álbum que casi no tiene singles…
…Eso es, efectivamente, nos gusta que fuese una obra completa, sin canciones que brillen sobre las demás.
¿Os pasan facturas las críticas, los comentarios negativos y destructivos o por el contrario convivís bien con ellos?
…Hemos aprendido a tomar distancia de ciertos comentarios porque somos conscientes de que no todos son representativos para que te hagas una idea de lo que está pasando al 100% ahí fuera…lo que sí es justo decir es que hemos recibido muy buenos comentarios y críticas con La Deriva…ya pasó con Mapas y Un día en el mundo…tanto público como prensa nos han apoyado y nos han hecho buenas referencias. Tenemos suerte con este tema de momento…[Ríen].
“La estructura del grupo que tenemos carece de un líder que haga las canciones y que diga lo que hay que hacer”
El primer disco, Un día en el mudo, se publicó en el 2008, pero lleváis mucho más tiempo juntos ¿no?
…Sí desde el 98, desde entonces solemos viajar juntos a los conciertos, nos llevamos todos muy bien, somos amigos…[Ríe]…nos queremos mucho…de hecho, si estamos tres días sin vernos y estamos deseando contarnos lo último que hemos escuchado o la primer chorrada que nos pasa por la cabeza…quedamos para comer en sitios que nos recomiendan, siempre estamos los seis dando vueltas, conociendo cada semana a más gente de los equipos técnicos, los componentes de otras formaciones…quizá es una cosa que no sea normal entre los grupos de música con más de 15 años de recorrido, pero para nosotros es lo normal.
Y hablando de lo último que escucháis entre vosotros, cuales son vuestras referencias actuales ¿Qué os lleváis al oído en estos momentos?
Escuchamos de todo un poco, pero ahora el último disco que nos ha flipado es de Alabama Shakes, tienes que escucharlo…
…ya lo hice y es bestial…pero a vosotros con este ritmo frenético ¿Os da tiempo a sacar también temas para el cuarto disco?
Es casi imposible componer durante las giras, las dos únicas canciones que se ha compuesto en mitad de una gira fueron Maldita dulzura y Golpe en la tierra y fue porque hubo un parón y lo utilizamos como una especie de retiro creativo. Estuvimos todos juntos en casa de la familia de Guille (Guillermo Galván, Villalvilla de Montejo, un pueblo de Segovia) un pueblo perdido en plena Castilla que nos doy margen para sacar estas dos canciones. Pero por regla general la vida de la gira para nosotros es demasiado ajetreada y sobre todo la estructura del grupo que tenemos donde no hay un líder que haga las canciones y diga lo que hay que hacer. Nosotros creamos las canciones en conjunto y eso requiere cierta tranquilidad, cierto tiempo, un espacio cómodo como es nuestro local de ensayo, de un material que es el que está dando vueltas por toda España y del que no disponemos. Somos gente de concluir los ciclos y centrarnos en lo que viene a continuación.
Digamos que de esta manera también disfrutáis de ese ciclo que habéis programado ¿no?
…Claro, desde el principio, ese fue nuestro objetivo, disfrutar. La primera gira (Un día en el mundo) fue muy de disfrute, salíamos de cada concierto gritando, cantando, dando golpes a las paredes, después con la segunda gira (Mapas) fue como de reencuentro con la situación que vivíamos y con La Deriva, hemos llegado a la gira para disfrutar plenamente de la música, y eso creemos que se refleja en los conciertos.
De todos esos conciertos ¿Con qué grupo compañero de cartel os quedáis?
Nos quedamos con Zoé, nuestros hermanos mexicanos, y los echamos de menos… [Con acento mexicano…ríen…]…! Aunque se cotizan los cabrones!…fue muy entrañable conocerles y tocar con ellos.
“Seguimos viendo a seis amigos que se expresan a través de la música, que se emocionan tocando juntos”
Ahora que comentáis al grupo mexicano de Zoé, habéis estado en muchos países tocando… ¿Es muy diferente el público español, este de Extremadura, con el resto de países?
Sí, existen matices, el público español es cojonudísimo, hace poco tocamos en Madrid ante 25.000 personas y fue impresionante, más no se puede pedir, lo que sí es verdad es que hay matices de personalidad, en los países latinoamericanos, son más viscerales [… Álvaro Baglietto susurra “Los amo…dejen ir con ustedes”…Ríen…]
Para finalizar chicos, y dejando las etiquetas para las botellas, ¿Cómo podríais definir a Vetusta Morla?
Vetusta Morla desde el punto de vista espiritual, a pesar de todo el tinglado que hay aquí montado, que a veces te pierdes en el atrezzo y en las cosas que son herramientas nada más, que son medios para conseguir un fin…prescindiendo de todo eso, un grupo de seis amigos que se expresan a través de la música, que se emocionan tocando juntos y que unos de sus mayores placeres es compartir esa emoción con gente y público.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez
El Ayuntamiento de Palomas, en colaboración con la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura y el Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, se complace en anunciar la celebración de la 19ª edición del auto sacramental ‘El Paso de la Santa Cruz’. Este tradicional evento tendrá lugar el 6 de mayo a las 21:30 horas en Palomas, y reunirá a más de un centenar de vecinos de la localidad y la comarca en una emotiva representación.
