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OBSERVATORIO DE LA CULTURA | Lo mejor del año cultural en Extremadura

EL OBSERVATORIO DE LA CULTURA DE FUNDACIÓN CONTEMPORÁNEA

Fundación Contemporánea presenta los resultados de la consulta anual del Observatorio de la Cultura, correspondiente al cierre del año 2017.

El Observatorio de la Cultura es un instrumento para tomar el pulso a algunas de las cuestiones que más puedan interesar al sector en cada momento, creando unos indicadores para analizar tendencias, promoviendo el debate e identificando carencias y oportunidades de actuación. Desde 2009 se lleva a cabo una consulta anual, para elaborar una serie de indicadores relativos a las diferentes áreas de la cultura, a la actividad cultural de las diferentes comunidades autónomas y ciudades, a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año y a la evolución anual de los presupuestos de la cultura cuestionario se envía a un panel de expertos formado por más de mil profesionales de primer nivel de nuestra cultura: escritores, artistas, directores y actores, músicos, arquitectos y creadores de todos los campos; responsables de fundaciones, directores de museos, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas y responsables de industrias culturales; comisarios de exposiciones, gestores culturales y profesionales del sector, así como responsables de áreas e instituciones culturales de la administración pública central, autonómica y municipal.

Esta nueva edición del Observatorio de la Cultura ha contado con la participación de 362 miembros del panel, que han completado el cuestionario entre los meses de noviembre de 2017 y enero de 2018.

COMUNIDADES AUTÓNOMAS. CALIDAD E INNOVACIÓN DE SU OFERTA CULTURAL

Madrid, el País Vasco y Cataluña son este año y por este orden, las comunidades más destacadas por la calidad e innovación de su programación cultural. El fuerte descenso en la puntuación de Cataluña le hace retroceder al tercer puesto, mientras Andalucía y la Comunidad Valenciana, en cuarto y quinto

LO MEJOR DEL AÑO EN ESPAÑA

Cada panelista ha señalado hasta diez instituciones y acontecimientos culturales como los más destacados del año 2017, en una pregunta abierta sin aportar ningún nombre. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para alguna actividad concreta, ésta figura entre paréntesis tras el nombre de la institución.

Este año encabeza el ranking el Museo Reina Sofía (con menciones significativas a Picasso, William Kentridge, Doris Salcedo y Esther Ferrer) alternándose de nuevo con el Museo del Prado (Hispanic Society, Fortuny). Por primera vez alcanza el tercer lugar el Museo Guggenheim (Bill Viola), seguido por el Festival de San Sebastián, el Teatro Real y el Museo Thyssen-Bornemisza. El nuevo Centro Botín irrumpe en séptimo lugar, seguido de CaixaForum (Warhol), PHotoEspaña y Temporada Alta.

La relación se completa con hasta 64 instituciones y actividades, de las que 21 figuran por primera vez o vuelven a figurar este año en el ranking. Entre las novedades destacan el mencionado Centro Botín (7), el Museo de Bellas Artes de Bilbao (18), Bombas Gens Centre d’Art (23), El Pavón Teatro Kamikaze (25) y el Año Murillo de Sevilla (31).

LO MEJOR DEL AÑO EN CADA COMUNIDAD. Extremadura

A continuación se presentan los rankings específicos sobre lo mejor del año cultural en cada comunidad autónoma. Para ello, los panelistas de cada comunidad han señalado hasta diez instituciones y acontecimientos culturales como los más destacados del año 2017, en una pregunta abierta sin aportar ningún nombre. Mientras que el ranking nacional se basa en la opinión de los panelistas de toda España, el ranking de cada comunidad refleja la opinión de los panelistas de esa comunidad exclusivamente. Las puntuaciones se refieren al porcentaje de panelistas que han mencionado cada una. Cuando se ha recogido un número significativo de menciones para alguna actividad concreta, ésta figura entre paréntesis tras el nombre de la institución.

1. Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

2.Festival de Teatro Clásico de Cáceres

2. Womad

4. Festival Contempopránea

4. Museo Vostell Malpartida

4. Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear

4. Festival de Teatro Clásico de Alcántara

4. MAE. Extremadura Escena

9. Festival Internacional de Teatro y Danza Contemporáneos de Badajoz

9. Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas

9. Badasom

9. Stone & Music

13. D’Rule: Artistas en el Territorio

13. Orquesta de Extremadura

13. Teatro López de Ayala

26 de mayo de 2017
Ernesto Alterio «La magia de un actor especial para un escenario maravilloso»

El reportaje sobre Mérida para la emisión nacional aprovecha el sabor teatral que el Festival de Teatro Clásico rezuma como potenciador turístico cultural. Informativos que emiten en directo colocan sus cámaras, pruebas de audio y balances de blanco. Último vistazo a las libretas, repletas de datos, preguntas, esbozos de la obra y nombres de dioses y personajes griegos.

El peristilo hace las veces de mesa de redacción y plató improvisado de televisión. En este campo de batalla grecolatino el fuego es amigo y de manera estratégica se cruzan los tiros de cámara, los micrófonos de los redactores y los protagonistas de la obra en una guerra de preguntas y respuestas.

El megáfono del Teatro anuncia que quedan cinco minutos para que los turistas abandonen las instalaciones. Apuran viendo como el ballet de actores y actrices bailan de puesto en puesto, una danza dulce y agradable como precalentamiento del ensayo final. Un preestreno con reivindicación troyana, siria y femenina, un grito escénico de refugiados, expulsados, abandonadas, esclavizados, martirizadas y desposeídas. La dureza de un texto de hace siglos con total vigencia, un mensajero con la orden de sacrificar a una hija, un heraldo con la resignación de realizar un trabajo aqueo, de liquidar y cercenar la integridad de las mujeres, viste traje de chaqueta, consume terror en sus mensajes y honestidad teatral en todos sus poros.

No sé cómo dulcificar la pena que voy a causarte.  Taltibio en las Troyanas de Eurípides.

Ernesto, define Troyanas.

La historia de Troya creo que es muy conocida por todos, los griegos meten ese caballo en Troya…[Ríe]…bueno en realidad lo meten los troyanos. La ciudad es devastada por los griegos y los griegos empiezan a repartir el botín, las mujeres formaban parte de este botín, sorteadas como recompensa de la guerra, como esclavas. Las troyanas cuenta esa noche, la última de esa guerra que duró diez años, donde a las mujeres troyanas se les comunica el destino que les han designado los vencedores.

Y bajo ese manto troyano de la obra de Eurípides ¿Qué trasfondo de actualidad podemos percibir?

La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos. Esta versión hecha por Alberto Conejero utiliza un lenguaje muy directo, con mucha potencia, donde aparece Hécuba como personaje central, rodeada de Políxena, que no aparece en Las Troyanas de Eurípides, Helena, Casandra, Andrómaca, y Briseida.

La adaptación habla de los horrores, de la crueldad que arrastra y disemina la guerra durante y después de los conflictos

Aparece Políxena y desaparece Menelao, te quedas como mensajero y única figura masculina de la obra…

…es una apuesta que se hace en esta versión, centrando todo en el personaje de Taltibio, son ellas las protagonistas sin duda. También está el crío, Astianacte, que en esta ocasión sale en la obra y se convierte en uno de los momentos fuertes de la representación porque toca llevármelo para que lo sacrifiquen, lo tiren por la murallas.

Ernesto, tú tienes una hija, e interpretar, recitar, el asesinato de un hijo puede ser duro…

…te prometo que ni lo pienso, el personaje es muy complejo por la posición que tiene que sostener, es decir, ser el encargado de una misión tan funesta como tener que comunicar a estas mujeres el destino tan horrible que les espera. Aparco mi vida personal y me introduzco en este personaje tan fascinante y duro, Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas. Sin dudas un mal lugar para tener humanidad. En esta versión, la obra la abre Taltibio, condenado durante siglos a vagar sin poder morir y obligado a contar noche tras noche lo que sucedió para expiar su culpa. Es un personaje cíclico.

Y para subrayar a este personaje de componente cíclico ¿Cómo te lo has preparado para lanzarlo en este escenario?

A mí me atraía este proyecto porque la veo como una oportunidad única, por estar rodeados de mujeres, de grandes actrices, sentía que era un momento especial de hacer diferente. Me he preparado el personaje intentado armar todo su recorrido en la obra, qué es lo que ha hecho, antes de poner un pie en escena tenía que analizar lo que pasa entre las cuatro apariciones que tiene. Imaginar el recorrido, los lugares, el consejo donde están todos los jefes griegos que mandan ejecutar a las mujeres, ver cómo era eso realmente. Ver las caras de los ejecutores, recorrer el camino desde ahí hasta el campamento donde las tienen recluidas. Ese trabajo lo he realizado desde el lado de Taltibio en la obra y luego me he basado viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra, porque Taltibio es un personaje trastornado después de lo que le ha tocado desempeñar, videos de guerrilleros de las FARC, de los paramilitares colombianos, de ex torturadores de Argentina, gente que les ha tocado hacer cosas horribles. De esta manera quería ver cómo ha evolucionado dentro de ellos después de los años.

Taltibio es un tipo que no se cuestiona nada las órdenes que le han obligado dar pero dentro de él hay una semilla de humanidad que le empieza a jugar malas pasadas

Tanto la versión de Alberto Conejero como la escenografía de Paco Azorín nos muestran una Troya repleta de refugiadas, exiliadas, mutiladas, una Siria visual de texto latino podríamos decir…

…imagínate, somos siete intérpretes y para hacer imaginar la dimensión de lo que estamos narrando se ha ido por un lado a la utilización de un lenguaje muy directo que llega al espectador como casi un puñetazo y por otro lado se ha buscado generar una abstracción en cuanto a la puesta en escena. Se ha trabajo mucho el movimiento escénico, ha habido un coreógrafo en los ensayos y hemos tenido una carga muy importante de ejercicio en cada ensayo para intentar crear un lenguaje escénico para desprender al espectador de lo cotidiano, para poder imaginar la gran dimensión que tiene esta historia.

