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Isaac Rosa «Tenemos que apropiarnos del tiempo que nos han robado»

Entrevistar a Isaac Rosa supone cinco interrupciones. Una para firmar su último libro, otra para recibir besos y tres para recibir efusivos saludos desde el proscenio. La grabadora sigue su curso. Las fotos se siguen realizando. Isaac continúa estoico con sus respuestas. Estamos ante un extremeño de instituto, una adopción que para Rosa supone el axioma de paisanaje. Ríe ante el target que tiene delante, un entrevistador, al que tras cinco pausas, todas educadas y tiernas, asume que debe pagar algo más de 17 euros para leer una especie de autobiografía imaginada por otro. La editorial se desternilla de risa aún más. De Isaac Rosa sabemos que es un lector tardío y un escritor excelso. Con eso nos vale, sin datos pantagruélicos que nos asusten, su dieta se esculpe en una receta a priori simple; ver, vivir y describir la realidad. Levantarse, mirar por la ventana, saludar a sus vecinos del barrio, conversar con su familia, leer un diario, escuchar la radio, pagar los impuestos, viajar y trabajar. Ingredientes básicos para construir el universo Rosa. Un trabajo forense novelado diseccionado a conciencia para hacernos reflexionar. Con su última novela se hace una pregunta simple, esa que según él va más allá del tema, la del fondo social. En El país del miedo, la pregunta era ¿por qué tenemos miedo?; en La mano invisible, ¿por qué trabajamos?; y en La habitación oscura ¿por qué no arden las calles en plena crisis?…ahora toca ¿por qué nos queremos tan mal? En ese Feliz Final andamos inmersos y tras una charla amena toca ceder nuestro espacio vital, una firma, dos besos, tres abrazos. Cinco roces de cariño para un final feliz.

¿Qué pregunta te planteas para escribir la primera palabra de esta novela?

Como en mis libros anteriores, que parten de una pregunta, del mundo del trabajo, la sociedad del miedo o del franquismo, en este caso la mirada la dirijo a aquello que puede parecer que no es un tema tan político como en las anteriores obras, donde trato temas más íntimos, humanos, de sentimientos, que no es otra cosa que el amor y el desamor. Pero partiendo de estas relaciones sentimentales puede que el fondo del libro tenga más profundidad política que el resto….es decir…¿Por qué nos queremos mal?

¿Querernos mal?

Sí, porque no nos queremos mejor, y reitero que es una pregunta política porque creo que la respuesta a esa pregunta tiene que ver que nos queremos mal porque vivimos mal. Mirando a lo más íntimo, mirando a nuestras relaciones lo que acabamos viendo realmente es el tipo de vida que llevamos, el orden social en el que vivimos, el tipo de relaciones que construimos. Esa mirada a lo más emocional acaba siendo una forma de ver más allá y ver realmente en que sociedad estamos viviendo. Si a través de una novela de amor y desamor como es Feliz Final podía por un lado vender el desconcierto, el malestar amoroso que existe en el entorno más cercano, en mí mismo, pero también he visto que a la hora de publicar el libro han surgido muchos lectores han sentido ese mismo malestar, una especie de pandemia generalizada.

La novela tiene tintes autobiográficos por lo que cuentas…

Sí, claro, todas mis novelas tienen cosas de mi vida. No es una novela autobiográfica, pero parte de las entrañas de la trama parten de mi propia perplejidad con lo que nos pasa cada día. Yo quería reflejar ese malestar amoroso, ver hasta dónde estaba extendido, para luego ver que conexión tenía con el malestar social. Qué cantidad de ruina social en el que vivimos nos perturba a nuestra vida afectiva.

Partiendo de estas relaciones sentimentales puede que el fondo del libro tenga más profundidad política que el resto….es decir…¿Por qué nos queremos mal?

¡Estamos atrapados Isaac!

[Ríe]…La pregunta sobre el amor es tan enorme como para no esperar una respuesta simple…[Ríe]… No se puede echar la culpa al mal de amores, como existe en algunas novelas, al capitalismo. Evidentemente si tú eres un desastre en las relaciones no tiene una base social tu verdadero problema pro dándole una vuelta a la pregunta, no todo es culpa tuya. Es decir, no sólo es problema que solamente tienes tú. Hay mucha gente que lo ha pasado mal leyendo la novela, que se ha reconocido, que han sufrido muchas experiencias como las de los protagonista de Feliz final. Creo que hay algo en común entre todos y es que no estamos solos, que lo que me pasa a mí les pasa a muchas más gentes. El entorno y las condiciones de vida actuales nos llevan a ello, sociedad de consumo, valores del capitalismo donde nos llevan a una vida llena de frustraciones e insatisfacción. Una vida que la llevamos a nuestro entorno, al trabajo y a nuestra casa.

No existe tiempo para reflexionar, no existe esa pausa que nos haga pensar. Parte de tus obras giran en torno a esa celeridad de la vida en la que estamos enfrascados.

Es un tema que me importa mucho y que cada vez lo tengo más presente en lo formal de mis estructuras narrativas, e incluso busco un tratamiento sobre el tiempo, como en esta novela, donde digamos se cuenta la historia hacia atrás. Digamos que eso tiene que ver con una reflexión de fondo sobre nuestra vivencia del tiempo, nuestro tiempo de vida, no solo del amor. Si no tenemos tiempo para lo más básico, para nuestras cosas más banales, no tenemos tiempo para cuidarnos. Tenemos que reapropiarnos del tiempo que nos han robado.

Hay mucha gente que lo ha pasado mal leyendo la novela, que se ha reconocido, que han sufrido muchas experiencias como las de los protagonista de Feliz final

Hablando de tiempo, ¿Cómo sacas tiempo para escribir las novelas?

…[Ríe]…aparte de estar trabajando en colaboraciones en medios, sacar tiempo para mis tres hijas, para este libro he tenido la suerte de estar becado como algo excepcional, que me ha permitido a la plena dedicación de la escritura. Si no fuese así, y por las circunstancias actuales, no sé si hubiese acabado la novela ahora. Una novela lleva una construcción de un trabajo previo importante y para eso se necesita la seguridad de la que he tenido la suerte de disfrutar.

El hecho de colaborar en prensa y radio te hace estar más vivo, en tus novelas se refleja le frescura actual que vivimos…

Todo lo que escribo está hecho aquí y ahora, quizá dentro de dos años se convierte en un cuento que carece de posteridad, puede que se necesita una nota para explicar ciertos temas porque trato de temas muy del momento. Ese escribir mirando por la ventana para ver lo que está pasando en nuestro tiempo, nuestra vida, la toma de tierra para ello es precisamente la colaboración periodística que vivo.

Te aventuraste en el mundo del comic también con la temática social ¿Qué te aportó ver otra narrativa visual a tu texto?

Aparte de que soy un dibujante frustrado, para mí el poder trabajar con otro lenguaje me ha hecho ver otras miras narrativas y además me ha permitido trabajar en equipo, cuando escribes ficción trabajas en solitario y de esta manera entablas otro código de trabajo donde el guionista, dibujante y editor deben ir de la mano. Con el comic llegas a lectores más jóvenes y eso hace que entres de lleno en un mundo educativo muy importante. Toda una experiencia.

Perdiste tu virginidad literaria en Extremadura, publicando con Universitas Editorial y Del Oeste Ediciones…podemos decir que eres casi del terruño…

…[Ríe]…yo me considero medio extremeño, creo que uno es de donde hace el bachillerato…[Ríe]… me siento muy de Badajoz, parte de mi familia sigue viviendo aquí y aunque yo ahora viva en Sevilla, sigo considerando Extremadura parte de mi tierra.

Ese escribir mirando por la ventana para ver lo que está pasando en nuestro tiempo, nuestra vida, la toma de tierra para ello es precisamente la colaboración periodística que vivo

¿Qué sensación te llevaste de la adaptación de tu novela de El país del miedo?

Muy buena, trabajar en el cine es muy interesante, El país del miedo es a simple vista una película oscura que no deja nada de luz para la esperanza pero cuando reflexionamos sobre el miedo que refleja el largometraje se nos enciende una luz, de esperanza, de buen sabor de boca.

Juan Goytisolo decía que creía estar programado para escribir desde los siete años y que nunca supo hacer otra cosa, ¿Podemos aplicarlo a tu vida?

No al contrario, fui un lector tardío y un escritor tardío, yo empecé a los veintiún años. Leía muchos comics y realmente yo quería ser un dibujante de comics pero empecé tarde a leer literatura, llegué tarde al impulso lector.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

14 de marzo de 2019
«Historia Antigua del Cine España»

El cine es aquel sitio donde la gente acude para ver cine. El cine es un sitio donde uno se sienta y recibe puñetazos de luz hasta dejarse noquear por la trama. El cine es una conspiración en silencio, es Spencer Tracy apeándose de un tren en medio del desierto, un salvaje oeste con Lee Marvin y Ernest Borgnine de anfitriones. El cine es una sala, ahora muchas, pequeñitas, frías y aparentemente modernas, donde el proyector vomita fotogramas, ahora frames, y la ceguera de Vittorio Gassman se convierte en un perfume de mujer, ahora olor a palomitas. El cine son butacas, asientos, sillas plegables, moqueta y suelo, un gallinero antes, donde la gente con más pasta adornaba la película con humo de puro, abajo mientras, las cenizas cubrían un légamo pompeyano de toqueteos, regaliz y besos de amantes en pecado. El cine es el tortazo de Rita Hayworth, el beso censurado de Gene Tierney y Dana Andrews, el pisito de la “Inmobiliaria Azcona” que tanto anhelaban Mary Carillo y José Luis López Vázquez. El cine admite todos los colores, el amarillo del taxi que conducía De Niro, el rojo, blanco y (terciopelo) azul de (Lynch) Kierloswki, el púrpura de Spielberg , el negro y el blanco del gato de Kusturica, el verde de los tomates fritos y de la milla y algo más de 180 minutos con Tom Hanks. El cine soporta todos los ruidos, el de un cuchillo en plena ducha, las notas de Miles Davis para el ascensor de Louis Malle, el cine captura wild track en Lisboa por medio de Wim Wenders, los gruñidos de James Cagney en cualquier metraje de cine negro, el tustustustustu de Anthony Hopkins mientras los corderos estaban calladitos, en silencio, como Jacques Tati, el señor Hulot y aquel recuerdo sonoro del cine mudo.

El cine y sus películas, películas que marcaban el mapa cultural de un país, de una región, como la nuestra, donde el simple hecho de sentarse delante del cine para ver el cartel ya era un respiro entre el yermo y censurado panorama cultural. Cines, como el Splendor de Ettore Scola o el Nuovo Cinema Paradiso de Tornatore desaparecen entre los edificios de diez plantas y los nuevos centros comerciales, lugares de batallas cinematográficas, oasis de arrebatos creativos, aplausos espontáneos y emociones que llevarse a la cama durante incontables días. La taquilla ya no tiene nombre de persona, las entradas son números digitales con un recargo del IVA al que jamás el espectador pudo apreciar una rebaja.

Pedro Burgos Barrantes nos deja un testimonio único, nos rescata en el último momento la historia, la narración antigua, de un cine de un pequeño pueblo extremeño. Reconstruye con el recuerdo de su niñez y con la gravedad de la velocidad a la que vivimos, la vida del Cine España. Disecciona como un forense el alma de sus protagonistas y nos empuja a la nostalgia, nos coloca en un plano en el que un actor jamás pensaría encontrarse en su guion. En el aire del derruido cine cacereño de Albalá, aún resuena el ruido del proyector, el olor de las butacas y el color de las secuencias. ¿Último plano?…quién sabe…pero recuerden; el cine es aquel sitio donde va la gente, el ciudadano, el barrio, todo un pueblo para ver cine.

Pedro…antes de nada…cuéntanos tu recorrido profesional…tu trayectoria personal hasta llegar a este documental…

…yo soy cacereño y mi familia es originaria de Albalá, también de la provincia de Cáceres. Precisamente mis abuelos maternos abrieron el cine cuya historia cuenta este documental. De una forma u otra este cine siempre ha estado presente en todo lo que he grabado. Ya sea inspirando mi corto «Bajo ceniza» o rodando en el propio Cine España alguna secuencia de mi corto «Féminin pluriel, féminin singulier». También he realizado algunos videoclips para bandas de la tierra. «Historia Antigua del cine España» es mi primera incursión en el largometraje y también en el documental. Es un proyecto gestado durante mucho tiempo, probablemente y sin saberlo desde mis primeros recuerdos del lugar. Cuando yo nací el cine había dejado ya de exhibir películas pero durante toda mi infancia y adolescencia escuché muchas historias sobre él. Por motivos distintos he pasado además muchas horas allí, pero como cinéfilo las hermosas ruinas del edificio y sus historias fueron creando un aura mítica dentro de mí. De forma inconsciente fui retrasando el rodaje. Supe ya después que el retraso se debía al respeto que me producía tener entre mis manos un material tan sensible, que al mismo tiempo era la historia de mi propia familia. Pero en el 2012 el estado ruinoso del edificio me empujó definitivamente a preparar el rodaje, porque si no lo hacía pronto el edificio desaparecería para siempre. Me llevó cuatro años terminar este documental.

Cómo podríamos decifinir en pocas palabras este documental… ¿Qué cuenta Historia Antigua de Cine España?

