Cultura Overdose

Etiqueta: extremadura

  • Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho «Deconstruyendo al fado desde la memoria del fado»

    Carminho es Maria. Carminho es Maria do Carmo do Carvalho. Carminho es el eco que aún resuena en el Beco dos Cortumes. Carminho es la niña que se balanceaba del brazo oscilante de Teresa Siquiera al cantar. Carminho es la mujer del viento, ella es la que canta el viento, la que viene en forma de lamento, la que escribe tu nombre en el viento. Carminho escucha los sonidos de los barrios, atrapa sus melodías de cada ráfaga de melancolía de la calle, del vértice más hondo de una saudade ajena a la tristeza. Carminho sigue soñando que juega en el Algarve, que canta en una casa de fados con apenas un palmo de altura, la lisboeta sueña con exhalar melodías en medio mundo, sueña despierta y con una saia rodada, abre los ojos y descubre que le bastan siete faldas y un caballo de varios colores para ser feliz.

    Carminho empieza a cantar para aquellos que tienen hambre de escuchar la música del viento. Carminho se deja envolver por gasas rojas, por bombillas oscilantes, se encarama en sillas de madera, sube y baja los peldaños de Alfama, amarillos, como sus paredes, o en blanco y negro, como el recuerdo de ese Portugal a la que Amália Rodrigues supo darle color. Carminho se aleja del fado para volver a las entrañas del mismo, para hacer de esta canción, que no siempre fue un gran amante en su tierra, una piel más, una capa relevante de la cultura de fronteras. Carminho es elegante, atractiva, dulce al hablar, rotunda y delicada al cantar. Carminho es Maria, la mujer del viento, la prisionera que canta a través de las grietas, la que desafía al fado desde el alma y la memoria del fado.

    Carminho son cinco discos ya en tu carrera musical, pero este último “Maria”, vemos un trabajo mucho más intimista, más personal…¿Qué dimensión tiene este trabajo para ti?

    Este disco es como una regresión a mi pasado, a mis memorias de niña, con mis padres y hermanos en la casa en el Algarve. Allí no había mucha tradición del canto de fado pero mis padres hacían sus noches de fados en casa y yo tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo. Es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música. Los primeros discos han sido muy instintivos con ese repertorio que escuché desde niña, ese que yo cantaba y me gustaba pero ya con el disco que grabamos con Tom Jobim me hizo salir de mi lenguaje musical habitual empleando unos sonidos distintos, desafiantes. Cuando terminé ese disco tenía la ilusión y la preocupación de regresar al fado pero con otra conciencia, abordándolo de otra manera. Y este es resultado, un trabajo de memoria, de mi pasado. Es aquí donde reflejo la importancia que adquiere una noche de fados, haciendo una recreación a mi manera, de lo que pienso que es importante en el fado. El primer movimiento que hice fue el de la sustracción de ciertos instrumentos clásicos del fado, fuera del tradicional, empleando los de toda la vida pero con algunos cambios. Hice una deconstrucción de estos instrumentos, retirando uno a uno para conocerlos mejor, igual que la voz. De esta manera se puede escuchar mucho mejor toda la energía y toda la cultura del fado. Con la voz o el sonido de una guitarra, no hace falta gente, público o escenario, es la mejor manera de comprender el fado desde dentro.

    Y además Carminho, introduces nuevos instrumentos en ese este disco, el lap steel que nos recuerda al tema de la película de Wim Wenders, París Texas. (El mismo director que rodaría Lisbon Story, donde un técnico de sonido recorre Lisboa buscando sonidos de los barrios, de las canciones populares y del fado.)

    Cierto, el lap steel, una guitarra americana popular en el country que se toca en horizontal. Aquí ese instrumento se toca con arco, con algunos pedales, y con algunas alteraciones del sonido para que se pueda construir no propiamente una instrumentación melódica o armónica pero si con una textura y una energía que me permite a mí a cualquier persona, disfrutar en una casa de fados. Cuando  vas a una casa fados no sólo tienes la música o el cantante o la cantante, tienes toda una energía y una textura sonora que forma parte de la experiencia del fado. Te puede transportar, soñar con aquello que cuentan las canciones. Da igual que no comprendas la letra o no sepas portugués, las emociones son más fuertes que todo eso.

     

     

    En las noches de fados en casa tuve la oportunidad de asistir a esta cultura fadista en vivo, es allí donde empecé a sentir estas experiencias emocionales y musicales muy fuertes que me marcaron esa intuición por esta música

    La grabación hace que se pierdan algunos de esos matices emocionales que cuentas…

    …El estudio quita un poco esa emoción, es muy aséptico. De ahí que la producción del disco, que llevé personalmente a cabo, al tratarte de un disco íntimo, de mis recuerdos, lo llevásemos lo más cercano posible a esa experiencia de sentir el fado en vivo. Quería recrear aquello que pasa en una casa de fados y la música fue tocada en directo todos juntos como un concierto.

    Escuchar en una calle un gemido de flamenco, o una señora tarareando un fado emociona y hace de estos dos géneros algo único…

    Estas emociones que hablaba con el fado se pueden compartir con las emociones que también transmite el flamenco, tenemos mucho en común en esta experiencia de canción urbana, de raíz, de sentimiento popular.

     

    ¿Qué significa para ti pisar España, cantar fados en otras latitudes como puede ser Extremadura en el Festival de flamenco y fado?

    Es una experiencia grandiosa, muy interesante porque puedes en un solo escenario expresar lo que tenemos en común dos pueblos separados por una frontera imaginaria, la cultural es mucho más invisible, más cercana. Las dos beben de sus ancestros, de ese carácter de tierra y fiesta popular. El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia. Ambos utilizan un lenguaje corporal muy particular y único. Esos los hace genuinos y universales.

     

    Ambas música tienen la urgencia de narrar historias, en eso también confluyen el fado y el flamenco…

    …los temas de sus canciones hablan de las cosas más comunes, del día a día, elementos muy simples, naturales pero muy poéticas. Las historias de la que escribo y canto son las historias de las personas que conozco, me cruzo o a veces observo.

    El flamenco y el fado tienen diferentes formas de expresar su música pero a la vez tienen un mismo origen emocional muy fuerte, un origen con mucha improvisación, que sale del fondo de la emoción y de la experiencia

    Actuar en Badajoz y en horas asistir a un concierto de Radiohead en Lisboa. Del fado al pop, del pop al rock y así hasta estar en contacto con muchos géneros musicales. Esa investigación musical que te hace especial.

    Escucho todo tipo de música, creo que un artista puede crecer mucho más escuchando todo tipo de música, enriquece su propio repertorio, y la inspiración viene dada por esos otros artistas.

    Dentro de tu trabajo podemos ver que le das mucho valor a la estética, a la ropa que utilizas para actuar, al diseño de la producción de tus discos y a la imagen visual…

    …Yo creo que todo habla, tanto lo que se escucha como lo que se ve. Es una forma de continuar el proceso de comunicación, de valor de una estética musical. En el caso del “Maria” fue un trabajo muy interesante, que hicimos con Giovanni Bianco, un director creativo brasileño que trabaja mucho en Estados Unidos y que ha hecho una pesquisa muy grande de la iconografía de la mujer portuguesa, que muchas veces se confunde con la española, utilizando mi propia memoria. Hablamos mucho de la casa de fados, de cómo es la mujer en Portugal, de mi madre, y es así como se construyó este personaje, “Maria”, que soy yo pero son también todas las mujeres portuguesas.

    Tú, Ana Moura, Gisela Joao, Cuca Roseta y muchas más fadistas, rostros femeninos en el fado, ¿No sabemos si Amália Rodrigues marco la feminidad en el fado o simplemente las fadistas actuales estáis más cerca del público en este momento?

    Es posible que salgan más mujeres fadistas por el icono que supone Amalia en el fado, como mujer cantante, pero también hay algo de emocional que las mujeres tienen la facilidad de expresar. Es una visión un poco romántica pero me parece que la voz femenina tiene esa sutileza, ese drama expresivo más marcado. Hay grandes fadistas que también son muy potentes como Camané, Ricardo Ribeiro o Zambujo.

     

    Willy López | Fotografía. Mariana Maltoni y Félix Méndez

  • Los Premios Max convierten Mérida en el gran escenario de la cultura

    Los Premios Max convierten Mérida en el gran escenario de la cultura

    El Teatro Romano acogió una gala brillante que reivindicó el valor del teatro, la danza y las artes escénicas como refugio de la memoria y la emoción colectiva.

    Hay lugares que parecen construidos para resistir al tiempo. El Teatro Romano de Mérida es uno de ellos. Dos mil años después de que las primeras voces resonaran entre sus columnas, volvió a convertirse en el corazón de las artes escénicas españolas durante la celebración de los Premios Max 2026. Una noche elegante y emocionante en la que el teatro, la danza, la música y el circo se dieron cita para celebrar el talento, la creatividad y la capacidad del arte para seguir interrogando al mundo.

