Cultura Overdose

Etiqueta: festival

  • Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Mucho más que un palmarés: formar espectadores, impulsar el cortometraje y mantener vivo el legado de la música de cine

    Más allá del palmarés, el 32º Festival Ibérico de Cine ha vuelto a demostrar que su identidad va mucho más allá de la competición. La apuesta por la formación de nuevos espectadores, el reconocimiento al cortometraje como una de las expresiones más libres y creativas del lenguaje cinematográfico y el protagonismo de la música de cine conforman tres de los pilares que distinguen al certamen.

    El crecimiento del Festival dos Miúdos es el mejor ejemplo de esa mirada hacia el futuro. La sección infantil no solo amplía cada año su presencia territorial, sino que acerca el cine a cientos de niños y niñas de ambos lados de la frontera, despertando en ellos la curiosidad por el séptimo arte y fomentando una educación audiovisual basada en la emoción, la imaginación y el pensamiento crítico. El cine deja así de ser únicamente un entretenimiento para convertirse también en una herramienta cultural y educativa. El festival continúa reivindicando igualmente el enorme valor creativo del cortometraje. Lejos de ser un formato menor, el corto se consolida como un espacio de libertad artística donde nacen nuevas voces, se experimenta con los lenguajes cinematográficos y se cuentan historias capaces de emocionar en apenas unos minutos. Cada edición confirma que muchas de las miradas más innovadoras del cine contemporáneo encuentran en este formato su primera gran oportunidad.

    A ello se suma una de las señas de identidad más reconocibles del Festival Ibérico de Cine: su estrecha relación con la música para el cine. Los conciertos dedicados a las bandas sonoras han vuelto a ocupar un lugar destacado dentro de la programación, convirtiéndose en una experiencia única que trasciende la pantalla y acerca al público el trabajo de los compositores. Una apuesta que mantiene vivo el legado de Alejandro Pachón, histórico director del festival, cuya pasión por la música cinematográfica dejó una huella imborrable en el certamen. Cada nueva edición renueva ese homenaje, recordando que una banda sonora no solo acompaña las imágenes, sino que también es capaz de construir emociones, memoria e identidad.

    Un palmarés con hitos históricos

    El máximo reconocimiento del certamen fue para Homing, dirigido por Hansel Rodrigues y Elizabeth Atherton, que obtuvo el Onofre al Mejor Cortometraje, además de la candidatura directa a los Premios Goya y a los Premios Fugaz.

    La edición también quedará marcada por un hecho sin precedentes. In Memoriam, de Teresa Bellón y César F. Calvillo, se convirtió en el primer cortometraje en los 32 años de historia del festival capaz de conquistar simultáneamente los Premios del Público de Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, un respaldo unánime que refleja la extraordinaria conexión de la obra con los espectadores.

    También creció el Premio del Público Infantil, cuya dotación económica se duplicó hasta alcanzar los 1.000 euros gracias a la ampliación del Festival dos Miúdos. El reconocimiento recayó en el cortometraje portugués Rui Carlos, elegido por los propios niños participantes. De forma casi simbólica, la historia narra cómo un grupo de jóvenes vive con intensidad un partido de fútbol en un barrio portugués, un guiño perfecto para una edición marcada por el ambiente mundialista.

    La música de cine, una seña de identidad

    Otro de los grandes atractivos del festival volvió a ser su apuesta por las bandas sonoras, una propuesta prácticamente única entre los festivales especializados en cortometrajes.

    El público pudo disfrutar de los conciertos ofrecidos por Pablo Cervantes y Roque Baños, dos de los compositores más destacados del cine español contemporáneo.

    Entre los momentos más especiales figuró el estreno mundial en formato sinfónico de la partitura de Torrente, presidente, interpretada por la Orquesta de Extremadura bajo la dirección de Roberto Forés, un acontecimiento que reforzó el compromiso del Festival Ibérico con la difusión de la música cinematográfica.

  • Tan cerca, tan lejos

    Tan cerca, tan lejos

    Tan Cerca tan lejos…pulsando en este enlace se puede acceder a todos los artículos publicados en la edición de este libro; Tan cerca, tan lejos

    Cuando pisamos el barrio. Tan cerca tan lejos

    Cuando pisamos el barrio…los barrios…la vía del tren tenía un paso a nivel con barrera que resquebrajaba la ciudad en dos. No, no era el Guadiana, el que hacía de frontera natural…era nuestra forma de percibir estas calles, unos recuerdos creados de oídas, de noticias de papel amarillo y de prejuicios malnacidos.

    Cuando pisamos estas calles,  aún sonaban los vagones a rancios y la locomotora iba a carbón. Tampoco esto ha cambiado mucho…Cuando llegamos Félix y yo sentimos que estábamos cerca pero también muy lejos. Cuando llegamos, Ramón aún colocaba los cubiertos en el comedor social, Lolo era el párroco de la Asunción y Juan ejercía de cicerón en este instituto.

    Cuando llegamos al barrio, Antonia tenía la misma fuerza que ahora a pesar de sufrir el palo de su vida…Ricardo era el mejor jefe scout… y dos murgueros locos estaban metiendo la vena del carnaval desde la base, desde los más pequeños. Cuando pisamos tierra norte de la ciudad de Badajoz, había un estercolero que un tal Julio supo convertir en parque. Cuando cruzamos la avenida, la Farmacia de Sara aún tenía el decorado de su padre, su espagueti western del que ha hecho un fortín a base de cariño y lazo rosa. Por entonces Paco, el Aspirino, era el Sheriff.

    Cuando pisamos el barrio conocimos a chicos y chicas con ganas de reorientar su vida. Vimos a gente motivada, motivando al futuro de los barrios…Cuando llegamos, Estefanía tenía los ojos azules, ahora son transparentes, más azules aun, enormes como un faro…! En esta costa no puede encallar ningún niño ¡…nos decía.

    Cuando llegamos aquí, Marta, no quería estar a la deriva, quería llegar a buen puerto y ser alguien, lo está consiguiendo. Zeus le daba bien al balón, sabía el destino de su vida, pero antes no renunció a intentarlo. Zoraida jugaba en dos ligas, en su casa y en la del fútbol femenino. Le quedan muchos penaltis que tirar. Sara e Ismael eran amigos, luego pareja y más tarde padres. Han sabido navegar.

    Cuando entramos en el barrio, Gloria nos acogió…los huérfanos, los desvalijados, los perdidos éramos nosotros. Gloria nos acurrucó y nos mandó a paseo, nos habló, y habló y habló y nos dejó hablar, un rato, pero nos dejó. Nos marcó y nos sacó el pasaporte del barrio. Cuando osamos meternos en las casas, en los colegios, en las aulas, en los negocios, en el centro de salud, únicamente nos dedicamos a escuchar…a sentir…a observar. Ellos eran los protas, vosotros sois los protagonistas. Gente luchadora, vecinos conectados, personas cercanas que visto desde la distancia, nunca estuvieron lejos. Gracias.

    Tan Cerca, tan lejos…

    Willy López / Félix Méndez

  • Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    Cristina García Rodero «Una cámara fotográfica puede ser un escudo o un instrumento para acariciar»

    La mujer que sostiene al niño ya no vive. El sida ha borrado su negativo. Sólo permanece la foto, la angustia de sentirse culpable y el llanto profético de su hija.

    La niña de grandes ojos azules, su niña, no ve. La ansiedad de una fotógrafa a la que la vista le ha dado todo y la belleza de una pequeña mujer de la India sabiendo sobrevivir en negro, se funden en esa foto.

    La niña albina muestra su collar. El elemento que llama la atención a la fotógrafa, el que casi nadie se fija, el que hace diferente la instantánea y enmarcara el color blanco de la piel de la chica.

    Otra niña de doce años, seria, triste, con una saca de arroz entre sus brazos, vende su alma a la dote de sus padres, un futuro condicionado en una zona del mundo incierta.

    Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-05

    Rostros anónimos para el retrato, historias dilapidadas en una Tierra de Sueños, una tierra donde a pesar de la miseria, la gente ríe, la gente llora y la gente viste con los colores más potentes del planeta. Detrás, la maestra Cristina García Rodero. De esa España Oculta, borrachos, taxistas, camioneros, niños, curas, alcaldes, camareros, ricachones y mendigos pasamos a una «Tierra de sueños» de la Fundación “La Caixa”, una muestra sin complejos de la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, en las comunidades de Anantapur, con especial atención al rol que ocupan las mujeres.

    Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-012

    Repite su mantra antes de mostrarnos su trabajo, fotografiar es querer ver, querer ver con sentimiento. Ahí arranca su viaje, otra aventura fotográfica a la que agradecer a uno/a de las/los mejores profesionales de la fotografía de España.