Podríamos decir que es un testimonio de la pasión por el cine del espectador clásico pero también una ventana para asomarse a un periodo histórico-social muy concreto de este país.

Vemos en el transcurrir del documental el reflejo de una profesión, un arte, un espacio cultural…que roza a extinción…

Sí. Probablemente sea un proceso de extinción lento pero irreversible. No tanto del cine como medio de expresión sino del edificio-cine como templo, como recinto privilegiado para la experiencia cinematográfica. Gracias a la tecnología digital estamos viviendo una democratización de los sistemas de producción. Cada año se produce una cantidad ingente de películas a un bajo coste, como esta. Pero paralelamente el número de salas para exhibirlas viene cayendo década tras década, año a año. Estamos volviendo a experimentar las imágenes como lo hicieron algunos espectadores en los orígenes del cine. Volvemos, en definitiva, a la experiencia de visionado individual del kinetoscopio de Edison. Consumimos cada vez más imágenes y películas en un televisor, una tableta o incluso en un móvil. La experiencia comunitaria del cine, el concepto de la sala de cine como lugar de encuentro y vínculo social se va haciendo cada vez más rara. Especialmente para la gente joven. Y sí, quizás eso vaya a suponer una larga agonía. Pero el cine es consustancial al cambio tecnológico y ha sabido adaptarse a todos los cambios a lo largo de su historia: el sonoro, el color, la llegada de competidores como la televisión y el vídeo… En ese sentido podemos decir que el cine como disciplina está más vivo que nunca. En parte también porque hoy tienden a diluirse las fronteras entre cine, ficción televisiva, videoarte, videoclips, internet… Podemos hablar de un magma audiovisual más que de cine, con muchos vasos comunicantes entre disciplinas. Es un momento fascinante.

Podríamos decir que es un testimonio de la pasión por el cine del espectador clásico pero también una ventana para asomarse a un periodo histórico-social muy concreto de este país

Un espacio social, un encuentro para evadirse en una época dura…¿Un espacio donde el cine y el teatro se daban la mano?

Estos cines de pueblo en la posguerra eran espacios versátiles donde además de ver películas se podía acudir una actuación musical o a una obra de teatro. No sólo a cargo de compañías profesionales sino también por los propios vecinos del pueblo, que representaban regularmente sus propias obras. Una de los hallazgos más sorprendentes fue que los protagonistas hacían referencia a sus actuaciones teatrales. Eso nos invitaba también a introducir el teatro como materia prima de la narración. Y es que la columna vertebral del relato es la puesta en escena, en el propio escenario derruido del cine, de una entrevista que le hizo a mi abuelo Pedro, el propietario del cine, poco antes de morir. Esa entrevista, originalmente registrada en una casete de audio, la escenificamos con un actor haciendo playback sobre la voz real de mi abuelo. Pero también el resto de participantes entraron gustosamente en el juego de poder, en cierta forma, interpretar. El teatro y la interpretación son inherentes a cualquier representación cinematográfica, incluido el documental. Durante el rodaje yo tenía en mente a Godard cuando decía algo así como que había que hacer películas de ficción como si fueran documentales y documentales como si fueran películas de ficción. Porque no hay ningún documental puro…

…documentales puros hay pocos, pero es cierto que todos cuentan algo…¿Existe detrás de esta historia, de la narración, del ritmo del documental, una metáfora con la Extremadura soterrada por el franquismo?

De Extremadura y de España. El edificio es en cierta forma una metáfora de este país durante ese período que mencionas. El nombre del local es muy significativo. Se inicia su explotación en el año 51, momento de apogeo del régimen en plena etapa nacional-católica, y se cierra en 1.975, un año muy significativo también como sabemos. En ese sentido queríamos proponer una experiencia inmersiva dentro del Cine España. En la primera secuencia el espectador entra, siguiendo a uno de los personajes, en el interior del cine y no lo abandona hasta el último plano de la película. Quería transmitir esa sensación claustrofóbica de entrar en una dictadura pero también la experiencia liberadora de ir al cine. En ningún momento vemos el pueblo de Albalá y los estímulos que nos llegan del exterior son muy leves: algún sonido cotidiano, restos de vegetación, la luz del sol… El espectador vive la entrada a una cápsula espacio-temporal cerrada, donde el tiempo está suspendido. Esa sensación afecta también al ritmo interno del relato como bien dices, con tiempos muertos y planos «vacíos» que invitan al espectador a reflexionar sobre las imágenes. Se trata de que el espectador pueda completar la película, ya que a veces puede parecer que está sin acabar, vacía como el propio marco de la pantalla del Cine España.

Pero esa sociedad del franquismo también se refleja en la distribución de las localidades en el propio cine. A diferencia de lo que ocurre hoy en día, los cines eran la expresión reducida de una sociedad clasista. En aquella España el rico podía pagarse un palco en la zona noble del local, mientras que los pobres tenían que conformarse con una localidad más económica.

Estos cines de pueblo en la posguerra eran espacios versátiles donde además de ver películas se podía acudir una actuación musical o a una obra de teatro

En cierta medida, el espacio reservado vip siempre existirá…en otro orden de cosas, en la parte humana, queremos saber quiénes han nutrido el Cine España ¿Quiénes son los protagonistas de este cine? ¿Qué sucedía dentro de ese cine? ¿Qué veían? ¿Qué vida interior ha desaparecido?

Intervienen en el documental miembros de mi familia, trabajadores del negocio y espectadores que vivieron aquella época. La historia íntima familiar se entrecruza así con las historias colectivas. De entre todos los personajes la figura central del relato es mi abuelo Pedro, el fundador del cine, y con el que yo mismo establezco en el documental un juego de fusión y separación de identidades. En cualquier caso, los personajes son filmados de una forma directa, muy material podemos decir, mostrando su relación con el propio espacio físico del cine. Pero al mismo tiempo son como espectros que vagan errantes por el local, resaltando esa dimensión fantasmagórica inherente a la propia naturaleza del cine. Vemos cuerpos deambulando, oímos voces sin cuerpos o voces que vienen del pasado como la de mi abuelo…

Mi abuelo apostó por proyectar un cine de calidad dentro de las posibilidades de la época. A las obligadas películas de pandereta que el régimen imponía y que tenían mucho respaldo popular, se unieron también las grandes producciones del Hollywood clásico y guiños a otras cinematografías como la italiana, francesa y latinoamericana. Había mucho contraste de calidades. En el tipo, volumen y procedencia de las películas se percibe a lo largo del tiempo la redifinición de España en el mapa político internacional.

Pero en todo caso, para aquellas personas el cine era un lugar especial. En muchos casos era el único acceso a la cultura y al ocio. Porque la oscuridad de aquellas salas de cine era también la oscuridad de aquella España llena de miseria y analfabetismo y de alguna de forma la luz de la proyección, aunque controlada y manipulada por el régimen, era un rayo de ilusión y también de aprendizaje.

Haces referencia a los documentos encontrados en el cine que nos dan datos de explotación…¿Qué nos aportan esos datos?

Conservamos los libros de contabilidad del negocio durante toda su vida comercial. En lo puramente empresarial muestran la tendencia característica de los cines en España durante esas décadas. Los años 50 son el momento de esplendor, con extraordinarios resultados de taquilla. En los 60 tiene lugar la llegada de la televisión, la emigración masiva y, ya en el tardofranquismo, el cierre de la mina de uranio del pueblo que había contribuido a la apertura del cine. Desde el comienzo de los 60 la tendencia es negativa tanto en los resultados de taquilla como en la calidad de las películas. Estos libros de contabilidad son al mismo tiempo un testimonio sottovoce de los avatares del negocio durante aquellos años, como los intentos de sabotaje por temas políticos, el control de la censura y el progresivo cambio en la sociedad española y los gustos del público.

¿Qué aceptación ha tenido, por parte del público, de Historia antigua del Cine España?

A la hora de ver la película se plantea un juego metacinematográfico para el espectador. Como hemos dicho, en la primera secuencia el espectador entra en el cine y no lo abandona hasta el último plano, que es lo que le ocurre al propio espectador que ha entrado en una sala de cine para ver esta película. El efecto de esta doble entrada y salida en dos salas de cine es muy sugerente.

En cuanto a su distribución, la película ha circulado por varios festivales, entre ellos el prestigioso festival Alcances de Cádiz. En diciembre se estrenó comercialmente en la Cineteca del Matadero de Madrid y esta semana se proyectará en varias sedes de la Filmoteca de Extremadura. Los más mayores, los que han vivido aquella época, se identifican plenamente con ese espectador clásico que retrata el documental. Un espectador ciertamente más inocente ante las imágenes y por ello más impresionable. Eso es algo hermoso que sin duda nosotros ya hemos perdido por la avalancha audiovisual que nos avasalla por todas partes. La película les hace volver a la memoria y la educación sentimental del franquismo. Los chicos más jóvenes se sorprenden del afecto que esa gente sentía por el cine, que para ellos es una forma más de ocio entre muchas.

Mi abuelo apostó por proyectar un cine de calidad dentro de las posibilidades de la época. A las obligadas películas de pandereta que el régimen imponía y que tenían mucho respaldo popular, se unieron también las grandes producciones del Hollywood clásico y guiños a otras cinematografías como la italiana, francesa y latinoamericana

Cuéntanos anécdotas del rodaje de un documental como Historia Antigua del Cine España…

…Lo más sorprendente fue la reacción de los personajes cuando entraban en el cine. Todas las historias que había escuchado y las impactantes ruinas del edificio invitaban a pensar que la caza de imágenes y testimonios podría ser muy productiva. Pero el rodaje superó nuestras expectativas. Recogimos muchos testimonios conmovedores, demasiados porque tuvimos que eliminar algunos tristemente en el montaje. Al entrar en el patio de butacas afloraba un rincón de su memoria, el más difícil de borrar porque les remitía a su niñez y juventud. El edificio tenía un enorme poder evocador para ellos. Algunos reían, pero la mayoría lloraban o se ponían al borde del llanto en los primeros minutos. Pero la intención no era hacer una película melancólica. Empezamos a rodar intentando tener una mirada limpia, sin muchos condicionantes. Se trataba de ir al encuentro, más bien. Y la película nos fue dirigiendo por allí…

…melancolía, niñez, llantos y risas…pero ¿Tienen futuro las salas de cine?

Supongo que deben ser los historiadores y estudiosos del cine quienes tienen los datos para predecirlo. Pero por lo que estamos viendo parece que será una agonía muy lenta pero sin vuelta atrás. Quizá nosotros no veamos su desaparición, pero en el futuro probablemente las salas de exhibición queden relegadas a museos o filmotecas. Eso puede afectar en gran medida al propio lenguaje cinematográfico en tanto que la estética visual se tenga que adaptar para el consumo en dispositivos más pequeños. Hablamos de un cambio conceptual en el tamaño de los planos y en general de la gramática del cine. Como ya está pasando hoy. La mayoría de los que nos gusta el cine preferimos seguir viendo películas en una sala. Pero hay que mirar hacia delante, nostalgia cero.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Documental Historia Antigua del Cine España (2018) de Pedro Burgos

7 de marzo de 2019
La Mujer en el Teatro «La vida secreta de Memé Tabares»

No sabemos aún si Rodin esculpía con el cincel de Camille Claudel o Claudel era el mármol que tallaba la vida del escultor….o quizá sí la sabemos, pero no nos atrevemos a desenmarañar los libros de historia del arte.

Hasta aquí, todo anormalmente normalizado. De Petra Leduc en adelante la cosa cambia. Encauzar la biografía de tantas y tantas mujeres desdibujadas se convierte, en manos de la dramaturga Memé Tabares, en una lucha, que para muchos, desgraciadamente les parece anómala. La puesta en escena no va para ellos, los anormales, que todavía pretenden sesgar la opacidad a la que está sometida la vida de muchas artistas, para ellos, las salas de teatros reservan butacas con un burka cultural, con diversos colores para elegir, con diferentes telas y estampados, asientos que poco a poco quedan vacíos para bien de la humanidad.

Las Memé de este mundo escriben, producen, actúan y dirigen para contar algo, para desprendernos del tul polvoriento que cubren las arrinconadas historias de la mujer en el arte, en la ciencia, en el teatro, en la vida. Allí emergen nuestras Petras Leduc, las miles de Leduc obstinadas a ser lo que nunca debieron ser, el manicomio repleto de olvido.

Hay muchas mujeres trabajando el arte, ingentes cabezas dándole a la creatividad y a la puesta en escena, mujeres en el teatro que llevan luchando desde hace años para fijar el mundo escénico como un parlamento neutral donde la excelencia no goce de privilegios genitales. La calidad sin ningún atisbo de mediocridad sexual, un teatro gestado, trabajado y parido por todos sin discriminación. Es ahí donde nuestra Camille Claudel comienza a tener vigencia.

Cuando crear es una fiebre, un salto al vacío inevitable, un impulso que arrastra al creador más allá de su vida; cuando crear es una fuerza de la Naturaleza como lo es un torrente o un glacial, no hay cultura, familia o religión que lo soporte. Un artista, un verdadero artista no viene a complacer, viene a arder; viene a derruir el árbol social que nos hemos inventado para mostrarnos la vida real del alma: aquello que somos. Un artista, un verdadero artista viene a quemar escuelas, iglesias y hogares. No puede hacer otra cosa. Entrega su cuerpo y su alma a esa misión. Sus maestros le miran mal, los curas se niegan a bautizarle y sus padres le encierran en un hospicio o en un manicomio.