¿Qué supone plantarte en medio de este maravilloso espacio escénico?

Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años. Es una experiencia única por estar en contacto con la energía que desprenden y que contienen estas piedras, este lugar, estar en contacto con el aire, con las estrellas y con la tierra, con obras que justamente tienen muy presentes los elementos naturales.

Me he preparado en personaje viendo declaraciones o testimonios de excombatientes de guerra

¿El canguelo es mayor en estas grandes producciones?

…[Ríe]…siempre hay canguelo, el miedo es necesario. Para mí esa sensación, en este sentido, el actor se la juega como un torero, es decir, hay que gestionar el miedo, sino hay miedo es que no te estás jugando nada, y un actor que no arriesga para mí no es interesante.

Familia de actores, una pregunta que no paramos de hacértela, pero ¿Cómo se “compite” con representaciones como las que ha hecho tu padre Héctor Alterio, como Yo Claudio, en el Festival de Teatro Clásico Mérida?

Ni me lo planteo eso de competir con mi padre…[Ríe]…pero entre mi hermana y yo podemos al menos rozarlo…[Ríe]…estoy muy orgulloso del recorrido de mi padre pero cada uno tenemos nuestro trabajo y estilo y recorrido.

Este teatro tiene una magia muy especial, me produce una emoción muy grande, y lo pude comprobar con Edipo Rey hace nueve años

De Animalario hasta aquí un bonito y largo recorrido…cine, series, teatro…

Largo recorrido Willy, pero me siento que esto acaba de empezar. Trabajo como si Las Troyanas fuera lo primero que voy a hacer…[Ríe]…bueno no tanto. Es como un viaje en donde cada experiencia me ayuda abordar la siguiente con más sentido. Cada etapa la voy disfrutando con mucho placer.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

12 de abril de 2017
La Torre «Un duelo teatral de garrotazos interpretativos»

El simple control de un balón puede relatar la calidad del jugador. Un escueto gesto sobre la cancha de baloncesto puede suministrar las pistas suficientes sobre carácter de una jugadora. El primer plano de una película tiene la capacidad de servirnos como pleonasmo; tostón u obra maestra. El piloto de una serie de televisión marca la tendencia del resto de temporadas, si es que se ruedan. Cuando sientes los labios de tu pareja sabes, al primer contacto, si estamos ante un/a virtuoso/a del beso. Un acorde y zas, ese chico llegará lejos en la música. Un desgarro, un espontáneo tirititram tram tram y sabemos que esa cantaora tiene duende. Un corte sutil, con potencia, garra y solvencia nos descifra en segundos que estamos ante un pedazo de carnicero y seguramente que también ante un suculento chuletón. El primer párrafo de un libro vale para que una editorial estruje los derechos de autor del escritor. El mecanismo ortodoxo, mecánico, ese que pasa inadvertido dentro del coche, cambio de marchas, seda en las curvas y velocidad ajustada nos da la respuesta; excelente conductor y siete euros por el trayecto. Con un simple trazo, con lo que sea, carboncillo, paleta del ordenador, brocha o acuarela, sabemos si el pintor nos va a pedir mucho por su obra. Un gesto, una pose, un movimiento, una ademán, un silencio, una palabra, sin engolamientos, firme y a la vez sinuosa, un minuto sobre el escenario y sabremos si la obra es buena, los actores carne de teatro y el director un futuro dramaturgo de éxito. Con todos ustedes La Torre. Una obra escrita por Eugenio Amaya, interpretada por Quino Díez y Candido Gómez y dirigida por Jorge Moraga. Una obra que a simple vista, destila lo estrictamente necesario para corroborar que dará que hablar.

Jorge con La Torre das un salto enorme. Dirigir una obra de principio a fin. ¿Qué significa para ti este reto?

La dirección es algo me apasiona dentro del universo teatral. Cuando estaba con Eugenio Amaya, siempre me he podido permitir cualquier cosa, porque al final yo sólo ayudaba a dirigir, sabiendo que era Eugenio el que tenía tomar las decisiones. Pero de repente el que tomas las decisiones en La Torre soy yo…[Ríe]…ya sean para bien o para mal. Yo he tenido la suerte de caer en este equipo hace unos años, conocerlo bien, tanto el reparto como el equipo técnico-artístico, y me lo han hecho tan fácil que esa conexión ha provocado que los puntos de flaqueza personales hayan superado de manera sencilla…y es que el director sólo coordina el talento de la gente.

Tu recorrido, aún breve, es intenso. Tu trabajo es multidisciplinar, quizá un valor añadido pero también puede ser un componente peligroso a la hora de acaparar todo en dirección.

No lo veo como un problema. Vengo del audiovisual y recalo en teatro de una manera intrascendente, como un hobby, es más, siempre me he visto más cerca del cine que del teatro. Pero ese carácter íntimo de las artes escénicas termina devorándote sin remisión. Algo parecido me pasó con el dibujo, no dibujaba para nadie, sólo para pasar el rato y ahora realizo viñetas para medios de comunicación, he ilustrado cómics y un cortometraje. Con el teatro me ha pasado algo parecido, empecé poco a poco, como actor, luego me entró la vena de escribir, de adaptar alguna obra en el grupo de teatro de la Residencia Universitaria Hernán Cortés, y tras toparme con la dirección con Arán, el hobby se ha convertido en un empeño profesional más.

“El director sólo coordina el talento de la gente”

¿Cuándo se plantea el reto de dirigir esta obra? ¿Cuándo te ceden los trastos?
El momento es muy curioso, porque de entre los correos que nos mandábamos sobre la obra del Festival de Teatro de Mérida, Marco Aurelio, Eugenio Amaya me envío uno que me planteaba dirigir la obra que acababa de escribir, La Torre. Durante muchos días estuvimos viéndonos, conversando sobre esa obra y pensado que yo sólo iba ayudarlo a dirigir. Le dije que contara conmigo y Eugenio me iba contando todo acerca del nuevo proyecto hasta que un día me dijo acerca de la interpretación de los actores que eso dependía de mí, la toma de decisiones era mío. Fue cuando me di cuenta de la proposición de la dirección total del montaje. Me quedé sorprendido y agradecido por el depósito de confianza puesto en mí. Yo antes sólo había dirigido microteatros en Madrid. Desde el primer ensayo de Anomía, recordemos que con La Torre se cierra la trilogía sobre la burbuja inmobiliaria, Eugenio siempre me pidió opinión sobre lo que habíamos visto. Eso yo lo siempre lo he interpretado como una invitación a participar.

Quino Díez se ha puesto las lentillas y el traje para el ensayo, Cándido Gómez estrena polo para la última prueba con el director. El local de ensayo recrea el liviano decorado, troncos, fondo negro (en la obra una pantalla de fondo) y luces. Se sientan sobre los troncos y arriman sus opiniones sobre su trabajo a la grabadora.

Hablas del equipo, de aquellos que te han ayudado para llegar aquí. Ahora con este montaje te encuentras con dos actores, Quino Díez y Candi Gómez, con los que empezaste tu aventura teatral. ¿Cómo viras tu trabajo de dirección directa con ellos?

Jorge Moraga -Cuando ya los conocí en Anomía, hubo algo que ya ha marcado el trabajo con ellos. Algunas apreciaciones durante esa obra ya las asimilaban y recibían con…[Ríen]…resignación…siempre me sentía muy orgulloso por esto.

Candi Gómez – Nos dabas el coñazo todos los días, ya en el María Guerrero era así. Entraba todos los días en los camerinos para reforzar cualquier detalle, los treinta días así…[Ríen].

Quino Díez – Nosotros somos muy bien mandaos

Jorge Moraga – Esa confianza ayuda mucho. Eugenio vio la obra en el María Guerrero el primer día y el resto me las cedió. Yo veía las funciones y les daba las notas, las consensuaba con él, pero al final era yo quien gestionaba esa parte tan importante para el desarrollo de la obra.

A pesar de esa confianza debe dar un poco de miedo enfrentarse a una función con dos actores ya conocidos. ¿Qué mecanismos aplicáis para trabajos juntos?

Candi Gómez – Nos tenemos mucho respeto, porque sin ese respeto no hubiésemos sacado adelante ni un cuarto de la obra. Recuerdo el primer día que llegué un poco tarde y no me dejo tomar ni un café, me dijo que ya no me daba tiempo. Desde ese día marcó las líneas de trabajo, desde ese día se ganó el respeto.

Jorge Moraga – Más allá de eso, hay que recordar que nuestra relación es muy de familia. Eso hace que la confianza entre nosotros sea potente, estableciendo una manera de abordar esto que a mí me ha hecho muy cómodo el romper ese miedo a estos dos actores.

Candi Gómez- Hay dos cosas que me ha gustado mucho, como el texto era muy complicado, hemos ido estudiando tres páginas diarias para ir saboreando el texto con mayor claridad. Y después se ha reunido con nosotros solos, por separado. Hay elementos que uno no conocemos del otro, sólo lo sabremos cuando actuemos.

Quino Díez – Yo hago cosas que él no sabe. Jorge ha construido los personajes por separado como en un encuentro casual de la vida misma. Eso me confiere autoridad para ver al personaje de Candi desde otra perspectiva más real.