    El paso del analógico al digital no pesa a García Rodero…con la cámara muy bien con lo demás nada de nada, la revolución digital me ha dejado una isla con mi objetivo…comenta mientras ríe…El ordenador me sirve para abrir etiquetas y tirar a la papelera aquello que no vale. Y de ahí no salgo…dice humilde. Subraya que con la nueva era digital existen una infinidad de recursos que antes eran largos y muchas veces poco fructíferos…Puedes cambiar el color en una zona pequeñita, el contraste, la densidad, recortarlo, dibujar perfectamente el cuadro, mientras que antes, con el blanco y negro, por ejemplo, te tenías que hacer plantillas para que el cielo se oscureciera algo más, para hacer una copia buena necesitabas muchas veces, siete copias malas antes. Enfrentarse al laboratorio, aunque tuvieras apuntado todos los datos de lo que requería cada foto, era un proceso nuevo.

    Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-017

    La mascarilla de García Rodero empaña sus gafas, pero sigue viendo, por la inercia de los años, por repetitivo trabajo de encuadrar a las personas desde hace más de 50 años. Nos mira, nos sigue contando emocionada su labor como testigo de historias vivas. Nos dice que la beca de la Fundación Juan March fue la culpable de dejarlo todo por la fotografía. Año 1973 y Franco aún seguía haciendo la España muy negra y oculta. Ahí comienza el viaje de Cristina García Rodero…La vida es así, mis estudios de Bellas artes me ayudó mucho, hacía fotos, pero en plan artístico, yo era muy muy artista… ríe, reímos ante esa declaración de amor por el arte.

    Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-014

    Enganchada por el trabajo que comenzaba a realizar, para la fotógrafa, la primera mujer española de la Agencia Magnum, sello del que se siente algo cansada, consistía en conocer la vida de la gente, no saber lo que se iba a encontrar y luchar para sacar su trabajo lo más digno posible, la convirtió en una mujer casada con su cámara de fotos… Fue muy duro, una lucha tremenda en todos los sentidos, física, psíquica, intelectual, un trabajo de resistencia que me trae recuerdos de miedos y soledad. Carreteras heladas, zonas sin luz, sin comida, pero con mucha gente hospitalaria y sencilla.  

     Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-07

    Cristina García Rodero nos habla de Koldo Chamorro, otro colega de profesión al que a veces acompañaba en sus viajes, nos habla de las copias perfectas del laboratorio de Castro Prieto. El blanco y negro contrastado, lleno de grano, que no de ruido, expresivo y elegante. Rodero nos habla su profesor de pintura, Antonio López, el que le hizo sentir con el alma todo aquello que se hace en la vida. La fotógrafa de Puertollano nos habla de esas personas anónimas que le dieron alojamiento, un plato de comida y una sonrisa en las situaciones más extremas.

    Cristina-Garcia-Rodero-cultura-overdose-badajoz-08

    Nos da un consejo antes de coger el tren de vuelta, por favor vengan de noche a ver la exposición, están muy contrastadas porque están retroiluminadas, sólo os pido eso. Un paso, dos pasos y vemos desaparecer de entre sus fotos a una grande de la fotografía.

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Cristina Hoyos «La embajadora universal del baile flamenco»

    Hay protagonistas de la cultura a la que sólo podemos rendir pleitesía, por su grandeza, por su sabiduría y sobre todo, y no suele fallar, por su generosa humildad. La bailaora Cristina Hoyos, como no podía ser de otra manera está en esa lista. Su sola presencia merece parte de nuestra profesión. Nos toca escuchar, ver cómo trabaja, deleitarse en sus movimientos que llevan cosidos en su piel. Cristina nos dice con franqueza el estado anímico de la cultura, las suturas que hay que solapar para apoyar a los artistas en estos tiempos tan sangrantes, pero sobre todo nos manda un mensaje de esperanza, el mismo que utilizó cuando sufrió cáncer de mama…Me ha tocado, pensé, pero no tuve miedo. Pensé en mis hermanas, en la mayor, Dolores, que murió, pero enseguida me dije: ha habido suerte de que me haya tocado a mí, que soy la más fuerte de todas ellas. Así que al momento, dejé a un lado todas las lamentaciones y dije: vamos p’alante, a solucionarlo

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-016

    Cristina Hoyos tiene algo de extremeña en la sangre, las raíces de Extremadura se nutren del manto andaluz, la tierra que riega con cariño, artistas y empresarias del flamenco como ella. Amistades, colaboraciones como el La Ciudad Encendida de Turismo de Badajoz y homenajes, como el recibido en la segunda edición del Aula de Flamenco de la Diputación de Badajoz.

    Raza, baile, danza, mujer y flamenco. La combinación que hace de Cristina Hoyos una de las más grandes artistas del panorama nacional.

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-021

    Antes de nada Cristina ¿Cómo estás?

    Estoy bien, he pasado el confinamiento bien, la familia bien.

    ¿Cómo ha caído este duro panorama de futuro con la pandemia en tu entorno laboral?

    Mal. Tenemos el Museo de Baile Flamenco en Sevilla, y los gastos se siguen generando, pero no hemos podido hacer nada y cuando se han reactivado las actividades ha tenido que ser a medio gas. Los compañeros, que conocemos desde hace mucho tiempo, bailaoras, bailaores, guitarristas, cantaoras, cantaores, pues de la noche a la mañana que vivían al día, se han quedado sin nada. Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel.  En el flamenco está todo muy mal. Nos hemos unidos algunos empresarios del sector para pedir ayudas.

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-027

    Habéis abierto la puerta de la impronta internacional a muchos artistas de todos tipos de disciplinas…

    Llevamos la marca España por todo el mundo, yo por ejemplo desde muy jovencita, llevo viajando por muchos países defendiendo nuestra cultura. Nuestra generación ha abierto muchas puertas y muchos teatros.

    Y lo habéis logrado con la danza flamenca, el baile…

    …Efectivamente, internacionalmente es conocida por el baile. Los espectáculos desde el inicio son de baile, el añadido de grandes cantaores y guitarristas han potenciado aún más ese conocimiento en medio mundo.

    Estamos viendo muy de cerca, situaciones inimaginables de artistas de enorme nivel

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-025

    Y en medio mundo se conoce tu especie de talismán, la Habanera de Carmen…

    Mi relación con “Carmen” se remonta a mis inicios, desde casi que empecé a bailar. Yo empecé con clásico español, el piano siempre presente, y bailamos con música de Falla pero también con la Habanera de Carmen, y yo salía en el teatro San Fernando en Sevilla enamorando al público con todas mis fuerzas. Fue un presentimiento de que la iba a hacer muchas veces. Y así fue, con Antonio Gades, estuve muchos años con esta pieza en el teatro, hicimos la película con Carlos Saura, muchas coreografías con la ópera, hasta hacerla en esta tierra extremeña, en Badajoz. La “Carmen” me ha perseguido durante mucho tiempo…o yo a ella…[Ríe].

    Tu relación con Extremadura es constante…

    Desde hace muchos años, por mi trabajo y mis amistades. Jesús Ortega tiene mucha culpa de ello, vengo casi todos los meses. Yo le animé a montar una escuela de flamenco de baile en Badajoz, se le da muy bien la enseñanza, y es un gran profesional. También acudo a las aulas de flamenco que se están organizando en la región y a recibir halagos, eso gusta a todo el mundo… [Ríe]

    Halagos y gran repercusión con la toma artística en París hace muchos años, casi los pioneros…

    Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev, que sólo quería programación clásica, pero luego estaba otro técnico, un programador que me había visto bailar con Gades que fue el que verdaderamente se empeñó en que saliese adelante nuestro espectáculo. Fue un éxito, y sobre todo un logro que pusiéramos de pie a un público que sólo apreciaba la danza clásica.

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-029

    Vuestra profesión, de bailaores, la lleváis en la piel, como una capa que no se puede quitar…

    …nosotros tenemos el mismo lenguaje del baile pero sobre todo tenemos amor por el baile. Es muy sacrificado, muy duro, muy repetitivo para conseguir lograr que todo salga bien, es ahí donde sale nuestra verdadera piel, nuestra pasión por el baile. Yo se lo digo a todos los alumnos, tenéis que tener la necesidad de bailar, sino no bailes.

    Cristina ¿Cómo fueron tus primeros pasos?

    Mis inicios no te los puedo contar alegremente, porque he pasado fatigas de todo tipo. No tenía dinero para ir a una escuela, no tener ni para hacerme vestidos y zapatos. Mi hermana mayor empezó a trabajar muy pequeña y me ayudó mucho, veníamos de una familia muy humilde. Pero yo lo tenía muy claro, llegaba de la calle, del colegio, ponía la radio y me ponía a bailar. Con trece años ya bailaba por los pueblos, y antes de cumplir los dieciséis, como profesional ya estaba en un tablao en Sevilla. Antes la bailaoras eran hijas de guitarristas y cantaores y estaba mal visto o no se entendía que sin tener antecedentes o raíces flamencas, yo pudiera trabajar de bailaora…recuerdo que mi madre tenía que acompañarme a casa para evitar malas lengua…otros tiempos.