El auto sacramental, escrito por Jesús Sánchez Adalid y dirigido por José A. Raynaud, recorrerá varios escenarios al aire libre ubicados en los alrededores de la Iglesia de Santa María de Gracia, creando una atmósfera única y conmovedora que se espera atraiga a espectadores de toda la provincia y la región.
Como novedad, esta edición contará con un pasacalle previo por la localidad, además de pirotecnia y fuegos artificiales durante la obra, la cual también cambia el orden y las localizaciones de las escenas en su recorrido. La función se acompañará de nuevo con un coro y música en directo compuesta por el compositor musical David Álvarez. La música original y el talento de los actores locales – mayor en número y participación infantil este año – aportarán un toque especial a la puesta en escena, prometiendo momentos de gran impacto emocional y artístico.
La celebración del auto sacramental ‘El Paso de la Santa Cruz’ se ha consolidado como una de las tradiciones culturales más destacadas de Palomas y de la provincia de Badajoz. Este evento único combina teatro, música y audiovisuales en un entorno histórico y patrimonial, contribuyendo al fomento del turismo en la región y al impulso de la identidad cultural local.
Las autoridades involucradas en la presentación en rueda de prensa celebrada esta mañana de martes, entre ellas el Alcalde de Palomas, Francisco Ginés Vázquez, el Director General de Turismo de la Junta de Extremadura, Francisco Martín Simón, y el Diputado de Cultura y Deportes, Francisco Martos Ortíz, destacan la importancia de este auto sacramental para la promoción cultural y turística de Palomas y Extremadura, así como el compromiso de las instituciones en apoyar y preservar este tipo de celebraciones.
Con gran expectativa, se espera que la 19ª edición de ‘El Paso de la Santa Cruz’ reciba un gran número de visitantes el próximo sábado día 6 de mayo.
Escritoras que escriben. Escritores que gozan de pluma y descaro. Escritoras que alargan su vida sobre el papel, extienden sus historias en jirones publicados por editoriales de medio mundo. Narraciones sencillas, crudas, asfixiantes, cuerdas, oníricas y poéticas. Narraciones complejas, vivas, ilustradas, llevadas al cine y convertidas, en la franja en la que se hace de noche, en nanas, testaferros de futuras escritoras. Escritores con nombre de mujer y talento en femenino.
Cinco obras seleccionadas para cinco momentos cualquieras de la vida. Cinco escritoras que tener en la biblioteca esencial de nuestras lecturas.
«Apegos feroces» de Vivan Gornick. 224 páginas. 15 x 23 cm. 19,90€ Sexto PisoEditorial
«Viví en aquel bloque de pisos entre los seis y los veintiún años. En total había veinte apartamentos, cuatro por planta, y lo único que recuerdo es un edifico lleno de mujeres. Apenas recuerdo a ningún hombre.»
Pocas veces en la literatura se ha retratado de manera tan humana, vital y honesta la relación entre una madre y su hija como en Apegos feroces, las memorias de la escritora y activista Vivian Gornick, publicadas ahora por primera vez en español desde que vieran la luz en inglés en 1987.
Gornick, una mujer madura, camina con su madre, ya anciana, por las calles de Manhattan, y en el transcurso de esos paseos llenos de reproches, de recuerdos y complicidades, va desgranando el relato de la lucha de una hija por encontrar su propio lugar en el mundo. Desde muy temprano, Gornick se ve influenciada por dos modelos femeninos muy distintos: uno, el de su madre, una mujer neurótica, terca e inteligente que dedica toda su energía al cuidado de su familia, que coloca el amor en el centro de su existencia y renuncia a cualquier otro ideal; el otro, el de Nettie, la joven vecina apasionada, inexperta y dependiente, viuda y madre de un bebé, que sólo se siente segura frente a los hombres, consciente de que es sensualidad en estado puro. Ambas, figuras protagónicas en el mundo plagado de mujeres que es su entorno, representan modelos que la joven Gornick ansía y detesta encarnar, y que determinarán su relación con los hombres, el trabajo y otras mujeres durante el resto de su vida.
Ésta es la historia de un vínculo delicado y fatigoso, de un nexo que define y limita al mismo tiempo, pero también es el retrato de una sociedad y una época, y una extensa meditación sobre la experiencia de ser mujer.
La autora Vivian Gornick Nueva York, 1935.
Vivian nació y creció en el Bronx. Tras estudiar en la universidad, comenzó a escribir en el Village Voice–donde empezó a darle voz al movimiento feminista hasta convertirse en una de las voces más reconocibles de los Estados Unidos en este campo–, y, posteriormente, en medios como The New York Times o The Nation. Es autora de un buen número de ensayos, textos críticos, periodísticos y memorias, siempre desde una clara perspectiva de género, que ha sido su rasgo clave como periodista y escritora.
