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Pardo, Benavent y Tino di Geraldo «La leyenda del jazz en el tiempo»

Cuando parió “La leyenda del tiempo”, nadie reconocía al niño, nadie sabía si se parecía a la madre al padre o a los abuelos, pero el caso es que nació y al cabo del tiempo se le vio la cara, y no era nada fea…Así define Jorge Pardo el caótico proceso de creación y digestión del disco que marcó un antes y después en el flamenco de la mano de Camarón y todos los que entraron y salieron de ese momento mágico. El cambio era necesario, era y es inevitable, es saludable para la música y necesita de una revisión diagnóstica en perpetua vigilia.

Ortodoxos y heterodoxos del flamenco y puristas e innovadores de jazz. Amantes del flamenco jazz, negacionistas del jazz flamenco. Flamenco Leaks para todos, Jazz para algunos en la “leyenda del Trío; Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino di Geraldo. Vientos para una soleá, percusión india para un tema de Coltrane y un bajo para un arreglo del Chet Baker más cíngaro conocido.

Pensaba que habíamos venido con el trío a Badajoz pero Tino no ha venido nunca a tocar jazz. La primera vez entonces, y tras la pandemia recuperando las dinámicas de trabajo, me siento afortunado porque muchos de nuestra profesión no han podido recuperar el ritmo. Jorge Pardo

Una alegría tremenda estar de nuevo con el público, hay una especie de ganas con la gente tremenda, nos encontramos que hay una comunicación mucho más intensa que antes. Carles Benavent

Para nosotros, al menos para mí, el escenario siempre es el mismo. Cuando lo pisas, da igual que estés en Singapur o que estés en Badajoz, lo vamos a dar todo siempre. La responsabilidad, el esfuerzo y el respeto por el público es el mismo. Tino di Geraldo

Como soy abuelo sigo llamando LP al último lanzamiento del Trío, Flamenco Leaks, y por lo mismo, por mis años, improvisamos sólo con mirarnos unos a otros. Carles Benavent

Si nosotros estamos con ganas, al público se le ve con más alegría aún, y eso que van con máscaras pero se percibe muchas ganas de pasarlo bien. Una emoción volver a sentir esto en los conciertos. Tras más de veinte años con el trío tocar cada noche, improvisar supone el mayor gozo. Jorge Pardo

Sacamos un disco con el Trío cada diez años, y siempre queremos estar juntos y sacar más temas pero cada uno vive en un sitio diferente, con diferentes proyectos. Ensayamos en nuestros conciertos, cuando nos juntamos, en las pruebas de sonido salen nuevas ideas. Antes había una compañía de música que hacía más fácil ese proceso, ahora para hacer un disco estamos los tres solos ante el peligro. Tino di Geraldo

Willy López | Félix Méndez

24 de noviembre de 2021
Emilio Gañán «De santos y texturas»
1. Hagiografía.f. Historia de las vidas de los santos.f. Biografía excesivamente elogiosa. Exposición sita en el Espacio Cultural Santa Catalina por Emilio Gañán.
2. Emilio Gañán. Artista. m. y f. Persona nacida en Plasencia que cultiva alguna de las bellas artes. Persona dotada de la capacidad o habilidad necesarias para alguna de las bellas artes, en especial la “geometría sensible”.
3. Geometría sensible. Geometría, donde el rigor matemático cede ante la acción del subconsciente y la sensual presencia de la materia y el gesto.
4. Gesto. Movimiento del rostro, de las manos o de otras partes del cuerpo, con que se expresan afectos o se transmiten mensajes. En ocasiones esos mensajes pueden contener colores. Rojos, ambarinos o azules. Ojo, no confundir con un azul cualquiera de encofrados y astilleros del país. Nos referimos a los azules de ultramar o azul Klein.
1. Klein. Yves Klein: el hombre que inventó un color. Paul Klee: Artista que se volvía loco con los colores y su composición. Emilio Gañán dixit: “La composición se organiza en forma de construcción o recorrido espacial. Como Paul Klee, saco a pasear las líneas y ellas siguen su propia voluntad”.
2. Voluntad. f. Acto con que la potencia volitiva admite o rehúye una cosa, queriéndola, o aborreciéndola y repugnándola. El artista sufre, se quiere, se aborrece y se repugna para llegar a generar una obra. Emilio Gañán; ¿El artista sufre pintando? Sí. Si no lo hace se aburre, esta profesión es dura y esa pelea conforma al artista. Es indispensable, como les digo a mis alumnos de la Universidad, si se quiere dedicar uno a esto, que tenga una absoluta y verdadera pasión.
3. Pasión. Lo contrario a la acción. Estado pasivo en el sujeto. Perturbación o afecto desordenado del ánimo. Rasgo a que las obras de Gañán están sometidas a base de texturas.
4. Textura. Estructura, disposición de las partes de un cuerpo, de una obra. Momento clave, durante una visita al museo, galería de arte o espacio expositivo, donde el visitante, público, coleccionista, comisario o guardia jurado desatan unas ganas irrefrenables de tocar la obra, de manosear la piel de la pieza expuesta. Para el artista extremeño “el espacio y las texturas mandan mucho y la necesidad de resaltar la pintura, que se despegase, no sólo los objetos sino que también hablase el interior y el exterior de la obra”.
5. Obra. f. Cualquier producto intelectual en ciencias, letras o artes, y con particularidad el que es de alguna importancia. f. Medio, virtud o poder. Por obra del Espíritu Santo.
6. Santo. adj. Perfecto y libre de toda culpa. Sellado en la obra de Emilio Gañán. Santa Catalina. Hasta el 8 de enero. Recogido en Hagiografía.
Willy López | Félix Méndez
16 de noviembre de 2021
Iñaki Gabilondo «Periodismo con letras mayúsculas»

Crecer en una redacción entre teletipos, discos de vinilo, olivettis y ceniceros llenos de colillas de tabaco, ayuda. A pesar de no existir ahora ninguno de esos atrezos periodísticos, el analógico nos ayuda a entender las entrañas de la profesión, desembarazase de contenidos, en ocasiones tóxicos, y nos proporciona el plasma necesario para sobrevivir algunas batallas profesionales. Un recuerdo en blanco y negro que nos concede el alimento preciso para descifrar los códigos necesarios para tener siempre a mano un botiquín de primeros auxilios completo. Gasas, agua oxigenada, tiritas, vendas, suero, pinza, tijeras, un paquete de 24 horas al día de trabajo, un par de oídos, un par de ojos, una cajita completa de dedos para teclear, una botella de honestidad y un blíster de humildad.

A pesar de ser prisioneros de transistores, amamantarse del pecho de una emisora de radio, ayuda. Ayuda para imaginarse los rostros que están detrás de esas voces, ayuda a generar contenidos in situ, delatores de la verdad, con un solo ruido de sirenas, un grito de alegría y una ráfaga de tiros al techo…nos socorre tajante con información directa…el atentado de Hipecor en Barcelona, el gol de Marcelino ante la URRS en la Eurocopa del 1964 y Tejero entrando en el Congreso de los Diputados.

Allá que vamos con este legado en vena para disipar dudas. Antes y después de la pandemia. En ese tramo, en ese momento, en el centro del país, en el callejero de Madrid que nos escupe a la Gran Vía. Las arterias de la ciudad que aprietan fuerte, muy duro, a empujones hasta desembocar en la avenida que raja la capital. El tumulto silencioso nos lleva en volandas, en una procesión urbana bajo el palio de una velocidad ciudadana, a la que al poco de saborear el asfalto de la capital, uno se vuelve adicto.

Es curioso, para algunos nunca hay tiempo, o no es el momento, para otros, a pesar de la pandemia, a pesar del cambio de registro digital, a pesar de tener que resetear nuestras vidas, siempre hay un rato para conversar, un momento para hablar, un momento, y quizá lo más importante, para escuchar. Ahora vemos la Gran Vía desde el cielo, desde el último peldaño que concede la ciudad. Allí en un despacho atestado de luz nos abre sus puertas una persona atiborrada de periodismo; Iñaki Gabilondo.

En el instante previo a la entrevista recibe una llamada que tiene que atender obligatoriamente. Desde la producción del programa emitido por #0 Cuando ya no esté. El mundo dentro de 25 años están cerrando las entrevistas con Martin Baron, el reconocido director de The Washington Post desde 2012 y anteriormente del “Boston Globe”, desde donde destapó el caso de abusos sexuales a menores cometidos por sacerdotes de la Iglesia Católica y que pudimos ver en la película Spotlight. La otra entrevista reservada para Vinton Cerf, vicepresidente de Google y considerado como «el padre de Internet».

¿El nuevo periodismo? y El futuro de internet serán sus programas. Estamos en el momento adecuado a la hora justa con el hombre perfecto. Una premoción en tiempos duros y futuro incierto, el mundo dentro de unos meses…ahora toca únicamente escuchar, dejarse fundir entre lo analógico y lo digital y sacar el botiquín de primeros auxilios del periodismo. Ahora más que nunca. Estar rodeado de protagonista así, ayuda.

Iñaki Gabilando es claro sobre el coronavirus, más allá del alcance letal de la pandemia, de ser la noticia más grave a la que se ha enfrentado, el periodista lo deja claro en sus recientes declaraciones: No vamos a estar como estábamos y van a cambiar muchas cosas. Cambiamos personalmente, pero también cambiará la sociedad y la política. A ver si nos damos cuenta de que regatear en Sanidad pública y en Ciencia e Investigación es un suicidio, si no lo aprendemos con esto no sé cómo lo haremos. Deberíamos de aprender con esta situación quienes son los verdaderos héroes de una sociedad”, y añadió “Que en vez de alabar a el tipo de gente que alabamos, deberíamos empezar a reconocer las actividades que se deben ser cuidadas por la sociedad. Ojalá que tras esto empiece a haber vocaciones de médicos, de científicos, de profesores…

…Volver al pasado no tiene futuro declara Gabilondo en su videoblog…pero antes hablamos de su pasado para conocer mejor el presente.

Para mucha gente eres la banda sonora de sus casas, una voz que nos acompaña día tras día, no existe un tope profesional, un largo recorrido desde que decidiste ser ese niño que ya amaba la radio…

…Llevo 50 años, el tope es tu afición, te ofrecen cosas y el final lo produce la gente que te deja de ofrecer cosas…y me siguen ofreciendo cosas sin parar, pues bueno yo sigo. Yo quise ser un niño de radio desde que era muy pequeño porque en nuestra casa no había televisión, nos criamos con la radio de fondo y yo quería eso, quería la radio, quería vivir en la radio, quería estar en la radio, he vivido en la radio y sigo en la radio. La verdad que soy muy feliz, la trayectoria por tanto en mi caso, se ha mantenido en mí como una constante, que fue mi ilusión desde que era un chico, mi vocación, que me fue acompañando y no me ha abandonado ni una décima de segundo…ni la radio tampoco…es decir, se trata de una historia bastante sencilla.

Sencilla pero potente, y de base familiar…¿Cuándo surge profesionalmente ese salto al mundo periodístico?

Mi primer trabajo es un cargo…es que mi primer trabajo pagado. El primer sueldo que yo recibí, lo cobré como director de una emisora de radio. Yo tuve una carrera muy rara los primeros 20 años de mi vida profesional son como directivo, con despacho, traje, comidas oficiales y demás. Yo era directivo de Radio San Sebastián, luego fui director de Radio San Sebastián, luego fui director de Radio Sevilla, director informativo de la Ser, director informativo de la tele, siempre gestionando personal, equipos y organizaciones… y luego en un momento determinado empezó mi vida como solista, actuando ya en programas, dirigiendo y presentándolos y haciendo un poco el nombre propio que abanderaba el equipo. Pues son dos carreras que normalmente suelen hacerse al revés, es muy normal que una persona empiece haciendo un trabajo individualizado más o menos con su nombre y que luego con el paso del tiempo termine en una responsabilidad, pues yo empecé al revés, por tanto cuando me coloqué por primera vez ante un micrófono yo llevaba ahí 20 años dirigiendo equipos y emisoras y no había hecho nunca micrófono. Una cosa muy extraña, desde los principios del año 60 y tantos hasta el 77 más o menos de directivo y después del 77 en adelante toreando ya con mi nombre por delante por todas las plazas.

Cambia las estructuras sociales, los mecanismos económicos y políticos con el paso del tiempo, cambia el periodismo, nada que ver el que podías ejercer con la dictadura con el que ahora se lleva a cabo…

Sabes qué es lo que pasa, que lo primero que hay que decir es que es el país el que no tenía nada que ver con el de ahora, por tanto el periodismo o mi trabajo en el interior de un país que no tiene nada que ver con lo que tiene ahora no solo se puede responder bajo el prisma de un solo oficio. El periodismo no tenía nada que ver con el que se hace ahora pero mucho menos tenía que ver el país con lo que es ahora y por tanto son dos procesos que van juntos. Un periodismo sin libertad es que no es un periodismo, no olvidemos que hasta que se murió Franco estaba en vigor la censura, y hasta que llegó el año 77, la radio por ejemplo, no podía emitir información, lo tenía prohibido, solo emitía información Radio Nacional de España. Las emisoras de radio que no eran Radio Nacional de España todos los días a las 14:30 y a las 22:00 conectaban con Radio Nacional de España que era la que daba la única información que toda España oía, el resto de las horas las emisoras de radio hacíamos pequeños informativos locales, programas musicales, deportes, reportajes, concursos, novelas… Y por tanto ¿Qué tenía que ver aquel oficio con éste? Pues absolutamente nada con este, había una circunstancia que marcaba e impregnaba todo que era la falta de libertad cuando empezó a vivirse la libertad y la posibilidad de hacer una cosa u otra es cuando nació el periodismo tal y como tú lo entiendes por tanto el tiempo que tú me pides que evoque no me vale como referencia, era un tiempo muy bonito y divertido se hacían cosas con interés tratando de buscar la rendija por la que colar las cosas pero no había por tanto comparación posible.