     Realmente fuimos los primeros españoles que entraron en la Ópera Garnier de París, y el director era Nureyev

    Cristina-Hoyos-cultura-overdose-badajoz-020

    ¿Hay pasión por la cultura flamenca en esta ciudad?

    Badajoz ha crecido culturalmente, cuando yo llegué de Madrid hace muchos años, sólo teníamos la referencia de todos los buenos artistas que estaban en la capital, Porrina de Badajoz que lo escuchaba mucho en el Corral de la Morería, pero no había tanta gente interesada y profesionalmente preparada como ahora. La programación en la ciudad es muy variada, me gusta mucho su gente. Animo a todos que venga a Extremadura.

     

    Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Alejandro Pachón «Cine para enseñar»

    Alejandro Pachón «Cine para enseñar»

    El oxidado sonido del molino de viento, repetitivo y acompasado, el sonido del traqueteo del telégrafo, el puntual y nervioso goteo sobre un sombrero vaquero, un perro gimiendo, el crujir de los nudillos de una mano, el estresante sonido de una mosca, el chillido de la locomotora del tren, el jadeo de su caldera al estacionar, el click metálico de la carga de una pistola, la puerta oscilante de un vagón, pasos y espuelas masticando los tablones de madera seca de la estación…el silencio y la melodía de una armónica. La banda sonora de Hasta que llegó su hora, doce minutos de sonidos, de tensión, de silencio, nada de música, sólo el vaivén orgásmico de Ennio Morricone sobre la obra maestra de Sergio Leone.

    hasta-que-llegó-su-hora-culturabadajoz

    Así arrancábamos la entrevista que le hicimos a Alejandro Pachón hace un par de años. Por entonces ejercía de profesor, le quedaban días para jubilarse y nos comentaba que cuando él estudiaba en la Universidad no existía ninguna asignatura de cine ni nada por el estilo y que la parte autodidacta tenía un gran peso, teniendo que leer muchos libros, ver muchas películas y escuchar muchas bandas sonoras para ampliar conocimientos.

    Y hoy en la presentación de su libro con esencia de despedida académica, Cine para enseñar, (Colección Festival Ibérico de Cine. Diputación de Badajoz, 2018) Apocalypse Now de portada aparte, la mecha de su película preferida volvió a tener su hora.

    Cine para enseñar. Después de muchos años de profesor universitario utilizando el cine como recurso didáctico para la enseñanza de la Historia, la Geografía y la Historia del Arte, Pachón trata de articular estos contenidos en torno a los tres grandes ejes conceptuales de dichas disciplinas: el Tiempo, el Espacio y el Imaginario.

    La interacción entre la memoria cinéfila, las coyunturas históricas y la audiovisualización de los espacios geográficos y artísticos es la guía de una mirada que se pretende entre nostálgica y didáctica y, sobre todo, un recopilatorio comentado de los grandes momentos del cine en relación con dichos tres conceptos. La intención de este libro está más próxima al comentario práctico que al dogmático, tratando de hilvanar los aspectos que han ido conformando el imaginario de la Historia a través de los medios de masas, por lo que también hay referencias al mundo de los videojuegos, que tienen mayor protagonismo que los que tuvieron en nuestra infancia y juventud, los cómics o los álbumes de cromos.

    El texto se dirige a cualquier tipo de lector, fundamentalmente educador o educando, para que le sirva de ayuda o inspiración. Para ello, en el capítulo final se proponen una serie de secuencias y títulos, incluyendo algunos ejemplos extremeños, relacionados con períodos históricos y escenarios geográficos que inciden en el currículum de la Didáctica de las Ciencias Sociales. Se señalan también algunos vacíos en el cine histórico (el capítulo titulado “Niebla de guerra”) y, cómo no, la importante interrelación entre Historia General, Historia del Cine e Historia de la Banda Sonora. En resumen, está dirigido a profesores de Conocimiento del Medio Social y Cultural a los que les guste el cine y a aficionados al cine a los que les gusten la Humanidades.

    Gestación del Cine para enseñar

    La imagen de la portada define perfectamente de que va la cosa. Se ha escrito mucho sobre cine e historia, y yo no quería hacer eso, se ha trabajado y escrito mucho sobre eso. Sabía lo que quería contar pero lo que no tenía era la estructura. La estructura eran esas tres palabras que aparecen debajo del título; Espacio, Tiempo e Imaginario. Los ejes sobre los que se fundamenta el cúmulo en ciencias sociales sobre la enseñanza y los aspectos históricos.

    La portada del libro

    El Imaginario está ahí, todo el mundo que lo ve sabe o intuye que es Apocalypse Now, imitado en infinidad de películas y dentro del archivo popular. El tiempo histórico sobre una película sobre Vietnam, y sobre militarismo antibelicismo, obsesiones y sueños. El espacio físico es la selva. A partir de esa aportada y esos conceptos ya lo tenía todo para estructurar el libro.

    Sustancia del libro y anecdotario

    El libro está dividido en capítulos donde cuento elementos tan entretenidos como el anacronismo en el cine. Recuerdo cuando Howard Hawks rodó Tierra de Faraones con camellos en el Egipto del año 3000 a.C. cuando no existían. Para el director una película del desierto sin camellos  no se podía rodar.

    Videojuegos como método

    Con los videojuegos se aprende mucha historia, aunque no se pueden utilizar en clase. Puede que algún día se puedan aplicar.

    Wéstern a la europea

    En el libro se cuenta cómo se desarrolla el cine del oeste en un espacio geográfico como Almería en el verdadero anonimato. Escenarios, ciudades, actores, actrices y directores sin nombre. Los personajes se llaman el Bueno, el Feo o el Malo u los pueblos no existen, están en una frontera extraña entre el Mediterráneo y México.

    annex-swanson-gloria-sunset-boulevard_nrfpt_09

    Geografía económica y humana

    Como la existencia de los cines en las ciudades ha ido cambiando el urbanismo hasta ña fecha actual que ya están fuera del centro. Un acto social totalmente distinto de cómo lo conocimos nosotros en nuestra juventud.

    Películas de la Guerra Civil

    ¡Se han hecho muchas películas sobre la Guerra Civil de España!…No. Hay muy pocas, hay muchas películas de la preguerra, de la postguerra y franquismo, pero bélicas de la Guerra Civil muy poquitas.

    Banda Sonora

    La historia del Cine, la historia de la música y la historia de la música de cine. Clichés y tópicos que han conformado un universo musical del cual a veces es muy difícil huir. En la actualidad cuesta distinguir un estilo de otro, los compositores han creado un mainstream de la que casi no reconocemos la autoría.

    Secuencias para utilizar en clase

    Una película entera en clase ocupa todo el grueso del día, las secuencias permiten examinar trozos de películas con el contexto social de la época. Qué bello es vivir de Capra o Las uvas de la ira de John Ford y el New Deal en Norteamérica.  La comedia costumbrista de Bienvenido, Mister Marshall nos permite ver la sociedad franquista. El cine en Extremadura, como Los Santos Inocentes y la Extremadura rural, Badajoz aparece como Badajoz mientras que Cáceres aparece como una villa medieval del XVI. Ciudadano Kane como origen del fake y El Gatopardo de Visconti como aglutinador de y reconstructor del tiempo histórico a través de lo operístico.

    RELEASED: Oct 17, 1939 - Original Film Title: Mr. Smith Goes to Washington. PICTURED: JAMES STEWART, JEAN ARTHUR, FRANK CAPRA.

    “La única vez que he sentido pánico ha sido en clase, y eso que he estado en la cárcel” Frase de la película Magical Girl. De Carlos Vermut. 

    Alejandro-Pachon9-culturabadajoz

    ¿Villafranca de los Barros fue tu Amarcord o tu Cinema Paradiso?

    Más bien mi primer Cinema Paradiso. Fue en el pueblo donde realmente empecé a ver películas en los cines y a conocer el ambiente de las cabinas de proyección, mucho más Cinema Paradiso que Amarcord. El retrato de Fellini está visto desde una persona ya adulta, la obra de Tornatore está realizada bajo los ojos de un crío…[Ríe]… desde ese mundo surrealista que vive una historia paralela a la realidad.

     …y en este balance ¿Qué papel ocupa el cine actualmente?

    El cine ocupa un papel absolutamente lúdico. La gente no va al cine como factor formativo, sólo va a evadirse, y el cine no sólo puede ser evasión.