Me han insultado y humillado; me han ridiculizado; se han reído de mí; me han perseguido, me han violado; jamás me han preguntado qué pienso o qué quiero; me han torturado, me han arrancado la piel a tiras y me han quemado cada vez que me he puesto en pie y he gritado mi nombre. Me llamo Petra Leduc, existo y soy escultora. Y tengo una vida para contar.”

¿Vida secreta de Petra Leduc?

La vida secreta de Petra Leduc es una forma de dar voz a mujeres que han sido negadas, sus vidas han sido robadas y han sido ignoradas, tiradas incluso a la cuneta. Básicamente mujeres artistas. Obviamente un tipo de vida, extensible a muchas mujeres, cuyas obras y cuyo genio ni ha sido reconocido y en muchísimas ocasiones ha sido robado. La necesidad de reivindicar el espacio que sólo estaba reservado al varón. Entonces ¿Qué ha pasado? Qué cuando ha habido esas mujeres que desde siempre han tenido ese talento, era una amenaza que no se podía consentir….

…sigue siendo una amenaza…

…sí, sigue siéndolo, y cantidad de mujeres artistas seguirán pisando el manicomio para poder sobrevivir. Investigando el tema he descubierto una infinidad de casos. Dora Maar fue ingresada por Picasso en un centro. La expresionista Paula Modersohn-Becker sufrió la incomprensión dogmática de sus coetáneos. La vida de Margaret Keane, donde su marido que se adjudicaba la autoría de las obras…si es a mí quién me conocen ya me encargaré yo de que a ti no te crean…decía sobre Keane. Son muchas historias las que han machacado la vida de estas artistas.

¿Había algo más duro que hacerlas invisibles al no reconocer su trabajo?

Su propia vida. Y esto lo recogemos en la obra, lo que suponía como ser humano, se ve en la vida de Petra, ver su alma constreñida y destruida. ¿Te imaginas que a ti te cercenaran tu creatividad, que te trataran como a un delincuente por crear e imaginar? Es una herida fuerte.

…¿Evoluciona esa herida, Petra da algún paso para resignarse a estar aislada?

No me gusta hacer obras donde los personajes no evolucionen, en las que no se vea que por todo lo que tú has pasado te puede servir para iniciar otra cosa o para redimir ese dolor. No me gusta dejar a los personajes en su dolor.

La vida secreta de Petra Leduc es una forma de dar voz a mujeres que han sido negadas, sus vidas han sido robadas y han sido ignoradas, tiradas incluso a la cuneta

Esta obra son de las que generan debate una vez cae el telón, de las que marcan al espectador ¿Cómo ha evolucionado esta obra desde que se gestó y se representó por primera vez hace casi dos años?

Es curioso, cuando la presentamos en el MUBA, y por temas de presupuesto y a una semana del ensayo, con pocos ensayos a cuestas, para los actores ese es un proceso demasiado rápido. Eso ha hecho que la evolución de esta propuesta, y manteniendo la misma potencia que desde el primer día, ha crecido adaptándose a las salas, al personaje interior de Petra, a la iluminación que se ha ido generando con el tiempo. La densidad escenográfica se ha pulido y en la interpretación a medida que pasa el tiempo van descubriendo elementos que intuitivamente las tenían pero que ahora las están introduciendo.

¿Cómo se ha gestado el equipo artístico de esta obra?

Creaciones escénicas Efecto Kepler nos las hemos ingeniado para llevar a cabo el montaje, y bajo ese equipo la obra está escrita para Maite Vallecillo. Ella era la actriz y está elaborada así porque era ella la protagonista. Es tal su potencia y su intuición que el comienzo de la obra tiene su figura teatral. El principio de la obra es muy bestia, muy radical y Maite son de las pocas capacitadas para hacerlo. Nuqui Fernández tiene una versatilidad por su carácter que en esta función puede hacer de la amiga pequeña hasta la madre de Petra. Y Jorge Barrantes es un camaleón, entran y salen continuamente y no percibes que sea el mismo actor. Hay pocos elementos en esta obra y los cambios son energéticos. Tanta energía que por ejemplo en el museo, al finalizar un día la representación pudimos ver a todos los hombres, pequeños y mayores, llorar. Algo muy emotivo.

Memé, tú si has podido llegar al teatro sin tener que ver cercenada tu vocación, ¿Cuáles fueron tus pasos para dejarte atrapar por mundo escénico?

Yo creo que soy un caso aparte. Yo no soy de esas personas que sentía una vocación por el teatro, más bien lo contrario. Tenía un compañero de instituto que escribía obras y logró convencerme para suplir el papel de una actriz que no pudo actuar, lo hice y al público le gustó, pero ni así me enganché, con el tiempo y coincidiendo en una sala de lectura de poesía con unas amigas que en realidad era un grupo de teatro, el director de la compañía que era un exiliado de la Argentina de Videla, me dijo; si al final sigues viniendo, te incorporas quiero que sepas que aquí no hacemos tonterías, no estamos para tontear. Ahí fue donde me dejé atrapar y aprendí muchísimo.

Y llegas a Extremadura…

Por casualidad también, por unos cursos de teatro, con Suripanta, Leoni, Penco y compañía…y hasta ahora. Se estaba creando el Centro dramático extremeño y Leoni me hizo pasar por extremeña en los casting…[Ríe]…realmente nunca me preguntaron, y en ese ir y venir me asenté con el tiempo en esta hermosa región, de eso hace cuarenta años.

Cuando escribo estoy dirigiendo y cuando estoy dirigiendo estoy actuando

¿Cómo haces para compaginar la dirección, la escritura y la interpretación?

Todo sale del mismo sitio, y son actividades que como no te defines como nada todo es posible. Empiezas a descubrir elementos dentro del teatro para sobrevivir moral y profesionalmente. Necesito escribir para contar historias que necesitaba contar y que no estaba en otros textos. Pero la fuente es la misma, cuando escribo estoy dirigiendo y cuando estoy dirigiendo estoy actuando.

Lo importante, lo básico en el teatro consiste en contar algo, contar una historia…

…eso debe ser así. Es un guía necesario como referencia, nos tiene que tocar, nos tiene que decir algo esa historia, de otra manera descarto trabajar. Tienes que sentir el alma para ser trabajar en este mundo.

…el mundo del teatro…¿Qué definición puedes darme del teatro?

El teatro es una forma de vivir. En una de esas crisis que sufrimos todos, abandoné el teatro por un tiempo, y de repente empecé a llorar en el metro como si nada, pensando sólo en el teatro…o el teatro o me moría.

6 de marzo de 2019
PJ Harvey «¿Tiene que ser una vida llena de miedo?»

No puedo creer que la vida sea tan complicada

Cuando lo que quiero es sentarme aquí y verte desnudo

No puedo creer que la vida sea tan complicada

Cuando lo que quiero es sentarme aquí y verte desnudo

Esto es amor, esto es amor

Esto es lo que siento

Esto es amor, esto es amor

Esto es lo que siento

Esto es amor, esto es amor

Esto es lo que siento

¿Ha de ser una vida llena de miedo?

Quiero perseguirte alrededor de la mesa,

Quiero entrar en tu cabeza

¿Ha de ser una vida llena de miedo?

Quiero perseguirte alrededor de la mesa,

Quiero entrar en tu cabeza

«This is love» PJ Harvey Ilustración. Tito Merello

6 de marzo de 2019
100 rostros en Plata y Plomo

Ríen, sonríen, sonrojan, lloran, gimotean, emocionan, emborrachan, fuman, drogan disparan, humanizan, chulean, insinúan, guiñan, muerden, cantan, hablan, escupen, posan, dentellean, amenazan, enmudecen y besan.

El rostro sobre todo besa, saca morros para besar. El rostro está construido para rozar los labios, la punta más al sur del mapa, y la que soporta con mayor virulencia los envites del viento, las olas y el sol. En ese punto cartográfico se sella la cultura, el maremágnum tan diverso y atractivo que compone el compost de nuestra sociedad. Viajamos por sus surcos y descubrimos palabras escondidas entre las ojeras de un escritor, leemos en sus moretones palizas de boxeo, estribillos de carnaval y arrugas de conciertos.

Recopilamos 100 retratos de Plata o Plomo durante esta bitácora fotoperiodística. 100 rostros que ríen, sonríen, sonrojan, lloran, gimotean, emocionan, emborrachan, fuman, drogan disparan, humanizan, chulean, insinúan, guiñan, muerden, cantan, hablan, escupen, posan, dentellean, amenazan, enmudecen y besan…o eso esperamos.

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18 de febrero de 2019
Alberto Amarilla «Actor en incesante reconstrucción»

A los actores se les pide coriolanos sobre los que farolear encima de las tablas. Buena voz, presencia y Grotowskis sobre los que caer muerto con estilo sobre el escenario. En la dramaturgia el tiempo abarca la distancia entre la butaca asignada y la primera bofetada de aire que se recibe al levantarse el telón. Ese olor frío que viene de las tramoyas son los ruegos de Volumnia, Virgilia y Valeria. Un teatro grande, familiar, traicionero, popular y desquiciado con camerinos apestados de ungüentos y atrezzo para evitar que se queme la Roma de la interpretación. Allí, en el teatro, hay que provocar al público, y que éste celebre que se le provoca, que decía Dario Fo. Allí en el set de una película, un señor con parche y dos pipas, la de tabaco y la de encasquillar balas pregunta ¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine.

A los actores se les pide que sean irrespetuosos, pero actrices como Lola Herrera piden respeto y abandona la interpretación de su obra por el sonido irreductible de un teléfono móvil. La actriz, con otro caminar muy distinto, al que hacía mención John Ford, castiga a Mario con una llamada de cinco horas en espera. Ese es el tempo dramatúrgico, rendir cuentas a la profesión y sacrificar aplausos para dignificar al gremio.

De ese rincón escénico sale el extremeño Alberto Amarilla. Un actor que se toma su tiempo para no caer en la endémica apoplejía silenciosa de este país. A profesionales como él se le pide quince minutos para una entrevista, un rato de buena interpretación y salir bien en pantalla. No falla, cercano, divertido y orquestal. Desde su sonrisa, nos redime con una dirección de su vida profesional más que loable. Es hora de escribir, de producir y de poner voz a Pedro y el lobo y a Babar, el pequeño elefante, sobre la música de Serguéi Prokófiev y Francis Poulenc. Cuentos narrados magistralmente por la Orquesta de Extremadura. Y es que de tanto decirlo, nadie nos va a creer.

Esta actuación, este espectáculo no es nuevo en la región…

…no, efectivamente, con la Diputación de Badajoz hicimos un disco con el pianista y amigo Pedro Piquero. Historia de Babar, el elefantito y Álbum de Madame Bovary, de Francis Poulenc y Darius Milhaud, respectivamente.

La Orquesta de Extremadura tiene antecedentes de actuaciones con actores narrando sobre una pieza musical. Lluís Homar y Juan Echanove, narrando la historia de Hamlet sobre la música incidental de Shostakóvich, José Vicente Moirón narró los Cuentos Fantásticos de Terry Jones o Pepe Viyuela también han desplegado su arte sobre la música de la Orquesta de Extremadura. Turno para ti, ¿Qué supone narrar un texto, una obra, este cuento con una sinfónica?

Trabajar con músicos siempre es curioso, somos muy diferentes aunque tenemos cosa en común, y creo que es una buena mezcla, si además todos nos adaptamos al fin último de la obra, el público, en este caso muy familiar, saldrá ganando seguro. Si de esta manera, música de orquesta con la narración de un cuento engancha al espectador infantil y juvenil, podemos hablar de éxito.

Hablas de diferencias entre actores y músicos, quizá poco tiempo para ensayar y de realizar un buen trabajo…¿Disfrutas con este tipo de espectáculos o por el contrario existe una carga de tensión alta cuando te pones delante del atril?

Ten en cuenta que los ensayos son muy cortos, escasas horas, y el cuento tiene algunas dificultades, saber cuándo la narración se empasta con la melodía y detalles orquestales que necesitan un estudio previo serio. Existe una sana tensión, ya que al fin y al cabo el narrador es como si fuera otro instrumento más

Existe una sana tensión, ya que al fin y al cabo el narrador es como si fuera otro instrumento más

Sigues en contacto permanente con la región, hace poco colaboraste en un cortometraje de María Sánchez Testón…

¡Sí! Es fantástica, hace las cosas muy bien, el corto se llama TQ, y a pesar de ser una directora cacereña muy joven su trabajo es muy profesional, con proyectos como este corto con mucho recorrido. A estos trabajos que emanan de la región no les pudo decir que no, son mi manera de estar ligado a Extremadura.

¡Extremadura y el resto del mundo! Estás con obras de teatro y series…

¡Y que no falte! Acabo de hacer una obra con el Centro Dramático Nacional, se llama Pulmones, y que aún no sabemos si vamos a girar por España. Yo sigo girando con Re cordis y ahora empiezo a grabar una serie de la que aún no puedo adelantar nada. Y todo esto lo compagino con los estudios de dramaturgia para seguir creciendo.

Una actividad incesante Alberto…después del empacho de los premios Goya ¿Qué aire se respira en sector?

