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La actriz llega al 49.º Festival Internacional de Teatro de Badajoz con «Dysphoria», un intenso monólogo de Histrión Teatro dirigido por María Goiricelaya que aborda la identidad de género, la maternidad y los conflictos sociales y legales que rodean a las personas trans. A sus 63 años, después de tres décadas sobre los escenarios, Matarranz reivindica su pasión por el oficio, el teatro como espacio para hacerse preguntas y las ganas de seguir explorando nuevos territorios interpretativos.

Gema Matarranz tiene 63 años, lleva treinta subida a los escenarios con Histrión Teatro y asegura que todavía le quedan muchas cosas por hacer. Entre ellas, volver a la comedia, un territorio que también conoce, aunque reconoce que la profesión parece empeñada en reservarle los personajes más dramáticos. Habla con cercanía, se ríe de sí misma y confiesa, antes de comenzar nuestra conversación, que se defiende bastante mejor sobre las tablas que delante de una entrevista. Cuesta creerla. Enseguida aparecen el oficio, las ganas de contar y una relación con el teatro que, pese a los inevitables altibajos de la vida, sigue ocupando un lugar fundamental en su día a día. «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá», recuerda que le dijo a su compañera y socia Nines Carrascal. La oportunidad llegó de la mano de María Goiricelaya, dramaturga y directora con la que Histrión Teatro ya había trabajado en Nevenka. El resultado es Dysphoria, una propuesta que exige a Matarranz interpretar a varios personajes, desplazarse entre distintos tiempos narrativos y sostener prácticamente en solitario una historia que transita por la maternidad, la adolescencia, la identidad de género y los conflictos que surgen cuando la realidad familiar termina enfrentándose también a la justicia.

La protagonista es una madre que descubre que su hija adolescente se identifica como un chico y quiere ser reconocido como Alex. A la dificultad inicial para comprender y aceptar esta nueva realidad se suma una acusación de abuso sexual contra el joven, que introduce a la familia en un complejo proceso judicial. El texto combina ficción y documentación, y evita ofrecer al espectador una respuesta cerrada. La escenografía parece sencilla: una plataforma circular giratoria y una silla. Sobre ese espacio se suceden habitaciones, conversaciones familiares, consultas y tribunales. Matarranz cambia de personajes con pequeños gestos, registros vocales y movimientos corporales. La iluminación y el sonido acompañan una narración que avanza y retrocede en el tiempo.

La actriz llega ahora al 49 Festival Internacional de Teatro de Badajoz con una obra que ha encontrado una acogida que ella misma reconoce no haber imaginado. Durante nuestra conversación hablamos de Dysphoria, pero también de la adolescencia, de las nuevas dramaturgias, de las dificultades de mantener una compañía durante treinta años y de ese público que, algunas noches, se acerca al escenario para contarle que algo ha cambiado después de asistir a una representación.

«Nosotros contamos. El público tiene que decidir dónde se emociona, dónde se incomoda y con qué no está de acuerdo»

—Gema, comencemos por el principio. ¿Qué es Dysphoria y qué nos proponéis con esta obra?

—En este caso hablamos de disforia de género. Disforia es lo contrario de euforia. La disforia de género es esa sensación de angustia, de ansiedad, que pueden experimentar determinadas personas desde pequeñas porque sienten que su identidad no se corresponde con el género que la sociedad les ha asignado. Hay muchos tipos de disforia, pero nosotros abordamos concretamente la de género.

—La propuesta escénica resulta especialmente interesante. Una plataforma circular, una silla y una actriz que interpreta a varios personajes. ¿Cómo construís todos esos espacios y situaciones con tan pocos elementos?

—El espacio escénico es una plataforma giratoria con una silla. Esa plataforma nos permite representar también todas las vueltas que damos a lo que está sucediendo durante la obra. A medida que gira, vamos creando distintos espacios: la casa, la cocina, una ventana, el juicio… Hay que jugar con la imaginación, pero de una manera muy cercana y sencilla. Además, tenemos un segundo círculo que permanece fijo y que es un espacio muy especial, sobre todo para el adolescente, y una zona frontal que utilizamos especialmente durante las escenas judiciales. Todo está planteado para que el público pueda seguir perfectamente la historia. De hecho, estamos haciendo funciones para adolescentes y no tienen ningún problema para comprenderla.

—Interpretas a una madre, a su hijo, a profesionales del ámbito judicial y sanitario… ¿Cómo preparas tantos personajes y consigues pasar de uno a otro prácticamente sin cambiar de vestuario?