    Personalmente echo de menos las colas que se formaban hace veinte años para sacar una entrada…se ha perdido ese encanto que daba vida a la ciudad…

    Por supuesto, se ha perdido ese valor desde el momento en el que los cines ya no están en las ciudades. Un factor decisivo, uno ahora no va al cine, va al centro comercial y como alternativa acude al cine. El acto social que se da más hoy en día, son los cumpleaños de los niños. Son ellos los que entre hamburguesa y pizza van al cine como invitación…[Ríe]…

    “Es muy difícil hablar de Orson Welles o Berlanga si se desconoce la historia de Estados Unidos o la de España”

    Quizá, tu verdadera pasión sea la música dentro del cine…

    [Ríe]…sin duda, es sobre lo que más he profundizado. Hice la tesis sobre ese aspecto y realicé muchas actividades al respecto, colaborando con el Festival de Música de cine de Sevilla o de Valencia, en una época donde se puso de moda la banda sonora en el cine. Estamos hablando de los años 80, en la última época dorada de música de cine a lo grande, de grandes compositores, de los que ahora sólo queda Ennio Morricone, compositores como Jerry Goldsmith, Alex North o Georges Delerue. Estos compositores se dejaban ver por España, daban conciertos y se comenzaba a publicar discos de las bandas sonoras de las películas. Ahora todo está mucho más industrializado, en la última peli que he visto, Terminator: Génesis, ya ni aparece Hans Zimmer como músico, sino como productor musical…

    Ya no hay quién reconozca a los autores de las bandas sonoras…

    …Tú me pones un fragmento de John  Barry, Michel Legrand o de Mancini y yo te la reconozco aunque no haya visto la película. Tiene un estilo y marcan con su buen hacer, el ritmo musical de la película. Ahora, eso es imposible.

    ¿Qué aporta la banda sonora al cine?

    Hay directores a la que no le gustan las bandas sonoras en las películas, pero sin duda, es un complemento vital para el ritmo del cine. Aportan emotividad, fluidez narrativa y le da sobre todo, una capacidad de cohesión con el resto de los elementos que componen la banda sonora, ruidos y diálogos, que es imprescindible. Es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.

    “La banda sonora es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.”

    Walter Murch, el diseñador de sonido de El Padrino, decía que la banda sonora no sólo es la música, es todo aquello que se necesita para construir un lenguaje propio dentro de la película. Quizá ese concepto sea difícil de entender por el público. 

    Sin duda, todo hasta el silencio, componen el eje de la banda sonora, pero cada vez más la música es un elemento con mayor presencia dentro de la banda sonora, las piezas compuestas para el disco se entremezclan con temas originales.

    Tienes un gran hobby, y que como bien explicaba Scott McCloud  en el  Understanding Comics: The invisible art,  está muy relacionada con el cine, el universo de la viñeta, del cómic…

    [Ríe]…Los cómics forman parte de esa frustración que teníamos desde chicos, una de las pocas diversiones visuales que había antes, en un mundo sin televisión e internet, dentro de un mundo de obras prohibidas que hacían más atractiva su adquisición. La librería que tenía mi abuelo en Villafranca ayudó mucho a fomentar esta afición.

    Alejandro, no sabemos si el cine en Extremadura aún sigue siendo un tebeo para muchos, un sector audiovisual que tiene mucho por hacer todavía ¿Cómo está la salud cinematográfica en la región?

    Como en muchas cosas hemos llegado un poco tarde, creo que un momento dado saldrá gente de calidad, pero el poder rodar aquí con asiduidad y que se forme una industria fuerte de cine lo veo complicado desde el momento que no hay industria de ningún tipo. Si nos resulta difícil ir a Madrid en transporte público, se me antoja muy difícil que la industria audiovisual cobre vida.

    Llevas desde el 1998 como director del Festival Ibérico de Cinema…cuéntame si este festival, al menos, si goza de buena salud.

    He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año. He podido ver casi toda la producción que se lleva haciendo estos últimos 20 años y eso me permite apreciar los cambios, los gustos y las innovaciones que se realizan en este campo. He conocido a gente que en su momento eran poco conocidos y ahora son estrellas. Ese tipo de cosas son muy valiosas para mí. En este festival siempre he trabajado muy a gusto, la gente que compone este evento es maravillosa.

     

    ¿Cuál es el proceso de selección de los cortos?

    Solemos hacer un corte al principio donde seleccionamos la mitad de los cortometrajes recibidos, y tras un par de reuniones nos quedamos con unos 50 cortos más o menos. Y de esos 50, que se podrían proyectar perfectamente sin desmerito ninguno, hacemos una criba para hacer la selección final con 16 ó 17 cortos.

     

    Ha cambiado el cortometraje mucho en todos estos años…no tiene nada que ver un corto actual con lo que se hacía hace quince años…

    Sí, ahora hay mucho virtuosismo, directores que realizan un ejercicio más técnico que narrativo, cuentan menos y buscan más el plano secuencia que el remate en el guión. En este festival podemos ver de todo un poco en ese sentido.

     

    “He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año”

    ¿El paso del analógico al digital ha propiciado este tipo de cine más efectista que narrativo?

    Creo que sí, lo digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo.

    Alejandro-Pachon2-culturabadajoz 

    El Festival Ibérico siempre proyecta cortos del país vecino, es muy poca la producción portuguesa pero poseen una buena calidad…

    …Cierto y lamentablemente hay obras que no podemos poner porque la gente se quedaría un poco perpleja. Son trabajos muy serios, que suelen estar en grandes festivales internacionales como Cannes o Berlín, y que suelen ser mucho más atrevidos de los que se realizan en España.

    El premio del FIC se llama Onofre…¿Quién era este señor?

    Onofre en realidad no existió nunca, o sí. Era el nombre que gritaban en la terraza del Teatro López de Ayala cuando se cortaba la película o se besaban en alguna secuencia, como si Onofre fuera el proyeccionista de la cabina del cine pero parece ser que no se llamaba así. Onofre es el fantasma del López de Ayala y su identidad real es “Ídolo de Rena” una pieza antigua del museo arqueológico de Badajoz.

    Alejandro, llevas muchos años como crítico de cine ¿No te apetece afrontar la otra cara del espectáculo y que seas tú el criticado tras dirigir una película?

    Algún guión he hecho, como el de Jackpot y algún cameo suelo hacer en los cortos extremeños, y en largos como la película que ha estrenado con mucho éxito el festival y que ha dirigido Paco Espada de la novela de Isaac Rosa. Presencias tipo Hitchcok, pero dirigir creo que no, ni películas ni nada…[Ríe]…estuve cuatro años de jefe de departamento de la Universidad y no me gustó nada. Yo soy una persona tranquila y me gusta la puntualidad y eso en el cine no existe.

     

    “El digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo”

     

    Para finalizar, ¿Qué banda sonora te gustaría que pusiera música a tu día a día?

    Depende de la situación, de Morricone me gustan muchas cosas, la parte más desconocida. Pero me gusta muchísimo Joe Hisaishi, el director japonés que tantas obras magníficas ha compuesto para Miyazaki y Takeshi Kitano. El jazz también ocupa un lugar muy importante en mi espacio musical.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

  • Juan Margallo «El teatro hecho vida»

    Juan Margallo «El teatro hecho vida»

    Baja la escalera del destartalado hotel. Cada paso está cerciorado, corroborado y sujeto a leyes universales detalladas y publicadas por Bertolt Brecht en un diario sicalíptico del Berlín Este. Cada peldaño; un año de su vida, cada paso; una huella teatral sobre la moqueta negra, años atrás roja fascinante. Le salimos al encuentro, para que la bajada de la fonda asuma tintes de Everest, y el campamento base le permita tomar aire y descongelar los recuerdos de su cima. Paseamos, descafeinamos el café, hablamos de flemones dramatúrgicos, damos vida a las piedras de Antonio Juez, charlamos de nietos, comida, dictaduras y de las piernas de Calígula, las mismitas que le hicieron tilín a su Petra Martínez sin necesidad de morfina. Paseamos la vida real, que supera cualquier obra de teatro inimaginable, la paseamos sentados en un banco, la mandamos de paseo mientras saboreamos muchos puntos de sutura, fruto de un combate de boxeo ante el peso pluma Stanislavski.

    El reflejo de los espejos que decoran la cafetería, nos vomitan dos jóvenes haciendo teatro del absurdo ante una máquina tragaperras, un trapo que recoge las migas de las palabras desechadas en nuestra entrevista y a un Juan Margallo, al que la rabiosa ternura de su personalidad,  le hacer rebotar una vieja imagen ya anacrónica,  post mórtem, cosechada bajo la censura de la risa.

    Juan-Margallo-15-culturabadajoz

    ¿Es la risa, el humor, la ironía el motivo de tu existencia?  

    Es fundamental, creo que una de las características principales de nuestro teatro es la crítica, la ironía y la risa. Es lo  más sano que hay y nosotros lo hacemos constantemente de uno mismo.

    ¿Te tomas con la misma filosofía el tema de la muerte?

    [Ríe]…Siempre he tenido una enorme aprensión a la muerte. Cuando  Petra dice que a ella no le da miedo morirse me pone muy nervioso. Saber que un día todo se va a acabar es algo que nunca he sabido llevar, y desde pequeño siempre he tenido ese miedo. De esto hablamos en la obra de ¡Chimpón!, panfleto post mórtem.

    Petra-Margallo-20-culturabadajoz

    ¿Y de qué más habláis en ¡Chimpón!, panfleto post mórtem?