…Censura, digital, oficio, libertad, nuevo periodismo…palabras que enmarañadas nos llevan a equívoco…

La diferencia de digital a no digital es una pequeña diferencia frente a la diferencia de que haya libertad a que no haya libertad. No hay ni comparación, la diferencia de estar trabajando con un lápiz aquí o con el ordenador que fíjate que diferencia es, pues es mucho menos diferencia que la diferencia de tener que pasar por censura a actuar en libertad. Yo he tenido, cuando hacía hacíamos noticias en Madrid, que llamar muchas veces al ¿Ministerio de Información y Turismo? -Sí, buenos días. Póngame con censura un momento. Censura buenos días, le llamo de Radio Madrid, ha habido un accidente en la calle tal. -No. Un robo en tal. –Sí, mañana actúa tal. -Sí, no….Quiero decir, que si partes de ese sitio las diferencias técnicas, las diferencias de herramientas, las diferencias formales, siendo absolutamente extraordinarias, no pueden compararse con la diferencia fundamental que significa eso. Dicho lo cual sí que es, evidentemente, muy diferente trabajar con las herramientas con las que he trabajado yo a las herramientas con las que se trabaja ahora, no tiene absolutamente nada que ver.

El periodismo en el interior de un país que no tiene nada que ver con lo que tiene ahora no solo se puede responder bajo el prisma de un solo oficio

Nos metemos de lleno en la radio ¿Qué transmite la radio? ¿Qué tiene de diferencia con el resto de medios?

Lo fundamental que tiene la radio es, primero que opera en tiempo real, opera en horas, minutos y segundos. Lo segundo, que es el único medio de comunicación que no te pide que detengas la acción para prestar atención, es decir para leer un libro tienes que pararte a leer, para ver una película tienes que pararte a ver una película, para leer un periódico tienes que pararte a leer un periódico, para hacer cualquier cosa, para ver la televisión…pero para oír la radio no tienes que pararte a hacer nada, la radio te acompaña como un reloj de pulsera como si fuera un segundo corazón, va contigo, ese es lo más importante. Que si te acompaña como una sombra a tu lado, puede estar acompañándote en algunos momentos solo la oyes, en otros momentos la escuchas, que es diferente, pero que puede estar permanentemente contigo acompañando todo lo que tú estés haciendo. Es el único medio de comunicación que permite esto, los demás reclaman tu atención, acompaña como una segunda voz toda tu vida. Le aporta una especial humildad en el sentido de que nunca, no siempre o no muchas veces se convierte en el centro de tu acción, estas acompañado del teléfono, eso le da una cierta humildad y un rasgo de ventaja absoluto es que está siempre acompañándote. Tiene una penetración de distintos rasgos yo suelo compararlo con el chaparrón, la televisión es un chaparrón, te coge un chaparrón y te cala parece que no te mojas y luego llegas a casa y estás como si te hubieras metido en la piscina. Esos son los atributos fundamentales que hacen que la radio tenga mucha fuerza. Para mí es, con mucha diferencia, el medio más puro porque establece una comunicación, humilde, aunque puede resultar destacada, pero en ningún momento pretende acaparar el protagonismo de tu vida, la radio te dice El protagonista de tu vida eres tú con lo que estés haciendo y yo estoy aquí atrás. La tele seguro que te dice Yo estoy aquí si quieres verme déjalo todo el ordenador, el libro, la música, todo.

¿Cuál es la salud de la radio actual de esa radio que te apasiona?

En general goza de buena salud. Buena porque tiene, aunque está como todo, sacudido por las corrientes de las nuevas tecnologías, menos castigada que la prensa porque no hay comparación posible. Un producto que se hace diez horas es difícil que pueda competir con algo que le das a una tecla con las nuevas tecnologías y se lanza, la radio aguanta mucho mejor que el periódico el lenguaje de las nuevas tecnologías. Se asemeja a la radio musical, que ha sido arrollada por las nuevas tecnologías musicales, como Spotify, pero la radio convencional goza de una gran salud en todo el mundo y además tiene un gran pronóstico en el futuro, quiero decir, que la radio va a tener que moverse como todos los sectores, como tú como yo y como los medios de todo el mundo, pero no está viviendo la crisis que está amenazando con cargarse al periodismo escrito. Pero claro es que no se puede comparar, es pasarte de periodismo escrito; Camiones gigantescos atraviesan Europa con bobinas de papel enormes que han ido a parar, después talar millones de árboles, a una nave gigantesca donde le esperan unas máquinas formidables con unos señores que le dan un producto…que se va a leer diez horas después… ¿Cómo puede resistir eso? No solo por rapidez sino por simpleza, toda esa maquinaria toda esa estructura de industria pesada con una simpleza de darle a una tecla.

¿Hablamos de mi tren de Extremadura o de la guerra de Donald Trump? Efectivamente cuando se echan las cosas a comparar se juegan situaciones muy difíciles y para quienes tienes que hacer productos como un programa de radio de cadena es siempre un lío de mil demonios

Tenemos una envidia muy sana por programas que han nacido aquí como “Hoy por Hoy”, que son referencia a todos los niveles…¿Cómo se consigue mantener al oyente, dejar que entre en casa un día y otro sin perder un ápice de atención, calidad y frescura?

Yo he tenido siempre muy claro una cosa y es que existe el oyente, la gente ya lo sabe, pero una cosa es que lo sepas y otra que estés de acuerdo. Yo me acuerdo siempre, cuando estoy delante del micrófono, que me están oyendo, el 99% de la gente que habla por un micrófono no se acuerda, lo sabe pero no se acuerda. Todos los que han triunfado mucho se acuerdan, quiero decir, tú estás en un estudio y tienes técnicos enfrente y compañeros aquí y la gente termina hablando mucho para ellos, notas que en muchos programas se están divirtiendo, notas lo bien que se lo están pasando ellos pero tú no notas que te esté pasando lo mismo que tanto les divierte. Es muy frecuente que tu trabajo se desarrolle ante un tipo que te mira, un invitado que está, un compañero que está aquí, pero acordarse de que tu trabajo tiene por destino una persona que está en un camión en Albacete requiere un ejercicio de imaginación, pero que si lo tienes claro acompaña toda tu vida y marca toda tu trayectoria. Yo por eso a los compañeros siempre les decía: Chicos vamos a empezar, la gente nos va a oír y va a creer que somos del PSOE, del PP, Polanco, el Zar, sursuncorda, la tal, el tal, pero nuestro jefe se llama Mari Carmen, mañana se llama Pablo y pasado se llama Luisa. Hoy se llama Mari Carmen, es de Burgos, tiene una tienda, ha dormido mal, está hasta los huevos de su marido y pone la radio para oírnos a nosotros decir buenos días. Esa es la razón de ser de nuestra actividad, entonces la circunstancia por la que tú me preguntas, es saber a mi juicio determinante porque es la que te permite provocar el foco donde está la razón de ser en tu actividad, y que es bastante fácil que se te olvide en el fragor del trabajo. A mí no se me olvida nunca y si se me olvida enseguida lo retomo, en la noticia, en el debate y en las entrevistas. Por eso digo que la consciencia del oyente, del destinatario, del espectador, del lector es clave para que este oficio tenga sentido.

Hablando de entrevistas, has realizado infinidad de ellas ¿Cuál o cuáles han sido aquellas que no has podido conseguir, y cuáles han tenido impacto personal?

He hecho miles, y sí, ha habido alguna que no he podido hacer, las entrevistas divertidas las estoy haciendo ahora en televisión, viajando por todo el mundo y pensando en el futuro. He hecho muchas de todo tipo, además como el programa de “Hoy por Hoy” empezaba hablando de política, luego de vida cotidiana, de libros, de música, de padres, de hijos de tal, al final no he hecho solo muchas sino una imponente variedad temática. Todos los políticos, todos los escritores, todos los cantantes, todos los artistas, toda la gente cotidiana, tantos años, tantas horas y cada una tiene su particular sentido. Tuvo un impacto grande la que hice en televisión a Felipe González en el 96 o la que hice a Arnaldo Otegui en la radio, ha habido muchas de estas y luego ha habido muchas que no han tenido esa autoridad pero también han sido muy interesantes por lo natural y espontaneo de la gente, gente de la calle que ha salido en la radio hablando de una cosa o de otra. Siempre es una experiencia y una suerte pasarte toda la vida conociendo a gente tan importante y escuchando a gente tan interesante.

La consciencia del oyente, del destinatario, del espectador, del lector es clave para que este oficio tenga sentido

¿Cambia el registro en las entrevistas dependiendo del formato, estableces diferentes criterios dependiendo del espacio, el momento, el protagonista o es importante mantener un modus operandi estándar?

Yo hacía las entrevistas sin papeles siempre y a los compañeros les llamaba la atención. Tú no sabes la cantidad de papeles que hay que leer para estar sin papeles en una entrevista. A mí me gusta mucho hacer las entrevistas sin papeles pero es mi manera de enfrentarme con la cosa pero me lo tengo que preparar mucho, yo creo que la entrevista es una actividad que tiene sobre todo una dificultad fundamental y es que hay que saber escuchar. Es muy difícil saber escuchar, saber escuchar es lo más difícil que hay con mucha diferencia y mira que llevo 50 años y estoy en primero de saber escuchar, que no quiere decir poner cara de estar escuchando. Saber escuchar es querer entender, saber escuchar es captar lo que te están queriendo decir, es colocarte en una actitud. El saber escuchar es muy difícil porque ahora mismo te está pasando que estás escuchando y estás pensando en la siguiente que me vas a peguntar, colocarte en escuchar es muy difícil y a mí por eso me gusta hacer las entrevistas sin papeles porque me gusta estar en la comunicación. Eso es algo que no tiene nada que ver con que sea mejor o peor, porque se puede hacer una mierda de entrevista con papeles o sin papeles y una muy buena con papeles o sin papeles pero digo que a mí me resulta más necesario, tengo la convicción de que es clave saber escuchar, porque he aprendido que tengo una cosa muy clara, la gente solo habla si cree que la están escuchando y por lo tanto yo me pongo en posición de que sepa que le estoy escuchando, eso es muy importante. Vete a un restaurante donde hay 30 mesas y hay 30 parejas que están comiendo, mira, ya verás que la gente que está hablando está como si tuviera encendida una bombilla y los demás están como apagados, la gente se enciende cuando habla y se apaga cuando no habla, la dificultad de mantener encendida la bombilla cuando estás escuchando es muy interesante. A mí eso me recuerda mucho al entrenador de baloncesto, Kucharski, hace muchos años que decía: En España los jugadores creen que jugar al baloncesto es cuando tienen el balón o sea cuando el contrario tiene el balón están como aburridos están como diciendo métela si quieres pero dame el balón, jugar al baloncesto es tener el balón el día que se convenzan de que defender también es jugar al baloncesto.

La cultura no es sencillamente el barniz de conocimientos que te permite pasar por un hombre medianamente culto mencionando cuatro libros, dos óperas y un tal sino es una actitud ante la vida

En Extremadura tenemos las tendencia y de manera endémica, de infravalorar nuestra materia prima, de soliviantar arrebatos históricos atendiendo a la demanda del momento, suponemos que una característica afín al resto de regiones y países, nos preocupa la falta de infraestructura de comunicación, un tren digno, mientras que en muchas comunidades llevan ventaja y se centran en otros logros de mayor calado social o político. Intereses con diferentes prismas…el error puede estar en comparar diferentes niveles de relevancia, según se mire y suponemos que eso debe ser muy complicado de extrapolar a la información…

…Pero los intereses tuyos también son diferentes en distintos planos. Es que a ti te puede interesar que te combine los calcetines con la corbata el mismo día que te puede importar mucho el tren de Extremadura y que se cure tu madre y que no te diga que no una chica que te gusta. ¿Hablamos de mi tren de Extremadura o de la guerra de Donald Trump? Efectivamente cuando se echan las cosas a comparar se juegan situaciones muy difíciles y para quienes tienes que hacer productos como un programa de radio de cadena es siempre un lío de mil demonios. ¿Cómo consigues preparar un programa con la mayor dimensión posible? Cuando estoy haciendo algo que no le está interesando a Extremadura ponte a pensar que les está pareciendo los que están escuchándote o viéndote en La Coruña. Es dificilísimo articular esto como no se parta de la base de que hay que tener una cierta esponjosidad intelectual para colocarte en la amplitud, en cinemascope en la cual hay que vivir el entendimiento de la realidad para comenzar por tu actitud personal como te he dicho antes. Todo te puede importar, cosas pequeñas, medianas, más próximas, más lejanas más tal pero efectivamente es una dificultad, has formulado una pregunta que se convierte en uno de los temas más importantes del dolor de cabeza de cualquier persona que está preparando un programa en un país como este. Ten siempre la absoluta seguridad de que con cada cosa que selecciones estás espantando a un montón de gente sea lo que sea que selecciones solamente en momentos de enorme emergencia y emoción un episodio concentra toda la atención. Puede ocurrir en la política en un momento determinado pasa algo gordo, ha habido un gran accidente, un gran suceso, un gran acontecimiento entonces tienes la seguridad de que al cubrir ese gran acontecimiento llegas a todos, pero cuando tienes que elegir y no se puede es imposible entonces hay que tener a mayor elasticidad tratando de evitar algunos pecados mortales que esos sí que se pueden evitar.