El mundo del teatro, las artes siempre ha estado en crisis, de hecho cuando se suceden etapas de crisis internacionales nosotros ni las percibimos…[Ríe]…o al revés las pasamos canutas y el resto está muy bien. Esta profesión es así. Pero desde hace un tiempo yo me he acostumbrado a generar mi propio trabajo, de hecho no me quedo sólo en reforzar mi labor como actor, sino también prepararme para formar a otros actores, me apasiona la formación. El hecho de producir, escribir, mover una obra es un trabajo muy duro pero que me permite estar vivo a todas horas.

…aun así, a pesar de la sempiterna crisis algo se mueve en los teatros…

…Sí, claro, hay un boom de la dramaturgia nacional que está en un momento muy bonito. Cuando digo un momento bueno es relativo, es decir, hay un montón de pequeños hitos, éxitos en gotas que permiten seguir haciendo cosas algunos meses, no hablo de largo recorrido.

¿Obras del circuito off?

…Se están moviendo muchas obras pero creo hay cierta dependencia de lo que son los teatros públicos, siempre se mira al Teatro Español, al CDN…y está bien pero hay otro teatro que creo que es muy interesante y que está fuera del circuito convencional. Realmente da igual si es teatro nacional o privado, lo importante es que acoja todas las formas de hacer dramaturgia.

El mundo del teatro, las artes siempre ha estado en crisis, de hecho cuando se suceden etapas de crisis internacionales nosotros ni las percibimos

¿Dónde te encuentras más cómodo? ¿En el cine, en las series de televisión o en el teatro?

En las tres cosas, soy un disfrutón y aunque tienen tiempos distintos me lo paso bien en la gran pantalla, es una carrera de velocidad y hay que estar siempre acertado, en las series en una actividad de medio fondistas y ensayando teatro te caes y te puedes levantar continuamente. Del teatro saco más cosas por el trabajo de los ensayos, la manera en la que se va construyendo los personajes, en ese periodo de creación aprendo mucho.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

17 de febrero de 2019
25º Festival Ibérico de Cinema | Cortometrajes

35 CORTOS DE ESPAÑA Y PORTUGAL COMPETIRÁN EN LA 25º EDICIÓN DEL FESTIVAL IBÉRICO DE CINE

Un total de 35 cortometrajes de directores españoles y portugueses competirán en las distintas secciones del 25º Festival Ibérico de Cine (FIC), un certamen que aglutina al cine más representativo que se realiza en la Península Ibérica. El FIC se celebrará durante la semana del 15 al 20 de julio de 2019 en Badajoz y en las sedes oficiales de Olivenza y San Vicente de Alcántara.

En su 25 aniversario, el Festival Ibérico de Cine pondrá el foco en el cortometraje como protagonista de esta edición.

Los 35 trabajos han sido seleccionados entre los 450 cortometrajes que se han presentado a concurso, de los cuáles 25 son portugueses y 17 extremeños. La participación en el FIC se mantiene en los últimos años. En la pasada edición se inscribieron 400 trabajos.

En la Sección Oficial se han seleccionado 27 cortometrajes -22 españoles y 5 portugueses- que se proyectarán en la terraza del Teatro López de Ayala y en las sedes de Olivenza y San Vicente de Alcántara.

En el Festival dos Miúdos se podrán ver otros 5 cortos (uno de ellos, ‘La Noria’, también está en la sección oficial). El Festival dos Miúdos es la sección del FIC dirigida al público infantil y adolescente (de 7 a 13 años), en la que los niños elegirán con su voto el corto ganador de esta sección, que recibirá el Premio del Público Infantil.

En el Certamen de Cortometrajes Extremeños han sido seleccionados 4 trabajos de realizadores extremeños que han sido rodados en diferentes puntos de Extremadura.

El Festival Ibérico de Cine celebra su 25 aniversario con más cortos, música con la OEX y una exposición

El Festival Ibérico de Cine (FIC) celebra su 25 aniversario con el foco puesto en el cortometraje, el protagonista y la razón de ser de este certamen que alcanza un cuarto de siglo. De esta forma, el FIC, que se celebrará del 15 al 20 de julio en Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, ofrecerá a sus seguidores una sesión más de cortos dentro de su Sección Oficial.

En una efeméride tan especial no podían faltar en el programa la música, los recuerdos y las novedades cinematográficas, como el estreno en Extremadura del documental ‘#Placer Femenino’ de Bárbara Miller y la proyección del largometraje portugués ‘Raiva’, de Sérgio Tréfaut, que cosechó seis galardones en los Premios Sophia 2019 que concede la Academia de CinePortuguesa. El actor Hugo Bentes, protagonista de ‘Raiva’, asistirá a la presentación.

La banda sonora a este 25 aniversario del FIC la pondrá la Orquesta de Extremadura (OEX), que el 19 de julio ofrecerá un Concierto de Música de Cine dirigido por David Hernando Rico, director de la Orquesta Sinfónica de Bratislava y uno de los directores con más experiencia en grabaciones de bandas sonoras.

David Hernando ha realizado más de 500 grabaciones en numerosos países y ha trabajado para discográficas como Universal, Warner Music, Sony Music o Azteca Music, entre otras.

Con la OEX interpretará un programa con música de películas conocidas por todos los públicos, como ‘Balada triste de trompeta’, ‘Lasa y Zabala’, ‘La misión’ o ‘King Kong’, entre otras. El concierto será en el Palacio de Congresos de Badajoz a las 20:00 horas.

‘FIConos’: un recorrido a través de la imagen

Una exposición titulada ‘FIConos’ recordará los 25 años del Festival Ibérico de Cine a través de su iconografía. La muestra está integrada por carteles y catálogos con diseños que han sido la imagen del FIC desde sus inicios hasta la actualidad, algunos de ellos obra de artistas extremeños como Antonio Cosme Covarsí, Luis Costillo o Pablo Melara.

En ‘FIConos’ se podrá apreciar la evolución del diseño, de las modas, del uso de los elementos cinematográficos, de la historia y también de los mensajes. La exposición estará expuesta al público en la sala Espacio CB Arte de Badajoz del 16 al 31 de julio.

La película ‘Raiva’ abre el 25º FIC en la Terraza del López

Entre las novedades cinematográficas que se presentan en esta 25 edición se encuentra la película portuguesa ‘Raiva’ (‘Rabia’), del director Sérgio Tréfaut, triunfadora de los Premios Sophia 2019 que concede la Academia de Cine Portuguesa. Se llevó seis premios destacados (mejor película, mejor actor, mejor actriz, mejor guion adaptado, mejor actor secundario y mejor fotografía).

‘Raiva’ abrirá el 25º FIC el 15 de julio a las 22:30 horas, en esta ocasión en la Terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz. Este largometraje de ficción es una adaptación de la novela ‘Seara de vento’ del escritor Manuel Fonseca y cuenta una tragedia sucedida en los campos del sur del Alentejo en 1950.

Libro y película narran la historia de la familia Palma, campesinos pobres que viven las penurias de un país dominado por la oligarquía terrateniente. En este entorno la violencia estalla y se suceden varios asesinatos a sangre fría en una sola noche. La historia está basada en unos hechos reales acaecidos en 1933 y conocidos como ‘la tragedia de Beja’.

‘Raiva’ retrata la injusticia como un ciclo que se repite una y otra vez de distintas formas y habla del abismo existente entre pobres y ricos.

Este es el segundo largometraje de ficción firmado por el realizador portugués Sérgio Tréfaut tras ‘Viagem a Portugal’. El cineasta cuenta con una amplia experiencia como director de documentales, con títulos como ‘Treblinka’.

Estreno del documental ‘#Placer Femenino’ en Extremadura

Otra de las novedades que ha programado el FIC es el estreno en Extremadura del documental de Bárbara Miller ‘#Placer Femenino’, un exitoso trabajo que habla de la opresión sexual que sufren las mujeres en el mundo. El documental se podrá ver el 16 de julio a las 19:00 horas en el teatro López de Ayala.

Bárbara Miller da voz en el documental a cinco mujeres que decidieron romper el silencio impuesto por sociedades arcaicas y por diferentes comunidades religiosas.

Las protagonistas del documental son Deborah Feldman, escritora americana exiliada de la comunidad judía ortodoxa; Rokudenashiko, artista japonesa condenada por obscenidad; Doris Wagner, ex monja abusada sexualmente por un miembro del clero; Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India; y Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí víctima de la ablación.

Cortos españoles, portugueses, extremeños y para niños

En el 25º FIC se proyectarán un total de 35 cortometrajes de directores españoles y portugueses que competirán en las distintas secciones del Festival, seleccionados entre los 450 cortometrajes que se han presentado a concurso este año, de los cuáles 25 son portugueses y 17 extremeños.

La participación en el FIC se mantiene en los últimos años. En la pasada edición se inscribieron 400 trabajos. Desde sus inicios hasta el momento se han proyectado unos 700 cortometrajes.

En la Sección Oficial se podrán ver 27 cortos -22 españoles y 5 portugueses-, que se proyectarán en la terraza del Teatro López de Ayala en cuatro sesiones, una más que en ediciones anteriores, del 16 al 19 de julio a partir de las 22:30 horas. En Olivenza las sesiones se verán a las 21:00 horas en la Casa de la Cultura y en San Vicente de Alcántara a las 20:30 horas en la Casa de la Cultura.

En el Festival dos Miúdos se proyectarán otros 5 cortos (uno de ellos, ‘La Noria’, también está en la sección oficial). El Festival dos Miúdos es la sección del FIC dirigida al público infantil y adolescente (de 7 a 13 años), en la que los niños eligen con su voto el corto ganador de esta sección, al que se le otorga el Premio del Público Infantil. El Festival dos Miúdos se celebrará el viernes 19 de julio a las 10:30 horas en el teatro López de Ayala.

En el Certamen de Cortometrajes Extremeños han sido seleccionados 4 trabajos, algunos de ellos protagonizados por actores extremeños como José Vicente Moirón o Alberto Amarilla.

El director de ‘Distintos’ imparte un taller en ‘Cine sin límites’

El director de cine y guionista Josevi García Herrero, director del corto ‘Distintos’, protagonizado por dos jóvenes con Síndrome de Down, que el pasado año ganó el Premio del Público Infantil en el FIC, regresa al Festival para impartir el taller ‘Cómo se crea un film’, dentro ‘Cine sin Límites’, un espacio estrenado el pasado año dedicado al cine inclusivo.

El taller se celebrará el 18 de julio en la Residencia Universitaria de la Fundación CB (RUCAB) a las 10:30 horas y tendrá una duración aproximada de tres horas. Está abierto a todos los públicos, muy especialmente a personas con discapacidad intelectual.

En la primera parte del taller se proyectará el corto ‘Yes We Can’, realizado en el Taller de Cine Inclusivo de Aexpainba y la Fundación Magdalena Moriche, además del making of del cortometraje ‘Distintos’. Tras las proyecciones se abrirá una charla-coloquio con Josevi García Herrero.

En la segunda parte se realizarán ejercicios sobre cómo expresarse frente a una cámara y se grabará una pieza audiovisual que resumirá los ejercicios realizados. Esta actividad es abierta y participativa.

‘Todo es música’, el libro del 25º FIC

Como en cada edición, desde hace 21 años, el FIC presenta un libro relacionado con diferentes aspectos de la actividad cinematográfica que publica el Departamento de Publicaciones de la Diputación de Badajoz dentro de la colección ‘Festival Ibérico de Cine’.

Este año presentará ‘Todo es música. Sinergias musicales entre cine y televisión’, un trabajo del crítico cinematográfico pacense David Tejero en el que analiza la relación y las influencias entre la música de las series de televisión y la música de los largometrajes, buscando paralelismos y diferencias.

El libro se presentará el miércoles 17 de julio en el Cafetín del Teatro López de Ayala a las 10:30 horas.

Diplomado en Biblioteconomía y Documentación por la Universidad de Extremadura, David Tejero ejerce su actividad en numerosas revistas y medios digitales como El antepenúltimo Mohicano, Cine Divergente, Enclave de Cine o Ultramundo, donde publica artículos sobre cine y bandas sonoras originales.

Jurado, Jurado Joven y Taller de Creación Audiovisual

Eldirector, actor, productor y guionista Antonio del Real y la actriz pacense Carolina Yuste, Premio Goya 2019 a la Mejor Actriz de reparto por su papel en la película ‘Carmen y Lola’, de Arantxa Echevarría, forman parte del jurado de la 25 edición del Festival Ibérico de Cine.

Otros de los miembros que conforman el jurado son la directora de fotografía Almudena Sánchez, que ha trabajado en películas que han ganado importantes premios como la Biznaga de Plata del Festival de Málaga; la directora de cine y televisión Eva Lesmes, miembro de la Academia de Cine y socia fundadora de CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales); y el director y productor Julián Pavón Fuentes.

El Festival cuenta cada año con reputados profesionales vinculados al mundo del cine para formar un jurado que decidirá entre los cortos seleccionados qué trabajos serán los merecedores de los Premios Onofre.

Jurado Joven, universitarios de la UEX con inquietudes cinéfilas

Los miembros del Jurado Joven son jóvenes universitarios de edades comprendidas entre 18 y 30 años procedentes de diferentes titulaciones de la Universidad de Extremadura (UEX).

La figura del Jurado Joven fue instaurada con la colaboración y el apoyo de la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste desde la edición número 16 del Festival Ibérico de Cine con el objetivo de divulgar el cortometraje entre los jóvenes universitarios y promover entre ellos la actividad audiovisual y cinematográfica.