    Porque los Premios Max son mucho más que una entrega de galardones. Son una fotografía anual del estado de la creación escénica en España. Un termómetro que mide las inquietudes de autores, compañías, intérpretes y creadores. Una ocasión para reivindicar el valor de unas disciplinas que continúan ofreciendo algo que ninguna tecnología ha conseguido sustituir: el encuentro entre seres humanos en un mismo espacio y un mismo tiempo. En una época marcada por la velocidad, las pantallas y la fragmentación de la atención, el teatro sigue proponiendo lo contrario: detenerse, escuchar, compartir emociones y mirar al otro. Lo mismo sucede con la danza, el circo o las nuevas formas híbridas de creación escénica. Todas ellas conforman un patrimonio vivo que alimenta la imaginación colectiva y mantiene encendida una de las llamas esenciales de cualquier sociedad: la cultura. Y si existe un escenario capaz de simbolizar esa continuidad entre pasado y presente, ese lugar es Mérida.

    Una ceremonia que dialogó con los clásicos y con Extremadura

    La gala apostó por una puesta en escena de gran carga simbólica. No se trató únicamente de entregar premios. La ceremonia construyó un relato donde la tradición clásica dialogó con la creación contemporánea, convirtiendo el Teatro Romano en un espacio donde convivieron siglos de historia escénica. Un enorme logro en tiempos de trombosis creativa, que la maravillosa Cristina Silveira supo dirigir de manera extraordinaria.

    Las referencias culturales se sucedieron a lo largo de la noche con una naturalidad sorprendente. Por el escenario desfilaron evocaciones de Esquilo y Sófocles pero también de figuras tan diversas como Margarita Xirgu, María Zambrano, Catalina Clara Ramírez de Guzmán, Sócrates o Diotima. Hubo espacio para la tragedia clásica, para la filosofía, para la literatura, para la memoria femenina y para la reivindicación de las raíces culturales extremeñas. La ceremonia tejió una narrativa donde convivían Medea y Antígona con Robe Iniesta, la danza butoh con las compositoras extremeñas, la escena contemporánea con la tradición grecolatina y las nuevas generaciones con quienes abrieron camino décadas atrás. Lejos de convertirse en una sucesión de números independientes, la gala construyó un discurso coherente sobre la identidad, la memoria y la capacidad transformadora de las artes escénicas.

    La huella extremeña brilló con luz propia

    Más allá del papel de anfitriona, Extremadura tuvo una presencia decisiva en el desarrollo artístico de la ceremonia. Diecisiete bailarines, como Irene Naranjo o Lara Martorán, e intérpretes extremeños participaron activamente en una propuesta escénica que otorgó a la danza un protagonismo inusual dentro de este tipo de galas. Sus intervenciones aportaron fluidez, ritmo y cohesión visual a una ceremonia que evitó la rigidez institucional para apostar por un espectáculo vivo. Pero fueron las recreaciones inspiradas en la tragedia clásica las que ofrecieron algunos de los momentos más intensos de la noche. Y por ahí aparecieron el equipo de danza de la Quijjá, de la coreógrafa extremeña Paloma Muñoz, tres minutos intensos en una super reducción de su espectáculo de danza que evoca un paisaje devastado y busca la poesía en los huesos. Fantásticos.

    María Luisa Borruel dio vida a una Medea desgarradora. José Vicente Moirón encarnó a Edipo con la solvencia de quien conoce profundamente la tragedia griega. Esteban G. Ballesteros se convirtió en Sócrates, mientras que Alberto Amarilla asumió la figura de Prometeo. Pepa Gracia aportó fuerza y humanidad a Antígona e Isabel Ordaz hizo lo propio con Hécuba. Las interpretaciones alcanzaron tal nivel de intensidad que muchos asistentes coincidieron en señalar estos fragmentos como algunos de los instantes más memorables de toda la velada. Fueron pequeñas piezas teatrales insertadas en medio de la gala que recordaron por qué los clásicos siguen hablando con extraordinaria vigencia al espectador contemporáneo.

    La música también tuvo un marcado acento extremeño. La soprano Mar Morán protagonizó una de las actuaciones más celebradas de la noche acompañada por Belén Castillo al piano y por el bailarín pacense Óscar Alonso, cuya trayectoria internacional lo ha convertido en una de las figuras emergentes más interesantes de la danza española. Entre los momentos más emotivos de la ceremonia destacó el homenaje a Robe Iniesta, una de las voces más universales surgidas de Extremadura. La gala conectó con las raíces contemporáneas de la región mediante una delicada y conmovedora versión coral de Puntos suspensivos, interpretada por el Coro Amadeus de Puebla de la Calzada. La pieza, cargada de sensibilidad y simbolismo, tendió un puente entre la música popular y las artes escénicas, demostrando que la creación cultural extremeña trasciende géneros y generaciones. Bajo las bóvedas del Teatro Romano, la canción adquirió una dimensión casi litúrgica, convirtiéndose en uno de esos instantes capaces de detener el tiempo y emocionar a un auditorio entregado.

    Madrid y Cataluña concentran los grandes reconocimientos

    Si algo dejó claro el palmarés de esta edición fue el enorme peso que siguen teniendo Madrid y Cataluña dentro de la producción escénica nacional. El Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya se repartieron buena parte de los principales reconocimientos teatrales, obteniendo cinco galardones cada uno y consolidando su posición como dos de los grandes motores creativos del panorama escénico español.

    La gran vencedora de la noche fue 1936, una ambiciosa producción del Centro Dramático Nacional, CheckIn Producciones y El Terrat, dirigida por Andrés Lima, una obra monumental sobre la Guerra Civil que convirtió la memoria histórica en materia escénica viva. Su frase de la noche podría resumirse así: “El teatro también sirve para nombrar a quienes siguen esperando justicia bajo la tierra.”. Premio al Mejor espectáculo.

    La tercera fuga, del Teatre Nacional de Catalunya, se llevó tres premios: Mejor Autoría Teatral, Mejor Elenco de Teatro y Mejor Actor para Ton Vieira. Su espíritu quedó marcado por una idea poderosa: “El exilio no es solo una herida geográfica; también es una forma de mirar el mundo.”

    Los nuestros, del Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya, obtuvo dos galardones fundamentales: Mejor Dirección de Escena para Lucía Carballal y Mejor Actriz para Mona Martínez. La obra puso sobre la mesa memoria, identidad y pertenencia. Su frase: “Somos también aquello que heredamos sin haberlo vivido.”

    La danza toma la palabra

    La danza fue una de las grandes protagonistas de la noche. No, de La Venidera y Centro Danza Matadero, se alzó como Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía para Irene Tena y Albert Hernández, y Mejor Intérprete Femenina de Danza para Irene Tena. Tres premios para una propuesta de flamenco contemporáneo, física, intensa y emocional. Su frase: “A veces decir no es la forma más luminosa de seguir bailando.”

    Faula, de Roser López Espinosa y el Consorci Mercat de les Flors, recibió el premio a Mejor Elenco de Danza. Su frase: “El cuerpo también sabe contar cuentos antiguos con una lengua nueva.”

    El premio a Mejor Intérprete Masculino de Danza fue para Juan Berlanga, por JUANCABALLO. Su frase: “Bailar es dejar que el cuerpo diga lo que la palabra no alcanza.”

     Jesús Cimarro y toda una vida dedicada a la escena

    Otro de los momentos más significativos de la noche llegó con la entrega del Premio Max de Honor a Jesús Cimarro. La elección poseía una carga simbólica evidente. Pocos nombres están tan vinculados al crecimiento y consolidación de las artes escénicas en España durante las últimas décadas. Productor, gestor cultural y director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Cimarro ha desempeñado un papel fundamental en la proyección nacional e internacional de uno de los certámenes teatrales más prestigiosos del país. El premio sirvió para reivindicar una labor muchas veces invisible: la de quienes sostienen la estructura necesaria para que las compañías puedan crear, girar y encontrarse con el público.

    El palmarés completo de una edición diversa

    Los 25 galardones repartidos durante la noche reflejaron la riqueza y diversidad del panorama escénico actual. Desde el teatro histórico de 1936 hasta las exploraciones corporales de No, pasando por la lírica de Hacia ecos de lo sagrado, el teatro de calle representado por Gota, la creación familiar de La Maestra, las propuestas emergentes como Zorra Dorada o los trabajos de investigación escénica reconocidos en categorías técnicas, el palmarés dibujó un mapa donde conviven distintas sensibilidades, lenguajes y generaciones. Una diversidad que constituye precisamente una de las mayores fortalezas de las artes escénicas españolas.

    Mucho más que unos premios

    Al finalizar la ceremonia, cuando los focos comenzaron a apagarse y el público abandonaba lentamente las gradas del Teatro Romano, quedaba la sensación de haber asistido a algo más que una entrega de galardones. Los Premios Max volvieron a recordar que el teatro sigue siendo un lugar donde una sociedad se mira a sí misma. Que la danza continúa explorando territorios que las palabras no alcanzan. Que el circo mantiene intacta su capacidad para desafiar los límites físicos y emocionales. Que la música sigue siendo capaz de unir mundos aparentemente lejanos. Y que la cultura, lejos de ser un lujo accesorio, constituye una necesidad colectiva. Las piedras milenarias de Mérida han contemplado imperios, guerras, celebraciones y silencios. Esta semana fueron testigos de otra victoria menos visible pero igualmente importante: la de las artes escénicas sobre el olvido. Una noche para celebrar premios, sí. Pero sobre todo una noche para celebrar que todavía existen escenarios capaces de reunirnos alrededor de una historia.