Es muy difícil saber escuchar, saber escuchar es lo más difícil que hay con mucha diferencia y mira que llevo 50 años y estoy en primero de saber escuchar, que no quiere decir poner cara de estar escuchando. Saber escuchar es querer entender, saber escuchar es captar lo que te están queriendo decir, es colocarte en una actitud

Existen otros acontecimientos más “dulces”, más culturales en todo el mundo, pero Iñaki, hace poco pudimos leer en varios diarios que en un estudio que se había realizado que no sólo obviamos lo que sucede en otros sitios fuera de nuestra zona de confort, también existe una dejadez generalizada en todo el país con la cultura, de las pocas ganas que concurren, según marcaba el estudio, de acudir al cine, teatro, conciertos…y que al fin y al cabo, la cultura, nos nutre, nos emociona y nos hace característicos como españoles…

…La cultura en el sentido que tú dices siempre ha sido un registro más minoritario de que se debería de desear. Siempre ha ocurrido eso, el número de gente que lee libros, va a los conciertos, va al cine y tal es siempre una minoría respecto a la que no va, las películas de más éxito siempre son de un tipo y las que son algo más complejas suelen tener ese público más minoritario. Yo soy un hombre gran enamorado de los libros, me gusta mucho la música, estoy en el consejo asesor del Teatro Real, soy un loco de la ópera soy muy enamorado de todo esto.

A la cultura siempre le ha costado penetrar en los grandes territorios y encima está siempre afectada por un pensamiento que es prácticamente lo contrario. Elías Querejeta me decía: Yo me pasé muchísimos años sufriendo ¿Pero cómo es posible que después de darlos todo tengan más repercusión otras películas insufribles? Y yo le decía que es así como está panorama, no te preocupes, también hay revistas o diarios con un enorme tirada y… son digamos cosas que naturalmente deberían ser corregidas.

Hay que tratar de evitar la hostilidad que el término cultural produce, hay públicos muy devotos, el público del teatro, el público de tal y se necesita ser más amplio. Aún así han acortado mucho las distancias en muchas cosas, porque las ciudades, los pueblos, las comunidades tienen una inmensa cantidad de actividad cultural donde hace treinta años era un páramo. Ahora la cultura no es sencillamente el barniz de conocimientos que te permite pasar por un hombre medianamente culto mencionando cuatro libros, dos óperas y un tal sino es una actitud ante la vida y en ese sentido España es un país duro de pelar pero no cabe duda de que ahora mismo España es un país que mires hacia donde mires, que elijas comunidad que elijas tiene un despliegue de sentido grande, avanza con dificultad pero avanza mucho.

Iñaki, para despedirnos, pero no podemos marchar sin preguntarte por tu relación con Extremadura.

Yo he tenido veinte años una casa muy cerca dela Vera. Extremadura ha sido una gran desconocida para España hasta hace muy poco, ahora ya muchísimo menos, tan es así que efectivamente con esta especie de explosión turística de todo tipo pues está todo el mundo asustado porque hasta los lugares más dulces, sitios de parajes idílicos, ahora están imposibles casi de acceder. Pero Extremadura es una tierra extremadamente maravillosa, Badajoz es la monda, el norte es la leche, los tópicos con los que la gente asocia Extremadura una tierra más o menos seca y tal llegas ahí y la exuberancia, el verdor, las aguas, las flores tal o sea es una sorpresa toda la gente que va se siente muy sorprendida con la región.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

19 de octubre de 2021
Melchor Balsera «Las dimensiones intangibles de un artista del sur»

Geolocalizando al artista

Una esquina del mundo. Un trocito del Mediterráneo. Un pedazo de tierra y una línea imaginaria separando fronteras. De un lado la saudade del arte, del otro la sangre del artista. Hábitat gestado únicamente para bichos con alma de coraza, albero preparado para refregar el imaginario de un minotauro de este siglo.

El taller lanza ruido metálico, las maderas crujen, se retuercen en un amasijo de dedos ásperos y sensibles. El polvo delimita la visión, humo que deja entrever railes con forma de marcos y un armazón de molduras listas para zambullirse en su íntimo paisaje. La radio emite destellos de música, un tono vivo alimenta el ritmo con el que el cincel se apodera de la cartografía de un artista. Estamos en la capital de Melchor Balsera.

Volamos al universo Balsera. En ese cosmos tenemos que estar preparado para cualquier sorpresa, debemos estar en alerta para descubrir el trabajo del artista extremeño. Modigliani decía que para pintar, primero debía conocer el alma…sin ella, sin el alma, el interior de la obra de Melchor carece de sentido.

El alma de Balsera

Necesito imbuirme en el rostro, en la sombra que esconde cada persona para plasmarlo en mi trabajo nos comenta mientras distrae su mirada hacia la luz que entra por la ventana de su taller. El estudio se mimetiza con el autor, el color cobra diferentes matices ad libitum del artista, al ritmo de la paleta de Balsera. Llegar a trazar este estilo ha supuesto muchos años de perfeccionamiento, muchas horas buscando la fuerza que quería reflejar en mis cuadros, en mis esculturas, en mis bocetos. Reconocer mi propia obra ha sido el paso más gigante que he tenido que asumir como artista.

Los premios internacionales respaldan la obra del badajocense, lo instalan en el panorama artístico nacional e internacional actual pelo no jalonan su verdadero sentimiento. Los premios, los reconocimientos ayudan, ponen voz y forma a mi desarrollo profesional pero todo nace de mi esfuerzo y tesón por realizar una obra reconocible, punzante, personal, atractiva y potente, detalla Balsera.

Viajando con la creación

Seguimos viajando por el mundo de autor sureño, reconocemos poco a poco la tonalidad de un rostro femenino, una facciones que titubean con la luz y juguetean con las sombras. Vislumbramos matices fotográficos, guiños cinéfilos, párrafos de escritores malditos y poetas grecolatinos. Escribía Ovidio…Detesto el abrazo que no deja jadeantes a uno y otro, y ésta es la razón por la cual soy menos sensible al amor…No me gusta mostrar aquello que no siento, no me atrae desgastarme en amar lo que no me enamora…susurra Balsera mientras teje su obra.

Balsera nos habla de su lucha por estudiar Bellas Artes, su recorrido adquiriendo el conocimiento de los clásicos y el aprendizaje innato de sus contemporáneos. Habla de la dureza en el proceso creativo, de la capacidad de gestar arte desde las entrañas del mismo arte. La inspiración llega, pero el verdadero trabajo se ha gestado tras muchos días de ensayos, detalles que hacen que una pintura cobre la vida que los artistas queremos, necesitamos mostrar.

Vida y obra. Llanto y alarido

Estamos demasiado acostumbrados a ver gritos, a escuchar alaridos, a oler aromas ocres. En la impronta de Melchor Balsera la rutina se convierte en sutileza, en filigrana con sello de arte. Un valor añadido al que dedicarle tiempo. Terminar el suspiro de la mujer, preguntarnos por la lastimera cadencia del anciano, reconocer su dolor, adivinar su canción, saber por qué aúlla, contemplar la frase de una boca que solicita compasión en silencio.

Bajo estos parámetros construye Balsera una obra en continua evolución. Un repaso psicológico de la mirada cotidiana con visos de excelencia. Temple y rasgaduras en una creatividad con muchas dimensiones. Derrapes controlado de armonía neumática, un vigor lineal y progresivo patentado bajo la impronta personal de un autor en mayúsculas.

La obra de Balsera nos envuelve, nos sumerge en el destino de sus líneas, claras, misceláneas y concisas. Sus caras suspiran, sus rostros aúllan, gimen, sus caras nos roban el alma. Un hurto tipificado como obra de arte, el desfalco de la esencia humana es legal en manos del artista extremeño.

Necesito crear, manifestar, materializar toda la amalgama de sentimientos que llevo dentro, darle dimensión a lo intangible. De esta manera nos despide Melchor Balsera, nos abraza, tras cafés y horas de conversaciones y días de silencio, únicamente roto por los trazos metálicos de sus obras, que de manera milagrosa van cobrando vida. Ruido y una boca comienza a retorcerse, silencio y Balsera sueña. Dimensión a lo intangible.

Reporraje. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de octubre de 2021
El laberinto de las tortugas «Animando a Buñuel desde una tierra con pan»

Buñuel compraba relojes de bolsillo, los más antiguos, de cadena larga, los más baratos. Solía visitar las tiendas de antigüedades o rastrillos para adquirir los más baratos, le daba igual que estuvieran en mal estado. Alguno que otro amigo que no le veía en los rodajes llegó a pensar que simplemente era un coleccionista de relojes que tampoco quería gastar mucho dinero. Pero nada más alejado de la realidad.

En realidad todo era una de sus tácticas psicológicas. Se presentaba siempre a trabajar con un reloj de este tipo encima y mientras todo iba bien el reloj no salía a colación. Pero cuando de tarde en tarde se llegaba a una situación de alta tensión entre él y los actores o los técnicos de la película de esas que son muy difíciles de solventar, Buñuel, aparentando ser presa de un ataque de ira cogía el reloj y lo tiraba contra una pared o contra el suelo, por lo que el reloj se rompía.

Tras el éxito cosechado con El perro andaluz y La edad de oro en Francia, a la semana fue prohibida cercenando la posibilidad de creación cinematográfica de director español. Un par de años después, en 1932 ofrecieron hacer un documental sobre Las Hurdes. Su amigo el escultor Ramón Acín le dice:… “no te preocupes Luis, si me toca la lotería te pago la película”, meses después le toca la lotería. No le quedaba otra que rodarla. Este es el punto de partida de Buñuel en el laberinto de las tortugas, el cómic de Solís que narra las vicisitudes del rodaje de Buñuel del documental Las Hurdes en Extremadura. Los productores son Manuel Cristóbal (Goya a Mejor Película de Animación por Arrugas, una obra gráfica de Paco Roca) y José María Fernández De la Vega (Glow) .La película íntegramente producida en el estudio extremeño de animación The Glow (José Fernández de Vega) y dirigida por Salva Simó.

En un largometraje de animación, el tiempo se convierte en un infierno colgado del segundero, tira fuerte para abajo, gira veloz, intentando dañar lo posible el ánimo de todo un equipo. Buñuel ahora no es el director, es el actor animado de una producción internacional gestada, criada y exportada desde las entrañas de Extremadura. La región que hizo virar el estilo narrativo al director español.

De las viñetas del cacereño Fermín Solís al cortometraje de The Glow, y del corto al largo de un equipo ingente de ilusionados cineastas, en un suspiro, en un ictus cinematográfico digno de cuerdos dementes. De las Hurdes a Almendralejo y de la esta tierra yerma en cine, a codearse con los grandes en los próximos Premios Goyas, y quizá, quien sabe, a lucir palmito y tierra sin pan en los Premios Oscar. Quizá ese sea el día en el que, 40 secuencias y 100.000 frames después, alguien tire un reloj, usado, viejo y comprado en un rastro contra el suelo, para hacer añicos al tiempo en el laberinto de la tortugas. Una manera de desahogarse al más puro estilo Buñuel.

Escena 1/ Plano. José María Fernández / Toma. Buñuel y los sudores para producirla

Gente de la tierra, para que lleven pan a sus casas…

Exacto. Aquí se formaron 16 artistas de la región para que aprendieran a hacer animación. De ese grupo se contrataron a nueve.

La gente no tiene ni repajolera idea de cómo se hace una peli de animación.

Básicamente una película de animación es igual que una peli de imagen real sólo que muchísimo más trabajoso y complicada. En animación no hay nada creado. Hay que partir de cero, desde los fondos hasta los personajes, creando sus movimientos dentro de cada frame. El guion se convierte en storyboard y desde ese storyboard se va definiendo la realización de la película, la gente lo interpreta como un cómic pero realmente es información técnica, donde se puede detallar un salto de plano o un detalle de la secuencia. Cuando está definido el storyboard de ahí sale el qué va ser necesario ver y cómo se va a contar. Lo principal que vamos a ver los define el equipo de arte y por tanto es documentación e información tipo para que durante el proceso de animación cada uno no haga lo que le dé la gana.

Cada dibujante tiene su estilo, su trazo…

Efectivamente y eso aquí no puede darse, es decir, todos tienen que dibujar lo mismo. Tiene que ser el mismo Buñuel siempre, en una secuencia con ocho o diez planos puede que haya ocho o diez dibujantes distintos. No puede ver diferencia en la actuación, en el estilo de dibujo ni en la interpretación de los diferentes personajes. Al principio, por tanto, se hacen un montón de bocetos base, lo que nosotros denominamos hojas de modelo, que no deja ser un catálogo de información visual para que los animadores dibujen todo en base a lo mismo.

Háblanos del inicio de toda esta aventura, el comic de Fermín Solís “Buñuel en el laberinto de las tortugas”, Solís nos comentaba durante una entrevista que tardó dos años en terminar el cómic; uno en hacerlo y otro para dibujarlo. También nos hablaba de la complejidad del guion donde tuvo que investigar en libros estrambóticos y surrealistas.

Fue muy cómodo trabajar con Fermín, él nos dijo; yo ya he hecho mi libro, vosotros haced la película que queráis. El libro se centra mucho en el viaje de Buñuel a Las Hurdes y Salva Simó, el director, lo que ha querido contar es como ese viaje a Las Hurdes supone un cambio a su forma de hacer en su vida y lo convierte en el director que todos conocemos luego.

Todos tienen que dibujar lo mismo. Tiene que ser el mismo Buñuel siempre, en una secuencia con ocho o diez planos puede que haya ocho o diez dibujantes distintos

¿En qué momento, nada lúcido, te da por enfrascarte en esta producción desde una humilde productora de provincias?