—Desde el principio, María Goiricelaya y yo hablamos de utilizar la menor cantidad posible de elementos. No hay prácticamente cambios de vestuario. Solamente llevo una sudadera con capucha, que utilizo para determinados personajes. He trabajado muchísimo la voz, los registros y también el cuerpo. El propio texto está escrito de manera que cada personaje tiene un lenguaje muy particular. Para construir al adolescente, por ejemplo, me he fijado en cómo hablan los chicos de quince años, en esas pocas palabras que a veces utilizan, en los tonos que van hacia abajo, en esa dificultad para expresar lo que quieren decir. La madre, para mí, es el público. La he construido desde esa cercanía, como si yo misma fuera quien está sentado en el patio de butacas.

Después están los personajes del juicio. El fiscal y la abogada tienen un lenguaje tan específico que prácticamente te obliga a adoptar otra disposición corporal. En un juicio, muchas veces, resulta difícil comprender lo que están contando. Entran en una discusión que parece casi ajena al niño y a su madre. Y está la psicóloga o psiquiatra, que es un personaje muy importante. Es probablemente el que más se parece a mí. Quería que fuera cercano, cálido, que acompañara todo lo que sucede. Es quien va aportando información sobre los procesos de transición, sobre la legislación y sobre muchas cuestiones que María ha documentado extraordinariamente bien.

—La historia plantea un conflicto familiar, pero también judicial y social. ¿Buscáis que el espectador tome partido o preferís dejar abiertas las preguntas?

—Nosotros no juzgamos. Nosotros contamos. El público tiene que decidir qué separa, qué une, con qué se emociona, con qué no está de acuerdo, dónde se incomoda, dónde quiere marcharse o dónde está deseando darme un abrazo al terminar. La historia, además, no está contada cronológicamente. Vamos hacia atrás y hacia adelante. Puedes estar en el momento en que el adolescente le cuenta a su madre lo que siente y, de repente, encontrarte en el juicio o regresar a una situación anterior. Eso permite un juego escénico maravilloso, apoyado por la iluminación, el sonido y la música. Para una actriz es un ejercicio extraordinario porque tienes que estar permanentemente situada en el momento emocional de cada personaje. Y también tiene algo de thriller. El público quiere saber qué va a pasar al final.

—Cuando trabajamos sobre una realidad que desconocemos, a veces descubrimos que nuestras propias ideas necesitan una revisión. ¿Te ha cambiado personalmente la mirada durante este proceso?

—Los procesos teatrales siempre te cambian. Siempre. Eso no significa que el cambio tenga que ser drástico. A veces es solamente una pequeña pincelada, pero cambia algo porque estás investigando, conociendo otras realidades y hablando mucho sobre ellas. María y yo hemos pasado muchísimas horas juntas durante los ensayos. Ella tiene una hija pequeña. Yo no tengo hijos, pero tengo muy cerca al hijo de mi compañera Nines, que tiene quince años y que me ha inspirado muchísimo para esta historia. No soy madre y, sin embargo, me he sentido madre interpretando este personaje. Supongo que en mi cabeza están mi propia madre y todas las madres que me han rodeado a lo largo de la vida.

El conocimiento te ayuda a cambiar o, al menos, a decidir de otra manera. Y eso también le sucede al público. Recuerdo una experiencia que me emocionó muchísimo. Después de una función, mientras estábamos recogiendo el escenario, se acercó un hombre que tendría setenta y tantos años. Me dijo que quería hablar conmigo. Empezó a emocionarse y me contó que había llegado al teatro con unas ideas muy claras, muy firmes. Pero que ahora tenía que regresar a casa y pensar en todo lo que había escuchado. Me dijo que a veces había que cambiar, darle una vuelta a las cosas. Nos emocionó a todos los que estábamos allí. Me abrazó, me dio la mano y me dijo: «Menos mal que he venido al teatro».

—También estáis representando Dysphoria ante adolescentes, precisamente en edades en las que aparecen muchas de estas preguntas. ¿Cómo reaccionan los chicos y las chicas ante la obra?

—Hay inquietud y también cierto desasosiego porque se aborda el acoso escolar y no puedes separar unas cosas de otras. Trabajamos con adolescentes de quince, dieciséis y diecisiete años, y hay diferencias importantes entre esas edades, incluso desde el punto de vista legal. Hay jóvenes que tienen muy claro lo que sienten y que necesitan que se les permita ser como son. Otros están en un proceso de descubrimiento, intentando comprender lo que les sucede. También interviene todo lo que reciben de su entorno, de las redes sociales y de la información que tienen a su alcance. Ellos saben muchísimas cosas. Otra cuestión es cómo las filtran y de dónde procede esa información. Ahí tenemos un trabajo muy importante los adultos. Ellos no tienen la mochila de experiencias que tenemos nosotros y necesitan que los ayudemos. Pero también tienen sus derechos y hay que respetarlos. En eso soy tajante.