    Relación completa de los ganadores de los Premios Max 2026

    Teatro

    • Mejor Espectáculo de Teatro: 1936
    • Mejor Dirección de Escena: Lucía Carballal, por Los nuestros
    • Mejor Autoría Teatral: Victoria Szpunberg y Albert Pijuan, por La tercera fuga
    • Mejor Adaptación o Versión: Xavo Giménez, por Yo soy 451
    • Mejor Actriz: Mona Martínez, por Los nuestros
    • Mejor Actor: Ton Vieira, por La tercera fuga
    • Mejor Elenco de Teatro: La tercera fuga

    Danza

    • Mejor Espectáculo de Danza: No
    • Mejor Coreografía: Irene Tena y Albert Hernández, por No
    • Mejor Intérprete Femenina de Danza: Irene Tena, por No
    • Mejor Intérprete Masculino de Danza: Juan Berlanga, por JUANCABALLO
    • Mejor Elenco de Danza: Faula

    Musicales y lírica

    • Mejor Espectáculo Musical o Lírico: Hacia ecos de lo sagrado

    Calle, infancia y revelación

    • Mejor Espectáculo de Calle: Gota, de Txema Muñoz
    • Mejor Espectáculo Infantil, Juvenil o Familiar: La Maestra
    • Mejor Espectáculo Revelación: Zorra Dorada

    Autoría y creación musical

    • Mejor Autoría Revelación: Iván López-Ortega, por Taxidermia de una alondra
    • Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico: Raquel Molano, Pablo Peña y Darío del Moral, por Fuenteovejuna

    Categorías técnicas

    • Mejor Diseño de Producción: Poeta (perdido) en Nueva York
    • Mejor Diseño de Espacio Escénico: Blanca Añón, por Orlando
    • Mejor Diseño de Vestuario: Agustín Petronio, por Orlando
    • Mejor Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe, por Blaubeeren

    Premios especiales

    • Premio Max de Honor: Jesús Cimarro
    • Premio Max Aficionado o de Carácter Social: Ezezagunok Antzerki Elkartea
    • Premio Max Aplauso del Público: Sara Baras, por Vuela

     

    Willy López / Félix Méndez

  • “Caza Mayor” «La dehesa extremeña como decorado de cine para un thriller rural con alma de wéstern»

    “Caza Mayor” «La dehesa extremeña como decorado de cine para un thriller rural con alma de wéstern»

    “Caza Mayor” no es solo una película sobre un tigre imposible: es una historia sobre lo que una sociedad decide creer, ocultar o enfrentar. Y en ese territorio, la dehesa extremeña se convierte en el escenario perfecto para una caza mucho más profunda: la de las verdades incómodas.

    Extremadura, y sobre todo la localidad de Fregenal de la Sierra, se ha convertido en el epicentro de uno de los rodajes más ambiciosos del cine español reciente: Caza Mayor, la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo, autor de títulos tan reconocidos como Azul oscuro casi negro. Conocido por su capacidad para entrelazar emoción, humor y retrato social en títulos como Azul oscuro casi negro, el cineasta regresa con una propuesta que profundiza en las tensiones invisibles del mundo rural, con una mirada contemporánea pero profundamente arraigada en la tradición narrativa española.

    «Lo que más me gustó al escuchar el podcast fue el realismo y la verdad que aportaba esos actores no profesionales que infundía María Ballesteros y Antonio Pascual. Y enseguida vi que Antonio de la Torre tenía que estar rodeado de gente de la zona para darle ese realismo a la historia.»Daniel Sánchez Arévalo.

    Un origen sonoro que se convierte en cine

    El germen de Caza Mayor se encuentra en el podcast El Tigre, una pieza escrita por la autora extremeña María Ballesteros y narrada por Aitana Sánchez-Gijón. Aquella historia, cargada de atmósferas inquietantes y simbolismo, despertó en Sánchez Arévalo la necesidad de trasladar ese universo al lenguaje cinematográfico. El director ha trabajado en la adaptación ampliando tramas, construyendo nuevos personajes y reforzando el componente coral del relato, sin perder la esencia original: una historia donde lo íntimo y lo social se entrelazan constantemente.

    Más allá de la caza

    Caza Mayor se sitúa en una finca de caza del sur de Extremadura, en plena dehesa. En el centro de la historia encontramos al personaje interpretado por Antonio de la Torre, un porquero que conoce la finca mejor que nadie y que observa, desde una posición aparentemente periférica, los movimientos de quienes ostentan el poder. Su mirada se convierte en uno de los ejes morales del filme. Paralelamente, el personaje de Julián Villagrán introduce un contrapunto complejo: un hombre atrapado entre dos mundos, que encarna las contradicciones de una sociedad que oscila entre la tradición y el cambio.

    A medida que avanza la trama, el relato se transforma en una metáfora sobre la jerarquía social: quién caza y quién es cazado, quién decide y quién obedece. La película despliega así una doble lectura: por un lado, un drama rural cargado de tensión; por otro, una reflexión profunda sobre la lucha de clases, en la línea de obras como Los Santos Inocentes o Jarrapellejos, que también exploraron las desigualdades en entornos similares.

    «Como ciudadano es uno de los temas que más me preocupa. Y sin dar un mitin, creo que vamos en picado a un tecnofeudalismo , y alejándome del campo, centrándome en la economía global, los grandes oligarcas mundiales, están rajando la sociedad. Ayuda que ciertos partidos, uno en concreto, fomentan que esas élites sigan manejando a su antojo todo. Y me preocupa mucho esa desestructuración social, falta de empatía y valores naturales, que en cierta manera, se ven muy reflejados en Caza Mayor. Hay varias capas en la trama.» Antonio de la Torre.

    Un rodaje marcado por la adversidad

    El proceso de rodaje ha sido especialmente exigente. Las intensas borrascas que afectaron a la región durante varias semanas complicaron seriamente el desarrollo de la producción. El propio Sánchez Arévalo ha reconocido que podría tratarse de “la semana más dura” de toda su trayectoria profesional. Las condiciones meteorológicas obligaron a reorganizar jornadas, adaptar escenas y trabajar en situaciones límite.

    Sin embargo, lejos de quebrar el proyecto, estas dificultades reforzaron el espíritu de equipo. El director ha querido destacar la hospitalidad de los habitantes de la zona, así como la implicación y profesionalidad de todo el equipo técnico y artístico. La conexión con el territorio ha sido, en sus propias palabras, “una de las grandes recompensas del rodaje”.

    «En toda mi trayectoria ha sido muy recurrente la presencia de personajes alcohólicos, yonquis, locos y demás, mi especialidad, de hecho tengo un Goya por ello, pero ya afortunadamente, quizá por la edad o vete tú a saber, han descubierto que sé hacer otros papeles, y en esta película está presente ese contrapunto.» Julián Villagrán.

    «En toda mi trayectoria ha sido muy recurrente la presencia de personajes alcohólicos, yonquis, locos y demás, mi especialidad, de hecho tengo un Goya por ello, pero ya afortunadamente, quizá por la edad o vete tú a saber, han descubierto que sé hacer otros papeles, y en esta película está presente ese contrapunto.» Julián Villagrán.

    Interpretaciones y complicidad creativa

    Para Antonio de la Torre, Caza Mayor supone un nuevo capítulo en su fructífera relación con Sánchez Arévalo, con quien suma ya cinco películas. El actor ha subrayado el valor de rodar en un entorno como la dehesa extremeña, que describe como “un lugar donde uno podría quedarse a vivir”. Pero más allá del paisaje, destaca la riqueza del guion y la profundidad de su personaje, que le ha permitido explorar emociones contenidas y silencios cargados de significado.

    Por su parte, Julián Villagrán ha valorado especialmente la complejidad del enfoque narrativo. Tras una carrera en la que ha interpretado numerosos personajes marginales o excéntricos, el actor considera que esta película rompe con los esquemas simplistas y apuesta por una narrativa llena de matices, donde los conflictos no se resuelven de forma evidente y los personajes evolucionan en zonas grises.

    «Daniel tiene una mirada para contar esta historia de una manera creíble, siempre lo ha hecho, desde que comenzamos a trabajar juntos en Azul oscuro casi negro. Es arriesgado, y ese atrevimiento, donde la película tiene hasta un aire documental, me parece algo mágico. En esta profesión siempre hay que aprender, y con equipos como el de esta película, es un lujo ese aprendizaje». Antonio de la Torre.

    «Daniel tiene una mirada para contar esta historia de una manera creíble, siempre lo ha hecho, desde que comenzamos a trabajar juntos en Azul oscuro casi negro. Es arriesgado, y ese atrevimiento, donde la película tiene hasta un aire documental, me parece algo mágico. En esta profesión siempre hay que aprender, y con equipos como el de esta película, es un lujo ese aprendizaje». Antonio de la Torre.