Este jurado fallará el Premio ‘Luis Alcoriza’, un galardón dedicado al director, guionista y actor de cine nacido en Badajoz en 1918 y exiliado en México tras la guerra civil, convirtiéndose en una de las mayores figuras del cine mexicano.

Dentro de la carrera de Luis Alcoriza destacan las colaboraciones con Luis Buñuel en ocho guiones, escribiendo en algunas de sus mejores cintas, entre las que están ‘Los olvidados’ y ‘El ángel exterminador’. Falleció en 1992 en la ciudad mexicana de Cuernavaca.

Taller de Creación Audiovisual para jóvenes

Otra de la actividad que organiza la Fundación Academia Europea e Iberoamericana de Yuste en colaboración con el Festival Ibérico de Cine es el Taller de Creación Audiovisual para Jóvenes de 14 a 17 años.

El taller se desarrollará del lunes 15 al jueves 18 de julio (en horario de 10:00 a 14:00 horas) y tendrá 16 horas de duración. En él los alumnos realizarán una pieza audiovisual y aprenderán aspectos relacionados con el lenguaje y narrativa audiovisual, manejo de cámaras y captación de sonido, además de grabación en interiores y exteriores. La formación se completará con la asistencia gratuita de los alumnos a todas las actividades del Festival Ibérico de Cine.

Estará impartido por Gemma Carranco, realizadora y editora de televisión, versará este año sobre la figura de Hernando de Bustamante, el primer y único extremeño que viajó junto a Elcano y a Magallanes en la expedición que dio la primera vuelta al mundo.

Hernando de Bustamante fue uno de los únicos 18 supervivientes de esa expedición, en la que salieron más de 200 personas. En ediciones anteriores del taller los participantes trabajaron sobre temas como los 50 años de paz en Colombia o figuras como Pedro de Valdivia y Rubén Darío.

SESIÓN INAUGURAL 25º FIC (2019)

La película portuguesa ‘Raiva’, del realizador Sérgio Tréfaut, abre el 25º Festival Ibérico de Cine el 15 julio

La premiada película portuguesa ‘Raiva’ (‘Rabia’), del director Sérgio Tréfaut, abre el 25º Festival Ibérico de Cine (FIC) el 15 de julio a las 22:30 horas en la terraza del Teatro López de Ayala de Badajoz. Este largometraje de ficción es una adaptación de la novela ‘Seara de vento’ del escritor Manuel Fonseca y cuenta una tragedia sucedida en los campos del sur del Alentejo en 1950.

‘Raiva’ narra la historia de la familia Palma, campesinos pobres que viven las penurias de un país dominado por la oligarquía terrateniente. En ese entorno la violencia estalla y se suceden varios asesinatos a sangre fría en una noche.

La historia comienza cuando Antonio deja su precaria vivienda en mitad del campo y se dirige con una escopeta a la casa del señor del pueblo. Tras acabar con la vida de este y la de su hijo, huye, pero las autoridades pronto van a buscarlo a su casa. La película descubrirá qué ha llevado al protagonista a tan brutal comportamiento.

‘Raiva’ fue la gran triunfadora de los Premios Sophia 2019, que concede la Academia de Cine Portuguesa. La película se llevó seis Premios Sophia: Mejor Película; Mejor Actriz (Isabel Ruth); Mejor Actor (Hugo Bentes); Mejor Actor Secundario (Adriano Luz); Mejor Guion Adaptado (Sergio Tréfaut y Fátima Ribeiro); y Mejor Fotografía (Acacio de Almeida).

A estos se suman otros premios conseguidos en festivales y certámenes de cine internacionales. La película cuenta con la colaboración especial del actor español Segi López.

Basada en hechos reales: la ‘tragedia de Beja’

Tanto el libro como la película están inspirados en unos hechos reales ocurridos en 1933. Ese año los periódicos portugueses publicaban una historia violenta que se conoció como «la tragedia de Beja.» El episodio fue portada del Diario de Noticias y la historia acabó transformándose en un mito.

Veinte años más tarde, Manuel da Fonseca, escritor y periodista de renombre, investigó este episodio para escribir la novela ‘Seara de Vento’. En la versión de Fonseca el asesino de la tragedia de Beja se convierte en un héroe solitario, víctima del abuso de poder y símbolo de resistencia. El libro es un grito de indignación frente a la injusticia social en el Alentejo, tiene un sentido épico y militante, marcado por cierto romanticismo político.

Sin embargo, en la versión cinematográfica de Sérgio Tréfaut la historia no tiene nada de romántica, ni de naturalista. En ella no hay ningún llamamiento al sentimentalismo o al idealismo. No se ofrecen promesas de un futuro mejor.

‘Raiva’, un retrato de la injusticia social

La injusticia es retratada en ‘Raiva’ como un ciclo que se repite, y se repetirá siempre bajo nuevas formas, aunque toda la vida se luche contra ella, según explica el director de la película, que eligió adaptar este libro emblemático en el Alentejo a un neorrealismo portugués clásico. La película, al igual que el libro, habla del abismo entre pobres y ricos, pero en la película los muertos sólo son muertos, no son héroes ni símbolos.

Sérgio Tréfaut ha hecho una película silenciosa, en blanco y negro, “en la que las caras y los cuerpos dicen más que los discursos”, según explica. Ha creado además un espacio atemporal, casi mitológico. “El Alentejo aquí es también el sur de Italia, Grecia, Siria, Armenia, España, América Latina”.

‘Raiva’ es el segundo largometraje de ficción firmado por el realizador portugués Sérgio Tréfaut tras ‘Viagem a Portugal’. El cineasta cuenta con una amplia experiencia como director de documentales, con títulos como ‘Treblinka’.

Hugo Bentes, actor protagonista, asistirá a la presentación de ‘Raiva’

El actor Hugo Bentes, protagonista de la ‘Raiva’ asistirá a la presentación de la película en el Festival Ibérico de Cine. Hugo reside en Beja, en el Alentejo portugués, y fue elegido por Sérgio Tréfaut para protagonizar esta película a pesar de que no era actor. Hugo Bentes es técnico de sonido de la Cámara de Serpa y cantante de un grupo coral de canto alentejano. En su primer papel como actor consiguió el Premio Sophia como mejor actor.

ESTRENO EN EXTREMADURA (16 DE JULIO)

‘#Placer Femenino’, el documental sobre la opresión sexual femenina llega al 25º Festival Ibérico de Cine

El 25º Festival Ibérico de Cine (FIC) estrena en Extremadura el documental de Bárbara Miller ‘#Placer Femenino’ el 16 de julio a las 19:00 horas en el Teatro López de Ayala. El documental de la realizadora suiza es una crítica contra la opresión sexual femenina en el mundo a través de la voz de cinco mujeres valientes y determinadas que han roto el silencio impuesto por sociedades arcaicas y por comunidades religiosas.

Las protagonistas del documental son Deborah Feldman, escritora americana exiliada de la comunidad judía ortodoxa; Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí víctima de la ablación; Rokudenashiko, artista japonesa condenada por obscenidad; Doris Wagner, ex monja abusada sexualmente por un miembro del clero; y Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India.

Estas cinco mujeres relatan en el documental su lucha por la liberación sexual y la autonomía de las mujeres compartiendo sus experiencias tras salir de comunidades opresoras. Pero su victoria ha tenido un alto precio: todas han experimentado difamación pública, amenazas y procesamientos, han sido excomulgadas por la sociedad en la que crecieron e incluso han recibido amenazas de muerte por parte de líderes religiosos y fanáticos.

‘#Placer Femenino’ revela a través de estas cinco historias situaciones universales y muestra la lucha exitosa de estas mujeres por el derecho a la autodeterminación de su sexualidad y por una relación igualitaria del placer entre los sexos.

Tras la proyección de ‘#Placer Femenino’ se celebrará un coloquio en el teatro López de Ayala.

Bárbara Miller (Zurich, Suiza, 1970) es licenciada en Derecho y en Estudios Cinematográficos, Filosofía y Psicología por la Universidad de Zurich. Como asistente de dirección y editora trabajó durante dos años en el documental ‘War Photographer’, de Cristian Frei. Desde 2001 es documentalista freelance. En la actualidad es presidenta de la Asociación Suiza de Directores y Realizadores.

En su anterior documental, ‘Voces Prohibidas’ (2012), Bárbara Miller pone también voz y rostro a tres mujeres, Zeng Jinyan en China, Farnaz Seifi en Irán y Yoani Sánchez en Cuba, que han difundido a través de Internet su reivindicación de libertad y de respeto a los derechos humanos. Este trabajo fue galardonado con el Premio Amnistía Internacional de la XI Edición del Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián.

Calidad y variedad. La calidad sigue siendo la seña de identidad del FIC, que se ha convertido en un referente para los realizadores del mundo del cine. El comité seleccionador destaca de forma particular el elevado nivel de los cortometrajistas portugueses.

El único corto de animación que concurre en la Sección Oficial es ‘La noria’, el trabajo de Carlos Baena que ha cosechado numerosos premios. Este también se proyectará en el Festival dos Miúdos, donde sí compite con otros dos trabajos de animación, ‘Lifetime’ y ‘Dry Fly’, de temática infantil.

Entre los trabajos seleccionados hay algunos rodados en otros países, como EEUU o Francia, y en otros idiomas, como el caso de ‘Xiao Xian’, de Jiajeie Yu Yan, que está rodado en chino y en español. El comité seleccionador ha apreciado un incremento en la participación de cortos procedentes de diferentes escuelas de cine.

Los 27 cortos que concurren en la Sección Oficial aspiran al Premio Onofre al Mejor Cortometraje, dotado con 3.000 euros, así como a los Premios del Público de Badajoz, Olivenza y San Vicente de Alcántara, dotados con 800 euros cada uno.

Los Premios a la Mejor Interpretación Masculina y Femenina, patrocinados por la Fundación AISGE (Artistas Intérpretes, Sociedad de Gestión), están dotados con 500 euros, al igual que el del Público Infantil. Completan el palmarés el Premio Luis Alcoriza del Jurado Joven, el Onofre a la mejor Dirección y al mejor Guión, el Premio AEC a la mejor Fotografía y el Premio Reyes Abades al mejor cortometraje Extremeño.

Sección Oficial. Los cortometrajes españoles seleccionados en la Sección Oficial a concurso:

ANTXONI, de Rubén Sáinz (ESP)

BENIDORM 2017, de Claudia Costafreda (ESP)

BEST SELLER, de Max Lemcke (ESP)

CERRADURAS, de Pedro del Río (ESP)

ESCALADA, de Nacho Solana (ESP)

FLOTANDO, de Frankie De Leonardis(ESP)

HAWAII, de Jordi Capdevila (ESP)

HOPES, de Raúl Monge (ESP)

KHURUF, de Kepa Sojo (ESP)

LA NORIA, de Carlos Baena (ESP)

LA OCTAVA DIMENSIÓN, de Kike Maíllo (ESP)

LIMBO, de Daniel Viqueira (ESP)

MARAS, de Salvador Calvo (ESP)

MIEDOS, de Germán Sancho(ESP)

MOROS EN LA COSTA, de Damià Serra Cauchetiez (ESP)

MOSCAS, de David Moreno Pérez (ESP)

MUJER SIN HIJO, de Eva Saiz López (ESP)

NO ME DESPERTÉIS, de Sara Fantova (ESP)

RÉQUIEM, de Juanma Juárez (ESP)

VACA, de Marta Bayarri (ESP)

WHITE, de David Moya (ESP)

XIAO XIAN, de Jiajie Yu Yan (ESP)

Los cortometrajes portuguesesseleccionados en la Sección Oficial:

EQUINÓCIO, de Ivo M. Ferreira (PORT)

NEVOERIO, de Daniel Veloso (PORT)

POR TUA TESTEMUNHA, de João Pupo (PORT)

RÍO ENTRE AS MONTANHAS, de José Magro (PORT)

SLEEPWALK, de Filipe Melo (PORT)

Los Cortos Extremeños

Los cortos extremeños seleccionados:

DESPACHADO,de Elena Marcelo

EL INVITADO,de Pedro Díaz

LA HIGUERA, de Mikel Mas

UN BUEN HOMBRE, de Matías Valenzuela

Festival dos Miúdos

9 PASOS, de Moisés Romera Pérez/Marisa Crespo Abril (ESP)

DRY FLY, de Rut Juan Mompó (ESP)

LA NORIA, de Carlos Baena (ESP)

LIFETIME, de Ramón Mascarós/Carlos Escutia (ESP)

NOEL, de Kike Arroyo (ESP)

Los Premios de la Sección Oficial del 25º FIC

PREMIO al MEJOR CORTOMETRAJE. Estatuilla y 3.000 €

PREMIO del PÚBLICO de BADAJOZ. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO de OLIVENZA. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO de SAN VICENTE DE ALCÁNTARA. Estatuilla y 800 €.

PREMIO del PÚBLICO INFANTIL. Estatuilla y 500 €.

PREMIO LUIS ALCORIZA del Jurado Joven. Estatuilla.

PREMIO AISGE a la mejor Interpretación Femenina. Estatuilla y 500 €.

PREMIO AISGE a la mejor Interpretación Masculina. Estatuilla y 500 €.