Tengo la sensación de que disfrutáis con este trabajo, tan ingrato en muchas ocasiones…

Quino Díez – Muchísimo, hasta nos echamos de menos. Jorge nos conoce muy bien, conoce nuestros registros y eso ayuda mucho. Te guía de manera magistral, me dice por dónde debo tirar y sabe cuándo estoy falseando al personaje para corregirlo a tiempo.

Candi Gómez – Y nos hemos reído mucho. Quiero decir con esto que cuando más valor tiene la risa es cuando no puedes reírte, cuando hay que trabajar sobre un tema serio. Eso da muestras de lo cómodo que hemos trabajado los personajes.

“Moraga ha construido los personajes por separado como en un encuentro casual de la vida misma”

Los dos personajes de La Torre no tienen nada que ver con los dos que interpretabais en Anomia y en Familia ¿O me equivoco?

Quino Díez – No te equivocas. Mi personaje es promotor inmobiliario con los problemas de todos los promotores inmobiliarios de este país y es un auténtico cabrón. Márquez es un tipo egoísta que sólo piensa en su beneficio y va buscando dar el último pelotazo porque están las cosas muy mal y tiene muchos pufos repartidos. Vivo del dinero que tengo escondido, un mal tipo, al menos al principio. ¿Difícil salvarlo?

Jorge Moraga – Hay muchos personajes de nuestra sociedad identificado con este personaje que interpreta Quino. Están en la barra de un bar cualquiera. Eso es lo que hace cercana esta obra.

Candi Gómez – Yo soy un pobre desgraciado, mis hermanos me han engañado toda la vida, estoy completamente arruinado, estoy divorciado, mi mujer me ha echado de casa y ahora vivo en un albergue. Así es Pérez. Los albergues han cambiado mucho, ya no son lo que eran, un apeadero de putas, yonkis e inmigrantes, allí ahora hay licenciados, economistas, abogados o maestros. Eso lo convierte en una lucha permanente con Márquez, donde todos son más inteligentes que él pero la vida le ha dado más palos incluso. Desgraciadamente hay mucha gente como la que interpreta Quino en el mundo.

Es por tanto La Torre, ¿Una edificación metafórica de la obra?

Jorge Moraga – La Torre nunca existe en la obra. Versa sobre algo que no existe, que desean que se construya para paliar sus precarias vidas pero no existe. Esa búsqueda, ese esperar a que vuelva la burbuja es un castillo en el aire que nunca va a parecer.

Quino Díez – Estamos esperando al del banco…[Ríen]…Pero nunca viene.

Jorge Moraga – Y aunque Pérez no salva a Márquez, ambos se necesitan. Con Pérez empatizas, es la parte débil aunque tiene su parte oscura. Hay que aclarar que ambos tiene muchos matices, no son o negro y blanco, eso hace tan atractiva y amplia esta obra. Márquez sin embargo muestra mucho más lo que realmente somos nosotros, puede acabar en el albergue. La pregunta que se plantea es ¿Hasta cuándo estamos dispuestos a llegar cuando está todo en juego?

La respuesta suponemos que se da en la obra, ¿Este reto de los dos retratos sociales que se dan en España supone un esfuerzo interpretativo extra?

Quino Díez – Esto es lo más difícil que he hecho en mi vida en el teatro, sin duda. Acabamos agotados. La tensión en grande y necesitamos de una dosis permanente de vigilancia para estar frescos la hora y media de función.

Candi Gómez – La Torre tiene mucho texto y además tiene muchos saltos y giros en los diálogos para mantener la línea de atención. Necesitamos estar muy concentrados.

Le comenté a Eugenio Amaya que la obra de Anomia, cuando se estrenó en Badajoz, con un montaje cercano, proporcionaba una sensación vigorosa y latente del teatro. Con La Torre me dio a entender que necesitaba espacio para crear la soledad de los personajes.

Candi Gómez – Esa fue una magnífica función. Aunque esta obra también puede representarse en espacios más pequeños. El agobio sería tremendo.

Actuar en Badajoz, en casa, con una obra dramática ¿Supone un sobreesfuerzo para poder desmaquillar a vuestros personajes en la vida real?

Candi Gómez – Dicen que los cómicos hacen muy bien las tragedias y los dramas, al revés no. Me da el mismo placer hacer ambas cosas, aunque si tuviera que ponerlo en una balanza como dice el texto me quedaría con la parte más humorística, la que a la gente le gusta en Badajoz. Pero si es verdad que me pongo algo más nervioso aquí que en Madrid.

Quino Gómez- Aquí saben que te van a juzgar en muchos más aspectos. Además cuando “juegas “ en casa las críticas son más directas…La obra está muy bien pero es un poco larga…[Ríen].

¿Está el teatro a punto de irse al “albergue” como los personajes de la obra o goza de buena salud?

Candi Gómez – El teatro está bajo mínimos y va a tardar en levantarse. Las salas alternativas están bien para actuar pero no da dinero. Las compañías están hechas una pena o han desaparecido. Yo estoy alternando con cinco obras a la vez para hacer un sueldo.

Jorge Moraga – Ahora es el momento de la lucha. Es el momento de poner todo el talento en escena y que el público haga que sobrevivan los mejores.

Candi Gómez- ¡En la lucha llevamos toda la vida! Yo he podido tirar la toalla, a punto de jubilarme pero como no he cotizado…[Ríen]…el trabajo ha sido tan precario que no podemos rendirnos. ¡Ni estando en cinco montajes!

Quino Díez- Solo con muy buena voluntad puedes avanzar en este teatro actual. Tres o cuatro textos en la cabeza para poder tirar para adelante.

Candi Gómez – Hay una película llamada La sombra del actor interpretada por Al Pacino, donde el actor tiene tanto personajes en la cabeza que confunde Otelo con Hamlet y Hamlet con Antígona…[Ríen]

“Cuando el espectador salga de la obra podrá entender el cartel. Es una metáfora”

¿Para presentar una obra da igual un escenario pequeño o el romano de Mérida?

Candi Gómez – El romano es la cumbre, esas piedras milenarias, esa acústica que no hace falta micrófonos. Quizá trabajar en Broadway.

Quino Díez. Si me dicen hacen unos años que tras reengancharme al teatro aquí en Extremadura iba a estar en el María Guerrero e iba a salir por la valva regia del Teatro Romano de Mérida no sé podría creer nadie.

El cartel de la Torre, es particular, creado por ti Jorge, mezclas el Duelo a garrotazos de Goya con una torre de pisos en un descampado ¿Qué significado tiene?

Jorge Moraga – Cuando el espectador salga de la obra podrá entender el cartel. Es una metáfora. Una especie de spoiler.

Para finalizar, Quino, Candi, Jorge ¿Qué definición podéis hacerme de teatro?

Quino Díez – Debería de ser un espejo para la sociedad pero no debería dejar de ser un divertimento también. El teatro en cada momento de la historia debe intentar enseñarle a la ciudadanía, ya lo hacían los griegos, como somos.

Cando Gómez – El teatro es una filosofía de vida, es una forma de vivir diferente y aunque suene muy duro decirlo mi vida no tendría sentido sin este arte. El teatro siempre tiene que ser de juzgado de guardia, hay que denunciar algo, sino no tiene sentido.

Jorge Moraga – El teatro es pasión, con lo bueno y con lo malo, que no hace estar vivos y nos ayuda a entender donde carajo estamos. Te ayuda a contar historias para ubicarnos a entender la vorágine donde vivimos.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

14 de noviembre de 2016
Esteve Soler «Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones»

Catalán, inglés, francés, alemán, castellano, griego, italiano, danés, rumano, checo, húngaro, ruso, croata, portugués, esloveno, sueco y finlandés. Los idiomas en lo que se ha podido escuchar la obra Contra la Democracia. Y 70 directores le han aplicado su dictadura en el escenario para que el espectador pueda votar libremente desde sus butacas.

Uno de ellos, el que ha dirigido la obra en el 39 Festival de Teatro de Badajoz, Antonio Guijosa, nos cuenta que Contra la democracia nos pone frente a un espejo que tal vez arroje una imagen incómoda.

¿Y quién es el autor de esta imagen tan incómoda?

Esteve Soler. El que desde su escondite en las entrañas de su imaginario se atreve a proponer un debate muy profundo y necesario. Soler nos propone siete puntos de reflexión sobre nuestro funcionamiento social y nos empuja a generar nuestro propio criterio al respecto. El retrato que ofrecen estas siete historias no es muy alentador.

Nos han contado que la democracia es la mejor de las formas de gobierno. Nos han contado que la democracia consiste en que el poder recaiga en el pueblo y éste elija libremente a sus representantes, quienes estarán a su servicio, buscando el bien general respetando los derechos fundamentales.

Antes de nada Esteve, cuéntanos tus primeros pasos como dramaturgo

Empecé a escribir relatos cuando era adolescente. Más tarde mi interés por el teatro, el cine, el cómic y otras formas narrativas me hizo interesarme por la idea de la dramaturgia. Estudié esa disciplina en el Institut del Teatre de Barcelona, donde escribí mis primeros textos teatrales.

Contra la Democracia…forma parte de una trilogía, ¿Qué encierran estos
textos entre sí?

Primero escribí Contra el progreso, en 2008, que forma parte de la misma trilogía que Contra el amor y Contra la democracia, escritas respectivamente en 2009 y 2010. La idea es acercarnos a palabras positivas que han sido manipuladas en su uso masivo. Por ejemplo, no es lo mismo el progreso ‘humano’ que el progreso ‘financiero’, pero en muchas ocasiones nos llega confundido de la misma manera. La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual.

El teatro no es una conversación unidireccional; el teatro se completa con el público, con el encuentro entre esas historias y la gente. ¿Es una cadena de oprobios sobre la
misma democracia o jugamos con el poder del teatro?