    Un thiller rural con acento extremeño: territorio y autenticidad

    Uno de los rasgos más distintivos de Caza Mayor es su apuesta por integrar a la comunidad local en el proyecto. Gran parte del elenco está formado por habitantes de las localidades cercanas, lo que aporta una autenticidad difícil de replicar. Los acentos, los gestos, las miradas: todo contribuye a construir un universo verosímil, profundamente conectado con la realidad del territorio. Daniel Sánchez Arévalo asegura que han hecho un casting local «exhaustivo» para conseguir a un reparto «de auténticas joyas para luego, con nuestros protagonistas, hacer una inmersión total en ese peculiar y único acento extremeño, que además está muy poco explotado en nuestra cinematografía y que, para mí, sin duda, es otro de los grandes atractivos del proyecto».

    La película ha sido rodada íntegramente en Extremadura, aprovechando los paisajes de la campiña sur, donde la dehesa, con sus encinas, sus claros y la presencia constante del cerdo ibérico, se convierte en un personaje más. Este entorno no solo actúa como telón de fondo, sino que condiciona la narrativa, define las relaciones entre los personajes y refuerza el simbolismo de la historia.

    El humor como resistencia

    A pesar de la dureza de los temas abordados, Sánchez Arévalo no renuncia a uno de los elementos más característicos de su cine: el humor. Un humor sutil, a veces incómodo, que emerge en los momentos menos esperados y que sirve como válvula de escape emocional. Esta combinación de drama y ligereza permite al espectador conectar con la historia desde múltiples niveles, evitando caer en el tono excesivamente solemne.

    «Cuando ruedas en un sitio y narras una historia, tiene que estar justificado. Si ruedas en Galicia será por algo, y si ruedas esta historia tiene que ser Extremadura, primero porque gira entorno al mundo de los cerdos ibéricos, y por la idiosincrasia de los personajes que pueblan la película. Extremadura está muy poco explotada a nivel cinematográfico y es un decorado increíble y ojalá esta peli ayude a que vengan más rodajes a esta tierra.» Daniel Sánchez Arévalo.

    «Cuando ruedas en un sitio y narras una historia, tiene que estar justificado. Si ruedas en Galicia será por algo, y si ruedas esta historia tiene que ser Extremadura, primero porque gira entorno al mundo de los cerdos ibéricos, y por la idiosincrasia de los personajes que pueblan la película. Extremadura está muy poco explotada a nivel cinematográfico y es un decorado increíble y ojalá esta peli ayude a que vengan más rodajes a esta tierra.» Daniel Sánchez Arévalo.

    Producción y apuesta por el cine con raíces

    Caza Mayor cuenta con el respaldo de Movistar Plus+, que continúa consolidando su apuesta por un cine comprometido, con identidad y vocación autoral. Siguiendo la línea de producciones anteriores como Sirat o Los Domingos, la plataforma impulsa aquí un proyecto que combina ambición artística con arraigo territorial. En este sentido, la película no solo representa una obra cinematográfica, sino también una oportunidad para visibilizar el potencial de Extremadura como escenario de rodajes y como fuente de historias universales. Caza Mayor se perfila así como una de las producciones más relevantes surgidas en la región en los últimos años, con la capacidad de trascender lo local y conectar con audiencias amplias.

    Un “wéstern” en el viejo oeste de España

    Con una narrativa compleja, un reparto sólido y un entorno natural de enorme fuerza simbólica, Caza Mayor se presenta como una película que invita a mirar más allá de la superficie. Una historia donde cada silencio pesa, cada gesto cuenta y cada disparo resuena no solo en la dehesa, sino también en las estructuras profundas de la sociedad.

    Willy López / Félix Méndez

  • Leiva «Crónica de un tipo acostumbrado a ser un Gigante»

    Leiva «Crónica de un tipo acostumbrado a ser un Gigante»

    No se lo crean, José Miguel Conejo Torres está acostumbrado al calor extenuante de Badajoz. Sus notas destilan sudor de frontera mexicana con Texas. De El Paso a la aduana de Caya, de ahí nacen los grados necesarios para parir un Gigante. Un rancho de canciones, un tal Robe, un brasileño del Atleti de los años 70 y una canción perdida en un ángulo muerto. Añadan o quitan lo que quieran. Pero grados aguanta impasible, este artista de apenas seis arrobas de peso, y lo hace sudando a borbotones, como lo hacía Zidane antes de darle un cabezazo a Materazzi, pum, en plena final, y arranca el concierto. Puntual y digital, 00:00:00.

    Una gota de ese sudor llega de un lado al otro del recinto en menos de tres canciones. El abrazo de un amigo empapado roza el labio de la chica de al lado, que posa su mano sobre el hombro para pasar el vaso de cerveza que, dando saltitos en un ataque de ira de la banda, se impregnan en el beso que se dan las dos chicas de emoción hasta recorrer todo el público. De este a oeste. El Polvo de los días raros y una noche de feria con Leiva.

    Elegante, fino, medio sheriff, medio indio, recuerda sus años de pistolero de la banda de los Pereza, un Patt Garret de la música, cuando llevaba Fender Telescaster como si fuera una Winchester, cuando se batía en duelo entre el pop y el rock, para con el paso del tiempo, y un sombrero con más roña, sonar de lujo, de principio a fin, con más soul y rock & roll en su puñado de canciones. Princesas y viejos temas que disiparon por un par de horas el sonido de las tómbolas con acordes donde parecían no jugarse nada, como si fueran a morir mañana. Una petición analógica en tiempo digitales; móviles en modo avión y un tema para volver a despegar. Simplemente Leiva.

    Lo simple acarrea una grandeza infinita, hacerlo simple ni se lo imaginan, parecerlo, una honestidad monumental, la misma que Benjamín Prado, corrobora con versos callejeros, un tipo con talento absolutamente desmesurado. Entre amigos, los tequilas no necesitan de sal y limón, y aquí Sabina, es más cauto con Leiva, le avisa de su clavícula de platino, no quiere robos de última hora. Última canción, último bis, reverencias y aplausos, muchos aplausos, hasta convertir en barro el sudor que se desploma de entre las manos, mordiendo la arena. Agigantado.

    Willy López / Félix Méndez

  • Fundación CB convierte el verano en una gran plaza social y cultural abierta a toda la ciudadanía

    Fundación CB convierte el verano en una gran plaza social y cultural abierta a toda la ciudadanía

    Más de 120 actividades para demostrar que la cultura también se vive bajo el sol

    Mientras muchas ciudades reducen su actividad cultural durante los meses estivales, Fundación CB ha decidido recorrer el camino contrario. Este verano de 2026, la entidad desplegará una de las programaciones más ambiciosas de los últimos años, con más de 120 actividades dirigidas a niños, jóvenes, adultos, mayores y familias, convirtiendo julio y agosto en dos meses repletos de aprendizaje, convivencia, creatividad, deporte y cultura. La propuesta, presentada por el director general de Fundación Caja Badajoz, Iván Manzano, junto al programador cultural Tomás Parejo Macarro, confirma una filosofía de trabajo que la institución lleva años consolidando: entender la cultura como una herramienta de transformación social y como un espacio de encuentro para todas las generaciones.

    Badajoz volverá a ser el principal escenario de esta programación, con especial protagonismo para los espacios de Montesinos 22 y la Residencia Universitaria Universitas Castellar (RUCAB), aunque la iniciativa también llegará a Mérida y Zafra con distintas propuestas educativas y formativas. Lejos de concebir el verano como un simple periodo vacacional, Fundación CB plantea estos meses como una oportunidad para descubrir nuevos intereses, compartir experiencias y seguir creciendo a través del conocimiento, el ocio saludable y la participación comunitaria.

    Un verano para todas las edades

    Uno de los aspectos más destacados de la programación es su carácter transversal. No existe una única actividad estrella porque el verdadero protagonista es el conjunto de una oferta diseñada para responder a públicos muy diversos. Los mayores de 55 años encontrarán en el Espacio Sénior una programación específica centrada en el envejecimiento activo. Lejos de los estereotipos asociados a esta etapa vital, la Fundación apuesta por actividades que fomentan la autonomía, el aprendizaje permanente y la participación social.

    Abuaventuras. La cajita del amor (1 y 30 de julio y 31 de agosto) En Montesinos 22 (de 10 a 11:30 horas)

    Gymkana. (3 y 24 de julio y 7, 14 y 21 de agosto) en la RUCAB (de 10 a 11:30 horas)

    Clases Aquactiva. Fitness y ejercicios aeróbicos y de fuerza en el agua. En la RUCAB, en julio y agosto.

    Los asistentes podrán participar en cursos de alfabetización digital para desenvolverse con mayor facilidad en un mundo cada vez más tecnológico, sesiones de ejercicio físico adaptado, actividades intergeneracionales junto a sus nietos e incluso rutas ciclistas guiadas por el deportista paralímpico Rubén Tanco, una iniciativa que combina salud, deporte y convivencia.

    Te presento a tu móvil. 3, 24 y 31 de julio y 7, 14 y 28 de agosto, en la sede de Montesinos 22 (de 10 a 12 horas.)

    Ruta Ciclista Integrateam. Ruta ciclista de 40/50 km adaptado para quienes quieras iniciarse o retomar la práctica del ciclismo en carretera. 8 de julio y 7 de agosto. 9 a 11 horas. Rucab.

    La programación incorpora además un Espacio Bienestar dirigido a adultos de todas las edades, donde se desarrollarán talleres enfocados al cuidado físico y emocional. Una apuesta que refleja la creciente preocupación social por la salud mental y por la necesidad de incorporar hábitos saludables al día a día.