    En la obra salimos Petra y yo en dos sillas de ruedas que se mueven con un mando a distancia. Estamos en el momento justo antes de  morir y estamos ante un carrusel de lo que hemos vivido en forma de fotogramas de una película. ¡Y cuidado! Todo lo que sale es real.

    Entonces, ¿Hablaréis de todo no?

    De todo, de la muerte, de la física cuántica y de lo fugaz de la vida. Todo lo que hemos hecho ya ha pasado, lo que hemos realizado hace un rato, ya no existe. También hablamos de cosas de familiares, como se salvaron nuestros padres de sendos fusilamientos. El de Petra que era del ejército de los rojos y el mío que era del ejército de Franco.

    Por décimas de segundos, hoy, mañana y pasado podéis actuar sobre un escenario para contar eso mismo…

    Sin duda, esto es la vida, por eso tengo tanto respeto a la muerte

    Juan-Margallo-5-culturabadajoz

    Entre risas y anécdotas, Juan Margallo destapa su fluidez verbal, su verborrea cómica, la misma que le hizo tener que repetir el examen de la RESAD por su marcado acento extremeño. La luz cae a plomo y el otoño del jardín del baluarte defiende a capa y mortero los tenues ataques que lanza el sol moribundo. Juan Margallo nos cuenta sus inicios, cuando tuvo que hacer de extra boliviano en el Festival Iberoamericano de la canción en Cáceres, con un gorro del altiplano y mucho morro. También nos cuenta las casualidades que tiene la vida, ahora tiene dos nietos bolivianos.  

    ¿Existe mucho de improvisado en vuestro teatro o esa sensación la provoca el buen trabajo de estudio y ensayo?

    No claro está…eso no quiere decir que de vez en cuando improvisemos…Petra ahora es más meticulosa con ese tema, en una obra de teatro hace poco (Una mujer en la ventana), paró la obra cuando desde el público comenzó a sonar un teléfono, le indicó que lo cogiera, y después se dirigió al resto de espectadores para decirles que volvían unos minutos atrás la obra para volver a coger el hilo…[Ríe]…!Es tremenda!! Incluso durante otra obra me corrigió y me hizo rectificar porque me había confundido!. ¿Y si algún espectador repite otro día?…[Ríe]

    Petra-Juan Margallo-8-culturabadajoz

    ¿Tienen que ver vuestros métodos de aprendizaje teatrales para poder llegar a esta capacidad actoral?

    Hemos sacado un poquito de cuando estudiábamos, con Layton y el método, y resulta que era ignorar todo, con el tiempo nosotros hemos visto que aquello que ocurre forma parte de la obra, no podemos hacer caso omiso de un foco que se cae a un metro tuya…[Ríe]

                   “Las características principales de nuestro teatro es la crítica, la ironía y la risa”

    Panfleto post-mórtem…El título de la obra tiene mucho de cierre profesional…no nos asustéis!

    Chimpón…[Ríe]…le he dicho a Petra que la próxima obra será “Cerrado por defunción”…y ella ya no quiere más temas relacionados con la muerte.

    Juan-Margallo-11-culturabadajoz

    Seguimos la charla paseando y Juan nos cuenta como quedó subcampeón en campeonato interprovincial en Toledo en salto de pértiga. Eran dos participantes, nos cuenta con risa de niño travieso. Nos refresca la memoria con sus escapadas a Madrid, escapadas cortas, varios días y vuelta. Nos relata, ya entre las luces de las farolas del parque, como empezó a hacer algo de teatro con Euquerio, (alguna clase  del Actors Studio), ese promotor cacereño que sólo vendió dos entradas en una actuación en Badajoz.  

    ¿Fueron tus primeros cameos con la magia en el cuartel lo que te hizo querer lanzarte a ser actor?

    Era un malísimo estudiante, ni tan siquiera iba los exámenes, suspendí tres veces reválida de 4º, y mi padre que era militar decidió meterme en la mili, como educando de banda al no tener la edad, pero ni tan siquiera iba al cuartel. Pero cuando me acercaba para no enfadar mucho a mi padre conocí a Carlo Leopold III, toda una saga de militares…[Ríe]…y me adentré en el mundo de la magia, incluso hicimos alguna actuación en la que yo imitaba a Gila. Al final aprendí bastante, tanto que hasta aprendí a hipnotizar, o eso creo yo…[Ríe]

    Juan-Margallo-20-culturabadajoz

    “Le he dicho a Petra que la próxima obra será “Cerrado por defunción”…y ella ya no quiere más temas relacionados con la muerte”

    ¿Y cómo pudiste hipnotizar al director de tu primera obra de teatro?

    Fue por pesado, en el María Guerrero, con José Luis Alonso en La loca de Chaillot, de Jean Giraudoux. Necesitaban a uno que tocaran el acordeón y yo me presenté tocando la guitarra y lo volví a intentar cuando me enteré que necesitaban a uno que fuera malabarista y les dije que sabía hacer juegos de mano y demás…[Ríe]…y fue casualmente cuando el director me vio en la escuela y me dijo que si yo era el pesado que se presentó varias veces para un papel…me dio una oportunidad como figurante con dos frases… y hasta ahora.

    Petra-Margallo-17-culturabadajoz

    Nos habla, ya con un café entre sus labios de sus etapas en el teatro, de sus compañías y sus aventuras por medio mundo. Sus duros y buenos momentos en París y Londres, donde alternó trabajos de camarero y cantante de sólo cinco canciones sudamericanas, las que le valieron para poder comer. Nos habla de cómo y cuándo conoció a Petra Martínez en el Teatro Estudio. Curiosamente suena una llamada de Petra. Viene de camino en tren. Lentamente, como suele ser habitual por estas tierras, lo justo para terminar nuestra entrevista.

    ¿Cuándo y cómo conociste a Petra?

    Ella dice que se enamoró de mí por las piernas, en una obra que yo hacía de romano con faldita. Le guste tanto que la fue al ver con un novio y al día siguiente quiso ser actriz, dejó plantado a su noviete para ver una obra de Cleopatra…[Ríe]…curiosamente le recomendaron el Teatro Estudio para empezar, y a mí fue el primero que vio al entrar por la puerta

     Petra-Juan Margallo-6-culturabadajoz

    Queda poco para apagar la grabadora, las fotos ya no tienen luz y el protagonista de nuestra entrevista necesita cargar pilas. Antes nos hace un viaje con su guía teatramundi. Su primer obra con Tábano, La escuela de los bufones, de Michel de Ghelderode. Los primeros montajes con Tábano, Castañuela 70 y El retablo del flautista, ambas fusiladas por la censura. Su exilio profesional, sin duda, su mejor época. Entre el sorbo final, nos cuenta su etapa con «El Búho» y «El Gayo Vallecano” donde pudieron hacer un teatro puro y directo. Uroc y hasta esta obra dirigida por su hija Olga Margallo

    ¿Dejáis a vuestra hija Olga dirigir la obra en algún momento?

    [Ríe]…Olga tiene una vista tremenda, como nosotros hemos escrito la obra estamos siempre avanzando y hablando, pero ella tiene la particularidad más deseada en cualquier arte, tiene la capacidad de sintetizar, cortar, quitar sin que afecte al resultado final. Eso hace que sea fuerte y disciplinada en su trabajo…y más para dirigir a sus padres.

    Juan-Margallo-14-culturabadajoz

    ¿Quieres decir con esto que el teatro es demasiado largo?

    Tengo una teoría, que creo que pasaré a la historia del teatro por esto, en la que hay un dicho que dice que a una obra siempre le sobran veinte minutos…mi aportación es que le siguen sobrando después de habérselos quitado [Ríe].

    Petra-Margallo-5-culturabadajoz

    Juan Margallo, ríe y reímos con él. Le acompañamos hasta su travesía al pico iracundo de su hotel, y tras sendos abrazos dejamos al teatro independiente vivo más importante del país que recite, ensaye su post mórtem a la espera de un beso de su Petra y chimpón.

    Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

     

  • «Extremadura se revela» La cuarta edición de NEGATIVO ilumina el panorama cultural de la fotografía

    «Extremadura se revela» La cuarta edición de NEGATIVO ilumina el panorama cultural de la fotografía

    Un festival que revela la identidad de Extremadura

    La fotografía ha comenzado a tener identidad y protagonismo en la Fundación CB, que impulsa la creación del Centro de Documentación y de la Imagen de Extremadura (CDIEX), un futuro referente cultural enclavado en el corazón del Casco Antiguo de Badajoz. Este espacio busca preservar la memoria visual de los extremeños y promover la cultura fotográfica como parte del patrimonio vivo de la región.

    Como extensión natural de ese proyecto nació, a finales de 2022, el Festival de Fotografía NEGATIVO, una cita que en solo cuatro ediciones se ha posicionado entre los eventos fotográficos más relevantes del panorama nacional.
    La edición NEGATIVO 2025, organizada y promovida por Fundación CB, se celebrará del 17 de octubre a finales de noviembre, ofreciendo un extenso programa de exposiciones, charlas, talleres y visionados de porfolios, todos ellos gratuitos.