Yo creo en el progreso, en el amor y la democracia. Y las obras reflejan eso aunque nos sirvamos de las convenciones teatrales para demostrar las contradicciones que rodean esos conceptos y busquemos la risa y la reflexión del público.

«La idea que lo humano ha quedado supeditado a lo útil o lo rentable es algo que está en todos los textos por igual»

¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad? ¿Ese el punto de partida de la obra?

Esa es una de esas preguntas que se hace el espectador durante la función. Mi objetivo no es dar respuestas, sino generar cuestiones, preguntas que el público se lleve a casa y que les dé un par de vueltas si tiene tiempo cuando, por ejemplo, va conduciendo en coche o cuando está almorzando el día después.

¿Cómo se trabaja con Antonio Guijosa, José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio? ¿Te lo ponen fácil o te montan una «dictadura» de tu texto?

Se trabaja muy bien. Nunca intervengo presencialmente en los ensayos de mis obras, pero estoy totalmente disponible para lo que quieran sus productores o directores o quien sea. Es un placer. A veces se trata de asesorar, otras de hablar simplemente un rato o de colaborar de mil maneras distintas en la producción. Con este equipo me di cuenta inmediatamente que había mucho talento, ambición y sentido común. Ojalá fuera así siempre.

Siempre solemos charlar, nombrar, entrevistar a los actores y directores de las obras de teatro…¿Qué importancia tiene el autor de la obra en este país? ¿Existe cantera de dramaturgos? ¿Se le da la relevancia que os merecéis?

Primero de todo quiero decir que es un honor estar en la lista de autores estrenados por Teatro del Noctámbulo. Cuando vi que seguía a David Mamet y Martin MacDonagh, pensé que estaba delante de una compañía que sabía valorar los textos. Y así ha sido. En todo caso, en términos globales y comparativos con otros países el autor aquí tiene una importancia menor. O incluso mucho menor. Como en todos los lugares, aquí existe una cantera de dramaturgos consecuente a los esfuerzos que se hacen para cuidar de ellos.

Estreno absoluto de este montaje Esteve en castellano ¿Qué supone esa primera vez para
ti?

Es la primera vez que este texto se hace en castellano en España y me siento muy contento. Pero sobretodo estoy contento que se haga en el momento adecuado y con el mejor equipo posible. Después de ver el resultado en Badajoz creo que existe un potencial muy interesante para la trayectoria del montaje.

Barcelona-Badajoz…aunque vemos que triunfa en teatros de todo el mundo ¿El público puede sentarse en las butacas con diferente parecer sobre estas 7 píldoras por el simple hecho de estar en la otra esquina del país?

Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares. Intento que el público se distancie de la obra a través del contraste en los géneros. El choque entre el humor y el horror planteado en la obra hace que la gente tenga una reacción que coincide totalmente en los diferentes lugares donde se ha representado.

Boadella, Fonstseré…háblame un poco de personajes de la talle de ellos…¿!Qué ten han aportado?
Boadella y Fontseré son clásicos indiscutibles de nuestra escena. Son referentes no sólo para mí, sino para la totalidad de la profesión. En mis textos me han influido muchos creadores, pero los montajes de Els joglars me encantan por ser la perfecta mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo, por su desafío constante a lo establecido y por una coherencia autoral envidiable.

«Las estrategias a la hora de plantear el montaje pueden ser distintas en Bucarest, Nueva York o Munich, pero las reacciones del público son muy similares»

Espacios donde tu obra cobra una dimensión potente, ¿dónde han brillado con más fuerza?

Los textos están disponibles en 17 idiomas y se han hecho en multitud de países con lo cual tengo un buen número de montajes de los que puedo estar orgulloso. El de Teatro del Noctámbulo es uno de ellos, pero recuerdo también diversos montajes en Alemania, Croacia, Rumania y Suiza que me han impresionado.

Entrevista Willy López | Fotografía. Félix Méndez / Teatro del Noctámbulo | Cartel. Bárbara Sánchez

4 de noviembre de 2016
39 Festival de Teatro de Badajoz

39 ediciones son muchas ediciones para un festival enteramente dedicado al teatro. Difícil encontrar en el país, un festival tan longevo y tan asentado en el panorama cultural. Los pacenses, los extremeños y los que cruzan la frontera con Portugal, o incluso el charco (Este año podremos disfrutar de una obra uruguaya)podrán sentir todas las emociones que desprende el aroma del teatro en estado puro.

Resaltar la visita, casi obligada, en este año cervantino (IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes) de El Brujo y su obra Los misterios del Quijote. También pasarán por el emblemático Teatro López de Ayala actrices y actores de la talla de José Vicente Moirón, Pepón Nieto, María Adánez, Pepe Viyuela, Paca Velardiéz, Francis Lucas, Guillermo Serrano y Víctor Ullate.

Muchas compañías extremeñas tendrán su hueco en la programación de este año, y los precios de las entradas y los abonos buscan fidelizar con el verdadero motor de las artes escénicas, el público.

Sube el telón del teatro en Badajoz…

El amor brujo / 22 OCTUBRE / 21:00 h.

Ballet de Víctor Ullate (Comunidad de Madrid)
Coreografía: Víctor Ullate
Música: Manuel de Falla, Luis Delgado, In Slaughter Natives

Sinopsis:
Una revisión de la pieza que Víctor Ullate estrenó el 28 de mayo de 1994 en la Maestranza de Sevilla.

Para esta nueva ocasión se estrenan escenografía y vestuario, buscando dar mayor protagonismo a la luz – el fuego fatuo- , presente en toda la trama. En esta versión se lleva a cabo una apuesta musical rompedora con la inclusión del grupo de dark ambience “In Slaughter Natives”, que se suma a los efectos musicales creados por Luis Delgado para la versión original y que conducen al espectador a una travesía entre la vida y la muerte, un viaje hacia el más allá.

La obra, escrita por Falla a principios del siglo XX y de marcado carácter andaluz, ahonda en el misticismo gitano, acercándose al amor en su forma más primitiva y esencial. Cuenta la historia de Candela, una muchacha gitana, cuyo amor por Carmelo se ve atormentado por el espectro de su antiguo amante. Una historia de amor y pasión, de lágrimas y desconsuelo, de brujería y seducción, de muerte y de danza.

La coreografía contiene momentos de gran belleza, como Canción del amor dolido, Romance del pescador o Canción del fuego fatuo. Cabe destacar que esta versión incluye tres canciones populares escritas por Manuel de Falla: Nana, Polo y Asturiana, además de una variación de Paco de Lucía para José el eterno amante.

Una nueva versión de El Amor Brujo, distinto en sus formas, pero eterno en su esencia.

El Jurado / 23 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Luis Felipe Blasco Vilches
Basado en ’12 hombres sin piedad’

Director: Andrés Lima
Intérpretes: Pepón Nieto, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez, Cuca Escribano, Eduardo Velasco, Víctor Clavijo, Luz Valdenebro, Usun Yoon y Josean Bengoetxea
Compañía: Avanti Teatro (Madrid)

Sinopsis:
Un político acusado en un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Y un jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpable o inocente? ‘El Jurado’ de la compañía Avanti Teatro es un espectáculo bajo la dirección de Andrés Lima inspirado en la mítica obra dramática del autor estadounidense Reginald Rose.

El motor del proyecto de ‘El Jurado’ es el convencimiento de que el sistema judicial español es víctima de la corrupción política. No es una cuestión de ideologías sino de honradez y vergüenza. En ‘El Jurado’, dos de los personajes tienen una ideología muy marcada, a la izquierda y a la derecha, y ambos desde posiciones opuestas coinciden en criticar las mismas debilidades del sistema. Tratamos de hacer un retrato social de la España de hoy. De sus excesos y nuestras miserias…

Dicen que el verdadero poder de un pueblo soberano está en elegir democráticamente en las urnas a los políticos que le gobiernan. ¿Qué ocurrirá cuando sea el pueblo quien tiene que declarar culpable o inocente a la persona que hay tras el político? ¿Dónde acaba lo público y empieza lo privado?

Los misterios del Quijote – El Brujo / 24 OCTUBRE / 21:00 h.

Sobre la obra de Miguel de Cervantes

Versión, dirección e interpretación: Rafael Álvarez ‘El brujo’

Sinopsis:
Ilustres todos por méritos propios ,sobran, pues, razones de halago para aquellos que entregan días y noches a tarea tan ardua como “profundizar en la inmensa obra de Don Miguel de Cervantes Saavedra, aquel “Don Quijote de La Mancha” No es bastante leerla, comprenderla… hay que interpretarla, adaptarla, y escenificarla de tal manera que el texto fluya y regrese a este siglo con plena actualidad.

Tras estos textos de lujo no hay sólo una labor de erudición (les aseguro que la hay), hay amor, humor y una búsqueda de lo esencial: la búsqueda de lo que es. O lo que pudo ser. O lo que, a lo mejor, terminan descubriendo que será.

El pequeño Poni / 25 OCTUBRE / 21.00 h.

Autor: Paco Bezerra

Director:  Luis Luque

Intérpretes: María Adánez y Roberto Enríquez
Compañía: Miguel Narros (Madrid)

Sinopsis:
Esta obra está inspirada en los hechos reales que tuvieron lugar en Estados Unidos durante el año 2014. Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo; una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección; un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

Mármol / 26 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Marina Carr

Director: Antonio C. Guijosa
Intérpretes: José Luis Alcobendas, Elena González, Pepe Viyuela y Susana Hernández

Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

Sinopsis:
Art y Ben son dos triunfadores. Amigos de toda la vida, son profesionales de éxito, tienen una sólida posición económica, los dos están casados y tienen hijos. Un día, Art le cuenta a Ben, en tono jocoso, que ha soñado que se acostaba con Catherine, la mujer de Ben, en una habitación cubierta de mármol. La estupefacción de Ben se convertirá en desesperación cuando descubra que su mujer también lo ha soñado y que ella y su mejor amigo siguen compartiendo sueños en los días siguientes.