    Meditación & Mindfullness. 2, 9, 16, 23 y 30 de julio y 6, 13, 29 y 7 de agosto. En Montesinos 22, Badajoz (de 9 a 10)

    Yoga. Lunes de julio y agosto de 20:30 a 21:30 RUCAB. Martes de julio y agosto de 9 a 10 horas en Montesinos 22.

    Un verano para despertar vocaciones

    Hay niños que recuerdan los veranos por una piscina. Otros por un viaje. Y algunos, años después, siguen recordando aquel taller donde descubrieron algo que no sabían que les apasionaba. Ese es el espíritu que vuelve a perseguir Mini Creadores, uno de los espacios más dinámicos de la programación infantil de Fundación CB. Durante julio y agosto, decenas de niños tendrán la oportunidad de acercarse a mundos tan distintos como la cocina, la literatura, la magia, la creación artística, los juegos de estrategia o el contacto con la naturaleza.

    Las propuestas abarcan desde la elaboración de recetas inspiradas en cuentos hasta experiencias relacionadas con el diseño de juegos, la caligrafía creativa o los pequeños huertos urbanos. Todo ello desde una premisa sencilla: aprender haciendo. Más que talleres, son pequeñas expediciones hacia la imaginación. Lugares donde la curiosidad se convierte en la mejor herramienta de trabajo y donde las preguntas importan tanto como las respuestas.

    Verano sin pausa

    Mientras las aulas permanecen cerradas, la actividad continúa en los espacios de Fundación CB. Los campamentos vuelven a convertirse en uno de los grandes motores de la programación estival, ofreciendo miles de plazas para que niños y jóvenes encuentren una alternativa educativa, divertida y enriquecedora durante las vacaciones. La oferta es tan diversa como los intereses de quienes participan. Algunos encontrarán su lugar entre circuitos, robots y programación. Otros descubrirán el lenguaje de la fotografía, se acercarán al dibujo y la creación plástica o explorarán los secretos del entorno natural.

    El Campus STEAM, Photo Lab Campus, Robot Camp, Aula de la Naturaleza, Trazos Camp o IntegraTEAM conforman una propuesta que entiende el verano como una oportunidad para experimentar, crear y descubrir nuevas habilidades. Pero estos campamentos también cumplen otra función menos visible y quizá igual de importante: convertirse en espacios de convivencia. Lugares donde se hacen amigos, se comparten experiencias y se aprende a trabajar con otros desde el respeto y la colaboración.

    Consultar  reservas en: fundacion.es/verano

    Espectáculos para compartir

    La programación familiar tendrá también un papel destacado este verano. Porque hay actividades que se disfrutan mucho más cuando se viven en compañía. Bajo el sello Show en Familia, Fundación CB reunirá diferentes propuestas donde el humor, la sorpresa y la participación directa del público serán los ingredientes principales.

    Entre los encuentros más esperados figura la visita de Vacasflakas y Brocolina, (23 de julio y 13 de agosto de 12 a 13 horas) dos personajes sobradamente conocidos por muchas familias pacenses, que llegarán a Montesinos 22 cargados de juegos, improvisación y situaciones disparatadas capaces de arrancar sonrisas tanto a pequeños como a mayores. A ellos se sumarán espectáculos de magia y animación familiar como los protagonizados por el Mago Chiqui, (26 de agosto de 12 a 13 horas en Montesinos 22) configurando una programación que reivindica algo cada vez más valioso: el tiempo compartido. Porque más allá de los escenarios, los aplausos o las actuaciones, estas actividades buscan precisamente eso. Crear momentos capaces de reunir a varias generaciones alrededor de una misma experiencia y demostrar que las mejores historias del verano suelen escribirse cuando se viven juntos.

    La conciliación familiar como compromiso social

    Más allá del aspecto cultural, Fundación CB mantiene una importante función social. La conciliación familiar se ha convertido en uno de los ejes estratégicos de esta programación, ofreciendo a padres y madres alternativas educativas seguras durante las vacaciones escolares. Los campamentos permiten que las familias puedan compatibilizar mejor sus responsabilidades laborales con el tiempo libre de sus hijos, al mismo tiempo que garantizan espacios de aprendizaje y socialización de calidad. La entidad también ha diseñado propuestas para disfrutar conjuntamente entre generaciones. Entre ellas destacan actividades familiares, espectáculos infantiles y experiencias al aire libre como las rutas de piragüismo por el río Guadiana, donde abuelos, padres e hijos podrán compartir una misma aventura.

    Live Sound(Set): los mejores atardeceres de Badajoz tendrán banda sonora

    Uno de los proyectos más novedosos y atractivos del verano será el nacimiento de Live Sound(Set), una iniciativa musical con la que Fundación CB pretende convertir la terraza de Montesinos 22 en uno de los espacios culturales de referencia de las noches estivales pacenses. La propuesta nace con una doble vocación. Por un lado, ofrecer experiencias musicales cercanas y de calidad en un formato íntimo. Por otro, contribuir a la dinamización cultural del Casco Antiguo de Badajoz aprovechando uno de los grandes espectáculos naturales que ofrece la ciudad durante los meses más cálidos: sus atardeceres. La terraza de la sede de Fundación CB se transformará así en un privilegiado balcón urbano desde el que contemplar la ciudad mientras la música acompaña la caída del sol.

    Con un aforo limitado a apenas cien personas y entrada gratuita hasta completar capacidad, el ciclo busca recuperar la cercanía entre artistas y público, alejándose de los grandes formatos para apostar por experiencias más personales y memorables. La programación reunirá figuras reconocidas del panorama nacional junto a algunos de los nombres más interesantes de la creación musical extremeña actual, demostrando una vez más la voluntad de Fundación CB de combinar la proyección exterior con el apoyo al talento de la región.

    La apertura del ciclo correrá a cargo de Bambikina el 2 de julio. La cantante y compositora, reconocida por su universo poético y cinematográfico, ha participado en festivales nacionales e internacionales y ha sido distinguida recientemente por la composición de la banda sonora de La mesita del comedor, además de haber sido candidata a los Premios Goya.

    El 9 de julio llegará uno de los nombres más esperados del cartel: Nena Daconte, que ofrecerá un concierto acústico especialmente concebido para este formato cercano. La autora de canciones que forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones, como Tenía tanto que darte o En qué estrella estará, presentará además temas de su último trabajo, La Escafandra.

    La escena extremeña tendrá un papel protagonista el 16 de julio con Estanco 72, una formación nacida entre Madrid y Badajoz que fusiona pop, R&B, soul, hip hop y nuevas sonoridades urbanas, representando el empuje creativo de una nueva generación de músicos de la región.

    El flamenco llegará el 23 de julio de la mano de Ezequiel Montoya, artista que comenzó a actuar siendo apenas un niño y que alcanzó una enorme popularidad tras su participación en el programa televisivo La Voz. Su carrera le ha llevado a compartir escenario con figuras como Farruquito, La Farruca o Raimundo Amador, además de actuar en numerosos países.

    La última cita de julio tendrá como protagonista a la emeritense Selene Cidoncha, una de las voces emergentes de la música extremeña. Su repertorio combina pop, indie, R&B y bolero, construyendo canciones de marcado carácter emocional que le han permitido abrirse camino dentro del panorama musical nacional.

    Agosto arrancará con una de las artistas más personales y reconocibles de la música española contemporánea: Blanca Paloma. La representante española en Eurovisión 2023 llegará a Badajoz con una propuesta donde conviven flamenco, experimentación electrónica y tradición popular, consolidada ya como una de las creadoras más innovadoras del país.

    El 13 de agosto, Anda Jaleo. La música de Lorca recuperará el universo musical de Federico García Lorca desde una mirada contemporánea. El proyecto, integrado por músicos vinculados al jazz, revisita las canciones recopiladas y popularizadas por el poeta granadino respetando la esencia original pero incorporando nuevos matices sonoros.

    La recta final del ciclo tendrá un marcado acento extremeño con KMKR y Mala Sangre, integrantes de la denominada New Wave Extremeña, un movimiento artístico que reivindica una nueva mirada sobre la identidad rural y contemporánea de Extremadura. Ambos proyectos se han convertido en referentes de la nueva creación musical regional gracias a su capacidad para dialogar con tendencias internacionales sin perder sus raíces.

    El cierre llegará el 27 de agosto con Xavibo, una de las voces más destacadas de la nueva escena independiente española. El artista mallorquín ha logrado conectar con miles de jóvenes gracias a una propuesta que mezcla poesía, pop contemporáneo e influencias del hip hop, acumulando millones de reproducciones en plataformas digitales.

    Más allá de los conciertos, Live Sound(Set) aspira a convertirse en una nueva referencia cultural del verano pacense. Una invitación a descubrir música, contemplar la ciudad desde otra perspectiva y disfrutar de encuentros únicos en un espacio privilegiado. Una apuesta que refuerza el papel de Fundación CB como uno de los grandes motores culturales de Extremadura.