    Exposiciones que dialogan con la emoción y la historia

    El recorrido expositivo arranca el 17 de octubre en la Plaza Alta de Badajoz con También somos… de Blanca González, y se expande durante las semanas siguientes con propuestas tan diversas como Ícaro de Irene Zottola (Museo de Bellas Artes de Badajoz), Blue, blue, blue de Roberto Hernández, Friends of Dorothy de Emilio Jiménez o Rituales de la Iberia Mágica de Víctor Manuel Pizarro.

    Cada muestra ofrece una mirada distinta sobre el poder narrativo de la imagen, desde el documental al surrealismo, pasando por la exploración de los afectos, el territorio o la identidad.

     

    Un fin de semana para la fotografía

    El punto álgido del festival llega del 7 al 9 de noviembre, con una intensa programación de conferencias, proyecciones, talleres y visionados de porfolios.
    Entre los invitados destacan nombres como Santi Donaire, Judith Prat, Oskar Alvarado o José Lorrüe, que reflexionarán sobre temas como el fotoperiodismo, la materialidad de la imagen o la fotografía documental y su papel en la construcción del relato social.

    Además, se desarrollará un taller de cianotipias con Roberto Hernández, y actividades en la calle como La Platera Minutera de Alba García Fijo, que recupera el espíritu de la fotografía ambulante.

    Una red cultural en expansión

    NEGATIVO FOTO es mucho más que un festival. Es un espacio de conexión entre generaciones y miradas, una red que enlaza a instituciones, artistas y público bajo una misma pasión: la imagen como lenguaje universal. Con esta cuarta edición, Fundación CB refuerza su compromiso con la cultura visual y con el papel de Extremadura como territorio emergente de la fotografía contemporánea.

    “Sobre todo, demuestra que la memoria —cuando se ilumina con arte— sigue siendo el mejor negativo para revelar nuestro presente”

     

    Fechas clave y ciudades participantes

    NEGATIVO 2025 tiene su núcleo principal en Badajoz, pero extiende su programación a Mérida, Zafra, Olivenza, Villafranca de los Barros y Villanueva de la Serena, donde colabora con el Festival de Fotografía Analógica Ricardo Martín.
    En total, serán 17 exposiciones distribuidas por toda la provincia, además de talleres, conferencias y actividades participativas.

    Fechas importantes:

    • 17 de octubre: inauguración de la primera exposición en la Plaza Alta de Badajoz.
    • 7, 8 y 9 de noviembre: fin de semana principal con el mayor número de actividades y conferencias.
    • Finales de noviembre: cierre de exposiciones en los distintos espacios culturales.

    Con esta programación, la organización reafirma su propósito: convertir noviembre en el Mes Fotográfico de Extremadura.

    Objetivos del festival

    El festival mantiene los principios con los que nació: difundir la fotografía como una forma de expresión, comunicación y participación cultural.
    Entre sus objetivos destacan:

    • Promover la formación fotográfica para profesionales y aficionados.
    • Crear una programación dinámica en colaboración con instituciones y colectivos culturales.
    • Acercar al público la obra de fotógrafos nacionales e internacionales, sin olvidar a los artistas locales y regionales.
    • Ampliar el conocimiento sobre la fotografía contemporánea y los proyectos de autor.
    • Reforzar el reconocimiento de los fotógrafos extremeños y fomentar el intercambio cultural entre ciudades.

     

    Las 17 exposiciones de NEGATIVO 2025

    El recorrido expositivo del festival abarca desde la fotografía documental hasta la experimentación visual, con propuestas que reflejan diversidad estética y geográfica.
    A continuación, el calendario completo de exposiciones, charlas y talleres:

    Charlas, talleres y actividades abiertas

    Durante el fin de semana del 7 al 9 de noviembre, la Fundación CB será el epicentro del pensamiento fotográfico.
    Fotógrafos, docentes y documentalistas debatirán sobre la imagen como herramienta de memoria, poder y emoción.

    Charlas destacadas:

    • Punto ciego — Santi Donaire
    • El vuelo de Ícaro: fotografía y materialidad — Irene Zottola
    • Imágenes en disputa: fotografía documental, poder y agencia — José Lorrüe
    • Decían que era bruja (proyección + charla) — Judith Prat
    • El relato emocional — Oskar Alvarado
    • Esencia (Mínimas) — Cris Bamio
    • Cuaderno de campo — Antonio Moreno

    Taller práctico:
    Taller de Cianotipias — Roberto Hernández | 8 de noviembre, Edificio VS22

    Actividad en la calle:

    La Platera Minutera — Alba García Fijo | 8 y 9 de noviembre, Plaza Virgen de la Soledad

    Visionado de porfolios:
    Coordinado por Dimitri Stefanov | 8 nov. (Biblioteca Fundación CB)
    Fallo del jurado: 9 nov., 12:30 h

    Fundación CB: cultura, formación y memoria

    El festival NEGATIVO 2025 forma parte del compromiso de Fundación CB con la cultura visual, la educación artística y la conservación de la memoria gráfica de Extremadura.
    A través del CDIEX y del impulso a eventos de calidad, la Fundación consolida su papel como motor de innovación cultural y punto de encuentro entre generaciones de creadores.

    “Queremos que la fotografía sea una experiencia compartida, un espejo donde Extremadura se mire y se reconozca.”— Fundación CB”

     

    Datos prácticos

    • Fechas: del 17 de octubre al 15 de diciembre de 2025
    • Sedes: Badajoz, Mérida, Olivenza, Zafra, Villafranca de los Barros, Villanueva de la Serena
    • Entrada: gratuita hasta completar aforo
    • Organiza: Fundación CB
    • Colaboran: instituciones, museos y empresas culturales de la región

    Extremadura, un territorio en foco

    NEGATIVO 2025 confirma que la fotografía es una forma de mirar y entender el mundo. Desde la luz de la Plaza Alta hasta las salas del MEIAC, el festival convierte a Extremadura en un laboratorio de miradas, donde pasado, presente y futuro se revelan sobre un mismo negativo: la memoria compartida, una región que se mira, se recuerda y se reinventa a través de la luz.

     

  • El 48º Festival Internacional de Teatro de Badajoz «Quince días para vivir la emoción de la escena»

    El Festival Internacional de Teatro de Badajoz celebra su 48ª edición reafirmando su papel como referente cultural del suroeste peninsular y uno de los festivales teatrales más respetados de España.

    Durante quince días, 14 espectáculos nacionales e internacionales llenarán los escenarios con teatro contemporáneo, danza, humor, memoria y poesía visual. Junto a ellos, actividades formativas y participativas convertirán a Badajoz en un auténtico laboratorio escénico.

    “El festival busca ofrecer obras que nos hagan sentir mejores. No se trata solo de entretener, sino de emocionar, provocar y abrir diálogo.” Eugenio Amaya, director artístico

    Un festival consolidado por su calidad y su trayectoria

    A lo largo de casi cinco décadas, el Festival ha construido una reputación de excelencia basada en la coherencia de su programación, la innovación escénica y la fidelidad del público.

    La crítica especializada lo considera un ejemplo de gestión cultural estable y comprometida, capaz de equilibrar la presencia de grandes nombres con la promoción de la creación emergente.

    “El Festival de Badajoz demuestra que la constancia y el rigor programático construyen prestigio.”

    Eugenio Amaya: la mirada que guía el rumbo del festival

    La dirección de Eugenio Amaya resulta clave para reforzar la identidad del Festival como espacio de pensamiento, emoción y territorio. Amaya, figura clave del teatro extremeño y cofundador de la compañía Aran Dramática, ha impulsado una programación que combina riesgo, reflexión y cercanía. Su visión se apoya en un principio claro: el teatro no debe limitarse a entretener, sino mover, cuestionar y transformar.

    “Queremos que el público se encuentre con compañías fuertes, pero también con nuevas voces que demuestran que la excelencia no depende del tamaño, sino del alma de la obra.”

    Las artes escénicas extremeñas: identidad y futuro

    La edición 2025 refuerza el compromiso con el teatro hecho en Extremadura.
    El estreno absoluto de “Lucía Joyce” por la compañía Karlik Danza-Teatro, o la propuesta experimental de la ESAD Extremadura con “Cowboy Anatomía +”, confirman el peso creciente de las artes escénicas regionales.

    “La sensibilidad y la potencia del teatro extremeño forman parte esencial del festival.”

    Además, se mantienen las ayudas a la producción local y la apertura de espacios a nuevas voces que destacan por su originalidad y rigor artístico. El resultado: un festival donde Extremadura no solo acoge teatro, sino que lo crea.

    El público: protagonista y alma del festival

    El Festival de Badajoz no existiría sin su público, motor y sentido de cada edición.
    El Premio del Público —creado hace tres años y que consiguió la Compañía Perigallo, que repite nueva función en esta edición de 2025— permite a los abonados votar la obra más valorada y participar en el sorteo de un abono doble para 2026. De esta manera, el festival entiende al espectador no como observador, sino como parte activa de la experiencia teatral. Incluso fuera del escenario, el público tiene voz a través de iniciativas como el buzón de propuestas del Teatro López de Ayala, donde puede sugerir compañías o temáticas.