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«…su recorrido hasta encarnar, con dudas y quebrantos, el tipo de mujer que desea e intenta ser. En ese itinerario, hecho de esfuerzos y sobresaltos, juega un papel determinante el amor, el cómo vivir y manejar el amor, el amor en sus múltiples caras, el amor que trata de eludir el mandato imperativo -para tantas mujeres de su generación- de casarse y tener hijos. » Manuel Hidalgo. El Cultural
«Cicatriz» de Sara Mesa. 200 páginas. 16,90€ Anagrama
«Ahí está, dice él. Señala el edificio más alto de la avenida, un bloque de dieciséis plantas viejo y rojizo, con desproporcionados alerones y pequeñas ventanas que espejean bajo el sol.»
Sonia conoce a Knut en un foro literario de internet y, a pesar de los setecientos kilómetros que los separan, establece con él una particular relación marcada por la obsesión y la extrañeza. Entre la atracción y la repulsión, no puede evitar sentirse fascinada por este personaje insólito y perfeccionista, que vive fuera de toda norma social y que la corteja a través de suntuosos regalos robados. «Le gustaba ir siempre bien vestido, incluso para ir a robar una simple lata de conservas. Tan joven y hablando de escritores del XIX. Filosofando. Cuestionándolo todo. Teorizando sobre el individuo y el grupo, y la hipocresía social, y los chivos expiatorios, y Dios y el destino, la virginidad y el sexo. Solía decir que no hay placer comparable a pensar. Y no, no era petulante ni vanidoso. Era simplemente… exhaustivo.» Su necesidad de poner distancia cuando Knut se vuelve demasiado absorbente, pero también su irrefrenable curiosidad y el ansia de vivir experiencias más allá de una existencia excesivamente reglada, llevarán a Sonia a una doble vida secreta en la que quedará atrapada durante años sin posibilidad de exculparse.
En esta inusitada historia, Sara Mesa recupera temas que ya aparecieron en sus primeras obras narrativas, dándoles forma a través de un estilo conciso y eléctrico en un mundo –frío, escasamente comunicativo– cuyas reglas establecen únicamente los propios personajes que lo habitan. Cicatriz no es sólo una inquietante historia de amor descompensado protagonizada por dos seres muy distintos pero a la vez complementarios, es también una reflexión sobre la sociedad de consumo y los robos a gran escala en grandes almacenes, la sumisión y el poder, la anulación del deseo y la carnalidad, el refugio de la infancia, la fantasía como alternativa, la culpa y la expiación, la escritura y la vocación literaria. La autora de la celebrada Cuatro por cuatro (que fue finalista del Premio Herralde de Novela), en vías de publicación al francés, se confirma con Cicatriz como una de las voces más singulares e imprescindibles de su generación.
La autora Sara Mesa Madrid, 1976.
Reside en Sevilla desde niña. Publicó los libros de cuentos: La sobriedad del galápago (2008) y No es fácil ser verde (2009). En 2010 apareció su primera novela El trepanador de cerebros (2010), a la que siguió Un incendio invisible (2011) y Cuatro por cuatro (2013), que fue finalista al Premio Herralde de Novela. También ha incursionado en la poesía con Este jilguero agenda (2007), que obtuvo el Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández. Forma también parte de la antología Pequeñas resistencias 5. Nuevas voces del cuento español (2010).
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«En una atmósfera que evoca los laberintos carcelarios de Piranessi y la asfixia del subsuelo dostoievskiano, Sara Mesa nos asoma a un mundo donde anidan la impostura, el acoso que nace del desdén y el desprecio, la provocación implacable, la turbiedad que acabará concretándose en dinero —transacciones—, la sumisión ante el poder, la culpa y su obligada expiación… un mundo que el lector reconoce de inmediato, porque es el nuestro, el de la sociedad de consumo… y del espectáculo.» Ana Rodríguez Fischer. Babelia, el País
«Los niños perdidos» de Valeria Luiselli. 112 páginas. 15 x 23 cm. 17€ Sexto Piso Editorial
« ¿Por qué viniste a los Estados Unidos? Ésa es la primera pregunta del cuestionario de admisión para los niños indocumentados que cruzan solos la frontera»
…Esa es la primera pregunta del cuestionario de admisión para los niños indocumentados que cruzan solos la frontera». A partir de su trabajo como traductora para la defensa de niños migrantes en la corte migratoria de Nueva York, Valeria Luiselli pudo conocer de primera mano el enredado proceso legal del que, literalmente, depende el futuro de los miles de niños centroamericanos que arriesgan la vida para cruzar las fronteras de México y Estados Unidos con tal de escapar del infierno cotidiano en sus respectivos países de origen.