    Noches Musicales: tradición, emoción y cercanía

    La música tendrá también presencia destacada a través de las ya consolidadas Noches Musicales, una propuesta que volverá a reunir diferentes estilos y sensibilidades artísticas. En la RUCAB a partir de las 22:00 horas. El público podrá disfrutar de los fados de Francisco Moreira (11 de julio), las rancheras de Recordando a Chavela (8 de agosto), los boleros de Los Furriones (1 de agosto), las coplas de Pilar Boyero (22n de agosto) y el flamenco de Ostalinda Suárez (18 de julio), configurando un recorrido sonoro por distintas tradiciones musicales que siguen despertando un enorme interés entre los espectadores.

     

    Ciencia, creatividad y tecnología para el futuro

    El Campus STEAM volverá a tener presencia este verano en Badajoz, Mérida y Zafra. Se trata de una de las iniciativas educativas con mayor crecimiento dentro de la programación de Fundación CB. Su propuesta combina experimentación, innovación y aprendizaje práctico para acercar a niños y jóvenes disciplinas vinculadas a la ciencia, la tecnología, la ingeniería, las matemáticas y las artes. En una sociedad donde la transformación digital avanza a gran velocidad, este tipo de programas representan una herramienta fundamental para despertar vocaciones y preparar a las nuevas generaciones para los retos del futuro.

    Una cultura cada vez más accesible

    La inclusión continúa siendo otro de los pilares fundamentales de la entidad. A través de su Sello Inclusivo, Fundación CB trabaja para que ninguna persona quede fuera de la programación por motivos de accesibilidad. La iniciativa permite adaptar actividades y ofrecer apoyos específicos a quienes lo necesiten, reforzando el compromiso de la institución con una cultura abierta, diversa y verdaderamente participativa.

    Mucho más que una agenda de verano

    La programación estival de Fundación CB no es simplemente una sucesión de talleres, conciertos o campamentos. Es la demostración de cómo una entidad cultural puede convertirse en un agente activo de cohesión social, educación y bienestar. Más de 120 actividades significan cientos de horas de aprendizaje, miles de experiencias compartidas y una ciudad que continúa respirando cultura incluso durante los meses más calurosos del año. En una época donde el ocio suele asociarse únicamente al consumo rápido o al entretenimiento efímero, Fundación CB reivindica otra forma de disfrutar el verano: aprender, crear, convivir y descubrir. Una invitación a ocupar el tiempo libre con propuestas que dejan huella y que convierten la cultura en una experiencia cotidiana, cercana y accesible para todos. Porque cuando una programación consigue reunir a niños, jóvenes, mayores, familias, artistas consagrados, talento emergente, deporte, ciencia, bienestar e inclusión bajo un mismo proyecto, ya no estamos hablando únicamente de actividades de verano. Estamos hablando de una auténtica comunidad cultural en movimiento.

     

  • Ferrán Adrià «La naturalidad cósmica del mejor cocinero del mundo»

    Ferrán Adrià «La naturalidad cósmica del mejor cocinero del mundo»

    La comida se convierte en cultura desde el momento en que un plato recibe todos los ingredientes endémicos de un barrio, de una localidad, de un paraje escondido en el mundo. La cultura gastronómica roza un ADN social que impregna de características populares y que transita desde el simple gesto de capturar comida con una cuchara e inclinar el brazo hasta llevarlo a la boca, rozar el producto, olerlo y tamizarlo de sabores atávicos, con una explosión de recuerdos, una amalgama de sensaciones gustativas a la que digerir con destreza. Somos lo que comemos.

    El historiador boloñés Massimo Montanari escribía en una de sus obras sobre la historia de la alimentación que la comida es cultura cuando se produce, porque el hombre no utiliza solo lo que se encuentra en la naturaleza (como lo hacen todas las demás especies animales) sino que ambiciona crear su propia comida, superponiendo la actividad de producción a la de captura. La comida es cultura cuando se prepara, porque una vez adquiridos los productos básicos de su alimentación, el hombre los transforma mediante el uso del fuego y una elaborada tecnología que se expresa en la práctica de la cocina. La comida es cultura cuando se consume, porque el hombre, aun pudiendo comer de todo, o quizás justo por ese motivo, en realidad no come de todo, sino que elige su propia comida con criterios ligados ya sea a la dimensión económica y nutritiva del gesto, ya sea a valores simbólicos de la misma comida.

    Ferrán Adrià suele recordar que esa cultura gastronómica no tiene tantos años, menos de doscientos, y que desde entonces la estandarización de la cocina ha hecho que niñas y niños sepan que se llevan a la boca cada día. La cocina es traicionera, el puchero de cocido de nuestras abuelas o madres cobran nueva vida, con una esferificación de esencia de garbanzos y humo de morcilla con tocino, el producto es el mismo, el resultado no. La diferenciación lo marcan los estratégicos puntos de restauración que conforman el mapa culinario en el mundo, y sin duda, el señor que revolucionó algo tan vital, como comer, tiene un lugar reservado desde hace años. Ferrán Adrià.

    8 de la mañana. Llueve ligeramente. Entrevista en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales de la Universidad de Extremadura en el Campus de Badajoz. Jornada de innovación en el marco del Centenario de Telefónica. De Cala Montjoi a Badajoz. De mejor chef del mundo a el hombre más puntual de la ciudad. Del Bulli a preguntarme por un restaurante tranquilo, con productos de la tierra, pero fuera de los que suelen estar en las páginas de dónde comer, me quedo en blanco. Se ríe, me río. Le recomiendo varios, todos incluidos en esa lista que habla. Elige un clásico. Fuera ha dejado de llover.

    Hablamos del tupper que me pide mi hija al escuchar que voy a entrevistar a un cocinero, de la amarga visita al nuevo espacio de El Bulli, añorando la comida, de lo cercano que se encuentra el Restaurante Enigna de su hermano Albert Adriá de ese pasado culinario que gestaron en Roses…

    …Si el Bulli estuviera abierto, fuera del lugar que era mágico, la comida, la experiencia, Enigma sería ese 90% de Bulli.

     

    Un eje clave en tus charlas actuales se centra en esa experiencia aplicada en materia de innovación para la creación de futuros emprendedores…

    …Nosotros en el Bulli hemos hecho doscientos proyectos, y aunque hablemos de concepto comida, hemos innovado más que muchas empresas dedicadas a eso exclusivamente. He sido profesor en Harvard de innovación, y es que este Frankenstein laboral me llevado a eso. Ahora mismo estamos haciendo una Universidad gastronómica en Madrid, y es ahí, uno de mis objetivos principales, con la educación a todos los niveles, donde podemos tratar del futuro, de la innovación para los nuevos emprendedores. Realmente la función de la Bulli Fuondation es ayudar a esos emprendedores para que sean los más longevos en sus proyectos. Parece sencillo pero el 50% de las PYMES no dura más de 5 años, y de ese 50% que queda, más del 40% no tiene una rentabilidad interesante.

    Hablamos de innovación y se suele mezclar innovación con creatividad, algo que las empresas deben de asimilar, y en cocina digamos que pueden ser ingredientes que ligan poco…

    …la imaginación que es la capacidad para tener ideas, la creatividad la capacidad para crear, la creación es el resultado y la innovación es introducir un cambio creativo en una organización, sea de manera interna o de manera externa. Y ojo, que tenga éxito, esa es la gran diferencia, y no siempre tiene que ser un éxito entendido como económico.

     

    Cuando te refieres a un éxito fuera de lo económico, hablas de algo intangible, como es de poder desconectar de cuajo, cosechando el mayor éxito gastronómico, como ser el mejor restaurante o chef del mundo, como es tu caso con Bulli o el de René Redzepi con Noma…

    …cada uno es diferente, quizá no sea ese el paradigma. En nuestro caso es muy fácil, nuestra misión era buscar los límites que hay en una experiencia gastronómica y nosotros tuvimos la frialdad de analizar nuestro trabajo y saber que no íbamos a poder llevar el mismo ritmo que habíamos tenido durante los 25 años, siempre en la cresta de la ola. Con esa máxima presión creativa decidimos parar, o cambiar de ritmo laboral. Si yo hubiera tenido hijos todo lo que me ha pasado no sería posible. El éxito requiere ese esfuerzo. René ha hecho un poco lo mismo, aunque ahora se cuestione qué va a hacer, nosotros lo teníamos claro, queríamos hacer una Fundación.

    Si yo hubiera tenido hijos todo lo que me ha pasado no sería posible. El éxito requiere ese esfuerzo

     

    Estamos hablando de éxito y felicidad, ¿siempre te has hecho esa pregunta o con 18 años no sabías si ibas a ser jugador de fútbol o cocinero en el ejercito?

    Mi caso no vale como ejemplo, mi hermano y yo arrancamos sin tener esa intención vocacional, difícilmente alguien que ha llegado a la profesión como lo hicimos nosotros, puede llegar tan lejos. Recuerda que tampoco partía de esa base, y como todo en la vida, el azar, la suerte o llámalo como tú quieras, con 22 años ya era jefe de cocina de El Bulli. Jean-Paul Vinay, se marcha y tomo el mando de un proyecto al que jamás puedes pensar que te hará ser el número uno de tu profesión a nivel mundial. Ya era uno de los mejores restaurantes de España cuando tomo la alternativa.

     

    Se va un chef francés y se queda un español ¿Se gesta ahí el cambio internacional de la gastronomía?