En Mármol, el espectador ve cómo algo que en un primer momento era anecdótico va progresivamente destruyendo las relaciones entre cuatro personajes que creían tenerlas perfectamente controladas. Los cuatro protagonistas comienzan a reflexionar sobre las decisiones que han tomado y sobre las que han adoptado casi sin darse cuenta, pero los últimos reductos de seguridad saltan por los aires cuando Catherine se atreve a cruzar los límites…

No daré hijos, daré versos / 27 OCTUBRE / 21:00 h.

Autora y directora: Marianella Morena

Intérpretes: Lucía Trentini, Cristian Amacoria, Laura Báez, Agustín Urrutia, Mané Pérez y Domingo Milesi
Compañía: Colectivo Teatro La Morena (Uruguay)

Sinopsis:
La obra se basa en la vida y la obra de la poetisa Delmira Agustini, una de las grandes figuras de las letras uruguayas que murió asesinada por su ex marido. Ella había irrumpido a principios del siglo XX con un pensamiento y una actitud frente al lenguaje contemporáneo.

La obra está dividida en tres actos, cada uno de los cuales muestra un género y un lenguaje diferentes. En el primero, titulado «De la muerte a la vida», «los actores sobreviven en tres Delmiras y tres maridos -explica la directora-. Una poeta muere trágicamente en su juventud, pero su obra continúa. Después de la bala viene la vida».

El segundo acto, «Hacia el realismo y la familia», «intenta reconstruir un espacio doméstico, armónico, las piezas y las partes donde deben ir, los roles, los personajes, los diálogos y las formas también».

La obra viaja, en el tercer acto -«Hiperrealismo»-, a 2010 y a la época del Mundial de fútbol, cuando «una conocida casa de remates presenta a disposición del público el lote Delmira», explica Marianella Morena.

Contra la democracia / 28 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Esteve Soler

Director: Antonio C. Guijosa
Intérpretes: José Vicente Moirón, Memé Tabares, Gabriel Moreno y Marina Recio

Compañía: Teatro del Noctámbulo (Extremadura)

Sinopsis:
Contra la democracia son (siete obritas de “Grand Gignol”) 7 pequeñas obras que mezclan horror y comedia, 7 momentos tan extraños como próximos, 7 visiones surrealistas y contundentes sobre un engaño colectivo cada día más escandaloso. ¿Todavía hay alguien que crea que los ciudadanos gobernamos nuestra sociedad?

Kafka enamorado / 29 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Luis Araújo
Director: José Pascual
Intérpretes: Cayetana Cabezas, Fernando Coronado y Juan Carlos Arráez
Compañía: Centro Dramático Nacional (Madrid)

Sinopsis:
Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo.
Hoy, cuando todo producto artístico es un bien de consumo, una mercancía de compraventa, el trabajo de este autor es un aldabonazo que, tal como él pretendía, «abre extensas heridas en nuestra conciencia». Kafka enamorado intenta traer a escena la imbricación de su experiencia personal y su obra, el correlato constante de una en otra, ese espacio intermedio entre realidad y ficción, absurdo y lógica, que es la verdad del mundo percibida y expresada por Franz Kafka.

Encuentros casuales – Sótano / 29 OCTUBRE / 23:00 h.

Dramaturgia y dirección: Francis Lucas

Intérpretes: Francis Lucas y Paca Velardíez

Sinopsis:

Ésta es una historia muy sencilla, acerca de dos personajes tan normales como singulares. Ellos son Margarita y Antonio y nos contarán cómo se conocieron, gracias a una serie de encuentros embarazosos, inoportunos e incluso…¿por qué no decirlo? Surrealistas. Pero el tiempo, que no cura nada pero todo lo cambia, convierte aquellos momentos en episodios cómicos, y de ésta manera serán expuestos por sus dos protagonistas.

*Para este espectáculo el público dispondrá de sillas no numeradas

El horario de los espectáculos del sótano estará supeditado y podrá variar dependiendo de la finalización de los espectáculos que tengan lugar en la Sala Principal

Duración: 55 minutos

El retablo de las maravillas / 30 OCTUBRE / 21:00 h.

Autor: Miguel de Cervantes

Dramaturgia y dirección: Francisco Negro
Intérpretes: Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy
Compañía: Morfeo Teatro (Castilla y León)

Sinopsis:
divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final, que sirve de retrato de los “pecados nacionales” de nuestros gobernantes, pasados y actuales. Todo ello enmarcado en un espacio escénico inspirado en la pintura de Picasso que da a la puesta en escena un inigualable contraste.

Danzad malditos / 31 OCTUBRE / 21:00 h.

Basada en la película de Sydney Pollack ‘Danzad, danzad malditos’

Versión: Félix Estaire
Director: Alberto Velasco
Intérpretes: Guillermo Barrientos, Carmen del Conte, Karmen Garay, José Luis Ferrer, Alberto Frías, Rubén Frías, Ignacio Mateos, Nuria López, Sara Párbole, Txabi Pérez, Rulo Pardo, David Sánchez Calvo, Sam Slade, Ana Telenti, Verónica Ronda

Voz en off: Carlos Hipólito

Compañía: Malditos producciones

Sinopsis:
En una época de colapso económico y terrible miseria, un grupo de personas de toda edad y condición se presenta a un maratón de baile con la promesa de que la pareja que más tiempo aguante ganará un premio en metálico. A lo largo de la competición, los once participantes tendrán que superar pruebas de azar, lealtad, resistencia, y poner a prueba sus límites físicos y mentales, frente a la atenta mirada del público, la presencia de un maestro de ceremonias y una misteriosa cantante.

Reikiavik / 1 NOVIEMBRE / 21:00 h

Texto y dirección: Juan Mayorga

Intérpretes: César Sarachu, Elena Rayos y Daniel Albadalejo

Compañía: Entrecajas (Madrid)

Sinopsis:

Ésta es una obra en que se juega a ese juego. Sus personajes principales -dos de los cuales se hacen llamar Waterloo y Bailén; el tercero tendrá que ganarse el nombre, si es que hay algún nombre disponible- se reúnen hoy para practicarlo como siempre y como nunca. Y entonces aparecen otros muchos: Bobby Fischer, Boris Spasski, el árbitro alemán, el guardaespaldas islandés, la madre de Bobby, la segunda esposa de Boris, las novias que Bobby no tuvo, cien niños despidiendo a Boris puño en alto en el aeropuerto de Moscú, Henry Kissinger, el fantasma de Stalin, el Soviet Supremo, el caballo negro amenazando al alfil blanco, los padres ausentes, los campeones muertos…

Y también usted, también aparece usted

Bailén y Waterloo -que han tomado esos nombres de derrotas napoleónicas- reconstruyen ante un muchacho el gran duelo de Reikiavik: el campeonato del mundo de ajedrez que allí disputaron, en plena Guerra Fría, el soviético Boris Spasski y el estadounidense Bobby Fischer.

Bailén y Waterloo representan no sólo a Boris y a Bobby, sino también a muchos otros que movieron piezas en aquel tablero.

No es la primera vez que Waterloo y Bailén hacen algo así, pero nunca lo habían hecho con tanta pasión. Porque lo que hoy buscan ante ese muchacho extraviado no es sólo comprender por fin qué sucedió realmente en Reikiavik, qué estaba realmente en juego en Reikiavik, quiénes eran realmente aquellos hombres que se midieron en Reikiavik. Hoy, además, Waterloo y Bailén buscan un heredero.

Reikiavik es una obra sobre la Guerra Fría, sobre el comunismo, sobre el capitalismo, sobre el ajedrez, sobre el juego teatral y sobre hombres que viven las vidas de otros. Y es una obra sobre seres que me son más misteriosos cuanto más de cerca los miro.

Tan misteriosos me resultan que, después de haber llevado a escena La lengua en pedazos –otra pieza sobre la santidad, la locura y el sentido de la vida-, sé que es Reikiavik la obra que necesito dirigir.

La especie dominante / 2 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Texto y dirección: Agustín Iglesias

Intérpretes: Magda García-Arenal, Cándido Gómez, Mario Benítez y Nuqui Fernández
Compañía: Teatro Guirigai (Extremadura)

Sinopsis:

Un catedrático de macroeconomía, una cajera de supermercado recién despedida, una pareja de limpiadores, una abogada madura despedida por la joven ejecutiva ambiciosa, un joven tiburón de las finanzas, dos vendedoras de unos grandes almacenes, un matrimonio disfrutando de los placeres del sexo y el dinero o un desesperado cincuentón llamando a una línea erótica son algunos de los dieciséis personajes de esta tragicomedia. Personajes que nadan por las turbulentas aguas de esta crisis que saca lo mejor y lo peor de nosotros mismos y que nos sitúa en un mundo donde, sobre todo, impera el poder del dinero.

Siete escenas y 16 personajes que surgen de las páginas de los diarios, de las voces de la radio, de las conversaciones a media voz de familiares y amigos. Sus rostros se encuentran en la prensa, en los medios digitales, en los reportajes televisivos, en los desconocidos con los que nos cruzamos a diario.

La última batalla – Sótano /2 NOVIEMBRE / 23:00 h.