PREMIO a la mejor Dirección. Estatuilla.

PREMIO a la mejor Música Original. Estatuilla.

PREMIO al mejor Guion. Estatuilla.

PREMIO A.E.C. a la mejor Fotografía. Estatuilla.

PREMIO REYES ABADES al Mejor Corto Extremeño. Estatuilla.

La presente edición está patrocinada por Junta de Extremadura, Diputación de Badajoz, Consorcio del Teatro López de Ayala, Gabinete de Iniciativas Transfronterizas, Delta Cafés, Fundación Europea e Iberoamericana de Yuste, Fundación CB, Ayuntamiento de Badajoz, Fundación AISGE y Filmoteca de Extremadura. Además cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Olivenza y el Ayuntamiento de San Vicente de Alcántara.

4 de febrero de 2019
«10 libros ilustrados…¿Para niños? ¿Para jóvenes? ¿Para adultos?»

¿Libro para niños? ¿Libro para jóvenes? ¿Libro para adultos? Hemos visto cómo estos planos se enlazan de continuo. ¿O más bien un libro en el que el autor, a través del filtro de unas estructuras narrativas sencillísimas, expresa su propia relación, perpleja e interrogante, con el mundo? Tal vez esto también.» Italo Calvino

Vuelen, viajen, naden, salten, salten de una viñeta a otra, acaricien una ilustración, lean entre dientes, canten, busquen entre los trazos, jueguen a localizar al objeto perdido, abran y cierren el libro, huelan sus páginas, envuelvan y regalen novelas gráficas, vuelvan a oler sus hojas, pinten sus lomos, pónganle sus nombres en la página en blanco, vuelen, naden, viajen , salten de un libro a otro…da igual si usted es un bebé, un niño, una madre, un tío, una abuela…emociónense con un libro ilustrado, en ese espacio no hay edad…aquí abajo os dejamos diez ejemplos…disfruten y compartan!!!

«Viajes dibujados»   Cultura viajera y crónica periodística para ir más lejos 192 páginas.   26 x 19 cm. 25 €   Altaïr Magazine

«La historia del discurso del viaje nace de esa supresión. La literatura de viaje, por un lado, el dibujo del viaje, por otro. Cuando, en realidad, lo natural, desde el principio, fue su conversación. Jorge Carrión»

Este número especial de Altaïr Magazine contiene viajes reales dibujados, crónicas ilustradas de no ficción. Periodismo en viñetas con el que exploramos los novedosos caminos que propone el cómic para transmitir, de manera honesta y flexible, experiencias vividas.

De Nicaragua a Patagonia; de Nueva York a Irak; de México a Florencia; de Australia a Rusia… Un viaje de viajes que recorre el mundo con dibujos que refuerzan nuestra capacidad para reconocernos en la cara de los demás; que nos invitan a mirar el viaje como una herramienta cultural clave para sentir y contar el mundo de otro(s) modo(s).

Un número que cuenta con portada de Miguel Gallardo (Turista accidental) y el asesoramiento editorial de Jorge Carrión (Los vagabundos de la chatarra, Gótico) e incluye, además de un ensayo introductorio suyo, historias inéditas de Zeina Abirached (El piano oriental), Peter Kuper (Diario de Oaxaca), Sarah Glidden (Oscuridades programadas), Olivier Kugler, Barrack Rima y Christophe Dabitch, Marcos Prior (Gran Hotel Abismo) y Eloy Fernández Porta (En la confidencia), Amanda Mijangos, Susanna Martín (Sansamba), Pere Joan (100 pictogramas para un siglo XX) y Agustín Fernández Mallo (Trilogía de la guerra), Ramón Esono (La pesadilla de Obi) y Pere Ortín, Tyto Alba y Gabi Martínez (Sólo para gigantes), Aude Picault (Charanga), Carla Berrocal (Epigrafías) adaptando una historia de Martha Gellhorn (Cinco viajes al infierno) y Mario Trigo y Xavier Aldekoa (Hijos del Nilo).

Los críticos…amigos…enemigos…decimos

«Urban sketcher en diciembre, un campo de refugiados en el Kurdistán iraquí del 2013, un microbús roza la línea invisible en Beirut, el malnacido de Teodoro Obiang en viñetas, dimbo-dimbo y dictadura de bolsillo en Malabo, Sandino vive y madres de abril en acuarela, el neoyorkino Peter Kuper con sus cuadernos por Oaxaca y los españoles Pere Joan y Agustín Fernández Mallo de paseo por Central Park y muchas imágenes para situar el viaje en un artículo al que ponerle palabras sudadas, estrujadas entre balas y esculpidas con tinta de sangre, una especie de Heródoto con dialecto de Carrión» Cultura Badajoz



«Marcovaldo» Italo Calvino.    Ilustraciones de Alessandro Sanna 192 páginas 14×21,5 cm.   19,90 €   Libros del Zorro Rojo

«Es la última encarnación de una serie de cándidos héroes pobres diablos a

lo Chaplin, con una particularidad: la de ser un Hombre de la Naturaleza, un

Buen Salvaje exiliado en la ciudad industrial.» Italo Calvino

Publicada originalmente en 1963, en Marcovaldo, personaje y escenario zurcen la trama de un libro circular que se desarrolla en torno al devenir de las estaciones. Marcovaldo, obrero raso, vive con sus muchos hijos en las afueras de una ciudad gris, que es uno de los colores con los que Sanna ambienta la obra. El otro color, ese naranja tan vívido, brota de la mirada de su protagonista y de la escritura de Calvino, ambas son una y responden a la poesía que radica en los detalles y que resignifican el entorno desfavorable hasta convertirlo en una fiesta de los sentidos y de la vida misma. Las marcas de la naturaleza son decisivas para quien, como Marcovaldo, confía en un progreso muy diferente al tecnológico: un progreso «subjetivo» en el que confluyen mirar y ver.

El autor Italo Calvino Santiago de las Vegas (Cuba), 1923-1985.

El Calvino que hizo famoso a Calvino, que comienza en El vizconde demediado (1952) y termina en los ensayos recopilados bajo el título de Lecciones americanas (1985), tiene precedente en el joven escritor que en la década de los cuarenta se adscribía al neorrealismo. En 1957, afirmó que ya no podía escribir novelas de tipo tradicional porque «nosotros miramos el mundo mientras vamos cayendo por el hueco de una escalera». Las obras que lo hicieron célebre en todo el mundo son El barón rampante, El caballero inexistente, Las cosmicómicas, Las ciudades invisibles y Marcovaldo. Su literatura es considerada un tesoro cultural en Italia.

El ilustrador Alssandro Sanna  Verona, Italia. 1975.

Estudió pintura en Bolonia y diseño gráfico en Verona. Es profesor en la Academia de Bellas Artes y en el Instituto Andrea Palladio de esa ciudad véneta. También imparte seminarios y talleres sobre diseño y educación visual para niños y adultos. Desde 1996 se ha dedicado a la ilustración de libros de autores contemporáneos como Gianni Rodari, Beppe Fenoglio o David Grossman, y de clásicos como los Hermanos Grimm, Miguel de Cervantes o Herman Melville, entre otros. Ha sido galardonado en dos ocasiones con el Premio italiano Hans Christian Andersen. Ha trabajado como ilustrador para revistas como Vanity Fair, The New Yorker o New York Times Book Review. Sus libros han sido publicados en países, como Estados Unidos, Francia, Alemania, España, Estonia, Corea.

Los críticos…amigos…enemigos…decimos

«Existe un libro sobre Fellini, Dall´Italia alla luna, editado por la Cineteca de Bolonia, que recoge al director italiano en una especie de súplica en blanco y negro con los títulos sobre una tira naranja. El mismo naranja, la misma intensidad, el mismo pantone, mismo fondo de la camisa, mochila y pájaro del obrero y padre de familia Marcovaldo. Una edición maravillosa, otra más, de los profesionales de Zorro Rojo. Lectura obligada » Cultura Badajoz

«Calvino logra traducir en palabras sencillas una gran variedad de situaciones humanas; recrea un contexto de decadencia urbana no exento de momentos de felicidad; y describe el intento de los protagonistas de cambiar su destino, de tal manera que nos hace reír.» Literaturkritik

«Calvino fue un escritor genial a la par que brillante. Llevó la ficción hasta horizontes en los que nunca había estado y, a su vez, regresa a los antiguos y extraordinarios orígenes de la narrativa.» John Updike

«Un gran perro» Miguel Tanco y Davide Cali 32 páginas. 18,5 x 25cm. 16€   Libre Albedrío Editorial

«…¿Y yo qué?…».

En nuestra casa hay un pasillo largo lleno de retratos de familia. Me encanta mirarlos. Y a mi padre contarme historias sobre cada uno. Pero… ¿qué seré yo de mayor? Un gran perro es un libro con solapas desplegables lleno de divertidas sorpresas y confusiones. Un padre cuenta a su hijo las más grandes hazañas de los miembros de su familia en sus respectivas profesiones mientras pasean entre los retratos de familia. Pero… ¿qué será de mayor el protagonista de esta historia? ¿Será policía como su tío Angus? ¿Será astronauta como su tía Yuki? Lo que sí es seguro.

‘Un gran perro’ es un libro con solapas desplegables lleno de divertidas sorpresas y confusiones. Un padre cuenta a su hijo las más grandes hazañas de los miembros de su familia en sus respectivas profesiones mientras pasean entre los retratos de familia. Pero… ¿qué será de mayor el protagonista de esta historia? ¿Será policía como su tío Angus? ¿Será astronauta como su tía Yuki? Lo que sí es seguro es que será «Un gran perro».

Los autores    Miguel Tanco y Davide Cali  España…Extremadura e Italia…Suiza.

Tanco nació en 1972 en Badajoz, España. Se acercó a la lectura de su infancia y se convirtió en devorador de imágenes, historias y libros de Salgari y Mafalda. En 1999 dejó Sevilla para asistir a la Escuela de Artes Visuales en Nueva York (EE. UU.), La escuela de verano de Zavrel Stepan en Sarmede (Italia) y clases con Octavia Monaco en Bolonia (Italia). Entre sus premios: Mención de la Feria del Libro de Bolonia, 2010-2012, Children’s Show No 9 de 3×3 Magazine of Contemporary Illustration 2014 y 2016, The Society of Illustrators of Los Angeles West 51 Mention, The AOI mención de Illustration, etc.

Davide Cali nació en 1972. Es un escritor italiano nacido en Suiza de libros ilustrados y novelas gráficas, principalmente para niños y adultos jóvenes. Él vive en Italia. Su trabajo ha sido publicado en 25 países y traducido a muchos idiomas. También escribe bajo los seudónimos Taro Miyazawa y Daikon.

La edición de ‘Un gran perro’ nos ofrece la posibilidad de realizar una doble lectura, gracias a que algunas de sus páginas son desplegables, una idea, como nos cuenta Davide Cali, que tuvo Miguel Tanco y que le dio un giro a este proyecto. “La contribución de Miguel a este proyecto ha sido muy especial. Al principio, el libro era mucho más simple: solo una galería de retratos y un final sorprendente. Fue Miguel quien tuvo la idea de agregar una página de solapa para cada uno de los retratos, para mostrar una parte oculta de la historia. Disfruté de su idea. Miguel definitivamente cambió el estado de ánimo del libro, y creamos un álbum ilustrado doble, que puede leerse en versión básica o extendida”. A Miguel Tanco le encantó la historia sin saber cómo serían las imágenes o el planteamiento del libro. “Davide había dejado mucho espacio para el ilustrador y el lector y en este caso también para la estructura del libro -nos cuenta Miguel-. En principio eran solamente retratos de familiares. Estudiando el storyboard me gustó la idea de contar dos historias, la del retrato y la que ocurrió realmente. Sabemos o intuimos que no siempre las historias son como las vemos en las fotos».

Los críticos…amigos…enemigos…decimos

«No podemos decir nada. Sólo sentir envidia por trabajos tan potentes y estilosos como el de Un gran perro dentro de un catálogo formidable de una editorial a tener muy en cuenta, Libre Albedrío. Todos los niños querrán ser ilustradores, guionistas y editores tras saborear este álbum.» Cultura Badajoz

«Un gran perro, ¿un álbum ilustrado para niños o medicina para adultos? Ambas. Acaso por ello, en la contraportada, seguro de que sus páginas alegrarán a muchos el día, debería advertir con letra clara, grande y chillona: “Léase en voz alta y acompañado por un par de esos genios bajitos”. Ibon Ceberio. Literatil.com

«The Black Holes» Borja González 128 páginas 16,90 €   Reservoir Books

«El gato que tienes escondido en el jardín».

Gloria, Laura y Cristina son tres chicas que quieren montar una banda de aires punk llamada «The Black Holes». Tienen todo lo que se precisa: actitud, presencia, instinto… y una debilísima formación musical. Apenas tendrán tiempo de empezar a ensayar cuando una presencia extraña irrumpa en su presente: la reminiscencia de algo que ocurrió 160 años atrás y que persigue a una de ellas. Lo que quizá no sepan es que el tiempo es una autopista de doble sentido.

Tras haber publicado uno de los cómics revelación de 2016 en España, La Reina Orquídea, Borja González emprende su primera obra de largo aliento. The Black Holes es una incursión doble en el Romanticismo literario y la rebeldía juvenil, una fábula bella y macabra que disecciona los anhelos de la juventud de ayer y hoy.