    Yo viví una época donde la alta cocina francesa había sido un monopolio de 400 años, era impensable que un cocinero español cambiara el paradigma de eso. Ahora la gente ya ni piensa eso. La gente joven piensa que España siempre ha sido una potencia mundial de la gastronomía. España era un cero patatero en la gastronomía mundial. Cuando íbamos Juan Marí Arzak y yo a Francia no nos hacían ni puñetero caso.

     

    Y todavía era una época en la que las redes sociales ni existían…

    …cuando nosotros fuimos portada del The New York Times el impacto fue brutal, intocable, porque todos los directores de los medios de comunicación del mundo recibía el dominical, y todos a ese tipo que salía ahí. Hoy en día las redes sociales hacen que lo tengan muy claro, la línea entre la fama, el prestigio dentro de tu profesión es muy difícil de medir, sólo hay una manera de hacerlo, que es crear, crear y crear. La filosofía actual de mi hermano Albert y los chicos de Disfrutar es esa, crear continuamente para poder estar dentro de la burbuja. Ahora toca adaptarme y compartir mi experiencia.

     

    La gente joven piensa que España siempre ha sido una potencia mundial de la gastronomía. España era un cero patatero en la gastronomía mundial. Cuando íbamos Juan Marí Arzak y yo a Francia no nos hacían ni puñetero caso

     

    Ferrán ahora toca escucharte, que creo que en el ritmo que vivimos, cuesta mucho.

    Es muy bueno escuchar a la gente con experiencia, y en todos los ámbitos. Llevo 44 años en esto y los he visto de todos los colores. Yo te puedo dar mi feedback pero luego haz lo que te parezca. Creo que escuchar a gente con experiencia en el mundo tan rápido que vivimos es vital.

    Estamos en Extremadura, obviando productos del mar, creo que estamos muy bien surtidos y con una calidad de excelencia, ¿Crees que hubiera dado la posibilidad de tener “un Bulli” en esta región?

    Sí, si pasó en el fin del mundo de Cataluña, ¿Porque aquí no? Todo tiene una base, la televisión francesa me hace una entrevista buscando porqué la gastronomía española, la alta cocina, alcanza cotas tan importantes, y la respuesta fue sencilla. Por el talento, ocho o diez personas se juntaron con un talento extraordinario en un momento dado. Pasó lo mismo con el Barcelona de Xavi, Iniesta y Messi, y han pasado 30 años donde puede que suceda lo mismo. Quiero decir que se da muy pocas veces aunque hay que forzar ese encuentro. Estando con Xavi, recuerdo que me dijo estando con Leo, que uno es lo que los demás dicen que es. Puedes trabajar para que eso cambie pero siempre al final serás lo que digas otros de ti, pero siempre con talento. Hoy en día si sale una chica o un chico aquí en Badajoz con talento y capacidad de trabajo puede hacer lo que quiera….hablo de talento extraordinario y alguna ayuda económica de fondo.

     

    Creo que escuchar a gente con experiencia en el mundo tan rápido que vivimos es vital

     

    Estamos hablando de una cuna de talentos españoles en la gastronomía desde hace 30 años…

    …efectivamente, no hay ningún sector laboral en este país que esté como la gastronomía, siempre con tres, cuatro o cinco restaurantes y cocineros en el top ten. Ninguno.

    Ferrán, no denoto nostalgia en tus palabras pero no ¿echas de menos esa loca actividad de la cocina?

    Yo soy una persona que siempre dice que lo que no puedes cambiar no te preocupes, preocúpate de lo que puedas cambiar. Eso por un lado, por otro, un restaurante de nivel exige sólo 14 o 15 horas de estar de pie con una presión brutal, la auto presión que es aún peor, te destroza. Creo que es lógico no echar de menos la cocina. Hay 8 millones de restaurantes en el mundo más o menos, unos 70.000 en España, de esos 8 millones sólo hay 16.000 recomendados en la Michelin, ponte que se equivoque y se les escape algunos. Nos quedamos con 30.000. De esos que tengas una, dos o tres estrellas, unos 4.500. Esos son la élite, pero hay nos vamos a los top, los restaurantes que tienen 3 estrellas Michelin, unos 180. De esos 180 solamente hay 10 que intentar abrir nuevos caminos en innovación máxima. No digo que los consigan, ni mucho menos, pues ese es nuestro mundo…nuestro hábitat, y nosotros éramos el 1. Fíjate la presión, y nosotros la vivimos bien unos 25 años, pero ya está, más es de locos.

     

    Yo soy una persona que siempre dice que lo que no puedes cambiar no te preocupes, preocúpate de lo que puedas cambiar

     

     

    Una presión que además lleva a límites insospechados como cerrar restaurantes con tres estrellas o como el caso de Anthony Bourdain, relatos más sórdidos y escalofriantes…

    …La cocina ha cambiado mucho, ese retrato que había de la vida en las cocinas estás muy lejos de la realidad actual. Ha cambiado de una manera brutal, pero el que quiera ganar la Champions tiene que saber dónde se mete. Es un mundo complejo, duro, como otras profesiones, pero al final estamos aquí para hacer feliz a la gente con la comida.

     

    Félix Méndez / Willy López

  • Fundación CB en La Noche en Blanco

    Fundación CB en La Noche en Blanco

    Fundación Caja Badajoz se suma a la Noche en Blanco con una programación cultural en sus espacios del Casco Antiguo

    Fundación Caja Badajoz se suma a la programación de la Noche en Blanco de Badajoz con una propuesta cultural especialmente diseñada para esa noche, con actividades gratuitas en dos de sus espacios del Casco Antiguo: Montesinos 22 y Espacio Casa Alba. Con esta iniciativa, Fundación Caja Badajoz quiere contribuir a la dinamización cultural del Casco Antiguo de Badajoz, sumándose a una de las citas culturales más destacadas de la ciudad y facilitando que vecinos y visitantes puedan conocer y disfrutar de sus espacios a través de una programación diversa que combina arte, música, teatro, danza y propuestas audiovisuales. Durante la Noche en Blanco, ambos espacios permanecerán abiertos de 22:00 a 02:00 horas, con acceso libre a las exposiciones y diferentes actividades programadas.

    Montesinos 22: arte, teatro, música y vistas de Badajoz

    El espacio de Montesinos 22, situado en la calle Montesinos, 22, podrá visitarse libremente durante toda la noche. Los visitantes podrán disfrutar de la exposición de Pedro Sánchez, ‘Antología incoherente’, y de la muestra de Francisco Conde, ‘Colección Francisco Conde: grabados y dibujos’. Además, la terraza del edificio permanecerá abierta como mirador ‘Vuelta al horizonte’. La programación comenzará a las 22:30 horas, en el auditorio, con el show familiar de Vacasflakas y Brocolina. La terraza acogerá también tres pases de las visitas guiadas ‘Badajoz a ras de cielo’, programadas a las 22:00, 22:30 y 23:00 horas, una oportunidad para descubrir la ciudad desde una perspectiva diferente. A las 23:30 y 00:15 horas, el público podrá asistir al microteatro ‘La corbata’, de Miguel Murillo, representado por H’orozco Teatro. La programación continuará a las 00:45 horas con una sesión de música electrónica experimental a cargo de FOCUSFOCUSFOCUS.

    Espacio Casa Alba, una noche de arte, música y danza

    El recién inaugurado Espacio Casa Alba, ubicado en la calle San Juan, 7, también se incorpora a la Noche en Blanco con una programación especial. De 22:00 a 02:00 horas, los visitantes podrán acceder libremente a la exposición ‘Las tres tauromaquias: arte y tragedia’, que reúne obras de Goya, Dalí y Picasso en torno a las diferentes aproximaciones artísticas a la tauromaquia. La música será protagonista a las 23:00 horas con el concierto ‘La guitarra en los tiempos de Manuel de Falla’, a cargo de Marcos Arregui. El espacio acogerá además dos pases de la performance de danza ‘Latencia’, protagonizada por Luis Agorreta e Irene Naranjo, a las 22:30 y 00:30 horas. Con esta programación, Fundación Caja Badajoz refuerza su apuesta por hacer del Casco Antiguo de Badajoz un espacio vivo, abierto y vinculado a la cultura, aprovechando una noche especialmente significativa para acercar sus propuestas a la ciudadanía. La participación de la Fundación en la Noche en Blanco se enmarca en su compromiso con la cultura y la dinamización de la ciudad, poniendo sus espacios y recursos al servicio de una programación cultural diversa y accesible para todos.

     

  • El Gran Teatro de Cáceres encara el último tramo de 2026 con teatro, música, ópera y humor

    El Gran Teatro de Cáceres encara el último tramo de 2026 con teatro, música, ópera y humor

    El espacio cacereño afronta de septiembre a diciembre una programación marcada por la celebración de su centenario, con propuestas escénicas, musicales y nombres destacados de la cultura nacional

    El Gran Teatro de Cáceres afronta el último cuatrimestre de 2026 con una programación que combina teatro, música, ópera, humor y espectáculos de gran formato. La temporada de septiembre a diciembre estará especialmente condicionada por la celebración del Centenario del Gran Teatro, inaugurado en 1926 y convertido durante estas diez décadas en uno de los principales referentes culturales de Extremadura. La programación arrancará en septiembre con diferentes propuestas que amplían además la actividad más allá del propio edificio del Gran Teatro. El 5 de septiembre, la Plaza de Toros de Cáceres acogerá Sonrisas y lágrimas, el musical, uno de los espectáculos incluidos en las actividades conmemorativas del centenario. Ya sobre el escenario del Gran Teatro, el 18 de septiembre llegará Vuela Alto. Tributo a Bambino, protagonizado por Caty Palma, mientras que el 25 de septiembre será el turno de Jasón y las Furias, una de las citas de carácter escénico previstas para este comienzo de temporada.