    Una programación diversa y comprometida

     Sábado 11 de octubre: una apertura doble

    El festival arrancará con “Crassh – DuoCircus”, un espectáculo gratuito en el Paseo de San Francisco de la compañía portuguesa Crassh. Humor, ritmo y acrobacias para toda la familia:

    “Los objetos cotidianos se transforman en instrumentos musicales en una fiesta de sonido, humor y energía”.

    Esa misma noche, en el López de Ayala, se estrenará “La Gramática”, dirigida por Ernesto Caballero y protagonizada por María Adánez. Una sátira brillante sobre el lenguaje como poder e identidad:

    “Una comedia que convierte a la Lengua en protagonista absoluta, celebrando su riqueza y su capacidad de reinventar el mundo”.

    Domingo 12: el teatro gestual de Marie de Jongh

    La compañía vasca Marie de Jongh presenta “Mr. Bo”, una obra sin palabras que combina máscaras y clown para abordar con ternura temas como la obediencia y la libertad.

    “A veces basta un gesto para decir ‘no’ y cambiar el mundo”, resume su director Jokin Oregi.

    Ese mismo creador impartirá al día siguiente un taller infantil de teatro gestual, una experiencia lúdica e intergeneracional donde los niños aprenderán a expresarse con el cuerpo y la imaginación.

     

    14 y 15 de octubre: memoria y poder

    El martes 14 llega “Lagunas y niebla”, de La Joven, una obra que invita a los jóvenes a enfrentarse a su historia reciente, la Guerra Civil Española, a través de una mirada escénica que mezcla investigación, poesía y política.

    “Un mapa lleno de lagunas y niebla, donde presente y pasado se confunden”.

    El miércoles 15 será el turno de “Medida por medida (La culpa es tuya)”, del argentino Gabriel Chamé Buendía, quien adapta a Shakespeare con humor físico y crítica social.

    “El poder, la culpa y la ley se miran al espejo de nuestro tiempo”, comenta el director.

    Ese día también se ofrecerá su clase magistral de clown, “El placer trágico del clown”, donde los profesionales podrán reencontrarse con su lado más humano y vulnerable.

    16 y 17 de octubre: danza y estreno extremeño

    El jueves 16, la prestigiosa compañía Aracaladanza presenta “Va de Bach”, una coreografía luminosa inspirada en la música de Johann Sebastian Bach.

    “Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación. Su música es revolución”, subraya su director Enrique Cabrera.

    El viernes 17 se vivirá uno de los momentos más esperados: el estreno de “Lucía Joyce”, de la compañía extremeña Karlik Danza-Teatro.
    La pieza rinde homenaje a la hija del escritor James Joyce, una artista eclipsada por la historia:

    “Lucía escribe su carta final como un acto de amor a la danza, a la vida y a la libertad”.

     

    18 al 21 de octubre: clásicos, cuerpos y comedia

    El sábado 18, Teatro de La Abadía celebra el centenario de Carmen Martín Gaite con “Caperucita en Manhattan”, dirigida por Lucía Miranda y protagonizada por Carolina Yuste.

    “Una historia sobre la libertad y la soledad de ejercerla. Un viaje a la aventura de ser uno mismo”.

    El lunes 20, los alumnos de la ESAD de Extremadura presentarán “Cowboy Anatomía +”, un montaje experimental que explora la masculinidad y el cuerpo a través de Arrabal y el teatro pánico. El martes 21 será el turno de “Las Mortero”, una comedia feminista de Nieves Pedraza y la compañía Estigma.

    “Una verbena de la diversidad, un grito por el amor propio y la aceptación. Una fiesta donde bailar en el centro del corro”.

    22 al 24 de octubre: identidad, emoción y memoria

    El miércoles 22, Perigallo Teatro regresa con “Por voluntad propia”, una comedia metateatral sobre personajes que buscan liberarse de sus autores.

    “Una historia sobre el deseo de decidir quiénes somos”.

    El jueves 23, la danza vuelve con fuerza gracias a Iker Karrera Company y su pieza “The room where it happens”, nominada a los Premios Max.

    “Dentro de cada uno hay una habitación donde todo sucede. El reto es atreverse a entrar”.

    El viernes 24, el dramaturgo Pablo Remón nos invita a “Barbados en 2022”, una reflexión sobre la pareja, el paso del tiempo y la imposibilidad de contar dos veces la misma historia.

    Sábado 25: un cierre poético con “Bajau”

    El festival se despedirá con “Bajau”, de la compañía Ponten Pie, una fantasía visual y acuática inspirada en los pueblos nómadas del mar. Este espectáculo, finalista en los Premios Max, promete una clausura sensorial e inolvidable.

    “El agua es memoria, origen y destino. Todo empieza y termina en ella”.

    Actividades paralelas: aprender, jugar y reflexionar

    Además de las funciones, el festival ofrece un completo programa de actividades formativas:

    • Taller infantil (13 oct.) – Teatro gestual con Marie de Jongh.
    • Clase magistral de clown (15 oct.) – Con Gabriel Chamé Buendía.
    • Jornadas UAPEX (19 oct.) – Debate y lectura dramatizada sobre “Por qué hacemos teatro”, con la participación de Jana Pacheco, Ana Trinidad, Francisco Blanco y Alfonso López Fando.

    Actividades paralelas ampliadas y la importancia de UAPEX

    El Festival no se limita a ofrecer funciones, sino que construye un espacio más amplio de formación, reflexión, encuentro y participación. Las actividades paralelas de la 48ª edición refuerzan ese compromiso, y la Unión de Actores y Actrices Profesionales de Extremadura (UAPEX) juega un papel clave en su diseño y ejecución.

    “UAPEX —la Unión de Actores y Actrices Profesionales de Extremadura— aporta este año al festival no solo su sello de gremio, sino un papel activo en la formación, reflexión y visibilidad del sector. Con propuestas como las Jornadas de lectura dramatizada del 19 de octubre, se evidencia que el teatro no termina con la función: comienza también en el debate y en la mirada crítica.”

    🎟️ Abono general (13 funciones): 85 €
    🎟️ Entradas individuales: 15 €
    💸 Descuentos: 10 € (jóvenes, pensionistas, desempleados, FATEX y UAPEX)
    👧 Niños (Mr. Bo): 6 €
    🎪 Crassh_DuoCircus: gratuito

    🗓️ Venta de abonos: del 24 al 30 de septiembre
    🎫 Entradas sueltas: a partir del 1 de octubre

  • «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    «De cárcel a Museo de Arte» La arquitectura de José Antonio Galea

    “El museo tiene que ser la primera obra de arte” sentenció el autor del museo Guggenheim de Nueva York, Frank Lloyd Wright. De Nueva York a Badajoz.

    Cuando entramos en un espacio como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz es inevitable mirar hacia arriba, e instintivamente, moldear el museo desde la luz de la claraboya, intuir el haz de luz de la linterna, el único que en su día, podían saborear los presos desde su creación primigenia. Una condena convertida en arte. En días como hoy, el MEIAC se equipara a cualquier prestigioso museo del mundo. Los Barjola reciben a estudiantes en la sala principal, mientras que en la planta sótano, chicas y chicos juegan a ser artistas desde las propias entrañas del museo. Por todos los huecos del museo podemos toparnos con Turbulence.org. Los proyectores son los encargados esta vez, de escupir la luz necesaria para apreciar el espectacular archivo de obras digitales puestas a disposición para el público internacional a través de la web. De Badajoz a Nueva York. Vuelta al Guggenheim, la primera obra de arte, la raíz de este MEIAC.

    Sobre esa base el arquitecto José Antonio Galea planeó el nuevo organigrama del fortín de la ciudad, espacio amplio, recuerdo de la cárcel y equilibrio al estilo de Lloyd Wright.

    JOSE ANTONIO GALEA BARJOLA-6

    De cárcel a museo. ¿Cuáles fueron los primeros planos sociales que tuviste que trazar?

    En varias reuniones las instalaciones de la antigua cárcel siempre salieron como espacio para la creación del museo de arte, aún no tenía nombre. La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte. Ahora ha cambiado enormemente la ciudad. Me encontré con una ciudad peculiar, de provincias, pero que tenía visos de crecer. Con el paso de los años eso se corrobora.

     La ciudad era muy dura, por entonces España estaba sumida en un cambio y Badajoz necesitaba una reconversión total, tanto que de una cárcel se creó un espacio de arte

    Mantener la memoria histórica era clave en ese proceso de levantar un museo…

    …La memoria histórica era esencial para el proyecto, una de las exigencias era mantener el panóptico central de la antigua cárcel, los brazos no tenían tanto sentido y se convirtieron en jardines que acogían al museo. Ya se habían hecho actuaciones en cárceles, en Canadá y Francia que más o menos se respetaron en los planos iniciales. Pero en Badajoz, y dada la función del museo se obviaron las galerías por escasa altura y su pobre material de construcción. De ahí salió la idea de generar salas con el centro libre.