Los niños perdidos. (Un ensayo en cuarenta preguntas) es un testimonio brutal, íntimo, escrito con una prosa franca, brillante y lúcida, que observa la realidad de los niños migrantes desde una distancia situada entre el deseo de remediar el desamparo existencial en el que se encuentran sumidos y la impotencia que desata la incapacidad para hacerlo. Y es que, como cuestiona con honestidad la propia Luiselli: «¿Cómo se explica que nunca es la inspiración lo que empuja a nadie a contar una historia, sino, más bien, una combinación de rabia y claridad?».
Utilizando como hilo conductor el cuestionario de cuarenta preguntas que sirve de base para el proceso legal que determinará su situación, Luiselli se ha adentrado en la realidad de los niños migrantes para mostrarnos una radiografía tanto de sus vidas pasadas, presentes y futuras, como del laberíntico y despiadado sistema migratorio de Estados Unidos.
La autora Valeria Luiselli México, 1983.
Valeria Luiselli es una escritora mexicana autora del libro de ensayos Papeles Falsos (Sexto Piso, 2010) y de las novelas Los ingrávidos (Sexto Piso, 2011)2 y La historia de mis dientes (Sexto Piso, 2014). Su trabajo más reciente es un ensayo sobre los niños migrantes, Los niños perdidos (Sexto Piso, 2016).
Ha publicado en varios periódicos y revistas como Letras Libres, The New York Times, y Dazed & Confused. La crítica alemana la ha llamado la nueva revelación de las letras latinoamericanas.De 2014 a 2016 escribió la columna «Cartas desde Harlem» en el diario El País.
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Un ensayo a medio camino entre la crónica y el reportaje donde Luiselli da cuenta de la trágica historia de los niños migrantes en Estados Unidos. El libro tiene como punto de partida el cuestionario aplicado por la Corte Federal de Inmigración de Nueva York a los niños migrantes para determinar si serán deportados o no. Cuarenta preguntas bastan (y sobran) para una reflexión que oscila entre la vida íntima y la vida pública; la elegancia de la prosa recuerda a Everyday is for the thief del escritor nigeriano Teju Cole.» Antonio Martínez. The New York Times
«Río revuelto» de Joan Didion. 320 páginas. 20 x 12,5 cm. 20.90€ Gatopardo Ediciones
«Puedes volver a entrar y jugar a todos los juegos, pero no pienses que no te veo»
En un caluroso verano de 1959, el matrimonio formado por Everett McClellan y su esposa Lily, bisnietos de una larga línea de pioneros californianos, ven cómo se derrumba su vida bajo el peso acumulado de falsas apariencias, errores y traiciones. La historia comienza y termina con un disparo cuya detonación lanza al lector veinte años atrás. Tomando el pretexto de un drama doméstico aparentemente inofensivo, Didion traza, con precisión quirúrgica, un fiel retrato de la clase media californiana de la época y retuerce los clichés románticos para retratar como un visionario la imagen de una América que se halla al final de los sueños y se adentra en una temporada crepuscular de la que parece ya no resurgirá.
La autora Joan Didion Sacramento, California, 1934.
Periodista y escritora. Se graduó en Literatura inglesa por la Universidad de Berkeley y su primer trabajo fue en la revista Vogue, donde acabó siendo editora. En 1964 se casó con el escritor John Gregory Dunne, con quien colaboró en la redacción de guiones cinematográficos.
Ha sido colaboradora habitual de The New York Review of Books. Como escritora, debemos destacar: Según venga el juego (1971), Democracy (1984), Una liturgia común (2007), su obra autobiográfica El año del pensamiento mágico (2006), con la que obtuvo el National Book Award y fue finalista del Premio Pulitzer, y Noches azules (2011), un texto sobre la muerte de su hija. Su obra ensayística es muy extensa; de ella cabe señalar The White Album (1979), Salvador (1983), Miami (1987), After Henry (1992) o Political Fictions (2001). En España se ha publicado una recopilación de sus ensayos, con el título Los que sueñan el sueño dorado (2012).
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Un brutal y asfixiante, un demoledor, clásico, que nunca se ha tenido como tal, quién sabe por qué» Laura Fernández. El País
«Escribir y borrar. Antología esencial 1994-2016» Poesía. de Ada Salas. 207 páginas. 14.50€ Fondo Cultural Económica
«Hay libros que se escriben sobre la carne misma. / Son esas cicatrices que nos hablan /y sangran / cuando el tiempo se rinde a su derrota / un puñado de signos que apenas /comprendemos / y eran el beso intacto de la vida»
Arte y memoria del inocente (1988), Variaciones en blanco (1994), La Sed (1997), Lugar de la derrota (2003), Esto no es el silencio (2008), Limbo y otros poemas (2013), Diez mandamientos (2016); largo tiempo de vida y escritura el que traemos a esta Antología esencial, suficiente para que ahora, con la perspectiva que conceden los años y desde nuestra condición suyos, sea posible acercarnos de nuevo a la poesía de Ada Salas (Cáceres, 1965) con la intención de desandar caminos y seguir el rastro que han dejado estos libros, la presencia en ellos de una continua, obstinada voluntad de ahondar en una voz y en una necesidad de decir, de decirse, la profunda coherencia de una trayectoria poética y de una manera de entender el proceso de creación y la dedicación a la escritura. Todas estas huellas que forman una biografía poética y que empezamos a recorrer ahora desde/hasta un presente que es para ella de intensa libertad creativa, y por eso también de fértil madurez.