Autor: Manuel Tirado

Director: Francisco Suárez
Intérprete: Guillermo Serrano

Sinopsis:
El texto explora el sentimiento de desamor de una mujer, Clitemnestra, esposa de Agamenón, ninguneada, maltratada y abandonada por su marido. Al final lo asesinará, pero nadie, hasta esta noche, sabrá que hizo la reina en su aposento una hora antes de que volviera su esposo de la guerra de Troya. Las Erinias, diosas de la Venganza, escondidas durante diez largos años debajo de su cama, saldrán a recibirlo.

La vida secreta de Mamá / 3 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Autor: Concha Rodríguez

Director:  Sergio Gayol

Intérpretes: Esteban G. Ballesteros, Concha Rodríguez, Inma Pedros, Ángela Tomé, Miguel Pérez Polo, Sandro Cordero, Rubén Torres, Nuria Cuadrado y Carmela Romero

Compañía: Estampa teatro (Extremadura)

Sinopsis:
Un matrimonio, totalmente independizado de sus hijos –todos viven en ciudades bastante distantes del nido-, viviendo en paz y plenitud, reciben una horrible noticia: Su repelente yerno, según ellos, opta con grandes probabilidades en dirigir la empresa en la que el suegro lleva trabajando toda su vida y entre semana vivirá en la casa familiar. Ante tales hechos, se ven obligados a revelar la vida secreta de mamá, en la que nada es lo que parece y en la que el padre queda en flaco lugar. Todo menos ser descubierto en su vida socio-laboral. Mentiras y secretos familiares saldrán a la luz, para lo que intentarán utilizar todo tipo de medios, hasta los más sobrenaturales. Jaque mate a una familia al descubierto.

El cuarto poder / 4 NOVIEMBRE / 21:00 h.

Autor: Laura Olmo

Directora: Laura Durán
Intérpretes: Raquel Bravo, Inma Pedrosa, Sara Jiménez, Isabel Parejo, Sergio Rodríguez y Fulgencio Valares

Compañía: Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura

Sinopsis:
Desde hace siglos actúan en nuestra sociedad tres tipos de fuerzas: el poder ejecutivo, legislativo y judicial. Neonato al lado de estos tres poderes aparece el cuarto: la prensa. Ésta ha ido tomando distintos formatos y encuadres desde su nacencia… ¿Tanto es el poder de los medios de comunicación en la actualidad? ¿Existe la verdad objetiva? ¿El poder nos corrompe? ¿Está el cuarto poder al servicio de los otros tres poderes o están éstos al servicio del joven cuarto poder? ¿Salimos en nuestro país de la situación de censura, miedo y sumisión de hace 60 años? ¿Somos la generación más aborregada de la historia? Son algunas de las preguntas que nos plantea la obra.

Julie – Sótano / 4 NOVIEMBRE / 23:00 h.

Autor: Miguel Murillo

Dirección y adaptación: María José Mangas
Intérprete: Leonor Aunión

Compañía: Mutedán teatro de Badajoz (Extremadura)

Sinopsis:
Julie, nos traslada al París de 1944, bajo la ocupación alemana en la Segunda Guerra Mundial. Un monólogo sobre el ser humano y su cobardía, la alegría de vivir y la lucha por el amor a pesar de todas las dificultades. Julie Morat, “la voz de cristal”, cantante del club Le Lion D’or de París, tendrá que pagar un precio por enamorarse de un soldado alemán, por lo que será juzgada de colaboracionista.

Julie, nos hace amar, llorar, soñar, luchar… y nos traslada con sus ojos al cielo de nuestro París más personal. Julie es vulnerable y fuerte a la vez como el cristal, es del 1944, es actual, es eterna. Julie nos rejuvenece, nos emociona y hace despertar en nosotros la búsqueda de la verdad de uno mismo.

ENTRADA GENERAL: Butaca de patio: 12 € / Anfiteatro: 10 €

ABONOS (11 funciones): 60 € ABONOS CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX: 30 €

FUNCIONES FUERA DE ABONO: Sábado 22 de octubre  ‘El amor brujo’ / Domingo 23 de octubre ‘El Jurado’ / Lunes 24 de octubre ‘Los misterios del Quijote’   Butaca de patio: 20 € / Anfiteatro: 18 €

DESCUENTO CARNET JOVEN, PENSIONISTAS, DESEMPLEADOS Y MIEMBROS DE FATEX: Butaca de patio: 15 € / Anfiteatro: 12 €

Precios funciones sótano: Sábado 29 de octubre 23:00 h. ‘Encuentros casuales’ / Miércoles 2 de noviembre 23:00 h. ‘La última batalla’ / Viernes 4 de noviembre 23:00 h.  ‘Julie’   Precio único: 10 € (Aforo máximo de 60 personas) / Para estos espectáculos el público dispondrá de sillas no numeradas

Espectáculos Festival Joven: Martes 25 de octubre ‘El pequeño Poni’ /   Miércoles 26 de octubre ‘Mármol’ / Domingo 30 de octubre  ‘El retablo de las maravillas’ / Martes 1 de noviembre ‘Reikiavik’ / Miércoles 2 de noviembre‘La especie dominante’ / Jueves 3 de noviembre‘La vida secreta de Mamá’ / Viernes 4 de noviembre‘El cuarto poder’

7 de octubre de 2016
Olga Estecha «El alma del Teatro Clásico de Alcántara»

Alcántara, como todas las localidades mágicas de Extremadura, tiene su propio color, su particular sonido, su fragancia impresa en zaguanes y rincones, su espectro de silencio, un mutismo orgánico que sólo los retozados en sus sillerías saben apreciar. Alcántara es un jeroglífico de venas árabes, sangre batallera y músculo romano, una frontera que divide el habla y proyecta su eco en patios de conventos, una villa que chulea de arquitectura, un puente con piernas de coloso y un muro de hormigón que mantiene en suspense una cantidad ingente de agua, muchos siglos de luchas y 32 años de arte y cultura en forma de teatro.

De esas 32 ediciones, las últimas cuatro las llevan confeccionado un equipo profesional made in Extremadura con Olga Estecha a la cabeza como directora artística. A Olga le brillan los ojos al hablar de teatro, se le agarrotan las manos al hablar de sus compañeros de profesión, de los que trabajan planchando los trajes, de los que iluminan con un foco desde el fondo del escenario, de los que escriben obras, de los que arriesgan su vida para montar una compañía, de los que actúan, recitan, sienten y gozan encima del escenario, de los que a pocos metros de los actores, en la orilla del Convento de San Benito, se dejan llevar por historias y tiran de lágrimas para no parpadear, para no perderse un instante del instante único e irrepetible de una obra de teatro.

Sabemos que Alcántara supone un hito muy importante en tu carrera…

…Sin lugar a dudas, yo vengo del teatro extremeño, yo empecé profesionalmente con el Teatro Estable en Cáceres, pero curiosamente para mí Alcántara tiene mucha magia porque yo empecé en esta localidad haciendo teatro amateur interpretando a la Princesa de Éboli. Fui un salto muy importante en mi carrera y la implicación con este Festival es desmedida por el cariño que le tengo a este escenario.

¿Cómo llegas a la dirección tan pronto?

Compaginando el papel de actriz y ayudante de dirección gracias al Teatro Estable de Cáceres de la mano de Paco Carrillo. Con Atacama Teatro empiezo también a dirigir sin dejar de actuar hasta hace diez años que me quedé embarazada y la maternidad me llevó por otros caminos en la dramaturgia. En ese momento te dejan de llamar, tan duro como una obra trágica de teatro…[Ríe].

Pero la vida da muchas vueltas, y tras currarte la vida en los escenarios ahora puedes dirigir un festival tan relevante para la región…

Tengo la suerte de haber mamado esta profesión en Extremadura, de haber trabajado con verdaderos maestros y compañeros y eso me hace conocer parte de los que se cuece en los escenarios y en el público que asiste al teatro. He recorrido muchos kilómetros con funciones por toda la región y tengo una perspectiva muy cercana de cómo se trabaja aquí.

“En primer año como directora adelgacé dieciocho kilos y me rompí una pierna”

¿Cuánto tiempo llevas como directora artística y qué balance puedes hacer en este tiempo?

Es mi cuarta edición en el Festival de Teatro Clásico de Alcántara y el balance es bastante personal, es decir, cuando realicé el proyecto para el Festival programé todo aquello que yo quería hacer. En el primer año comenzamos muy tarde, sólo tuvimos tres meses para preparar todo, gracias a que tengo un equipo profesional… [Ríe]…y familiar buenísimo. No olvidemos que éste festival llevaba un rodaje de veinte años y eso te lo pone mucho más fácil. De ese primer año recuerdo que me dejé aconsejar por los trabajadores que habían trabajado las ediciones anteriores, pero fue duro…[Ríe]…adelgacé dieciocho kilos y me rompí una pierna. Los años sucesivos mantuvimos la adrenalina y los nervios de la producción pero bastante más relajado.

“Tengo la suerte de haber mamado esta profesión en Extremadura, de haber trabajado con verdaderos maestros y compañeros excepcionales»

¿Qué trabajo, cuánto tiempo lleva elaborar un festival como este?

Sobre diciembre empezamos a ver obras relacionadas con el siglo de Oro. Preparamos una planilla para viajar y poder seleccionar los montajes más adecuados para este festival. Los vídeos ayudan bastante para hacer más fácil el visionado de las obras. El escenario de este festival tiene unas peculiaridades y queremos que la obra encaje sin forzar. Con el Brujo, por ejemplo es fácil, porque él sólo llena el escenario y el público es fiel a sus representaciones. Dentro de este trabajo de selección también queremos acercar al público más joven el teatro del siglo de Oro, con obras más arriesgadas y con caras conocidas sin perder un ápice la calidad de la obras. No queremos olvidar tampoco a las compañías independientes dentro de este marco, aportan mucha frescura.