El centro de documentación de Las Hurdes estaba detrás nuestra para hacer algo relacionado con el libro de Solís, eso fue en el 2015, pero nosotros no sabíamos si iba a ser un corto o un reportaje. Al final decidimos hacer un cortometraje que era un proyecto más pequeño, que además se llevó a cabo muy basado en el cómic con el estilo visual original. Ese corto lo producimos nosotros y lo dirigí yo, pero cuando estábamos en plena producción surgió la posibilidad de saltar al largo. En una presentación en la Academia de Cine en Madrid del corto Gento di muerti estaba los productores de televisión, cine y demás y también se encontraba Manuel Cristóbal, el productor de Arrugas, la peli de animación ganadora de dos premios Goya, que fue quién planteó la idea de hacer un largometraje. Nos pusimos a buscar financiación y él decidió el director y el equipo técnico principal y yo decidí el lugar, que era aquí en Extremadura. Lo que intenté fue lo contrario que se suele hacer, y busqué apoyo primero fuera de la región, y hasta que no cerré con Televisión Española y Movistar, no presenté el proyecto en Extremadura. Para dar una visión real de consolidación e inversión.

¿Las dificultades de lanzar un proyecto de este calibre desde una productora pequeña tienen grandes inconvenientes o por el contrario se puede trabajar de manera más cercana y humana?

Montar la que hemos montado aquí con más de 40 trabajadores más la ayuda en Holanda de otra productora que se ha encargado de otra parte de la película, con animadores repartidos por todo el mundo es muy complicado. Coordinar toda una producción de este tipo desde cero, siendo un proyecto costoso y largo es extenuante. Puede que trabajar desde casa en un ambiente más cercano ayuda a solventar los problemas de manera más rápida.

¿Qué ha supuesto Extremadura en este proyecto?

Extremadura ha sido para nosotros muy importante. Como nosotros trabajamos de fuera para dentro, cuando presentamos el proyecto ya estaba bastante maduro. Nos respaldaban un productor con ocho películas y cuatro Goyas, a un director reconocido, y a un director de animación, Manolo Galiana, que con 70 años sigue siendo un crack de la animación, un hombre que ha trabajo en DreamWorks, Disney, y todo un equipo de profesionales de primer nivel. Toda esa gente se ha venido aquí, a Almendralejo, porque el proyecto es muy interesante para todos, el proyecto en sí es complicado pero a la vez gusta mucho.

Escena 2/ Plano. José María Fernández / Toma. Manos a la obra.

Zona de trabajo. Estamos en un espacio bastante atractivo para trabajar…

…sí, este edificio es del ayuntamiento de Almendralejo y les encantó la idea y nos lo cedieron para llevar a cabo este proyecto. Y nos viene fenomenal por el espacio en sí y por las infraestructuras del edificio para poder trabajar.

Se trata de una animación 2D ¿Por qué no en 3D?

Esta historia no pegaba hacerla 3D, por el estilo del argumento y el protagonista necesitaba una animación tradicional 2D, esa animación que llevamos viendo toda la vida desde pequeño y que hacía Disney. Fotograma a fotograma. Y los ordenadores ayudan pero detrás de ellos hay un artista. Crear una especie de escuela para crear gente, para hacer cantera en la región es uno de los motivos que este tipo de animación nos ha permitido realizar.

Esta historia no pegaba hacerla 3D, por el estilo del argumento y el protagonista necesitaba una animación tradicional 2D, esa animación que llevamos viendo toda la vida desde pequeño y que hacía Disney

En el pasillo de producción, vital para el sostenimiento del proyecto, contiene a un equipo trabajando sin parar. En uno de los pasillos están colgadas todas las secuencias de la película. Cada uno de esos dibujos representa un plano de la película y cada plano tiene un número de frames o fotogramas que componen el volumen total que hay que trazar, linear, colorear…

Este proyecto ha pasado de ser una producción española a ser una coproducción europea, gracias a una productora holandesa, que además de conseguir mayor financiación también aporta material técnico, 22 minutos de la animación total. Esta coproducción asegura un estreno a nivel europeo. Muy importante esto último.

Alicia, Pilar y Carmen, el equipo que mantiene el proyecto económicamente, saludan con miles de carpetas en las manos.

¿Dónde vais a llegar con esta película, o estáis tan enfrascados en la producción que aún no lo habéis medido?

Primero hay que acabarla, ese es el objetivo principal, este tipo de proyectos se hace con el esfuerzo de muchísima gente, es como cuando haces un corto y siempre se necesitan varios días más. Con este largometraje no se sabe el tiempo exacto que necesitas para rematar la película. Por eso, terminar la producción es fundamental, después de esto sí que somos conscientes de la repercusión que puede tener. Es más, tenemos otro proyecto de animación entre manos, una producción internacional, una película que se está realizando a nivel mundial, director en Toronto, producción en Miami y equipos de trabajo haciendo secuencias, como el nuestro desde Extremadura. ¡Una locura! Este tipo de encargos aporta continuidad y trabajo.

Escena 3/ Plano. Animadores / Toma. ¡Silencio! se anima

Entramos en uno de los espacios con mayor dimensión gráfica del largometraje. La dirección de animación con uno de los animadores internacionales más importantes, Manuel Galiana. Santi, con sus auriculares mantiene su paleta firme sobre un Buñuel desdibujado en lo que suponemos que son las Hurdes.

La era digital, un verdadero respiro para la animación…

Aquí se unifica el estilo de animación para que parezca que la proyección final lo ha realizado una única persona, cuando detrás hay muchos animadores. Antes todo era a papel y venga a montar, ahora todo pasa por el digital, pero el trazo, el dibujo, el arte del animador es el mismo.

Galiana es el encargado de hacer las poses principales de los protagonistas, los detalles que con mayor profundidad marcan el estilo visual de una película de animación.

Medio minuto de animación al mes por animadores. No comenta Manuel Galiana. También nos dice que es imposible no dejar parte del sello personal de cada animador, es inevitable, pero sólo lo vemos nosotros. Con casi 50 años dibujando muestra una humildad apabullante. Empecé hace muchos años, con Los Picapiedras, Tom y Jerry, Lucky Luke o Axterix…y mientras el pulso sea bueno seguiré dibujando. Chico y Rita, el Ilusionista o Anastasia son ejemplos de ese saludable pulso. Profesionales como él lleva entreteniendo a generaciones enteras de medio mundo. Encantado de estar en Extremadura, disfrutando de esta tierra. Se despide con una muñequera paras, suponemos, paliar las tendinitis buñuelianas.

José ¿Qué importancia tiene el trabajo previo, el lipsing en el trabajo de animación por ejemplo?

Las 10 reglas del lipsing, la sincronización labial son muy importantes. Hay que ir por delante del diálogo. La animación de los personajes cuando hablan tiene que ir acorde con las voces que se graban previamente para que no parezca desincronizadas. Las voces deben ir acorde al tiempo. Nuestra peli 1,8 millones de euros pero eso no es nada para el coste de una película de animación. Tadeo Jones tiene 10 millones y una producción Disney 170 millones.

Escena 4/ Plano. La fase final / Toma. Profesionales

Natalia, Berta, Carlos, alumnos del curso, saber dibujar para animación. Trabajan sobre sonidos definitivos. Los respiros vienen después. Dani, Pura, Carmen y Sheila dejan su impronta extremeña en el largo, alumnos de Bellas Artes y Diseño Gráfico que ven salidas a sus profesiones desde el maravilloso laberinto de la animación. Supervisan el clean up para unificar y equilibrar las imágenes recreadas.

La última fase del proyecto tiene su espacio. La compo es ese momento cuando se montan todas las diferentes capas, línea, color, sombras, fondos y elementos en 3D. En este trabajo se mezclan todos los ingredientes, pasitos cortos para sacar los mejor de la animática inicial.

El trabajo que nos mostráis nos recuerda a la animación francesa y belga, tipo Les Triplettes de Belleville o El Ilusionista de Sylvain Chomet.

Cierto, tienes ese aire de cine de animación francés, es allí donde se hace cine de este tipo, además de la connotación que tiene Luis Buñuel en ese país. De hecho nosotros somos unos suicidas haciendo reste tipo de largo en este país.

Antes de hablar con el director del largometraje vemos a Pablo (antes mano a mano con el holandés Jan) en layout (Dirección de fotografía) que se encarga de superponer todos los tiros de cámara, toda la información de la película en montaje. Todo debe encajar nos dice, mientras sonríe, asistimos a los planos finales de la producción.

Nuestra peli 1,8 millones de euros pero eso no es nada para el coste de una película de animación. Tadeo Jones tiene 10 millones y una producción Disney 170 millones

Escena 5/ Plano. Salva Simó / Toma. El dire habla.

Salvador Simó viene de trabajar desde los años 90 en Disney, decidido a conocer la estructura global del cine decide estudiar dirección, fase que le ha dado la capacidad de conocer dimensiones en imágenes reales y de ficción animada. De ahí a trabajar en Londres para Narnia, el Príncipe de Persia o Skyfall. Antes de venir al proyecto de Buñuel, Salva Simó trabaja en el Libro de la Selva en tareas de layout. Su trabajo en Asia nos deja referencias del PapriKa de Satoshi Kon, los colores de In the mood for love de Wong Kar-wai o el ritmo clásico de Dreyer.

¿Cuál es la duración de esta producción?

Para empezar hay que decir que este proyecto es raro, no es normal que un trabajo de animación de esta calidad se haga tan rápido. Normalmente son cinco años lo que se dedica a una película de este corte. Con esta rondaremos los tres años. El presupuesto ajustado manda, pero la calidad será la misma.

¿Qué implica trabajar en esta producción para ti?

He dirigido una serie de televisión en Bangkok durante cuatro años y alguna cosa más, pero tener la oportunidad de dirigir una película tan potente y además en mi país era una oportunidad que no podía rechazar. El personaje de Buñuel creo que a gran parte del equipo nos ha hecho estar en esta producción.

Después de elaborar el guion en Londres y ya en Extremadura, ¿Cuál es la labor que realizas aquí, cómo es la relación con el equipo?

La relación con el equipo ha sido brutal, muy buena. Hay momentos de tensión, como todos los trabajos pero se han resuelto de manera extraordinaria. Todos estamos aquí porque nos apasiona el proyecto, amamos la animación y eso ayuda a que no surjan malas historias. Normalmente, y por el estilo de producción, en animación nos suele haber grandes problemas.

¿El mundo globalizado y el desarrollo de la tecnología ayudan a que estas películas se lleven a cabo en regiones como la extremeña?

Evidentemente, hoy en día, te permite trabajar en cualquier lugar del mundo, de hecho un parte de nuestro largometraje se ha realizado en Ámsterdam y el resultado ha sido espectacular. Está bien tener un centro de trabajo unificado, pero también está bien poder colaborar desde cualquier rincón del mundo.

Queda algo para terminar, pero ¿Cuáles son tus sensaciones con este Buñuel animado?

Es mi primer largometraje con lo cual las sensaciones son muy buenas. A veces cuando vamos a los festivales la noche después no duermo, las buenas críticas me provocan una sensación de vértigo enorme. Siempre quiero que el proyecto esté a la altura de lo que la gente espera porque realmente se están creando muchas expectativas, y eso asusta.

Una cosa es ver un trocito y que guste y otra verlo entero, contar una historia que enganche desde el primer minuto hasta el último. Debe funcionar una hora y media.

Y hablando de espectadores, esta animación no es para todos los públicos…

…está dirigida a un público adulto, es una historia densa, con giros dramáticos y eso hace que a la gente le sorprenda, animación para público adulto, y por otro lado tiene una ventaja, es un terreno novedoso y atractivo. Está bien ver a los animalitos hablando pero a veces nos cansamos y esta película tiene ese paso. Este año salen cuatro producciones españolas de animación para público adulto, todo un bombazo. La animación en este país va a dar un paso importante este año.

Puede ser bueno, si ganas este año el Goya entre tanto largo de animación de calidad y también algo negativo por la misma competencia para poder conseguirlo…

Es bueno para los Goya y el cine de animación en sí. Ganar un premio así es mucho más importante. Habrá bofetadas para hacerlo pero sobre todo esta actividad hace que el verdadero vencedor sea la animación en España.

¿Habéis mantenido contacto con Fermín Solís durante la producción?

Claro, cuando empezamos a trabajar la historia él nos dijo que teníamos libertad absoluta para hacer lo que, al final hemos hecho. Pero hemos consultado muchas cosas con Fermín. El comic realmente es una semilla de la película y eso lo entendía Solís.

¿Qué Buñuel vamos a ver en este largometraje?

No vamos a ver al Buñuel que todos conocemos, precisamente el gran reto cuando empezamos este proyecto era trazar una figura distinta sobre el director. En cierta medida, perdimos un poco de respeto a Buñuel y contar la historia de un artista que tenía 32 años y que estaba buscando su forma de expresarse en el cine. Y encontrar su voz en las Hurdes es la línea sobre la que versa esta película. Nosotros solemos decir que en Las Hurdes entró Luis y salió Buñuel. En el laberinto de las tortugas nos encontramos al Luis de Tierra sin pan, no al de Viridiana, es justo recalcar esto, tratar las relaciones entre Ramón Acín y el director es mucho más complejo y original.

En cierta medida, perdimos un poco de respeto a Buñuel y contar la historia de un artista que tenía 32 años y que estaba buscando su forma de expresarse en el cine

Escena 6/ Plano. Banda Sonora / Toma. Buñuel en casa de los Beatles

Banda Sonora

El mítico estudio donde se gestó la música de los Beatles, el Estudio 2 de Abbey Road de Londres, ha sido el escenario elegido para que el compositor Arturo Cardelús pusiera la banda sonora de la película de animación Buñuel, en el laberinto de las tortugas. Un día para rodar. Todo súper planificado. Algo mágico.