La autora Ada Salas Cáceres, 1965.
Ada Salas estudió Filología Hispánica en la Universidad de Extremadura. Impartió clases durante dos años en Francia, en la Universidad de Angers, y en la actualidad es profesora de literatura en un instituto de bachillerato madrileño. Entre sus poemarios destacan Arte y memoria del inocente (1988), Variaciones en blanco (1994) y La sed (1997) y Lugar de la derrota. Ha recibido los premios Juan Manuel Rozas e Hiperión
Los críticos…amigos…enemigos…decimos
«Cada poema es, necesariamente, el resultado de esa aventura emprendida desde la carencia, desde un no saber si el lenguaje podrá decir, descifrar, recordar el sentido oculto de las cosas, pero sabemos que puede acercarse, que puede, al menos, seguir dejándonos rastros de ese viaje» ‘El rastro fulgurante de lo que fuera asombro’- José Luis Rozas Bravo
La cara B de una obra de arte aporta la secuencia del ADN del artista. Esa cadena cromosómica, ejerce de memoria, de recuerdo, de impacto visual, de puñetazo cósmico. La parafernalia anterior, es necesaria. No encontramos otra manera de narrar aquello que lleva a una artista, a un artista, a plasmar con una brocha, un pincel, un cincel, sus manos, sus entrañas, en definitiva, su proceso creativo, hasta alcanzar la punta del iceberg, aquello a lo que se enfrenta de golpe el espectador. Debajo, detrás de esa obra, la cara B, hay mucho más y más y más arte. Ruth Morán mediante, más, y más y más, hasta el infinito negro.
Arteria, ese espacio creativo, cultural parido en pleno centro de la ciudad Badajoz, acoge una muestra de la artista extremeña afincada en Sevilla. “Infinito negro” en la maravillosa iglesia Santa Catalina, ahora espacio de credo cultural. Allí, Ruth Morán nos lleva a su dimensión, esa cara B a la que hacíamos referencia. Allí el arte de Morán no sólo se muestra, antes, se diseña, se proyecta, cose y pega, con meses de antelación. No todo es pintar o moldear. Toca ver la arpillera por el envés, la cerámica arropada en papel de periódico, toca vislumbrar la parte final de una exposición, aquello que confluye en la propia exposición, obras respirando de costado a la espera de ser dadas la vuelta para uso y disfrute del público.
De Felicidad Moreno a Emilio Gañán, en medio, Ruth. Artistas de reconocida trayectoria con ganas de dar luz o negro infinitos, con geometrías prefectas o imperfectas, con materiales sólidos o líquidos a la sala que acoge la primera capa que se escapa de la Alcazaba pacense.
Hay un texto de una galería que define así a la artista extremeña: “Gracias a esta caótica y sensual armonía de líneas, la artista consigue crear una trama que enreda al espectador e hipnotiza su mirada. Contemplándolas, sus obras abstractas en un principio, se hacen cada vez más sugerentes y evocativas y liberan nuestra imaginación creativa”. Exactamente eso. Morán genera diálogo, una charla que la artista, previamente ha generado en su interior.
Telas, negros, dorados, geometrías, horas y horas de trabajo, un deseo irrefrenable de seguir investigando, de alimentarse del proceso, de las capas de creación, el sustento vital de Morán. Un “infinito negro” para una gama eterna de sensaciones. Disfruten del espectáculo.
Ruth Morán es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. A lo largo de la su trayectoria ha obtenido diversas becas y galardones, entre los que destacan la Beca de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en el Colegio de España en París y en la Real Academia de España en Roma del Ministerio de Asuntos Exteriores. Además, ha expuesto individualmente en importantes centros de arte, tales como el MEIAC a Badajoz, el CAAC de Sevilla o el Centro de Arte de Alcobendas en Madrid, el Museo MAS/Casas del Águila (Santander) o a La Parra, Fundación de Aparejadores (Sevilla). Ha participado en destacadas ferias internacionales, com Pinta Art London, Ch.ACO, Los Ángeles, Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Foro Sur, ARTINTERNATIONAL Istambul, Just Madrid, Summa, Swab, Berliner Liste, Arte Santander, Estampa, Contemporary Istambul y Arteba.
Su obra está representada en las colecciones del Banco de España, el Ministerio de Asuntos Exteriores de España, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Junta de Andalucía, el Gobierno de Extremadura, la Consejería de Cultura de Cantabria, la Diputación de Badajoz, la Diputación de Cáceres, el Centro Asturiano, México D.F., la Caja de Ahorros de Badajoz, Institución El Brocense, Fundación ABC-Madrid, Fundación Focus Abengoa de Sevilla, Fundación DKV, Ayuntamiento de Badajoz y Fundación Unicaja, así como colecciones privadas de Europa, Méjico y EEUU.