Y hablando de frescura ¿Qué ofrece el programa de esta edición?

Este es uno de nuestros objetivos a la hora de definir que programación hacer. Queremos acceder al abanico más variado de público posible, de ahí la variedad. Buscamos una programación seria, variada, que cifra en la calidad de los espectáculos su premisa irrenunciable. Por supuesto, enclavados en Renacimiento y siglo de Oro.

¿Qué esperas del público que asiste a estas obras…con qué te quedas?

No me canso de decir que el público alcantarino es un público acostumbrado al teatro clásico. Lo disfrutan, lo conocen,….el siglo de Oro no es un desconocido para la población. Con esto es con lo que me quedo. Espero que les guste la programación y que disfrutemos todos de estas noches que presiento mágicas.

¿Esa magia supone un chute de dramaturgia, un verdadero impulso de turismo cultural?

Creo que el turismo cultural es una de las grandes bazas de nuestra Comunidad. Tenemos una región cuyo verano se impregna de cultura. Tenemos un patrimonio histórico enorme, al que debemos unir todo nuestro potencial, todo nuestro esfuerzo para hacer de los veranos extremeños, calurosos y culturales, un lugar ineludible de vacaciones… !Aquí hay una cultura de lujo, disfrutémosla!

“¡Aquí hay una cultura de lujo, disfrutémosla!”

Tú que vives el teatro 24 horas al día y 365 días al año…¿Cuál es el estado de salud del teatro?

Extremadura tiene profesionales como la copa de un pino, con gente muy buena a la que hay que mimar y apreciar más. El caso en el que este festival no hay actores extremeños es pura coincidencia, son años puntuales y obras muy definidas, no significa que los tengamos olvidados. En el momento que Extremadura exista un montaje que consideremos que esté a la altura de los 200 metros cuadrados y del público que asiste a las representaciones tendrá cabida sin lugar dudas dentro de la programación. Esa sensación generalizada de pensar que los de aquí valemos menos en el ámbito cultural es un desacierto mayúsculo.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

1 de agosto de 2016
Un escenario, un Mamet radical y dos maravillosas actrices, Magüi Mira y Ana Wagener

En el escenario del Teatro una mesa de oficina y dos sillas, sobre la mesa, dos tazas, un teléfono y un historial delictivo, sobre el historial de la reclusa una obra dura, áspera y vertiginosa de David Mamet.

Magüi Mira (Premio Ceres 2014 a mejor directora por su adaptación de Khatie y el hipopótamo y el Estanque dorado) llega la primera, me pide maquillarse un poco antes de la entrevista, Ana Wagener llega con una sonrisa de oreja a oreja, sube por las escalinatas provisionales que unen el patio de butacas con el palco escénico. Ambas se encuentran en los camerinos, en la trastienda del mercado teatral donde los besos y las voces de las dos actrices se venden como delicatesen.

Yo las espero en el silencio, entre las sombras de la tramoya, con cara de regidor y espectador de excepción. Magüi y Ana vienen hablando de sus recientes trabajos, de sus nuevos peinados, del calor que hace en Badajoz, de lo maravilloso del enclave de este teatro. Yo las espero con una silla más que añadir a la obra, la de improvisado Cicerone de la ciudad, ellas se acomodan en el decorado, en sus sillas, pero se cambian los sitios, los roles, y se plantean el cambiar de papel en alguna furtiva función.

Nos gusta ensayar antes de cada obra, recordarla, añadir matices y afianzar los personajes de La Anarquista, me comenta Ana mientras da un largo sorbo a su termo de café, Magüi bebe agua del tiempo, yo coloco mis achiperres junto al atrezzo de la mesa.

Magüi, Ana, si hoy tengo que explicarle la función de este teatro ¿cómo podría resumirla?

Ana– Es un pulso de dos mujeres por conseguir lo que cada una cree que es justo para cada una de ellas…durante ese tiempo suceden cosas que les obligan a cambiar de rumbo o por lo menos reflexionar…

Magüi – …esta obra es un viaje fascinante porque están las dos al límite y todo lo que ocurre en ese viaje es algo que ninguna de las dos espera, ni sospecha que va a pasar…es un debate de ideas entre ambas, pero que no sólo eso ni muchísimo menos, hay también una gran tensión emocional, son mujeres que dependen mucho una de la otra, incluida la sexual.

“Lo bonito de esta función es que Mamet hace activo al espectador, que hace que una vez finalizada la función, el público siga dándole vueltas al coco.”

José Pascual, director de la obra en España y creador de la versión de Mamet, define la obra como un duelo dialéctico entre una personaje atrapado en una cárcel física y otra atrapada en su cárcel mental…¿Quién está más encerrada de las dos?

Ana – Esa es la pregunta que tiene que hacerse el público, son ellos los que tienen que llegar a una conclusión…ni Ann, mi personaje, ni el de Cathy que interpreta Magüi, se encuentran en libertad. Cathy es una presa física aunque mantiene su idilio con su libre actividad del pasado que la lleva a la cárcel, Ann no quiere reconocer su prisión, y evidentemente para mi es mucho más dramática la prisión de Ann que la de Cathy

Magüi – …como espectadora, para mí también, porque Cathy si se puede liberar, Ann está presa con rejas físicas, impuesta por la ley, mientras que Cathy está impuesta por los prejuicios y la presión de una sociedad tan disparatada como la que vivimos hoy.

Ante dos preguntas sobre la importancia del padre enfermo en vísperas de su muerte y motivo de su permiso de salida y el tipo de condena de la rea, ambas actrices se muestran elocuentes y dejan para el espectador la conjetura final de la trama

Ana – Lo bonito de esta función es que Mamet hace activo al espectador, que hace cambiar de parecer constantemente, que hace que una vez finalizada la función el público siga dándole vueltas al coco.

Magüi – El dramaturgo norteamericano destripa una serie de temas actuales pero no sentencia…la reinserción, ¿pena y arrepentimiento?

En una obra de Mamet, sublime, en Glengarry Glen Ross, los personajes hablan y hablan y hablan hasta confundir con la dialéctica al espectador, y provocar giros inesperados en una oficina de corredores de apartamentos… ¿Tiene mucho de este estilo la obra de La Anarquista?

Magüi– En nuestro caso los personajes están muy definidos, definidísimos, y está dado por el trabajo de las actrices, Ana Wagener está tremenda, asume el rol y absorbe el escenario con su funcionaria de prisiones

Ana – Los diez primeros minutos de esta función solamente la partitura que ella utiliza para expresarse ya define a los personajes…aunque es cierto que David Mamet es el rey del subtexto.

¿Os lleváis a Cathy y Ann a la cama o se quedan dormitando en el escenario hasta nueva función?

Ana – Cuando sales de una función terminas con una adrenalina muy especial…y en contadas ocasiones te llevas reflexiones de los personajes, te dejan muescas en la vida, pero sinceramente yo desconecto y no afecta.

Magüi – Nosotras al contrario, es decir nos ponemos el personaje dos horas antes, para trabajarlos, calentarnos, e ir haciendo músculo emocional, pero después no nos llevamos el personaje a casa.

Cómo os preparáis antes de salir…un ritual…

Magüi – Entrenamos, la maestra, la coach es Ana…sin ella ya no sería capaz de hacer otra función. Ríen

Ana – Sonríe…nos ayudamos, nos cumplimentamos mucho…y creo que la función está viva porque la hacemos revivir nosotras

Magüi – Prepararte la obra con tu compañera no tiene color…

“Con un público y unos programadores como los de Badajoz, que apuestan por el arte. ¡A mí me da un enorme subidón!”

Esta obra no tuvo demasiado éxito en los Estados Unidos. La función se estrenó en Madrid y Nueva York el mismo día. En Broadway ha sido un pinchazo enorme. Machacada por buena parte de la crítica, saltó de cartel con tan solo 17 representaciones (y 23 previas). Entre las razones de la caída de La anarquista cabría apuntar la elección del Golden Theatre, una sala de 800 butacas, y el estratosférico precio de las entradas (130 dólares), imagino que así establecido para pagar los salarios de las dos estrellas, Patti Lupone y Debra Winger…¿A qué se debe la diferente, la buena acogida en los teatros españoles de esta obra?…¿quizás vuestro salario?

Magüi – Nada, nada, ese el precio del teatro allí, yo estuve allí, la dirigió el mismo autor Mamet, y éste fue el error. Escribió un texto mucho más valiente, transgresor y sorprendente que luego su dirección, restándose a él mismo…mi teoría es que los productores se acobardaron…texto más light para ser políticamente correcta. Antes de comenzar la obra, en el inicio y esto se estila mucho en Nueva York, el público enloquecido aplaudió a rabiar a las dos maravillosas actrices, Patti Lupone y Debra Winger, al finalizar sólo hubo tímidas palmas, lentas y secas

Si es verdad que la gira que hemos hecho nosotros con una obra contracorriente, con un teatro de ideas nada usual nos permite pensar que esta obra interesa, con un público y unos programadores como los de Badajoz, que apuestan por el arte. ¡A mí me da un enorme subidón!

Ana, durante la obra de La Anarquista destacas una frase: “cuanto más vives, más ves cómo cambian las cosas y te devuelven al principio…” ¿Puede definirse de esta manera la obra de Mamet…o sólo atañe al teatro en general?