El autor Borja González  Badajoz, Extremadura, Spain. 1982

Borja González Hoyos es ilustrador e historietista de formación autodidacta. Ha publicado en fanzines y revistas. De entre sus libros anteriores, destaca el breve cómic La Reina Orquídea (2016). The Black Holes (2018) es su primera novela gráfica de largo aliento.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«En la tierra crecen cardos, para muchos una planta seca, fea, abandonada y amarga. Pero para muchos los cardos son otra cosa, una especie de delicatesen. Los pistilos del cardo silvestre proporcionan unas características organolépticas especiales dignas para elaborar uno de los mejores quesos. De entre ese estado asilvestrados, entre los ramajes del parque Castelar que diseñó Antonio Juez, asoman humildes maravillas gráficas con esencia del cuajo de un cardo made in Extremadura. La última obra de Borja González, rinde pleitesía a los aromas más especiales del cómic nacional, un producto gourmet al que exportar sin remilgos, chulear de paisano y pasar las hojas una y otra vez hasta desgastar las yemas de los dedos. Disfruten, si quieren. Nosotros ya lo hemos hecho». Cultura Badajoz

«¡Un tebeo de 10!» David Rubín

«Borja González es uno de los dibujantes más sorprendentes de la vertiente artie del cómic español.» Gerardo Vilches, Cactus/Canino

«Sin duda está entre lo más relevante […] Y lo que será lo mejor del año.» La hora del bocadillo, RTVE

«El cómic español del año no se lee, se siente.» Paula Cantó, El Confidencial



«Buenas noches, Planeta» Liniers Traducción y prólogo: José Ángel Cilleruelo 36 páginas. 21×27 cm.   18 €   Impedimenta

«¿Queréis ver la galletita más grande del mundo?».

La obra Un tierno y bellísimo cómic sobre un peluche aventurero que encandilará a los más pequeños, de la mano de uno de los dibujantes de cómic más reconocidos a nivel mundial.

¿Nunca te has preguntado qué sucede en tu habitación cuando se hace de noche? Pues no te despistes, porque, cuando te vas a dormir, ¡tus juguetes salen a pasárselo bien! Después de un largo día saltando sobre montones de hojas y leyendo sus libros preferidos, esta niña termina realmente agotada, pero para su animal de peluche preferido, Planeta, ¡el día acaba de comenzar! Planeta salta de la cama y se lanza a explorar la casa, donde conocerá al perro de su dueña, probará el sabor de las galletas y seguirá a un ratón en un viaje hacia lo desconocido.

El autor  Liniers  Buenos Aires, Argentina. 1973

Liniers es el segundo nombre de Ricardo Siri, el artista argentino comenzó su carrera de dibujante en fanzines y en 2001 publicó su primera tira de los famosos Macanudos en el diario La Nación, donde continúa colaborando. Liniers es autor de una veintena de libros, entre los que destacan joyas del cómic como Macanudo, Conejo de viaje (ambas en Reservoir Books) o Cosas que te pasan si estás vivo (en Anagrama). También es autor de libros infantiles, Lo que hay antes de que haya algo, Escrito y dibujado por Enriqueta, Mamarracho y Los sábados son como un gran globo rojo. En 2013, su libro The Big Wet Balloon fue seleccionado por The Parents Magazine como el mejor libro del año y Macanudo 4 fue seleccionado por el Festival de Angouleme. En Marzo de 2014 Liniers ilustró una portada de la prestigiosa revista The New Yorker, donde ya ha colaborado en varias ocasiones.

Con Buenas noches, Planeta se alzó con el prestigioso Premio Eisner 2018 en la categoría de Mejor Publicación para Lectores Novatos (hasta ocho años). Además, su muestra de originales y pinturas ha recorrido varios países y espacios culturales. Liniers ha ilustrado la portada de los discos de Kevin Johansen, y de Andrés Calamaro. También ha realizado giras mundiales en la que pinta en vivo mientras su amigo Kevin Johansen canta. Ahora vive en Vermont, donde disfruta de una residencia en el Center for Cartoon Studies, con su mujer y sus tres hijas. Los cinco están como locos por Nueva Inglaterra, y hasta han adoptado a un cachorro, Elliot, que aparece en Buenas noches, Planeta.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Las líneas de Liniers trazan un recorrido desde una altura de poco más de un metro. La visión de un niño, el sueño de una niña, en un entramado dulce, elegante y digno de ser releído mil veces, ojeado otras tantas». Cultura Badajoz

«Una obra preciosa y original, tanto para ser escuchada como para ser leída, y un excelente cuento para irse a dormir» School Library Journal

«Nejishiki» Yoshiharu Tsuge 220 páginas. 15 x 21 cm. 20 € Gallo Nero Ediciones

«Si hay actualmente un escritor que escapa a todas las clasificaciones, ése es César Aira.» — Roberto Bolaño

Nejishiki se publicó por primera vez en un número monográfico de la revista GARO de junio de 1968 dedicado a Yoshiharu Tsuge. Una de las novedades formales, al margen de su temática onírica y surrealista, fue la inclusión del color en un contexto donde todas las obras se publicaban en blanco y negro. El autor a afirmó que Nejishiki era un ejercicio puramente artístico, alejado del concepto tradicional del manga. No obstante, más tarde se desdijo a sí mismo al asegurar que solo había plasmado sobre el papel un sueño que tuvo una tarde de verano tumbado sobre el tejado de una caseta donde se vendía ramen. La razón de plasmar su sueño sobre el papel fue bastante prosaica: se acercaba la fecha comprometida para entregar una historia y no tenía nada preparado. A falta de otra cosa, decidió, por tanto, enviar Nejishiki, que se convirtió de inmediato en una obra de culto. A pesar del manifesto desinterés del autor por el mundo de los sueños, Tsuge abrió un camino que otros transitarían después. El autor siempre insistió en que escribió Nejishiki sin un propósito especial, si bien las historias que componen este volumen constituyen un antes y un después en la historia del manga.

El autor   Yoshiharu Tsuge  Tokio, Japón, 1937

Personaje misterioso y escurridizo, es el artífice de una de las obras más singulares e innovadoras dentro de la industria del manga. Sus publicaciones podrían enmarcarse dentro de tres bloques distintos: viajes, sueños y literatura del yo. Todas sus historias son crudas y están salpicadas de tintes oníricos y surrealistas. En 1987 publica Despedida, su última obra. No volvió a dibujar, decidió quedarse al margen de la sociedad o, más bien, eligió hacerlo de una vez por todas. Emprendió varios negocios fallidos (vender cámaras, por ejemplo), pero el aburrimiento siempre terminó por vencerle. Si dejó de dibujar no fue por una razón concreta, simplemente dejó de hacerlo. Gallo Nero ha publicado del mismo autor: El hombre sin talento (2015) y La mujer de al lado (2017)

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Cojan 20 euros de su cartera e inviertan en una maravilla nipona. Será una de las mejores inversiones de su vida…cultural» Cultura Badajoz». Cultura Badajoz

«Fuga de la muerte» Fidel Martínez 124 páginas. 12,5x 19cm 20 € Edicions de Ponent

«Contra los que detentan el poder y empuñan los fusiles nosotros reivindicamos el poema. Esa es nuestra mejor arma»

Perseguido y atormentado por los horrores vividos en el pasado, un hombre se ve forzado a decidir entre continuar viviendo bajo el peso de la culpa y el remordimiento o abrazar el olvido, poniendo fin a su existencia. Este hombre es Paul Celan, poeta judío de origen rumano que, al término de la II Guerra Mundial, compuso su poema más célebre y conocido, «Fuga de la Muerte» (Todesfuge), testimonio que da cuenta de la crueldad del régimen nazi y de los horrores a los que sometieron a miles de judíos en campos de la muerte como Auschwitz, Treblinka o Sobibor. Este libro recrea, jugando con la realidad y la ficción, los hechos que motivaron su escritura y que decidieron a Celan a utilizar la poesía como instrumento de denuncia de un hecho histórico cuyas consecuencias perduran hasta nuestros días. Comenzando por su juventud más temprana, en la que aún conservaba su apellido original, Antschel, y residía en la ciudad de Czernowitz, antigua capital de la región de la Bucovina bajo gobierno del imperio de los Habsburgo, y lugar de gran efervescencia lingüística y cultural. Es ahí donde se origina su temprano interés por la poesía y la literatura en lengua alemana, fruto de la especial relación que mantiene con su madre y en contraste con el permanente conflicto que le enfrenta a su padre. Un interés inicial que más tarde se convertirá en vocación y que desarrollará junto a una inclinación activa hacia las políticas de izquierdas, en perjuicio de los postulados religiosos que su padre pretende heredarle. Es en esta etapa de su vida cuando el joven poeta en ciernes inicia un romance con una joven de origen alemán, Margarete, ficción literaria que hace alusión al famoso poema, y que encarna su particular relación con la lengua alemana, expresión de su condición artística e intelectual, y lengua compartida con los que más tarde se convertirán en los verdugos de su pueblo. Un compromiso amoroso que resulta fallido, coincidente con un auge nacionalista y un incremento de la tensión política y racial en el país, que lo fuerza a pasar una breve temporada en Tours, Francia, donde cursa una carrera de medicina que nunca terminará. Entre otros motivos porque entra en contacto con las nuevas vanguardias artísticas, que lo motivarán finalmente a dedicarse al ejercicio de la poesía y la traducción literaria.

El autor   Fidel Martínez  Sevilla, 1979

Fidel comienza su carrera en fanzines como El Planeta Nimbus o Como vacas mirando el tren. En 2003 publica en Italia L’uomo che sta vuoto (Lo Sciacallo Elettronico). Ese mismo año gana el primer premio en el Certamen de Cómic e Ilustración de INJUVE. A partir de ahí establece una prolífica y estrecha colaboración con el guionista Jorge García. Fruto de ella son los álbumes Cuerda de presas (Astiberri, 2005) y Hacerse nadie (Ariadna, 2007), y la serie Enviado especial, que ve la luz en las páginas de la revista Humo (Astiberri, 2007-2008). En solitario, ha firmado su último libro, Fuga de la muerte (Edicions de Ponent, 2016), centrado en la figura del célebre poeta rumano de origen judío Paul Celan y su emblemático poema “Todesfuge”. También ha participado en libros colectivos como Black Pulp Box (Aristas Martínez), Apocalipsis según San Juan (EDT) y Tales from the End of the World (Norma). Desde sus comienzos ha compaginado ilustración e historieta, y ha difundido su obra en diversas publicaciones, soportes y medios.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Era hora de recordar que hace un par de años este gran ilustrador nos noqueó con un gran comic, una especie de novela gráfica magistralmente pergeñada por Fidel Martínez. Imprescindible.» Cultura Badajoz

«La tribu que apesta» Elise Gravel y Magali Le Huche   32 páginas   24 X 32 cm. 17€ Litera Libros

«Les bastaba con su balón de fútbol relleno de hojas secas…»

¿Conoces a la Tribu-que-apesta? Es una pandilla de niñas y niños que viven en cabañas en los árboles con sus amigos los animales. Está Laurent, el chico de pelo rojo con sus dos zorros. Lucie, con sus trenzas y su culebra. Y, sobre todo, está Fanette Ducoup, su jefa, la que salvó a toda la tribu de las garras de Yvonne Carré. Un texto inteligente de Elise Gravel magníficamente ilustrado por Magali Le Huche. Un libro que respira diversión, ecología y libertad por los cuatro costados.

Las autoras   Elise Gravel y Magali Le Huche  Montreal, Canadá 1977. París, Francia, 1979

Un original texto de Elise Gravel cargado de altas dosis de humor, alegre y dinámico, como los personajes que lo protagonizan, que viene acompañado de las fabulosas ilustraciones de Magalí Le Huche, repletas de detalles y alguna que otra sorpresa que no queremos desvelar, y que son el complemento perfecto para que grandes y pequeños se lo pasen en grande al leer y observar el libro.

Los críticos…amigos…enemigos…dicen

«Hay formas de expresar elementos educacionales, se puede ser directo, incisivo y hasta a veces agresivo. En este caso las dos autoras francófonas del La Tribu que apesta, desarrollan un alegato medioambiental en clave de humor. Sutil, genuino y elegantemente editado por Litera. Obligatorio en los anaqueles de los más pequeños…y mayores» Cultura Badajoz

«Verax» Pratap Chatterjee y Khalil   240 páginas. 22 € Editorial Salamandra

Hola Pratap, sí soy Khalil, sigo con los cómics, después de tantos años. ¿Qué tal tú?

Mientras informaba sobre las numerosas víctimas civiles de los ataques con drones en Pakistán y Yemen, el periodista Pratap Chatterjee empezó a sospechar de la posible relación entre estas muertes indeseadas y la imprecisión del sistema de vigilancia electrónica utilizado por Estados Unidos para localizar los objetivos. Así pues, junto con el dibujante Khalil, se propuso investigar esa conexión e indagar en los entresijos tanto de las corporaciones que venden los programas informáticos de espionaje como de las agencias militares y de inteligencia que los compran. El resultado de su exhaustiva investigación es esta historia vibrante y reveladora que desentraña un tema muy complejo y lo pone al alcance de todos. En definitiva, se trata de un gran reportaje gráfico que nos invita a reflexionar sobre la amenaza que estos potentes sistemas podrían suponer si cayeran en manos de algún grupo independiente y corrupto o de un líder irracional y compulsivo.