Willy López | Fotografía. Félix Méndez
Las ilustraciones de Don Tito Merello queman. Fogata con paleta electrónica incendiarias y borrón y cuenta nueva. Es fácil, copias una foto con papel calca contra el cristal de tu salón, con cuidado, sin apretar para que parezca natural y listo. Un proceso, el de este arquitecto, basado en las genuinas bases del Tratado Majestuoso del buen tiralíneas, volumen II del eminente profesor Domenico Bergamota . Reza así. Recepcione querido arquitecto, con firmeza una cera manley y trace líneas lecorbusianas con el sentido clásico de Pitote de Pérgamo y haga como que tenga ardores, gesto muy de nuestro gremio, en época de plicas concursales. Verá como sus planos cobran vida, efecto polaroid, y zas, un dibujito igualito al de la foto. El prócer dará cuenta de ello en el colegio, los pasos a seguir; los de siempre querido colega de profesión, salmuera y publicación en redes sociales.
Si me queréis…iros!!! Lola Flores actualizada por la RAE
Bajo la inspiración de Riki Blanco y Tito Merello
Paco no sabe cantar, no tiene ni puñetera idea de tararear, no entona, no recita, no llora, no mama, no escupe, repito, no sabe cantar. Paco Contreras Molina es el Niño de Elche. El Niño si sabe hacer todo lo anterior, cantar, entonar, recitar, gimotear, chupar, escupir y casi siempre sabe tararear. Al Niño de Elche nadie le conoce, ni su psiquiatra, ni la alcachofa de la ducha, ni su taza de café, ni sus pestañas, nadie sabe nada de él, nadie le ha descubierto, todavía, nadie le conoce, y lo más importante: nada entra en su cuerpo, todo lo cruza.
Al Niño de Elche le conocemos en Madrid, la tierra que se le puso mansa, la ciudad que le deja caer rodando desde cualquier punto y llegar al lugar de la entrevista, siempre, desde cualquier sitio, como un pinball, Gran Vía y el bonus extra es el Círculo de Bellas Artes. Pero es Paco el que se pierde, y ascensor arriba y seguridad tocando los cojones abajo, nos perdemos con él. La terraza muy bonita, hermosa vistas y señoras enlacadas piden paso para su dry Martini. Cedemos el sitio y descubrimos que El niño de Elche espera en la terraza, pero en la principal, a ras de asfalto con vistas al Edificio Metropolis, el edificio que no inspiró a Fritz Lang pero dio para un programa cultural en la 2 de Televisión Española, el más longevo en vida, la carpa audiovisual más escurridiza de la tele.
Niño de Elche está en el escaparate de la cafetería, con café a precio de coltán, con té cotizando en Wall Street y sentado en el butacón de Emmanuelle, olvidando la enea de los patios de los cabales y recuperando la paja dura y sucia del aire alquitranado de la capital. Paco se queda por ahí, flotando, pensando en su vuelo a París para sus actuaciones de la Villette, o pensando en una canción para los obreros de la Seat con los integrantes de Los Planetas en la Sala Riviera, por ejemplo.
Un rato con el Niño de Elche da para ver que Barcelona es el novio de la muerte, que Antonio Escohotado exhala verdades como humo y Santiago Carrillo tenía cositas de comunista, no muchas. Conversar con Paco Contreras se convierte en un desglose de Val del Omar y su Auto sacramental del Reina Sofía, un drogodependiente de la lectura, un maldito heterodoxo con pinta de ortodoxo.
Seguimos en el escaparate de antes, la terraza donde años atrás una señal con aires de far west, indicaba como destino Extremadura y Portugal, años atrás, cuando a la gente le dio por buscar algo de prosperidad en barrios que eran maquetas a lo grande de sus pueblos. Siegas por talleres mecánicos, arados por lamentos y siembras por limpiezas de casas de gente próspera.
Allí surgen de inmediato sirenas, frenazos, atropellos y gritos, un augurio de la pandemia social, seguimos formando parte del cuadro eterno, infinito, silencioso y humilde de Antonio López. El artista desde la azotea limpia los pinceles con trementina, aquí abajo, a ras de del circuito urbano, Paco o el Niño de Elche, limpia la cultura a base de sublimes brochazos de charla y pastitas con precio de hipoteca subprime.