Ana – Yo creo que no, extrapolada la frase puede resultar un eslogan de la obra, pero esta función tiene mucho más contenido

Magüi Mira termina la entrevista respondiendo esta última pregunta con el dialogo de La Anarquista

Magüi – ¿Y las personas no podemos cambiar? Yo aún tengo que verlo ¿Te lo puedes imaginar?…Puedo

Con este I can, sacado del bestiario personal de Mamet, las dos actrices se preparan para el ensayo, queda poco más de una hora para que comience la función, y Ana le da otro largo sorbo al café como un inspector de cine negro se tratase y Magüi se revuelve los pelos canos y se resguarda en su chal oscuro como Norma Desmond, el personaje de Sunset Bolulevard, esperando que el escenario pacense del Teatro López de Ayala temple las voces de estas apabullantes actrices.

Redactor: Willy López | Fotografía: Willy López

26 de febrero de 2016
Ramón Fontseré «El teatro como analgésico»

Llueven barreños de agua tirados con mala leche desde las nubes negras que cubren por completo todo el distrito pacense. Saludamos a una de las piezas claves del teatro español actual, Ramón Fontseré. Le desgajamos de su sombrero otoñal y le birlamos una mañana de esas de estar con un libro y un buen priorato en un cómodo sillón con vistas egregias desde su masía. A cambio le proponemos una entrevista con unas buenas fotos en el ambigú del Teatro López de Ayala con vistas a impertinentes preguntas. Acepta.

El actual director de Els Joglars nos hace de sedante periodístico, nos quita la jaqueca de la rutina del día a día y nos hace viajar de manera magistral al universo de su escenario, el analgésico de Fontseré.

Els Joglars asume otro riesgo. Siempre lo hacen. Este grupo español de teatro hecho por catalanes sube el telón con VIP, una obra rebosante de actualidad educacional. Asumen el mismo riesgo desde que montaron su primera obra, capaces de mandar al Quijote a algún lugar de Manhattan, de enfrentar a un toro y a un torero en un escenario o de chulearle a Dalí el protagonismo ante un Josep Pla omnívoro.

La grabadora recoge el sonido de la lluvia, el pasodoble que ensaya la Banda Municipal y los ecos en clave teledeum de Boadella. El rec recoge las palabras Ramón Fonstseré.

Este tipo de días se crearon para estar en casa leyendo…¿Qué novela tiene entre manos?

Ahora estoy con un libro de Umberto Eco, se llama Número Cero, pero nunca olvido de leer a Pla, Zweig y muchos libros de historia…

…suponemos que esos libros son artífices de la gestación de sus obras…

De Josep Pla, por ejemplo, en la obra de VIP, habla de la infancia en su volumen de Humor, Candor. Cuenta una anécdota sobre la enorme importancia que han cogido los niños en la sociedad actual, donde en una visita a una casa de una señora que tenía una niña pequeña, tuvo la experiencia de ser ajusticiado, pensando en el supuesto de dulzura de esa edad que serían besos, por arañazos de toda índole…[Ríe]…¿Quién protege ahora a la vejez? Decía el autor catalán…sin duda un retazo de lo que es VIP.

¿Puede valer al espectador la reflexión que hacéis durante la obra ante esos “arañazos infantiles”?

[Ríe]…es muy difícil, tengo amigos que han venido a ver el espectáculo y tienen “Vips” y luego observas que hacen lo que quieren, mejor dicho, sus hijos siguen haciendo lo que quieren. Creo que nos quedamos cortos en la obra…

…¿Cortos? en el teatro no suele convivir la sutileza…

…Lo que pasa es que a veces, cuando oyes cosas de la realidad, si las pones en el escenario, no es autocensura pero tengo la intuición de que la gente no se lo va a creer. Luego tengo que rebajar un poco, para que se sientan identificados.

“En el teatro, para que llegue, hay que aumentar el volumen. Hacer pensar y dudar es buena señal, en un síntoma de anti dogmatismo”

En VIP, por tanto estaremos rodeados de niños…

…En Vip hacemos un tipo de interpretación expresionista, de personajes pantagruélicos, y adoptamos el papel de niño pero a lo grande, es decir, los padres, el progenitor es como un insecto que se mueve alrededor del niño con tratamiento VIP, y que todo lo que sucede alrededor del niño está orientado entorno a ese pequeño dictador. Quizá así es más metafórico, buscando una teatralidad que pueda sugestionar al espectador. La educación y la rutina son básicas para sentar las bases. Tengo 59 años y mi educación jamás me permitió, ni tan siquiera, llamar imbécil a mi padre. Ahora todo es demasiado extremo.

Ramón…¿Tiene hijos?

[Sonríe]…no, pero voy a decir como Dalí, los genios no podemos tener hijos porque salen mediocres…[Ríe]…pero estoy rodeados de sobrinos…y alguna acción “Vip” he sufrido.

Vuestras obras siempre son mordaces, ácidas, con mucho contenido para plantear dudas y para pensar un largo tiempo.

En el teatro, para que llegue, hay que aumentar el volumen. Hacer pensar y dudar es buena señal, en un síntoma de anti dogmatismo, anti borreguismo…te hace valorar una cosa y otra sin tener que aferrarte a una única idea. En la obra Controversia del toro y el torero, por ejemplo, ambas partes dan sus razones y siembran de dudas todo el tema taurino.

Desde Teledeum, su primer espectáculo con Els Joglars hasta ahora han pasado más de treinta años, ¿Qué parte de esa larga trayectoria le trae mayores recuerdos?

La etapa de la inconsciencia…[Ríe]…cuando era joven y decías ¿Laurence Olivier?… ¡bah! ¿Charles Chaplin?, un tipo que sabe hacer dos cosas con el cuerpo…¡bah!…¿Qué me van a contar esos a mí?..[Ríe]…¿Se puede ser más imbécil y gilipollas en la vida?…y es que cuando más años pasan y crees tener mayor decisión y experiencia, los pasos son más indecisos y contienen más dosis de pánico…y en los inicios no había ese temor.

¿Y qué significó interpretar a Pla?

Algo mágico y complicado, llevar toda la vida de un escritor, su trabajo, la majestuosidad (en todos los sentidos, de su vida a un escenario ha sido otro de mis grandes momentos dentro de Els Joglars. Personajes y tipos como él, mediterráneo, con retranca, ampurdanés, como Dalí, se necesitan, hacen mucha falta en Cataluña. Nos salvó que su obra en prosa es bastante teatral, los huevos de la gallina los podía enlazar con la falda de la campesina dueña de las gallinas y a la vez con Jantipa, la mujer de Sócrates y así hasta no parar…muy teatral. Recuerdo una anécdota suya donde le ofrecían una buena suma de dinero por un artículo en una revista americana y Josep Pla les respondió que no lo haría porque le desequilibraría el presupuesto…[Ríe]

“El teatro debe ser a la italiana, un escenario con entrega grande con el patio de butacas donde todos estemos a gusto”

¿Qué supone para usted el escenario?

Yo soy carne de escenario. Es un analgésico, una especie de amnesia de la vida real. Allí arriba, zas, desaparece todo, poder jugar con mi edad es algo cojunudo. Todo un privilegio

¿Qué echa en falta en el teatro que se hace ahora?

Para hacer teatro sólo se necesita un tipo o un tipo, un pequeño cuadrante y una vela. Ahora se hacen macro espacios para espectáculos que dependen de cierta demanda. El teatro debe ser a la italiana, un escenario con entrega grande con el patio de butacas donde todos estemos a gusto.

¿Qué significa venir a Badajoz un año más?

En Badajoz estamos muy cómodos, significa que estamos vivos, que traemos una obra a estrenar en la ciudad que siempre suele llenar con un público muy entendido. Hacer teatro con todo lleno es una catarsis…[Ríe]

Da curso para actores ¿Qué les recomienda?

Les recomiendo que vayan a misa, es una de las pocas cosas que comparto con la religión, el rito de oficiar desde el altar una misa…obedece a una cosa que suelo hacer siempre que puedo, ir a las iglesias a ver misa oficiados por curas, dominan el tempo de cada acción, tienen el teatro dentro.

“En Badajoz estamos muy cómodos, significa que estamos vivos, que traemos una obra a estrenar en la ciudad que siempre suele llenar con un público muy entendido”

Albert Boadella, habla de la libertad omnívora de Els Joglars ¿A qué se refiere?

Se refiere a lo que estamos haciendo hasta ahora, de tratar los temas desde un punto de vista singular, desde un punto de vista que a veces va contra la gran masa e ir en contra de la propia tribu. Lo hemos realizado siempre, con Operación Ubú, M7 Catalonia, El Nacional…el teatro está para eso…para contar algo…y que conste que no descubrimos nada nuevo, el señor Molière cuando hizo el Tartufo lo tuvo que estrenar fuera de París, incluso con la bendición del rey Luís XIV, porque toda la Corte estaba en contra al sentirse plenamente identificados con los personajes de la obra…somos meros seguidores de la sensa marcada por esos dramaturgos como Aristófanes, Shakespeare, Chéjov…y lo hacemos porque nos divierte. Nos gusta iluminar las estatuas que necesitan una capa de pintura, ahí ponemos el foco. Haciendo el Retablo de la Maravillas poníamos en cuestión la cocina moderna, llena de esferas de humo, no quiere decir que no me guste la comida de Ferrán Adriá…la libertad de mostrarlo…eso es la libertad omnívora.

El código del teatro difiere mucho de la tele y el cine…en este último siempre los directores le han vestido de papeles franquistas (Soldados de Salamina de David Trueba basada en la novela homónima de Javier Cercas, donde representa al personaje de Rafael Sánchez Mazas, escritor y miembro fundador de la Falange Española; y ¡Buen viaje, Excelencia! de Boadella donde interpreta a Francisco Franco)…¿A qué se debe?

[Ríe]…Pasé de un intelectual con unos hijos magníficos (Rafael Sánchez Ferlosio) a Franco por casualidad, es lo que tiene el cine, son papeles que te ofrecen y supone un juego para mí.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez

18 de octubre de 2015