    Octubre, entre el humor y la ópera

    La programación continuará en octubre con una oferta diversa. El humor tendrá presencia el 2 de octubre con David Suárez y su espectáculo Humor blanco por última vez, mientras que el día 9 está prevista la representación de Canada. El 17 de octubre, Vaquero llevará su espectáculo al escenario cacereño y el mes tendrá uno de sus momentos destacados el 23 de octubre con la representación de Madama Butterfly. La conocida ópera de Giacomo Puccini se integra en la programación especial diseñada con motivo de los cien años del Gran Teatro. El centenario permitirá así recuperar algunos de los grandes géneros que han formado parte de la historia del espacio cacereño, reivindicando el teatro como escenario para las artes escénicas, pero también para la música, la lírica y los espectáculos populares.

    Noviembre concentra buena parte de la programación

    Noviembre será uno de los meses con mayor actividad. El humor regresará el 6 de noviembre con Ernesto Sevilla y Yo, literal, mientras que el día 8 será el turno de Astola en concierto. La música continuará el 13 de noviembre con Diana Navarro, que llegará a Cáceres con Ya no estoy sola. 20 Aniversario, una gira con la que la artista celebra dos décadas de trayectoria desde la publicación del trabajo que marcó su irrupción en el panorama musical. Un día después, el 14 de noviembre, la zarzuela tendrá protagonismo con La Revoltosa, otra de las propuestas vinculadas a la celebración del centenario. El humor continuará el 15 de noviembre con Abián Díaz y su Show patético. La programación musical completará buena parte de la segunda mitad del mes. La Llave actuará el 21 de noviembre, mientras que Pedro Pastor llegará el 28 de noviembre con 10 locos años descalzos, espectáculo con el que repasa una década de trayectoria. Noviembre contará, además, con una cita especialmente relevante para el sector profesional de las artes escénicas: la Muestra Ibérica de Artes Escénicas (MAE), que volverá a convertir Cáceres en punto de encuentro para compañías, programadores, distribuidores y profesionales de España y Portugal. La cita refuerza la condición transfronteriza de la ciudad y el peso de Extremadura como espacio de conexión cultural entre ambos países.

    Diciembre cerrará cuatro meses de actividad. 100 años de artes escénicas

    La programación conocida para diciembre incluye la actuación de Javi Medina, que llegará el 11 de diciembre con su Gato Negro Tour 2026. El calendario podrá incorporar nuevas propuestas conforme avance la temporada. A estas actividades se suman diferentes acontecimientos diseñados específicamente alrededor de los 100 años del Gran Teatro de Cáceres, una conmemoración que atraviesa buena parte de la programación de 2026 y que pretende recordar la historia del edificio al mismo tiempo que proyecta su actividad hacia el futuro.

    Desde su apertura en 1926, el Gran Teatro ha acompañado buena parte de la historia cultural contemporánea de Cáceres. Teatro, danza, música, cine, zarzuela, ópera y espectáculos de muy distinta naturaleza han pasado durante un siglo por un escenario que continúa siendo una pieza fundamental de la programación cultural de la ciudad. El último tramo de 2026 servirá así para unir celebración y programación. Cien años después de levantar por primera vez el telón, el Gran Teatro de Cáceres mantiene su vocación de espacio de encuentro entre artistas, compañías y público, afrontando de septiembre a diciembre uno de los periodos más simbólicos de su historia reciente.

  • Cáceres 2031 abre una nueva convocatoria de proyectos artísticos y culturales

    Cáceres 2031 abre una nueva convocatoria de proyectos artísticos y culturales

    La Open Call invita a artistas, profesionales, colectivos, organizaciones e instituciones culturales a sumar nuevas propuestas al proceso de construcción del programa de Cáceres 2031

    Cáceres 2031 abre una nueva convocatoria de proyectos artísticos y culturales para continuar avanzando en la construcción de su programa y así sumar nuevas colaboraciones al proyecto de candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura.

    La Open Call Cáceres 2031 está abierta a artistas, profesionales, colectivos, organizaciones e instituciones culturales de todas las disciplinas y busca incorporar propuestas capaces de explorar nuevos lenguajes, conectar personas y territorios, generar cooperación y ampliar la conversación con Europa desde Extremadura.

    La convocatoria forma parte del proceso abierto y progresivo con el que Cáceres 2031 continúa dando forma a su programa cultural y artístico, favoreciendo la incorporación de agentes y proyectos diversos y la creación de nuevas conexiones dentro y fuera del territorio.

    Una convocatoria abierta a diferentes disciplinas y territorios

    La Open Call se dirige tanto a profesionales independientes como a colectivos, organizaciones, instituciones y otros agentes del ámbito cultural interesados en contribuir al desarrollo del proyecto Cáceres 2031.

    Esta convocatoria se articula en torno a diferentes temáticas y ámbitos de participación en los que Cáceres 2031 ha identificado oportunidades y necesidades de programación durante el proceso de construcción de su proyecto cultural y artístico.

    Estas líneas permiten abrir el programa a nuevas propuestas y agentes, incorporar otras perspectivas y generar conexiones que contribuyan a enriquecer el proyecto. Las personas interesadas podrán conocer los ámbitos concretos una vez realizado el registro previo y seleccionar entonces aquel que mejor se corresponda con el propósito principal de su proyecto.

    Cómo participar

    Para participar, las personas interesadas deberán completar en primer lugar un registro previo con sus datos básicos de contacto e indicar la organización, institución o entidad a la que representan o, en su caso, su condición de profesional independiente.

    Una vez completado el registro, podrán acceder a las diferentes líneas temáticas abiertas y seleccionar aquella que mejor represente el objetivo central de su propuesta. A continuación, recibirán por correo electrónico el formulario específico correspondiente para continuar con el proceso.

    La convocatoria permanecerá abierta hasta el 1 de septiembre de 2026 a las 23.59 horas.

    El enlace para participar en esta Open Call de Cáceres 2031 es: https://forms.gle/Jwq837VfzH4bUgiK6

  • La Oficina de Activación Cultural de Cáceres 2031 impulsa su primera Guía de Creación Cultural de Extremadura

    La Oficina de Activación Cultural de Cáceres 2031 impulsa su primera Guía de Creación Cultural de Extremadura

    La publicación, concebida como un documento vivo y en constante actualización, reúne espacios, recursos, profesionales y oportunidades para fortalecer el ecosistema cultural de la región y fomentar nuevas colaboraciones

    La Oficina de Activación Cultural (OAC) de Cáceres 2031 ha puesto en marcha la primera Guía de Creación Cultural, una herramienta práctica concebida para facilitar el desarrollo de proyectos culturales y conectar a los diferentes agentes que forman parte del ecosistema creativo extremeño.

    La guía nace con el objetivo de poner al alcance de artistas, asociaciones, colectivos, empresas culturales y personas que comienzan su trayectoria profesional un recurso que reúna, en un único documento, espacios de creación, salas de ensayo, estudios de grabación, centros culturales, profesionales, entidades y otros recursos útiles para impulsar iniciativas culturales en toda Extremadura. Más allá de su función como directorio, la publicación pretende convertirse en una herramienta para generar conexiones entre quienes crean cultura en la región. La Oficina de Activación Cultural busca así favorecer el encuentro entre proyectos, promover colaboraciones y seguir tejiendo una red cada vez más sólida entre los distintos agentes culturales extremeños.

    Legado

    La guía ha sido diseñada con vocación de permanencia. Se trata de un documento «vivo», que se actualizará periódicamente para incorporar nuevos espacios, profesionales, convocatorias, ayudas y recursos. Además, permitirá que artistas, asociaciones, colectivos o gestores culturales soliciten la inclusión de sus proyectos, ampliando continuamente un mapa colaborativo de la creación cultural en Extremadura. La primera edición reúne ya decenas de recursos distribuidos por toda la región, desde espacios para la creación joven y centros culturales hasta estudios de grabación, platós audiovisuales o profesionales de distintos ámbitos creativos. De este modo, ofrece una radiografía del potencial cultural extremeño y facilita que los diferentes agentes puedan encontrarse, colaborar y generar nuevas oportunidades.

    La publicación constituye, además, un nuevo ejemplo del legado que la candidatura de Cáceres a Capital Europea de la Cultura 2031 ya está dejando en el territorio. La Oficina de Activación Cultural, uno de los primeros proyectos permanentes impulsados por el Consorcio, continúa consolidándose como un servicio estable para el acompañamiento, el asesoramiento y la profesionalización del sector cultural, fortaleciendo el tejido creativo extremeño.

    La guía se puede descargar en el siguiente enlace: https://tinyurl.com/guiaoaccaceres2031