El autor… y el ilustrador    Pratap Chatterjee…y Khalil Bendib

Chatterjee es autor de Halliburton’s Army e Iraq, Inc. Director ejecutivo de Corpwatch, ha escrito para publicaciones entre las que se cuentan The New Republic, Financial Times y The Guardian. Ha sido galardonado con premios del Overseas Club of America y del Consorcio Internacional de Periodistas de Investigación. (Khalil Bendib) es coautor de El paraíso de Zahra, obra que figuró en la lista de más vendidos de The New York Times y que ha sido publicada en dieciséis lenguas y nominada a dos premios Eisner. También ha recibido el premio James Aronson de Periodismo. Sus viñetas políticas se publican en mil setecientos medios de todo Estados Unidos.

Los críticos…amigos…enemigos…decimos

«Intrigante, atrevido, actual y periodístico. Gran volumen que la editorial Salamandra edita con enorme calidad para ser consumido de una sentada.» Cultura Badajoz

«Un libro accesible que alerta sobre cómo la tecnología moderna puede ser utilizada por un gobierno contra su ciudadanía.» Kirkus Reviews

«Patatas ñam ñam» Yara Kono 38 páginas 16 €   23×26,5 cm. Coco Books

«¿Páginas en blanco?…¡Eso no puede ser!»

Patatas ñam-ñam es un libro que se transforma en encimera de cocina. Con mucho humor, animará a los lectores a jugar con el libro; a lavar y cortar los ingredientes para preparar la ensalada, a remover el libro para mezclar la salsa, a amasar pan, a preparar un pastel de manzana y a realizar muchas más actividades. Entre ollas y sartenes aparecerán algunas tareas inesperadas, como condimentar las misteriosas patatas ñam-ñam… ¿Es un libro interactivo en papel? ¡Claro que sí! El “libro objeto” se convierte en un lugar real donde los lectores participan jugando, saltando, produciendo sonidos y movimientos.

Yara Kono tiene invitados a comer y no le faltan ideas para preparar unos platos exquisitos. Pero necesita que los lectores le echen una mano (o dos) para terminar los platos a tiempo. ¿Quién quiere ayudarla a cocinar sus recetas? El libro Patatas ñam-ñam de Yara Kono ha sido seleccionado para la Exposición de Ilustradores en la Feria del Libro Infantil de Bolonia, recomendado en el Plan Nacional de Lectura de Portugal y seleccionado para el Premio Nacional de ilustración.

La autora  Yara Kono  Sao Paulo, Brasil. 1972

Se inició en el arte de la creación dibujando en la pared de la sala de estar. Su madre, que en un principio no estaba demasiado contenta, finalmente cedió a los “talentos artísticos” de su hija. Con el paso de los años pasó de la pared al papel, y del papel al ordenador. Estudió Diseño y Comunicación en la Escuela de Arte Panamericana y también se formó en el Yamanashi Design Center de Japón. Le gustan mucho los niños, dibujar elefantes y cocinar para sus amigos todo tipo de platos. Algunos de sus ingredientes favoritos son las setas, los espárragos, los tomates, el arroz, la pasta, los huevos… Tiene otras aficiones relacionadas con la naturaleza y los animales, y también disfruta caminando, nadando, leyendo, practicando yoga o visitando jardines botánicos. Además de ser autora e ilustradora, desde el año 2004 forma parte del equipo de la editorial portuguesa Planeta Tangerina. Tiene más de 20 títulos publicados y ha recibido diversos premios, entre ellos, el Premio Nacional de Ilustración de Portugal, la mención de honor en el Premio Internacional Compostela para Álbumes Ilustrados y mención en la categoría opera prima en los premios Bologna Ragazzi.

Los críticos…amigos…enemigos…decimos

«Coco Books no falla. Edita pequeñas…y grandes joyas para que los más pequeños desarrollen la imaginación, la creatividad, esos elementos tan castigados en este país. Pero no sólo se trata de publicar. Los padres, tutores o educadores deben de tener un espacio fijo para las obras como Ñam ñam Patatas, de sus páginas sólo se puede extraer cultura en dosis ingentes.» Cultura Badajoz

30 de enero de 2019
Arkano «Páginas más complejas, hermosas, aterradoras y delirantes»

Paseo de San Francisco. Badajoz. 17 horas. 35º. Marcos, Ángel y Javier, tres chavales de doce y trece años esperan con un libro en la mano en la carpa de las firmas. Asalto al vacío ¿Cómo he llegado hasta aquí?. La anterior publicación de Arkano. En la Feria del Libro presenta su última publicación. Nada que ver con la que Ángel, el que más nervioso está de los tres, agarra sudoroso para que el rapero y escritor estampe su autógrafo. Castillos en el espacio vuela para otro público, y como el mismo batallero de gallos comenta, ni tan siquiera podemos llamar novela, ni poemario, ni ensayo. Es la hora, y Arkano se viste de Guillermo Rodríguez Godínez, atrás quedaron las rimas improvisadas con la que moldear su verborrea fresca, directa y ácida. Nos recuerda que La vida es bella de Begnini es un maravilla y que La insoportable levedad del ser de Kundera le marcó al leerla desde la primera página. Guillermo abandona Arkano por un rato para meterse en el mar de dudas que plantea crecer y sentir el torrente de la responsabilidad con la sociedad que mamamos día a día. Ángel llama a la novia tras la rúbrica del libro, emocionado se lo pasa al autor, atrás una cola infinita de acólitos espera entre envidia, risas y buen rollo. Qué lean, aunque sean mis humildes palabras, ya supone para mí un pequeño hito de esperanza, masca Arkano con una sonrisa cómplice, aunque antes deben leer a los grandes, apostilla antes de darnos un apretón de manos. Aún las tenemos rojas.

Arkano trae en Castillos en el espacio textos libres donde se despoja de máscaras y ataduras, y pasea por las luces y las sombras de su vida, haciéndolas visibles a los ojos del lector. Un libro lleno de textos honestos y valientes, cargado de juegos de palabras y dobles sentidos, versos intimistas.

Durante la lectura de Castillos en el espacio se experimenta la alegría de momentos mágicos, la timidez que nace al contemplar el amor, el miedo que paraliza ante la posibilidad de fracasar, la vergüenza y el trauma de los golpes de la infancia.

Arkano, para escribir, para improvisar, para llegar a conversar como lo haces ¿Debes leer mucho?

No soy un gran lector, pero no me gusta hacer apología de la no lectura, al contrario…yo publico libros…[Ríe]…pero tampoco la lectura tampoco tiene que tener la exclusividad de fuente de enriquecimiento del ser humano. Hay muchísimas vías…como el cine, las series, una conferencia, una canción o una conversación. De todo podemos aprender.

…Pero eres escritor y tu público vienen con libros que firmar…

Yo siempre digo que no soy escritor, yo suelto mis movidas y si eso les puede ayudar a ellos a acercarse a consumir cultura a través de este formato que al final puede ser una vía de acceso a autores más clásicos pues misión cumplida.

No sé si me equivoco pero de tus dos publicaciones, Castillos en el aire tiene un salto generacional importante…

…los dos reflejan parte de mi vida, en Asalto al vacío también hay mucho de Guillermo, pero sí es verdad que es un formato mucho más sencillo de consumir, en Castillos en el espacio no es tan simple. La información está aquí y la recibes, pero creo que es algo más profundo, con mayor complejidad y quizá no tan dirigidos al anterior público, pero si emociona me da igual la edad.

La lectura tampoco tiene que tener la exclusividad de fuente de enriquecimiento del ser humano. Hay muchísimas vías…como el cine, las series, una conferencia, una canción o una conversación

Háblanos del hip hop, rap, trap…de esa evolución musical de este género que tan bien se te daba en la batalla de gallos…

…yo me retiré de la batalla de gallos hace un par de meses, ya no participo pero sí que voy de juez a las competiciones y desde el plano creativo y organizativo ayudo en lo que me piden. El rap creo que está en un buen momento porque se ha generado mucho público y mucha gente haciendo buen rap. El género ha crecido y el trap y el reggaeton han asumido parte del mainstream, parece que el rap se ha quedado pequeño pero nada que ver, está en muchos más formatos y estilos.

Consumir cultura a través de este formato que al final puede ser una vía de acceso a autores más clásicos pues misión cumplida

Yung Beef, Rosalía, C. Tangana…

…a veces, los raperos más clásicos pecamos de hablar desde una atalaya moral, algo engreída pero cada uno refleja su realidad. El arte no tiene que tener ningún tipo de barreras, y eso es lo bonito, que cada uno pueda expresar lo que quiera del modo que quiera y que el público libremente pueda elegir qué es lo que consume. Tenemos que generar individuos cada vez más críticos para que la cultura que consuman pueda ser de calidad.

Willy López |Fotografía. Félix Méndez

14 de enero de 2019
Juan Ramón Lucas «La literatura te libera del peso de la verdad»

Comenta el periodista y ahora también escritor, desde su ópera prima La maldición de la casa grande, que la feria del libro de Badajoz es un lugar para pasear y para ver tranquilos y delicadamente los libros. Sin duda todo una proeza en estos tiempos que corren, pero así estuvo Juan Ramón Lucas, tranquilo y delicado con todos los que le acudieron a las firma de su libro y a la conferencia.

Su primera novela surge durante una cena previa al Festival del Cante de las Minas, cuando el alcalde le propone una historia y un personaje…de ahí surgen cien páginas, una agente literaria para pasar la prueba del algodón y la escritura final de una especie de western minero español. Épica y y goce, los ingredientes para rematar la novela del periodista.

Juan Ramón confiesa haber intentado sentirse y vivir como una mujer, la única manera de saber cómo se sienten y qué experimentan las mujeres, elemento esencial para desarrollar el hilo femenino narrador de la novela. Un relato de mujeres, muy reivindicativo, aunque no feminista pero sí de mujeres y hecho por mujeres. Un rato tranquilo y delicado el que nos dedica para escarbar con una pequeña pica los entresijos del imaginario del autor de La maldición de la casa grande.

¿Estamos ante una historia muy parecida al oeste americano?

Se parecen mucho. La épica es muy similar, aquella es una zona que a principios de Siglo XIX hay poco más que pastores. Los romanos, cartagineses y los ingleses habían explotado la zona, pero fueron los ingleses en el XVIII quienes comenzaron a explotar unas minas muy antiguas y a principios de siglo había dos mil personas y a finales ya se contabilizaban cerca de cuarenta mil. Podíamos definirla como una California, toda una explosión demográfica mezclada con la miseria, moral y económica. Riqueza para alguna gente, que eran los empresarios mineros, pero verdadera miseria para casi todo el mundo. Es un western como bien dices, en el sentido que narra una historia épica de búsqueda del dorado y hay violencia y demasiada ambición.

La historia surge en una cena con María Dueñas a la que prácticamente te cedió los personajes que narran tu novela…

…asumí la historia en cuanto ella me lo dijo..[Ríe]…y es que yo he escrito muchas veces pero nunca me he atrevido porque me parecía una verdadera bazofia, y de hecho esta novela estuvo guardada mucho tiempo. Trabajé mucho en ella, creía en ella, pero llegó un punto en el que me desanimé, yo no puedo, no soy escritor, soy periodista y me tengo que conformar pero sucedió algo. Yo tenía un contrato firmado con Espasa y tenía que cumplirlo y en un momento determinado, y tras escribir las primeras cien página y encontrar una voz, la parte más difícil, le dejé que leyera este primer boceto a alguien que no tiene que ver conmigo en ese momento, la agente literaria Palmira Márquez, la que me animó a terminar la novela.

Radio, tele, eventos periodísticos de todo tipo, familia…¿Cuándo sacas tiempo para escribir?

La novela la escribí entre las 3 y las 6 de la mañana, durante unos siete meses. Todos los días se los dediqué a escribir la novela. El ultimo mes escribía después de trabajar toda la noche sin parar, durmiendo muy poco y la terminé, con mucho esfuerzo pero con mucho gozo.

Narra una historia épica de búsqueda del dorado y hay violencia y demasiada ambición

¿Con La maldición de la Casa Grande te has quitado el mono del encorsetamiento periodístico?

La literatura te libera del peso de la verdad, puedes escribir lo que te de la gana, crear lo que quieras, inventarte lo que te venga a la cabeza, incluso con personajes reales podemos hacerlos bailar, jugar como tú quieres. Es una manera atroz de salirse de cualquier rutina laboral.

Ante tanto exceso de información lo que hace falta es el periodismo más comprometido posible

Para terminar Juan Ramón ¿Cómo está la salud del periodismo en España?

El periodismo siempre está en crisis, y ahora estamos en un momento más complicado que otras veces por otras razones. Como casi todo el mundo tiene acceso a la información y luego tiene posibilidad de contarlo como le de la gana aunque sea mentira. Nuestro esfuerzo ahora se debe centrar en contar las cosas que vemos, contrastarlas, comprobarlas y ser los testigos más veraces posibles. Ese debe ser nuestro compromiso con el público, con los oyentes, los lectores, los consumidores del periodismo. Decía Miguel Ángel Aguilar que en las inundaciones lo que más falta hace es el agua, el agua potable, pues ante tanto exceso de información lo que hace falta es el periodismo más comprometido posible.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de enero de 2019