—Histrión Teatro cumple treinta años y tú llevas todo ese tiempo vinculada a la compañía. ¿Qué tiene de particular este personaje dentro de tu trayectoria?

—Tiene algo diferente porque, aunque no era completamente ajena al tema, sí lo desconocía bastante. Para mí ha sido un descubrimiento desde el punto de vista de la investigación y también de la interpretación. Histrión siempre ha tenido una tendencia hacia el teatro social, hacia un teatro de piel, comprometido con lo que sucede. Pero, además, personalmente estaba en un momento en el que le decía a Nines Carrascal: «O hago un monólogo ahora o ya me veo con un tacatá». Tengo 63 años y sentía que era el momento. Me encontraba fuerte, tenía ganas y este trabajo me ha ayudado muchísimo. Tener que interpretar cinco o seis personajes, cambiar continuamente de registro y hacerlo de la mano de María ha sido una experiencia maravillosa.

—Después de treinta años de profesión, ¿en qué momento personal y artístico se encuentra Gema Matarranz? ¿Sigue siendo el teatro el amor de tu vida?

—Ahora mismo, aquí y ahora, sí. Sigue siendo el amor de mi vida. Ha habido altibajos, naturalmente, porque pasan muchas cosas y también tengo una vida personal. Pero quiero seguir. Quiero seguir investigando, creando, que nos dejen hablar y que el teatro sea ese altavoz que considero que tiene que ser para exponer determinadas cuestiones. Todo el mundo dice que soy una actriz trágica, pero también soy cómica. Lo que ocurre es que no tengo tantas oportunidades para demostrarlo. Me encantaría volver a trabajar desde el humor, desde la ironía, desde la ternura, y poner otros asuntos sobre la mesa. Cuando pienso en todas las cosas que me gustaría hacer, ahí tengo la respuesta. Sí, quiero continuar. Me siento fuerte y, además, con Dysphoria la profesión me está devolviendo muchas cosas. Está siendo muy amable, muy cariñosa y muy generosa con mi trabajo.

—Precisamente hablas de la comedia y del humor como herramientas para abordar asuntos complejos. ¿Podría haberse contado Dysphoria desde una perspectiva más cómica o necesitaba este tratamiento dramático?

—Yo creo que Dysphoria, no. Al menos, no desde mi manera de entenderla ahora mismo. Hay determinados asuntos, como la violencia de género y otras realidades muy dolorosas, que personalmente necesito abordar desde otro lugar. Eso no quiere decir que no se puedan tratar desde el humor. Seguramente alguien podría hacerlo y funcionaría estupendamente. Pero yo, aquí y ahora, prefiero hablar de estas cuestiones desde la documentación y con la intensidad que considero necesaria. Están pasando muchas cosas. Hay situaciones muy preocupantes relacionadas con la adolescencia y la salud mental. Me parece que la manera en la que estamos contando esta historia es muy oportuna. Quizá en otro momento alguien encuentre una forma de abordarla desde la comedia, quitándole hierro sin perder lo importante, pero ahora mismo yo no lo veo así.

—Hablamos de treinta años de compañía, pero también de treinta años atravesando las dificultades del sector. ¿Cómo ves actualmente la salud del teatro español? ¿Seguimos instalados en esa eterna crisis?

—La palabra crisis siempre ha estado asociada al teatro y seguramente continuará estándolo porque es una realidad. Otra cuestión es cómo se gestionan esas crisis, dependiendo de las administraciones, las comunidades autónomas y los gobiernos. Pero hay una parte que me alegra muchísimo. Con Dysphoria, por ejemplo, estamos teniendo bastante público. Yo pensaba que quizá el tema podía resultar poco atractivo para alguien que decide ir al teatro un domingo por la tarde. Y, sin embargo, la respuesta está siendo muy buena. Además, están apareciendo nuevas dramaturgias, dramaturgas, directoras, autoras… Hay una cantidad de gente joven extraordinaria. Tenemos una cantera de actores y actrices estupenda y también intérpretes de mi generación que nos hemos formado trabajando sobre los escenarios, junto al público. Se están haciendo espectáculos maravillosos. Todo eso ha generado una red creativa muy potente. Luego está la otra parte, la de las dificultades, que por supuesto existe. Pero el teatro es un instrumento tan fuerte, tan válido y tan potente que, si lo cuidamos, puede ser una auténtica maravilla.

—Llegas por primera vez al Festival Internacional de Teatro de Badajoz, que celebra su 49.ª edición. ¿Qué supone para vosotros formar parte de un certamen con casi medio siglo de historia?