El compositor afincado en Los Angeles, coincide con el estreno de su música para el documental ‘La lucha’, producido por Frank Marshall; el éxito viral de la animación ‘In a heartbeat’, una historia de amor homosexual que ha superado ya los 34 millones de reproducciones online; y la nueva grabación de sus últimas composiciones clásicas con los solistas de la Filarmónica de Berlín. Para ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, Cardelús ha compuesto 45 minutos de música para orquesta de cámara y coro. Un total de 61 artistas se pusieron a sus órdenes en Londres: 21 profesores de orquesta, seleccionados entre los mejores músicos de estudio del momento.

“He preferido el sonido de la orquesta de cámara porque le daba un toque más auténtico a la historia. He querido hacer una música que refleje la complejidad de los personajes que son el centro de la historia. Una BSO en la que conviven temas tonales que hablan de la relación de amistad entre Luis Buñuel y Ramón Acín, la angustia y la miseria de Las Hurdes, junto a temas mucho más atonales y laberínticos, que tratan de acercarse a los fantasmas que perseguían a Buñuel, incluyendo su relación con su padre o los problemas que tuvo con Dalí”

Escena 7/ Plano. Final / Toma. THE END

Nos despedimos del equipo, aprovechan para desconectar de la tensión puesta en las pantallas para picar algo, tomar un café y respirar el aire que en estas fechas, extrañamente, aún corre fresco. La fábrica convertida en un espacio de ilusión cinematográfica sigue su ritmo. En ella se almacenan bocetos, dibujos, miles y miles de dibujos, garabatos y trazos desechados o reutilizados para cobrar vida, para revivir al Buñuel más humano. José nos habla del esfuerzo, del miedo a perder su vida y la de su familia en un proyecto con un rédito casi nulo. Locuras del cine que mejor no pensar. Sus hijos juegan en la guardería que tienen junto al lado del estudio. Ellos valorarán con el tiempo, el verdadero valor, el coraje cultural de sus padres como legado, del laberinto de las tortugas y las dudas existenciales del Buñuel más extremeño jamás contado.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

28 de agosto de 2021
La Novia de Frankenstein «Cómo darle calabazas a un monstruo»

“A menudo me he preguntado si la vida no sería mucho más divertida si todos estuviesemos en ella sin ideas preconcebidas acerca del bien y del mal.” La novia de Frankenstein.

Pocas imágenes cinematográficas son tan memorables como la definitiva de La novia de Frankenstein, cuando, inesperadamente, una criatura salvaje, grotesca pero atractiva a la vez, rechaza al monstruo de Frankenstein emitiendo un sórdido graznido, estamos en presencia de una contundente imagen que ha quedado congelada en la memoria de todo fanático del género. A la vez, fue éste el papel que la valió a la actriz Elsa Lanchester su inmortalidad en el celuloide.

Para personificar a la criatura, la actriz debió soportar largas y tediosas horas de labor, vendada de pies a cabeza. Y una vez que el vendaje se removía, su trabajo de La novia de Frankenstein se mostraba en todo su esplendor, ante la mirada atónita de los presentes, incluído su supuesta futura pareja. El maquillaje, creado por el experto Jack Pierce (también autor del make-up del propio monstruo de Frankenstein, así como los de la momia y el hombre lobo de otras películas), fue todo un hallazgo: luego de largas jornadas de trabajo, emergía el rostro de una mujer palidísima, de mirada profunda, con un aún hoy famoso peinado terminado en punta, de cabello renegrido surcado por listones blancos. Aunque esta criatura aparece en los últimos minutos de la película, su presencia causa tal impacto que bien vale la espera del desarrollo.

Ilustración. Tito Merello

5 de agosto de 2021
Instrucciones para tocar piezas de Bach y Radiohead en un teatro romano extremeño sin sorpresas

Un corazón que está tan lleno como un vertedero. Un trabajo que lentamente te mata, heridas que no sanarán. Así arranca la canción de Radiohead. En inglés claro, y con Thom Yorke, el cantante del grupo, intentando ahogarse en una urna de cristal mientras acierta a seguir la letra. Ahora toca apnea musical en el Teatro Romano de Mérida. Con otro acorde, otro arreglo, una joya sinfónica que el maestro Padilla ha macerado entre violines, violas, violones y guitarras flamencas. No surprises se convierte en una brutal sorpresa que descarna la piel a jirones con una orquesta, la de Extremadura en este caso, florando entre las partituras de algo mágico con forma de música.

Desde Bach hasta Radiohead pasando por Iron Maiden, la tarantella napolitana de Rossini y la hyperbalada de Björk. De actuar para dos centenares de personas en un pabellón con capacidad para siete mil personas a actuar cerca de los dioses romanos. Le recordamos a Michael Thomas, director y violín solista, José Manuel Zapata, tenor, Rubén Rubio, guitarra y viola de gamba y a Juan Francisco Padilla, guitarra y arreglos musicales que Apolo anda muy atento entre las columnas del teatro. Nunca falla a una cita musical de este calibre. Padilla nos dice con los ojos emocionados que probablemente van a tocar en uno de los sitios más bonitos de sus vidas, “sólo pienso en disfrutarlo, sólo pienso en que nada estropee ese momento, al final sólo queda el recuerdo”. “Tocar en un sitio con tanta historia es maravilloso” retoma Zapata, a quien su profesión como tenor y con la ópera a cuestas le ha llevado a lugares particulares, difíciles y después a espacios únicos como el teatro romano de Mérida. “El Sferisterio de Macerata tiene ese encanto que se asemeja a esta joya de Extremadura”

Te ves tan cansado e infeliz. Derroca al gobierno, ellos no hablan por nosotros. La canción sigue y Zapata ensaya antes de la entrevista, aprovecha que los músicos de la Orquesta hacen una parada para descansar. Fuera del Palacio hay músicos de la Orquesta de Extremadura y paisanos de la generación del 80 chutándose una vacuna contra el maldito COVID. Este es mi último espasmo, mi último dolor de estómago.

“Es una oportunidad de decir bien claro que la música es la música, que todo es música, que la gente va a escuchar música pura, y esa sensación es la que trasladamos al público, al que hacemos partícipe desde la primera nota de Bach”. Así nos define Michel Thomas el proyecto From Bach to Radiohead. Padilla aclara que tiene dudas acerca de definir este proyecto como un concierto para acercar la música a la gente, pero tiene claro una cosa “Como decía una vez Goyo Jiménez, le damos liebre por gato, es decir, el público que está ahí tiene que escuchar una pieza de Michael Thomas, Harold in Islington, o una pieza de diez minutos de Arvo Pärt, piezas que jamás escucharían si no vienen a este concierto, y entre medias No Surprises de Radiohead, un tema que un público de sinfónico no se esperaría nunca ”

Los cuatro artistas hablan de apropiarse de la música, de las canciones de un grupo de rock, de sentir que estuvieron escritas para la orquesta. Una oportunidad a autores contemporáneos, que hacen música contemporánea de la buena, a que sean interpretados por el mejor instrumento del mundo, la orquesta, detalla José Manuel Zapata.

Llevaré una vida tranquila. Un apretón de manos de monóxido de carbono. Sigue la canción, se ha quedado incrustada en el techo del Palacio, entre las butacas y los pasillos que circundan el edificio. La magia de llevar la música al público joven. El arreglista Juan Francisco Padilla lo tiene claro; “Se dice continuamente que cada vez hay menos público, menos gente joven que escucha clásica, quizá aprovechando esta veta de hacer nuestras las músicas actuales, podamos aprovechar el potencial que tiene para este sector de la población.”

Existe la creencia de infravalorar el trabajo de descomponer un tema de rock y llevarlo a un concierto de orquesta sinfónica. Michael Thomas sólo tiene halagos para los arreglos de Padilla y Rubén Rubio lo aclara. “Hay que matizar una cosa y que creo que le da relevancia a este proyecto, somos melómanos, de música clásica y de música que no lo es, el motor que nos empuja realmente a realizar este proyecto. Esos arreglos necesitan un conocimiento amplio de la música original, sentirla con emoción, la clásica y la moderna. Esa dificultad se suple con la pasión”.

La conexión para tocar ciertos temas con las orquestas que trabajan en From Bach to Radiohead se antoja complicado. Los primeros minutos, a la media hora, durante el ensayo parece que han hecho la gira desde hace lustros. Hay risas, alguno silba cómicamente, se miran entre sí, y al final el maestro, el director Michael Thomas, nos comenta que para algunos músicos es un choque con su día a día, un trabajo con una música concreta, pero tras ese primer contacto con el proyecto, todos terminan 100% tocando de lujo. “La Orquesta de Extremadura desde el primer momento se ha metido en el repertorio”. “Hay bastantes prejuicios en esta sociedad, estamos llenos de prejuicios, pasar de Mahler, Chopin, Shostakóvich o Beethoven a Radiohead es complicado, pero al final estos prejuicios se vencen con calidad y talento” matiza Zapata.

Todo preparado, los instrumentos descansan afinados para repartir Bach y Radiohead sin sorpresas, sin alarmas, para tocar y rozar el alma de esas canciones, una orquesta, los dioses y diosas empadronadas en nuestra región y un público sin prejuicios… Sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, sin alarmas y sin sorpresas, por favor.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

26 de junio de 2021
Festival Internacional de Teatro de Badajoz «16 obras para emocionarse con las artes escénicas»
La edición de 2021 del Festival Internacional de Teatro de Badajoz viene marcada de nuevo por la pandemia pero con una novedad en la programación: el estreno de cuatro obras de teatro de compañías extremeñas que consiguieron las ayudas a la producción de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura. Se celebrará del 14 al 28 de octubre con 16 representaciones, una de ellas de calle.

Los conflictos sociales, familiares, de pareja, la homofobia o la exclusión social forman parte de los temas que abordarán alguna de las 16 funciones programadas para este año en el que no falta la huella que ha dejado en las compañías el confinamiento y la pandemia provocada por la Covid-19.

Las obras seleccionadas y que cuentan con un total de 75.000 euros en ayudas para la producción otorgadas por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura son: ‘Lo que nos debemos’, de Cómicos Crónicos Producciones; ‘El circo de la vida’, de Teatrapo Producciones; la obra teatral ‘La Vaca’, de Samarkanda Teatro, y ‘Tiovivo’, de La Escalera de Tijera y Z teatro/Zircus Animación. En cuanto a los precios, este año se pone a la venta un abono con un importe de 70 euros que permitirá el acceso a 14 funciones y las entradas tienen importes que oscilan entre los 6 y los 12€, con descuentos especiales para pensionistas, desempleados, miembros de FATEX y Carnet Joven.

Los abonos y las entradas para cada espectáculo se pondrán a la venta a partir del día 21 de septiembre.

Jueves 14 de octubre 21:00 h.

Lo que nos debemos

Autor y director: Juan Vázquez

Intérpretes: Camila Almeda, Pablo Mejías, Fernando Nieto, Luis Prieto y Guadalupe Fernández

Música y espacio sonoro: Chloé Bird

Compañía: Cómicos Crónicos (Extremadura)

Duración: 80 minutos

Habla sobre el irremediable paso a la edad adulta, la amistad, la soledad, el devenir del tiempo; y rinde un sincero homenaje a la figura de los maestros de escuela. Cinco pupitres de colegio ocupados por tres chicos y dos chicas. Son adultos, pero quizá no lo suficiente. Es posible que por eso aún estén ahí sentados. Este espacio onírico es un oasis de recuerdos comunes para estos compañeros de colegio que, tras años sin verse, pondrán a prueba su amistad durante el entierro de su maestra de primaria.

Coproducción Teatro López de Ayala y Cómicos Crónicos.

Viernes 15 de octubre 21:00 h.

Oh oh

Autores e intérpretes: Camilla Pessi y Simone Fassari

Directores: Valerio Fassari y Luis Spagna

Compañía: Baccalà (Francia)

Duración: 60 minutos

Oh oh es un fragmento de la vida de un par de actores, un absurdo paso a dos de la compañía de teatro física internacionalmente galardonada, Baccalà. Dos personajes, a la vez seguros de sí mismos y completamente perdidos, se topan en el escenario ante nosotros, como por accidente. Sin palabras, a través del humor, las acrobacias y el lenguaje universal del cuerpo humano, ambos se embarcan en un grotesco viaje de descubrimiento y transformación. El último espectáculo de Baccalà se asienta con firmeza dentro de la larga historia del Clown, actualizando sin distorsionar esa honorable tradición. Humor, acrobacias y música en un impresionante espectáculo de payasos lleno de poesía.

Sábado 16 de octubre 19:00 h. Espectáculo de calle

El gran circo de la vida

Circo-teatro-humor visual

De José F. Delgado

Dirección y dramaturgia: Javier Uriarte & José F. Delgado

Intérpretes: Cuca Cantillo, Javier Rosado, Lola Sánchez Carmona y Roberto Calle

Compañía: Teatrapo (Extremadura)

Duración: 60 minutos

Una fábrica en ruinas, de manera casual, da cobijo a cuatro supervivientes que deambulan en busca de vida y del lugar que les vio nacer: ‘Circus’. Una destartalada carpa en la que heredaron la maestría del viejo circo y el don de hacer felices a los demás. Una historia repleta de guiños al clown y a la comedia del arte con partituras sensibles y destrezas circenses.