Luego me fui al trueno, y el mundo volvió a ensancharse de sabiduría complementaria, de relación entre culturas, de humanismo más o menos simbólico, de música siempre… Diccionario de música, mitología, magia y religión de Ramón Andrés
Proyecto discográfico. Fuerza Nueva. Pero es difícil de encajarte con los términos clásicos de producción, discos y demás…
Sí, mi carrera no es tanto lineal, la carrera de los músicos se mide mucho por los discos. Para mí un disco pertenece a ese diríamos enjambre de lo que se supone que es un artista indisciplinar, como diría Pedro G. Romero, no multidisciplinar. No me considero un cantante en el sentido absoluto, me considero un músico, pero también escribo, hago películas, participo en performance de danza o teatro. Hago diferentes proyectos que hacen que los discos no tengan la estructura clásica por decirlo de alguna manera. El disco es una buena plataforma para complementar los directos, procesos y resultados que viene dados por otros muchísimos proyectos…
…Proyectos que son tu alimento vital como autor…
…se retroalimenta todo, no sé qué proyecto me lleva a uno anterior o el anterior al siguiente, hay realidades paralelas en las que yo voy trabajando y una se entroncan con otras. En algunos discos hay retazos de otros proyectos y en otros proyectos escénicos o instalaciones museísticas se intoxican de otros.
De esta manera no hay quién te etiquete…
Sí, de esta manera uno siente la liberación de irse quitando etiquetas y no tiene que formalizar un proyecto con unos códigos establecidos, eso me creo problemas en el sentido de la industria, problemas muy relativos comparado con personas que cobran el salario mínimo, pero por otro lado hago lo que quiero. A veces chocan las agendas, los programadores dudan, pero mi forma de trabajar es así, como esas compañías de teatro que tiene cuatro o cinco espectáculos a la vez.
No me considero un cantante en el sentido absoluto, me considero un músico, pero también escribo, hago películas, participo en performance de danza o teatro. Hago diferentes proyectos que hacen que los discos no tengan la estructura clásica por decirlo de alguna manera
De padres granadinos, nacido en Elche y otros orígenes dl flamenco en tu vida…
Mi padre es un aficionado al flamenco, canta flamenco y en las fiestas familiares escuchaba flamenco, pero al principio por un tío mío, me aficioné por la guitarra. Empecé tocando y después vino el cante. Mi hermano mayor también estaba muy metido en este mundo, y con la ayuda de mi vecino que vendía cintas de casetes muy baratas empezamos a escuchar a muchos flamencos.
¿Y cómo has ido virando desde la ortodoxia que exhala el flamenco hacía la música que elaboras, produces y generas ahora?
Poco a poco, es un proceso muy lento, algunas influencias vienen por crisis existenciales pero todo el recorrido profesional es un proceso muy paulatino, siempre acompañado por seres que te muestras a otros seres, otros artistas, y esos te van iluminando. Cuando crees que todo está perdido, que ya te has estancado en tu estética, de repente surge un amigo que te da nombres de autores, escritores, músicos, artistas, que te hacen cambiar de paradigma. La micro revolución puede ser constante, nunca sabes cuándo va a venir, ni por donde, llámalo duende, dios o demonio, como quieras, pero el cambio siempre está ahí, y yo siempre he estado abierto a que eso me suceda. Siempre estoy rodeado de gente, me gusta estar con gente, escuchar que cuenta esa gente, porque nunca sabes cuándo puede saltar la liebre. Ahí está el cambio, aquello que te lleva a territorios inesperados e inexplorados.
¿Y no te da vértigo meterte en esos territorios desconocidos?
No tengo ningún reparo en explorarlos, no tengo ningún tipo de problemas en meterme en cualquier proyecto aunque no tenga conocimientos suficientes para ello porque eso me ayuda a aprender y a concentrarme en esas nuevas vías.
Nuevas vías, muy dispares y atractivas, desde actuar en el Sonar hasta tocar con Los planetas, y de actuar en París, colaborar con C. Tangana, a tener una exposición en el Museo Reina Sofía…
Sí, es mi vida, y depende del contexto, de lo que quiera contar, del espacio, siempre todo bajo un prisma que me genere motivación. Me gustan los extraterrestres y los Ovnis pero en el sentido artístico no me gusta serlo…[Ríe]…me gusta serlo en otros territorios.
Extremadura, en el sentido artístico es dura para salirse de la línea marcada, el flamenco es un apartado donde la heterodoxia aún no se concibe. ¿Has vivido la sensación de sentirte como un patito feo en tu trayectoria profesional? ¿Mal visto por la crítica, el público…?
Yo lo he vivido, yo he estado en Extremadura, en las peñas flamencas, lo heterodoxo siempre ha estado mal visto en este país, ya lo escribía Menéndez Pelayo en la Historia de los heterodoxos españoles. Y será una cosa eterna.
Siempre estoy rodeado de gente, me gusta estar con gente, escuchar que cuenta esa gente, porque nunca sabes cuándo puede saltar la liebre. Ahí está el cambio, aquello que te lleva a territorios inesperados e inexplorados.
Retomamos el periplo musical, de un disco con textos de Miguel Hernández a Fuerza Nueva, lo último con el grupo granadino Los planetas…¿Qué ha cambiado?
He cambiado yo. Cambio yo y todo lo que hago cambia, dentro de tres meses puede que no me guste lo que hago ahora, pero en eso consiste. Como el cambiar de opinión, también muy mal visto en España, pero no hablo de un cambio obligado, una exigencia, no se trata de un proceso natural, poros abiertos para seguir evolucionando.