—Me llevé una sorpresa enorme. Nosotros trabajamos en Extremadura con Marta, de Proyecto Cultura, que es una mujer de teatro maravillosa. Quiero nombrarla porque hace un trabajo extraordinario. Cuando me dijo que íbamos a estar en Badajoz, no me lo podía creer. Estoy feliz. Ojalá el público también salga contento, descubra a esta compañía que quizá no había visto nunca y tenga curiosidad por seguir nuestros pasos. Con eso ya vamos muy bien. Estoy muy agradecida al festival por confiar en nosotros y también a Marta por su trabajo.

—Los festivales también pueden ser espacios para prolongar las conversaciones más allá de la representación. ¿Crees que obras como Dysphoria necesitan ese encuentro posterior con los espectadores?

—Es muy interesante. En algunos festivales y funciones hacemos encuentros con el público. A veces alguien de la compañía participa en charlas, clases o actividades paralelas. Hay muchas posibilidades. Pero también hay que tener en cuenta cómo trabajamos las compañías. Yo llevo una gira muy apretada. Voy de Badajoz a Palencia, de Palencia a Bolaños… Y estoy encantada, pero hay jornadas en las que empezamos a montar a las nueve de la mañana. Yo participo en el montaje porque es mi compañía y también llevo la producción en gira. Montamos, me preparo, hago la función y después desmontamos. Si a todo eso le añades coloquios y actividades, a veces resulta complicado. Dicho esto, cuando hacemos campañas escolares me encanta hablar con los chavales después de la función. Pueden salirte por lugares absolutamente maravillosos. Es otra manera de conocerlos y de conocer también cómo reciben nuestro trabajo. Con Dysphoria he participado en algunos coloquios muy interesantes. Hay conversaciones que realmente merecen la pena.

—Detrás de una actriz sola sobre el escenario hay muchas personas trabajando para que esa función pueda llegar a Badajoz y seguir recorriendo teatros. Háblame de ese equipo que sostiene Histrión Teatro.

—Hay muchísima gente detrás. En la producción estamos Sonia Espinosa, Nines Carrascal y yo. Nines es mi socia y llevamos treinta años juntas con Histrión. Es una productora maravillosa y también está vinculada a Mercartes. Después tenemos un equipo con personas que llevan muchos años trabajando con nosotras. Está Juan Felipe, «Tomatierra», que se encarga del diseño de iluminación y del trabajo técnico. Está Álvaro Gómez Candela, mi pareja desde hace treinta y cinco años, que es un escenógrafo maravilloso. También contamos con el equipo técnico que nos acompaña en las giras. Y, por supuesto, está María Goiricelaya, que es el alma de esta propuesta.

—¿Cómo nace vuestra relación con María Goiricelaya y qué ha significado trabajar con ella?

—Nos conocíamos del circuito teatral, especialmente de las ferias y de nuestra relación con el País Vasco, donde trabajamos bastante. Nines ya la conocía y me animaron a leer sus textos. Empecé a leerla, fui a ver una de sus obras y pensamos que teníamos que trabajar juntas. Le propusimos hacer algo con nosotras, pero queríamos encontrar un proyecto que realmente le apeteciera, que nos acercara a su universo y en el que todas nos sintiéramos cómodas. Así surgió primero Nevenka y después Dysphoria. ¿Qué puedo decir de María? Es maravillosa. Es inteligente, alegre, cercana, tiene una capacidad extraordinaria para trabajar y para comprender lo que quiere contar. Para mí, María es una hermana.

—Dysphoria también está recibiendo reconocimientos. ¿Cómo estáis viviendo ese recorrido?

—Estrenamos en la Feria de Teatro de Castilla y León, en Ciudad Rodrigo, donde recibimos un premio. Después llegaron también reconocimientos en los premios del teatro andaluz. Todo eso hace mucha ilusión, naturalmente. Los premios son otra cuestión. Hay espectáculos impresionantes que nunca han recibido ninguno. Pero está bien que se reconozca el trabajo. También he sido finalista en otros premios y me hizo muchísima ilusión compartir nominación con compañeras extraordinarias. Al final, lo importante es seguir trabajando y encontrarse con el público, pero cuando la profesión reconoce lo que haces, claro que emociona.

Al despedirnos, Gema Matarranz continúa hablando del teatro con la misma energía con la que ha recorrido sus treinta años de profesión. La gira no concede demasiadas treguas. Cada función implica desplazamientos, horas de montaje, pruebas técnicas, interpretación y desmontaje antes de volver a cargar el equipo y emprender camino hacia otra ciudad. En Badajoz la espera el escenario del López de Ayala, un teatro que visitará por primera vez como intérprete y donde presentará una obra que le ha permitido asumir uno de los retos más exigentes de su carrera. También encontrarse con un público nuevo, al que no pretende convencer de nada, sino ofrecerle una historia para que cada espectador decida qué hacer con ella.

Willy López / Imagen Histrión Teatro