Coproducción Teatro López de Ayala y Teatrapo y la colaboración del Ayuntamiento de Villanueva de la Serena.

Sábado 16 de octubre 21:00 h.

La máquina de Turing

De Benoit Solès, inspirada en la obra de Hugh Whitemore

Dirección y adaptación: Claudio Tolcachir

Intérpretes: Daniel Grao y Carlos Serrano

Compañía: Producciones Teatrales Contemporáneas (Madrid)

Duración: 95 minutos

En 1952 el profesor Turing presentó una denuncia por robo en la comisaría de Manchester. Este hecho no escapa a los servicios secretos, pues Alan Turing es el hombre que descifró el código nazi “Enigma” que los alemanes utilizaban durante la guerra para cifrar sus mensajes. El sargento Ross, encargado de la investigación, poco a poco va descubriendo a un hombre atípico y encantador del que se hace amigo. Alan Turing fue condenado por homosexualidad al rehusar defenderse por considerar que no era algo de lo que debiera disculparse. En lugar de cumplir condena en la cárcel, eligió la castración química, lo que le provocó unos efectos devastadores en su salud física y mental. Dos años más tarde se suicidaría.

Domingo 17 de octubre 21:00 h.

#QUEOSCUREZCA

Dirección y dramaturgia: 199 Danza Rodante

Intérpretes/bailarines: Cristina Rosa, Jesús Ortega, Juan Carlo Guajardo y María Lama

Músicos: Iván Sanjuán (percusión), Juan Manuel Moreno (Guitarra), Fefo (Cante) y Aboubacar Syla (Kora, voz y percusión)

Compañía: 199 Danza Rodante (Extremadura)

Duración: 70 minutos

#Queoscurezca (hasta que oscurezca con pronunciación y acento extremeño) es la unión de cuatro bailarines procedentes de diferentes estilos que fusionan sus lenguajes para hablar de la danza como un solo lenguaje universal. A través de diferentes piezas cortas de danza y la unión de ellas se pasa por diferentes emociones: Liberación, transformación, añoranza, búsqueda de identidad, miedo a la incertidumbre. Todo ello acompañado por un elenco de músicos que nos hacen viajar pasando por ambientes sonoros, yendo desde las raíces de la música flamenca hasta lo más profundo de la música africana.

Lunes 18 de octubre 21:00 h. Estreno

Tiovivo

Dirección y dramaturgia: Solo Yoni

Intérpretes: Lola Sánchez, Javier Rosado, Javier Uriarte y Roberto Calle

Músico: Isaac Gutiérrez

Compañía: La escalera de tijera/ Z Teatro (Extremadura)

Duración: 55 minutos

Una compañía de feriantes queda atrapada en mitad de la nada en pleno confinamiento. Ese cambio de rutina les hace plantearse su forma de ganarse la vida. Cuando la vida deja de dar vueltas, somos nosotros los que tenemos que darle una vuelta a la vida. Es entonces cuando toman la iniciativa de salir de su zona de confort y hacer aquello que realmente les hace felices. Coproducción Teatro López de Ayala y La escalera de tijera.

Martes 19 de octubre 21:00 h.

La Vaca

Always coming back

De José Antonio Lucia

Dirección: Eva Redondo

Intérpretes: Rafa Núñez, Juan Carlos Castillejo, José Antonio Lucia,

Compañía: Samarkanda Teatro (Extremadura)

Duración: 70 minutos

Tres Carniceros se esconden en un bosque que está cerca de su pueblo. El pueblo está invadido y ellos quieren liberarlo por medio de un ritual, sacrificando una vaca. Están comprometidos con cambiar la realidad de su pueblo y de su gente. Se enfrentan al estado de sitio. Los buscan. Quieren acabar con estos tres insurrectos. El sacrificio de la vaca es en realidad una búsqueda eterna de los personajes por encontrar el sentido auténtico. El reafirmarse en el “sí, quiero” frente al “sí, debo” de los moralistas. Huyen de eso que les han vendido por medio de la religión, que no del misticismo. Esquivan ese pensamiento inoculado por la educación, que hace que un pueblo se convierta en lo que es. Estos personajes son cuerpos que anhelan por encima de todo llegar a ser lo que son en realidad. Viven en la escena para mostrarnos ese acto sagrado de superarse a sí mismos. Son el garbanzo negro dentro de la olla, tiene su particular visión de todo. Confrontarán el método convencional que los tiraniza y de ahí surgirá el teatro.

Coproducción Teatro López de Ayala y Samarkanda.

Miércoles 20 de octubre 21:00 h.

Puños de harina

Texto, dirección e interpretación: Jesús Torres

Compañía: El Aedo Teatro (Andalucía)

Duración: 90 minutos

Después de otros monólogos como “La vida es sueño: el bululú” o “La Odisea”, Jesús Torres y la compañía El Aedo ponen en escena un nuevo espectáculo unipersonal, fruto de los procesos de investigación y dramaturgia que acompañan siempre a su trabajo. “Puños de harina” es una obra que reflexiona sobre el racismo, la homofobia, la violencia y la masculinidad.

El monólogo presenta dos historias en las que conoceremos, de forma paralela, a dos personajes relacionados con el mundo del boxeo y la cultura gitana: por un lado, la historia real de Rukeli, el boxeador alemán y gitano que desafió al mismísimo Hitler en la época de la Alemania nazi y, por otro, conoceremos a Saúl, un joven gitano que, en la España rural de los años 80, busca su identidad y se enfrenta a su familia.

‘Puños de harina’ es la historia de cómo Rukeli, Saúl y otros gitanos, lucharon, resistieron, murieron y sobrevivieron al Holocausto y a la sociedad, pero también es la historia de cómo algunos hombres se esfuerzan por encajar en el concepto ideal de “ser hombres de verdad”, en un contexto que los rechaza por su raza, su cultura o su orientación sexual.

Premio Teatro 2019 AutorExprés 2019 por la Fundación SGAE y Premio Nazario

2020 a Mejor Espectáculo del Festival Cultura con Orgullo de Sevilla.

Jueves 21 de octubre 21:00 h.

Dreaming Juliet

De Gonçalo Guerreiro

Dirección: María Torres y Gonçalo Guerreiro

Intérpretes: María Torres, Gonçalo Guerreiro, Marta Alonso, Nacho Martín y Miguel Paz

Compañía: Elefante elegante (Galicia)

Duración: 75 minutos

Inspirado en “Romeo y Julieta” de William Shakespeare para abordar la cuestión más esencial de la existencia humana: El Amor. Con un lenguaje visual asentado en el teatro de movimiento, en la música interpretada en directo y en la danza, DREAMING JULIET crea una poética universal de la pasión. En la pieza original, los protagonistas viven un amor prohibido e idealizado, condenado por las familias de ambos. Su intensa relación tiene una corta duración y un funesto final. Ahora imaginemos que Romeo y Julieta no hubiesen muerto y que el principal obstáculo en su relación no fuese la oposición de sus familias si no las adversidades de las rutinas del mundo contemporáneo.

Viernes 22 de octubre 21:00 h.

Hoy puede ser mi gran noche

Dirección y dramaturgia: Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez

Intérpretes: Noemí Rodríguez y Darlene Rodríguez

Compañía: Teatro en vilo (Madrid)

Duración: 70 minutos

Fiesta teatral, un pieza cómica y musical, un ejercicio de auto ficción que cuenta la fascinante historia de un cantante de orquesta en la Galicia de los 90 y sus hijas, cuya máxima aspiración es ser como su padre. En este espectáculo una actriz y su hermana músico en escena se despliegan en múltiples voces para hacer un emocionante viaje al pasado, a un mundo cargado de exotismo con el fin de entender esa extraña amalgama que resulta de lo que un día quisimos ser y lo que somos. Esta es una obra divertida, valiente y profunda, una celebración de lo que ya no está, lo que pudo ser y no fue, un canto a los perdedores, a los que nunca dejan de esperar su momento. Una historia emocionante, un relato desgarrador donde Teatro En Vilo vuelve a desplegar toda la elocuencia de su poética teatral, la irreverencia, la ternura y el humor para acercarnos a la batalla de una mujer que se pelea entre lo extraordinario y lo ordinario, la hazaña y la derrota, el deber ser y la felicidad verdadera.

Sábado 23 de octubre 21:00 h.

Ira

De Julián Ortega

Dirección: Dan Jemmet

Intérpretes: Gloria Muñoz y Julián Ortega

Compañía: La zona (Madrid)

Duración: 90 minutos

En plena noche, Dolores hace una llamada a su hijo Salvador para que vaya a hacerle una visita a casa; tiene algo urgente que contarle. Salvador, que va a ser ascendido al día siguiente, no está para grandes distracciones. Sin embargo, lo que su madre pasa a relatarle va a dar un brusco giro a sus vidas. ¿Era su padre su verdadero padre? Pero lo que más le atormenta a Salvador es: ¿Terminará su madre encerrada en un psiquiátrico o directamente en una cárcel?

Con un suspense salpicado de cierto humor negro, Ira trata sobre la desesperación y la ambición. Es una huida hacia adelante; una casa ya perdida en la que sus protagonistas luchan para no perderse más.

Domingo 24 de octubre 21:00 h.

Solitudes

Dramaturgia: Garbiñe Insausti, José Dault, Iñaki Rikarte, Rolando San Martín, Edu Cárcamo

Dirección: Iñaki Rikarte

Intérpretes: Garbiñe Insausti, José Dault y Edu Cárcamo

Composición musical: Luis Miguel Cobo

Compañía: Kulunka Teatro (País Vasco)

Duración: 80 minutos

Una historia emotiva que habla de soledad y solitudes, reúne al mismo equipo creativo, los mismos productores y los mismos actores, creando un nuevo trabajo de teatro de máscaras que sin ni una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo. Un viaje por universos cotidianos que, combinando de forma magistral la gravedad con la sonrisa, conmueve, sorprende y emociona. Un anciano, cuya principal ilusión en la vida era jugar a las cartas con su mujer, enviuda repentinamente. Su familia, hijo y nieta, se hacen cargo de él. Pese a esforzarse de la mejor manera de la que son capaces, le atienden, pero no le acompañan. El abuelo no logra hacerles entender que lo único que necesita es compañía, aunque sea jugando a las cartas tal como lo solía hacer. Se siente tan desvalido que acaba saliendo a la calle a buscar con quien jugar encontrando como única compañera una prostituta primeriza. El descubrimiento por parte del hijo de la prostituta en casa desencadenará una serie de acontecimientos cruciales en la vida de estos tres personajes. Aparentemente una historia sencilla, pero repleta de metáforas y de reflexiones acerca de las relaciones humanas, la necesidad de afecto, la incomunicación y en qué medida nuestros prejuicios son capaces de imposibilitar la felicidad de otras personas y por supuesto la nuestra. Un conmovedor montaje de teatro de máscaras que ahonda en la soledad y la incomunicación familiar. En ella juega un papel imprescindible la música, compuesta por Luis Miguel Cobo, que obtuvo también el Max a la mejor composición original.

Premio Max al mejor espectáculo y mejor música en 2018.

Lunes 25 de octubre 21:00 h.

Superagujero negro

Dirección y dramaturgia: Ana Rosa Alegre

Intérpretes: Ana Rosa Alegre

Compañía: (Extremadura)

Duración: 60 minutos

El espectáculo se desarrollará con los espectadores sentados en el escenario con un aforo limitado de 80 personas. Descarnado monólogo escrito y protagonizado por Ana Rosa Alegre (intérprete de “Los Cañones” que inauguro el Festival de Teatro de Badajoz en 2003 y de “Dicen que es una secta, pero todos tienen tarjeta de compra”, estrenada en el Centro de Ocio Contemporáneo -COC- en 2006). El texto narra en clave de monólogo cómico- dramático las vicisitudes pandémicas de una mujer no tan joven que lucha por mantenerse a flote en la gran ciudad (Madrid). Acompañan sus peripecias unas jocosas e incisivas reflexiones sobre nuestro modo de vida, así como sugerencias para resolver dilemas afectivos y laborales.

Martes 26 de octubre 21:00 h.

Querido capricho

Dirección: Tomás Cabané

Dramaturgia: Tomás Cabané en colaboración con Tomás Pozzi

Intérprete: Tomás Pozzi

Compañía: Coproducción del Centro Dramático Nacional, Pedro Hermosilla y Malala Producciones (Madrid)

Duración: 65 minutos

Enamorarse de un hombre veinte años menor y encerrarse en una habitación a esperar su llamada puede parecer una salvajada. Esto puede convertirse en una vieja estampa de amor o en un punto de partida para empezar a desmitificarlo. Es una historia de ocho encuentros, con mezcla de recuerdos y canciones que se proyectan en una frágil correspondencia. No queremos ni un disfraz, ni una máscara, sino su esencia como mujer. Un salto constante entre el actor y el personaje. Ella se ha cansado de esperar y ya no cree en el amor como lo hacía antes, ahora lo ve como un simple capricho.

Querido Capricho nos habla de la espera, del miedo a que no vuelvan a decirnos te quiero, de un amor no correspondido, de un amor intergeneracional. El mundo de Amanda se ha quedado reducido a una habitación “sin puertas” y un perro que no deja de ladrar, Hércules. Esta espera es similar a la del personaje de Penélope o al de La voz humana de Cocteau. Sin embargo, en esta ocasión quisimos que hablara con sus amigas, las chicas. Que hable, con nuestra propia mujer. Dicen que el amor lo vence todo, pero es el tiempo el que vence al amor.

Premio Mejor Espectáculo Revelación 2020 (Madrid Es Teatro).

Miércoles 27 de octubre 21:00 h.

La cresta de la ola

Dirección y dramaturgia: José Troncoso

Intérpretes: José Bustos, Belén Ponce de León, Alicia Rodríguez y Ana Turpin

Compañía: La Estampida Teatro (Andalucía)

Duración: 80 minutos

Cada vez más acomplejada por el sueño inalcanzable de llegar ser “alguien”, y harta de un presente de fango y servidumbre, Victoria desea con todas sus fuerzas la vida de los demás: La vida de Stella. Es el día de la fiesta contra el hambre de los niños en el mundo. Victoria sirve mientras Stella baila. Es el día en que una “mágica oportunidad” intercambie sus vidas para siempre, haciendo que la una pase a ser la otra y la otra, la una. Para siempre. ¿Es oro todo lo que reluce? Intercambiadas sus vidas, Victoria vivirá en la cresta de la ola mientras Stella probará las mieles del desencanto junto a un marido, al que no conoce y que no entiende sus ínfulas de grandeza. En una casa que se le cae encima como una enorme montaña de tierra. Victoria, por su parte, se adentra en la trastienda del éxito más absoluto. Y no permitirá que nada ni nadie le arrebate lo que por fin ya es suyo. Qué más da. Qué más da todo: La una, la otra y los demás. Una gran ola se acerca. Una ola inmensa, que hará que tomen conciencia quienes la tengan y la pierdan del todo los que nunca la tuvieron.

Jueves 28 de octubre 21:00 h.

Los Remedios

De Fernando Delgado-Hierro

Dirección: Juan Ceacero

Intérpretes: Pablo Chaves y Fernando Delgado-Hierro

Compañía: Exlímite (Madrid)

Duración: 110 minutos

Los Remedios es un barrio de Sevilla construido en los años 50. En Los Remedios, dos amigos de la infancia se juntan para tratar de entenderse a base de representarse: a ellos mismos, a las personas que marcaron su desarrollo, al contexto social que forjó su identidad. Los Remedios es un viaje a lo que queda en el propio cuerpo: los gestos, los tonos, las posturas. Es una auto ficción autodestructiva hecha por dos personas desarraigadas que remueven la tierra buscando algo a lo que agarrarse. Es una genealogía teatral, que indaga en la necesidad de la representación y en su capacidad transformadora. Es una pieza sobre la amistad como respuesta frente al desconcierto. Todo ello aderezado de un humor corrosivo que se nutre de su profundo conocimiento del barrio sevillano y sus peculiaridades.

Finalista Premios Max Mejor Espectáculo Revelación y Mejor autoría Revelación.

TALLER DE CREACIÓN del 19 al 21 de octubre

La dramaturgia actoral y los procesos

de creación colectiva

Teatro en Vilo

Profesoras: Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez

Dirigido a actores, directores y dramaturgos

Este taller dirigido a actores/actrices, directores/as y dramaturgos/as es una oportunidad para acercarse a procesos de creación colectiva dónde el actor o actriz tiene un rol fundamental, ya que ha de generar y organizar el material escénico trabajando desde su individualidad, sus referentes y su visión del mundo. También es esta una oportunidad para que directores/as y dramaturgos/as desarrollen herramientas para provocar y organizar los distintos imaginarios y propuestas de los actores/creadores, al tiempo que vuelcan sus propias ideas en el proceso de creación. En este taller pondremos a disposición de los participantes una amplia gama de recursos físicos, coreográficos, dramatúrgicos y de improvisación que contribuirán a desarrollar el potencial creador de cada uno, así como a articular una visión artística y un lenguaje escénico propio; todo ello en un contexto único de colaboración y encuentro con otros creadores. Profundizaremos en la importancia del cuerpo y el movimiento como fuente de la imaginación del actor/actriz, creador/a y aprenderemos a ordenar la información en el espacio y en el texto dentro de un marco de juego, libertad y colaboración. CONTENIDO – Training físico -Análisis de movimiento en el espacio escénico. – Estudio de principios fundamentales para la construcción de estructuras dramáticas a través de ejercicios de movimiento y escritura. – Composición coreográfica y dramatúrgica. – Disparadores temáticos e improvisaciones guiadas. – Tiempo de ensayo y creación (individual y/o colectivo) – Feedback.

OBJETIVOS
- Redescubrir la relación actriz/actor, dramaturgo/-a, director/-a y replantear los roles en el proceso creativo.
- Implementar la autonomía creativa del grupo y los individuos, su compromiso, responsabilidad y generosidad.
- Desarrollar la capacidad de juego, imaginación e intuición artística.
- Generar disparadores creativos a partir de ejes temáticos y gestionar la información generada por los mismos.
- Integrar nociones de los procesos de creación colectiva y del trabajo en grupo.
- Estudio de la expectativa y tensión dramática como herramientas fundamentales en la construcción de historias.
- Conocer desde el punto de vista del cuerpo en movimiento los principios de construcción dramática.
- Practicar la relación entre movimiento e imaginación y su aplicación en la creación escénica y artística.
- Estudio del tiempo, ritmo y espacio como elementos fundamentales en el texto escrito y la puesta en escena.
- Que el alumno/-na sea capaz de vincular su trabajo con su contexto, a través de la observación precisa del entorno.
- Reconocimiento del cuerpo voz y de la personalidad creadora.
- Desarrollar la capacidad de relacionarse con un público en el “aquí y ahora”.
- Los diferentes modos de relacionarse con el espacio, percibirlo, moverlo y moverse en él.
LA COMPAÑÍA: TEATRO EN VILO

Teatro En Vilo es una compañía internacional de teatro afincada en Madrid y fundada en Londres en 2012. Teatro En Vilo funciona como plataforma para colaboraciones internacionales e interdisciplinares entre creadores de escena, artistas e investigadores provenientes de países de todo el mundo. La compañía persigue un constante diálogo con su entorno social, político y personal, lo que le obliga a constantemente renovar también su lenguaje escénico. Sus espectáculos, performances, eventos y talleres buscan situarse en la delgada línea que separa el teatro de la vida y la ficción de la realidad. Combinando lo improvisado y lo coreográfico, lo grotesco y lo autobiográfico, el humor absurdo y la comedia gestual, la ternura y la irreverencia, Teatro EnVilo se ha lanzado a la apasionante aventura de intentar desentrañar el tiempo en que vivimos. En nuestra voluntad de llevar el teatro fuera de los escenarios hemos desarrollado en los últimos años una batería de talleres y cursos que juegan un papel fundamental en la trayectoria de la compañía, pues sirven como exploración del teatro que queremos hacer y como otra manera de entender el proceso y la finalidad de nuestro trabajo.

PRECIOS

ENTRADA GENERAL

Butaca de patio: 12 €

Anfiteatro: 10 €

DESCUENTO CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX

Butaca de patio: 8 €

Anfiteatro: 6 €

ABONO GENERAL

Precio único: 70 € (14 funciones)

FUERA DE ABONO

– Sábado 16 de octubre Espectáculo de calle

Paseo de San Francisco

El gran circo de la vida

Gratuito

– Lunes 25 de octubre

Superagujero negro*

Precio: 8 €

* El espectáculo se desarrollará con los espectadores sentados en el escenario con un aforo limitado de 80 personas.

Venta de entradas y abonos

Taquilla del Teatro López de Ayala

De 12:00 a 14:00 horas

De 19:00 a 21:30 horas

A partir del día 1 de octubre la taquilla abre por las tardes de 18:00 a 21:00 horas

APERTURA DE PUERTAS

UNA HORA ANTES DEL ESPECTÁCULO
12 de abril de 2021
Lorenzo Silva «Una novela con forma de libro de viajes y nostalgia de identidad»

Una búsqueda personal de la identidad castellana. De ahí parte la documentación, idea y proyecto llevada a un libro del autor de Castellano. Lorenzo Silva abandona por un rato a sus Bevilacqua y Chamorro y rastrea por la Castilla del 1520, un momento clave y muy olvidada para la historia de España.

Tres momentos marcan la vida de Silva, crecer en un barrio habitado por múltiples acentos del país, una bomba de péndulo que hizo borrar del mundo a su vecino por parte de ETA y su estancia en Cataluña entre el 2008 y 2015. Tres identidades imborrable es su ideario social que hizo buscar la identidad personal, el origen de nuestra forma de ser, el legado de una lengua que que hablan 500 millones de personal en el mundo. Una revolución identitaria gestada por comuneros desde una revolución integra y noble antes un Carlos V a miles de kilómetros de ese espacio y esa forma de entender una vida mejor para el pueblo.

De vuelta a la Feria del Libro después de tantos años

Me alojo en el mismo hotel en el que estuve dos semanas en año 2003 para documentarme para una novela que sucede aquí en Badajoz. Me gusta mucho volver a esta ciudad, porque es una de las ciudades de España donde he hecho el ejercicio de estudiarme toda su vida, sus calles, de conocer su historia y tratar de entenderla. Experimento una sensación de vuelta a casa.

Nos centramos en tu última publicación Lorenzo, hablábamos con José María Merino de la relevancia del español como lengua en el mundo pero quizá no sabemos muy bien el origen, la intrahistoria de nuestro país, ¿“Castellano” es prueba de ello?

La novela es un libro muy particular porque es realidad un libro de viajes. Un viaje personal, que busca una respuesta a esa pregunta que todos nos hemos hecho en algún momento, y que consiste en decirse ¿Quién soy? Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser, como se tiene que comportar o si es mejor o peor que los demás. Ese viaje personal se entrelaza con otro viaje histórico que es un episodio a la tierra de Castilla, a la tierra de España que a mí me ha resultado especialmente esclarecedor, para saber quién son y han sido los castellanos. Es la historia de las comunidades de Castilla, los comuneros, entre 1520 y 1522, de la que este año se conmemora un aniversario relevante, la batalla de Villalar, donde digámoslo así, la revolución quedó derrotada pero no extinguida.

¿Tiene vigencia ese momento histórico actualmente?

Yo quería traerla al lector de hoy, a la Castilla de hoy, tengo la sensación de que es una historia que aunque se ha mentado mucho se conoce poco. ¿Quiénes eran estas personas? ¿Por qué se sublevaron? Para empezar eran muchos y tenían motivaciones muy diferentes. Y Carlos V no se encontraba en el frente, Carlos V se encontraba en Flandes y Alemania, él puso a otros personajes en esa lucha, algo muy importante destacar. Personajes que tenían elementos muy interesantes para una novela, para el lector de hoy. Siempre y cuando se le acercara de una manera contemporánea. No se trata de una novela de corte decimonónico, es una novela histórica que intenta llevar al lector a la piel de esos personajes. Esa es su vigencia.

Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser

Buen momento para rendir homenaje a estos personajes

Con este libro preveía algo que luego se ha hecho realidad, y es que Castilla en general no suele ser muy reivindicativa. No es que no se hayan hecho cosas, pero es curioso como un acontecimiento para nosotros con un valor histórico para los castellanos y el conjunto de España, donde rastreando a los comuneros y las leyes que defendían, y que están reflejadas en las constituciones, hasta en la vigente de 1978, ha tenido una repercusión muy escasa. Por los menos que la desmemoria del pueblo se supla con la literatura que recuerde esos hechos tan importantes como éste.

No se trata de una novela de corte decimonónico, es una novela histórica que intenta llevar al lector a la piel de esos personajes. Esa es su vigencia.

Muchas son las temáticas sobre las que escribe, en este caso de la Castilla del siglo XVI ¿Cuál es ese proceso de investigación y documentación para llegar a construir la obra?

Es una de las partes que más me atrae de mi trabajo, entre otras cosas, yo escribo para aprender y en este caso para conocerme un poco más a mí mismo. Tratando de indagar en esta historia de Castilla, he llegado a comprender parte del carácter que he heredado de mis antepasados. La escritura es un proceso de aprendizaje y que te cargas de un proceso real, ese proceso de documentación es un esfuerzo de apropiación e interpretación personal. Tengo que convertir esos personajes históricos en personajes literarios. Buena parte de las cartas, documentos, actas notariales se conservan, es ahí donde trabajo para construir la historia y se lo dejo claro al lector, para que sepa que si no está contento con esa historia, lo pueda leer, rastrear o investigar por su cuenta. Mi trabajo no se trata de reconstruir una interpretación histórica.

Esos Bravo, Padilla y Maldonado de los “Castellanos” ¿Pueden tener, a pesar de decirnos que es su visión, interpretación histórica personal, un reflejo con la situación política actual?

Padilla era el verdadero capitán, Bravo era digamos su segundo y al pobre Maldonado lo matan por error, ese cuadro que está en el Congreso nos muestran que son regidores, actuales concejales pero no son los únicos que se sublevan o rebelan, incluso no son ellos los que sostienen el ideario de los comuneros, que viene de los teólogos de la Universidad de Salamanca y de juristas de Valladolid. Las ideas de todos ellos, aunque había muchas, básicamente se ciñen a una más elemental y que no es otra que la de romper la idea medieval de que el rey y el reino forman la misma cosa. Y como son diferentes pueden tener conflicto de intereses, y es donde Carlos V no entra en la fórmula. Sin embargo, esa idea por la que mucha gente fue decapitada es la que aún permanece en nuestras leyes cinco siglos después. Es algo muy vigente, es decir, eso por el que su antepasado Carlos V no entendía ni a tiros, Felipe VI lo tiene clarísimo.

Es algo muy vigente, es decir, eso por el que su antepasado Carlos V no entendía ni a tiros, Felipe VI lo tiene clarísimo.

¿Podría aparecer algún “Bevilacqua y Chamorro” en esta época de conflicto de hace 500 años o es inviable?

No los podríamos colocar salvo alguna licencia narrativa tipo el Ministerio del Tiempo, pero sí que creo y lo he pensado haciendo mucho este libro ese espíritu castellano que en el fondo viene de antes, en el siglo IX, que lleva ese sentimiento de mantener la propia identidad, incluso frente al monarca, todo a través de la coherencia y de la ley. El movimiento de los comuneros es una revolución pero enseguida invoca las leyes del reino y trata de convertir esa revolución en normas que tengas refrendo de las Cortes. Esa legalidad está también en el ADN de la Guardia Civil, en cierto modo una creación de la misma gente, una herencia sin duda.

Willy López. /Fotografía Félix Méndez.

1 de abril de 2021
Manteniendo el teatro en vilo a través de Noemí Rodríguez

La entrevista con Noemí Rodríguez, dramaturga, actriz, autora, escritora, profesora y entrevistada se dividió en tres actos. Ninguno de ellos carente de clima, diálogos y acotaciones. Noemí posee el 50% de Teatro en Vilo, o lo que es lo mismo, mantiene en vilo el 50% de su compañía.

Acto primero

Entran en el patio de butacas la jefa de prensa del teatro, fotógrafo y redactor ataviado con retales de una corresponsalía de guerra y la dramaturga. El equipo técnico del festival prepara el sonido, las luces y el escenario de la obra que se representara ese día.

(Se sientan entrevistada y entrevistador. Se retiran las mascarillas. Buscan sus perfiles buenos)

¿Primera vez en Badajoz?

[Pausa]…sí, es la primera, tenía ganas.

Antes de hablar de la obra que subirá al escenario de este teatro, Hoy puede ser mi gran noche, cuéntame ¿Qué tiempo te ha llevado para que tu trayectoria y la de tu compañía, aún joven, teatral tenga tanto impulso?

Es muy curioso, y tras una reflexión con una pandemia por delante de dos años, nos hemos dado cuenta de que llevamos diez años de Teatro en Vilo. Todo pasa muy rápido, desde ese 2012 que creamos la compañía. Me ha he provocado la necesidad de realizar una reflexión, donde han pasado volando, hemos trabajado mucho, y sin darnos cuento hemos creado nueve espectáculos…

…Es un número importante para sólo diez años, pero ¿Cómo os ha castigado la pandemia en esa producción?

Nosotros en vez de disminuir la actividad, incrementamos la producción, porque justo cuando estábamos en el confinamiento nos llamó Alfredo Sanzol, el director del Centro Dramático Nacional, y nos propuso que hiciéramos, aún con los teatros cerrados, un montaje para teatro en streaming…y montamos una obra en plena pandemia, todo un privilegio. Tuvimos además el lujo, de montar nuestros textos y el de dos grandes dramaturgos, Juan Mayorga y Pau Miró.

Acto segundo

Desplazados a otro escenario por la prueba de luces y sonido, la entrevista se emplaza en el Bar que hace esquina con el teatro. Es octubre, corre algo de aire y tres cafés jalonan la mesa que servirá de atrezo.

El proceso de creación se convierte en un elemento de vital importancia para vuestra forma de entender el teatro y para el futuro a corto plazo de la dramaturgia…liberar al teatro de ese encorsetamiento rígido…

Muy acertada esa observación, y es que nosotros, como autoras, no partimos de un texto escrito, normalmente partimos de preguntas imposibles de responder, y entramos en creación, en sala haciendo investigación, no para dar una respuesta si no para abrir posibilidades. No se trata de actuar como espectáculos pedagógicos, en absoluto, sólo reflexionamos para generar nuestras propias inquietudes. Comenzamos un nuevo espectáculo en el CDN y la premisa es ¿Cómo vamos a cambiar el mundo? Eso es enorme, imposible…además lo vamos hacer con personas entre 16 y 26 años, es decir, personas que están más cercanas a la infancia y que sean ellos y ellas las que intenten dar respuestas a una pregunta tan complicada nos parece fundamental. Ese punto de inocencia, tan naif, de esperanza, nos hace ver que posibilidades se pueden abrir.

¿Cómo elaboráis ese proceso de creación?

Todo parte de una escucha muy personal, ¿Qué ideas me preocupan a mí? ¿Qué me molesta a mí? ¿De qué me es difícil hablar? ¿Qué no entiendo?…si en mí se produce esa dificultad de entender algo o algo me molesta, posiblemente ese mismo movimiento de incomodidad esté sucediendo en mi entorno. Trabajamos desde la voluntad de escucharnos, desde el individuo a lo global. Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro, un espacio de conversación.

Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro

Es duro, y quizá invasivo, pero muchas veces no paramos y los que no reflexionamos o no nos escuchamos somos nosotros…¿Has parado a reflexionar si lo pasas bien durante ese proceso teatral?

Nuestra voluntad en esos procesos, es que efectivamente sea un juego, haya un disfrute, y eso es algo fundamental para la creatividad. Nosotras sin esa creatividad no podemos hacer los espectáculos que hacemos, no podemos abrir esos grandes melones de los que hablamos. Es la única manera de llegar lo más lejos posible dentro de esta profesión, de esta manera también te puedes atrever a fallar, y que el fallo no sea algo horrible, el fracaso y el miedo no son buenos compañeros de viajes. Se deben tener en cuenta para aceptarlos como una invitación para seguir creciendo, en el accidente, lo inesperado está la innovación, la oportunidad y la apertura de espacios e ideas nuevas. El teatro debería de ser el espacio de mayor posible porque te puedes crear un mundo que no existe en absoluto.

Hablas de espacios teatrales como parte de dramaturgia pero también está el espacio físico, que muchas veces no es capaz de romper, de traspasar, como a veces sucede con museos y otros espacios que asumen una rigidez desfasada. ¿Vosotras rompéis esa línea fina y divisoria de esos espacios escénicos en vuestra estructura, en vuestra forma de hacer teatro?

¿Qué es el teatro? El teatro es, entre otras muchas cosas, un ritual, una comunión de los cuerpos, el hecho social de juntarse para formar parte activa de un espectáculo. Después de la pandemia el teatro tiene otro peso…¡De repente es un evento!…cobra otra dimensión tanto, como espectadora como de actriz. Integrar al espectador antes de estrenar la obra a través de cuestiones o contactos nos hace salirnos de lo estático del teatro. Lo hicimos con Man up, por ejemplo, ya que no fuimos nada convencionales en el proceso, y eso nos permitió romper lo regio del teatro.

El teatro debería de ser el espacio de mayor posible porque te puedes crear un mundo que no existe en absoluto

Teatro en Vilo sois dos mujeres, Noemí Rodríguez y Andrea Jiménez, pero vosotras revindicáis en vuestros textos y obras, temas sin tener que identificaros con el género, procedencia o clase social…simplemente hacéis teatro, independientemente que en el contexto sí surja la crítica…

…me gusta mucho que me hagas esta pregunta, porque ya no tanto ahora, que tenemos un recorrido más largo, pero tanto en la programación como en las críticas, y porque tendemos a marcarlo todo, solían identificarnos con teatro de mujeres simplemente porque somos mujeres, una cosa que nos resultaba dolorosa. La protagonista, la dramaturga y autora son mujeres pero al final no se hablaba de la obra… ¡Hacemos teatro!…y eso de las mujeres hablan de mujeres y los hombres hablan de lo universal no es correcto. Yo hablo de lo universal, de lo humano, y sí, soy mujer y también gallega…

…Noemí, tu tierra natal, sí que aparece en la obra que presentas en el 44 Festival de teatro de Badajoz, Hoy puede ser mi gran noche…

…esa parte es fundamental. La historia está basada en el contexto que nos criamos mi hermana y yo, Darlene, que también está en escena, y nosotras solemos decir que es una historia que está basada en hechos reales como las películas de los domingos de Antena 3. El show es muy vintage, y es un espectáculo de cómo reajustamos nuestras expectativas. Una historia muy cercana donde dos personas se crían en los años 90 y donde parecía que no había techo con un horizonte infinito de posibilidades que después hemos tenido que reajustar…nos preguntamos por qué hemos vivido esta trola durante tanto tiempo.

Trabajas con talleres teatrales, como el que se imparte en el festival, explícame cómo se desarrollan, qué pregunta se hace el alumno, qué percibes de esta actividad tan integral…

Son espacios de investigación, de encuentros entre muchas realidades, y es curioso porque cuando arranqué el curso, con una espacie de programa para impartir, descubrí tras preguntarles qué venían buscando con este taller, tuve que restructurarlo todo. Me resultó muy bonito, muy conmovedor, descubrir que muchas personas venían para ver cómo volver a empezar, para ver cómo arrancaban otra vez…dejé esas herramientas dramatúrgicas para centrarme en la creencia y la ilusión que tiene el teatro. Dentro de esa oscuridad que estamos arrastrando tenemos que seguir viva esa luz que da el teatro.

Acto tercero

Antes de recoger los bártulos, la entrevistada responde a una pregunta clave que engancha con la obra y se pagan los cafés educadamente.

Hablas de la gente, de los alumnos del taller, pero después de diez años de compañía, ¿Cómo está tú?

[Respira, largo silencio y voz entrecortada] …las personas que nos dedicamos a esto es porque sentimos una pasión muy fuerte, y yo siento que con los años, tu pasión se va transformado, tu pasión cambia, ya no sientes ese fuego, es otra sensación. Pienso que he conseguido mucho de mis sueños, vivo del teatro, hago las cosas que me gustan, seguimos produciendo, tengo todo lo que soñaba…pero tras ese desgaste para llegar ahí y mantener la misma ilusión me surge la idea de nuestra etapa de niños. De pequeños sentimos curiosidad, después esa curiosidad se transforma en pasión y esa pasión en una edad más adulta, tras un camino recorrido en tu carrera, se convierte en propósito, con la vocación de servicio, lo hago por mí pero sobre todo para los demás.

Willy López | Fotografía. Félix Méndez

22 de marzo de 2021

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Pardo, Benavent y Tino di Geraldo «La leyenda del jazz en el tiempo»

Pensaba que habíamos venido con el trío a Badajoz pero Tino no ha venido nunca a tocar jazz. La primera vez entonces, y tras la pandemia recuperando las dinámicas de trabajo, me siento afortunado porque muchos de nuestra profesión no han podido recuperar el ritmo. Jorge Pardo

Una alegría tremenda estar de nuevo con el público, hay una especie de ganas con la gente tremenda, nos encontramos que hay una comunicación mucho más intensa que antes. Carles Benavent

Para nosotros, al menos para mí, el escenario siempre es el mismo. Cuando lo pisas, da igual que estés en Singapur o que estés en Badajoz, lo vamos a dar todo siempre. La responsabilidad, el esfuerzo y el respeto por el público es el mismo. Tino di Geraldo

Como soy abuelo sigo llamando LP al último lanzamiento del Trío, Flamenco Leaks, y por lo mismo, por mis años, improvisamos sólo con mirarnos unos a otros. Carles Benavent

Emilio Gañán «De santos y texturas»

Iñaki Gabilondo «Periodismo con letras mayúsculas»

El periodismo en el interior de un país que no tiene nada que ver con lo que tiene ahora no solo se puede responder bajo el prisma de un solo oficio

¿Hablamos de mi tren de Extremadura o de la guerra de Donald Trump? Efectivamente cuando se echan las cosas a comparar se juegan situaciones muy difíciles y para quienes tienes que hacer productos como un programa de radio de cadena es siempre un lío de mil demonios

La consciencia del oyente, del destinatario, del espectador, del lector es clave para que este oficio tenga sentido

La cultura no es sencillamente el barniz de conocimientos que te permite pasar por un hombre medianamente culto mencionando cuatro libros, dos óperas y un tal sino es una actitud ante la vida

Melchor Balsera «Las dimensiones intangibles de un artista del sur»

El laberinto de las tortugas «Animando a Buñuel desde una tierra con pan»

Todos tienen que dibujar lo mismo. Tiene que ser el mismo Buñuel siempre, en una secuencia con ocho o diez planos puede que haya ocho o diez dibujantes distintos

Esta historia no pegaba hacerla 3D, por el estilo del argumento y el protagonista necesitaba una animación tradicional 2D, esa animación que llevamos viendo toda la vida desde pequeño y que hacía Disney

Nuestra peli 1,8 millones de euros pero eso no es nada para el coste de una película de animación. Tadeo Jones tiene 10 millones y una producción Disney 170 millones

En cierta medida, perdimos un poco de respeto a Buñuel y contar la historia de un artista que tenía 32 años y que estaba buscando su forma de expresarse en el cine

La Novia de Frankenstein «Cómo darle calabazas a un monstruo»

Instrucciones para tocar piezas de Bach y Radiohead en un teatro romano extremeño sin sorpresas

Festival Internacional de Teatro de Badajoz «16 obras para emocionarse con las artes escénicas»

Lorenzo Silva «Una novela con forma de libro de viajes y nostalgia de identidad»

Una pregunta que pasa por la respuesta por una identidad castellana, muy personal, que no pretendo convertir en un sentimiento de nada ni mucho menos, ni para construir naciones ni patrias, y ni muchísimo menos aún para decirle nadie lo que tiene que ser

No se trata de una novela de corte decimonónico, es una novela histórica que intenta llevar al lector a la piel de esos personajes. Esa es su vigencia.

Es algo muy vigente, es decir, eso por el que su antepasado Carlos V no entendía ni a tiros, Felipe VI lo tiene clarísimo.

Manteniendo el teatro en vilo a través de Noemí Rodríguez

Es importante tener un diálogo entre el contexto social, político y personal, es básico tener el teatro como un foro

El teatro debería de ser el espacio de mayor posible porque te puedes crear un mundo que no existe en absoluto