    JOSE ANTONIO GALEA BARJOLA-12

    ¿Qué nos cuentas con ese diseño de museo, qué pretendías presentar?

    La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad. Sin perder el recuerdo de la rotonda central como recuerdo de lo que fue.

    ¿Cómo ha “crecido” el edificio con el paso de los años, 30 años después?

    Creo que permanece vivo, que tiene singularidad con el paso de los años, algunas cosas han cambiado, y algunas podrían cambiar, de las que yo no he tocado nada, pero la obra sigue estando vigente. Y sobre todo cuando se dotó de ese cambio a museo cercano al arte no sólo nacional sino internacional. Portugal e Iberoamérica.

    Conexión entre departamentos, espacio de oficinas y museo, ¿Cómo se solucionó ese apartado?

    El área de oficinas que estaba fuera del espacio de exposiciones, necesitaba comunicación entre los dos edificios, y la creación de un túnel para el traslado de obras y demás fue importante.

     

    El edifico permanece en pie y con mucha vida aún, pero ¿Qué crees que se necesita para que el visitante, el público siga acudiendo a sus salas y espacios?

    Es muy importante para un museo de estas características, tú puedes meter un elefante  blanco allí, si tú lo pro mocionas, la gente acudirá a verlo. Es muy importante esa labor para acercar público. Sé que se han llenado algunas exposiciones y se han reactivado con actividades para los niños pero siempre se puede hacer más.

     La idea original, tras muchos cambios e ideas, prevalece al final. Se van modificando ciertas formas pero luego vuelves a la primera idea que planteas y con ese diseño pretendía reflejar una idea de espacio abierto y cercano para los visitantes en el centro de la ciudad

    La sociedad evoluciona, el paisaje urbano, los gustos y las formas de acceder al arte obviamente…José Antonio ¿Cambiaría algo del MEIAC?

    Mi padre, Juan Barjola, a los cuatro años, cogía las obras y las volvía a cambiar, a retocar, yo no tengo esa forma de ver las cosas. En el MEIAC no haría cambios significativos, son líneas muy limpias y actuales. Creo que de ahí su vigencia actual.

    MEIAC-18

  • Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    Observatorio de la Cultura | Lo mejor del año cultural en Extremadura en 2024

    LO MEJOR DEL AÑO EN EXTREMADURA EN 2024

    El Festival de Mérida representa en solitario a Extremadura en el ranking nacional. El Festival de Teatro Clásico de Mérida consolida el primer lugar, seguido de El Hospital Centro Vivo (sube 11), Museo Helga de Alvear, Festival de Teatro Clásico de Cáceres y D’Rule (sube 10). El Festival de Mérida y el Museo Helga de Alvear representan a Extremadura en el ranking nacional.

    Medallas Dia de Extremadura-14

    Fundación Contemporánea

    Fundación Contemporánea presenta el informe anual sobre lo mejor de nuestra cultura en 2024, basado en la opinión de los profesionales del sector cultural. El Observatorio de la Cultura elabora desde 2009 una serie de rankings e indicadores recurrentes relativos a la actividad cultural de nuestras ciudades y comunidades y a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año, lo que facilita analizar su evolución. Asimismo, en cada edición de la consulta se plantean otras cuestiones de interés para el sector. En esta ocasión, se ha planteado: elaborar una relación de lo más valioso del patrimonio histórico y natural de cada comunidad, tan importante pero habitualmente ajeno a los rankings sobre programación anual; identificar los medios de comunicación más valorados por el sector en su imprescindible labor de difundir la oferta cultural; y analizar la distribución de los ingresos de las organizaciones culturales entre fondos públicos, privados y aportación de los usuarios; y analizar el recurso del sector a financiarse con entidades de crédito. El objetivo principal del Observatorio de la Cultura es dar visibilidad a una oferta cultural muy amplia, de gran calidad y en constante renovación a lo largo de toda la geografía española, aportando el aval de los profesionales más destacados del sector. Así, en este informe figuran destacadas más de 700 propuestas culturales de toda España, señaladas por los panelistas como las mejores en las diferentes categorías propuestas. Para llevar a cabo esta consulta, se ha enviado un cuestionario a un panel formado por 1021 profesionales de primer nivel de nuestra cultura: responsables de fundaciones, directores de museos, teatros, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, directores de festivales, gestores culturales, artistas y creadores de todos los campos y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de las administraciones públicas central y local. Los responsables de los proyectos reflejados en los distintos rankings de este informe son invitados a formar parte del panel en años posteriores.

    En esta nueva edición del Observatorio de la Cultura el cuestionario ha sido contestado, durante los meses de noviembre y diciembre de 2024, por 461 miembros del panel, de los que un 43,7% trabajan en una organización cultural pública, un 34,7% en una organización cultural privada y el 21,6% restante como profesionales independientes del sector. El presente informe del Observatorio de la Cultura ha sido elaborado por Fundación Contemporánea con el apoyo de CREA SGR.

    AVISHAI-COHEN-QUARTET-14-culturabadajoz

    LO MEJOR DEL AÑO EN ESPAÑA

    Cada panelista ha propuesto hasta diez instituciones y acontecimientos culturales de su propia comunidad y otros tantos del resto de España como los más destacados en el año 2024, en una pregunta abierta sin sugerir ninguna respuesta. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para algunas actividades concretas de una institución, estas figuran entre paréntesis tras el nombre de esta. De nuevo el primer puesto es para el Museo del Prado (Arte y transformaciones sociales, Darse la mano, El taller de Rubens), seguido por el Museo Reina Sofía (En el aire conmovido, Tapiès, Soledad Sevilla), el Festival de San Sebastián (sube un puesto), el Museo Guggenheim (Hilma af Klint, Yoshitomo Nara) que también sube un puesto y el Museo Thyssen – Bornemisza (Isabel Quintanilla, La memoria colonial). El CCCB (Agnès Varda, Suburbia), que sube cinco puestos, CaixaForum (sube cuatro), el Teatro Real, la Fundación Juan March (Museo de Arte Abstracto, Steinberg) que sube cuatro y ARCO, igualado con el Festival de Málaga (sube cuatro) completan los diez primeros puestos. La relación se completa con hasta 108 instituciones y actividades de toda España.

    Entre las entradas más destacadas este año en el ranking, destacan Manifesta 15 (40), el nuevo Festival de las Ideas (44), el Any Tàpies en el Museu Tàpies (55), el festival Concéntrico (59), Fundación Telefónica (59) y los Encuentros de Pamplona (66). Destaca la progresión de Chillida Leku (+64 puestos) de la mano del centenario Chillida, MUSAC (+49), The MOP Foundation (+47), Dansa València (+37), FETEN (+32), el Centro Dramático Nacional (+21), el Festival de Granada (+19) y Sónar+D (+19).

    zurbaran-prado-muba-culturabadajoz

    EXTREMADUDURA

    1. Festival de Teatro Clásico de Mérida

    CAYO CESAR pase de prensa-4

    2. Hospital Centro Vivo

    3. Fundación Helga de Alvear

    helga-alver-culturabadajoz

    3. Festival de Teatro Clásico de Cáceres

    brujo-alcantara9-culturabadajoz

    3. D´Rule: artistas en el Territorio

    6. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

    6. Festival Internacional de Jazz de Badajoz 

    8. Orquesta de Extremadura

    8. Museo Nacional de Arte Romano

    Museo Mérida Turismo-2

    8. Festival Internacional de Teatro de Badajoz

    8. Contepopránea

    8. BAdeCirco

    8. Festival Ibérico de Cinema

    8. Emerita Lvdica

    Presupuestos de la cultura 2025

    Se ha preguntado a los panelistas por la variación prevista en los presupuestos de su organización o actividad profesional para 2025 respecto al cierre del año 2024, en una pregunta repetida de forma idéntica desde 2009. El sector cifra su previsión de crecimiento en un ajustado 1,59%, por debajo de la inflación. La previsión es mejor para los panelistas del sector privado (3,13%) que para los del sector público (0,37%) y los profesionales independientes (1,61%).

    ¿Quién paga la cultura?

    Se ha preguntado a los miembros del panel por el origen de los ingresos de su organización, proyecto o actividad profesional, distribuyéndolos porcentualmente entre los provenientes de administraciones y organizaciones públicas, de empresas y organizaciones privadas y los aportados por el público consumidor de la cultura. Con carácter general, un 64,8% del presupuesto de la cultura proviene de fondos públicos y un 19,8% de empresas y organizaciones privadas, mientras el público aporta apenas un 15,4% de los recursos. Este porcentaje varía sensiblemente según se trate de organizaciones públicas (82,5% dinero público, 7,9% privado y 9,6% usuarios) o privadas (46,35% público, 32,9% privado y 20,8% usuarios)