La cultura como arma social, política, como un elemento a reformar cada segundo de nuestras vidas…
Ese es un gran problema, verlo todo como una cuestión de izquierda o derecha, eso no es nada fructífero para la sociedad y para la cultura. Yo he conocido gente de izquierda super conservadora y gente de derecha nada conservadora en lo cultural. Ahí la paradoja es mucho mayor, hacer guerrillas culturales en ese sentido me parece muy superficial, no se remite a la realidad. En ciudades que han cambiado mucho en el sentido político como Barcelona, Madrid, Sevilla, culturalmente no han cambiado tanto. Y para las personas que somos digamos, indefinidas, no ha cambiado nada.
¿Y estás al día de aquello que está pasando?
Me gusta, sigo las cosas, pero me lo tomo como prensa rosa, sólo veo las noticias cuando desayuno. Se tratan las cosas de manera uniforme y con poca profundidad, antes decías buena la tele no da mucha información pero estaba la prensa escrita para suplementarlo, ahora ni eso. Las líneas editoriales se han visto muy intoxicadas por el clima actual, eso nos ha llevado a crear un mundo de titulares.
¿Existe algún plan general de Cultura a corto, medio o largo plazo en España?
No, pero esa esquizofrenia puede ser bueno a veces. En el desastre está la creatividad para muchos de nosotros, ¿Qué sería de nosotros si el mundo fuese perfecto?…[Ríe]…nuestra belleza renace de ahí, tener que contar lo que no está en ningún plan general. Sí existen algunos proyectos que provienen de las instituciones, pero yo me echo a temblar porque ese proyecto cultural tiene que convivir con una idea partidista con una concepción mediática de lo que supone eso. Lo importante es que haya un caldo de cultivo de gestoría cultural, y que a eso se le dé espacio.
Yo he conocido gente de izquierda super conservadora y gente de derecha nada conservadora en lo cultural. Ahí la paradoja es mucho mayor, hacer guerrillas culturales en ese sentido me parece muy superficial, no se remite a la realidad
¿Existe ese germen cultural que pueda tener calado algún día con proyectos emergentes?
Siempre hay gente que está haciendo cosas interesantes, darle espacio a esos proyectos es lo que habría que matizar.
¿Es más potente el Niño de Elche, Paco Contreras en Barcelona que en Badajoz?
Sí, en Barcelona por ejemplo hay muchos más códigos, existen otros formatos, otros festivales, otras conexiones de la que adolece Badajoz por ejemplo. Simplemente tiene otro tejido cultural, ni mejor ni peor, otro. Pero en estas ciudades están más capacitadas económicamente para poder asistir más a un sitio que a otro. Y he estado en Badajoz, no he actuado en mi segunda fase profesional…[Ríe]…he estado con el escultor Isaías Griñolo para recabar documentación para un trabajo de Juan de Ávalos. También mantengo mucha relación con mi amigo poeta Antonio Orihuela.
Hablas de tu segunda vida…¿Has abandonado el flamenco?
[Ríe]…no, el flamenco no se puede abandonar, el dedicarle la vida a ser cantaor de flamenco sí. Pero no sé si lo abandoné o me abandonó él a mí…[Ríe]…
…hoy leía a Ricardo Pachón que decía que el flamenco se muere…
…uhm…creo que se cree que él es el flamenco, por eso dirá eso. Mucha documentación, muchos archivos, pero mucho desconocimiento del flamenco, es la paradoja.
Hablando de paradojas y escuchando el disco de Fuerza Nueva, la primera canción arranca con los reconocibles acordes de Los Planetas y Jota y tú cantando El novio de la muerte…
…Bien bonita, es una canción que no es de los legionarios, es para los legionarios, esa es la gran diferencia. Se trata de un cuplé, de una canción popular que se interpretó por primera vez en 1921. Es la canción más escuchada del disco y la que la gente canta con más fuerza…[Ríe]…es algo popular y aquí es donde la ideología se mezcla. Es una de las pequeños robos de los regímenes, se apropian de material popular. Es una canción pegadiza y fácil de reconocer, y cuando superas el prejuicio y ves la belleza estética de la canción más que su devenir, que no depende en sí de la canción, por su disfrute por el valor artístico.
En el desastre está la creatividad para muchos de nosotros, ¿Qué sería de nosotros si el mundo fuese perfecto?
Cantas, filmas, compones y escribes…tiempo para todo…pero ahora sale In memorian. Posesiones de un exflamenco…¿una biografía necesaria para quemar llagas?
Sí, aunque estaba desganado para escribir sobre flamenco y con muchísimo retraso sale este libro. Años de infancia y juventud vividos de la mano del padre, la madre y los hermanos, entre concursos, peñas, tablaos, andalucinaciones y noches cada vez más largas. Recuerdos que, como posesiones, al poseído, a unos tiempos en los que anhelaba ser un cantaor reconocido, un flamenco puro, alguien que contara con la bendición de sus congéneres. Desnudarse significa quitarse nudos, pero también portar tus vergüenzas al aire.
Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez